美术鉴赏期末总结

第一篇：美术鉴赏期末总结

美术鉴赏期末总结

敬爱的XX老师：

您好！我是来XX系XXX的XX，今年有幸选

择了您的课程，在这学期的美术鉴赏中，我学会了用艺术的手法评析美术作品，生活中的一些事物，感觉自己的品味有一定的提升，是您用自己辛勤的汗水将我们带入艺术的殿堂。在此，我想对您说：“谢谢您！老师你辛苦了！”

通过这个学期的学习，我有了很大的收获和体会。首先，我对美术有了更进一步的了解。我发现美术是一种富有内涵，更多表现形式，更深刻，更有意义的艺术形式。使我彻底的改变了对艺术的看法。通过学习了美术鉴赏 我学会了去感受美，陶冶自己的情操，美化自己的心灵，可以让自己暂时忘掉烦恼。

这门课给我的总体感觉是让我心情很愉快，第一堂课便让我一下子对这个课堂产生了浓厚的兴趣。老师通过音乐与美术作品的完美结合，使我们能更佳准确的体会到美术作品的神韵，通过美术作品的相关信息，也是我们了解了更多古埃及文化，古希腊的神话，与欧洲文艺复兴时期的文化底蕴。通过这种形

式，我感觉课堂是相当轻松地，所学的知识点记忆也是相当的深刻，在课堂上，不用记太多的笔记只要跟着老师的思路，看着老师为我们精心准备的美术作品，配合着惟妙惟肖的音乐，整个心灵都能感觉到美。

在众多的课节中，我对老师所讲述的古埃及，古希腊，欧洲文艺复兴时期的美术作品记忆深刻。古埃及艺术是一种风格稳定、等级分明，在写实风格的基础上进行理想化的表现，其风格壮丽、宏伟、明确。有着严格的规范，如正面律：人物头部以正侧面表现，眼睛、肩为正面、腰部以下为正侧面。清楚的记得，老师当天为我们找来同学配合，更是让我们看出了古埃及人的智慧，他们画笔下的人，采用了一定的技法，摆脱了作品的不协调，大体上姿势必须保持直立，双臂紧靠躯干，正面直对观众； 根据人物尊卑决定比例大小； 人物着重刻画头部，其他部位非常简略； 面部轮廓写实，有理想化修饰，表情庄严，几乎没有表情；

雕塑着色，眼圈描黑，有的眼球用水晶、石英材料镶嵌，以达到逼真的效果。正当我们还沉寂在古埃及的文化氛围中时，老师又带领着我们进入了古希腊时期的艺术殿堂，首先讲述的便是古埃及时期对希腊时期的绘画以及雕塑的影响，这种环环相扣的设计，使我们能更清晰的整理出本学期所学的知识框架，加深记忆。古希腊艺术，可以说是西方文化的发源地，其中更

是涌现了出人们熟悉的雕刻家和雕刻作品，比如米隆的《掷铁饼者》、《断臂的维纳斯》、《雅典娜神像》等，都给我们留下了极其深刻的印象，希腊神话是希腊人对自然与社会的美丽幻想，他们相信神与人具有同样的形体与性格，因此，古希腊雕塑参照人的形象来塑造神的形象，并赋予其更为理想更为完美的艺术形式。还有后来所介绍的意大利文艺复兴时期的艺术，都使我沉寂在艺术的殿堂中，并就此升华。

转眼间，美术鉴赏就这样结束了，给我的感受就是还没鉴赏够，希望老师能重新排课，更新点新的内容，到时，我一定第一时间报这门选修。

在这里，我想对老师提一点小小的意见，希望老师能考虑一下，使我们所喜爱的美术鉴赏能有更多的人所关注、喜爱。

1.首先就是我们的美术鉴赏，没有相关的作品扩展阅读，希望老师能帮助我们拓展下相关知识的阅读，比如介绍到古埃及文化艺术时，您可以推荐我们该看什么样的书，进一步加深了解当时时期的文化，加深美术作品的认识。2.课件的内容应该加入视频的元素，一方面更加有助于对学生的吸引，一方面在不知不觉中，我们可以很轻松的学习

到相关知识。

3.虽说我们所学的整体知识框架明确，但细节内容有待于提高，是否应该有主有次，对于一些比较精华的内容，比如古埃及，古希腊，文艺复兴，中国古代时期的文化艺术应该有更深的，更丰富的讲解。而不是仅仅为整体的效果而忽略其中的精华。

4.最后一点就是，我希望老师能像部分老师那样，制作点简易的教材，也使学生能更加轻松地接受知识点。希望老师能考虑下我的意见，但是我毕竟对美术鉴赏有着片面的认识，如果有说错，希望老师不要生气。

最后，衷心的再次说一声：“老师您辛苦了！谢谢您这学期为我们带来的视听盛宴，谢谢您！”

第二篇：美术鉴赏期末感想

老子李聃说过一句话，叫“大音希声”，“大象无形”，后来庄子为他补上了一句话，叫“大美无言”。“大音希声”“大象无形”“大美无言”是一种艺术和美的最高境界。它揭示出，最完美的文艺作品都必须进入道的境界，进入自然朴素而没有任何人为痕迹的本真境界。

大美是自然之美，美得没有刻意雕琢的痕迹，画者集天地之灵气，将心中的意念与手中的笔混为一体，一挥即就，没有迟疑，没有停顿。《钟馗神威图》是典型的范曾式钟馗作品。画中钟馗，身着朱袍，左手持法棍，右手手势坚决有力，似在训斥面前的魑魅魍魉。整幅洋溢着不可方物、不可逼视的庄严和正气，令人不觉心中一荡。依稀记得课上放大家范曾的介绍片的时候他曾说过他画《钟馗神威图》时即一挥而就，一共也没多长时间。我想这就是他所追求的一种大美无言。这么美的画，真是可以“无言”以表了。

当今的社会，物欲横流，多少人在灯红酒绿中迷失自我，多少人在霓虹灯光里自我堕落，多少人被闪烁的金钱蒙昧了心灵的眼睛。这个世界需要平静中思考自我，洗涤心灵，忙忙碌碌中盲目前进只会迷失方向。有句话说得好，只有懂得停下的人才懂得如何前进。美术鉴赏就是这么一门课，让读者在平静中激动，在激动中升华。在黑夜中我们享受平静，在欣赏美术作品中我们的心灵得到升华。大美无言，这种美在潜移默化中影响着我们的身心。我想这就是美术鉴赏带给我们的益处。

胡京武老师经常说，美术鉴赏这门课是“黑夜的艺术”，在此之前我一直以为只有电影才能堪称黑夜的艺术，后来我自以为我逐渐领悟到了胡老师所谓的“黑夜的艺术”这句话的真谛，美术鉴赏，只有在心里坦然平静，不功利的心境中才能真正体味美术之美，窃以为，美术之美不在于画的外表，不在于哪位画者而画，而在于当一幅画映入眼帘时，自然有一种发自内心的冲动，这种冲动很奇妙，不可言，只觉得一种热流从心脏分散而流到四肢、大脑，不觉拍手称好，再细细审视该画，觉得心神合一，于我心有戚戚焉。

在美术鉴赏课上，我感受到了大家张仃的焦墨山水的境界，笔力遒强，构图豪放，画面空灵而有笔触，苍健却显腴润，风格朴拙而雄强，别树一帜。

我领略了大家朱德群的风范，他的画具有很强的节奏感，整体而言朱德群的作品与自然现象，尤其是与光，有紧密的关联，点线的交错与窜动并结合画面上的光线明暗而形成如音符般时急时缓、高低起伏的旋律，而这些都是经由艺术家心灵省思后的印象。

我喜欢大家华君武的漫画，其漫画作品紧扣时代脉搏，构思幽默机智，笔法简练而富有民族特色，风格独特。

我喜欢大家吴冠中所言的“整个社会都浮躁，刊物、报纸、书籍，打开看看，面目皆是浮躁；画廊济济，展览密集，与其说这是文化繁荣，不如说是为争饭碗而标新立异，哗众唬人，与有感而发的艺术创作之朴素心灵不可同日而语。”吴冠中先生的画综合了西画与中国画之精髓，用笔简练，后期作品常喜以点、线造形，创自己独解，诠释自然之美，人生喻其中，竟如他艰辛磨难的经历，寻味良久……而其所著文章也育人，朴实无做作，可看，所得甚多。

我喜欢美术鉴赏，一门“黑夜的艺术”，一门“大美无言”的艺术。

第三篇：美术鉴赏期末论文

《美术鉴赏》期末论文

一、标题：自拟

二、要求：

1、以绘画、书法、雕塑、建筑、装置艺术等美术为论文大写作范围；

2、对作品、艺术家、艺术门类、艺术现象、艺术活动等，写一篇赏析文章；

3、不得抄袭，有引用注明出处，引用内容不得超过全文字数20%；

4、字数：2000字以上；

5、A4纸打印；

6、提交时间：2014年6月9日上课，由学习委员按照学号顺序统一上交，打印班级封面。

7、论文电子版在纸质版上交前发送到：freesonger@gmail.com8、格式要求：

标题（自拟，黑体，三号字体）

班级：学号：姓名：手机长号：

正

文………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………

引文：

①

②

……………………………………

第四篇：美术鉴赏论文期末

毕加索：大师还是女人毁灭者？

众所周知，毕加索是当代西方最具有创造性和影响最深远的艺术家之一，一生创作成果丰硕，但是人们大多不知道，毕加索那光怪陆离色彩纷呈的画作却都是毁灭了他的女人们带来的成果。毕加索的天才绘画其实是与他的妻子、情人、女友们紧紧联系在一起的，是那些女人带来创作灵感，促成了他各个时期画风的转变，有人甚至说是女人们缔造了大师毕加索，然而在毕加索生命中匆匆而过的女人却遭受了各式悲惨的命运，自杀、病死······这个天资禀赋的创作者到底是大师还是只是一个毁灭女人的吸血鬼呢? 女人是毕加索创作的缪斯，她们给了他不同的创作灵感。毕加索一生“阅”女人无数，每个女人都给他带来了一次画风的改变。而每每更换一个女人，他的整个生活也会随之发生改变，住所、家具、摆设，甚至宠物也不例外。情深意浓时，毕加索能让身边的女人在画中魅力四射；关系恶化时，他又会让她们丑陋无比，甚至可以在画中把她们变成形象可怕的怪物。

毕加索到底是怎样对待那些深爱着他的女人们的呢？他在生活中抛弃她们，毁灭她们，在画布上损毁她们。他从女人的痛苦中得到乐趣。他是一个怪兽，一个吸血鬼，他一个接一个地夺走了女人们的生命。与他相恋过的女人，无一不是年轻貌美，才华出众，但都得忍受他生活上的放荡。他冷酷无情地评价女人：“女人就是承载痛苦的机器。”生性浪漫不羁的毕加索，能够非常轻易地为一个女人着迷、疯狂，也能在与其共处不久后就弃她而去。

毕加索的女人们，几乎无一例外地都摆脱不了他所“预言”的痛苦。毕加索的第一任妻子奥尔加这个为了毕加索而离开祖国的女人最后因为他对自己厌倦了而选择和毕加索离婚；杰奎琳是毕加索的第二任，也是最后一任妻子。毕加索死后的13年，杰奎琳饮弹自尽；而他的情人和女友们也被他始乱终弃或者病困崩溃，悲惨收场。1905年，毕加索遇上了模特费尔南德。因为毕加索不再像从前那么爱她了，就离开了毕加索；1912年，在巴黎毕加索爱上金发美女伊娃。当时的伊娃已经是有夫之妇，但与毕加索情投意合，从此一发而不可收。毕加索为伊娃做了许多画，并在画上签上“我爱伊娃”等字样。1915年，伊娃病逝；1927年，毕加索还没有离婚就爱上了只有15岁的玛丽·德瑞丝。在毕加索离开后，玛丽还是继续给他写信。在1977年等了毕加索40年的她也自杀了；1933年，毕加索看上了朵拉让她成为他的情妇。然而受尽感情磨难的她过起了隐居的生活，最后穷困潦倒地去世；最后画家弗朗索瓦斯被毕加索抛弃后一度精神崩溃，最终皈依宗教得以解脱。

毕加索的人格中有着十分显露的“恶”的因素，他喜欢把女人当作他的实验对象。毕加索的画作里面充满了女人的哀怨、痛苦和压抑。那些青春旺盛的美人，备受他利用、剥夺，人生的精华都被夺走了。毕加索是所有性格的综合体，他厌恶女人却又离不开女人；他行为怪异而滑稽，但同时又是一个让人沉醉、不可抗拒、魅力十足的艺术家。他可以非常浪漫，可以深陷爱情，但他永远不会止步于一个女人。他的热情可以很快地从一个女人身上转移到另一个女人身上，他永远能从女人的怀抱中获得重生。

毕加索一生画法多样、风格迭变。从自然主义到表现主义，从古典主义到浪漫主义，然后又回归到现实主义。在长达70年的创作生涯中，毕加索从不受羁于任何束缚，满怀热情，不停变换。毕加索不同创作时期的特征，正是他与不同异性的故事：费尔南德与粉红色的玫瑰时期；伊娃与新古典主义时期；玛丽与超现实主义时期；朵拉与旷世名作《格尔尼卡》；弗朗索瓦斯与如花的外形及绿与蓝冷色的和谐。

失恋时，毕加索创作便迅速陷入了低谷，创作灵感便干涸。有了心爱的女人，他又能迅速地恢复创作的活力。浪漫的爱情给毕加索的人生抹上了无比绚丽的色彩，也给大师的创作注入了青春活力。由此，可以看出毕加索性格中的那种渴望去毁灭，恣意放纵的不安分因素。在我看来，毕加索既是天才画家，也是美术杀手。他先把一切都敲得支离破碎，再把它们重新整合，给它们所谓新的生命。20世纪再没有谁能够像这头大怪物那样，得到这样彻底的创作自由；毕加索也是一个女人杀手，他把她们的青春、美貌、精神捣得粉碎，然后在画布上随意地、错乱地将她们重新整合。毕加索创造了艺术，也破坏了艺术。他摧毁现实生活中的女人，创造了画布上的，依然是七零八落的女人。唯一成就了的，只是毕加索和他自己艺术。

第五篇：美术鉴赏总结

新印象主义：19世纪80年代的法国出现的美术流派，是继印象主义之后一个新的流派和思潮。这一流派试图用光学的实验原理来指导艺术实践。这派画家根据光学科学的色彩分割理论进行创作，不在调色板上调混颜色，而是将各种纯色的小点块并置在画布上，以取得印象主义所追求的光感和色感。因此，新印象主义又称为点彩派、分色主义或分割主义，代表画家有修拉、西涅克。

美术：用一定的物质材料，如颜色、纸张、画布、泥土、石头、木料、金属、木头等，塑造可视的平面或立体的视觉形象，以反映自然和社会生活，表达艺术家思想观念和感情的一种艺术活动。也叫造型艺术、视觉艺术。主要包括绘画、雕塑、工艺美术、建筑艺术等。

写实主义：“写实主义”也可称为“现实主义”。现实主义作为一场艺术运动，是与法国1848年革命同时出现的。坚决如是的表现画家所处时代的风格、思想和面貌，其中至关重要的是真诚。注重写实，热爱自然，渴望即刻可及的现实。最著名的写实主义画家是库尔贝

西方古典主义画派的三种不同艺术倾向是什么 一是主要是对古希腊、罗马古典作品艺术风格的怀旧与模仿之风，以普桑代表的崇尚永恒和自然理性的古典主义。从狭义上讲，有把18世纪末至19世纪初，法国大革命时期兴起的这种怀旧风格的重演作为第二倾向，以达维特为代表的宣扬革命和斗争精神的古典主义。三是以安格尔为代表的追求完美形式的和典范风格的学院古典主义。

西方哥特式建筑风格的艺术特色是什么

整体风格为高耸削瘦，以卓越的建筑技艺表现了神秘、哀婉、崇高的强烈情感，对后世其他艺术均有重大影响。

1、尖肋拱顶

从罗曼式建筑的圆筒拱顶普遍改为尖肋拱顶（Pointed Arch，或者干脆称为Gothic Arch），推力作用于四个拱底石上，这样拱顶的高度和跨度不再受限制，可以建得又大又高。并且尖肋拱顶也具有“向上”的视觉暗示。

2、飞扶壁

飞扶壁（Buttress），也称扶拱垛，是一种用来分担主墙压力的辅助设施，在罗曼式建筑中即已得到大量运用。但哥特式建筑把原本实心的、被屋顶遮盖起来的扶壁，都露在外面，称为飞扶壁。

3、花窗玻璃

哥特式建筑逐渐取消了台廊、楼廊，增加侧廊窗户的面积，直至整个教堂采用大面积排窗。这些窗户既高且大，几乎承担了墙体的功能。并应用了从阿拉伯国家学得的彩色玻璃工艺，拼组成一幅幅五颜六色的宗教故事，起到了向不识字的民众宣传教义的作用，也具有很高的艺术成就。花窗玻璃以红、蓝二色为主，蓝色象征天国，红色象征基督的鲜血。

4、十字平面

这也是继承自罗曼式建筑，但扩大了祭坛的面积。

5、门

层层往内推进，并有大量浮雕，对于即将走入大门的人，仿佛有着很强烈的吸引力。

6、束柱

柱子不再是简单的圆形，多根柱子合在一起，强调了垂直的线条，更加衬托了空间的高耸峻峭。古希腊和古罗马艺术的区别

马拉之死

马拉（Marat，1743－1793年）是雅各宾派的核心领导人之一。雅各宾派当政以后，他因为卓越的号召能力而成为该派的主席，但同时也是一个残忍嗜血的活动家，往往不经审判便将政敌送上断头台。他患有严重的皮肤病，每天只有泡在洒过药水的浴缸中才能缓解痛苦，于是，浴室就成了他最经常呆着的办公场所。1793年7月11日，一位反对暴政的女士借口商谈事宜，进入马拉的浴室，并在他毫无防备的情况下行刺，结束了这位暴戾政客的生命。大卫本来就对革命报以同情，又与马拉有些私交，就在暗杀发生的前几天，他还曾访问马拉，亲眼见到过他在浴缸中办公的情景：“浴缸旁边有一只木箱，上面放着墨水瓶和纸，在浴缸外的手却在书写关于人民福利的计划。” 死亡的消息传出，大卫便开始着手创作这幅作品，他认为将死者生前为公众操劳的生活情景展现出来对人们是有益的。画面以它的单纯、简洁打动人心。除了安详的人物、白色的浴巾、绿色的桌布、黄色的木箱，再没有太多累赘的图像。构图压得很低，上方的黑色占去了大片面积，营造出庄严、肃穆的气息。马拉如同过度疲劳而静静睡去一样，手中还握着鹅毛笔以及一份正待签署的申请书，上面写着：“1793年7月13日，玛丽·安娜·夏洛蒂·科黛致公民马拉：我十分不幸，指望能够得到您的慈善，这就足够了。”其中，玛丽·安娜·夏洛蒂·科黛正是凶手的姓名。木箱上的一些细节也值得注意，那里摆放着墨水瓶、鹅毛笔、几张纸币和一封便条，便条上写着：“请把这五个法郎的纸币给一位五个孩子的母亲，她的丈夫为祖国献出了自己的生命。”不论现实中的样子是否如此，这一切显然都是经过画家精心安排的，他意图通过道德和人格的感召来衬托谋杀的罪恶。作为纪念，画家在木箱下部题了两行字：“献给马拉，大卫。”既然这是一张以表现死亡为主题的画，还是让我们来看看作者如何刻画了死亡本身吧。画家如同现场的目击人，记录下谋杀刚刚发生过后的情景，即使在今天，仍然会带给人时间已凝固的印象。在宁静、肃穆的气氛中，马拉锁骨下的一道伤口以及掉在浴缸边的匕首提示人们这是一次暗杀。血仍在滴，染红了池中的水。在虚空而沉重的黑色背景映衬下，一束光线照到遇难者身上，马拉的头倒向一边，胳膊无力地垂着，那样子很像文艺复兴大师米开朗基罗的一件雕塑《哀悼基督》，尽管已经失去生命的知觉，可他的形体仍具有一种高贵的美。画家有意将马拉的死表现得如同基督教的圣人一样，从而使他的死富于不同寻常的含义，他的牺牲是为了善，是为了普通人的福利。画作完成以后，大卫将《马拉之死》递交给1793年11月14日召开的国民大会。作为一张画，它成功地塑造了一个能够博得众多人同情的革命领导人形象，不过在现实中，人们对马拉的所作所为则颇有争议。他的言论过激，煽动性强，革命的狂热往往代替了理性的分析。雅各宾派对旧式贵族和反对派采取的暴力和恐怖措施，与马拉的倡导不无关系。政治，不是一种能用好与坏、善与恶来简单概括的东西，尤其当身陷斗争的漩涡中，公正而恰如其分的表达更不是件容易的事，不同的立场，便会导致不同的看待问题的方式。好在不管怎样，《马拉之死》并没有因为雅各宾派的倒台而过时，它超越了人物和事件本身，成为一次祭奠、一种理想。

拾麦穗的妇女 创作背景

19世纪中期，法国现实主义艺术开始慢慢滋生，它是在同官方艺术和蜕化了的浪漫主义进行斗争中发展起来的。他确立了以描写生活真实为创作的最高原则，艺术家们正视赤裸裸的现实，大胆而不加粉饰地描写现实生活，肯定普通人在艺术中的意义，揭露资本主义社会的罪恶，一些优秀大师的作品具有一定的批判性，达到了一定的真实性和深刻性。从而使19世纪法国批判现实主义运动，成为欧洲现实主义运动的旗帜。法国现实主义绘画的兴起，巴比松画派为先驱，其中最能实事求是的表现农民与自然的关系和矛盾的，应首推现实主义农民画家米勒。《拾穗者》就是其中之一。作品赏析

《拾穗者》，它没有表现任何戏剧性的场面，只是秋季收获后，人们从地里拣拾剩余麦穗的情景。画面的主体不过是三个弯腰拾麦穗的农妇而已，背景中是忙碌的人群和高高堆起的麦垛。这三人与远处的人群形成对比，她们穿着粗布衣衫和笨重的木鞋，体态健硕，谈不上美丽，更不好说优雅，只是谦卑地躬下身子，在大地里寻找零散、剩余的粮食。然而，这幅内容朴实的画作却给观众带来一种不同寻常的庄严感。米勒一般采用横的构图，让纪念碑一般的人物出现在前景的原野上。三个主体人物分别戴着红、蓝、黄色的帽子，衣服也以此为主色调，牢牢吸引住观众的视线。她们的动作富于连贯性，沉着有序，布置在画面左侧的光源照射在人物身上，使她们显得愈发结实而有忍耐力。或许长时间的弯腰劳作已经使她们感到很累了，可她们仍在坚持。尽管脸部被隐去了，而她们的动作和躯体更加富于表情——忍耐、谦卑、忠诚。米勒以凝重质朴，造型简约的概括力，来极富表现力地塑造平凡人物。他表现的是人和大地的亲密关系，是史诗所不能达到的质朴平凡。从这三个穿着粗布衣衫和沉重木鞋的农妇身上感到一种深沉的宗教情感，在生存面前，人类虔诚地低下他们的头。虽然远处飞翔的鸟儿依旧烘托出田园诗般的意境，但人类凝重的身躯似乎预示着生存的重压。正是这种宗教般的感情使《拾穗者》超越了一般的田园美景的歌颂，而成为一幅人与土地、与生存息息相关的真正伟大的作品。作品影响

此画米勒作于1857年，是表现农民生活情境的作品，引起资产阶级舆论界的广泛关注。有的评论家写文章说：“画家在这里是蓄有政治意图的，画上的农民有抗议声。”又说：“这三个拾穗者如此自命不凡，简直就像是三个司命运大的女神。”《费加罗报》上的一篇文章甚至耸人听闻地写道“这三个突出在阴霾的天空前的拾穗者后面，:有农民暴动的刀枪和1793年的断头台。”

19世纪70年代以前的法国农村，还处在封建宗法制度下，农民从事繁重的农业劳动，生活艰苦，自卫能力又很弱，对新事物不敏感。所以，对巴黎出现的革命风暴是淡漠的或持观望态度。米勒的就流露出这种情况。米勒的艺术辩护人朱理·卡斯塔奈里曾这样描写这幅画：“现代艺术家相信一个在光天化日下的乞丐的确比坐在宝座上的国王还要美；当远处主人满载麦子的大车在重压下呻吟时，我看到三个弯腰的农妇正在收获过的田里捡拾落穗，这比见到一个圣者殉难还要痛苦地抓住我的心灵。这幅油画，使人产生可怕的忧虑。它不像库尔贝的某些画那样，成为激昂的政治演说或者社会论文，它是件艺术品，非常之美而单纯，独立于议论之外。他的主题非常动人，精确；但画得那样坦率，使它高出于一般党派争论之上，从而无需撒谎，也无需使用夸张手法，就表现出了那真实而伟大的自然篇章，犹如荷马和维吉尔大的诗篇。”这段话，给我们赏析提供了一个精彩的历史见证。此画的力量产生于真实，不是撒谎就能使敌人丧胆，让人民振奋。这就是的现实意义。