《艺术学概论》彭吉象视频文字稿第一章艺术的本质与特征

第一篇：《艺术学概论》彭吉象视频文字稿第一章艺术的本质与特征

第一章 艺术的本质与特征

艺术学概论这门课程，是高等院校人文素质教育的重点课程之一。从2001年开始，艺术学概论这门课程也被教育部指定为艺术类院校专科升本科的必考科目之一。艺术学概论这门课主要包括上篇 艺术总论，中篇 艺术种类，下篇 艺术系统。大家知道，人类的艺术活动已经有着非常漫长/悠久的历史，从一定意义上讲，人类的艺术史和人类的文化史一样古老。就拿艺术理论来说，如果从中国的先秦时期算起，西方从古希腊时期算起，人类的艺术理论也已经有了两千多年的历史，但是，艺术学作为一门独立学科，却仅只有一百多年的历史。艺术性作为一门独立的新兴学科，仅仅是到了19世纪下半叶才在德国诞生。（ppt展示艺术学之父康拉德 费德勒）而德国的康拉德 费德勒也因此被称为艺术学之父。也就是说，艺术学诞生到现在，仅仅只有一百多年的历史，是一门新兴的独立学科。

那么，艺术学到底包括那些内容呢?艺术性的内容非常丰富，从整体上讲，艺术学包括了：艺术理论，艺术史，艺术批评三大部分。而且如果从门类来划分，如果说艺术学属于一级学科，那么在艺术学这个一级学科下面，又包括了音乐学，美术学，舞蹈学，电影学，戏剧学等等学科。此外，随着时代的发展和研究的深入，艺术学又产生了血多分支学科，比如说：艺术心理学，艺术社会学，艺术人类学，艺术文化学及艺术管理学等等。

下面，我们就开始讲解上编-艺术总论

第一章的内容是艺术的本质与特征 在这一章里，我们主要讲两节。第一节讲艺术的本质，第二节讲艺术的特征。我们先讲第一节艺术的本质。在这一节里面，需要讲两个问题。第一个问题，是关于艺术本质的几种主要看法；第二个问题是艺术本质问题的科学理论基础。

第一个问题，关于艺术本质的几种重要看法。到底什么是艺术，艺术的本质是什么。中外古今，许许多多的思想家，艺术家们都在探讨这个问题。归纳起来，主要可以归纳为三种看法：第一种 客观精神说 第二种 主观精神说 第三种 “再现说”或“模仿说”。第一种，客观精神说，代表的人物是古希腊的柏拉图（ppt图片），柏拉图从他的客观唯心主义出发，他认为，理念世界三第一性的，物质世界是第二性的，艺术世界是第三性的。打个比方来说，就说这个桌子，按照柏拉图的看法，首先，是有了桌子的理念，就是人在头脑里面有了桌子的概念，然后木匠再根据桌子的概念打造出一张木头的桌子，这是第二性的。然后画家再根据这个桌子的实体形态将它绘画出来，这是第三性的。这是柏拉图的客观精神说。与柏拉图客观精神说相反的是德国古典美学及大成者黑格尔。黑格尔认为艺术和美都是理念的显现。黑格尔关于美的定义简明扼要地强调了，美是理念的感性显现。在黑格尔看来，美就是感性的内容通过理性的显现而大放光彩。这就是客观精神说。第二种主观精神说。主观精神说的代表人物是德国古典美学的鼻祖-康德。康德认为艺术不涉及任何功利，没有任何目的，所以说无功利性和无目的性三艺术的特征。康德认为，艺术是自我意识的表现，是生命本质的冲动，是一种自由自觉的活动。在这一点上，艺术和游戏是相通的。康德特别强调，艺术是作家，艺术家们天才创造的产物。第三种观点，就是“模仿说”或者“再现说”。“模仿说”或者“再现说”的代表人物是古希腊的亚里士多德。实际上，关于模仿说理论在古希腊很有市场。古希腊很多学者认为：人类一直在模仿自然世界中的事物。比如说，古希腊学者认为，人类模仿鸟儿的啼叫，所以人类要唱歌，人类模仿蜘蛛的织网，所以人类要织布，人类模仿燕子的筑巢，所以人类要盖房子。而亚里士多德也认为艺术就是模仿。亚里士多德认为戏剧里面的好人，就是在模仿生活中的好人，戏剧里面的坏人，就是在模仿生活当中的坏人，所以亚里士多德的理论在西方很有影响力。中国美学界泰斗朱光潜先生认为，亚里士多德的模仿论在西方雄霸了两千年，产生了巨大的影响。而这种影响一直持续到十九世纪俄国的民主主义者车尔尼雪夫斯基提出的美是生活的理论。车尔尼雪夫斯基从美是生活的理论出发，阐述艺术就是对现实生活的再现，他的这个理论对我们新中国五六十年代的艺术创作

产生了很大的影响。除此之外，中外艺术史上还有形象说，情感说，表现说，形式说等等许多种比较有影响的说法。

第二个大问题，是关于艺术本质问题的科学理论基础。关于艺术本质的问题，我们认为马克思的艺术生产理论奠定了科学的生产基础。马克思认为，人类的生产活动可以分为物质生产和精神生产，而艺术生产是精神生产的重要组成部分。艺术生产理论的提出，具有重要的意义。艺术生产理论对艺术学研究起到了启示。主要有以下三点启示：“艺术生产“理论的启示，第一，艺术生产理论揭示了艺术的起源，性质和特点；第二，艺术生产理论阐述明了两种生产的“不平衡关系”；第三，艺术生产理论揭示了艺术系统的奥秘。我们先讲第一点，艺术生产理论揭示了艺术的起源，性质和特点。从艺术的起源来看，艺术生产本身是经历了一个漫长的艺术发展过程，才从物质生产中分化出来的。人类的最初艺术作品常常是同身边的物质生产劳动有直接关系。（ppt钻木取火）早在原始社会，人们的装饰品往往都和生产劳动有关，他们或者是生产劳动的工具，比如说石器等等（ppt石器图片）或者是劳动的成果。比如说用来装饰的兽皮，兽牙，羽毛等等（图片举例）。而且我们可以看到，玉器的发展也说明了这一点。而且从艺术的性质和特点来看，艺术作品必然包括着艺术家的主观能动创造和客观现实的反应这样两组成部分，所以艺术作品既有主观的因素，又有客观的反应。艺术品应当是主客观的哟偶寄统一。第二点，艺术生产理论阐述明了两种生产的“不平衡关系”。就是说物质生产和精神生产，物质生产和艺术生产之间并不是平衡的。在物质生产非常落后的情况下精神生产非常发达。马克思曾经举古希腊文学艺术为例子，古希腊的艺术是处在人类社会的初期，生产力非常低下，但是古希腊艺术却达到了很高的程度。十九世纪的俄国，可以说是两种生产不平衡的鲜明的例证。十九世纪的俄国经济上非常落后，政治上非常黑暗，是沙皇统治最黑暗的时期，但是十九世纪的俄国出现了著名的诗人普希金，写下了许多著名的诗篇。小说方面出现了列夫托尔斯泰这样的大文豪。写出了战争与和平，安娜卡列尼娜这样的巨著。十九世纪的俄国在音乐方面出现了柴可夫斯基这样的作曲家，在美术方面，十九世纪的俄国出现了列宾和苏里克多夫为首的熊辉展览画派（ppt伏尔加河上的纤夫）。在舞蹈方面，十九世纪的俄国还出现了“天鹅湖”，“睡美人”等等一批优秀的芭蕾舞作品。甚至在文艺理论方面十九世纪的俄国也是群星璀璨，成果辉煌。出现了。。。等一批著名的文艺理论家。尤其车尔尼雪夫斯基他提出的美是生活的观点，影响了一代又一代人。第三点，艺术生产理论揭示了艺术系统的奥秘。我们知道，艺术生产它指出我们的艺术包括了艺术创作，艺术作品，艺术鉴赏这样三个部分。实际上从生产理论来看，生产理论应该包括生产，产品和消费这样三个阶段。这点和我们的艺术生产是完全一致的。我们在艺术创作活动中首先是应该有生产，就是艺术创作，艺术创作的成果就是产品，也就是与之相对应的艺术作品，而艺术作品要被大众进行鉴赏，这就是消费。所以说生产，产品，消费对应到我们的艺术活动里面来，就是艺术创作，艺术作品，艺术鉴赏这样一个系统。艺术生产理论就清楚的向我们揭示了这样一个系统。而不是单纯去强调某一个方面。

下面我们来学习第二节，艺术的特征。艺术到底有什么特征，艺术和其他人类的精神成果由什么不同。我们把它概括为三条。第二节 艺术的特征一形象性 二 主体性 三审美性。下面我们分别来讲解。首先，艺术具有形象性。艺术特征的形象性我们可以从三点来认识。1.艺术形象是客观与主观的统一。2.艺术形象是内容与形式的统一，3.艺术形象是个性又共性的统一。首先来讲第一点，艺术形象是客观与主观的统一。鲁迅先生曾经说过，画家所画的/雕塑家所雕塑的，表面上是一张画，一个雕像，其实是艺术家思想和人格的表现。鲁迅先生这句话非常深刻。我们看到画家画出的一幅画，雕塑家做出的一个雕像，作曲家谱出的一首曲子，舞蹈家编排的一台舞蹈，其实在这些作品当中，蕴藏着艺术家他个人的思想，理想，追求，人格，他对艺术的渴望。这些全部凝聚在他的作品当中。在这方面有很

多例子，比如意大利文艺复兴时期著名画家达芬奇的蒙娜丽莎。实际上在达芬奇的这部作品里面，就凝聚着达芬奇他对美的追求，理解，和他的审美理想。大家知道，达芬奇为了画好这幅画，专门找了一个模特。他的邻居，当时佛罗伦萨一个皮货商的妻子。这位皮货商的妻子，刚刚死了儿子的一个母亲，心情很难过，达芬奇请她做模特，却也不好推辞。但始终闷闷不乐，为了让她高兴起来，达芬奇想了很多办法。达芬奇请来了一个小乐队，在旁边为她演奏乐曲，然后自己在一旁作画，乐队继续演奏。当乐队演奏到这位皮货商的妻子最钟爱的一个乐曲时，她微微一笑，达芬奇抓住了这一瞬间，将她记录下来，由此就得到了蒙娜丽莎神秘的微笑这部传世之作。正是这种神秘的微笑，使很多后来的模仿着都难以企及，因为在这幅画里凝聚着达芬奇本人，也就是艺术家对于美的追求。乃至于二十世纪精神分析学派的一些批评家们认为达芬奇在这幅画里凝聚了他浓烈的恋母情节。他们认为达芬奇在这幅画里把他对母亲的爱，对女性的爱全部凝聚起来，他们认为这幅画是一种性欲深化说，其实达芬奇这画反应了文艺复兴时期人们对美的追求。因为经过中世纪长期的宗教统治，文艺复兴终于能够歌颂人性，歌颂人的美。而达芬奇正是站在这个新的历史潮流，通过蒙娜丽莎这幅画，体现了他自己对美的追求。第二点，术形象是内容与形式的统一。任何艺术作品，离不开形式，但更加离不开内容。真正优秀的作品应该有深刻的思想内涵，完美的形式来体现。比如说法国画家米勒“拾穗者”，他描绘了几位正在田间拾麦穗的农妇，虽然这些农妇年纪都很大，穿着也特别简朴，但画家对她们寄予了无限的同情，所以这幅画画的很美。二十世纪二十年代，鲁迅先生曾在上海艺术大学讲过艺术理论课，当时鲁迅先生就把刚才的这幅米勒的拾穗者和当时上海烟草公司制作的美女月份牌进行了比较。美女月份牌虽然都是一个个美女的形象，但是他认为这些并不美，画得非常苍白，因为它们只有形式，没有内容，更没有艺术家的情感。鲁迅先生将这两幅画进行对比，并指出前一幅画虽然表现的是衣着破烂的农妇，但是她们非常美，因为它凝聚着艺术家的情感，对劳动人民的赞叹和同情。而后一幅画因为没有实质的思想内容而显得苍白无力。艺术的内容和形式的有机统一，需要依靠艺术家付出创造性的劳动。在这方面法国著名的雕塑家罗丹就是一个很好的例子，大家知道罗丹雕塑了许多优秀的作品，其中之一就是他为法国的大文豪巴尔扎克雕塑的一个塑像。巴尔扎克是法国著名的大文豪，在巴尔扎克去世以后，法国的文学家协会就找到了罗丹，希望他能够为巴尔扎克做一个塑形。罗丹非常崇敬巴尔扎克，所以欣然接受了这个任务。为了做好这个雕像，罗丹专门去采访了巴尔扎克的裁缝，这样他就知道了巴尔扎克的身高，体型，这样为他的雕塑做好前期的准备。与此同时，罗丹又阅读了大量巴尔扎克的作品和传记，来了解巴尔扎克的性格。还有这样一个故事：罗丹做了很多的巴尔扎克雕像的样本，其中一个样本就拿给学生看，问学生雕刻得怎么样。学生看了后，纷纷赞不绝口。罗丹问学生，你们觉得最好的是哪个部位？学生说，你看这两只手，雕得多好啊，栩栩如生。罗丹非常生气，拿起斧子来，就把雕塑的两只手都砍掉了。罗丹说，你们首先注意他的两只手，说明我的作品失败了。因为我雕塑的巴尔扎克，主要要体现他的精神，气质，而不是他的两只手。就是这样，罗丹几度起稿，经过很长的时间，才雕塑出了现在的巴尔扎克像。因为罗丹考虑到巴尔扎克经常在夜间写作，在夜间写作的巴尔扎克总是喜欢穿着一件睡袍。这样，罗丹就让巴尔扎克的雕像批了一件睡袍，将巴尔扎克的双手都隐藏在睡袍里面。只是巴尔扎克扎的脸部和炯炯有神的眼睛显得非常突出。这个雕像雕好只好，罗丹就把它送到法国文学家协会。但是法国文学家协会拒绝接受，因为他们认为说你把我们的大文豪雕塑成了一个穿着睡袍的老头，我们不愿意接受，并且也不会付钱。罗丹作为一位艺术家，他说你们不付钱，我也绝对不会修改。这就是我的作品，你们不要，我就自己保留。这个作品，就成为了传世之作。第三，艺术形象也是个性与共性的统一。我们说任何艺术作品都应该是独一无二，具有个性。但与此同时，独一无二的艺术形象，又应该具有普遍性和共性。凡是古今优秀的艺术形象，无不具有鲜明的个性，同时又具有广泛而丰富的社会概括性。也就是把个性和共性集于一身。鲁迅先生笔

下的阿Q，就是这样一个极有个性又有共性的人物形象。大家都知道鲁迅先生的阿Q正传，同时戏曲和电影也都有过反应。阿Q的身上就是这样具有人物的鲜明性，复杂性，在他身上既有农民质朴憨厚的一面，同时又有落后，愚昧，麻木的一面。在阿Q身上，他有受欺负，受压迫的一面，同时他又持强凌弱，去欺负比他更弱小的小尼姑等人。所以这个人物的性格非常复杂，非常鲜明。他是一个立体的人物，而不是一个扁平的人物，是一个圆形的人物，而不是一个单一的人物。而阿Q这个人物形象，真正做到了个性与共性的统一。以至于许多评论家都认为，阿Q身上体现出了我们国民性的弱点，所以在阿Q这个形象上，已经达到了艺术形象最高层的艺术典型。艺术形象和艺术典型既有联系，又有区别。它们的联系就在于艺术形象和艺术典型都要强调个性和共性的统一；但是它们的区别就在于艺术典型比起艺术形象来，又具有更加强烈的个性或更加广泛的共性。也就是说艺术典型比起艺术形象来它的个性更加鲜明，更加突出；它的共性更加普遍，更加广泛。注意强烈的个性和注意广泛的个性结合到一块这就是艺术的典型。我们在今后还要讲到典型和意境。还要专门再讲典型。

第二个问题，我们再讲讲艺术特征的主体性。艺术很大的一个特征就是在于主体性，这种主体性又表现在以下三个方面:1.艺术创作具有主体性的特点，2.艺术作品具有主体性的特点，3.艺术欣赏具有主体性的特点。我们先讲第一点，艺术创作具有主体性的特点。艺术创作毫无疑问具有主体性的特点，为什么这样说呢，因为物质生产，精神生产都是人类的生产活动，都需要主体性。而艺术生产作为精神生产的一个重要组成部分更加具有主体性。因为艺术生产需要独创性和能动性。所有的艺术生产都应该是具有创新性的，都应该是独一无二的。从这种意义上来说，艺术就需要创新。就拿画马来说，中国绘画从古至今有许多画家都画过马，比如说从唐代的韩干到元代的赵梦俯到徐悲鸿，但是他们画的马都不相同，都有各自鲜明的特色和风格。就拿唐代的韩干到元代的赵孟俯来说，他们画的马就各有自己的特点，韩干“照夜白图”非常富有特点。他把马奔跑嘶叫的动态画出来了，也就三把马的神态画出来了。有这么一个故事：韩干是唐玄宗的宫廷画家，所以经常和唐玄宗见面。有一天唐玄宗说我要给你找一个老师，韩干回答臣自有师。皇上很吃惊，我们经常见面，怎么从来都不知道你有老师啊？韩干说，笔下马厩中上千匹马，都是我的老师。因为韩干经常要去马厩观察马的习性，观察马的奔跑跳跃然后把它画下来。正因这样韩干画的马非常具有生活的气息，抓住了马的神态。我们看他这一幅“照夜白图”就非常富有马的神态特征达到了传神的地步。而且韩干画的马也具有唐代的审美观。大家都知道唐代以肥为美，所以唐代画的人物形象都是很胖的，美人也都是很胖的。而韩干画的这匹马也是非常肥胖。以至于唐代的大诗人杜甫曾经在诗歌中批评韩干画的这匹马，说韩干画马是画肉不画骨，但是后人又批评杜甫说杜甫没有看懂韩干画的马，说韩干画的马怎么会没有骨头呢？没有骨头这匹马能这么精神吗？所以说只是杜甫没有看懂。虽然这匹马胖，但也是很有精神的，正因为它有骨有肉。这是一个韩干画马的故事。那么大家看看元代赵孟俯画的马“秋郊饮马图”也是非常有名的。他画的马和韩干就截然不同，体现出元代的审美观。这画中大概十来匹马都在原野上奔驰，极其富有动态。所以同样是画马，韩干画的马和赵梦俯画的马就截然不同，体现出两个人不同的艺术风格和审美追求。第二点，艺术作品具有主体性的特点。艺术主体作为精神文化的产物必然打上艺术家个人的烙印。每个画家，每个雕塑家，每个诗人，每个作家的作品，都会打上他个人的烙印。二十世纪二十年代两位文学大师朱自清和俞平伯两位同游南京的秦淮河，然后两个人用同一个题目各自写一篇散文，就三《桨声灯影里的秦淮河》，这两篇散文虽然时间相同，提出相同，地点相同，甚至题目都相同，但是具有完全不同的风格和特征，两篇散文都成为中国文学史上的重要作品。因为这两篇作品都各自凝聚着两位大师各自不同的审美理想和艺术追求。第三点，艺术欣赏具有主体性的特点。如果说艺术创作具有主体性的特点，艺术作品具有主体性的特点，这都比较好理解，那么艺术欣赏也具有主体性的特点吗？

很多同志对于这个问题就感到难以理解。其实艺术欣赏也是一种再创造，我们在这门课的最后一节课就会讲到艺术鉴赏本身是一种审美的再创造。作为欣赏者，读者，观众或听众同样在进行审美的再创造，同样具有主体性的特点。西方有一句谚语：叫做有一千个读者，就有一千个哈姆雷特。如果套用这句话，我们来看看著名的红楼梦。红楼梦这部文学作品已经被搬上了荧屏和荧幕，有电视剧也有电影。如果套用西方这句谚语，我们完全可以说，有一千个读者或观众，就有一千个贾宝玉，就有一千个林黛玉。为什么呢？因为每一位读者他头脑中的林黛玉或贾宝玉都有他自己想象的成分。正因为这样，所以我们电视剧红楼梦演员就遭到了很多观众的批评。他们认为这个演员选得不像，那个演员选得不像。其实永远都找不到符合大家都一致公认的贾宝玉或林黛玉。

我们再讲一下艺术特征里面的第三点，就是审美性。艺术创作，艺术作品和艺术欣赏最大的一个特征就是它们具有审美性。从艺术生产的角度来看，艺术的审美性是十分重要的。因为任何艺术作品都必须具有两个条件：1.任何艺术作品都必须是人类艺术生产的产物，2.任何艺术作品都必须具有审美价值。正是这两点使得艺术品或其他一切非艺术品区分开来。所以在审美性里面，我们要讲一下三点：审美性 1.艺术的审美性是人类审美意识的集中体现 2.艺术的审美性是真善美的结晶，3.艺术的审美性是内容美和形式美的统一。我们先讲第一点，艺术的审美是人类审美意识的集中体现。大家知道，美学理论告诉我们，美主要分为三种形态，这就是艺术美，自然美和社会美。艺术美和自然美最大的区别就在于艺术美是人类艺术生产的产物，在艺术作品身上凝聚着艺术家创造性劳动的结晶；而自然美是大自然的产物，是“造化钟神秀”，是大自然创造的作品。所以自然美它和人类虽然有着长期实践形成的审美关系，但是它毕竟是自然形成的，而不是人工形成的。我们看到，我们祖国有许多的名山大川（ppt泰山）比如说泰山的雄伟，华山的险峻，黄山的奇特，黄山上的奇松怪石，以及峨眉山的秀丽，尤其是峨眉山的景，上面有四大景观包括云海，日出，佛光，圣灯都是自然形成的。而艺术作品的美是凝聚着艺术家的心血，是艺术家创造性的产物。正因为这样，我看一幅画，听一首音乐，看一部影片，读一本小说实际上都是在欣赏人类创造性劳动的成果。是因为作家艺术家们把自己的审美理想审美追求凝聚到自己作品之中。第二点，艺术的审美性是真善美的结晶。艺术必然要来源于生活，但是艺术的真实不等于生活的真实。因为在艺术创作中需要把生活真是升华为艺术真实。而且艺术也要体现善，也就是道德价值，但是艺术中的善已经不等同于社会生活中的善。而艺术中的善是要把化善为美通过艺术作品体现出来道德的价值，而不是道德的说教。所以艺术中它必须通过化真为美，化善为美来体现艺术的审美价值。在这一点，我们可以举北宋张择端的著名作品《清明上河图》作为例子。清明上河图是北宋画家张择端的著名作品，作品为很长的卷轴画，全画分三个部分。第一部分是远郊，它表现了北宋都城，开封整个城市的远郊区，这是第一部分。第二部分就是汴河，这是全画的中心。第三个部分就是以城墙为界进入到了城区。整个清明上河图就是由远郊，桥和城区三个部分组成的。清明上河图这幅作品化真为美，化善为美。它不但具有很高的艺术价值而且具有经济学，民俗学，建筑学，地理学，历史学等等多方面的价值。一位美国教授就是根据清明上河图来研究开封城的历史变迁。他发现这个汴河已经不在原来的河道上，已经改了河道。可见清明上河图具有很高的研究价值。而且清明上河图画得非常逼真，非常传神。这幅画可以说是我们的国宝。2002年末在上海举行了我们的国宝展，清明上河图非常受欢迎。参观者从早上九点等到晚上六点就为了看这一幅画。可见这幅画具有多么高的艺术价值。这幅画为什么有这么高的艺术价值呢?首先是它化真为美，化善为美，它把生活的真实和艺术的真实有机地统一起来，画得非常逼真，非常传神。比如说它的桥。在桥上画了186位人物。这186个人物每个人的身份，年龄，性格，职业等都各不相同，而且在桥下一艘大船要穿过桥洞，船上的人正在紧张地划船。而岸边有的人已经站到房顶上呼喊，让船上的人要当心，桥上的人也在低头往下看，非常逼真，非常传神。这幅画逼真到了什么程度呢？

甚至有人说清明上河图出名之后出现很多赝品，模仿得非常逼真。其中有一幅赝品已经到了以假乱真的程度，很多专家都认为它是真的，但是其中有一位专家用放大镜看到有一只麻雀的两只脚分别站在了两片瓦上，说这就是假的，因为清明上河图不可能出现这样的错误。可见这幅画已经达到了多么高的水平。而且这幅画确实体现了很多当时当地的民俗。美国有位学汉学的女研究生问过一个问题，她说为什么清明上河图中没有女性形象的出现。确实是这样，大家可以仔细看一下，清明上河图上都是男性的形象。为什么呢？因为这是封建社会女性一般不让上街，除非中秋节，元宵节这样重大的节日才允许上街。所以清明上河图表现的都是男性人物。而这位女学生是研究西方女权主义文化，对此大为不解。清明上河图是我国国画艺术中的精品，是我们的国宝。像这样的作品我们今后还要像大家介绍。在艺术中还有一个问题，就是生活中的丑在艺术中能怎么表现。这也就是说艺术还要化丑为美。这也是艺术的审美性所决定的。因为艺术必须强调审美性，化丑为美，去把生活中的丑变作艺术中的美，变成优秀的艺术作品。比如莎士比亚的名剧《威尼斯商人》，这里面的夏洛克就是一个贪得无厌的商人，但是莎士比亚通过这个作品揭露了他的本质，使这个艺术作品达到了很高的价值。第三点，艺术的审美性是内容美和形式美的统一。艺术的审美性离不开内容也离不开形式。艺术家们在自己的创作实践中总是在不断地探索和寻找美的形式，从内容出发去选择最恰当的形式，来加强艺术的表现力。我们可以举建筑为例。首先我们看看古希腊的帕提农神庙。帕提农神庙造型端庄。主题由46根洁白的大理石圆柱构成，而且整个的比例和柱子之间的比例完全符合古希腊黄金分割的比例，体现了对建筑艺术美的追求。下面，我们再看看现代艺术建筑的代表性作品-悉尼歌剧院。悉尼歌剧院处于澳大利亚的海滩，它由丹麦设计师约恩.伍重设计，于1973年建成。在建造悉尼歌剧院的时候还有这样一个小故事：当时澳大利亚政府向全世界征询设计方案，在世界范围内征集到了200多个设计方案。为了使这个建筑别具一格，澳大利亚政府专门聘请了美国建筑学专家协会的主席沙利文，请沙利文先生来担任评选委员会的主席。沙利文乘坐的飞机延误，迟到了，其他人已经选出了十个样本请他过目，结果沙利文看了都不满意，把它们全部扔到一边，然后他问还有没有更好的，别人说多时淘汰下来的作品在一边，沙利文要求把其他作品拿给他看，结果一下就发现了约恩.伍重的这个设计方案，认定这个是最好的，最后就以这个方案呢建造了悉尼歌剧院，历时十七年，造价相当于原来预算的十四倍，但是它成为了优秀的观景艺术，也是一个优秀的有机建筑。它和周围的大海融为一片，像贝壳，像帆船，也像白荷花，都是和水有关的元素。所以是一个优秀的有机建筑作品。

第二篇：彭吉象《艺术概论》教案

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彭吉象《艺术概论》教案

第一章 艺术的本质与特征

一、本章内容概要

1.关于艺术的本质这个艺术学学科的根本问题，艺术史上的几种主要看法： 第一种，“客观精神说”。认为艺术是“理念”或者客观“宇宙精神”的体现。古希腊哲学家柏拉图是较早对艺术的本质进行哲学探讨的学者。柏拉图认为，理性世界是第一性的，感性世界是第二性的，而艺术世界仅仅是第三性的。德国古典美学集大成者黑格尔，对艺术本质的认识同样建立在客观唯心主义哲学体系之上。中国南北朝的刘勰认为文是道的表现，道是文的本源。宋代理学家朱熹认为，“文”只不过是载“道”的简单工具，即“犹车之载物”罢了。这样一来，“道”不仅是文艺的本质，而且是文艺的内容，“文”仅仅是作为“道”的工具而已。显然，这种“文以载道”说同样把艺术的本质归结为某种客观精神。第二种，“主观精神说”。认为艺术是“自我意识的表现”，是“生命本体的冲动”。德国古典美学的开山祖康德认为，艺术纯粹是作家艺术家们的天才创造物，这种“自由的艺术”丝毫不夹杂任何利害关系，不涉及任何目的。他强调艺术创作中，天才的想象力与独创性，可以使艺术达到美的境界。康德的这种意志自由论成为后来的唯意志主义的思想来源之一。处在19世纪和20世纪转折点上的德国哲学家尼采，更是将其推向极端。尼采认为，人的主观意志是世界上万事万物的主宰，也是推动历史发展的根本动因。在尼采那里，主观意志被说成是主宰一切的独立实体，本能欲望被夸大为具有无限的能动性。尼采是从美学问题开始他的哲学活动。在他的第一部著作《悲剧的诞生》中，尼采用日神阿波罗和酒神狄奥尼索斯的象征来说明艺术的起源、艺术的本质和功用，乃至人生的意义等等，它们成为尼采全部美学和哲学的前提。在我国古代的文艺理论批评史上，南北朝时代是文学日益繁荣的时期，文学艺术抒情言志的特点得到重视。但是，这个时期有的文艺评论家把“情”、“志”归结为作家艺术家个人的心灵和欲念的表现，根本否认文艺与社会现实的联系。宋代严羽的“妙悟”说和明代袁宏道的“性灵”说，也是把主观精神的表现和抒发当作文学的艺术本质特征。 第三种，“模仿说” 或“再现说”。西方文艺思想史上，从古希腊以来，“模仿说”一直是很有影响的一种观点。这种观点认为艺术是对现实的“模仿”，发展到后来，更认为艺术是“社会生活的再现”。古希腊的亚里士多德在人类思想史上第一个以独立体系来阐明美学概念，成为在他之前的希腊美学思想的集大成者。亚里士多德认为艺术是对现实的“模仿”。他首先肯定了现实世界的真实性，从而也就肯定了“模仿”现实的艺术真实性。与此同时，亚里士多德进一步认为，艺术所具有的这种“模仿”功能，使得艺术甚至比它所“模仿”的现象世界更加真实。俄国19世纪革命民主主义者车尔尼雪夫斯基从他关于“美是生活”的论断出发，认为艺术是对生活的“再现”，是对客观现实的“再现”。车尔尼雪夫斯基的基本论点是艺术反映现实，但他所理解的现实生活，不仅包括客观存在的自然界，而且包括人们的社会生活，使其更加具有深刻的社会内容。中外艺术史上还有“形象说”、“情感说”、“表现说”、“形式说”等多种颇有影响的说法。历史上不同时代的思想家、美学家和艺术家们，都从各个不同的角度和侧面去探究艺术的性质特点和基本规律，提出了许多精辟的、颇有意义的见解。

（2）艺术本质问题的科学理论基础。人类社会生活从总体上可以划分为物质生活与精神生活两大组成部分。为满足这两种生活所分别进行的生产活动，称作物质生产与精神生产。物质生产是为了满足人们的物质需要，它的成果构成了人类的物质文明。精神生产是为了满足人们的精神需要，它的成果构成了人类的精神文明。艺术生产作为一种特殊的精神生产，则是为了满足人们的审美需要，它的成果构成了人类光辉灿烂的艺术文化宝库。

马克思明确提出了“艺术生产”的概念，将“艺术”与“生产”联系起来考虑，从生产实践活动出发来考察艺术问题，把艺术看作是一种特殊的精神生产，这在美学史和艺术史上是一个前所未有的创举。“艺术生产” 理论对于揭示艺术的起源和艺术的发展，揭示艺术的性质和艺术的特点，以及揭示艺术创作、艺术作品、艺术鉴赏这样一个完整的艺术系统的奥秘，都提供了科学的理论依据。

“艺术生产”理论给艺术学研究提供了哪些启示呢? 第一，艺术生产理论揭示了艺术的起源、性质和特点。

首先，从艺术的起源来看，艺术生产本身是经历了一个漫长的历史过程才从物质生产中分化出来的。人类最初的艺术品常常同生产劳动实践有着直接的联系，它们或者是劳动工具如精致的石器、骨器等，或者是劳动成果如用来作为装饰品的兽皮、兽牙、羽毛等。只是随着生产力的发展和人类社会的进步，艺术生产才逐渐独立出来，这些劳动产品也逐渐从满足人的物质需要变为满足人的精神需要。艺术的起源可能有多种多样的原因，但归根结底，以劳动为前提，以巫术为中介，艺术的起源离不开人类的社会实践活动。

其次，从艺术的性质和特点来看，艺术生产理论告诉我们，艺术作为审美主客体关系的最高形式，艺术美包含着两个方面的内容，一方面艺术是对客观社会生活的反映，另一方面艺术又凝聚着作家艺术家主观的审美理想和情感愿望。也就是说，艺术美既有客观的因素，又有主观的因素，这两方面通过作家艺术家的创作活动互相渗透、彼此融合，并通过物态化形成具有艺术形象的艺术作品。因而，艺术的审美价值必然是主客体的有机统一。艺术生产的突出特点，是把创作主体（作家艺术家）强烈的主观因素渗透到整个艺术创作过程，并融汇到艺术作品之中。人类的生产实践活动本身就是一种创造性的劳动，艺术生产作为一种特殊的精神生产，当然就更是一种自由自觉的创造性劳动了。艺术生产固然离不开客观现实，社会现实生活是艺术创作的源泉和基础，但艺术生产同样不能离开主观创造，只有当艺术家调动他强烈的和丰富的想象来从事创作时，才能创造出有血有肉、生动感人的艺术形象。从这种意义上讲，艺术必然是心与物的结合、主观与客观的结合，再现与表现的结合。

第二，艺术生产理论阐明了两种生产的“不平衡关系”。艺术作为一种特殊的社会意识形态，它的发展不能脱离一定时代的物质生产条件。一定时代艺术的发展，从最终原因上讲总是在一定的经济基础上形成的。艺术生产作为一种特殊的精神生产，又具有相对的独立性。19世纪的俄国就是一个典型的例子。第三，艺术生产理论揭示了艺术系统的奥秘。艺术生产理论把艺术创作——艺术作品——艺术鉴赏这三个相互联系的环节，作为一个完整的系统来研究。艺术创作可以说是艺术的“生产阶段”，它是创作主体（作家、艺术家）对创作客体(社会生活)能动反映的过程。艺术作品可以被看作是艺术生产的“产品”。艺术鉴赏则可以被看作是艺术的“消费阶段”，它是欣赏主体（读者、观众、听众）和欣赏客体（艺术品)之间相互作用并得到艺术享受的过程。这样，对整个艺术系统来说，艺术生产理论揭示出艺术品与欣赏者、对象与主体、生产与消费之间相互依存、相互转化的辩证关系。在艺术生产的全过程中，生产作为起点，具有支配作用，消费作为需要，又直接规定着生产。艺术作品被创作出来，是为了供人们阅读或欣赏，如果没人欣赏，它就还只是潜在的作品。因而，艺术生产适应着欣赏者的消费需要来进行艺术创作。同时，艺术欣赏反过来又成为刺激艺术生产的动力，推动着艺术生产的发展。可以说，整个艺术系统中，这三者之间的辩证关系和它们自身的独特规律，正是我们艺术学研究的核心。

“艺术的特征”一节，阐述了艺术具有的形象性、主体性、审美性等基本特征。

（1）形象性。艺术的基本特征之一是形象性。哲学、社会科学总是以抽象的、概念的形式来反映客观世界，文学、艺术则是以具体的、生动感人的艺术形象来反映社会生活和表现艺术家的思想情感。各个具体艺术门类，它们所塑造的艺术形象可以具有各自不同的特点，如雕塑、绘画、电影、戏剧等门类的艺术形象，欣赏者可以通过感官直接感受到，而音乐，文学等门类的艺术形象，欣赏者则必须通过音响、语言等媒介才能间接地感受到。但无论怎样，任何艺术都不能没有形象。 第一，艺术形象是客观与主观的统一。任何艺术作品的形象都是具体的、感性的，也都体现着一定的思想感情，都是客观因素与主观因素的有机统一。对于不同的艺术门类来说，艺术形象这种客观因素与主观因素的统一，具有各自不同的特点。对于雕塑、绘画等造型艺术来说，往往是在再现生活形象中渗透了艺术家的思想情感，这种主客观的统一，常常表现为主观因素消溶在客观形象之中。而另一些艺术门类，则更善于直接表现艺术家的思想情感，间接和曲折地反映社会生活，这些艺术门类中主客观的统一，则表现为客观因素消溶在主观因素之中。第二，艺术形象是内容与形式的统一。任何艺术形象都离不开内容，也离不开形式，必然是二者的有机统一。艺术欣赏中，首先直接作用于欣赏者感官的是艺术形式，但艺术形式之所以能感动人、影响人，是由于这种形式生动鲜明地体现出深刻的思想内容。

中外艺术史上，更是有许多这方面的轶事轶闻，充分显示出艺术形象必须是内容与形式的辩证统一，才能真正感染人和打动人。20世纪30年代鲁迅先生在上海中华艺术大学作讲演时，曾经将两幅画来进行对比。其中一幅是法国19世纪画家米勒的代表作《拾穗者》，另一幅则是当时上海英美烟草公司的商业广告画月份牌《时装美女》。虽然这幅时装美女画画得很细，在色彩和线条上颇费了些工夫，但这幅画只是一个广告，简直不能标作艺术品。而米勒的《拾穗者》整个色调是柔和的，构图是平稳的，没有任何刺激视觉的色彩和动态，图中三个弯腰拾穗的农妇正在紧张地劳动，整个画面朴实、自然，但鲁迅先生却认为这幅画很美。优秀的艺术作品，必然具有深刻的思想内涵和完美的艺术形式，正是这二者的有机统一，才使得艺术具有令人惊叹的感人魅力。19世纪末叶，当法国文学会为纪念大文豪巴尔扎克，委托法国著名雕塑家罗丹为巴尔扎克创作雕像时，罗丹抱着崇敬的心情，决心以雕像来再现大文学家的英灵。为此，罗丹不但阅读了许多有关资料，亲自到巴尔扎克的故乡采访，还找到几个外貌酷似大文豪的模特儿，甚至专程去找到当年为巴尔扎克制衣的老裁缝，从那里找到巴尔扎克准确的身材尺寸作参考。经过这样艰苦的努力，几年间易稿竟达40多次，罗丹终于找到了创作的灵感，选择了巴尔扎克习惯在深夜写作时穿着睡袍漫步构思，来作为雕像的外形轮廓。

第三，艺术形象是个性与共性的统一。综观中外艺术宝库中浩如烟海的文艺作品，凡是成功的艺术形象，无不具有鲜明而独特的个性，同时又具有丰富而广泛的社会概括性。正因为集个性与共性的高度统一于一身，才使得这些艺术形象具有不朽的艺术生命力。中外文艺理论对这个问题也早有许多精辟的论述。艺术形象必须具有鲜明、独特的个性特征，与此同时，艺术形象又必须具有普遍性和概括性。这是由于世界上的万事万物都是个性和共性的统一体，共性存在于千差万别的个性之中，个性总是共性的不同方式的表现。一切事物都是在带有偶然性的个别现象中，体现出带有必然性的共同本质和规律来。因而，许多艺术家在总结创造艺术形象的经验时，总是把能否从生活中捕捉到这种具有独特个性特征，同时又具有普遍意义的事物，当作富有成败意义的关键。

艺术形象的这种个性与共性的统一，最集中地体现为艺术典型。所谓艺术典型，就是作家、艺术家运用典型化的方法，创造出具有栩栩如生的鲜明个性并体现出带有普遍意义的典型形象。例如鲁迅先生塑造的阿 Q 这一人物形象，就是中国文学宝库中一个不可多得的艺术典型。

艺术形象与艺术典型既有联系，又有区别。从根本上讲，二者都是个性与共性的有机统一，具有共同的实质。但是，艺术典型比起艺术形象来，又具有更强烈的个性与更广泛的共性。也就是说，艺术典型更加独特，也更加普遍，它是艺术形象的凝炼与升化。典型性是在真实性的基础上对艺术形象提出的更高要求，客观存在是对整个形象的要求，也是对形象中的人物、环境、情节、细节、情感等因素的要求。所以，只有那些优秀的作家、艺术家，才能在自己的作品中创造出具有不朽生命力的典型形象来，这些典型必定具有个性鲜明的艺术独创性，往往又都非常深刻地揭示出社会生活的本质和意义来。

（2）主体性。艺术的另一个基本特征是主体性。如前所述，艺术作为一种特殊的社会意识形态，艺术生产作为一种特殊的精神生产，决定了艺术必然具有主体性的特征。毫无疑问，艺术要用形象来反映社会生活，但这种反映绝不是单纯的“模仿”或“再现”，而是融入了创作主体乃至欣赏主体的思想情感，体现出十分鲜明的创造性和创新性。因而，主体性作为艺术的基本特征之一，体现在艺术生产活动的全过程，包括艺术创作和艺术欣赏。

第一，艺术创作具有主体性的特点。社会生活是艺术创作的源泉，艺术创作对社会生活的这种依赖关系，首先表现在艺术家往往是从生活实践中获得创作动机和创作灵感，尤其是艺术创作的内容，更是来自于社会现实生活。但与此同时，艺术创作又是一种创造性的劳动，作家、艺术家作为创作主体对艺术创作起着决定性的作用。没有创作主体，艺术作品就无法产生。所以我们说，艺术创作离不开社会生活，更离不开创作主体，离不开艺术家的创造性劳动。对于艺术生产这一特殊的精神生产，艺术创作更是艺术作为创作主体的对象化过程。而且，比起物质生产劳动，艺术生产中的这种主体性更加鲜明、更加突出。艺术创作中的这种主体性，集中表现在艺术家的创作活动具有能动性和独创性。艺术家面对大千世界浩瀚的生活素材，必须进行选择、提炼、加工、改造，并且将自己强烈的思想、情感、愿望、理想等主观因素“物化”到自己的艺术作品之中，正是艺术创作的这种能动性，使得艺术成为主观与客观、再现与表现的辩证统一。艺术创作更具有独创性的特点，每一件优秀的艺术作品，总是凝聚着艺术家独特的审美体验和审美情感，带有艺术家个人的主观色彩与艺术追求，体现出艺术家鲜明的创作风格和艺术个性，具有强烈的创造性与创新性特色。第二，艺术作品具有主体性的特点。艺术作品作为艺术家创造性劳动的产物，必然打上艺术家作为创作主体的鲜明烙印。中外艺术宝库中，之所以涌现出如此众多千姿百态的艺术作品，正是由于它们凝聚着艺术家对生活的独到发现和深刻理解，渗透着艺术家独特的审美体验和审美情感，体现出艺术家鲜明的艺术风格和美学追求。任何优秀的艺术作品，都应当是独一无

二、不可重复的，具有艺术的独创性。或许，这就是艺术生产的产品和物质生产的产品，这二者之间截然不同的区别之一。这是因为艺术作品具有更加鲜明的主体性与创造性特点。第三，艺术欣赏具有主体性的特点。对于艺术创作和艺术作品的主体性特点，人们一般不会有疑问，但是对于艺术欣赏也具有主体性特点，恐怕就感到难以理解了。事实上，由于美感既有共同性，又有差异性，既有社会功利性，又有个人直觉性，使得美感具有千差万别的个性特征。由于每个人的生活经验与性格气质不同，审美能力和艺术素养不同，形成了每个欣赏者在审美感受上鲜明的个性差异，使艺术欣赏不能不打上欣赏主体的烙印。艺术欣赏中的这种个性差异，普遍存在于艺术的史实里。“有一千个读者，就有一千个哈姆雷特”，正说明了这个道理。

艺术欣赏当然要以客观存在的艺术作品为前提，没有艺术作品作为审美客体或欣赏对象，自然不可能有艺术欣赏活动。但是，在艺术欣赏中，欣赏主体（读者、观众、听众）也并不是被动的反映或消极的静观。从表面上看，从身体上看，欣赏者似乎完全处于一种“静态”的状态。然而，从实质上看，从心理上看，欣赏主体在审美活动中又有着极为复杂的心理过程，它包含着感知、理解、情感、联想、想象等诸多心理因素的自我协调活动。它不仅是主体对客体的感知，同时又是欣赏者对艺术形象能动的改造加工过程。因此，欣赏主体总是要根据自己生活经验、兴趣爱好、思想情感与审美理想，对作品中的艺术形象进行加工改造，进行再创造和再评价，从而完成和实现、补充和丰富艺术作品的审美价值。可以看出，艺术欣赏活动中，欣赏主体和艺术作品之间，是一种相互作用的振荡关系。一方面，艺术作品总是引导着欣赏者向作品所规定的艺术境界运动，另一方面，欣赏主体又总是按照自己的审美理想和审美感受能力来改造和加工作品中的艺术形象。总而言之，艺术鉴赏的本质就是一种审美的再创造。

（3）审美性。艺术还有一个基本特征就是审美性。从艺术生产的角度来看，任何艺术作品都必须具有以下两个条件：其一，它必须是人类艺术生产的产品；其二，它必须具有审美价值，即审美性。正是这两点，使艺术品和其它一切非艺术品区分开来。

第一，艺术的审美性是人类审美意识的集中体现。美学理论告诉我们，美的形态分为自然美与艺术美，二者之间的划分归根结底就在于艺术美直接凝聚着人类劳动和智慧的结晶。所以，泰山的雄伟、华山的险峻、黄山的奇特、峨眉的秀丽，这些名山大川的自然美，虽然从原因来看，都是由于人类社会实践漫长历史中审美主客体关系的建立，但是，这些天然风景之美，毕竟都是大自然造就的。艺术美却不同，任何艺术作品都必然是人所创造的，凝聚着人类劳动和智慧的结晶。然而，与此同时我们又必须注意，并不是人类一切劳动和智慧的创造物都可以称为艺术品。只有那些能够给人以精神上的愉悦和快感，也就是具有审美价值或审美性的人类创造物，才能称之艺术品。正因为这样，我们听一首乐曲，看一幅绘画，读一本小说，看一部影片，都会感觉到一种精神上的愉悦快感，获得了一种审美享受。

艺术的审美性，集中体现了人类的审美意识。审美意识的产生和发展，离不开人类的社会实践，在漫长的历史发展过程中，终于完成了由实用向审美的过渡。艺术也正是在这一进化历程中产生，成为人类审美活动的最高形式。艺术美作为现实的反映形态，它是艺术家创造性劳动的产物，它比现实生活中的美更加集中和更加典型，能够更加充分地满足人的审美需要。与此同时，艺术又是人类审美意识物质形态化的表现。

第二，艺术的审美性是真、善、美的结晶。艺术美之所以高于现实美，是由于通过艺术家的创造性劳动，把现实生活中的真、善、美凝聚到了艺术作品中。虽然艺术欣赏的特殊性在于直观感受性，即由生动鲜明的艺术形象直接引起人的美感，人们在欣赏艺术作品时，在这种生动鲜明的艺术形象中，已经融合了真、善、美的内涵，只不过它是通过艺术美直接体现出来罢了。艺术美要以真和善为前提，并通过审美性体现出艺术中这种真、善、美的统一。艺术中的“真”，并不等于生活真实，而是要通过艺术家的创造性劳动，通过提炼和加工，使生活真实升华为艺术真实，也就是化“真”为“美”，通过艺术形象体现出来。同样，艺术中的“善”，也并不是道德说教，同样要通过艺术家的精心创作，使艺术家的人生态度和道德评价渗透到艺术作品之中，也就是化“善”为“美”，体现为生动感人，有血有肉的艺术形象。

艺术的审美性和“丑”的关系。生活中既有真、善、美，也有假、恶、丑。生活中“丑”的东西，一旦进入了艺术，经过艺术家的创造性劳动，同样要通过审美特征将生活中的“丑”在艺术作品中体现出来。在生活中既可以找到美的现象又可以找到丑的现象，在艺术中却一概都以审美性表现出来。生活中的“丑”经过艺术家的能动创造变成了艺术美。事物本身“丑”的性质并没有变，但是作为艺术形象它已经具有审美意义。

第三，艺术的审美性是内容美和形式美的统一。作为艺术的一种特性，艺术美注重形式，但并不脱离内容，它是二者的有机统一。每种艺术都有自己特殊的形式美。各种艺术在长期的历史发展中，每个艺术门类在运用形式美的规则方面，已经积累了许多宝贵的经验和规律。然而，这些形式美的法则又并不是凝固不变的，艺术贵在创新，随着艺术实践的不断发展，形式美的法则也在不断变化和发展。艺术家们在自己的创作实践中，不断探索和寻找美的形式，从内容出发去选择最恰当的形式以加强美和艺术的表现力，从而使得艺术的形式美日益丰富和发展。

二、本章内容的重点和难点

1．关于艺术的本质这个艺术学学科的根本问题，艺术史上的几种主要看法： 第一种，“客观精神说”。第二种，“主观精神说”。

第三种，“模仿说” 或“再现说”。

2．“艺术生产”理论给艺术学研究提供了哪些启示? 第一，艺术生产理论揭示了艺术的起源、性质和特点。

首先，从艺术的起源来看，艺术生产本身是经历了一个漫长的历史过程才从物质生产中分化出来的。艺术的起源可能有多种多样的原因，但归根结底，以劳动为前提，以巫术为中介，艺术的起源离不开人类的社会实践活动。

其次，从艺术的性质和特点来看，艺术生产理论告诉我们，艺术作为审美主客体关系的最高形式，艺术美包含着两个方面的内容，一方面艺术是对客观社会生活的反映，另一方面艺术又凝聚着作家艺术家主观的审美理想和情感愿望。也就是说，艺术美既有客观的因素，又有主观的因素，这两方面通过作家艺术家的创作活动互相渗透、彼此融合，并通过物态化形成具有艺术形象的艺术作品。第二，艺术生产理论阐明了两种生产的“不平衡关系”。第三，艺术生产理论揭示了艺术系统的奥秘。

3．“艺术的特征”

（1）形象性。

第一，艺术形象是客观与主观的统一。第二，艺术形象是内容与形式的统一。第三，艺术形象是个性与共性的统一。（2）主体性。

第一，艺术创作具有主体性的特点。第二，艺术作品具有主体性的特点。第三，艺术欣赏具有主体性的特点。（3）审美性。从艺术生产的角度来看，任何艺术作品都必须具有以下两个条件：其一，它必须是人类艺术生产的产品；其二，它必须具有审美价值，即审美性。

第一，艺术的审美性是人类审美意识的集中体现。第二，艺术的审美性是真、善、美的结晶。 第三，艺术的审美性是内容美和形式美的统一。

三、本章小结

中外艺术史上，对于艺术本质主要有“客观精神说”、“主观精神说”、“模仿说”(“再现说”)等三种代表性的观点。马克思“艺术生产”理论将艺术看作是一种特殊的精神生产，为解决艺术本质问题奠定了科学的理论基础。 艺术形象是客观与主观、内容与形式、个性与共性的统一。艺术创作、艺术作品与艺术鉴赏均具有主体性的特点。艺术的审美性是人类审美意识的集中体现，是真、善、美的结晶，艺术的审美性体现为内容美和形式美的统一。

四、本章需要掌握的重要概念

1． 客观精神说 2． 主观精神说 3． 模仿说（再现说）4． 形象性 5． 主体性 6． 审美性

五、本章的“思考与练习”

（1）回答艺术史上对艺术本质的几种主要看法。

（2）为什么说马克思“艺术生产”理论是解决艺术本质问题的科学理论基础？

（3）艺术的主要特征是什么？

（4）结合自身的艺术实践经验来理解和认识艺术的基本特征。

六、“思考与练习”解题思路（1）中外艺术史上，对于艺术本质主要有“客观精神说”、“主观精神说”、“模仿说”(“再现说”)等三种代表性的观点。

（2）马克思“艺术生产”理论将艺术看作是一种特殊的精神生产，为解决艺术本质问题奠定了科学的理论基础。

（3）艺术形象是客观与主观、内容与形式、个性与共性的统一。艺术创作、艺术作品与艺术鉴赏均具有主体性的特点。艺术的审美性是人类审美意识的集中体现，是真、善、美的结晶，艺术的审美性体现为内容美和形式美的统一。

（4）略。

七、本章参考书目

1． 黑格尔《美学》第一卷，商务印书馆。

2． 刘勰《文心雕龙〃原道》。

3． 《西方美学史》上卷，人民文学出版社1980年版。4． 《西方美学家论美和美感》，商务印书馆1980年版。5． 普列汉诺夫《没有地址的信》

6． 《罗丹艺术论》，人民美术出版社，1978年版。7． 《鲁迅全集》人民出版社1981年版。8． 尼采《悲剧的诞生》。

9． 爱德华〃泰勒《原始文化》。

八、参考剧目、作品

1．《天鹅湖》 2．《睡美人》 3．《蒙娜〃丽莎》

4．莎士比亚《哈姆雷特》、《威尼斯商人》、《麦克佩斯》 5．柴可夫斯基《第四交响曲》 6．[北宋]张择端《清明上河图》 7．莫里哀《吝啬鬼》、《伪君子》

第二章 艺术的起源

一、本章的内容概要

艺术起源的五种学说：

（1）艺术起源于“模仿”。这是最古老的一种说法。主要代表人是两千多年前古希腊哲学家德谟克利特和亚里士多德，他们认为模仿是人的本能，所有的文艺都是“模仿”，不管是何种样式和种类的艺术。中国古代认为音乐也是由模仿现实生活中的自然音响而来。鲁迅认为，“画在西班牙的阿尔塔米拉洞里的野牛，是有名的原始人的遗迹，许多艺术史家说，这正是‘为艺术而艺术’，原始人画着玩玩的。但这解释未免过于‘摩登’，因为原始人没有19世纪的文艺家那么有闲，他的画一只牛，是有缘故的，为是关于野牛，或者是猎取野牛，禁咒野牛的事”。

（2）艺术起源于“游戏”。这种学说的代表人是 18 世纪德国哲学家席勒和 19 世纪英国哲学家斯宾塞，称为“席勒一斯宾塞理论”。这种说法认为，艺术活动或审美活动起源于人类所具有的游戏本能，它表现在两个方面，一方面是由于人类具有过剩的精力，另一方面是人将这种过剩的精力运用到没有实际效用、没有功利目的的活动中，体现为一种自由的“游戏”。

需要注意的是，艺术起源于“游戏”的说法，仅仅从生物学或心理学的角度出发，仍然未能揭示出艺术产生的最终原因。尤其是这种说法把“游戏”看作人和动物共有的本能，更是错误的论断，因为艺术活动与审美活动仅仅属于人类社会所专有。事实上，动物的“游戏”可以归结为过剩精力的发泄，而人的“游戏”则是为了精神需要的满足，二者之间有着严格的区别。人的“游戏”是以使用工具的物质生活活动为基础，并且具有了超越动物性的情感和想象等社会内容，成为一种具有符号性的文化活动。正是由于人的社会实践活动，使得人和动物界真正区分开来。而艺术起源于“游戏”的说法脱离了人类的社会实践，所以仍然不能揭开艺术诞生的真正奥秘。

（3）艺术起源于“表现”。19世纪后期以来，艺术起源于“表现”的说法，在西方文艺界具有较大的影响，流行于现代西方各种美学思潮。西方现代主义文艺思潮的主要理论基础，就是强调艺术应当“表现自我”，显示出这种说法的巨大影响力。

系统地以理论方式提出这种说法的应当首推意大利美学家克罗齐。其美学思想核心是“直觉即表现”说。英国史学家科林伍德对克罗齐的表现说作了进一步的详尽发挥，认为艺术不是再现和模仿，更不是单纯的游戏，只有表现情感的艺术才是所谓“真正的艺术”，艺术就是艺术家的主观想象和情感的表现。而把艺术的起源归结为“表现”，脱离开人类的社会实践，脱离原始社会生产力低下的实际情况，仍然是把现象当作本质，把结果当作原因，同样不能科学地阐明艺术的起源问题。（4）艺术起源于“巫术”。此种学说的代表人物是英国著名人类学家爱德华·泰勒。他在《原始文化》一书中，最早提出艺术起源于“巫术”的理论主张。他认为，原始人思维的方式同现代人有很大的不同，对原始人来说，周围的世界异常陌生和神秘，令人敬畏。原始人思维的最主要特点是万物有灵。山川草木、鸟兽虫鱼，在原始人看来都是有灵的，并且都可以与人交感。英国著名人类学家弗雷泽认为原始部落的一切风俗、仪式和信仰，都起源于交感巫术，人类最早是想用巫术去控制神秘的自然界，显然是办不到的，于是，人类又创立了宗教来求得神的恩惠。当宗教在现实中也被证明是无效时，人类才逐渐创立了各门科学，以此来揭示自然界的奥秘。

我们认为，艺术的产生最初确实是与巫术有密切联系的，但艺术起源于“巫术”的理论又并不准确，因为原始时代的巫术活动是直接和当时原始人类的生产劳动密切联系在一起的。原始的艺术活动虽然具有明显的巫术动机或巫术目的，但归根结底还是离不开人类的实践活动，尤

其是物质生产活动。在原始社会生产力低下和人类早期认识水平低下的情况下，人们无法把握自身，更无法支配自然界，于是原始人便寄托于巫术，使得巫术与原始社会的日常生活与生产劳动都有了密切的联系。因此，无论是艺术的起源，乃至于巫术的起源，最终还是应当归结于人类的社会实践活动。

（5）艺术起源于“劳动”。在我国文艺理论界占据主导地位的理论，是认为艺术起源于生产劳动。19世纪末叶以来，在欧洲大陆许多民族学家与艺术史家中，就广为流传艺术起源于“劳动”的理论。希尔恩在《艺术的起源》中就曾经列出专章来论述艺术与劳动的关系；俄国普列汉诺夫在《没有地位的信》中，通过对原始音乐、原始歌舞、原始绘画的分析，以大量人种学、民族学、人类学和民俗学的文献证明，系统地论述了艺术的起源及其发展问题，并且得出了艺术发生于劳动的观点。恩格斯指出，“首先是劳动，然后是语言和劳动一起，成为两个最主要的推动力，在它们的影响下，动物的脑髓就逐渐地变成了人的脑髓”。

（6）关于人类实践与艺术起源的多元决定论。法国结构主义学者阿尔都塞，理论研究范围相当广泛，尤其是他将结构主义符号学与精神分析学结合起来，用于研究马克思主义关于经济基础和上层建筑的理论，用于意识形态批评研究。认为，社会发展不是一元决定的，而是多元决定的，并进而提出了多元决定的辩证法，或者说是结构的辩证法；任何文化现象的产生，都有多种多样的复杂原因，而不是由一个简单原因造成的。著名的芬兰艺术学家希尔恩就认为，艺术本身就是一种综合性现象，因此，研究艺术的起源必须从社会学、人类学、心理学等多学科相结合的综合研究方法，才能真正揭示艺术起源的奥秘。

总之，艺术的产生经历了一个由实用到审美、以巫术为中介、以劳动为前提的漫长历史发展过程，其中也渗透着人类模仿的需要、表现的冲动和游戏的本能。艺术的发生虽然是多元决定的，但是，巫术说与劳动说更为重要。从根本上讲，艺术的起源最终应归结为人类的实践活动。事实上，巫术在原始社会中同样是人类的一种实践活动。归根结底，艺术的产生和发展来自人类的社会实践活动，艺术是人类文化发展历史进程中的必然产物，艺术的起源应当是原始社会中一个相当漫长的历史过程。

二、本章内容的重点和难点

1．艺术起源的五种学说

（1）艺术起源于“模仿”。主要代表人是两千多年前古希腊哲学家德谟克利特和亚里士多德。

（2）艺术起源于“游戏”。代表人是 18 世纪德国哲学家席勒和 19 世纪英国哲学家斯宾塞，称为“席勒一斯宾塞理论”。

（3）艺术起源于“表现”。系统地以理论方式提出这种说法的应当首推意大利美学家克罗齐。

（4）艺术起源于“巫术”。代表人物是英国著名人类学家爱德华·泰勒。（5）艺术起源于“劳动”。俄国普列汉诺夫在《没有地位的信》中，通过对原始音乐、原始歌舞、原始绘画的分析，以大量人种学、民族学、人类学和民俗学的文献证明，系统地论述了艺术的起源及其发展问题，并且得出了艺术发生于劳动的观点。恩格斯指出，“首先是劳动，然后是语言和劳动一起，成为两个最主要的推动力，在它们的影响下，动物的脑髓就逐渐地变成了人的脑髓”。

（6）人类实践与艺术起源的多元决定论。法国结构主义学者阿尔都塞认为，社会发展不是一元决定的，而是多元决定的，并进而提出了多元决定的辩证法，或者说是结构的辩证法。

2．艺术起源的归结

艺术的产生经历了一个由实用到审美、以巫术为中介、以劳动为前提的漫长历史发展过程。从根本上讲，艺术的起源最终应归结为人类的实践活动。事实上，巫术在原始社会中同样是人类的一种实践活动。归根结底，艺术的产生和发展来自人类的社会实践活动，艺术是人类文化发展历史进程中的必然产物，艺术的起源应当是原始社会中一个相当漫长的历史过程。

三、本章小结

关于艺术的起源有多种说法，其中影响较大的主要是“模仿说”、“游戏说”、“表现说”、“巫术说”、“生产劳动说”等五种，每种说法都有一定的道理，但又都不够全面。因此，我们主张第6种说法，即“多元决定论”。

艺术的起源或艺术的发生，经历了一个由实用到审美，以巫术为中介，以劳动为前提的漫长历史发展过程，其中也渗透着人类模仿的需要、表

现的冲动和游戏的本能。艺术的发生虽然是多元决定的，但是巫术说与劳动说更为重要。从根本上讲，艺术的起源最终应归结为人类的实践活动。

四、本章需要掌握的重要概念

1．模仿说 2．游戏说 3．表现说 4．巫术说 5．生产劳动说

五、本章的“思考与练习”

（1）关于艺术起源的五种观点是什么？

（2）如何理解艺术起源与人类实践活动的密切关系？（3）你是怎样认识艺术起源的多元决定论的？

（4）如何理解艺术产生于非艺术，实用价值先于审美价值，艺术起源于人类社会实践的历史发展之中？

六、“思考与练习”解题思路

（1）关于艺术的起源有多种说法，其中影响较大的主要是：①“模仿说”、②“游戏说”、③“表现说”、④“巫术说”、⑤“生产劳动说”等五种。

（2）每种说法都有一定的道理，但又都不够全面。要有具体阐述（略）。（3）艺术的起源或艺术的发生，经历了一个由实用到以巫术为中介，以劳动为前提的漫长历史发展过程，其中也渗透着人类模仿的需要、表现的冲动和游戏的本能。艺术的发生虽然是多元决定的，但是巫术说与劳动说更为重要。从根本上讲，艺术的起源最终应归结为人类的实践活动。

（4）略。

七、本章参考书目

1．《西方文论选》上、下卷，上海译文出版社，1979年版。2．《西方美学史》上卷，人民文学出版社1980年版。3．《鲁迅全集》人民出版社1981年版。

4．《美育书简》，中国文联出版公司1984年版。5．《艺术原理》，中国社会科学出版社，1985年版。6．爱德华?泰勒《原始文化》。7．[英]弗雷泽《金枝》。

8．[美]托马斯?门罗《艺术的发展及其他文化史理论》。

9．《宗教，一种文化现象》，上海人民出版社，1987年版。10．阿尔都塞《矛盾与多元决定》。

11．《现代西方美学史》（朱立元主编），上海文艺出版社，1996年版。12．《中国舞蹈史话》，中国社会科学出版社，1983年版。第三章 艺术的功能与艺术教育

一、本章的内容概要

（一）艺术的功能与作用

1．审美认知作用。主要是指人们通过艺术鉴赏活动，可以更加深刻地认识自然、认识社会、认识历史、认识人生。

首先，艺术对于社会、历史、人生具有审美认识功能。由于艺术活动具有反映与创造统一、再现与表现统一、主体与客体统一等特点，往往能够更加深刻地揭示社会、历史、人生的真缔和内涵，具有反映社会生活的深度和广度的特长，并且常常是通过生动感人的艺术形象，给人们带来难以忘却的社会生活的丰富知识。

其次，对于大至天体、小至细胞的自然现象，艺术也同样具有审美认知作用。艺术可以帮助人们增长多方面的科学知识。

2．审美教育作用。主要指人们通过艺术欣赏活动，受到真、善、美的熏陶和感染，思想上受到启迪，实践上找到榜样，认识上得到提高，在潜移默化的作用下，引起人的思想、感情、理想、追求发生深刻的变化，引导人们正确地理解和认识生活，树立起正确的人生观和世界观。艺术的审美教育作用，在很大程度上是通过艺术作品，使读者、观众和听众感受与领悟到博大深厚的人文精神。艺术审美教育作用的第一个特点是“以情感人”。以情感人的方式，是艺术教育与其他教育之间最鲜明的区别。艺术作品总是灌注着艺术家的思想情感，通过生动感人的艺术描绘，作用于欣赏者的感情，使人受到强烈的感染和熏陶。所以，艺术的教育作用决不是干巴巴的道德说教，更不是板着面孔的道德训诫，而是以情感人、以情动人，通过艺术强烈的感染性，使欣赏者自觉自愿地受到教育。1876年，当俄国大作家列夫· 托尔斯泰在莫斯科音乐学院为他举办的专场音乐会上，听了柴科夫斯基的 D 大调弦乐四重奏的第二乐章，即《如歌的行板》后，感动得流下了眼泪，托尔斯泰说在这首乐曲中，“我已经接触到忍受苦难人民的灵魂深处”。

艺术审美教育作用的第二个特点是“潜移默化”。艺术作品对人的教育，常常是在毫无强制的情况下，使欣赏者自由自愿、不知不觉地受到感染，在这种渐渐地长期作用下使人的心灵得到净化，对人的思想情感和精神面貌起到潜移默化的教育作用。以爱国主义诗词为例，从屈原《离骚》中“路漫漫其修远兮，吾将上下而求索”，到北朝民歌《木兰诗》中“万里赴戎机，关山度若飞”；从唐代诗人高适《燕歌行》中“汉家烟尘在东北，汉将辞家破残贼”，到杜甫《春望》“国破山河在，城春草木深”；从南宋诗人陆游《示儿》“王师北定中原日，家祭无忘告乃翁”，到文天祥《正气歌》“当其贯日月，生死安足论”，强烈的感染力和冲击力，确实是其它社会意识形态所达不到的。应当说，在艺术作品这种长期潜移默化作用下而形成的思想情操，常常具有更强的稳固性和延续性，常常成为人生观、世界观中最核心的组成部分。

3．审美娱乐作用。艺术的审美娱乐作用，主要是指通过艺术欣赏活动，使人们的审美需要得到满足，获得精神享受和审美愉悦，愉心悦目、畅神益智，通过阅读作品或观赏演出，使身心得到愉快和休息。物质产品是为了满足人们生存的需要，精神产品则是为了满足人们心灵的需要。艺术作为一种特殊的精神产品，正是因为它能给人们带来审美的愉悦和心理的快感。古罗马美学家贺拉斯提出艺术应当寓教于乐，既劝谕读者，又使他喜爱，才能符合众望。中国先秦时期的艺术理论著作《乐记》中，也有类似的思想，提出了“乐者乐也”的主张，认为艺术(包括音乐)应当使人们得到快乐。《乐记》总结了秦以前的音乐美学思想。艺术审美娱乐功能的另一个作用，是使人们通过艺术欣赏得到积极的休息，从而以新的精力去投入新的工作。20世纪 50 年代以来，音乐疗法逐渐引起各国医学界和音乐工作者的兴趣和重视，美、英等国先后创办了各种音乐医疗的刊物，运用音乐手段来治疗某些病症，并在这方面进行了一系列研究工作，美国某些高等院校还专门设立了艺术疗法的学位。西方现当代心理学的许多流派，都十分重视艺术对欣赏者深层心理的渲泄作用或净化作用，认为艺术可以使人们在现实生活中受到压抑或无法实现的情绪、愿望、期待、理想，通过艺术创造的想象世界或梦幻世界得到完成和满足。

（二）关于“艺术教育”。艺术教育是美育的核心，其根本目标是培养全面发展的人。艺术教育承担着开启人的感知力、理解力、想象力、创造力，使人的内心情感和谐发展的重任。

1．美育与艺术教育。美育理论体系的建立，包括“美育”（即“审美教育”）概念，由 18 世纪德国美学家席勒正式提出。席勒在《美育书简》中，首次提出了“美育”这一概念，系统阐述了他的美育思想。席勒不限于仅仅从道德教育特殊方式的角度来看待美育，而是从自然与人、感性与理性等基本哲学命题出发，从改变近代人的存在方式，使人重新获得自由、和谐、全面的发展，实现人性的复归这一更加广阔的领域来论述美育。我国最早公开将美育与德育、智育相提并论来提倡美育的是清末学者王国维，尤其是中国近代教育家蔡元培(1868-1940)更是大力倡导美育，把美育确定为其新式教育方针的内容之一，并且提出了一系列美育实施设想，对美育的本质、内容、作用和实施美育的途径做了较系统的研究和阐述。蔡元培还提出了“以美育代宗教”的主张，认为这是人类文化发展的必然趋势。他把西方康德、席勒的思想和中国古代美育传统揉合到一起，形成了自己的美育思想。

美育的核心是艺术教育。虽然美学理论关于美的形态有自然美、社会美、艺术美的划分，实施美育的途径又有家庭教育、学校教育、社会教育的区分，但普遍认为艺术教育是实施美育的主要手段。由于艺术具有审美认知、审美教育、审美娱乐等独特的功能和作用，具有以情感人、潜移默化、寓教于乐等特点，使得艺术成为审美教育的主要内容和主要方式。艺术美作为美的集中表现形态，它对提高创造美和能力，培养人的审美理想，促进人的全面发展等方面，有着极其重要的意义。

2．艺术教育在当代社会生活中的重要意义。现代社会中，“艺术教育这一个概念，有着两种不同的含义和内容。从狭义上讲，“艺术教育”被理解为对于培养艺术家或专业艺术人才所进行的各种理论和实践教育，如各种专业艺术院校正是如此，戏剧学院培养出编剧、导演和演员，音乐学院培养出作曲家、歌唱演员和器乐演奏员等。从广义上讲，“艺术教育”作为美育的核心，它的根本目标是培养全面发展的人，而不是为了培养专业艺术工作者。艺术教育作为美育的核心内容，它对人们道德的完善和智力的开发也将产生深远的影响，它可以丰富人的想象力，发展人的感知力，加深人的理解力，增强人的创造力，培养全面发展的人。

爱因斯坦曾讲过，在科学领域和艺术领域里对真、善、美的不断追求，照亮了他的生活道路，对艺术的爱好，丰富和培育了他的感知力、想象力和创造力。诺贝尔奖得主、著名物理学家李政道教授 1993 年在北京炎黄艺术馆召开的科学与艺术研讨会上有一句名言：“科学与艺术是一个硬币的两面，谁也离不开谁”。3．艺术教育的任务和目标。艺术教育的根本任务和目标，就是培养全面发展的人才。具体可以从这样几个方面来理解：

一是普及艺术的基本知识，提高人的艺术修养。艺术修养是人的文化修养的重要组成部分，也是人文精神的集中体现。现当代社会中的人，必须具有较高的文化修养与艺术修养，才能适应社会的发展与时代的需要。正如马克思所说的那样：“对于不辨音律的耳朵说来，最美的音乐也毫无意义。”

二是健全审美心理结构，充分发挥人的想象力和创造力。艺术教育之所以在整个教育中有着特殊地位与作用，就是它可以培育和健全人的审美心理结构，培养人们敏锐的感知力，丰富的想象力和无限的创造力。艺术活动作为人的一种高级精神活动，能够极大地促进和提高人的思维能力。在艺术创作和艺术欣赏这种自由的精神活动中，人的创造力也得到充分的发挥。我国著名物理学家钱学森十分重视美育和艺术教育，强调音乐艺术对启发他的创造性思维至关重要，他晚年甚至花费大量时间来研究美学与艺术方面的问题。哈佛大学校长尼尔·陆登庭 1998 年在北京大学发表演讲时，谈到 21 世纪全世界高等教育面临的主要挑战和重要任务时，首先提到了“人文艺术学习的重要性”。他着重指出，哈佛大学所以重视人文艺术学习，是因为“这种教育既有助于科学家鉴赏艺术，又有助于艺术家认识科学。它还帮助我们发现没有这种教育可能无法掌握的不同学科之间的联系”。三是陶冶人的情感，培养完美的人格。列宁曾经说过：“没有人的情感'，就从来没有也不可能有人对于真理的追求”。由于艺术是审美情感的集中体现，因而，艺术教育对于人的情感培养与提高，有着特别重要的作用。历来的思想家、艺术家们，都十分重视艺术对于人的情感陶冶和净化作用，强调通过艺术教育来培养人们美好、和谐的情感和心灵，从而实现完美人格的建构。艺术教育作为美育的核心内容和主要手段，正是通过以情感人、以情动人的方法，陶冶人的情操，美化人的心灵，使人进入更高的精神境界，成为一个具有高尚情操的人。这既是一个人获得全面发展的保证，也是社会实现全面进步的基础。

二、本章的重点和难点

1．“艺术的社会功能”（1）审美认知作用。

首先，艺术对于社会、历史、人生具有审美认识功能。

其次，对于大至天体、小至细胞的自然现象，艺术也同样具有审美认知作用。（2）审美教育作用。主要指人们通过艺术欣赏活动，受到真、善、美的熏陶和感染，思想上受到启迪，实践上找到榜样，认识上得到提高，在潜移默化的作用下，引起人的思想、感情、理想、追求发生深刻的变化，引导人们正确地理解和认识生活，树立起正确的人生观和世界观。艺术的审美教育作用，在很大程度上是通过艺术作品，使读者、观众和听众感受与领悟到博大深厚的人文精神。艺术应当具有三种功能：一是“教育”，二是“净化”，三是“快感”，也就是说，艺术可以帮助人们获得知识、陶冶性情、得到快感。

艺术审美教育作用的第一个特点是“以情感人”。艺术审美教育作用的第二个特点是“潜移默化”。艺术审美教育作用的第三个特点是“寓教于乐”。

（3）审美娱乐作用。主要是指通过艺术欣赏活动，使人们的审美需要得到满足，获得精神享受和审美愉悦，愉心悦目、畅神益智，通过阅读作品或观赏演出，使身心得到愉快和休息。

艺术作为一种特殊的精神产品，正是因为它能给人们带来审美的愉悦和心理的快感。

艺术作品之所以特别受人欢迎，在于它能给人以精神上的享受，通过欣赏艺术使人们的审美需要得到满足，精神上产生一种愉悦、美感。

艺术审美娱乐功能的另一个作用，是使人们通过艺术欣赏得到积极的休息，从而以新的精力去投入新的工作。2．“艺术教育”。艺术教育是美育的核心，其根本目标是培养全面发展的人。艺术教育承担着开启人的感知力、理解力、想象力、创造力，使人的内心情感和谐发展的重任。

（1）美育与艺术教育。

（2）艺术教育在当代社会生活中的重要意义。

（3）艺术教育的任务和目标。艺术教育的根本任务和目标，就是培养全面发展的人才。

一是普及艺术的基本知识，提高人的艺术修养。二是健全审美心理结构，充分发挥人的想象力和创造力。三是陶冶人的情感，培养完美的人格。

三、本章小结

艺术的社会功能有许多种，但其中最主要的是审美认知作用、审美教育作用、审美娱乐作用三种。

艺术教育是美育的核心，也是素质教育的重要组成部分，它的根本目标是培养全面发展的人。在当代社会生活中，艺术教育尤其具有重要的意义与作用。艺术教育的根本任务和目标，是培养全面发展的人才。

四、本章需要掌握的重要概念

1． 审美认知 2． 审美教育 3． 审美娱乐 4． 艺术教育 5． 美育

五、本章的“思考与练习”

（1）如何理解艺术具有多种多样的社会功能？

（2）为什么说艺术教育是美育的核心并具有极其重要的意义和作用？（3）艺术教育的任务和目标是什么？

（4）为什么讲艺术的各种社会功能必须建立在审美价值的基础之上？（5）简要概括德国18世纪著名美学家席勒的美育理论。（6）艺术教育在当代社会生活中的重要意义是什么？

六、“思考与练习”解题思路

（1）艺术的社会功能有许多种，但其中最主要的是审美认知作用、审美教育作用、审美娱乐作用三种。

（2）艺术教育是美育的核心，也是素质教育的重要组成部分，它的根本目标是培养全面发展的人。在当代社会生活中，艺术教育尤其具有重要的意义与作用。艺术教育的根本任务和目标，是培养全面发展的人才。

（3）艺术教育的根本任务和目标，就是培养全面发展的人才。具体理解：一是普及艺术的基本知识，提高人的艺术修养。二是健全审美心理结构，充分发挥人的想象力和创造力。三是陶冶人的情感，培养完美的人格。

（4）艺术的多种社会功能也只有在审美价值的基础才能发挥作用。（5）美育理论体系的建立，包括“美育”(即“审美教育”)概念，由 18 世纪德国美学家席勒正式提出。席勒在《美育书简》中，首次提出了“美育”这一概念，系统阐述了他的美育思想。席勒不限于仅仅从道德教育特殊方式的角度来看待美育，而是从自然与人、感性与理性等基本哲学命题出发，从改变近代人的存在方式，使人重新获得自由、和谐、全面的发展，实现人性的复归这一更加广阔的领域来论述美育。

（6）从广义上讲，“艺术教育”作为美育的核心，它的根本目标是培养全面发展的人，而不是为了培养专业艺术工作者。这种广义的“艺术教育”论认为，世界上有各种不同的职业，俗话讲有三百六十行之多，但现代社会的人，不管他从事何种职业的工作，都不可能不涉及到艺术，他或者读小说，或者看电影，或者听音乐，或者看电视，或者欣赏舞蹈等等，总之，现代人必然涉及艺术，或多或少地与艺术有关。因此，广义的艺术教育强调普及艺术的基本知识和基本原理，通过对优秀艺术作品的评价和欣赏，来提高人们的审美修养和艺术鉴赏力，培养人们健全的审美心理结构。

七、本章参考书目

1．[苏]斯托洛维奇《审美价值的本质》中国社会科学出版社，1984年版。2．[苏]鲍列夫《美学》中国文联出版公司，1986年版。3．《美育书简》，中国文联出版公司，1984年版。4．《蔡元培美学文集》，北京大学出版社，1983年版。5．《审美价值的本质》，中国社会科学出版社，1984年版。

6．《电影：银幕世界的魅力》（彭吉象）北京大学出版社，1991年版。7.《1844年经济学-哲学手稿》（马克思）人民出版社1979年版。

第四章 文化系统中的艺术

一、本章的内容概要

关于“文化”的定义，较有影响的是 19 世纪英国人类学家泰勒在《原始文化》中提出的：

“所谓文化或文明乃是包括知识、信仰、艺术、道德、法律、习俗以及包括作为社会成员的个人而获得的其它任何能力、习惯在内的一种综合体”。文化，作为一个大系统，包含着诸多子系统。从总体上讲，文化大系统主要包括物质文化、制度文化和精神文化三大要素，而它们又包含着许多更低层次子系统。在精神文化中，又包含着哲学、宗教、道德、科学、艺术等许多子系统。所有这些子系统，都处于整个文化的大系统中，一方面它受到文化大系统的影响和制约，另一方面它们反过来影响和作用于文化大系统。尤其是这些文化子系统，处在一种错综复杂的相互关系之中，它们彼此渗透，互相影响，具有内在的联系性和彼此的互动性。正是在这一前提下，这些文化子系统才形成了自己的相对独立性和各自的发展规律性。

关于艺术在人类文化中的地位。艺术作为一种独特的文化形态或文化现象，在整个人类文化大系统中占有极其重要的地位。艺术的起源同人类文化的起源一样古老，从那时起，艺术作为文化的独特组成部分，就始终参与和推动着人类文化的历史发展进程，体现和反映出人类文化的各个历史发展阶段。作为文化的独特组成部分，从另一方面来讲，艺术又必然受到文化大系统的制约。艺术作为文化大系统中的一个子系统，它只是整个文化的一个有机组成部分，是一种独特的社会文化范畴。文化系统的整体性决定了它所属的子系统，必然从属和依附于文化大系统。对于艺术来讲，社会文化大系统作为一种总的文化氛围或文化条件，直接制约着作家、艺术家和读者、观众、听众等每一个人“文化心理结构”的形成，从而间接对艺术的合作与欣赏产生巨大的影响。从屈原的《离骚》、《九歌》，到李白、杜甫脍炙人口的诗篇；从关汉卿的《窦娥冤》，到王实甫的《西厢记》；从罗贯中的《三国演义》，到曹雪芹的《红楼梦》；从琵琶古曲《十面埋伏》，到小提琴协奏曲《梁山伯与祝英台》；从东晋画家顾恺之的《洛神赋图》，到清代画家石涛的《黄山图》等等，从这些不同时代、不同种类的艺术作品中，我们都可以强烈感受到中华民族传统文化对这些作家、艺术家和他们创作的作品所产生的巨大影响。

人类文化大系统从文化结构来看，物质文化是基础，制度文化是中介，精神文化是核心。物质文化和制度文化，决定和制约精神文化。所以，经济、政治对于包括艺术在内的精神文化有着十分重要的作用。仅仅从精神文化内部来看，艺术同哲学、宗教、道德、科学之间，也是相互关联、彼此作用的。艺术与它们之间的这种相互关系表现在：一方面，艺术要受到哲学、宗教、道德、科学等其他精神文化的影响；另一方面，艺术也反过来影响着它们。

下面分别介绍一下艺术同哲学、宗教、道德、科学的相互关系。

（1）哲学与艺术的相互关系。哲学作为人类理性认识的最高形式，要对作为人类感性认识最高形式的艺术产生影响，必然经过美学这一中介。黑格尔将美学称之为“艺术哲学”，明确指出美学在艺术与哲学之间的桥梁作用。当然，美学的范围和对象绝不仅仅限于艺术，美学的研究对象既包括艺术美，又包括自然美和其它一切现实美，以及审美主客体关系和审美意识等更具普遍性的一般规律。尽管美学的范围和对象非常广泛，它包括客观世界的美和人对客观世界的美反映的全部领域，但作为审美意识的集中表现，艺术毕竟是美学研究的主要对象。哲学对艺术的影响，往往要经过美学这一中介来进行。

哲学对艺术的影响，首先表现在对艺术家的影响。艺术家在从事创作活动时，总会自觉或不自觉地受到特定哲学思想的影响，并通过自己的艺术作品表现或流露出来。李白的审美理想，深受庄子美学推崇天然之美的思想影响，他不但大力倡导“自然”、“清真”的风格，赞赏“清水出芙蓉，天然去雕饰”的天然之美，并且自觉地把这种美学境界作为毕生的追求。杜甫的美学理想，则受到儒家美学的极大影响，他将“致君尧舜上，再使风俗淳”的抱负融入诗中，以强烈的忧患意识倾诉了对当时统治集团腐朽统治的不满和对劳动人民深受苦难的同情，产生了《三吏》、《三别》等代表作品。哲学对艺术的影响，还表现在出现一批哲理性的艺术作品。

哲学对艺术的影响，更表现在它能起到促进艺术潮流形成的作用。法国唯心主义哲学家柏格森把所谓“生命冲动”当作世界万物的主宰，宇宙间的一切似乎都是由这种神秘力量派生出来的，他从唯心论和神秘论的立场出发，认为只有人的梦幻世界或直觉领域才能达到绝对真实，即所谓的“超现实”。于是，20 世纪 20 年代的欧洲文艺界，形成了一个遍及文学、美术、电影等领域的“超现实主义”流派。文学上出现了布勒东的散文《动物与人》，阿拉贡的散文集《巴黎的农民》等；美术界出现了西班牙画家达利的油画《记忆的永恒》等典型的作品；电影界也出现了西班牙导演布努艾尔拍摄的《一条安达鲁狗》等超现实主义影片。（2）西方现代哲学与西方现代派艺术。西方现代哲学是指 19 世纪中叶以来，为数众多的欧美哲学思潮和流派的总称。西方现代哲学在本体论上，大多具有唯心主义色彩，在认识论上大多具有非理性主义色彩，在人生哲学上大多具有悲观主义色彩。西方现代哲学对西方现代文学艺术产生了极大影响，如果没有西方现代哲学作为理论基础，就不会有所谓西方现代派文学艺术。尼采、柏格森、克尔凯郭尔、海德格尔、萨特、加缪等人，都曾经写过文学艺术作品，他们的作品不仅具有浓郁的哲学意味，在现代文学史中也占有重要地位，其中柏格森、萨特、加缪曾获诺贝尔文学奖。另一方面，西方现代派文学艺术由于拥有众多的读者和观众，又反过来扩大和深化了西方现代哲学的影响。

西方现代派艺术是象征主义、表现主义、超现实主义、意识流、未来主义、迷惘的一代，存在主义文艺、荒诞派、新小说、抽象派、立体派、未来派、达达派、“黑色幽默”等数量繁多的西方文艺流派的总称。这些流派的影响，几乎遍及艺术的各个种类和体裁，包括诗歌、小说、散文、戏剧、电影、美术、音乐、舞蹈、雕塑、建筑等。其思想根源是各种现代主义的哲学思潮，尤其是克罗齐“直觉说”为代表的表现主义、尼采的超人哲学、弗洛依德的精神分析学、柏格森的生命哲学、萨特存在主义哲学等，与后现代为西方现代派艺术从美学思想到创作方法上提供了理论根据，对现代派艺术与后现代艺术的形成和发展产生了重大的影响。

西方现代派艺术在内容上，大多表现西方现代社会的深刻社会危机和精神危机，以及由此而引起的人异化现象，在一定程度上反映了对资本主义的怀疑和绝望，反映出危机社会中人的异化，物质生产越发达，人的精神生活越空虚越苦闷，失去了人的价值也就失去了自我的本质等等。西方现代社会中的各种深刻矛盾和病态的社会关系，对于人们观察资本主义社会现状有一定认识价值。但是，现代派艺术的不少作品在揭露西方社会种种病态现象的同时，也宣扬了对人生、对历史、对人类前途和命运的悲观绝望，宣扬非理性主义、虚无主义和神秘主义，尤其是一些作品中暴力和色情的内容更是直接宣扬腐朽没落的社会人生观。西方现代派艺术在形式上大多标新立异，追求艺术形式和表现手法的创新，其中一些艺术技巧和手法具有借鉴意义，在一定程度上丰富了艺术的表现能力，扩大了艺术的表现空间，增加了艺术的表现手段。但是，现代派艺术常常一味追求形式的新奇，否定和排斥传统的艺术形式和表现手法，把一些艺术主张推向极端，使得作品怪诞离奇、隐晦费解、抽象混乱，有时达到了极端荒谬的程度。 从哲学与艺术的关系看，西方现代哲学成为现代派艺术的思想根源，现代派艺术又用艺术的方式宣传了西方现代哲学各流派的思想。有一定的西方现代哲学流派，就会有相应的西方现代艺术流派。

艺术与宗教在认识、掌握世界的方式上有某些共同之处。感知、想象、联想、情感等诸多心理因素，在艺术与宗教领域中都占有同样重要的地位。审美感情与宗教感情一样，往往都是超脱日常生活的感情，追求精神愉悦而不是物质满足，具有不少相似之处。马克思认为艺术的、宗教的方式都同属于一个领域，它们在掌握世界的方式上与科学有着本质的不同。或许，这也就是艺术与宗教具有密切联系的内在认识论根源。

艺术与宗教的密切联系，更重要的原因就是对文艺的利用。尤其是中世纪的欧洲，宗教具有至高无上的地位，其影响遍及当时社会物质生活与精神文化生活的各个方面，宗教艺术几乎取代了世俗的艺术，直接影响着各种艺术的发展。宗教对艺术的利用，不仅在西方存在，在中国也同样存在，尤其是佛教传入中国后，对中国各门艺术都产生了很大的影响，仅仅从敦煌、云岗、龙门、麦积山这四大石窟，就可以看到佛教对绘画、雕塑、建筑、文学的巨大影响。

宗教影响艺术，首先表现在利用各门艺术来宣传宗教，为艺术提供了宗教题材和内容。对后世欧洲文化发展起过巨大作用的“荷马史诗”，正是在神的故事和关于特洛伊战争的英雄传说的基础上产生出来的。从建筑艺术来看，从古埃及的金字塔和古希腊的神庙，到中世纪遍布欧洲的哥特式教堂，从佛教的庙宇到伊斯兰教的清真寺，都可以看到宗教的巨大影响。敦煌、云岗等石窟中大量宗教题材的绘画、雕塑，更是直接以造型艺术的方式，讲述了“舍身饲虎”、“割肉贸鸽”、“五百强盗剜目”等佛经故事，塑造出佛、菩萨、天王、力士等宗教人物形象。

宗教对艺术的影响，尤其表现在它具有促进艺术发展和阻碍艺术发展两种相反的作用上。由于宗教常常利用艺术来形象地宣传教义，在人力、物力和财力上促进了艺术的发展，为许多艺术家提供了艺术实践的天地和舞台，在客观上起到了推动艺术发展的实际促进作用。与此同时，宗教又在一定程度上阻碍着艺术的发展，如中世纪欧洲的教会文学，其基本主题是宣传基督教教义，宣扬“原罪”，禁欲主义和宿命论思想，产生了大量艺术低劣的福音故事、赞美诗、宗教剧，使这个时期的艺术沦落为替宗教服务的“神学婢女”，受到严重的破坏，极大地阻碍了中世纪欧洲文艺的发展，导致了中世纪艺术的普遍衰落。

艺术影响宗教，首先表现在参与宗教活动。早在艺术诞生的初期，原始的歌舞、表演、绘画、雕刻等，在当时也是一种巫术或宗教活动，远古的图腾歌舞本身就是一种狂热的巫术礼仪活动。这种原始图腾歌舞有如痴如狂的舞蹈，也有狂喊高呼的咒语，还有敲打奏鸣的器乐，更有类似绘画作品的图腾面具，以及带有戏剧性的原始宗教祭祀仪式等，只是到后来，这种图腾歌舞才衍变分化为歌、舞、诗、乐、绘画、戏剧等等。人类进入文明社会以后，艺术仍然参与着宗教活动，从音乐来看，基督教有唱诗班，有多声部的宗教歌曲，有管风琴弹奏的音乐，还有专门的弥撒曲、安魂曲等宗教音乐，用于基督教各种不同的宗教仪式或宗教活动。艺术与宗教的关系，还表现在宣扬宗教思想上。

艺术与宗教有着本质的区别。马克思指出：“宗教里的苦难既是现实的苦难表现，又是对这种现实的苦难抗议。宗教是被压迫生灵的叹息，是无情世界的感情。正像它是没有精神的制度精神一样。宗教是人民的鸦片”。马克思这段经典式的论述，深刻揭示了宗教产生的社会历史根源、阶级根源和认识论根源。从根本上讲，宗教是人的自我意识的丧失，艺术却是对人的自由创造本质的确证；宗教劝人到天国去寻求精神安慰，艺术却鼓励人们热爱并珍惜现实生活；宗教作为鸦片麻痹人的精神，艺术却是培养全面和谐发展个性的必要手段。因此，虽然宗教由于利用艺术而在一定程度上推动了艺术的发展，但从本质上讲，宗教也阻碍、束缚和限制着文艺的发展。

关于形形色色的宗教艺术的介绍和辨析。所谓宗教艺术，是相对于世俗艺术而言的，它是指在宗教影响或控制下，为宗教活动或宗教宣传服务的艺术。

宗教艺术中，建筑占有相当大的比重。绘画在宗教艺术中也占有重要的地位。雕塑在宗教艺术中也占有举足轻重的地位。

在宗教艺术中，尤其值得注意的是宗教文化特有的石窟艺术，它集建筑、绘画、雕塑于一身，保存了大量古代的艺术珍品。我国现存的石窟遗迹约有 120 多处，其中最负盛名的有敦煌石窟、云岗石窟、龙门石窟、大足石窟、麦积山石窟等。这些石窟大多始于北魏，盛于隋唐五代，延续至元明清朝。敦煌莫高窟，俗称千佛洞，现存历代洞窟 490 多个，壁画 45000 多平方米，彩塑 2400 多身。音乐、戏曲等在宗教艺术中也占有相当的地位。作为对神的情感宣泄，基督教音乐艺术一直受到教会的重视，公元 6 世纪时，当时的罗马教皇格里高利一世花费了 10 多年时间，亲自选出了许多典型的歌调和制订出不少演唱规则，形成欧洲音乐史上有名的无伴奏齐唱乐“格里高利圣咏”，成为当时最有影响的音乐作品，这可以称得上是欧洲音乐史上，有详细记录的最早音乐作品。佛教的输入，更是对中国戏曲的发展起了重要的作用。中国古代最早的正式剧场，就是佛教的寺庙，在此之前则多是露天或野地。尤其是唐代寺院中的俗讲发达，本来始自以说唱佛经故事的方式传经，但后来演化成百戏杂陈的戏场和变场，为中国戏曲的发展在文学和表演上铺平了道路。

宗教文学在世界文学史上的地位和影响不能低估。西方基督教文学的代表性著作就是《圣经》。《圣经》分为《旧约》和《新约》两大部分，除了宣扬宗教教义外，也广泛辑录了古希伯来人的民间传说、故事、谚语、哲理诗、爱情诗等，具有较高的文学价值。《圣经》对欧洲文学艺术产生了深远的影响。14世纪英国诗人乔叟的代表作品《坎特伯雷故事》、16 世纪英国著名戏剧家莎士比亚的《威尼斯商人》、17 世纪英国诗人弥尔顿的杰作《失落园》等许多文学作品，都取材于《圣经》。欧洲许多作家，如但丁、拜伦、普希金等，也都曾经利用《圣经》提供的素材，写出著名的文学作品。佛教文学的代表性著作自然就是佛经。除了宗教说教性质外，佛经中也包含有许多民间故事和传说，这些故事和传说早在释迦牟尼传教时就被用来宣传佛教教义，广为流传。佛经中这些故事和传说，对中国文学的发展有深刻和影响，中国的变文、小说、传奇和戏曲都曾从中吸取素材，一些著名的神怪小说如《西游记》、《封神演义》等，也明显受到宗教文学的影响。关于艺术与道德的关系。首先对“道德”予以界定：指人们在社会生活中形成的关于善与恶、是与非、正义与非正义等伦理观念和行为规范的总和，它包括道德意识、道德关系、道德活动等内容。道德是社会的道德，它随着人类社会的产生而产生，随着人类社会的发展而变化。

（1）道德与艺术的相互关系。东方美学比起西方美学来，更加重视道德与艺术的联系。从总体上看，如果说西方美学史上大多是“哲人”对艺术的思考，那么，中国美学史上多数则是“贤人”对艺术的要求。在先秦典籍中美即善，善即美。但在孔子看来，“善”比“美”更加重要，是更根本的东西，非常重视艺术的社会伦理道德功能。对于音乐，孔子就反对郑声，因为“郑声淫”；他认为《武》乐虽“尽美矣，未尽善也”，仍然不算上乘之作；只有《韶》乐，才达到了“尽美矣，又尽善也”的境界，堪称上乘。

道德与艺术的紧密联系表现在两个方面：

一方面是道德影响艺术。这种影响首先表现在，一定时代和一定社会的伦理道德思想总是要通过艺术作品的主题、题材、情节、人物、思想性、倾向性、内在意蕴等体现出来。任何艺术，不管是文学、戏剧、电影、电视，还是建筑、绘画、音乐、舞蹈，总是一定时代的社会生活的反映，而社会生活的重要组成部分就是人们的道德生活，因此，艺术作品常常包含有道德的内容，通过塑造典型形象的手法来反映人们的道德面貌。著名的“托尔斯泰三部曲”，即《战争与和平》、《安娜?卡列尼娜》、《复活》几乎都深深触及伦理道德问题。其次，道德对艺术的影响，尤其表现在作家、艺术家的世界观和道德观对艺术创作有重大的影响。艺术是社会生活在作家、艺术家头脑中反映的产物，因而在描写和表现人们的道德面貌与道德生活时，必然要融入作家、艺术家自己的道德评价和道德判断。另一方面是艺术影响道德。主要表现在艺术作品对人民群众的道德教育作用上。由于艺术具有生动、感人的形象和特殊的魅力，因此，它对道德观念的评价和道德行为的选择都具有很大的影响。一部优秀的艺术作品，可以提高人们的道德水平和精神境界。

艺术对道德的影响，还表现在对于社会道德意识和道德观念的改变产生一定程度的影响。例如，五四新文化运动和文学革命具有深远的历史意义，它是一个以思想启蒙为中心的文化革命运动。这场运动的主要内容就是宣传科学与民主，反对旧道德和旧思想，提倡新道德和新思想，反对旧文学，提倡新文学，它是一场彻底地反对封建文化的运动。针对当时尊孔读经的逆流，陈独秀、李大钊、鲁迅等发表了大量文章，批驳了以三纲五常为中心的封建礼教，严斥儒家的所谓“仁义道德”是“吃人”的教条。文艺方面，以鲁迅《狂人日记》为代表的一批艺术作品，不但在中国文学发展史上划出了一个崭新的历史阶段，而且对社会道德意识和道德观念的变化，也产生了深刻的影响。 艺术与道德之间有着一种特殊的关系，但是，作为两种不同的文化现象，它们毕竟有着本质的区别。从范围来看，艺术不仅可以反映人们的道德关系，而且可以表现人们的政治关系、经济关系、法律关系等等，所以，艺术是从更广泛的范围来反映人们的社会生活。从方式来看，道德是以概念、原则和规范来反映人与人之间的关系，艺术却是以形象来具体地描写、刻画或表现这种关系。从评价标准来看，道德评价和审美评价之间也存在着差异，前者常常以“善”为唯一标准，后者往往以“真善美”的统一作为标准，形成对艺术作品的道德评价和审美评价的歧异。

还应当看到，并非一切艺术作品都必须具有道德内容，如风景摄影、花鸟画、器乐曲等，许多都不涉及道德内容。尤其需要指出的是，对于那些具有道德内容的艺术作品来说，也需要“寓教于乐”，也就是将道德内容有机地融合在艺术形象之中，使其化善为美，具有审美的教育作用，而不能够干巴巴地道德说教，只有这样，才能真正对欣赏者产生潜移默化的影响。

（2）艺术中的道德内容。道德是人们在社会生活中形成的各种伦理观念和行为规范的总和，那些再现社会生活的艺术种类如文学、话剧、戏曲、电影、电视等，受道德的影响然更加明显。文学作品在这方面的例子可以说是举不胜举。从戏剧来看，中外也有大量这方面的作品，尤其是19世纪挪威著名戏剧家易卜生的“社会问题剧”，包括《玩偶之家》、《社会支柱》、《国民公敌》等一系列作品，都是着力于再现挪威当时的现实生活，通过对爱情、婚姻、家庭、妇女地位等社会问题和道德问题的描写，来剖析资本主义的道德堕落现象和种种社会弊病。

对于非再现艺术种类如建筑、音乐、书法、实用工艺等也有道德因素的渗入。例如，虽然建筑是一种实用艺术和表现艺术，但是中国建筑艺术同其它艺术一样，作为传统文化体现出特定的伦理道德观念。音乐作为一门表现艺术和听觉艺术，不能直接地再现社会生活，但在音乐中也渗透着一定时代和社会伦理道德的因素，因此，中西方的历代思想家们十分重视音乐的伦理教化作用。

关于艺术与科学的关系。

（1）艺术与科学的联系和区别。从总体上讲，艺术与科学二者之间既有联系，又有区别。从人类文化史来看，艺术与科学之间早有联系。早在公元前六世纪，古希腊的毕达哥拉斯学派就提出了“美是和谐”的思想。并且将这些原则运用到建筑、雕刻、绘画、音乐等各门艺术中去。14世纪到 16 世纪的欧洲文艺复兴运动期间，自然科学有极大的发展，哥白尼的“日心说”沉重打击了几千年来上帝创造世界的宗教传说，哥伦布和麦哲伦等人在地理方面的发现，以及伽利略的数学物理学方面的创造发明，使人们对宇宙有了新的认识，形成了新的世界观和方法论，对艺术也产生了极大的影响。这个时期的一些大艺术家，本身就是大科学家，他们把许多自然科学的方法和原理运用到艺术创造中，促进了艺术的完善和发展。

这些例子充分表明，科学技术对艺术的影响是广泛和深刻的，除了将自然科学的成果直接运用到艺术领域之外，更重要的是以科学的思维方法来促进艺术家文化心理结构的改变，从而推动艺术创作观念和创作方法的革新，推动艺术形态的发展。

当今社会中，科学技术正以从未有过的速度突飞猛进地发展，人类社会生活的方方面面无不受到科学技术的影响。现代科学技术更是对艺术产生了巨大的影响，不但为艺术提供了从未有过的大众传播媒介，而且创造出新的艺术种类和艺术形式，如电影艺术、电视艺术和计算机多媒体艺术等。在许多领域和许多方面，科学技术与艺术已经是如此紧密地结合在一起，以至很难将二者区分开来。艺术与科学之间确实又有很大的不同，并且在一定程度上存在着对立的现象。科学是人类认识客观世界的知识总和；艺术是人类进行审美创造的最高形式。科学求真，揭示事物发展的客观规律；艺术求美，满足人们精神文化生活方面的审美需要。科学主要运用抽象思维，强调理性因素；艺术主要运用形象思维，强调情感因素。科学客观冷静地对待事物，准确地揭示事物的本来面目；艺术则是一种主观色彩很浓的创造活动，除了反映生活外还应当评价生活与表现情感。科学理论具有普遍性，放之四海而皆准；艺术作品必须具有独创性，前无古人后无来者。

（2）现代科学技术对艺术的渗透和影响。第一，表现在现代科学技术为艺术提供了新的物质技术手段，促使新的艺术种类和艺术形式的产生。第二，表现在现代科学技术为艺术创造了前所未有的文化环境和传播手段，为艺术提供了更广阔的天地。第三，表现在艺术与技术、美学与科学的相互结合与相互渗透，对人类生活产生了深刻影响，也促进了科学技术与文学艺术自身的发展。第四，表现在科学领域的重大发现对艺术观念和美学观念产生了巨大而深刻的影响，例如系统论、控制论、信息论、模糊数学等观点和方法，已经被运用到艺术创作和艺术研究之中，成为某些艺术理论和艺术批评的观点和方法。

二、本章的重点和难点

1．艺术在人类文化中的地位。2．哲学与艺术的相互关系。 3．艺术与宗教的关系。4．艺术与道德的关系。 一方面是道德影响艺术。另一方面是艺术影响道德。5．艺术中的道德内容。 6．艺术与科学的联系和区别。7．现代科学技术对艺术的渗透和影响。

第一，表现在现代科学技术为艺术提供了新的物质技术手段，促使新的艺术种类和艺术形式的产生。

第二，表现在现代科学技术为艺术创造了前所未有的文化环境和传播手段，为艺术提供了更广阔的天地。

第三，表现在艺术与技术、美学与科学的相互结合与相互渗透，对人类生活产生了深刻影响，也促进了科学技术与文学艺术自身的发展。

第四，表现在科学领域的重大发现对艺术观念和美学观念产生了巨大而深刻的影响，例如系统论、控制论、信息论、模糊数学等观点和方法，已经被运用到艺术创作和艺术研究之中，成为某些艺术理论和艺术批评的观点和方法。

三、本章小结

艺术作为一种独特的文化形态或文化现象，在整个人类文化大系统中占有极其重要的地位。一方面，艺术参与和推动着人类文化的历史发展；另一方面，每个民族或时代的艺术又深深植根于这个民族或时代的文化土壤之中。 哲学主要通过美学这一中介对艺术产生巨大的影响。最突出的例证，便是西方现代哲学对于西方现代派艺术所产生的巨大影响。

宗教对艺术的产生与发展都有过直接的影响，与此同时，形形色色的宗教艺术几乎遍及各个艺术门类，成为世界艺术史的重要组成部分。

道德与艺术的相互关系既体现在道德影响艺术，也体现在艺术影响道德。道德题材（家庭、婚姻、伦理等等）成为各门艺术永恒的主题。

艺术与科学之间既有密切的联系，又存在着一定程度的对立。现代科学技术的迅猛发展，更是对艺术产生了巨大的影响。

四、本章需要掌握的重要概念

1． 文化 2． 哲学 3． 宗教 4． 科学

五、本章的“思考与练习”

（1）艺术与文化的关系是什么？如何理解艺术在人类文化中的地位与作用。（2）如何理解艺术与哲学、宗教、道德、科学等彼此间的相互关联作用。（1）如何理解文化大系统与子系统的关系？（2）艺术在文化大系统中的地位是什么？

六、“思考与练习”解题思路

（1）艺术作为一种独特的文化形态或文化现象，在整个人类文化大系统中占有极其重要的地位。一方面，艺术参与和推动着人类文化的历史发展；另一方面，每个民族或时代的艺术又深深植根于这个民族或时代的文化土壤之中。（2）哲学主要通过美学这一中介对艺术产生巨大的影响。最突出的例证，便是西方现代哲学对于西方现代派艺术所产生的巨大影响。

宗教对艺术的产生与发展都有过直接的影响，与此同时，形形色色的宗教艺术几乎遍及各个艺术门类，成为世界艺术史的重要组成部分。

道德与艺术的相互关系既体现在道德影响艺术，也体现在艺术影响道德。道德题材（家庭、婚姻、伦理等等）成为各门艺术永恒的主题。

艺术与科学之间既有密切的联系，又存在着一定程度的对立。现代科学技术的迅猛发展，更是对艺术产生了巨大的影响。

（3）人类文化大系统从文化结构来看，物质文化是基础，制度文化是中介，精神文化是核心。物质文化和制度文化，决定和制约精神文化。所以，经济、政治对于包括艺术在内的精神文化有着十分重要的作用。仅仅从精神文化内部来看，艺术同哲学、宗教、道德、科学之间，也是相互关联、彼此作用的。艺术与它们之间的这种相互关系表现在：一方面，艺术要受到哲学、宗教、道德、科学等其它精神文化的影响；另一方面，艺术也反过来影响着它们。

（4）艺术作为一种独特的文化形态或文化现象，在整个人类文化大系统中占有极其重要的地位。艺术的起源同人类文化的起源一样古老，从那时起，艺术作为文化的独特组成部分，就始终参与和推动着人类文化的历史发展进程，体现和反映出人类文化的各个历史发展阶段。作为文化的独特组成部分，从另一方面来讲，艺术又必然受到文化大系统的制约。艺术作为文化大系统中的一个子系统，它只是整个文化的一个有机组成部分，是一种独特的社会文化范畴。文化系统的整体性决定了它所属的子系统，必然从属和依附于文化大系统。对于艺术来讲，社会文化大系统作为一种总的文化氛围或文化条件，直接制约着作家、艺术家和读者、观众、听众等每一个人“文化心理结构”的形成，从而间接对艺术的合作与欣赏产生巨大的影响。

七、本章参考书目

1．《文化学导论》，河北教育出版社，1989年版。

2．《美学文艺学方法论》，文化艺术出版社，1985年版。

3．《艺术》（克来夫〃贝尔），中国文联出版公司，1984年版。4．丹纳《艺术哲学》，人民文学出版社，1983年版。

5．《美学的将来》（[日]今道友信），广西教育出版社1997年版。6．《艺术和科学》（李政道），载《文艺研究》1998年第2期。

八、参考剧目、作品

1． 屈原《离骚》

2． 关汉卿《窦娥冤》、《九歌》 3． 王实甫《西厢记》

4． 《十面埋伏》（琵琶古曲）

5． 《梁山伯与祝英台》（小提琴协奏曲）6． 《洛神赋图》（[东晋]顾恺之）7． 《黄山图》（[清]石涛）

8． 《一条安达鲁狗》（[西班牙]布努艾尔导演）9． 《广岛之恋》（[法]雷乃导演）10． 但丁《神曲》 11． 薄枷丘《十日谈》

12． “社会问题剧”《玩偶之家》、《社会支柱》、《国民公敌》([挪威]戏剧家易卜生)13． 鲁迅《狂人日记》

14． 《坎特伯雷故事》(14世纪英国诗人乔叟的代表作品)15． 《威尼斯商人》(16 世纪英国著名戏剧家莎士比亚)16． 《失落园》(17 世纪英国诗人弥尔顿)

第五章 实用艺术

一、中编“艺术种类”提要

根据艺术分类的原则和角度，艺术分类法主要有以下六种：

第一种：以艺术形象的存在方式为依据，将艺术区分为时间艺术（音乐、文学）、空间艺术（雕塑、绘画）和时空艺术（戏剧、影视）。

第二种：以艺术形象的审美方式为依据，将艺术区分为听觉艺术（如音乐）、视觉艺术（如绘画）和视听艺术（如戏剧）。

第三种：以艺术作品的内容特征为依据，将艺术区分为表现艺术（音乐、舞蹈、建筑、抒情诗等）和再现艺术（绘画、雕塑、戏剧、小说等）。第四种：以艺术作品的物化形式为依据，将艺术区分为动态艺术（音乐、舞蹈、戏剧、影视等）和静态艺术（绘画、雕塑、建筑、实用工艺等）。第五种：在欧美等国家新兴的分类法，把艺术分为：视觉艺术，包括绘画、雕塑、摄影艺术、建筑、工艺，以及现代艺术设计、广告艺术、电影艺术、计算机三维动画等；表演艺术，包括音乐、舞蹈、戏剧，以及在发达国家近年来广受欢迎的音乐剧等。这种分类方法的优点是适应现代艺术的发展趋势，及时容纳了最新出现并广受欢迎时新兴艺术门类或样式。但是，这种分类方法毕竟刚刚出现，尚未经过时间的检验，尤其是在目前尚未得到世界各国艺术界、学术界、教育界的普遍认可，即使在发达国家内，也并没有得到普遍的认同。因此，本书也暂不采用此种方法。

科学的艺术分类方法应当充分吸收上述分类法的合理因素，同时还必须考虑到艺术分类的美学原则。艺术，作为人类的一种审美活动，实质上是以动态化的方式来传达人类的审美经验。艺术作品从根本上讲，就是以物态化的方式传达出艺术家的审美经验和审美意识。因此，艺术分类的美学原则，应当把艺术形态的物质存在方式与审美意识物态化的内容特性作为根本的依据。

第六种：从艺术分类的美学原则来看，可以将整个艺术区分为五大类别，即： 实用艺术(建筑、园林、工艺美术与现代设计)、造型艺术(绘画、雕塑、摄影、书法)、表情艺术(音乐、舞蹈)、综合艺术(戏剧、戏曲、电影艺术、电视艺术)和语言艺术(诗歌、散文、小说)等。本书采用的便是此种分类方法。当然，由于篇幅所限，本书并未涵盖所有的艺术门类，诸如杂技、曲艺、木偶、皮影等一类民间艺术就尚未提及。

艺术分类的意义在于通过揭示各门艺术自身的特性和发展规律，以及它们各自不同的物质媒介和艺术语言，从而更加深入地认识和掌握各门艺术的审美特征和美学实质，进一步推动各门艺术的提高和发展。 任何艺术分类的方法都只具有相对的意义。各门艺术之间存在着内在的联系性和一致性，具有某些彼此相通的共同规律。中外许多美学家都曾经指出过“诗”与“画”之间的密切联系，有的还把音乐称为流动的建筑，把建筑称为凝固的音乐等等，充分反映出某些艺术门类之间存在着极为密切的联系。艺术种类这种多样性与统一性，使得人类的艺术领域更加丰富多采。正确地认识和理解这种多样性与统一性，掌握各类艺术的基本规律和美学特征，有助于提高我们的艺术鉴赏能力和艺术修养。

二、本章的内容概要

“实用艺术”，指实用与审美相结合的表现性空间艺术，主要包括建筑艺术、园林艺术、工艺美术与现代设计等。实用艺术最基本的特征就是实用原则与美观原则相结合，既有实用价值，又有审美价值。

（1）建筑艺术。建筑，是指建筑物和构筑物的通称，是人类用物质材料修建或构筑的居住和活动的场所。建筑（建筑学）在拉丁文中的涵义是“巨大的工艺”，说明建筑的技术与艺术密不可分。

所谓建筑艺术，是指按照美的规律，运用建筑艺术独特的艺术语言，使建筑形象具有文化价值和审美价值，具有象征性和形式美，体现出民族性和时代感。早在两千年前，古罗马建筑师维特鲁威就提出了建筑的三条基本原则，即：“实用、坚固、美观”。任何建筑都应当是物质功能与审美功能、实用性与审美性、技术性与艺术性的统一。现代建筑“美观”被提到越来越重要的地位。这是因为随着现代科技的迅猛发展，人们的物质需要基本得到满足，从而提出了更高的精神需要，对于建筑的审美性或艺术性提出了更高的要求。建筑艺术应当是“建筑”与“艺术”二者之间的“和谐统一”，从而使得建筑艺术既满足人的物质需要和使用需要，又满足人的精神需要和审美需要。建筑艺术是一种立体作品，属于空间造型艺术，建筑的审美特点主要表现为它的造型美。人们在观赏任何一座建筑物时，首先感受到的总是它的外观造型。例如，北京的故宫，西藏的布达拉宫，南京的中山陵，法国的巴黎圣母院，美国的流水别墅，澳大利亚的悉尼歌剧院等。建筑的艺术语言和表现手段非常丰富，包括空间、形体、比例、均衡、节奏、色彩、装饰等许多因素，正是它们共同构成了建筑艺术的造型美。

“空间”，是建筑的基本形式要素，建筑主要通过创造各种内外空间来满足人们的实际需要，巧妙地处理空间，可以大大增强建筑艺术的表现力。“形体”，主要指建筑物的总体轮廓，通过线条和形体、空间和实体的不同组合方式，以及建筑与环境的和谐统一，突出建筑独特的个性色彩和特有的艺术感染力。

“比例”，主要是指巧妙处理建筑物各部分之间的比例关系，建筑中长宽高的比例，凹与凸的比例、虚与实的比例等，都直接影响到建筑美。“均衡”，主要指建筑在构图上的对称，包括建筑物前后、左右、上下各部分之间的关系。均衡对称常常给人一种严肃庄重的感觉，增加崇高的美感。最常见的均衡方式是在中轴线的左右实现对称，如北京的故宫，作为一个完整的建筑群非常均衡对称，其中每座建筑物都是在一条由南到北的中轴线上展开，整个建筑群的中心是高大的太和殿，以此为中由南向北伸展。

“节奏”，指通过有规律的变化和排列，利用建筑物的墙、柱、门、窗等有秩序的重复出现，产生一种韵律美或节奏美，正是在这一点上，建筑和音乐具有同在的共同之处，因而人们把它们分别说成是“凝固的音乐”和“流动的建筑”。我国著名建筑学家梁思成先生就曾经专门研究过故宫的廊柱，并从中发现了十分明显的节奏感与韵律感，从天安门经过端门到午门，就有着明显的节奏感，两旁的柱子有节奏地排列，形成连续不断的空间序列。

“色彩”，也常常构成建筑特有的艺术形象，给人们还来独特的审美感受和难忘的印象。故宫，总体色彩是金碧辉煌，朱红色的围墙，白色的台基，金黄色的琉璃瓦顶，大红色的柱子和门窗，使这座皇宫的色彩别具一格。

“装饰”，作为建筑物的有机组成部分，对创造建筑也有着不容忽视的作用，它可以起到为建筑物增辉添彩的作用。如中国传统建筑十分注意屋顶的装饰，不但在屋角处做出翘角飞檐，饰以各种雕刻彩绘，还常常在屋脊上增加华丽的真诚兽装饰。甚至故宫内各种门上九九排列的门钉，作为装饰也具有十分浓郁的民族文化内涵。

总之，正是通过空间、形体、比例、均衡、节奏、色彩、装饰等多种因素的协调统一，才形成了建筑艺术特有的空间造型美。

建筑艺术作为民族文化的体现和时代精神的镜子，又总是以直观形象的方式反映出一定的社会意识形态和深刻的历史文化内涵。中外古今的建筑，可以称得上是千姿百态，由于历史的悠久，数量的众多，风格的差异，民族和时代的特色，使得这些建筑具有很高的审美认识价值和文化价值。

（2）园林艺术。“园林”，是在一定的地域运用工程技术和艺术手段，通过改造地形(或进一步筑山、叠石、理水)、种植花草、营造建筑和布置园路等途径创作而成的美自然环境和游憩境域。从广义来讲，园林艺术也是建筑艺术中的一种类型。世界三大园林体系，包括东方园林(以中国园林为代表)、欧洲园林（以法国园林为代表），以及阿拉伯式园林，都具有极高的艺术性和观赏性。中国园林又可分为北方大型皇家园林与江南小型私家园林两大体系。

作为实用艺术之一，毫无疑问，园林艺术的基本特征同样是实用性与审美性、技术性与艺术性相结合。但是，一般来讲，园林的实用功能主要就是供人们游憩玩赏，这种特殊的使用功能要求园林更加侧重于审美性和艺术性。特别是中国传统的园林艺术，更是成为我们民族文化宝库中的一个重要组成部分。中华民族文学艺术史上，古代许多动人的诗词歌赋，往往是凭借着园林景物抒发出来的；许多流传至今的绘画，也是描绘园林的美景；许多文学作品同园林分不开，如《红楼梦》中的大观园等；甚至一些戏剧故事也是在园林中发生的，如明代汤显祖的代表作《牡丹亭》，女主人公杜丽娘正是在后花园观赏春色时，触景生情，感梦伤怀的。可见，中国的园林艺术同中国绘画、中国诗词、中国戏剧、中国文学等都有着紧密的联系，具有文化、历史、美学和艺术等多方面的价值。欣赏中国式园林，不但要注意欣赏它的自然美、建筑美，尤其要注意欣赏它的文化美。后者是中国园林的精华与核心。

中国园林真正的精华与核心是它的文化美。尤其需要指出的是，中国园林艺术深深植根于民族文化沃土，因而具有浓郁的民族风格和民族色彩。由于中国传统园林将风景美、艺术美和文化美融为一体，因而更加富有魅力。在中国园林艺术里，蕴藏着十分丰富的美学思想，颐和园就采用了借景、分景、隔景等多种艺术手法来创造空间美感。整个园林的设计，有层次、有变化，虚实相生，曲折含蓄，咫尺山林，韵味无穷，风景时而开朗，时而隐蔽，犹如一幅逐步展开的画卷，让人回味无穷，颇有“山重水复疑无路，柳暗花明又一村”的雅趣，在有限的环境中创造出无限的意境来。

（3）工艺美术与现代设计。工艺美术，又可称为实用工艺，一般是指在造型和外观上具有审美价值，与人类的生活用品或生活环境相关的一类工艺美术品的总称。工艺美术直接受到物质材料和生产技术的制约，具有鲜明的时代风格和民族特色。主要包括三大类：一类是经过艺术处理的日常生活实用品，如漂亮的绣花枕套、精致的被面床单、美观的玻璃器皿等，这些用品多是以实用为主，装饰为辅，或者说，它们是在实用的基础上兼有观赏的功能。另一类是民间工艺美术品，如竹编器件、草编器件、蜡染织物、泥塑、木雕、剪纸等，它们采用的原材料一般比较低廉，工艺比较简单，价格也比较便宜，既可供实用，又可供观赏。再一类是特种工艺美术品，如景泰蓝器皿、象牙雕刻、瓷器玉雕等，它们采用的原材料比较珍贵，工艺非常精细，价格也比较昂贵，主要供观赏和珍藏之用，这些特种工艺品实际上已经不具有实用价值，而是主要具有审美价值和艺术价值了。

实用工艺是人类历史上最古老的艺术种类之一。早在原始社会，人类的祖先就开始用兽皮、兽骨、象牙、羽毛来装饰自己。尤其是新石器时代大量出现的彩陶，更是实用性和艺术性的完美结合，有些出土的彩陶至今仍有很高的审美价值。实用工艺美术品，顾名思义，首先应当具有实用性，审美性应当寓于实用性之中。因此，在制作实用工艺美术器具时，都应当围绕着实际使用的要求来考虑和设计，从材料选择、外部造型、色彩装饰等多方面，都需要结合实用要求来考虑艺术处理和加工等问题。甚至作为观赏用的特种工艺品也不例外，因为它们同样具有实用目的，即美化人们的生活环境，所以也需要在设计中考虑到适应环境和满足消费者的需求。实用工艺美术品应当适用、经济、美观。

工艺美术品的审美特性与建筑艺术相仿，集中体现为造型美。因此，工艺美术品十分注重造型设计，并且尽量发掘材料和装饰的潜力，注意运用色彩、线条、形状等多种形式因素，以及夸张、变形、均衡等多种艺术手法，来创造工艺美术品的外观形式美。

现代设计或工业设计的范围大致包括：

一是产品设计，从家俱、餐具、服装等日常生活用品到汽车、飞机、电脑等高新技术产品，都属于产品设计的范畴。它最突出的特点，是将造型艺术与工业产品结合起来，使得工业产品艺术化。产品设计或称作狭义的工业产品设计，其本质是追求功效与审美、功能与形式、技术与艺术的完美统一。

二是环境设计，是指人类对一各种自然环境因素和人工环境因素加以改造和组织，对物质环境进行空间设计，使之符合人的行为需要和审美需要。环境艺术就是要对人们生存活动的场所进行艺术化处理，它一是包括以自然风景和名胜古迹为主的景观环境，二是包括以城镇小区和建筑组群为主的空间序列环境，三是以陈设、小品和人工绿化为主的日常生活环境，从而为人类社会创造出舒适、优美的生存环境。

三是视觉设计，是指人们为了传递信息或使用标记所进行的视觉形象设计。从狭义上讲，视觉设计又被称作平面设计。视觉设计范围十分广泛，包括装帧设计、印刷设计、包装设计、展示陈列设计、视觉形象设计、广告设计等等。

“实用艺术的审美特征”（1）实用性与审美性。实用性应注意以下几点：

第一，应当对实用性作比较宽泛的理解。因为人类的实际活动是多种多样的，包括生产劳动、日常生活、社交活动、文化生活等许多领域，所以实用艺术中的各个门类，甚至每一门类中的不同类型，都应当分别符合人类不同实际活动的需要。

第二，实用艺术以实用性与审美性相结合为基本特点，但对于大多数实用艺术品来讲，实用是为主的，审美应当从属于实用，服务于实用。

第三，实用艺术与生产技术具有紧密的联系，物质材料对实用艺术有直接的制约和影响。第四，由于实用艺术往往需要耗费大量的物质材料和人工劳力，所以它的实用性也应当考虑产品的用料、费时、加工和成本等经济方面的问题，尽量做到省工省料和降低成本，使其具有较低的消耗和较高的使用价值。

实用艺术具有审美性，即满足人的审美需要和精神需要。由于实用艺术在我们日常生活中随时随地都可以见到，所以它几乎每日、每时、每刻都在发挥着审美作用，给人以美的感受，从而在实用的前提下兼有审美的功能，达到物质和精神的统一。

实用艺术中，实用性与审美性二者是有机统一的。实用性是审美性的前提和基础，审美性反过来也可以增强实用性。所以，实用性和审美性二者相互促进，缺一不可，密不可分，它们构成了实用艺术最基本的原则和特征。尤其需要指出，随着社会生产力的不断发展和人民群众生活水平的不断提高，审美性在实用艺术中的比重越来越大，人们对实用艺术美的要求，比过去任何时候都更加广泛和迫切。

（2）表现性与形式美。实用艺术另一个重要的审美特点，就是特别注重表现性与形式美，并且将二者有机地结合在作品之中。实用艺术作为表现性空间艺术，它不注重模仿客观事物的再现性，而是注重表现某种朦胧抽象的情调和意味。因而，表现性应当是实用艺术一个重要的美学特征，也构成了它与戏剧、小说、电影等再现艺术的根本区别。实用艺术的这种表现性，使得它比其他艺术更加偏重于形式美。

所谓形式美，主要指各种形式因素的有规律的组合，从而形成了某些共同的特征和法则，它包括色彩、线条、形体等因素，也包括对均衡、多样统一等形式法则。人类在长期实践活动中发现和总结了许多形式规律，并且不怕地创造出新的形式规律，从而大大提高了美的创造力和艺术的表现力。作为表现性空间艺术，实用艺术特别注重形式美。

总之，在实用艺术中，表现性与形式美密不可分。形式美是表现性的外部体现，表现性是形式美的内在灵魂。

（3）民族性与时代性。实用艺术具有浓郁的民族风格和鲜明的时代特色。因此，实用艺术还有一个重要的审美特征，就是民族性与时代性的有机统一。在实用艺术中，包括建筑、园林、工艺美术的各门实用艺术，无一不体现出民族的风格和特色。实用艺术又具有鲜明的时代性。实用艺术的这种时代性，首先在于它总是表现出特定时代，特定社会的情感和理想。

三、本章的重点和难点（1）建筑艺术。建筑艺术，是指按照美的规律，运用建筑艺术独特的艺术语言，使建筑形象具有文化价值和审美价值，具有象征性和形式美，体现出民族性和时代感。“空间”，是建筑的基本形式要素，建筑主要通过创造各种内外空间来满足人们的实际需要，巧妙地处理空间，可以大大增强建筑艺术的表现力。“形体”，主要指建筑物的总体轮廓，通过线条和形体、空间和实体的不同组合方式，以及建筑与环境的和谐统一，突出建筑独特的个性色彩和特有的艺术感染力。

“比例”，主要是指巧妙处理建筑物各部分之间的比例关系，建筑中长宽高的比例，凹与凸的比例、虚与实的比例等，都直接影响到建筑美。

“均衡”，主要指建筑在构图上的对称，包括建筑物前后、左右、上下各部分之间的关系。均衡对称常常给人一种严肃庄重的感觉，增加崇高的美感。“节奏”，指通过有规律的变化和排列，利用建筑物的墙、柱、门、窗等有秩序的重复出现，产生一种韵律美或节奏美，正是在这一点上，建筑和音乐具有同在的共同之处，因而人们把它们分别说成是“凝固的音乐”和“流动的建筑”。“色彩”，也常常构成建筑特有的艺术形象，给人们还来独特的审美感受和难忘的印象。

“装饰”，作为建筑物的有机组成部分，对创造建筑也有着不容忽视的作用，它可以起到为建筑物增辉添彩的作用。

通过空间、形体、比例、均衡、节奏、色彩、装饰等多种因素的协调统一，才形成了建筑艺术特有的空间造型美。

（2）园林艺术。

（3）工艺美术与现代设计。

四、本章小结

从艺术分类的美学原则来看，可以将整个艺术区分为五大类别，即：实用艺术（建筑、园林、工艺美术与现代设计）、造型艺术、表情艺术、综合艺术、语言艺术。

掌握建筑艺术、园林艺术、工艺美术与现代设计的主要艺术语言和文化内涵。实用艺术具有实用性与审美性、表现性与形式美、民族性与时代性等美学特征。

五、本章的重点概念 1． 实用艺术 2． 建筑艺术 3． 空间 4． 形体 5． 比例 6． 均衡 7． 节奏 8． 色彩 9． 装饰 10． 园林艺术 11． 世界三大园林体系 12． 工艺美术 13． 现代设计 14． 产品设计 15． 环境设计 16． 视觉设计

六、本章的“思考与练习”

（1）艺术分类是最基本的6种方法分别是什么？（2）说出实用艺术的主要种类。

（3）请简要阐释实用艺术的主要审美特征。

（4）结合自己的亲身经历，理解建筑艺术的民族性与时代性特征。（5）为什么说在欣赏园林艺术时，不但要欣赏园林的自然美与建筑美，更应欣赏蕴藏其中的文化美。

（6）如何认识工艺美术品是中华民族文化艺术宝库的重要组成部分。

七、“思考与练习”解题思路（1）略。

（2）从艺术分类的美学原则来看，可以将整个艺术区分为五大类别，即：实用艺术（建筑、园林、工艺美术与现代设计）、造型艺术、表情艺术、综合艺术、语言艺术。（3）实用艺术具有实用性与审美性、表现性与形式美、民族性与时代性等美学特征。

（4）略。

（5）作为实用艺术之一，毫无疑问，园林艺术的基本特征同样是实用性与审美性、技术性与艺术性相结合。一般来讲，园林的实用功能主要就是供人们游憩玩赏，这种特殊的使用功能要求园林更加侧重于审美性和艺术性。特别是中国传统的园林艺术，更是成为我们民族文化宝库中的一个重要组成部分。中华民族文学艺术史上，古代许多动人的诗歌赋，往往是凭借着园林景物抒发出来的；许多流传至今的绘画，也是描绘园林的美景；许多文学作品同园林分不开，如《红楼梦》中的大观园等；甚至一些戏剧故事也是在园林中发生的，如明代汤显祖的代表作《牡丹亭》，女主人公杜丽娘正是在后花园观赏春色时，触景生情，感梦伤怀的。可见，中国的园林艺术同中国绘画、中国诗词、中国戏剧、中国文学等都有着紧密的联系，具有文化、历史、美学和艺术等多方面的价值。欣赏中国式园林，不但要注意欣赏它的自然美、建筑美，尤其要注意欣赏它的文化美。

（6）略。

八、本章参考书目

1.《阅读具聿铭》，载《北京晚报》2001年6月29日19版。

2.„苏‟鲍列夫《美学》，中国文联出版社公司1986年版，北京。3.宗白华《美学与意境》，人民出版社1987年版，北京。

4.(美)斯蒂芬〃贝尼等著《20世纪风格与设计》，四川人民出版社2000年版，成都。5.《美学自然全书》，社会科学文献出版社1990年版，北京。6.《美学自然全书》，社会科学文献出版社1990年版，北京。

7.(英)彼得 多默《1945年以来的设计》，四川人民出版社1998年版，成都。8.《艺术特征论》，文化艺术出版社1984年版，北京。

第六章 造型艺术

一、本章内容概要

“造型艺术”是指运用一定的物质材料(如颜料、纸张、泥石、木料等)，通过塑造静态的视觉形象来反映社会生活与表现艺术家思想情感。它是一种再现性空间艺术，也是一种静态的视觉艺术。它主要包括绘画、雕塑、摄影艺术、书法艺术等。

造型艺术与实用艺术二者之间既有联系，又有区别。

联系：它们都属于空间艺术，并且都是以平面或立体的方式，用物质材料创造出静态的艺术形象，使人们凭借视觉感就可以直接感受到。由于二者的联系如此紧密，有时人们又常把它们归为一类，干脆将它们统统称之为美术，或者称之为视觉艺术。

区别：造型艺术(绘画、雕塑、摄影、书法)的基本特征是造型性，通过再现和塑造外部形象来体现内在的精神世界，它的表现性潜藏于再现性之中，因而，这类艺术属于再现性空间艺术。实用艺术(建筑、园林、工艺美术与现代设计)的基本特征却是表现性，通过美的形式来表现艺术家的思想情感和丰富的文化内涵，它并不直接模拟或再现客观对象，因而，这类艺术属于表现性空间艺术。除此之外，二者之间还有一个重要区别，即造型艺术主要具有审美功能，满足观赏者的精神需要；实用艺术兼有实用功能与审美功能，同时满足人们的物质需要和精神需要。因此，将其分为两大类别。

（1）绘画艺术。绘画是造型艺术中最主要的一种艺术形式。它是一门运用线条、色彩和形体等艺术语言、通过构图、造型和设色等艺术手段，在二度空间(即平面)里塑造出静态的视觉形象的艺术。绘画种类繁多，范围广泛。从体系来划分，绘画分为东方绘画和西方绘画两大体系。从使用的材料、工具和技法来划分，则分为中国画、油画、版画、水彩画、水粉画、粉笔画等等。从题材内容来划分，又可以分为肖像画、风景画、风俗画、静物画、历史画、宗教画、动物画等体裁。从作品形式的不同来划分，还可以分为壁画、年画、连环画、宣传画、漫画等样式。

中国画，简称国画，在世界美术领域中自成体系，独具特色，成为东方绘画体系的主流。其特点：

第一，表现在工具材料上，往往采用中国特制的毛笔、墨或颜料，在宣纸或绢帛上作画。因此，中国画又可称之为“水墨画”或“彩墨画”。

第二，在构图方法上不受焦点透视的束缚，多采用散点透视法(即可移动的远近法)，使得视野宽广辽阔，构图灵活自由，画中的物象可以随意列置，冲破了时间与空间的局限。中国画营造的空间多种多样，但其中最主要的有三种，即：全景式空间、分段式空间和分层式空间。

第三，绘画与诗文、书法、篆刻四者有机地结合在一起，相互补充，交相辉映，形成了中国画独特的内容美和形式美，也形成了中国画特有的诗、书、画、印交相辉映的特色。

第四，中国画的特点来源于中华民族悠久的传统文化和丰富的美学思想。中国画的传统画法有工笔画，也有写意画。前者用笔细致工整，结构严谨，无论人物或景物都刻画得十分具体入微；后者笔墨简练，高度概括，洒脱地表现物象的形神和抒发作者的感情。不管是工笔画，还是写意画，在处理形神关系时都要求“神形兼备”，在造型和意境的表达上都要求“气韵生动”。中国画总体上的美学追求，不在于将物象画得逼真、肖似，而是通过笔墨情趣抒发胸臆、寄托情思。西方绘画艺术也是源远流长，品种繁多，尤其是油画艺术更可以说是世界绘画艺术中最有影响的画种。油画是西洋画的主要画种，它是用油质颜料在布、木板或厚纸板上画成，其特点是油画颜料色彩丰富鲜艳，能够充分表现物体的质感，使描绘对象显得逼真可信，具有很强的艺术表现力。同时，油画颜料又有较强的覆盖力，易于修改，为画家提供了艺术创作的便利条件。西方绘画的审美趣味，在于真和美。西洋画追求对象的真实和环境的真实。为了达到逼真的艺术效果，十分讲究比例、明暗、透视、解剖、色度、色性等科学法则，运用光学、几何学、解剖学、色彩学等作为科学依据。概括地讲，如果中国绘画尚意，那么西方绘画则尚形；中国绘画重表现、重情感，西方绘画则重再现、重理性；中国绘画以线条作为主要造型手段，西方绘画则主要是由光和色来表现物象；中国绘画不受空间和时间的局限，西方绘画则严格遵守空间和时间的界限。

总之，西方绘画注重再现与写实，同中国绘画注重表现与写意，形成鲜明差异，成为世界美术领域中的两大体系。

（2）雕塑艺术。雕塑是一种重要的造型艺术。雕塑是立体（三度空间）的空间艺术和视觉艺术，它是用一定的物质材料制作出具有实体形象的艺术品，由于制作方法主要是雕刻和塑造两大类，故被称为雕塑。

雕塑的种类、体裁和样式繁多。从制作工艺来看，它可以分为雕和塑两大类。事实上，雕塑工艺十分复杂，如果进一步细分，还可以再将其分为刻、镂、塑、凿、琢、铸等各种技艺和手法。

从体裁来区分，雕塑又可以分为纪念性雕塑，如著名的巴黎歌剧院周围有三十多座雕塑；有城市园林雕塑，如北京市街道和公园里均有不少美化城市景观的雕塑；有宗教雕塑，如敦煌、麦积山等处的大量彩塑；有陵墓雕塑，如陕西兴平霍去病墓前的著名大型石刻《马踏匈奴》；还有陈列性雕塑，如室内架上雕塑、展览馆室内雕塑等。从样式区分，雕塑还可以分为头像、胸像、半身像、全身像、群像等。从表现手法和形式来区分，雕塑一般又可分为圆雕、浮雕和透雕三类。圆雕，又称“浑雕”，是不附在任何背景上，可以从四面观赏的立体雕塑。圆雕的特点是立于空间中的实体形象，在创作时必须考虑它的体积感与厚重感，在塑造形象时还必须照顾到人们从不同的角度进行观赏。浮雕，又称“凸雕”，是在平面上雕出凸起的艺术形象。根据表面凸起程度的不同，浮雕又分为高浮雕(高低起伏大，凸起程度深)和浅浮雕(高低起伏小，凸起程度浅)。透雕，则界乎圆雕和浮雕之间，它是在浮雕的基础上，将其背景部分镂空制作而成，但又不脱离平面，犹如一件附着在平面背景上的圆雕。

正是由于雕塑艺术具有以上与其它艺术不同的基本特征，因而雕塑特别强调服从形式美的规律。雕塑艺术应当更加凝练，更加集中，更加概括。

西方雕塑艺术源远流长，作品繁多。一般认为，西方雕塑史上有四个最为辉煌的高峰期。

西方雕塑史上第一个高峰是古希腊罗马时期，雕塑艺术便已达到了相当高的水平。公元前 5 至公元前 4 世纪的希腊雕刻艺术的繁荣时期，出现了米隆、菲狄亚斯等一批杰出的雕塑家。米隆的代表作《掷铁饼者》和菲狄亚斯的名作《命运三女神》，都是举世瞩目的佳作。约作于公元前一二世纪的古希腊雕刻著名作品《维纳斯像》，也称《米洛斯的阿芙罗狄特》，因 18 20 年发现于爱琴海中的米洛斯岛而得此名，巴黎罗浮宫将它和该馆收藏的《米洛斯的阿芙罗狄特》、达?芬奇的《蒙娜丽莎》并称为罗浮宫三宝。

欧洲文艺复兴时期，可以称得上是西方雕塑艺术的第二高峰。被称为意大利文艺复兴“三杰”之一的米开朗基罗，就是成就斐然的雕塑家、画家和建筑师，米开朗基罗的成名作《哀悼基督》取材于基督被害后，圣母对儿子的殉难表示深切哀悼的宗教故事，由于米开朗基罗完成这件作品时只有 25 岁，许多人不相信这是出自一位年轻雕刻家之手，为此他不得不把自己的姓名刻在圣母胸前的衣带上，这就是为什么唯独这件作品留下了雕刻家姓名的缘故。此外，他为故乡佛罗伦萨创作的大理石雕像《大卫》，成为文艺复兴时代英雄的象征，他为美弟奇教堂设计的大理石雕刻《晨》、《暮》、《昼》、《夜》是一组寓意深刻的作品，他的其他作品如《摩西》等，也都是世界雕刻史上的不朽作品。

西方雕塑艺术史上的第三个高峰，当属19世纪法国雕塑。其代表人物为吕德，为巴黎凯旋门创作了巨形浮雕《马赛曲》；现实主义流派大师罗丹更是以《巴尔扎克像》、《思想者》、《地狱之门》等一大批优秀作品，将西方雕塑艺术推向新的高峰。西方雕塑艺术史上的第四个高峰，是20世纪西方雕塑，代表人物有法国著名雕塑家马约尔，以及现代主义雕塑家、法国的阿尔普和英国的亨利.摩尔等为代表，他们拓展了雕塑的观念，探索新的雕塑语言。

（3）摄影艺术。摄影艺术是一种现代的造型艺术。它是摄影师运用照相机作为基本工具，根据创作构思将人物或景物拍摄下来，现经过暗房工艺处理，塑造出现视的艺术形象，用来反映社会生活与自然现象，并表达作者思想情感的一种艺术样式。

摄影艺术独具的审美特征主要集中在纪实性与艺术性的统一上。摄影艺术的纪实性，首先表现出来在它运用的科学技术手段能够逼真精确地将被摄对象再现出来，使得摄影作品具有客观性、真实性，给人以逼真感。其次，这种纪实性还表现在它必须直接面对被摄对象进行现场拍摄，如实地反映现实生活中实际存在的人物、事伯和环境，许多优秀的摄影作品常常是抓拍或抢拍出来的，这种纪录性拍摄方式能给人一种身临其境的感觉。相比之下，绘画雕塑则无需现场创作，它们既可以表现现在的事物，也可以表现过去或将来的事物，甚至可以表现艺术家的想象但实际生活中并不存在的事物。一般来说，摄影艺术却不能表现过去的和未来的事物，更不能表现客观生活中并不存在的事物。另一方面，摄影艺术又必须在纪实性的基础上具有艺术性，杰出的作品必然是纪实性与艺术性的完美统一。摄影艺术形象的创造，首先需要摄影师熟练掌握摄影的艺术技巧和艺术语言，熟练用画面构图、光线、影调(或色调)三种主要造型手段。

摄影艺术的样式和体裁繁多，按感光材料和画面颜色，可以分为黑白摄影和彩色摄影；按摄影器材和技术，又可以分为航空摄影、水下摄影、全息摄影、红外线摄影等；按题材分，还可以分为肖像摄影、风光摄影、舞台摄影、体育摄影、建筑摄影等。

“肖像摄影，”又称人物摄影，是以表现人物形象为主的摄影，包括特写镜头、头像、半自像、全身群像等。肖像摄影应当通过人物的姿态、动作、外貌和面部表情，展示人物的姿态、动作、外貌和面部表情，揭示人物的思想感情、性格特征和精神气质。以形传神、气韵生动，可以说是人物肖象摄影的最高审美标准。

“风光摄影”，是以表现大自然的风景为主的摄影，风光摄影不但要表现大自然的美，更需要表现人对自然美的感受，表现作者的审美体验与艺术追求，通过对自然风景的描绘来传达摄影师对自然的审美感受和情感体验，它一般又可以分为自然风景、都市风景、乡村风景等。风光摄影的关键是将自然美转化为艺术美，它不能停留在仅仅再现自然景物，而是必须寓情于景，使作品情景交融、意境盎然，在富有诗情画意的自然风光中，表现艺术家的思想情感和美学追求。“舞台摄影”，是指以舞台演出为拍摄对象的一种摄影艺术形式，它一般需要较高的摄影造型技术，还需要摄影师对所拍摄的艺术表演有较全面的了解，能充分掌握舞台演出的风格样式、艺术特征，以及演员的表演特色，充分展现舞台艺术的风采和演员高超的表演水平。

“体育摄影”，是指以各种体育运动或竞赛中运动员的技术水平、健美姿态和优异成绩为拍摄对象的一种摄影艺术形式，为了适应体育运动一般均在快速度中进行的特点，体育摄影大多采用抓拍方式，并用较高的快门速度抓取动态，使作品具有高度的真实感和强烈的现场感。

“建筑摄影”，也是摄影艺术的一个品种，它是摄影师运用一定的摄影技术和手段，专门拍摄精心挑选出来的建筑物，将摄影美和建筑美结合起来的一种方式，建筑摄影需要摄影师懂得建筑艺术的基本规律和历史，认真观察和研究建筑物的特点，选择最理想的拍摄位置、角度和光线，通过建筑物的形体、质感和色调等特征，充分体现建筑物特有的社会文化内涵和科学技术水平，形象地展现建筑美。

摄影艺术自诞生以来，在世界各国出现了各种不同的风格和流派，其中最主要的有：

绘画主义摄影，从 19 世纪中叶起源于英国，很快传世界各国，成为摄影艺术史上最早形成、影响最广的一个流派，它在创作上追求绘画效果，作品形式从构图布局到用光影调阴极严谨的法则，该派曾风行一时。

纪实主义摄影，至今仍是摄影艺术中最重要的一个流派，该派从照相机能起初还原客观事物形貌的特点出发，强调摄影的纪实性，注重直接而逼真地再现客观现实生活，崇尚质朴无华的艺术风格。

印象主义摄影，它是美术上印象主义思潮在摄影艺术领域的反映，主张摄影艺术应当表现摄影者的瞬间印象和独特感受，讲究形式美和装饰性，追求在摄影作品中达到一种朦胧模糊的画意效果，尤其注重色彩与光线的表现。

超现实主义摄影，是现代主义摄影流派之一，其美学思想与超现实主义绘画基本相同，在创作时常利用剪贴和暗房技术为主要的造型手段，采用叠印叠放、多重暴光、怪诞变形、任意夸张等手法，将“超现实的神秘世界”作为表现对象。除此之外，西方现代派摄影还有抽象派摄影、前卫派摄影等。

（4）书法艺术。书法艺术是中华民族特有的一种传统艺术形式，它主要通过汉字的用笔用墨、点画结构、行次章法等造型美，来表现人的气质、品格和情操，从而达到美学的境界。形式上，它是一门刻意追求线条美的艺术；内容上，它是一门体现民族灵魂的艺术。书法最早也是一门实用艺术。书法最初只是用于人们书写文字的日常活动，只是发展到后来才逐渐成为一种独立的艺术门类。当然，由于今天日常生活中人们已经很少使用毛笔来书写普通文字，使得书法的观赏性越来越实用性，书法作为一门造型艺术的作用日益突出。此外，中国书法同绘画之间有着不可分割的历史渊源，“书画同源”正是对这两门姊妹艺术的形象概括，因此，造型性可以说是书法艺术与生俱来的最重要特点。

中国书法建立在中国文字（汉字）的基础之上。迄今为止，世界上还只有汉字的书写真正成为一门艺术。关于汉字的起源问题，历史上有多种传说，如结绳说、画卦说、仓颉造字说等。但是，一般认为，汉字的生产是以象形为基础演化的。虽然汉字有象形、指事、会意、形声、转注、假借等六种基本方法和功能，但毫无疑问，象形是基础，“书画同源”这也正是汉字能够产生书法艺术的重要原因。当然，在象形的基础上，汉字后来继续发展，形成了一定的形式法则和规律，这是汉字作为艺术的生命所在。中国书法是中华民族美经验的集中表现，在中国艺术史上占有特殊的地位。中国书法艺术甚至影响到日本、新加坡、朝鲜、泰国等国，人们把它称为东方艺术的核心。

中华民族书法艺术随时代发展，也体现出各种书体不断发展的演变过程。总体上讲，汉字书法可分为五种书体，即：篆书、隶书、楷书、行书和草书。其基本技法和表现形式，主要是用笔、用墨、结构、章法、韵律、风格等几个方面。书法艺术对于陶冶人的情趣具有巨大的作用。在创作欣常书法作品时，不仅能给人带来愉悦和满足，而且常常使人们潜移默化地受到熏陶，使审美情趣得到陶冶与提高。此外，书法艺术对创造社会美的环境也有不容忽视的作用，例如名胜古迹区内，众多的碑文铭记、摩崖石刻等重要文化遗产，更是具有艺术鉴赏和历史文化的价值，体现出书法艺术的独特魅力。

造型艺术的审美特征：

（1）造型性与直观性。造型艺术最基本的特征就是造型性。它是指艺术家运用一定的物质材料，塑造出欣赏者可以通过感官直接感受到的艺术形象。绘画是用线条、色彩在二度空间里塑造形象，摄影是用影调、色调在二度空间里创造形象，雕塑则是用泥土、木石在三度空间里创作出具有实在物质性艺术形象，书法则是通过笔墨、布白、结构、用笔来创造神采，呈现精神气韵。它们的共同特点都是以塑造客观事物的形象来作为基本的表现方式，所以说，造型性是这类艺术最基本的特征。

直观性，或称视觉性，也是造型艺术的重要特征之一，它是由造型性派生出来的。造型艺术所塑造的艺术形象，不论是一幅绘画，一件雕塑，或者一幅摄影作品、一件书法作品，都是直接诉诸欣赏者的眼睛，凭借视觉感来感受的。这个特征，使造型艺术同文学、音乐等其它艺术门类区别开来。

（2）瞬间性与永固性。造型艺术要反映客观现实生活，就必须找到恰当的表现方式，也就是在动和静的交叉点上，抓住客观事物发展变化的某一瞬间形象，将它用物质材料和艺术语言固定下来，这就是造型艺术瞬间性的特点。如何造取事物运动变化过程中最精彩的瞬间，成为画家、雕塑家、摄影家们创作过程中至关重要的一个问题，也成为美学家、艺术家们十分关注的一个课题。由于造型艺术必须采用物质材料和艺术语言将事物发展变化的典型瞬间固定下来，使得造型艺术在具有瞬间性特点的同时，也具有了永固性的特点。所谓永固性，就是指造型艺术的瞬间形象一旦被创作出来，也就同时被物质材料固定下来，可以供人们多次欣赏，甚至可以千百年流传下去。相比之下，舞蹈、曲艺、戏剧、戏曲等表演艺术或综合艺术则不能够将艺术形象物化固定下来，只能一次次表演来创造形象，在录音录像等现代化传播技术发明之前，它们也无法流传后世。正因为如此，流传至今的原始艺术作吕，其中相当数量是绘画、雕塑等造型艺术作品。造型艺术的永性，使这些古的艺术品能够被若干年后的现代人所欣赏。（3）再现性与表现性。造型艺术的基本特征是再现性空间艺术，再现性自然成为它最重要的审美特点之一。但是，造型艺术同样要表现形象的内在意蕴，表现艺术家的情感，因此，表现性也是造型艺术一个重要的审美特征。造型艺术中，摄影可以最逼真地再现现实生活中的人物、事物和景物。摄影作品被当全真实可造的历史文献，具有认识和审美双重价值，成为珍贵的文献资料。造型艺术离不开表现性，需要通过艺术作品来表现艺术家的思想情感与审美追求。

二、本章的重点和难点

1．造型艺术与实用艺术的联系和区别。

联系：它们都属于空间艺术，并且都是以平面或立体的方式，用物质材料创造出静态的艺术形象，使人们凭借视觉感就可以直接感受到。由于二者的联系如此紧密，有时人们又常把它们归为一类，干脆将它们统统称之为美术，或者称之为视觉艺术。

区别：造型艺术(绘画、雕塑、摄影、书法)的基本特征是造型性，通过再现和塑造外部形象来体现内在的精神世界，它的表现性潜藏于再现性之中，因而，这类艺术属于再现性空间艺术。实用艺术(建筑、园林、工艺美术与现代设计)的基本特征却是表现性，通过美的形式来表现艺术家的思想情感和丰富的文化内涵，它并不直接模拟或再现客观对象，因而，这类艺术属于表现性空间艺术。除此之外，二者之间还有一个重要区别，即造型艺术主要具有审美功能，满足观赏者的精神需要；实用艺术兼有实用功能与审美功能，同时满足人们的物质需要和精神需要。

2． 绘画艺术。3．中国画的特点：

第一，表现在工具材料上，往往采用中国特制的毛笔、墨或颜料，在宣纸或绢帛上作画。因此，中国画又可称之为“水墨画”或“彩墨画”。第二，在构图方法上不受焦点透视的束缚，多采用散点透视法(即可移动的远近法)，使得视野宽广辽阔，构图灵活自由，画中的物象可以随意列置，冲破了时间与空间的局限。中国画营造的空间多种多样，但其中最主要的有三种，即：全景式空间、分段式空间和分层式空间。

第三，绘画与诗文、书法、篆刻四者有机地结合在一起，相互补充，交相辉映，形成了中国画独特的内容美和形式美，也形成了中国画特有的诗、书、画、印交相辉映的特色。

第四，中国画的特点来源于中华民族悠久的传统文化和丰富的美学思想。中国画的传统画法有工笔画，也有写意画。前者用笔细致工整，结构严谨，无论人物或景物都刻画得十分具体入微；后者笔墨简练，高度概括，洒脱地表现物象的形神和抒发作者的感情。不管是工笔画，还是写意画，在处理形神关系时都要求“神形兼备”，在造型和意境的表达上都要求“气韵生动”。中国画总体上的美学追求，不在于将物象画得逼真、肖似，而是通过笔墨情趣抒发胸臆、寄托情思。

4．雕塑艺术的种类、体裁和样式。5．西方雕塑史上四个高峰期。

第一个高峰是古希腊罗马时期，雕塑艺术便已达到了相当高的水平。公元前 5 至公元前 4 世纪的希腊雕刻艺术的繁荣时期，出现了米隆、菲狄亚斯等一批杰出的雕塑家。米隆的代表作《掷铁饼者》和菲狄亚斯的名作《命运三女神》，都是举世瞩目的佳作。约作于公元前一二世纪的古希腊雕刻著名作品《维纳斯像》，也称《米洛斯的阿芙罗狄特》，因 18 20 年发现于爱琴海中的米洛斯岛而得此名，巴黎罗浮宫将它和该馆收藏的《米洛斯的阿芙罗狄特》、达?芬奇的《蒙娜丽莎》并称为罗浮宫三宝。

第二高峰，被称为意大利文艺复兴“三杰”之一的米开朗基罗，就是成就斐然的雕塑家、画家和建筑师，米开朗基罗的成名作《哀悼基督》取材于基督被害后，圣母对儿子的殉难表示深切哀悼的宗教故事，由于米开朗基罗完成这件作品时只有 25 岁，许多人不相信这是出自一位年轻雕刻家之手，为此他不得不把自己的姓名刻在圣母胸前的衣带上，这就是为什么唯独这件作品留下了雕刻家姓名的缘故。此外，他为故乡佛罗伦萨创作的大理石雕像《大卫》，成为文艺复兴时代英雄的象征，他为美弟奇教堂设计的大理石雕刻《晨》、《暮》、《昼》、《夜》是一组寓意深刻的作品，他的其他作品如《摩西》等，也都是世界雕刻史上的不朽作品。

第三个高峰，当属19世纪法国雕塑。其代表人物为吕德，为巴黎凯旋门创作了巨形浮雕《马赛曲》；现实主义流派大师罗丹更是以《巴尔扎克像》、《思想者》、《地狱之门》等一大批优秀作品，将西方雕塑艺术推向新的高峰。第四个高峰，是20世纪西方雕塑，代表人物有法国著名雕塑家马约尔，以及现代主义雕塑家、法国的阿尔普和英国的亨利.摩尔等为代表，他们拓展了雕塑的观念，探索新的雕塑语言。

6．摄影艺术的样式和体裁。按感光材料和画面颜色，可以分为黑白摄影和彩色摄影；按摄影器材和技术，又可以分为航空摄影、水下摄影、全息摄影、红外线摄影等；按题材分，还可以分为肖像摄影、风光摄影、舞台摄影、体育摄影、建筑摄影等。

7．摄影艺术的风格和流派：

绘画主义摄影，从 19 世纪中叶起源于英国，很快传世界各国，成为摄影艺术史上最早形成、影响最广的一个流派，它在创作上追求绘画效果，作品形式从构图布局到用光影调阴极严谨的法则，该派曾风行一时。

纪实主义摄影，至今仍是摄影艺术中最重要的一个流派，该派从照相机能起初还原客观事物形貌的特点出发，强调摄影的纪实性，注重直接而逼真地再现客观现实生活，崇尚质朴无华的艺术风格。

印象主义摄影，它是美术上印象主义思潮在摄影艺术领域的反映，主张摄影艺术应当表现摄影者的瞬间印象和独特感受，讲究形式美和装饰性，追求在摄影作品中达到一种朦胧模糊的画意效果，尤其注重色彩与光线的表现。

超现实主义摄影，是现代主义摄影流派之一，其美学思想与超现实主义绘画基本相同，在创作时常利用剪贴和暗房技术为主要的造型手段，采用叠印叠放、多重暴光、怪诞变形、任意夸张等手法，将“超现实的神秘世界”作为表现对象。除此之外，西方现代派摄影还有抽象派摄影、前卫派摄影等。

7．书法艺术。

8．造型艺术的审美特征：（1）造型性与直观性。（2）瞬间性与永固性。（3）再现性与表现性。

三、本章小结

中国画与西方绘画各有自己的历史传统和基本特征。雕塑艺术更是在三度空间里创造出立体的形象。摄影艺术是一门建立在现代科学技术基础上的纪实性造型艺术。书法艺术则是中华民族特有的一种传统艺术样式。

造型艺术具有造型性与直观性、瞬间性与永固性、再现性与表现性等美学特征。

四、本章中的重要概念 1． 造型艺术 2． 绘画艺术 3． 中国画 4． 雕塑艺术 5． 摄影艺术 6． 书法艺术

五、本章的“思考与练习”

（1）简要阐释造型艺术的主要种类，即绘画、雕塑、摄影艺术、书法艺术等。

（2）如何理解造型艺术的主要审美特征？

（3）从哪几方面说中国画在世界美术领域中自成体系、独具特色？（4）指出标志中外雕塑艺术的辉煌成就的几个高峰时期。（5）摄影艺术的美学特征与表现手法是什么？（6）书法艺术的基本技法和表现形式是什么？

六、“思考与练习”解题思路

（1）中国画与西方绘画各有自己的历史传统和基本特征。雕塑艺术更是在三度空间里创造出立体的形象。摄影艺术是一门建立在现代科学技术基础上的纪实性造型艺术。书法艺术则是中华民族特有的一种传统艺术样式。

（2）造型艺术具有造型性与直观性、瞬间性与永固性、再现性与表现性等美学特征。

（3）中国画，简称国画，在世界美术领域中自成体系，独具特色，成为东方绘画体系的主流。其特点主要表现在以下四个方面：第一，表现在工具材料上，往往采用中国特制的毛笔、墨或颜料，在宣纸或绢帛上作画。因此，中国画又可称之为“水墨画”或“彩墨画”。第二，在构图方法上不受焦点透视的束缚，多采用散点透视法(即可移动的远近法)，使得视野宽广辽阔，构图灵活自由，画中的物象可以随意列置，冲破了时间与空间的局限。中国画营造的空间多种多样，但其中最主要的有三种，即：全景式空间、分段式空间和分层式空间。第三，绘画与诗文、书法、篆刻四者有机地结合在一起，相互补充，交相辉映，形成了中国画独特的内容美和形式美。第四，中国画的特点来源于中华民族悠久的传统文化和丰富的美学思想。

（4）略。

第三篇：艺术的本质与特征

第一章 艺术的本质与特征

一、本章需要掌握的重要概念

1．客观精神说

2．主观精神说

3．模仿说（再现说）

4．形象性

5．主体性

6.审美性

二、本章的“思考与练习”

（1）回答艺术史上对艺术本质的几种主要看法。

（2）为什么说马克思“艺术生产”理论是解决艺术本质问题的科学理论基础？

（3）艺术的主要特征是什么？

（4）结合自身的艺术实践经验来理解和认识艺术的基本特征。

三、“思考与练习”解题思路

（1）中外艺术史上，对于艺术本质主要有“客观精神说”、“主观精神说”、“模仿说”(“再现说”)等三种代表性的观点。

（2）马克思“艺术生产”理论将艺术看作是一种特殊的精神生产，为解决艺术本质问题奠定了科学的理论基础。

（3）艺术形象是客观与主观、内容与形式、个性与共性的统一。艺术创作、艺术作品与艺术鉴赏均具有主体性的特点。艺术的审美性是人类审美意识的集中体现，是真、善、美的结晶，艺术的审美性体现为内容美和形式美的统一。

（4）略。

第二章 艺术的起源

一、本章需要掌握的重要概念

1．“模仿说”

2．“游戏说”

3．“表现说”

4．“巫术说”

5．“生产劳动说”

二、本章的“思考与练习”

（1）关于艺术起源的五种观点是什么？

（2）如何理解艺术起源与人类实践活动的密切关系？

（3）你是怎样认识艺术起源的多元决定论的？

（4）如何理解艺术产生于非艺术，实用价值先于审美价值，艺术起源于人类社会实践的历史发展之中？

三、“思考与练习”解题思路

（1）关于艺术的起源有多种说法，其中影响较大的主要是：①“模仿说”、②“游戏说”、③“表现说”、④“巫术说”、⑤“生产劳动说”等五种。

（2）每种说法都有一定的道理，但又都不够全面。要有具体阐述（略）。

（3）艺术的起源或艺术的发生，经历了一个由实用到以巫术为中介，以劳动为前提的漫长历史发展过程，其中也渗透着人类模仿的需要、表现的冲动和游戏的本能。艺术的发生虽然是多元决定的，但是巫术说与劳动说更为重要。从根本上讲，艺术的起源最终应归结为人类的实践活动。

（4）略。

第三章 艺术的功能与艺术教育

一、本章需要掌握的重要概念

1．审美认知

2．审美教育

3．审美娱乐

4．艺术教育

5.美育

二、本章的“思考与练习”

（1）如何理解艺术具有多种多样的社会功能？

（2）为什么说艺术教育是美育的核心并具有极其重要的意义和作用？

（3）艺术教育的任务和目标是什么？

（4）为什么讲艺术的各种社会功能必须建立在审美价值的基础之上？

（5）简要概括德国18世纪著名美学家席勒的美育理论。

（6）艺术教育在当代社会生活中的重要意义是什么？

三、“思考与练习”解题思路

（1）艺术的社会功能有许多种，但其中最主要的是审美认知作用、审美教育作用、审美娱乐作用三种。

（2）艺术教育是美育的核心，也是素质教育的重要组成部分，它的根本目标是培养全面发展的人。在当代社会生活中，艺术教育尤其具有重要的意义与作用。艺术教育的根本任务和目标，是培养全面发展的人才。

（3）艺术教育的根本任务和目标，就是培养全面发展的人才。具体理解：一是普及艺术的基本知识，提高人的艺术修养。二是健全审美心理结构，充分发挥人的想象力和创造力。三是陶冶人的情感，培养完美的人格。

（4）艺术的多种社会功能也只有在审美价值的基础才能发挥作用。

（5）美育理论体系的建立，包括“美育”(即“审美教育”)概念，由 18 世纪德国美学家席勒正式提出。席勒在《美育书简》中，首次提出了“美育”这一概念，系统阐述了他的美育思想。席勒不限于仅仅从道德教育特殊方式的角度来看待美育，而是从自然与人、感性与理性等基本哲学命题出发，从改变近代人的存在方式，使人重新获得自由、和谐、全面的发展，实现人性的复归这一更加广阔的领域来论述美育。

（6）从广义上讲，“艺术教育”作为美育的核心，它的根本目标是培养全面发展的人，而不是为了培养专业艺术工作者。这种广义的“艺术教育”理论认为，世界上有各种不同的职业，俗话讲有三百六十行之多，但现代社会的人，不管他从事何种职业的工作，都不可能不涉及到艺术，他或者读小说，或者看电影，或者听音乐，或者看电视，或者欣赏舞蹈等等，总之，现代人必然涉及艺术，或多或少地与艺术有关。因此，广义的艺术教育强调普及艺术的基本知识和基本原理，通过对优秀艺术作品的评价和欣赏，来提高人们的审美修养和艺术鉴赏力，培养人们健全的审美心理结构。

第四章 文化系统中的艺术

一、本章需要掌握的重要概念

1．文化

2．哲学

3．宗教

4．科学

二、本章的“思考与练习”

（1）艺术与文化的关系是什么？如何理解艺术在人类文化中的地位与作用。

（2）如何理解艺术与哲学、宗教、道德、科学等彼此间的相互关联作用。

（3）如何理解文化大系统与子系统的关系？

（4）艺术在文化大系统中的地位是什么？

三、“思考与练习”解题思路

（1）艺术作为一种独特的文化形态或文化现象，在整个人类文化大系统中占有极其重要的地位。一方面，艺术参与和推动着人类文化的历史发展；另一方面，每个民族或时代的艺术又深深植根于这个民族或时代的文化土壤之中。

（2）哲学主要通过美学这一中介对艺术产生巨大的影响。最突出的例证，便是西方现代哲学对于西方现代派艺术所产生的巨大影响。

宗教对艺术的产生与发展都有过直接的影响，与此同时，形形色色的宗教艺术几乎遍及各个艺术门类，成为世界艺术史的重要组成部分。

道德与艺术的相互关系既体现在道德影响艺术，也体现在艺术影响道德。道德题材（家庭、婚姻、伦理等等）成为各门艺术永恒的主题。

艺术与科学之间既有密切的联系，又存在着一定程度的对立。现代科学技术的迅猛发展，更是对艺术产生了巨大的影响。

（3）人类文化大系统从文化结构来看，物质文化是基础，制度文化是中介，精神文化是核心。物质文化和制度文化，决定和制约精神文化。所以，经济、政治对于包括艺术在内的精神文化有着十分重要的作用。仅仅从精神文化内部来看，艺术同哲学、宗教、道德、科学之间，也是相互关联、彼此作用的。艺术与它们之间的这种相互关系表现在：一方面，艺术要受到哲学、宗教、道德、科学等其它精神文化的影响；另一方面，艺术也反过来影响着它们。

（4）艺术作为一种独特的文化形态或文化现象，在整个人类文化大系统中占有极其重要的地位。艺术的起源同人类文化的起源一样古老，从那时起，艺术作为文化的独特组成部分，就始终参与和推动着人 4 类文化的历史发展进程，体现和反映出人类文化的各个历史发展阶段。作为文化的独特组成部分，从另一方面来讲，艺术又必然受到文化大系统的制约。艺术作为文化大系统中的一个子系统，它只是整个文化的一个有机组成部分，是一种独特的社会文化范畴。文化系统的整体性决定了它所属的子系统，必然从属和依附于文化大系统。对于艺术来讲，社会文化大系统作为一种总的文化氛围或文化条件，直接制约着作家、艺术家和读者、观众、听众等每一个人“文化心理结构”的形成，从而间接对艺术的合作与欣赏产生巨大的影响。

一、本章的重点概念

1．实用艺术

2．建筑艺术

3．空间

4．形体

5．比例

6．均衡

7．节奏

8．色彩

9．装饰

10．园林艺术

11．世界三大园林体系

12．工艺美术

13．现代设计

14．产品设计

15．环境设计

16．视觉设计

二、本章的“思考与练习” 第五章 实用艺术

（1）艺术分类是最基本的6种方法分别是什么？

（2）说出实用艺术的主要种类。

（3）请简要阐释实用艺术的主要审美特征。

（4）结合自己的亲身经历，理解建筑艺术的民族性与时代性特征。

（5）为什么说在欣赏园林艺术时，不但要欣赏园林的自然美与建筑美，更应欣赏蕴藏其中的文化美。

（6）如何认识工艺美术品是中华民族文化艺术宝库的重要组成部分。

三、“思考与练习”解题思路

（1）略。

（2）从艺术分类的美学原则来看，可以将整个艺术区分为五大类别，即：实用艺术（建筑、园林、工艺美术与现代设计）、造型艺术、表情艺术、综合艺术、语言艺术。

（3）实用艺术具有实用性与审美性、表现性与形式美、民族性与时代性等美学特征。

（4）略。

（5）作为实用艺术之一，毫无疑问，园林艺术的基本特征同样是实用性与审美性、技术性与艺术性相结合。一般来讲，园林的实用功能主要就是供人们游憩玩赏，这种特殊的使用功能要求园林更加侧重于审美性和艺术性。特别是中国传统的园林艺术，更是成为我们民族文化宝库中的一个重要组成部分。中华民族文学艺术史上，古代许多动人的诗歌赋，往往是凭借着园林景物抒发出来的；许多流传至今的绘画，也是描绘园林的美景；许多文学作品同园林分不开，如《红楼梦》中的大观园等；甚至一些戏剧故事也是在园林中发生的，如明代汤显祖的代表作《牡丹亭》，女主人公杜丽娘正是在后花园观赏春色时，触景生情，感梦伤怀的。可见，中国的园林艺术同中国绘画、中国诗词、中国戏剧、中国文学等都有着紧密的联系，具有文化、历史、美学和艺术等多方面的价值。欣赏中国式园林，不但要注意欣赏它的自然美、建筑美，尤其要注意欣赏它的文化美。

（6）略。

第六章 造型艺术

一、本章中的重要概念

1． 造型艺术

2． 绘画艺术

3． 中国画

4． 雕塑艺术

5． 摄影艺术

6． 书法艺术

二、本章的“思考与练习”

（1）简要阐释造型艺术的主要种类，即绘画、雕塑、摄影艺术、书法艺术等。

（2）如何理解造型艺术的主要审美特征？

（3）从哪几方面说中国画在世界美术领域中自成体系、独具特色？

（4）指出标志中外雕塑艺术的辉煌成就的几个高峰时期。

（5）摄影艺术的美学特征与表现手法是什么？

（6）书法艺术的基本技法和表现形式是什么？

三、“思考与练习”解题思路

（1）中国画与西方绘画各有自己的历史传统和基本特征。雕塑艺术更是在三度空间里创造出立体的形象。摄影艺术是一门建立在现代科学技术基础上的纪实性造型艺术。书法艺术则是中华民族特有的一种传统艺术样式。

（2）造型艺术具有造型性与直观性、瞬间性与永固性、再现性与表现性等美学特征。

（3）中国画，简称国画，在世界美术领域中自成体系，独具特色，成为东方绘画体系的主流。其特点主要表现在以下四个方面：第一，表现在工具材料上，往往采用中国特制的毛笔、墨或颜料，在宣纸或绢帛上作画。因此，中国画又可称之为“水墨画”或“彩墨画”。第二，在构图方法上不受焦点透视的束缚，多采用散点透视法(即可移动的远近法)，使得视野宽广辽阔，构图灵活自由，画中的物象可以随意列置，冲破了时间与空间的局限。中国画营造的空间多种多样，但其中最主要的有三种，即：全景式空间、分段式空间和分层式空间。第三，绘画与诗文、书法、篆刻四者有机地结合在一起，相互补充，交相辉映，形成了中国画独特的内容美和形式美。第四，中国画的特点来源于中华民族悠久的传统文化和丰富的美学思想。

（4）略。

（5）摄影艺术独具的审美特征主要集中在纪实性与艺术性的统一上。

摄影艺术的纪实性，首先表现出来在它运用的科学技术手段能够逼真精确地将被摄对象再现出来，使得摄影作品具有客观性、真实性，给人以逼真感。

其次，这种纪实性还表现在它必须直接面对被摄对象进行现场拍摄，如实地反映现实生活中实际存在的人物、事伯和环境，摄影艺术又必须在纪实性的基础上具有艺术性，杰出的作品必然是纪实性与艺术性的完美统一。

摄影艺术形象的创造，首先需要摄影师熟练掌握摄影的艺术技巧和艺术语言，熟练用画面构图、光线、影调(或色调)三种主要造型手段。

（6）书法艺术是中华民族特有的一种传统艺术形式，它主要通过汉字的用笔用墨、点画结构、行次章法等造型美，来表现人的气质、品格和情操，从而达到美学的境界。

形式上，它是一门刻意追求线条美的艺术；

内容上，它是一门体现民族灵魂的艺术。书法最早也是一门实用艺术。书法最初只是用于人们书写文字的日常活动，只是发展到后来才逐渐成为一种独立的艺术门类。

此外，中国书法同绘画之间有着不可分割的历史渊源，“书画同源”正是对这两门姊妹艺术的形象概括，因此，造型性可以说是书法艺术与生俱来的最重要特点。

第七章 表情艺术

一、本章中的重要概念

1． 表情艺术

2． 音乐艺术

3． 声乐

4． 器乐

5． 旋律

6． 节奏

7． 和声

8． 交响乐

9． 舞蹈艺术

10． 抒情性

11． 表现性

12． 表演性

13． 形象性

14． 节奏性

15． 韵律美

二、本章的“思考与练习”

（1）表情艺术的主要种类有哪些？

（2）如何理解表情艺术的主要审美特征。

（3）如何通过自己的亲身体会，理解音乐舞蹈的抒情性与表现性，从而加深对表情艺术的理解和认识。

（4）怎样欣赏交响乐？

三、“思考与练习”解题思路

（1）包括音乐与舞蹈，能够最直接、最强烈地抒发和表现内心情感。音乐的分类方法很多，一般可将其分为声乐和器乐两大类。音乐的艺术语言和表现手段非常丰富。中西方音乐均有着悠久的历史。舞蹈也有多种分类，特别是艺术舞蹈、民族民间舞蹈、芭蕾舞和现代舞需要多加关注。

（2）表情艺术具有抒情性与表现性、表演性与形象性、节奏性与韵律美等审美特征。

（3）略。

第八章 综合艺术

一、本章中的重要概念

综合艺术

戏剧艺术

悲剧

戏曲艺术

电影艺术

蒙太奇

电视艺术

独特性

情节性

主人公

文学性

表演性

二、本章的“思考与练习”

（1）怎样认识综合艺术包括话剧、戏曲、电影、电视艺术等主要种类的特点。

（2）如何理解综合艺术的主要审美特征。

（3）中国戏曲独具的审美特征是什么？

（4）为什么说世界电影艺术发展史上三次重大变革均与现代科技的发展有着十分密切的联系？

（5）简要说明电视艺术的分类。

（6）通过西方话剧与中国戏曲的比较，阐释它们作为综合艺术的共性，各自具有的审美特性。

（7）阐述影视艺术基本的艺术语言、表现手法、文化特征和艺术特征。

三、“思考与练习”解题思路

（1）戏剧艺术历史悠久、种类繁多，仅西方话剧史上的悲剧，就有“命运悲剧”、“性格悲剧”、“社会悲剧”、“现代悲喜剧”等多种类型。

中国戏曲是世界上三种历史最悠久的戏剧艺术之一，戏曲艺术具有综合性、虚拟性、程式化的审美特征。

影视艺术是现代科技与艺术相结合的产物，也是当代最具有影响力的大众艺术。

（2）综合艺术具有综合性与独特性、情节性与主人公、文学性与表演性等美学特征。

（3）—（7）题请同学们参考本书有关部分做出归纳概括。

第九章 语言艺术

一、本章的重要概念

1．诗歌

2．抒情诗

3．叙事诗

4．格律诗

5．自由诗

6．散文

7．抒情散文

8．叙事散文

9．议论散文

10． 小说

11． 人物

12． 情节

13． 环境

二、本章的“思考与练习”

（1）语言艺术的主要体裁是什么？

（2）怎样理解语言艺术的主要审美特征。

（3）说出诗歌的分类方法。

（4）散文的重要特征主要是什么？

（5）小说的“三要素”的内涵是什么？

三、“思考与练习”解题思路

（1）文学采用语言作为媒介和手段，从而与其他艺术在性质上产生了重大的区别。作为语言艺术的文学，本身是一个艺术种类，它又可被分为诗歌、散文、小说、剧本等各种不同的体裁或样式。

（2）由于文学以语言作为媒介和手段，使得语言艺术形成了许多自身独具的审美特征，集中体现在情感性与思想性、间接性与广阔性、结构性与语言美等几个方面。

（3）诗歌分类方法多种多样，可从不同角度进行分类。一般情况下，按照作品的性质和塑造形象的方式不同，可分为抒情诗和叙事诗；按照诗歌的历史发展和语言有无格律，又可分为格律诗和自由诗。

（4）一方面是自由灵活，另一方面体现在形散而神不散。

（5）主要包括人物、情节和环境。

第十章 艺术创作

一、本章的重要概念

艺术创作主体——艺术家

艺术创作过程

形象思维

抽象思维

灵感思维

艺术风格

艺术流派

艺术思潮

二、本章的“思考与练习”

（1）艺术家作为艺术创作的主体的主要特点有哪些？

（2）如何理解艺术创作的过程的几个阶段？

（3）解释艺术创作心理。

（4）简要阐释艺术风格、艺术流派和艺术思潮。

（5）如何理解形象思维的三个特点。

（6）什么叫无意识？

（7）艺术风格多样性的原因是什么？

（8）艺术流派形成的三种类型是什么？

（9）后现代主义与现代主义的比较。

三、“思考与练习”解题思路

（1）艺术家是艺术生产的创造者，艺术家至少具有五个方面的特点。作为艺术创作的主体，艺术家与社会生活有着十分密切的关系。艺术家应当具有艺术才能与文化修养。

（2）艺术创作过程大致可分为艺术体验、艺术构思、艺术传达这样三个阶段。

（3）艺术创作心理中，以意识活动为主，但也有无意识活动；既以形象思维为主，又离不开抽象思维和灵感思维，使得艺术创作心理蕴藏着多种心理因素。

（4）艺术风格是指艺术家在创作总体上表现出来的独特的创作个性与鲜明的艺术特色。艺术流派则是指创作方法和表现风格方面相似或相近的艺术家们所形成的艺术派别。几个或多个艺术流派则形成了艺术思潮。

艺术意境与艺术典型二者之间既有区别，又有联系。意境在景物中也有人物，意境的产生本身就是情景交融的结果，它一方面以自然景物的意象描述为主，另一方面也必然熔铸进艺术家的思想情感和美学情趣。简言之，如果说典型是在主客体统一中侧重于客体，那么意境却是在主客体统一中侧重于主体；前侧重于塑造人物形象，后者侧重于抒发艺术家自己的情感。虽然典型与意境二者之间有着明显的区别，但二者至少在有一点上是共同的或一致的，即，它们都是在有限的艺术形象中，体现出无限的艺术意蕴。艺术典型是在个别的有限艺术形象中，体现出无限的艺术意蕴。

（5）艺术意蕴，是指深藏在艺术作品中内在的含义或意味，常常具有多义性、模糊性和朦胧性，体现为一种哲理、诗情或神韵，经常是只可意会，不可言传，需要欣赏者反复领会、细心感悟，用全部心灵去探究和领悟，它也是文艺作品具有不朽的艺术魅力的根本原因。

第一，艺术意蕴从一定意义上来讲，就是艺术作品蕴藏的文化涵义和人文精神。

第二，艺术意蕴就是指艺术作品应当在有限中体现出无限，在偶然中蕴藏着必然，在个别中包含着普遍。

第三，艺术作品中的这种深层意蕴，有时由于具有多义性和模糊性，不但欣赏者意见纷纷、各说不一，甚至有时连艺术家自己也说不明白。

第四，艺术作品中的这种意蕴，并不完全是由艺术形象体现出来的主题思想。

第五，在艺术作品的层次构成中，任何一个作品都必须具有前两个层次，即艺术语言和艺术形象。作为第三个层次的艺术意蕴，（6）-（9）的解答请同学们参考本书有关部分自己思考、归纳。

第十一章 艺术作品

一、本章需要掌握的重要名词

1．艺术语言

2．艺术形象

3．视觉形象

4．听觉形象

5．文学形象

6．综合形象

7．艺术意蕴

8．典型

9．意境

二、本章的“思考与练习”

（1）从哪几方面说艺术作品是一个完整的有机体？

（2）从中外优秀艺术作品的赏析来理解典型与意境。

（3）如何理解中国传统艺术精神。

（4）解析艺术意境与艺术典型之间的不同与联系。

（5）什么是艺术意蕴。

（6）试通过唐代三位著名诗人的比较，了解儒、道、禅三家美学对中国传统文学艺术的影响。

三、“思考与练习”解题思路

（1）如果对艺术作品进行分析，我们会发现文字、声音、线条、色彩、画面等构成了艺术语言的层次；艺术形象的层次则可区分为视觉形象、听觉形象、综合形象与文学形象等；优秀的艺术作品应当具有第三个层次，即艺术意蕴，它是作品具有不朽艺术魅力的根本原因。

（2）典型，又称典型人物、典型性格或典型形象，是指艺术作品中塑造得成功的人物形象。

意境是一种情景交融的境界，它是若有若无的朦胧美、有限无限的超越美和不设不施的自然美。

（3）中国传统艺术深深植根于中华民族传统文化丰厚土壤之中，体现出中华民族的文化心理和审美意识。中国传统艺术精神十分丰富，可大致将其概括为：道、气、心、舞、悟、和等六个方面。

（4）艺术意境与艺术典型二者之间既有区别，又有联系。意境在景物中也有人物，意境的产生本身就是情景交融的结果，它一方面以自然景物的意象描述为主，另一方面也必然熔铸进艺术家的思想情感和美 学情趣。简言之，如果说典型是在主客体统一中侧重于客体，那么意境却是在主客体统一中侧重于主体；前侧重于塑造人物形象，后者侧重于抒发艺术家自己的情感。尤其需要指出的是：虽然典型与意境二者之间有着明显的区别，但二者至少在有一点上是共同的或一致的，即：它们都是在有限的艺术形象中，体现出无限的艺术意蕴。艺术典型是在个别的有限艺术形象中，体现出无限的艺术意蕴。艺术典型是在个别的人物形象身上体现出共性、普遍性和本质必然性，艺术意境则是在情景交融的境界中让人们领悟出无穷的“象外之象，景外之景”，从有限中把握无限，正是艺术的极致境界。

（5）艺术意蕴，是指深藏在艺术作品中内在的含义或意味，常常具有多义性、模糊性和朦胧性，体现为一种哲理、诗情或神韵，经常是只可意会，不可言传，需要欣赏者反复领会、细心感悟，用全部心灵去探究和领悟，它也是文艺作品具有不朽的艺术魅力的根本原因。第一，艺术意蕴从一定意义上来讲，就是艺术作品蕴藏的文化涵义和人文精神。第二，艺术意蕴就是指艺术作品应当在有限中体现出无限，在偶然中蕴藏着必然，在个别中包含着普遍。优秀的艺术作品总是通过生动感人的艺术形象，来传达出深刻的人生哲理或思想内涵。第三，艺术作品中的这种深层意蕴，有时由于具有多义性和模糊性，不但欣赏者意见纷纷、各说不一，甚至有时连艺术家自己也说不明白。第四，艺术作品中的这种意蕴，并不完全是由艺术形象体现出来的主题思想。第五，在艺术作品的层次构成中，任何一个作品都必须具有前两个层次，即艺术语言和艺术形象。作为第三个层次的艺术意蕴，则并不是每一个艺术作品都必须具有，某些偏重于娱乐性、功利性或纪实性的作品，常常就不存在这一层次。艺术作品的这三个层次具有相对独立的意义，其中每一个层次都有着自身的审美价值，人们在欣赏艺术作品时都会感受到。真正优秀的艺术作品，总是在这三个方面都卓有成就，并且将这三个层次有机融合为一个整体。从某种意义上讲，这样的作品才是传世不朽的艺术作品。

（6）略。

第十二章 艺术鉴赏

一、本章中重要的名词、概念

1．艺术鉴赏

2．注意

3．感知

4．联想

5．想象

6．理解

7．审美直觉

8．审美体验

9．审美升华

二、本章的“思考与练习”

（1）艺术鉴赏的意义与作用是什么？

（2）什么是接受美学？

（3）如何培养和提高艺术鉴赏力？

（4）阐释艺术鉴赏的审美心理。

（5）阐释艺术鉴赏的审美过程。

（6）艺术批评的作用和特征。

三、“思考与练习”解题思路

（1）艺术鉴赏是一种审美的再创造活动。

（2）接受美学认识艺术接受是整个艺术活动的有机组成部分。

（3）艺术鉴赏力的培养与提高需要经过多方面的努力。

（4）艺术鉴赏的审美心理中包含着注意、感知、联想、想象、情感、理解等基本要素，形成了动态的审美心理结构。

（5）艺术鉴赏是一个完整的、动态的审美过程，但它在一定程度上可以区分为审美直觉、审美体验和审美升华三个阶段。

（6）艺术批评的第一个作用就是帮助人们更好地鉴赏艺术作品，提高鉴赏能力和鉴赏水平。艺术批评的第二个作用就是通过对艺术作品的评价，形成对艺术创作的反馈。艺术创作是一种复杂的精神生产，艺术家需要广大读者、观众、听众和批评家的帮助，才能深刻地认识自己，不断地提高自己，敢于攀登艺术的高峰。艺术批评的第三个作用就是丰富和发展艺术理论，推动艺术科学的繁荣发展。

艺术批评的特征，一方面，艺术批评具有科学性。艺术批评家需要在艺术鉴赏的基础上，运用一定的哲学、美学和艺术学理论，对艺术作品和艺术现象进行分析与研究，并且做出判断与评价，为人们提供具有理论性和系统性的知识。另一方面，艺术批评又应当具有艺术性。艺术批评作为一门特殊的科学，与其它的科学不同，它既需要冷静的头脑，也需要强烈的感情，既离不开理性的分析，更离不开艺术的感受。从某种意义上讲，艺术批评是一门科学，也是一种文艺体裁。优秀的艺术批评文章不仅应当逻辑清晰、论证严谨，而且应当文字优美、生动感人，给人们一种特殊的美感享受。