电影《心花路放》观后感

第一篇：电影《心花路放》观后感

电影《心花路放》观后感

片头，各种粉屑纷飞，所有的东西都被锯成两半，我以为这是一个破烂回收站，看到后面才知道这是耿浩在跟要离婚的前妻分财产，看到所有的东西，一切能切割的东西都被耿浩锯成两半，并且康小雨的律师告诉他康小雨不需要分财产的时候，我们被这个二逼屌丝耿浩蠢醉了，整个影院，笑声持续十几秒。虽然我知道，在他把这些东西分成两半的时候，他的心，也只剩下了一半。

整个故事，把郝义带着耿浩去给剧组送道具，展开的疗伤之旅和一个叫做小雨的女孩，情路坎坷，在经历完闺蜜婚礼，还有修也修不好的水龙头后，被一首名叫《去大理》的歌曲忽悠，说走就走去了大理的两个故事交叉叙述。我一直以为这个叫做小雨的姑娘会是耿浩最后一个艳遇。

在经历完醉酒呕吐洗胃吊水后的耿浩，在郝义开完天目山的车上醒来，让郝义掉头回北京，他们在哪里发生了一次争执，郝义说服耿浩是拿出两张美女的照片，说了那套阴影理论：阴影让物体显得更立体。耿浩说是的，我站在阴影里让你更立体。

其实这句话就像朋友之间会抱怨这人跟我玩是不是因为我是一个绿叶，正好衬托他是一朵红花。

最后，耿浩还是顶不过这种复杂的感情，用了港剧里常有的对白，对郝义说了恩断义绝的话，从此分道扬镳，耿浩删了前妻的电话，和郝义的照片，去了大理，去了他们认识的客栈，这时，我们才恍然大悟，那个盼望逃离纷扰的女孩小雨就是康小雨，耿浩的前妻。他擦去了他们第一次见面的那句：耿浩 对不起 康小雨。他也终于承认，失败的过去是人生的一道阴影。他终于接受了这道阴影，说出了祝福。说过的人都知道这声祝福如石头，有多重只有自己知道。放在心头压着难受，尽管再难受，也总是舍不得放低。只有承认过去，承认失败，人生才会更加立体美满。

你的歌里全是骗人的。

“我不爱吃橘子，只是喜欢橘子皮的味道。”“嗯，刚好，我喜欢吃橘子。”

一部电影走到这里也接近尾声，有许多眼帘边缘的泪水，在看到耿浩大乱夜色pub，被酒吧老板一群人群殴时，恰好出现的果汁和郝义，看着郝义那不顾形象，不管身形奔向耿浩的身影时，溢出。虽然那个啤酒瓶还是砸在了耿浩的脑袋上。郝义背着耿浩找医院，后面跟着果汁。其实我们都需要这样的朋友，损嘛损的要死，还以为你好打头，可是在紧要关头会一直陪着你。看着你难受分开也会担心，就算吵闹也会回头来找你。这样的友谊好似恋爱，却胜似爱情。

色鬼郝义最好还是栽在睡过两次的阿凡达手里，走进了阴影。放下心中石头道出祝福的耿浩走到了阳光下。其实，朋友之间对彼此来说既是阳光也是阴影，光影相互作用，物体才会更加立体。

看到好看的电影，在结束灯光亮起时，磨磨蹭蹭舍不得离开影院，只想听完最后的片尾曲，然后在细细品味刚刚的电影。

大理 苍山 洱海

电影里的景色很美。刚好是个假期，对电影里的景色都充满了向往。

我也想有一辆车，和最好的朋友在路上，如果我爱的人不在我身边，那么一定在3000公里以外的远方。如果你不来我身边，请不要阻止我去找你，带着我的好朋友。

嗯，还想再看一遍电影，有人请我么？

第二篇：心花路放影评

耿浩：好人却没有好婚姻

爱情中很难分清楚，到底是谁对不起谁，但是在电影中黄渤饰演的耿浩很明显的没有对不起袁泉饰演的康小雨。耿浩始终是个好人，不乱勾搭女人，并且很重感情，在机场和康小雨通话，耿浩泪如雨下的脸上明明白白地印着两个字“不舍”，而嘴上说着自己放下了，转身却又自欺欺人的把手机号码删掉。反观康小雨呢？这个大龄女青年，情路坎坷又被闺蜜各种逼婚，怀着这样的情绪来到了大理寻找爱情，恰好遇到了自己喜欢的歌手耿浩，冲动之下就开始了感情。这段感情一开始就预示着不详，因为康小雨目的性太强，又太冲动，闪婚之后只能是闪离。

“耿浩对不起康小雨”，很多人认为这句话暗示了这段失败的婚姻中，耿浩的责任更大，因为他没有满足康小雨的人生追求，放弃当歌手的梦想去卖二手音响。由徐峥饰演的好朋友郝义也认为要是当初耿浩继续唱下去绝对比现在有前途，但耿浩为什么要放弃当歌手呢？其中的一个原因就是为了康小雨，没有物质的爱情是长久不了的，而有了爱情后的男人就会渴望稳定，因此耿浩更坚定的放弃当歌手这个本来就不靠谱的梦想，酒吧老板之所以放他的歌只是因为他唱的是大理，不然谁会喜欢他这样要脸蛋没脸蛋要背景没背景的怪咖？康小雨为孤寂的心寻找了一个暂时逗留的地方，但却带给耿浩难以抹去的心伤。

康小雨：对不起，请你原谅我耿浩当然也有自己的问题，症结就在于他对感情也是很懵懂。影片中没有提到耿浩在遇到康小雨之前的感情经历，但从他待人接物来看，耿浩估计也是个初哥，康小雨应该是他第一段正式的感情。耿浩不像郝义，郝义长袖善舞摆得平各种女人，并且发展出自己的一套爱情攻略：不和同一个女人上两次床，而耿浩在离婚之后，连和女人搭个讪都不懂，居然天真拿出钱来要小姐说爱他。初哥的耿浩遇上同样“情商”低下的康小雨，只能是个悲剧。试想如果不是康小雨主动，耿浩这样的木头敢追求她吗？从这一点来看，耿浩也没有对不起康小雨。

耿浩和康小雨离婚是早晚的事，但是耿浩没有对不起康小雨，他已经做出自己的努力来维持这段感情，可惜他并没有成长多少，或者说康小雨也没有帮助他成长，甚至连成长的时间都不给他。康小雨最后是和李晨饰演的小三走到了一起，老实说这位论长相、前途都拉耿浩好几条街，康小雨和他在一起是会更合适，但是康小雨不应该用自己的幸福来打击耿浩。离婚之后应该相忘于江湖，而康小雨却一味的希望耿浩原谅他，更是在离婚不久后就迅速步入婚姻的殿堂，这让仍然心伤的耿浩情何以堪！

耿浩没有对不起康小雨，但是也不能说康小雨对不起耿浩，虽然她伤透了耿浩的心，却也让他真正的成长起来，明白了爱情不是一时冲动，爱情不是不可或缺，在爱情之中也要保持自我，只有我努力才不会让别人把你抢走，我们也才能好得让别人妒忌。这也是影片给我们的一个启迪。

港片的阴面 吴宇森虽在好莱坞历练多年，但他的这部《赤壁》却不是一部好莱坞作品，而是一次港片素质的大爆发。香港电影在八九十年代初居于强势，强势下自有阳刚表现，我这一代人的青春偶像便是香港黑帮分子，而不是革命烈士。具备友爱、勇敢等诸多中华传统美德的黑帮分子，是香港电影的阳面，而自轻贱他的心态是其阴面。商业片是阴阳互补的，大众一方面需要被震慑，另一方面也需要发泄，崇拜欲和诋毁欲是大众心理的阴阳两面。崇拜，建立某种价值，产生一个强者，观众会有“我等于他”的感慨，于是感觉良好；诋毁，则是毁掉某种价值，产生一个弱者，观众会有“他不如我”的感慨，从而感觉良好。商业片的目的，就是让人自信地活下去。八十年代初的香港阴盛阳衰，充斥着《最佳损友》一类的自轻贱他的喜剧片，《英雄本色》很难找到投资，吴宇森最早是一个与港片阴面作斗争的导演，他斗争成功，掀开了英雄片浪潮。但港片的血统是阴阳双全的，虽然他以阳面胜出，但他本具的阴面一有机会便会不可抑制地爆发，所以有了《赤壁》。全世界大众文化的阴面都是“幸灾乐祸”式的，北野武在日本电视界相当于赵本山，一直自觉是大众宠儿，结果他出车祸毁容后，发现日本人都很高兴，他伤了心--大众文化本就如此，其现象很多时候来自于嫉妒，所以一个明星会自嘲，是自我保护的最好手段。而香港电影中的自嘲达到了自毁的程度，徐小凤是香港一代歌后，五十多岁在舞台上仍美得像女神一样，但她乐于在《最佳拍档》、《赌圣》系列里出演恶俗肥婆，尽显老丑--这恐怕是其他地区的“后”级人物难以做出的事情，比如好莱坞的影后嘉宝怕容颜衰老，破坏影迷心中的美好记忆而息影隐居。巅峰人物为维持地位，总是要自尊自爱，这是常情，而香港的帝后们勇于丢人现眼，非把自己弄恶心了为止。几乎香港的影帝都玩过屎尿，周润发在《监狱风云2》中表演过拉屎，钟镇涛在《赌圣 2》中表演过抠屎，刘德华在《雷洛传》中表演过淋屎，至于周星驰……此君的电影中，人体的各种排泄物都是点睛之笔。按照西方心理学的说法，一个人有屎尿情结，说明心理深层未脱离儿童期，这类人在生活里都很粗鲁残暴。但按照西方人的说法分析东方人，不见得准确。我将其称为“毕加索式玩闹”，毕加索回到西班牙故乡，故乡风景有着古典牧歌之美，美得令他不自在，认为只有在风景里摆上一个尿池，自己才能舒服过来。因为丧失了古典情怀，所以要搞点破坏，搞得越不协调，心理越平衡。港片的自我诋毁之风，来源于何处？中国文化的主流素来庄重，日本学者普遍认为中国是贵族文化，那么可能是来自于日本。香港文化一定程度上受日本影响，日本有“摇屁股节”，就是让平时威严的神职人员穿街走巷地大摇屁股，接受老百姓的嘲笑，欧洲的牧师们决不会做这种事。日本的动漫便毫不吝惜地自毁形象，即便写的是一个剑圣、棋圣，这个至高无上的人物在耍帅之后，会突然尿急起来，或是变成了一坨屎，参见《棋魂》、《浪客行》。日本动漫的这个特点，大陆七零一代之上的人都会不太适应，我自小受的教育是“贯彻始终”的完整性，最容易打动我的是朝鲜，除了金正日没有毛主席帅，算是微有瑕疵，朝鲜近乎十全十美。而港人与日本动漫一拍即合，周星驰承认他“无厘头”的灵感，多是来自于日本漫画。中国男女私奔，是一逃万里；日本男女私奔，则是去跳海。地方小了，便容易自毁，这是生存的惶恐。香港也是局促之地，丧失了传统的大陆无法承担其精神依托，日本的惶恐必然会感染香港，但港式的惶恐比日本浓烈。如果说日本的价值颠覆，还维持在“无伤大雅”的小比例上，香港则呈现出彻底恶俗化的特点，其强大程度可以让吴宇森在《赤壁》中蔑视好莱坞剧作法。好莱坞剧作 好莱坞商业电影的定义是“一种工业、一种艺术、一种精神力量”，而我们近年的大片只是将其作为一门生意。尼采用来批判瓦格纳歌剧的理由，几乎可以照搬来批判中国的大片：第一，那不是音乐，那是做戏，瓦格纳以舞台效果取代了音乐；第二，小心天才，这是个掩饰自己没素养的词汇。大众通过追捧瓦格纳，来掩盖自己看不懂传统歌剧。《赤壁》是一部战争片，以好莱坞“一种精神力量”的标准衡量，战争片的精神力量是“我们的生活很美好，为了它，我愿意付出血的代价”。越战之后，老兵们发现生活糟透了，付出的代价不值，所以好莱坞的战争片一度绝迹，因为精神基础崩溃了。以此论《赤壁》，其所要维护的美好是什么？ 吴宇森列举了很多：给母牛接生，和孕妇做爱，耍两句贫嘴，编编草鞋……倒是闲散惬意，但要以生命来换这些，似乎不值。那么就是为了个政治理念--维护人权、保护百姓。但影片一开头，诸葛亮就明确地说：“曹操要灭的是咱们，只要咱们逃了，老百姓就安全了，因为曹操要追咱们（大意）。”诸葛亮这番话根本就没法反驳，但刘备还非要和老百姓一块走。老百姓会被他拖累死的！好莱坞剧作注重情感，人物行动在经济、军事之外，还需要一个情感的理由。刘备一系人物没有打仗的理由，而孙权是为了证明自己不是“孬种”--这都太小了，构不成强大的美好。反派的曹操是为了一个女人，特洛伊战争是为了一个女人打的，但女人只是一个由头，而不是理由。《特洛伊》电影中，海伦的丈夫之所以要发动战争，是因为媳妇被拐跑，触犯了他的尊严，并由自尊心引申到信仰问题，他原本是个和平的爱好者，是小国共处的城邦制度的信仰者，但因为这个事件，他原有的信仰崩溃了，成了一个暴力主义者--这是一个电影的开战理由。而曹操的情感只停留在女人的层次上，并且有“恋童癖”的嫌疑，喜欢小乔是因为“她小时候，我见过她”，并且还找和小乔相像的军妓来睡，以作心理补偿。如果他不睡，只是欣赏这个军妓，还算是个情感，但他睡了，所以他也就丧失了打仗的理由。张爱玲评西方交响乐“就像一个阴谋”，西方的艺术都是阴谋化的，注重结构。结构不是大小多寡的关系，而是性质的改变，发生、发展、高潮的三段体叙事不是量变，是质变。我们觉得伯格曼电影随心所欲，而费里尼评伯格曼则说其玩三段体“趋于玄妙”。好莱坞的叙事是事件的危机和情感的危机同时层层加重的，高潮戏是外部危机的崩盘点，同时也是心理上死活过不去的一道槛。而《赤壁》中的人物，不缺乏危机，但这些人都太聪明，有点危机就自我调节过来了，不按照戏剧规律办事。以好莱坞的标准来看，作战的双方都没有开战的理由，并且大多数人物都没有内心的质变，只有常态，而没有性格，性格是反常态的。稳重不是性格，当一个人内心崩溃的时候，仍然保持着稳重的外观，才是性格。不是变化大了就能有性格，常态和变化形成一个有趣的关系，方能显性格。《赤》片主角周瑜做得最有“性格”的事，是他作为指挥官，亲下战场厮杀去了。此举违反了军事常规，变化不可谓不大，但没有表现出周瑜有内在血勇的性格，反而觉得他不靠谱。西方战争片中有许多主帅带头冲锋的例子，我们都很感动，为何对周瑜不感冒？因为他的常态是吹笛子、弹琴、打猎、做爱，他不顾身份亲下战场，属于他的散漫作风，我们像诸葛亮的反应一样，是像看小孩一样，一笑付之。性格是有感染力的，如果周瑜形成了性格，我们就会被血勇打动，而不会去思考合不合理了，这就是好莱坞剧作法的妙处。剧作是一个偷换概念的游戏，能把不合理的变得可以接受，在观众眼皮底下玩以假换真的魔术，之所以这个魔术能完成，因为作用在了观众的情感上，在客观知识上不对的，但在观众在情感上认同了，这事就成立了。但调情从来是一件很难的事情，容易的是当嫖客。中国的商业电影，嫖客心态太重了，自从上个世纪八十年代开始拍商业片以来，至今如此。在消费上占有它，在心理上鄙夷它，这是嫖客对妓女的心态，也是导演们对观众的心态。我们是把老百姓当作最粗俗的蠢货，觉得是几招就可以摆平的，所以二十年来，我们的商业片都是在向外国偷招，把几部好莱坞电影中的经典桥段拼凑在一起，觉得就是商业片了，可以取信于投资方，自己也自信了。有的剧作书上描述的好莱坞，容易带来错觉，觉得好莱坞类型片就是几招法宝。所以中国的电影“凑招”的多，我们去谈投资的时候，最常用的套话是：“我这剧本，这段用了《特洛伊》的情节，这段用了《阿甘正传》的情节。”投资方听了很高兴：“你这么一说，我对你就有信心了。” 我们觉得凑招的模式是向好莱坞学的，但真实的好莱坞一线电影是不凑招的，在其剧本创作的时候，一个点子被其他影片用过，便会舍弃不用。好莱坞不变的不是点子，而是故事类型，故事类型就是情感的模式，情节为何要曲折？因为情感不是一蹴而就的。我们只注重刺激场面，而忽略了它产生的过程，自然做不好商业片。西方故事的精华在发展段落，因为这里变化最多，我们不去研究，只爱学人家的高潮，自然会有问题。香港电影比我们早几十年做商业片，早有凑招的风气，一直在偷好莱坞的桥段，因其结合了本地风情，固然取得了成功，但“不学发展学高潮”的毛病一直有。看香港的电影，往往发展段落不是系统化地演进，而是并列上几件事，来凑够时间。香港电影总是显得松散，因为普遍欠缺布局能力，所以就在每一场景上竭尽视觉效果，以局部视觉弥补整体构成的不足，然后以一个华丽高潮来救场，一把赢回来，周星驰的《大话西游》就是靠结尾赢了北大学生。当然，如果香港电影的这种反故事的散漫，因为每一场戏都很精彩，也自成美学，名为“串珠”。虽然结构薄弱，但每场戏都有独立趣味，就像一条串起来的珍珠。吴宇森拍《英雄本色 2》失败了，但他的《纵横四海》则是一部串珠的好片。《倩女幽魂》、《黄飞鸿》系列都是串珠。显然，吴宇森的《赤壁》是不打算讲故事的，而是要串珠的，否则他会请好莱坞编剧。做一部好莱坞资金标准的香港片，应该是他的初衷。可惜，香港的趣味败坏了赤壁这场战争。串珠，要省略事件演进过程，像诗歌一样。每换一个段落就有新的趣味，如此才能扬长避短，回避掉不能把事件系统化的弱点。《四海》、《倩女》都是把每一小段玩“神”了，才成功的。这种电影是神来之笔，走运了才能有。《赤壁》则具体段落都有欠风流，所以叙事整体上的弊病就暴露无遗了。雪上加霜的是前面分析过的香港电影的阴面--自毁意识，这种意识下产生的幽默是反叙事的。西方的战争片是紧张与幽默并存的，但那种幽默是局面中的幽默，比如《拯救大兵瑞恩》中，营救队员们千辛万苦找到了瑞恩，却觉得那个瑞恩气质太差，觉得为他拼命不值，于是小声议论瑞恩的样子--这几句话便是战争片的幽默，它是人物在屈从大命运的情况下，小小的价值质疑，在理性范围里，没有脱离人物的真实处境。《赤壁》中的幽默是非理性的，比如小乔给周瑜包扎绷带，都是大拥抱的贴身动作。周瑜享受温情时，小乔撒娇说：“看来我可以为战士们做些事。”她要做慰安妇去劳军么？对此，周瑜知趣地笑笑--他俩的幽默，毁掉了他俩将军贵妇的身份和三国时代。诸葛亮许诺给苦守的张飞送援军，结果只送来了一个人--关羽，表明他一个人就等于一支部队，有万夫不当之勇。但这是词汇上的脑筋急转弯，不是此情此景下的逻辑，破坏了辛苦营造的“大兵压境，绝地反击”的肃杀局面。《赤壁》中的幽默造成了价值观的混乱，破坏了基本的情景设臵。这种肆意破坏比比皆是，所以不能将其视为导演的败笔，只能视为是导演风格，是导演骨子里的香港文化在起作用，即便是拍了四五部好莱坞电影，也无法将其消磨。阵法枪法 在剧作上，吴宇森串珠不成，反受其害。吴宇森的地位，首先是他作出了视觉上的创新，他的剪接和动作设计都很轻盈飘逸，而《赤壁》的视觉则泯灭了个人特征。这也是他去美国的必然，他的剪接手法虽然被塔伦蒂诺这个的超级粉丝推崇备至，但在美国电影院中是引起爆笑的。美国人太实在，觉得他的拍法虚假，所以吴宇森在美国的电影越来越收敛，浪漫派的代表人物变得写实起来。看《三国演义》上的描写，每个人都太会穿衣服了，用料之贵重、色彩搭配之讲究，并且都穿出了个人品位。中国的商周传统是只有贵族才当兵，孔子的时代作为高级知识分子的“士”同时也是“兵”，兵痞要等到南北朝的时候才大量涌现，关羽、赵云这些出身低的人当上将领后，是自觉地贵族化的。三国战场就是一场超豪华时装秀，这几乎是所有中国人的共识。但吴宇森没有这样拍，他认同了美国人能理解的战场，把赵云等名将拍得一脸污垢、臭汗淋漓。也是为了让美国人理解，用乌龟壳比喻八卦阵。拍出的八卦阵也的确是乌龟壳的样子，是几块方阵拼成的一个大椭圆形。八卦阵传说是诸葛亮发明，效果是“局部吃亏，整体占优”，吴清源说自己得了诸葛亮的东西，他的围棋是八卦的最好注解，四处败迹，最后却赢了。八卦阵是“井”字形的，围棋棋盘也是此规格。日本佛教的基本理论认为，成佛也要按照八卦阵次序，其描述修行程序的“金刚界曼陀罗”图就是八卦阵形。在充斥着谈宿命风气的香港，算命多用八卦，算命的基本算法，就是八卦阵基本的阵法，所以吴宇森找阵法资料很容易。可能顾虑欧美人看不懂，吴宇森放弃了作为东方战争最大特点的阵法。这是明智之举，因为阵法至今只在文学中成功，还没在东方电影里成功过，黑泽明在《影子武士》、《乱》中都利用夜色或情节，巧妙地在战场上省略了阵法。而表现武田信玄和上杉谦信决战的《天与地》，其车旋大阵与鱼鳞大阵的对决，便非常失败，很像一场失控的团体操表演。所以《赤壁》虽在战前大谈阵法，但真开战了，却不见阵法，只见盾牌。八卦阵成了能否冲破盾牌的简单攻防了。其实好莱坞商业片并不排斥讲解知识，观众看电影的基本心理是寻找新奇的生活体验，所以好莱坞剧作创作时有“看部电影，学个知识”的口号，奇怪的知识能加剧生活的新奇程度。比如《杀手里昂》中里昂介绍杀手知识：“杀手水平的高低，是以与被杀目标距离衡量的，最低档次的杀手用狙击枪，之后用手枪，最高境界是用匕首。”这个说法是那么的不合理，但我们看电影时都听得津津有味，这是一个知性的刺激。而《赤壁》谈阵法，说雁型阵像扇子、八卦阵像乌龟，就把观众打发了，其实可以多谈点，商业片容量比我们想象的大。东方战争最大的特点是阵法和枪法，中国的马上枪术与西洋骑士不同，中国的武术便是从马上枪术蜕变来的，香港武打片里口头禅似的词汇——“腰马合一”，就是马上枪术对腰和胯的要求，以腰力使枪，以胯控制马，蜕变为拳术后，没有枪马了，但对腰胯仍然是枪马的标准，这是中国武术的基本特点，少林拳和太极拳在此点上是一致的。在中国的兵营传统里，拳术历来是马上枪术的虚拟训练，可参看明清兵营记载的操练规矩。我们的拳术武打片征服了欧美，现在要拍拳术的正源——马上枪术了，应该能形成新鲜的动作设计，但不知《赤壁》对此准备不足，还是觉得欧美只认可我们的拳术，不敢出新。所以《赤壁》中的大将们多喜欢跳下马打架，找个理由就把长枪换成了短刀，甚至赤手空拳。香港武打设计师都懂“腰马合一”的本源，这是武术的基本概念，但拳术武打在好莱坞的成功，令他们变得保守了，没能利用这次机会完成突变。但《赤壁》毕竟做了些尝试，可以预见，这是武打片必然的发展趋势，中国电影会有自己的骑士，与欧洲骑士、美国牛仔分庭抗礼。好莱坞的经历消磨了吴宇森的视力，以前的吴宇森对线条、高低位臵极为敏感，所以能把一间普通客厅拍得华丽。《赤壁》中，曹操在战场上的第一个亮相，是从军车的圆顶棚摇下到曹操的正身，以顶篷的圆形来强化人物形象——这思路是对的，可惜意识还在，但不敏感了，没有强化这个圆的线条，把顶棚拍得小得就像一把雨伞，曹操气势全无。以前的吴宇森绝不会出现这种情况，这个镜头，令人落泪。曹操在汉朝宫廷中的出场，是不见头脚，以腰部出场的。腰部在古代是男性表现权威的部位，美国的老派资本家一定要挺着个大肚子，《教父》中的老教父教育小教父时，要在谈话期间展示腰部，以显现权威。《吴清源》中日本围棋第一人秀哉在棋室出场也是以腰部，其强化腰部的方法，是让其在腰部挂上一块佩玉，这块玉稳定地嵌在腰部，随着人物的前进，无声地逼近，这个人物就不怒自威了。曹操的腰部也有佩玉，但那是一堆，随着迈步，相互撞击得“哗哗”乱响，这就失去了威严，像个货郎了。《赤壁》中的种种怪现象，追根到底，是缺失了精神依托后的焦虑。而日本明治维新后，在积极西化的同时，有着“失根”的焦虑，认为在近代化进程中落后的中国反而保留了古典的所有美好，大正年间出现了“中国情趣”风潮，这类人在谷崎润一郎的小说《鲛人》中表达的心声是：“居然没能生在中国，实在是个无法挽回的不幸。” 当今的我们已经后现代了……我们的依托在哪儿，是朝鲜么？

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第三篇：电影《心迷宫》观后感

很多人都认同父母永远为子女好，即使父母做了错事，也坚持父母的出发点是为子女好，并用“好心办坏事”来进行开脱。

家庭里有人犯了错，背锅最多的是孩子，父母总是把“爱”挂在嘴边，常常用“爱”的名义行“法西斯式”的教育而不自知。

孩子的诉求无人倾听，平等交流无法实现，没有互相理解和支持的爱，生活中多见到父子反目，母女成仇。

其实父母对孩子的情感很复杂，那些看似真心实意为孩子好的行为，其内核并不纯粹。

《心迷宫》里面就有这样一对感情不和的父子，因为一具尸体使村子发生了一场闹剧，最后也因这具尸体，俩人相互理解和原谅。

这部影片于20xx年10月16在中国上映，剧中没有一个“大明星”，全是“素人”，却以170万的小成本收获1023。53万的高票房，豆瓣评分更是高达8。6，与今年大火的《我不是药神》相差无几。

《心迷宫》的导演用了环形叙事的结构，颠倒时间和空间，使剧情紧凑，叙事明快，能让观众全程都盯着荧幕，不敢落下一分钟，完全猜不出故事的走向，而且一点都不生搬硬套，一切都从容自然。最值得称赞的是它通过描绘中国小城镇和乡村来展现人性，接地气的程度在国产电影中实属罕见。

不务正业的白虎为了逃避赌债连夜回村，哥哥竟说他已经半年没回过家，村里的妙龄少女黄欢失踪，丽琴进城打工的丈夫说好回来，却迟迟不见踪影，这一连串的怪事，都源于一具突然出现的烧焦尸体。

而这具尸体的制造者，正是那对情感不和的父子。

肖宗耀与相好黄欢到山林里幽会，黄欢为了留住肖宗耀，骗他说自己怀孕了。肖宗耀深感诧异，他知道父母不同意他俩的婚事，所以准备对孩子一事进行隐瞒。

没想到回乡路过山林的白虎听到了他俩的谈话，白虎要求他们交一万块做封口费。双方争执中，肖宗耀致白虎意外死亡，肖宗耀、黄欢惊慌之下简单掩埋尸体，便慌张逃到县城。

在酒席上喝多了的村长肖卫国路过树林时解手，无意间目睹儿子宗耀错手杀死白虎的整个过程。肖卫国在儿子离开后将白虎尸体烧了，试图将现场弄成白虎因疏忽把自己烧死的样子。

第二天村民发现尸体，开始认尸，除了肖卫国外，大家都不知道尸体的真实身份，肖卫国又有村长之权，他不让村民报警，最大程度上保护了自己儿子的安全，即使最后真出了问题，尸体是肖卫国烧得，老子背锅，儿子照样能得救。

讲到这里，看起来像是一位伟大的父亲有勇有谋，舍身救子的故事。

细想之下，则不然。

这其实是一个自私自利的父亲自作孽不可活的.故事。

咱们先从这对肖氏父子的矛盾开始讲起。

肖卫国认为，给儿子找一个事少钱多离家近的工作，再给他娶一个城里媳妇，生个大胖小子，等自己退休可以坐享天伦之乐，儿子也衣食无忧，家庭幸福，这实在是两全其美。

肖宗耀可不这么想，他看不上父亲给自己找得“铁饭碗”，觉得这种工作简直是在浪费生命，他认为年轻人要有远大的理想，应该去大城市里一展拳脚。

恋爱自由是自己的权利，父母没有理由多加干涉，这又不是“梁祝化蝶”的时代。

老一辈的“图安稳”和新生代的“求闯荡”发生冲突。

和现实中大多数父亲一样，肖卫国以“过来人”自诩，用“我都是为你好”占据道德制高点，强迫儿子听从自己的安排，并用手里的资源逼儿子就范。

俗话说，强扭得瓜不甜。

肖宗耀不但不感谢父亲的付出，反而跟父亲冷战，甚至恨他。

世俗观念认为，肖宗耀是年少无知，身在福中不知福，肖卫国真是为了儿子好，“铁饭碗”是多少人抢破脑袋都得不到的宝贝，娶媳妇就要门当户对才能长久，父母在不远游，生活工作两不误，这简直是人生赢家的标配。

再说了，养儿防老有什么错，养育之恩，父母爱之伟大，做儿女的回馈一点又何妨，有什么事情能比一家人在一起更重要的呢？

但是，在肖宗耀眼里，父亲贵为一村之长，不但没给自己家带来财富，反而往外贴钱，这不符合“常理”，以为父亲无能，鄙视之。

父亲对自己的梦想不但不支持，反而横加阻挠，硬把自己刚开始的人生嫁接在他的生命里，把儿子当成老子的“延续”，把“养儿防老”当成父亲给自己晚年买的一份保险，遂恨之。

《寻梦环游记》里米格的家人劝米格放弃音乐梦的理由也是说，有什么事情能比一家人在一起更重要的呢？

米格说，当然有，音乐就是。

家人认为音乐会使家人分开，所以禁止米格玩音乐，对他围追堵截，即使到了阴间也没放过他，

经过一番斗争之后，米格和家人最后达成了和解。

但是和解的前提是，家人做出改变，打破禁止，接受音乐，支持米格做一个歌唱家。

可见，亲情的本质是互相理解和支持。

肖卫国所谓的替孩子考虑，为孩子好，裹着爱的鲜亮外衣，内核却是丑陋的自私自利。

肖卫国的计划里只有自己。

他的社会道德要求他做一个清廉正直的村长，所以他从不收受贿赂，甚至贴钱做好事，客厅里摆满的各种奖章比钱重要多了，那是他的骄傲。

攀比心要求村长的儿子要比别人家儿子的工作体面，所以他强迫儿子去上安排好的工作。儿媳妇要比别人家的上档次，所以他必须要儿子娶一个城里媳妇。他更要求自己的晚年要比别人幸福，所以他不允许儿子远行。

肖卫国一点都不考虑肖宗耀怎么想，他也不在乎肖宗耀怎么想，儿子是他意志的延伸，是他完成自己人生规划的工具，他沉醉在美好晚年梦中不自省，用霸道和权力让周围的一切走向自己的轨道。

可惜天意弄人。

儿子失手杀人，还让自己看见了，儿子成了杀人犯，这么大的污点肖卫国可承受不起。但是烧掉尸体，把黑的做成白的，就能承受得起了？

在利益受到危机时，肖卫国给自己精心搭建的完美人设开始破碎，无私正直的面具渐渐脱落，显露出真实的人性。

儿子仓惶出逃，肖卫国一个电话都没有给他打，精力全用在周旋尸体上。这能说他处理尸体是为了儿子吗？他更多的为了拯救他自己的名誉，救儿子只不过是顺手之劳。

尸体三次易主，最后无人认领，被遗弃山岗，本以为简简单单的一件事，最后竟然变成困局。

肖卫国和肖宗耀一起面对着无法处理的尸体，各有所想，没有参与闹剧的儿子误以为父亲帮自己平了事，感激之情冲垮了多年的恨，一声“爸”脱口而出。

而肖卫国呢？

这具原本受他控制的尸体越来越不受他控制，就像他的儿子越长越大，越来越独立，不再受他控制一样。

肖卫国仿佛大梦初醒，他收起挂在客厅的奖章，辞去村长之职，心灰意冷，闭门思过。

不再强势的父亲终于能和儿子好好说一说话。

假想当初肖卫国不逼迫儿子走安排好的路，多和儿子沟通理解并尊重一下儿子的利益，儿子也不用和黄欢大晚上在林子里幽会，也就不会被白虎勒索，更不会失手杀人，这具尸体不会产生，这闹剧也就无从发生。

这一切的起因，正是世俗眼里肖卫国对儿子的“爱”，真正让肖卫国失去荣誉和美好晚年梦的其实是他的自私自利。

真正的亲情绝不是“为了你好”强迫你必须听我的，而是勇敢去做你喜欢的事吧，累了就回家的理解和支持。

第四篇：勇敢的心电影观后感

勇敢的心电影观后感范文

细细品味一部作品以后，相信大家的视野一定开拓了不少吧，这时我们很有必要写一篇观后感了。想必许多人都在为如何写好观后感而烦恼吧，下面是小编精心整理的勇敢的心电影观后感范文，欢迎阅读，希望大家能够喜欢。

《勇敢的心》说起来算是一部很旧的片子，这样说，不仅是因为他上映于1995年，更在于它是以13世纪末14世纪初苏格兰人民反抗英格兰暴政为时代背景的。在电影史上，《勇敢的心》，已成为经典;正如在苏格兰，威廉。华勒已成为千百年间的民族英雄;就像在苏格兰，风笛已成为民族音乐之魂。

青山环绕的乡村、温柔恬静的邻家女孩、勇敢刚毅的民族英雄、气势磅礴的古战场、时而忧伤时而欢快的苏格兰风笛……看完《勇敢的心》，闭上眼睛，我的脑海中迅速形成一幅唯美、平静、安详的苏格兰乡村图，但画面很快被打散，支离破碎，缘于英格兰暴君的丑恶嘴脸，正如影片所放的，唯美、平静、安详仅是短暂的.，在英格兰军队铁骑践踏下，苏格兰人民长期受控于英格兰暴政而无自由可言，但比起苏格兰英雄英俊刚毅的脸孔，英格兰暴君的丑恶嘴脸当然不会常驻于我脑海之中，因此，当影片最后威廉。华勒高呼“自由”时，爱德华的军队、政权也就随着这一声喊叫而烟消云散了。而华勒的高呼却永远存在人们的心中，荡气回肠，千百年来激励着各族人民为追求自由而奋斗。

“生命诚可贵，爱情价更高。若为自由故，两者皆可抛。”也许是对华勒最好的诠释。在很黑的夜里，听着《For the love of a Princess》、《Son of Scottland》等《勇敢的心》原声音乐，我会轻声地问：到底自由是什么，可以让英雄为之放弃一切当清晨的第一缕阳光射进房间，我恍然大悟，自由，正如阳光;英雄追求自由，正如我们在漆黑的夜晚对阳光的渴望。当我们为了前方某个不知名的梦想而投入到各种大小考试中去;当我们麻木地认为自由就是考上大学时，我们为之通宵达旦，为之呕心沥血。而结果呢恐怕我们只是赢了整个世界而迷失了自我。其实失去自由的不是别人，正是我们自己。但我们已经麻木到失去了为自由而战的勇气。电影《勇敢的心》正是给麻木的人们带来“勇敢的心”。“Every man dies，not every man really lives。”正是影片中的这句话，让我惊醒。其实剥夺我们自由的不是别人，正是我们的心。我们禁锢于自己的惰性，沉迷于网络游戏的虚幻中，而斗志全无。我们真正该打败的，是我们自己。为自由而战斗，过真正的生活。《勇敢的心》正是那第一缕阳光。

第五篇：电影勇敢的心观后感

为自由而战——评电影《勇敢的心》

影片以苏格兰的蓝天绿草、连绵起伏的山川为背景，通过威廉·华莱士起义过程为主线，加之他与妻子梅伦和伊莎贝拉的爱情情节，将英雄史诗与浪漫爱情相缠绕，既展现了战场恢宏的气势，体现出战争的血腥与残酷，又表现出爱情在现实面前的美好与无奈。善良与残酷，温婉与雄浑，美好与现实相结合，为观众展现了英雄传说的血泪史。

导演梅尔·吉普森为我们呈现了一个有血有肉，为了自由而战斗，为了爱情和命运而战斗的英雄。《勇敢的心》不似《启示》丛林中的惊心动魄；不同于《耶稣受难记》里无知与真理的对决；但梅尔·吉普森能够让观众在影片结束后脑中都是久久难以平息的澎湃。重要的是，这个故事会感动我们。

梅尔·吉普森将华莱士的智慧、英勇、善战诠释的淋漓尽致。影片中的场景、服饰和妆容充分展现了一个男人的勇猛，但华莱士所拥有的，不仅仅是勇猛，更多的是他的智慧、才能、号召力和为自由而战的信念。然而，他同时拥有着自己对去世的妻子和皇后伊莎贝拉的情感，华莱士被塑造成近乎完美的英雄。梅尔·吉普森成功的演绎了史诗中的英雄，让英雄的形象立体完整，用充满深意的目光吸引和震撼着观众。

影片主色调为棕褐色，主要表现在战争场面。苏格兰战士身上浓重的色调与蓝天草地相对比，突出了苏格兰勇士们为自由而战的无畏精神，和他们独立苏格兰，建立自己美好家园的伟大理想。而出现在英国皇室的深色调，则显现出英格兰统治的黑暗与皇室的人性压抑。在表现战争场面时，用了远景、大全景来展现战斗的宏大场面；运用中景和近景展现了战斗的细部，更彰显出了战士们的英勇无畏，尤其是华莱士等人的骁勇善战，也体现出战争的血腥和残酷，从而反映争取自由的不易和代价。

观看影片后久久回荡在耳边的就是古老的苏格兰风笛，成为影片配乐的灵魂。影片的配乐来自詹姆斯霍纳，曾经的一首《my heart will go on》不知迷倒了多少人。《勇敢的心》中风笛的悠扬与欢快，苍白与悲壮，浪漫与伤感，使得影片中苏格兰的风光、恢宏的战场和凄美的爱情都恰如其分的渲染和衬托。华莱士就义是全片最精彩的段落，音画结合异常完美。当侩子手逼迫华莱士开口求饶时，圆号独奏反复出现，低缓的旋律伴随着华莱士的怒吼达到了高潮。荡气回肠的音乐回响在空中，英雄的主题得到了升华。

影片中有这样一句台词：“Every man dies, not every man really lives.”每个人都会死，但不是每个人都活过。在这个喧嚣嘈杂、霓虹炫彩的世界，人们逐渐淡化了曾经属于我们的那些单纯的感动，是否还有人像华莱士一样为了信念，为了自由而奋战一生？临终前的威廉在饱受酷刑后的那句“freedom”，数百年后仍然振聋发聩。那具不屈的灵魂，威廉·华莱士，真正的活过了，在肉体的死亡中得到了精神的永生。