美术鉴赏

第一篇：美术鉴赏

美术鉴赏（外国）

这张是梵高最富盛名的《向日葵》，曾几何时这张画是梵高的象征，让大家一看到这张画就想到了梵高，以至于曾经的我一直以为梵高就画过这一幅画。

这幅画是把后印象主义的特征表现到了极致了，强烈的色彩对比和不拘一格的构图，以及渴望将自己所有内心实感表现到油布上的冲动。

这幅《在阿尔勒卧室》，就是那十幅风景画之外的又一幅佳作。从这幅作品中我们可以看到梵高在尽力营造一种紧张的氛围，构图极为的紧凑，颜色也是如统一的一股力量般。画面中还有一个特别的地方，就是所有的物体都没有投影，给我们一种失重的感觉，这也应该是梵高可以安排的，为的是让画面更为紧张。

《有乌鸦的麦田》曾经被认为是梵高最后的一幅作品，但具体是怎样也是众说纷纭无法得出一个正确的结论。但不管它是不是梵高的最后一件作品，我们能在画面中看到的是这样一幅场景，黑压压的天空压着金黄的麦浪，沉重的让人透不过气来，一群狂躁的乌鸦配合激荡的笔触，更是加重了画面的压迫感。由此可见当时作者是极度的压抑和痛苦

这是由一个触目惊心的、狂暴的、尤其是缺乏色彩的形体所构成的画面；这色彩是指光影和立体感，也正是由於缺乏这一点，它就象征着死亡。这死亡不仅是轰炸受难者的死亡，而且也是文明的死亡。《格尔尼卡》毕加索

此画描写了画家在画女模特儿的情景。右侧的裸女坐在地上，画家坐在椅子上聚精会神地作画。背景简略，人 物充满画面。画家完全以自我的立体派面貌来表现对象，他将人体拉长、压扁、扭曲、调位，从而获得了令人惊骇 的艺术效果。

《赤脚的女孩》这幅画并不纯粹以技法取胜，难得的是毕加索在那样一个年龄却着力捕捉同龄模特儿的内在气质和生命，从结果来看他的努力亦非常成功。所以，表现在画中的强烈的视觉和情感对比才是这幅画引人入胜之处。毕加索本人对《赤脚女孩》也相当满意，一直将它保留在身边。

大师在画丽莎时，是用真诚而纯洁的情感去描绘的，他用对母亲和情人的双重情感来尽情描绘此人的肖像。不仅如此，他还把她作为一种理想，一种美的象征，作为人类世界的欢乐和光明来描绘

《最后的晚餐》是基督教新约圣经记载的最重要的事件之一，几乎被所有宗教画家描绘过。但在达·芬奇为米兰格雷契寺院食堂画《最后的晚餐》是意大利画家达·芬奇于1495－1497年费时三年为一所修道院的餐厅所作的壁画。这幅画着重刻划耶稣的门徒在听到主说“你们中间有一个人要卖我了”的时候所表露出来的不同的心理反应。

在拉斐尔过去创造的圣母中，总是极力追求美丽、幸福、完好无缺、更多地具有母亲和情人的精神气质和形象。而这幅《西斯廷圣母》是在更高的起点上塑造了一位人类的救世主形象：她决心以牺牲自己的孩子，来拯救苦难深重的世界。

拉斐尔的《雅典学院》便是唱出引人的自觉和清醒理智的赞歌。而且在构图上还巧妙地利用建筑的特点,把画面上背景,建筑物的透视和前面真实建筑物的半圆拱门连接起来,扩大了壁画的空间效果,使建筑物显得更加宽敞,壮丽。

这幅作品描绘的是透过薄雾观望日出的景象，直接戳点的绘画笔触描绘出晨雾中不清晰的背景，多种色彩赋予了水面不同的光辉。真实的描绘了法国海港城市的光与色给画家的印象。

莫奈神往于光线穿过玻璃顶棚射向蒸汽烟云的效果，莫奈相信光线和空气的神奇效果是最为重要的，他巧妙的平衡了画面的调子和色彩，这幅画充分的表现了力量、空间、对比、和运动。

在《穿红背心的少年》中，男孩的形象占满整个画面，他那呈弓形的身躯是整个构图中主要的构成要素。这一形象被牢牢地限定在一个紧密的空间结构中——左侧被窗帘的斜线限定；上端被后部墙上的水平线框住；而右侧则被那三角形的深颜色所限制。弧形的手臂与弧形的身体彼此协调。全画形、色、点、线等因素，均按一定的理性秩序一起组构。为求得画面结构的妥贴与和谐，画家有意改变客观形象的外形及比例。

《大宫女》依照对角线安排裸女身躯，一条长长的流利曲线，从背部延伸到脚下，在趁于圆润的长长玉臂，生动的描绘出美妙的形体。

在1917年，杜尚将一个从商店买来男用小便池起名为《喷泉》，匿名送到美国独立艺术家展览要求作为艺术品展出，成为现代艺术史上里程碑式的事件。杜尚之所以把小便池命名为《喷泉》，除了他确实是水淋淋的外表之外，也是对艺术大师们所画的《泉》的讽刺。

野兽派核心画家马蒂斯的《舞蹈》，色彩和线条就像词语之间激情的结合，体现着色和构图结合的情趣。线条是舞蹈流动的痕迹，而色彩使得抽象画面更为干净。线条和色块在马蒂斯那里非常合乎美感地融合起来，它所产生的空间感让舞者有了自由舞蹈的姿态。五个舞者相互协作，群舞的一致性让舞蹈自然产生生命感和由此带来的喜悦。

达利运用他那熟练的技巧精心刻画那些离奇的形象和细节，创造了一种引起幻觉的真实感，令观众看到一个在现实生活中根本看不到的离奇而有趣的景象，体验一下精神病人式的对现实世界秩序的解脱。

《两艘驳船》

德朗想把凡·高、高更、塞尚的因素与印象主义、新印象主义因素融会贯通于自己的创作中，这使他的野兽主义带有明显的折衷成分。在这幅画中画家赋予了色彩以独立的地位，明亮的红、黄、蓝、绿等色彩构成了强烈而和谐的对比。画中色彩具有爆炸的耀眼光芒，令观者振奋。但是他的艺术表现、空间处理和造型并没有脱离古典法则，色调也类似新印象主义，看得出画家想把传统与现代结合在一起的愿望。

《下楼的裸女》：曾被讥为“木材厂大爆炸”。杜尚的这幅作品被认为是未来主义的先驱之作。在这幅作品中，人们看不见什么裸女，也没有完整的楼梯，只能见到一些看来杂乱无章的线条。杜尚后来把这幅画送交第28届独立画展时，被评委拒绝，说它超出了人们所能忍受的限度。它曾在美国军械库展览会露过面，被当时一些人讽刺为“木材厂大爆炸”。

画家从颜料管里挤出的原色，不

是直接排列到画布上的而是应自然本色来加以概括，使它更单纯化，免去复杂的中间调子，不仅能引起观者视网膜的振动感应，还表达了一种饱和的情绪，比点彩派的“科学”排列更富感染力。这幅《威斯敏斯特大桥》，正是他时断时续地追随野兽派时期的代表作

第二篇：美术鉴赏

微软中国

《中西方绘画艺术作品比较赏析》

—《中西方山水话对比》

微软用户 2014/6/11

专业：工商管理 班级：1303 姓名：蒋妍 指导老师：李雅娟

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【内容摘要】中西方绘画艺术在观念和表现上有着差异和趋同性，通过中西方绘画作品内容、形式的对比，以及中西方艺术观念差别的简单描述，最终认识到中西方在差异和区别之上的共同目标。中国非常强调人与自然的调和，认为自然先于人类而存在，人是自然中后生的一部分；而西方则认为人是自然的主人，自然为人类而存在。这种观念的差异，表现在艺术中，就形成了不同的艺术主张，在艺术实践中，形成了不同的传统和风格。中西方世界观、艺术观等方面虽然有着差异，但毕竟是生活在同一片蓝天下的人类，必然存在着相似或共同点。一件艺术品，内容方面的因素有主题、题材等，不同的内容决定了作者采用不同的形式，同样的内容可以有不同的表现形式，而不同的内容也会有相类似的表达方式。美术史上的大量事实，展示了中西方艺术作品中形式与内容的复杂关系。美术史上的大量事实，展示了中西方艺术作品中形式与内容的复杂关系。

【关键词】中西方；黄公望；富春山居图；梵高；星空

【正文】 第一部分

在“元四家”中，若论对后代山水画发展影响最深广的，无疑是黄公望。他年资最高，直接受教于赵孟頫，从五代荆浩、关仝及北宋李成启学，所以画的品格极高。元代画家开始以纸为画本，赵孟頫的《水村图》已见干笔皴擦，元画灵动松秀的笔墨已然初具，而黄公望享年85岁，至其晚年则纸本水墨的技法已经炉火纯青。其《富春山居图》，可以说是代表其晚年风格的经典之作。

《富春山居图》始画于至正七年(1347)，于至正十年完成。是元代著名书画家黄公望的一幅名作，世传乃黄公望画作之冠，以浙江富春江为背景，全图用墨淡雅，山和水的布置疏密得当，墨色浓淡干湿并用，极富于变化，是黄公望的代表作，被称为“中国十大传世名画”之一。为纸本水墨画，宽33厘米，长636.9厘米，是黄公望晚年的力作。

黄公望，字子久，号一峰，工书法、通音律、善诗词，少有大志，青年有为，中年受人牵连入狱，饱尝磨难，年过五旬隐居富春江畔，师法董源、巨然，潜心学习山水画，出名时，已经是年过八旬的老翁了。黄公望把“毕生的积蓄”都融入到绘画创作中，呕心沥血，历时数载，终于在年过八旬时，完成了这幅堪称山水画最高境界的长卷——《富春山居图》。它以长卷的形式，描绘了富春江两岸初秋的秀丽景色，峰峦叠翠，松石挺秀，云山烟树，沙汀村舍，布局疏密有致，变幻无穷，以清润的笔墨、简远的意境，把浩渺连绵的江南山水表现得淋漓尽致，达到了“山川浑厚，草木华滋”的境界。

明朝一位名为吴子问的收藏家得到真迹后，爱不释手，至死不能割舍，嘱咐焚烧此画殉葬。他的侄子趁他昏聩时把画抢了出去，但已经烧掉了三四成。重新裱装修补后变成了两段，前段面积为31.8×51.4厘米，后段面积为33×636.9厘米。前段画幅虽小，但比较完整，后为浙江收藏家吴湖帆所得并于解放后捐献给浙江博物馆；后段则修补较多，目前被收藏在台湾故宫博物馆。据说前段还曾与一幅伪作同时入过清宫，自诩长于画作鉴定的乾隆皇帝将伪作定为真品，实图如下：

在“元四家”中，若论对后代山水画发展影响最深广的，无疑是黄公望。他年资最高，直接受教于赵孟頫，从五代荆浩、关仝及北宋李成启学，所以画的品格极高。元代画家开始以纸为画本，赵孟頫的《水村图》已见干笔皴擦，元画灵动松秀的笔墨已然初具，而黄公望享年85岁，至其晚年则纸本水墨的技法已经炉火纯青。其《富春山居图》，可以说是代表其晚年风格的经典之作。至元四年，黄公望79岁，一次从松江归富春山居，偕好友无用禅师同行。暇日，黄公望始于山居南楼援笔作此长卷。但他经常云游在外，而画卷留在山中，只得“逐旋填札”，故“阅三四载未得完备”。无用似不放心，怕被人夺爱，便请黄公望在画中题文，明确归属。但最后何时完成，终不得而知。

清王原祁在《麓台题画稿》中说是经营七年而成，但黄公望自动笔至去世也就只有七年。一幅画画了这么多年，也称得上一奇，而二百五十年后藏者吴洪裕临终前嘱家人当面将画焚烧殉葬，而其侄吴静庵趁他弥留之际于火中夺画残卷，更是旷古之传奇。至今，我们已无法确知原卷的长度，但知前《剩山图》纵31.8厘米，横51.4厘米；后《富春山居图》纵33厘米，横636.9厘米。图绘富春江两岸秋初的景色。开卷描绘坡岸水色，远山隐约，接着是连绵起伏，群峰争奇的山峦，再下是茫茫江水，天水一色，最后则高峰突起，远岫渺茫。山间丛林茂密，点缀村舍、茅亭，水中则有渔舟垂钓。山和水的布置疏密得当，层次分明，大片的空白，乃是长卷画的构成特色。笔墨上已显然取法董源、巨然，但更为简约利落。山石的勾、皴，用笔顿挫转折，随意而似天成。将近20厘米的长披麻皴，枯湿浑成，功力深厚，洒脱而极富灵气，洋溢着平淡天真的神韵。全图用墨淡雅，仅在山石上普染一层极淡墨色，并用稍深墨色染出远山及江边沙渍、波影，只有点苔、点叶时用上浓墨，但已足以醒目。这是一幅浓缩了画家毕生追求，足以标程百代之作，无怪乎董其昌见了惊呼：“吾师乎！吾师乎！一丘五岳，都具是矣。” 第二部分：

梵高的宇宙，可以在《星夜》中永存。这是一种幻象，超出了拜占庭或罗曼艺术家当初在表现基督教的伟大神秘中所做的任何尝试。梵高画的那些爆发的星星，和那个时代空间探索的密切关系，要胜过那个神秘信仰的时代的关系。然而这种幻象，是用花了一番功夫的准确笔触造成的。当我们在认识绘画中的表现主义的时候，我们便倾向于把它和勇气十足的笔法联系起来。那是奔放的，或者是象火焰般的笔触，它来自直觉或自发的表现行动，并不受理性的思想过程或严谨技法的约束。梵高绘画的标新立异，在于他超自然的，或者至少是超感觉的体验。而这种体验，可以用一种小心谨慎的笔触来加以证明。这种笔触，就象艺术家在绞尽脑汁，准确无误地临摹着他正在观察着的眼前的东西。从某种意义上看，实际确是如此，因为梵 高是一位画其所见的艺术家，他看到的是幻象，他就是幻象。

实图如下：

《星夜》是一幅既亲近又茫远的风景画，这可以从十六世纪风景画家老勃鲁盖尔的高视点风景手法上看出来，虽然梵高更直接的源泉是某些印象主义者的风景画。高大的白扬树战栗着悠然地浮现在我们面前；山谷里的小村庄，在尖顶教堂的保护之下安然栖息；宇宙里所有的恒星和行星在“最后的审判”中旋转着、爆发着。这不是对人，而是对太阳系的最后审判。这件作品是在圣雷米疗养院画的，时间是1889年6月。他的神经第二次崩溃之后，就住进了这座疗养院。在那儿，他的病情时好时坏，在神志清醒而充满了情感的时候，他就不停地作画。色彩主要是蓝和紫罗兰，同时有规律地跳动着星星发光的黄色。前景中深绿和棕色的白杨树，意味着包围了这个世界的茫茫之夜。梵高继承了肖像画的伟大传统，这在他那一代的艺术家里鲜见的。他对人充满了激情的爱，使他不可避免地要画人像。他研究人就象研究自然一样，从一开始的素描小品，一直到1890年他自杀前的几个月里所画的最后自画像都是如此。它如实地表现出疯人凝视的可怕和紧张的眼神。一个疯人，或者一个不能控制自己行为的人，无论如何也不能画出这么有分寸、技法娴熟的画来。不同层次的蓝色里，一些节奏颤动的线条，映衬出美丽的雕塑般的头部和具有结实造型感的躯干。画面的一切都呈蓝色或蓝绿色，深色衬衣和带红胡子的头部除外。从头部到躯干，再到背景的所有的色彩与节奏的组合，以及所强调部位的微妙变化，都表明这是一个极好地掌握了造型手段的艺术家，仿佛梵高完全清醒的时候，就能记录下他精神病发作时的样子。记得一句关于梵高的话：“灿烂到极致不是黯淡就是死亡，所以梵高也只能，毁灭了自己。”

这幅画, 展现了一个高度夸张变形与充满强烈震撼力的星空景象。那巨大的、卷曲旋转的星云, 那一团团夸大了的星光, 以及那一轮令人难以置信的橙黄|色*的明月, 大约是画家在幻觉和晕眩中所见。对梵高来说, 画中的图像都充满着象征的涵意。那轮从月蚀中走出来的月亮, 暗示着某种神性*, 让人联想到梵高所乐于提起的一句雨果的话：“上帝是月蚀中的灯塔”。而那巨大的, 形如火焰的柏树, 以及夜空中象飞过的卷龙一样的星云, 也许象征着人类的挣扎与奋斗的精神。在这幅画中, 天地间的景象化作了浓厚、有力的颜料浆, 顺着画笔跳动的轨迹, 而涌起阵阵旋涡。整个画面, 似乎被一股汹涌、动荡的激流所吞噬。风景在发狂, 山在骚动, 月亮、星云在旋转, 而那翻卷缭绕、直上云端的柏树, 看起来象是一团巨大的黑色*火舌, 反映出画家躁动不安的情感和狂迷的幻觉世界。梵高在这里, 并没有消极、被动地沉溺于他那感情激流的图像中。他能将自己作为一个艺术家而从作品中抽离出来, 并且, 寻找某种方式, 用对比的因素与画面大的趋势相冲突, 从而强化情感的刺激。我们在画中看见, 前景的小镇是以短促、清晰的水平线笔触来描绘的, 与上部呈主导趋势的曲线笔触, 产生强烈对比;那点点黄|色*灯光, 均画成小块方形, 恰与星光的圆形造型形成鲜明对比。教堂的细长尖顶与地平线交叉, 而柏树的顶端则恰好拦腰穿过那旋转横飞的星云。

中西绘画在空间意识表达上,中国画构图讲究“散点透视”,而西方绘画讲究“焦点透视”,此观点有其合理的一面,但中国画的远近法在本质上既不同于西画的焦点透视,更不是人们假设出来的散点透视。我们对中西传统艺术家创作的不同主题的绘画在透视法的比较性解读上,这两种透视方法的差异性应该被解释为直接反映了不同地域、不同社会环境、不同民族的审美心理对透视法缓慢形成的重要影响。

第三篇：美术鉴赏

美术鉴赏心得体会

姓名：李炳程 学号：2015011379 专业：经管应用经济学

本学期有幸学习了张景鸿老师的美术鉴赏这门课，我深感提高了我们当代大学生的艺术修养和审美，提高了大学生的素质，最根本的是提高了大学生的精神境界。美术鉴赏的最终意义，就在于大学生的情感得到了陶冶，思想得到了净化。品格得到了完善，从而使身心得到了和谐发展，精神境界得到了升华，自身得到了美化。

我个人比较喜欢西方美术的作品，喜欢印象画派，印象派是19世纪中叶欧洲艺术从现实主义向现代主义过渡的重要阶段，印象派画家以创新的姿态登上法国画坛，其锋芒针对陈陈相因的古典画派和矫造作的浪漫主义。19世纪后半叶到20世纪初，法国涌现出一大批印象派艺术大师，他们创作出大量至今仍令人耳熟能详的经典巨制，除了这次来华展出的著名画作外，马奈的《草地上的午餐》、莫奈的《日出·印象》、凡·高的《向日葵》等更是鼎鼎大名。印象派画家走出画室，深入原野、乡村、街头写生，力求真实地刻画自然。

我尤其喜欢梵高的那幅巨作《向日葵》，梵·高笔下的向日葵，像闪烁着熊熊的火焰,是那样艳丽,华美,同时又是和谐,优雅甚至细腻,那富有运动感的和仿佛旋转不停的笔触是那样粗厚有力,色彩的对比也是单纯强烈的。然而,在这种粗厚和单纯中却又充满了智慧和灵气。观者在观看此画时,无不为那激动人心的画面效果而感应,心灵为之震颤,激情也喷薄而出,无不跃跃欲试,共同融入到凡高丰富的主观感情中去。总之,梵高笔下的向日葵不仅仅是植物,而是带有原始冲动和热情的生命体。他曾多次描绘以向日葵为主题的静物，他爱用向日葵来布置他在阿尔的房间。他曾说过：“我想画上半打的《向日葵》来装饰我的画室，让纯净的铬黄，在各种不同的背景上，在各种程度的蓝色底子上，从最淡的维罗内塞的蓝色到最高级的蓝色，闪闪发光；我要给这些画配上最精致的涂成橙黄色的画框，就像哥特式教堂里的彩绘玻璃一样。”梵·高确实做到了让阿尔八月阳光的色彩在画面上大放光芒，这些色彩炽热的阳光，发自内心虔诚的敬神情感。堪称梵高的化身的《向日葵》仅由绚丽的黄色色系组合。梵高认为黄色代表太阳的颜色，阳光又象征爱情，因此具有特殊意义。他以《向日葵》中的各种花姿来表达自我，有时甚至将自己比拟为向日葵。我喜欢他那绚烂的色彩，,满怀炽热的激情令运动感的和仿佛旋转不停的笔触是那样粗厚有力,色彩的对比也是单纯强烈的。然而,在这种粗厚和单纯中却又充满了智慧和灵气。

虽然小时候就比较喜欢美术，但这种喜欢并不意味着我对美术有非常深刻的理解。我只知道美术会给人美的享受，让人完全沉浸在其中。当然了，前提是你喜欢它。原本以为美术就是指画家的画作。比如像那些水墨画、水彩画、油画和素描等。直到上了美术鉴赏课，听了老师的讲解，我才从这个狭隘的概念中走了出来，真正走进了美术的世界，也才真正认识到了美术的博大和内容之丰富。美术一词被我所理解，也正是上了美术鉴赏课以后。下面我就来谈谈对美术鉴赏课的感想：欣赏以线造型的中外美术作品，提高学生对“线”这一艺术形式的审美能力。

线条是美术最基本的造型手段，是构成视觉艺术形象的一种基本因素，无论平面的还是立体的作品；不论是写实，还是装饰；不论是抽象的，还是具象的„„在长期的美术发展过程中．“线”作为美术家创造形象和表达自己思想感情的艺术语言，一直处于十分重要的地位，并越来越显示出丰富的表现力及艺术美感。中国著名绘画大师吴冠中的《山水》一画，皴染不多，主要以毛笔线条勾勒，但其中线条流畅自由，轻重虚实的变化，随意性较强，具有浓厚的抒情意味和鲜明的时代感。法国后期野兽派大师匀蒂斯的《红沙发上的注女》（油画）以简洁概括、富子感情色而又极富装饰件的线，极为和谐、简练地勾画出一个呼之欲出的少女形象。

美术鉴赏课走进大学校园是为了更好的培养大学生，提高大学生的素 质，最根本的问题是要提升大学生的精神境界。美术鉴赏的最终意义，就在于使大学生的情感得到陶冶，思想得到净化，品格得到完善，从而使身心得到和谐发展，精神境界得到升华，自身得到美化。

第一：美术鉴赏有益于大学生灵魂的雕铸和人格的完善。艺术教育注重开发和挖掘人自身的潜能，并致力于培养人的自尊、自信、自爱、自立、自强意识，不断提升人们的精神文化品味和生活质量，从而不断提升人的生存和发展能力，促进人的全面发展与完善。人的全面发展，正如恩格斯所认为的那样，包括智力、体力、思想、道德、意志、信念、情感等各方面，全面发展是一专多能的素质型发展。鉴于此，大学生的艺术素养已经日益融入时代的潮流之中，倍受人们的重视与关注。大学生美术鉴赏作为美育的一种手段，在促进大学生灵魂雕铸和人格

完善的全面发展中起着重要的作用。

第二：满足大学生的审美需要，提高和培养审美能力。在美术鉴赏课上，通过大量地、广泛地鉴赏优秀艺术作品，就会逐渐具有和提高感受美、理解美的能力了。这里不单单是提高学生的鉴赏水平问题而是如何发展学生的价值取向问题。提高学生对美术意义的认识，培养我们正确的审美理想，健康的审美情趣，提高对美的感受力、鉴赏力、表现力和创造力。

第三：陶冶大学生的思想情操、提高大学生的精神境界。通过美术鉴赏对美和艺术增进理解，无疑对提高文化素质和思想境界，都会产生不可估量的作用。

第四：帮助大学生开阔眼界，扩大知识领域。在这种鉴赏活动中，是美术作品为我们提供了种种与他人产生共鸣的经历与感受，能够以一种艺术的眼光和态度看待周围的一切事物，并获得一种全新的洞察力。

第五：美术鉴赏可以娱情怡神，激发想象力培养创造性。通过鉴赏不仅使人视觉愉悦、心情舒畅，更在于美术作品都是通过点、线、面、色彩、空间、肌理等形式组成，所以画面上的节奏感、韵律感会对人的视觉产生影响，进而使人产生联想。因而，当我们在鉴赏美术作品时，不管是遇见那些赏心悦目的写实作品，还是一些现代派艺术家的抽象作品，都会使我们获得一种喜悦与满足。对美术作品鉴赏的过程中，也更能促进身心健康的发展，陶冶情操激发创作热情与创造能力。

总而言之，作为美育的重要组成部分，大学美术鉴赏课的开设，对提高大学生的素质，培养创新精神和实践能力，塑造健全人格具有不可替代的作用。通过美术鉴赏课的学习发展大学生形象思维，培养创新精神和实践能力；树立正确的审美观念，培养高雅的审美品位，提高人文素养，提高感受美、表现美、鉴赏美、创造美的能力，促进德智体美全面发展。为培养文明合格的下一代，具有重要的意义。

第四篇：美术鉴赏

1、敦煌石窟为佛教石窟寺，位于甘肃省敦煌是 _____莫高窟_____、_____榆林窟_____、_____西千佛洞_____ 的综合体，是国内______最大____ 的石窟群，其中最主要的 ___佛教艺术宝库_______

2、我国三大石窟分别为______莫高窟___、______云岗石窟____、_____龙门石窟_____。

3、默写的典范作品 ____韩熙载夜宴图______ 是五代顾闳中所描绘。全画有听乐、______观舞____、休息、清吹、送别五个情节段落组成，画风精细，色彩艳丽，代表了古代人物画的艺术水平。

4、《清明上河图》的作者是宋代张择端，此作品采用了传统的 ________长卷形式__，全图以不断移动视点的办法，即“ ____散点透视______ ”来摄取所需要的景象。《清明上河图》反映的是当时的首都 _______清明时节___ 的繁华景象。

5、皮影戏的影人是 ______生旦净末丑，各角色齐备演出具有丰富、热烈的舞台效果。

6、中国古代称肖像画为“传神”，它要求画家不仅要画出对象的 _______形体___，而且要深入地表现人物的 _____神性_____。

7、中国画按画科进行分类，可以为 ____花鸟画______、______山水画____、______人物画____，按照技法进行分类，可为 _____工笔_____、写意__________、两大类。

8、美术包括_____绘画美术_____、__雕塑美术________、____建筑艺术______和工艺美术等四大门类，中国美术史上还有两个很重要的门类，分别是_______书法__，____篆刻_____。

9、宋代是瓷器艺术发展的高峰时期，名窑遍及南北各地，各有自己独特的艺术成就，其中重要的有_____弃定用汝_____，_____钧窑器____，_____艮岳山_____，___官窑瓷_______，_____宋室南渡_____。

10、故宫分为外朝和内廷两大部分，外朝区最主要的三大宫殿，自南朝北，依次为_____太和殿、中和殿、保和殿___。

11、苏州地区留存下来的著名园林有苏州的_____留园_____（原名寒碧山庄）、________拙政园__、网师园。心得体会：

经过一学期《美术鉴赏》课的学习，欣赏到了许多东西方不同类型的美术作品、绘画风格，对东西方美术的发展有了初步的了解，并从中感受到了东西方艺术的特点与异同。西方是以人作为艺术表现对象的主体，主体是人物，从古到今，都是这样。因此，在一个人身上，体现出的每一个时代的审美观点也不一样。比方从希腊、罗马时代到拉斐尔、提香、达•芬奇，这些人表现的人体是很古典的，很完整的。那么波提切利则不同了，他表现人体的韵律感、线、节奏，多方面地表现人体。因为时代不同，每个人的感受也不同：比方画人，达芬奇的《蒙娜丽莎》与凡高的《自画像》，都是肖像画，但两者就完全不一样了，同样的肖像，他们画得都很像，都达到了艺术的高峰，但是，每个人都不一样，每个时代的差异很大很大。另外，西方古代绘画都是以人为主题，树木、风景只是作为一种陪衬，作为一种背景，是次要的，到后来获得了独立的发展，才有了风景画、花卉等独立的画种。西方的大师画人物，也画风景、静物、肖像，对象只是作为启发他感受的一个材料，什么东西都可以感受，都可以入画，都可以进入到他的感情。在这个问题上东西有很大的区别。西方早期的风景画，也不是实际的写生，而是在室内闭门造车，画一个大概，因而不是太生动。西方真正的风景画，是印象派油画，真正是对景写生，画出自己不同的感受。每一种风景里面，早上、中午、晚上，即使同一个对象也不一样，这是很写实的。中国画的构图以山水风景为主，一般都是立幅的，山从下面开始，一层一层往上。它的构图比较雷同，可以归纳为四个字：起、承、转、合。“起”，往往都是从几棵树，或者一个沙坡，或者石头、水、亭子开始。“起” 之后，另外一个山来接过去，叫做“承”。“承”之后，因为很长，要适应这个画面，那么要变化，叫“转”，扭曲一下。转到最后，要“合”。这是中国山水画构图的四个字。我们看东西，远景、中景比较丰富??因为远了，形象丰富、重叠，而近的东西则单调。

“美术”一听到这个词就会给人一种美的感受，我的整个心情也变得豁然开朗，这或许是我个人的原因吧！我小时候就比较喜欢美术，但这种喜欢并不意味着我对美术有非常深刻的理解。我只知道美术会给人美的享受，让人完全沉浸在其中。当然了，前提是你喜欢它。原本以为美术就是指画家的画作。比如像那些水墨画、水彩画、油画和素描等。直到上了美术鉴赏课，听了老师的讲解，我才从这个狭隘的概念中走了出来，真正走进了美术的世界，也才真正认识到了美术的博大和内容之丰富。美术一词被我所理解，也正是上了美术鉴赏课以后。下面我就来谈谈对美术鉴赏课的感想：

当初辅导员让同学们选选修课我想既然自己比较喜欢美术，为什么不选美术鉴赏呢？大学应该是一个全面发展的时期，我不能这么死板。第二天，我毅然选择了美术鉴赏。第一次上课给我的感觉是让我很舒心，每次上课我都感觉心情很好，课堂上也很轻松，在课堂上你不用记太多的笔记，只要带上你的头脑就可以了，通过美术鉴赏课，可以使我的视野更开阔，可以拓宽我的知识面。在课堂上，我学到了很多知识，也让我学会了如何去真正地欣赏一幅画，以及画家在画一幅画的时候是抱着何种心情。还有作者到底在一幅画中所想要表达的意思„„

美术的内容和形式是丰富和多彩的。美术，浅意识地理解就是色彩，各种不同颜色的搭配，形成一幅幅画面。一般人们都只了解一幅画的表面含义，如果想了解得更深，就要更深层次地了解美术了。美术，更进一步的理解就是艺术，美术是一门艺术，同时也包含着作者在作画时往往蕴涵着深刻的含义，把自己的心情表现在一幅画中，使欣赏画的人产生共鸣。还有一些作品表现出了某一个时期特定的社会现象，蕴涵着社会矛盾，反映了社会底层劳动人民的生活状况，尤其是在战争时期，也有一些作品是人们无法了解的只能凭感性去认识画家的意图，这些通常具有宝贵的文化和研究价值，例如凡篙晚年的作品，他晚年精神失常，画的一些画总是让人匪夷所思，而如今他的画举世闻名，具有很高的研究价值。正像老师所说的那样，看美术作品更多是关注作品背后的故事，而不是只强调所带来的经济价值。当然经济价值也是一个方面，但是它与美术作品的产生，发展的心酸历史和它所具有的文化，时代价值来说，那就次的多了。因此美术不仅仅是画，美术包含多方面的内容，所涉及的面也非常广泛。美术鉴赏课让我学到了许多，尤其是在欣赏古代绘画时。欣赏古代绘画，不能以现代的眼光去欣赏，而要结合历史，讲究意境、章法和笔墨。经过漫长的历史进程，美术的发展也越来越多元化。现代美术与古代美术有着本质的差别，现代的美术更多的带有现代的气息，现代画也十分地简明、易懂；而古代美术却让我们很难理解，以现代人的眼光，我认为古画看上去很难让人产生共鸣，必须与历史结合起来，才有所体会。古画也并不讲究进大远小的规律，以人物画为例，重点人物通常占的比例较大，次要部分占的比例较小。

学了美术鉴赏课，真让我受益匪浅，平常对生活粗略地观察也变得细心起来了。让我的文化素质和道德修养得到了提高，还学到了日常生活的一些小常识，让我时刻观察生活中的美，知识面也得到了拓展，短短的课堂可以让我学到如此多的知识。在这课堂上也让我感受到了大学的气息。

作为唐文化形态之一的绘画，继承了六朝绘画的优良传统，又加之统治者的开明政策，在安定繁荣的情况下有了很大的发展。据《隋书·经籍志》记载，隋炀帝时曾在宫中设宝迹台，专门收藏古画。而唐朝建立后，继承这一政策，在集贤殿书院设画直负责古今图画的收藏，有工作人员八名（见《唐六典》）。杨昇的《望贤宫图》，张萱的《少女图》、《鞦革迁图》皆收录其中。这无疑有力地鼓励了画家们的创作热情。

唐代绘画计有人物、山水、花鸟、鬼神、鞍马、屋宇等分科。专题分科在古代绘画发展上是题材扩大和技术进步的迹象，也标志着唐代绘画在历史上进入全新的发展阶段。

唐代处于封建社会上升时期，封建经济日益发达，为了更好地适应上层统治阶级的审美趣味和爱好，唐代人物画获得了更进一步的发展，其中，道释画、肖像画、仕女画风靡一时。在初唐和盛唐时期分别涌现了一大批杰出的人物画家，如代表初唐美术新水平的人物画家阎立本、尉迟乙僧，盛唐时期寺观壁画的代表画家吴道子，反映仕女生活情态的画家张萱、周昉。此外，花鸟画，山水画也出现多种风格，并逐步趋向成熟、繁荣。在画史上颇具影响力的花鸟画家有画鹤名家薛稷，“花鸟画之祖”边鸾以及鞍马畜兽画家韩幹、韦偃、曹霸等。山水画家有青绿山水名家李思训、李昭道，诗画合一的文人画家王维等。

由于统治阶级宣扬政治的需要，唐代的宫廷衙署及寺观壁画也占相当大的比重，褒扬功勋的功臣画像仍继续流行，如阎立本的《凌烟阁功臣像》。石窟及寺观壁画较之南北朝，无论规模之宏伟，还是技艺之卓绝在历史上都是空前的。如敦煌莫高窟壁画中的《西方净土变》，画面的繁复与盛大既给人敬畏与向往，宣扬了佛教精神；又给人以美感与享受，充满世俗的欢乐。在佛教壁画中，西域画风仍有流行，但具有鲜明中原画风的作品占了绝对优势。敦煌莫高窟130窟的乐庭瓌夫妇的供养像，其中的乐妻王氏像，丰腴秾丽，悠然自若，呈现了一派唐代社会的大气雍容。

唐代的画论著作有彦悰的《后画录》、李嗣真的《续画品录》、裴孝源的《贞观公私画录》、朱景玄的《唐朝名画录》、张怀瓘的《书断》等。最具有代表性的著作是张彦远的《历代名画记》，它是我国历史上第一部系统的、完整的，关于绘画艺术的通史。张彦远认为，绘画艺术不仅是艺术门类的一种，同时还是一种重要的文化现象，并强调了如何对待绘画艺术的传统性以及绘画内容的现实性问题，《历代名画记》是对唐代以前中国绘画理论和历史研究的总结概括，并为以后的研究奠定了基础，在中国绘画史学的发展中，具有无可比拟的承先启后的里程碑的意义。

唐代社会的整体精神蓬勃向上，社会氛围积极开放，在时代赋予的丰厚土壤之上，唐代美术必然获得空前的发展。而绘画作为唐代美术的首要代表，亦充分体现了对外交流的辉煌成果。

唐代的人物画发展已走向成熟阶段。就绘画题材而言，画家们不仅善于描绘上流社会，宫廷贵族仕女等的生活情态，外来题材也非常流行，这恰恰是当时对外交往活跃的真实写照。著名的人物画家阎立德、阎立本兄弟就很擅长表现外来题材。唐朱景玄《唐朝名画录》云：“阎立德《职贡图》异方人物诡怪之质，自梁、魏以来名手，不可过也。”《职贡图》记录了外国和边疆少数民族的使节到唐朝朝贡的场面，共有波斯（今伊朗）、百济（今朝鲜）、倭国（今日本）等国使节12人。在每个使者的旁边，都用楷书记录了这个国家的地理位置、山川地貌及风土人情等情况。全图主要采用高古游丝描来刻画人物形象和表现服饰纹理。阎立本的重要传世作品《步辇图》记录了贞观十五年唐太宗李世民会见吐蕃使臣禄东赞的重大历史事件。唐太宗的雍容大度有气魄，禄东赞的谦卑有礼又自信的神态皆刻画的生动传神。《步辇图》不仅歌颂了唐太宗的英明睿智，体现了泱泱大国的宏伟气魄，还记录了汉、蕃两族的友好关系，说明了唐人的开放气魄。据史载，阎立本还画过《职贡狮子图》、《西域图》等反映中亚题材的绘画作品。

如何欣赏美术作品: 美术的定义：美术是一个比较广泛的概念，它是采用造型手段塑造礼堂形象的众多艺术类型的总称。一般包括绘画，雕塑，工艺美术，工业设计和书法，篆刻。有时也把同样具有造型和礼堂特点的建筑，园林和摄 影艺术等纳入其中。美术使用的材料极其广泛，包括从颜料到金属，石料，竹木，陶土，纤维，织物，皮革，塑料等等几乎一切能够构成直观形象的天然的和人工的材料。美术的主要特征是什么：美术是造型艺术中最重要的部分，感知方式上是属于视觉的，在存在方式上要占有一定的空间，因此具有造型性视觉性和空间性。1.造型性（塑形，但，不能因此而认为美术只能反映生活的外在现象，对于反映内在的本质，精神，心理等就无能为力。美术作品可以通过艺术形象的外部牲，表现内在的精神，思想，情感和意义等。）2.静止性（是静止的，不同于某些艺术种类所创造的可视的活动图像。）

美术的主要类型：1.绘画（以线条，色彩，块面等造型手段，塑造具有一定内涵意味的平面礼堂的艺术样式。使用的物质材料和技法的不同，分为许多品种，其中主要的是油画，水墨画，版画，水彩画，水粉画，壁画，素描等。油画具有极高的表现力，创造了辉煌成果，对世界绘画的发展也产生了极大影响。油画色彩丰富，能体现色调层次，光线，质感和空间感，能真实生动的描绘一切有形事物。水墨画主要使用墨和水质，中国画是其代表，因此中国画也经常成为水墨画的同义词。主要用线条勾画形象，十分重视笔墨技法，采取散点透视的观察与表现方式，形象创造和画面构图有更大的自由度。因侧重点不同，形成工笔画和写意画。版画是通过制版来印制作品的一种绘画样式。有木刻，铜版，石版，麻胶版，丝网版等。壁画是指绘制在内外墙壁和天顶上的作品。它的制作手段多种多样，除了一般描绘 之外，还有镶嵌，拼贴，雕刻，陶瓷工艺以及综合手段等等。）2.雕塑（雕塑是最有实体感的造型艺术类型，雕塑的题材，只适合于可以通过表态形态来表现的内容。从长期的来看，雕塑主要是表现人，特别是人体，有时也可以动物为题材。雕塑形象具有单纯性。还注重发挥材质的审美作用，表现形式上由于实际深度的不同，分为圆雕和浮雕两种类型）3.工艺美术（传统工艺美术有陶瓷工艺，金属工艺，竹木工艺，纺织工艺，印染工艺，玻璃工艺，漆器工艺，服饰工艺和石雕，玉雕，骨雕等等。）4.现代工艺设计（一方面满足人们对于新的物质产品的需求，同时也使众机械化生产的产品缺乏美感，只须使 工业技术和美术设计结合起来，才能生产出在市场上更受欢迎的产品，同时满足人们对于物质和精神两方面的需要。）

素描的概念（素描是一切造型艺术的基础，是造型艺术中的一门基础学科。）学习素描为建筑设计，室内设计，装饰设计，规划设计，园林设计，工业造型设计等专业打下了基础。造型艺术的核心是形与色。其中形为主导，色是表达的语言，说明形的因素很重要，列形的色在造型中是无意义的。素描作为造型艺术的一门基础学科，最重要的是培养正确的观察，分析，综合分析，并把它生动，形象的表现出来的能力。

素描的种类（1.根据绘画工具的不同分类 2.根据绘画内容的不同分类 3.根据造型 方法或表现方法的不同分类（结构素描a.线的粗细，浓淡，虚实，长短，曲直，刚柔，疏密的变化来表现对象的开头，结构，体积，质感空间等变化）明暗素描（通过明暗调子的深浅，虚实，强弱等多种对比和变化的手法来表现和塑对象立体感，空间感质感和光感等。））

素描的工具：铅笔，能表现丰富细腻的层次，调子色域宽，固定，而且又易擦拭，修改，也能大笔涂抹。

纸：质地分软，硬，粗，细，厚，薄这分。橡皮：“擦，打，扫，贴，润，提，画”。

画板：大，中小多种型号，初学者用中号画板60cm#45cm最为适宜。素描基本术语：（1.形体 2.结构 3.轮廓 4.明暗 5.空间感，体积感和质量感）

作画的基本步骤与方法：a.落笔之前 b.构图起稿 c.大体明暗 d.深入刻画 e.整体调整

静物写生应注意：a.如何摆静物。静物在内容上要尽可能协调，合理。如木工的工具和水果茶具不协调。

b.形体上要有对比。c.物体的造型要鲜明，有主有次。d.物体的色彩应有差异。一组静物必须考虑具有黑，白，所作的事三大明暗层次，同时也要注意它们相互间的轻重分量和位置的搭配。e.物体质地应有差异。摆放静物时，应考虑到不同质感物体组合在一起形成的对比，如软与硬，厚与薄，光滑与粗糙以及的轻重对比等。

静物写生的基本步骤：1.选择写生的最佳角度。2.具备了和谐的构图，大致正确的形体造型后，把整体的明暗块面作概括的 表示。然后，把静物色彩的黑白灰关系比较一下，按转折的层次在形体中表现出来。这一步也恰 好是画水粉静物时涂大色块。3.从主体的前景开始，深入具体地象。由于有了初步的色彩明度，现在的重点应是体明暗色调的变化，使其进一步充实起灭，造型更加完整。4.盘中的水果具有丰富的中间色彩层次，要注意归纳，概括，使其层次分明，具有立体感。同时要考虑与后面的陶罐，背景布的关系，要把它们之间的距离拉开。速写的目的是培养画者敏锐的观察力和艺术概括的表现能力，用精练，简洁的笔墨捕捉物体的内在精神。速写是素描的一部分，二者不可侵害，又不能相互代替，它们各有特点，互相促进。

速写可分为速写和习作性速写两种。速写是为积累素材进行的速写，其目的不以提高基本功为主。习作性速写由慢到愉，由静到动，由浅到深，由简到繁，循序渐进的练习方式，反复多次的训练，提高敏锐的观察力和动手能力。速写的基本要求：速写时面对繁杂的事物，画什么，怎么画，要求画者要精心观察，心中有数。根据自己感受，抓信对象的主要牲，做到胸有成竹地下笔。速写由于时间短，不能把对象作细致的刻画，因而用笔力求洗练概括，自如浏，生动准确。作画时不能只顾用笔的酒脱，而不顾内容的表现，把线条的作唯一的目的去追求。否则，会导致速写的公式化，缺乏准确性，真实性。准确性在速写中一般不作严格要求，由于时间和环境的因素，能与对着物体精描细绘的素描要求相一致。过于强求速写的准确性，势必会产生用笔刻板，生涩，失去其轻松，流畅的韵律。

默写和记忆：默写记忆训练对增强速写的能力，对素描的理解及想象能力大有帮助。在平时的训练当中，只要做到持之以恒，必有收获。

构图：广义的构图指全部过程，即从构思到作品完成的立意。所形成的一种含有画面组合，构成关系，其中包括了作者的思想，感情等一毓艺术活动在画面表现上的体现。狭义的构图即是指置拜布势，经营位置而言，强调的是一幅画的。

美术构图类型：1.以线性分类的构图，垂直线，水平线，斜线和s曲线 2.以形分类的构图形态 十字形，L字形和三角形，圆形。

怎样把握美术构图的主次关系：主要形象除战友有重要的位置之外，往往分量较重色，色彩较为鲜明，笔触，结构较为严谨，姿态，气势较为突出。如何把握和谐和节奏：

和谐（1.类似，2.方向 3.相关性 4.对称 5.重复与渐变 6.均衡与对比 7.比例协调 8.形式与内容的有机结合。颜料：

白-钛白，锌钛白，锌贝白等。钛白最亮。遮盖力较强，不透明，与其他颜色混合时能提高明度。

黄-有柠檬黄，淡黄，中黄，土黄，桔黄等。最为透明，介是遮美国力差，而土黄，桔黄不透明，遮美国力较强。

红--朱红，大红，曙红，玫瑰红，土红等。其中，朱红，大红，土红不透明，遮盖力均较强，曙红与玫瑰红，稍有透明感，遮盖力较差，极易泛色上浮，较难控制。土红极为稳定，可代替赭石使用。

绿-有淡绿，粉绿，翠绿，深绿等。其中，淡绿与翠绿略有透明感，遮盖力较差 蓝-钴蓝，湖蓝，群青，普蓝，孔雀蓝等。除钴蓝外，其余颜色略有透明感，遮盖力均较强，孔雀蓝与钛青蓝相近。

紫--有青莲与紫罗蓝等。遮美国力较强，但是色相不够稳定，常以红蓝相调代替。

第五篇：美术鉴赏

我说课的内容是人美版高中课程标准实验教科书——美术鉴赏第6课《漂亮是美术鉴赏的标准吗——艺术美和形式美》。我主要从教材分析、教法运用、学法指导和教学过程四个步骤加以阐述。

一教材分析：

1、教学目标：①什么是美术作品的艺术美和形式美②美术作品的艺术美和形式美的基本原则及其在作品中的主要表现。

2、教学重点：美术作品的艺术美和形式美并不完全是现实的直接反映，也不等同于人们一般所说的“漂亮”或“好看”，而是由艺术家借助美术的特定语言、手段和法则创造出美术自身的美，而这种美又是多样的，即不同类型的美术作品由于艺术家所采用的语言、材料、手段等不同而产生的艺术美和形式美就大异其趣。为了说明这一点，在这里就必须紧紧围绕美术的语言元素和语言规则两个方面来讲解，因为美术作品的艺术美和形式美主要就是通过它们来实现的。

3、教学难点：主要在于美术作品的艺术美和形式美既是具体的又是抽象的。应特别注意对概念的讲解，并在概念与作品之间建立联系，即注重通过作品来讲解概念，以使学生对美术作品的艺术美和形式美的认识有形象的依据。

这里的难点还包括对美术作品的艺术美与形式美之间异同的讲解，课文中并没有特别给予说明，只是在课文的第三部分简要地指出了这个问题，美术作品的艺术美和形式美之间既有重合的地方也彼此独立。艺术美包括内容与形式两个方面。也就是说，艺术美是由内容与形式的统一来实现的。而形式美更强调实现内容的手段，即手段本身的美，其中包括语言的构成关系和所使用的材料的特质。

二、教学方法：

1、利用图片展示介绍知识，吸引学生注意力，使学生在兴趣中学习。

2、充分利用多媒体教具和图片，不断采用欣赏·启发·归纳相结合的教学方法。

三、学法指导：

1、引导学生采用观赏观察、实践、讨论、归纳的方法学习，用多媒体展示相关音乐和建筑图片，并巧妙导出本课。

2、讨论法，小组合作法。通过学生的小组合作，解决学生的个别差异，要求全组同学共同讨论。

四、教学过程：

一、导入：用多媒体展示雕塑图片《欧米艾尔》。

小结：美术作品的艺术美是艺术所特有的美。美术作品是由艺术家创造出的不同于现实生活的第二自然。它的美不同于一般人的“漂亮”或“好看”的审美观念。这种根深蒂固的观念不仅影响了人们对美术的认识，也有碍于对美术作品的鉴赏。

二、新知探究：环节

一、什么是艺术美，它有哪些表现？

美术作品中的艺术美不等同现实在的“漂亮”和“好看”，而是通过特定的美术形象表现出来的艺术自身的美。艺术美又称第二自然。是相对自然美来说的。

1、美术形象：指一件美术作品中个别的、具体的、完整的艺术形象，也是指一件美术作品中由这种个别的、具体的、完整的艺术形象所形成的综合的整体的艺术形象。

教师活动：投放多媒体图片《艾普色姆的赛马》和《记录马奔跑过程的连续摄影》。结合第三课“艺术形象”这一概念进行讲解。

学生活动：欣赏图片，小组讨论，分析美术作品的艺术美。

环节

二、什么是形式美：如何理解和把握形式美：

美术作品的形式美的构成：A、语言元素（点、线、面、色）及其构成的形态变化。B、语言手段（明暗、空间，透视、构图、肌理）及其所构成的审美意象。C、语言规则（变化与统一，对比与和谐、对称与均衡、比例与尺度、节奏与韵律等）及其所构成的审美关系。

教师活动：投放潘天寿的作品《雄视》，讲解什么是形式美，指出美术作品的艺术美和形式美既相互包含、渗透又彼此具有独立性。

学生活动：欣赏图片，理解美术作品的形式美。

三、拓展：提高实践能力

1、以一件作品为例深入分析作品的形式及其形式美。

2、通过具体作品了解艺术美和形式美在形态上的差异。

四、要点回顾：

1、什么是艺术美？综合了主观与客观、个人审美与时代精神的艺术形象为“典型形象”或“艺术典型”，又根据它与现实生活的关系而称之为“第二自然”，即“艺术美”

它有哪些表现？

2、什么是形式美？美术作品除了艺术美之外还有形式所传达出的美，既形式美

如何理解和把握形式美？

五、课堂小结：总结回顾：这一节课我们了艺术美和形式美，了解了什么事艺术美和形式美。