钢琴基本功训练内容和方法

第一篇：钢琴基本功训练内容和方法

钢琴基本功训练内容和方法

钢琴演奏一直以来被公认为是一项高雅的艺术形式，在多元化艺术表达的今天，钢琴依然拥有着稳定的青睐者和追随者，在本文中，主要从基本功在钢琴演奏中的重要作用，钢琴基本功的主要内容，基本功练习的主要方法三个层面入手进行具体的阐述。

一、钢琴基本功训练的重要作用

世界著名的钢琴大师拉赫玛尼诺夫曾经指出，“一位优秀的钢琴家，必须具备快速、干净、灵活、清晰的基本技巧。”正如拉赫��尼诺夫所言，一位钢琴演奏者在演奏的过程中必须身心合一，身随心动，将心中所想通过手指表达出来。演奏者在演出时不仅要全身心的投入，必要的演出技巧也必不可少，而基本功则是技巧运用中重要的一环，只有技术过硬，才能在演奏作品时能准确的把握作品的节奏、速度、逻辑，并能将音乐的主旨清晰流畅的表达出来，并极富感染力。

二、钢琴基本功训练的主要内容

钢琴的演奏涉及到多个层面，钢琴的训练不可能一蹴而就，要从基础着手，从基本功开始：

（一）手指训练

钢琴演奏主要用到的身体部位就是手指，手指训练，更多的倾向于对手指机能的训练。在钢琴演奏过程中，最直接也最敏感部位就是手的十指，十指的协调、灵活使用是演奏好乐曲的关键，然而，由于手指机能不同，手的食指和中指相对于无名指和小拇指较为有力，而无名指和小拇指的独立性也较弱，对其他手指的依附性较强，在演奏时容易被牵动。

但在演奏过程中，每个手指都有其特殊的作用，为了使每个手指都能够平稳、独立、有力、协调的进行演奏，需要对它们进行训练，只有不断的训练和强化，才能使手指的灵活度加大，在演奏时更加得心应手。

（二）识谱训练

对一位想要学习钢琴的人来说，不会识谱无异于被判了“死刑”，但是识谱的训练，又不单单的是指单纯的对音符的识别能力，识谱能力的差异决定了演奏水平的差异，只有具备了较高的识谱能力，才能演奏出优美、高雅的乐曲，但是在现实生活中，一些初学者急于求成，只单纯的“认谱”而未“识谱”的前提下就盲目的弹奏曲目，这样弹奏的曲子毫无感染力，缺少韵味。

当然，在实际演奏过程中，要做到“眼观六路”，在每一个键位找准并弹奏的前提下，眼睛要迅速的转向下一个音，只有这样，在使识谱的速度加快的同时，流畅的演奏曲目。

（三）音乐听觉的训练

钢琴演奏最主要的就在于听，只有听到了才能感知和判断，对听觉的训练不仅仅是指对高低音的分辨，也不单纯的是对耳朵的训练，它指的是将杂乱无章的音乐表达整合成有规律的清晰的思维，所以说，对听觉的训练中还内含了对心理功能的训练。

因为不同的曲目根据演奏者不同所表达的情绪也不同，要迅速的从中进行分辨就需要对听觉进行训练，例如在欣赏著名音乐家巴赫的作品时，就要通过对不同声部的交叉进行仔细的辨别才能明白其中的主题。

三、钢琴基本功的训练方法

钢琴基本功训练要讲求方式方法，只有正确的方法才能保证训练的顺利进行，才能保证演奏曲目的质量。

（一）跳音弹奏方法

跳音，即顿音，跳音分为手腕跳音、手指跳音、手臂跳音。在钢琴演奏过程中，学生们为了使腕关节保持弹性及掌关节保持稳定，会让手指的重力紧贴着琴键，并将手连同着手腕向上弹起，很多学生在演奏中感觉弹奏跳音和打琴键十分相似，这是由于手指下键和离键的速度慢导致的。

手腕发力在跳音弹奏中是很必要的，手指下键后立刻离键，这种效果活泼、轻巧，使整个乐曲充满了活力，别有一番韵味。

（二）音阶琶音弹奏方法

在钢琴演奏过程中，音阶和琶音是经常运用的一种弹奏方法，在进行音阶和琶音的训练时要注意以下两个要领：一是要有正确的姿势，同时在弹奏时因为拇指较短，所以应该将它稍微的立起来，不能让它处于躺着的姿势，不然弹奏的过程中手腕就会高低不匀，从而影响了整个演奏的效果。二是要注意跨指和穿指弹奏时，手腕要平稳的移动，不要外抬，同时不要速度过快，尽量慢练，俗话说“慢工出细活”对音阶和琶音的训练亦然。

（三）八度和分解八度弹奏方法

在钢琴弹奏过程中，八度演奏方法要求手指有力而坚定，手腕处于放松状态，肘部富有弹性，与背部及大臂协调配合。在对八度演奏时，小指的训练非常重要，因为在手指中，小指对其他手指的依附性强、独立性差，但音乐中的某些声部则要小指负责，所以要加强对小指的训练。

在进行分解八度的训练中，可以尝试着从体会拇指到小指力量的变化着手，训练时将大拇指当琴键上，然后使大臂的力量下沉，跳的时候将手指抬起，跳到下一音的时候，力量落到小拇指上。

四、钢琴基本功训练中值得注意的问题探讨

钢琴训练是一个复杂的工程，涉及面广，任何一个问题的存在都将影响这个曲目演奏的效果及初学者对钢琴训练的领悟。

（一）钢琴训练中对声音的训练

对声音的训练，不单纯的是指演奏者对演奏技术掌控这么简单，每首曲目都包含了作曲者的心血和情感，演奏者只有能够真正的体会其中的深意，才能将曲目“完整”的演奏出来。当然，对于初学者来说，首先要加深对曲目本身的了解，同时要有丰富的想象力和判断力；其次，要运用娴熟的演奏技巧根据曲目所表达的内容的不同起承转合，阴阳顿挫，将曲目中所涵盖的深意和情感直白的呈现给听者。

（二）钢琴训练中对多声部的训练

在钢琴演奏中，对多声部的训练也是极其重要的。在对多声部进行训练时，因为每个声部都有其特定的作用和地位，所以要特别注意对各声部的把控力度，注意和旋的每个音节、旋律、伴奏都要清晰可闻，做到主次分明。

总之，在钢琴基本功训练过程中，除了要注重对钢琴演奏基本方法、演奏技巧特别注意外，更加值得注意的是要深刻的领悟曲目中所表达的深意，钢琴训练时一个漫长的过程，要养成一个良好的心态，不能急于求成，要循序渐进，只有将基本功打扎实了，才能在以后的演奏中得心应手，才能取得质的飞跃。

第二篇：芭蕾舞基本功训练内容

芭蕾舞基本功训练内容

地面素质训练(压腿、踢腿、下腰等等)、把上练习(把杆练习)、把下练习(也叫“脱把训练”或“地面练习”)

地面素质训练

地面素质训练包括坐在地上做勾脚背、盘脚压胯、仰卧吸腿、侧卧旁吸腿、俯卧后吸腿、腰部训练、仰卧前大踢腿等动作。这些动作可以打开肩部和胯部关节韧带，加强腰的柔韧性，增强腿部和后背肌群的弹性和力量(解析：压腿、踢腿、下腰主要是“开软度”的项目，是学员软度练习的必要手段。

把上练习

把上练习(也叫“扶把训练”或“把杆练习”)是指训练的时候扶着固定的物体进行的训练。包括擦地练习、蹲步练习及压腿练习等等。

把上练习是塑造姿态美的主要手段，对发展下肢及躯干的力量、柔韧、灵巧、协调，增强对身体重心的控制、提高平衡能力都非常有效，同时使起到身体的姿态规范化的作用。包括基本手位和基本站位及半蹲、全蹲(比如“双手扶把蹲”、“单手扶把蹲”)及擦地(比如“双手扶把擦地”、“单手扶把擦地)”及小踢腿(比如“双手扶把小踢腿”、“单手扶把小踢腿”)和划圈等动作。把下练习

把下练习(也叫“脱把练习”或“地面训练”)难度较大，动作分为手位与脚位的训练，如手臂波浪形的舞动、脚做划圆等动作，还有步伐和足尖的训练。其中，步伐训练包括轻柔步训练、跳跃步训练、碎步训练等等。与前面的训练相比，增加的练习有跳跃练习。小跳还可以分为一位小跳、二位小跳、五位小跳。中跳是随后的训练，主要以原地跳为主，分为一位中跳、二位中跳、单起双落方法和双起单落方法。最后就是大跳了。

芭蕾舞基本功训练大踢腿的注意事项 起腿要轻

腿将要踢起时，要迅速地将身体重心移到另一腿上，使将要踢起的腿部肌肉放松，这样才会起腿轻，踢腿快如风。为防止摔倒，也可背靠墙或肋木练习。

踢时要快

腿由下至上，应快速向面部摆动，这里有一个加速的过程。踢时髋部要后坐，腿上摆有寸劲。刚刚练习踢腿时，必须始终保持动作的规范性，宁可踢得刚过胸，也不把支撑腿的腿跟抬起或膝部弯曲，或是弯腰凸背用头去迎碰脚尖，这些均说明腿的柔韧性训练不到位，韧带还没有拉开。只要坚持压踢结合，常练不辍，定会达到脚碰前额的。落腿应稳

初练者，往往踢起腿刚落地，就踢另一腿，从而出现出腿笨重、身体歪斜的现象。这是因为踢出的腿刚落地时，身体的重心还在原支撑腿上，腿下落时转移重心，势必出现上述现象。正确的做法是等腿落实后，身体重心转换已毕再踢出另一腿。其实这样练习也有利于实战中连环腿法的应用。

芭蕾舞基本功之芭蕾舞的“八字”技巧

1、“开”就是指舞者不分男女，均需肩、胸、跨、膝、踝，五大关节部位左右对称的外开，特别是两脚向外180度的展开，最大限度的延长了舞蹈者的肢体线条，扩大舞蹈动作的运动范围，增强了表现力，同时也增强身体的平衡能力和运动的灵活性。美国著名舞蹈评论家珍妮·科恩指出“芭蕾的古典风格是以脚的五个位置为基础的动作。

这五个位置中表现出外开的本质是指两腿以髋关节处向外旋转。表演时，在舞台有限的空间内炫耀和张扬贵族的气派。”(正象有人所说，芭蕾舞脚位的一位表现重视，二位表现自信，三位是谦虚，四位是自豪，五位是艺术效果。)贵族气度不仅是芭蕾重要的历史体现，也是审美标准的重要组成部分，通过系统的、科学的训练使身体达到非职业舞者所不能的境界，使身体理想化、职业化。

2、“绷”是指舞者踝部脚背的绷直，是古典芭蕾审美的根本标准之一。绷直的训练主要是通过Battement tendu(擦地)的练习，以及在各种跳跃的过程中下肢收紧，脚跟、脚掌、脚尖依次推地向高空跳起，使身体线条延长。以Battement tendu(擦地)为例，动作时脚跟推动脚背、脚尖向外擦出，一直到脚趾尖擦到最远的点，脚趾尖勾向脚心，同时仍然保持延伸的感觉，好象要穿破地板继续延伸。

芭蕾是一种线条性艺术，只有各部位的绷直才能使观众有延长肢体线条的视觉感，只有通过绷才能在有限的空间内使肢体末稍具有放射性，使舞姿更加舒展。芭蕾曾在一段时期内追求“灵空”，舞者要有使舞姿轻盈飘逸的艺术魅力，也只有通过绷才能使肌肉收紧，产生上升的动势。

3、“直”是指主力腿和动力腿的膝盖伸直，后背的垂直，换句话说就是把全身肌肉拉长，使芭蕾的舞姿达到舒展，长线条完美的视觉造型。这是古典芭蕾审美的根本标准之一。还有一种指芭蕾是直线艺术，在舞台中的运动路线多呈直线形，这也与西方国家的思维方式一致。这一点与中国的“圆、曲线”的审美标准有很大的不同。

身体与地面垂直也是古典芭蕾技巧所必须的，如旋转技巧，动作时除了全身收紧向高空发射外，更重要的是颈、背、腰、臀垂直于地面，使力量集中在体内的中心线上，只有这样才能使你的旋转运动起来，否则所有的旋转无从谈起。

4、“立”是指身体要直立、挺拔，并把身体重心准确地放在两腿或一条腿的重心上其 空间占有感像古典的宫殿似的傲然挺立和气宇轩昂。这和古典芭蕾发源于皇家宫廷的风格是一脉相成的，其目的在于显示皇家贵族气派，不是佣人和平民的风味。要求演员收腹，挺胸、重心上提，向高空层面发射使各种舞蹈动作和技巧准确的完成。是古典芭蕾审美的根本标准之一。

5、“轻”是指舞者动作轻盈、自如，如：跳跃动作，起跳和落地时加强身体的控制能力全身看起来很放松动作自如，特别是落地时，需要脚趾、脚掌、脚跟依次落地并微微下蹲，就象小猫脚上带有肉垫一样，没有声音。

就像前苏联芭蕾大师乌兰罗娃所说的：“使舞姿轻巧的是跳舞匠、轻盈才是舞蹈家”。一名优秀的芭蕾舞蹈家即使在很累的情况下，也能很好的控制自己的身体和气息，总是把优美、轻盈的舞姿展现给观众。给人以美的视觉享受和心灵愉悦。

6、“准”是指准确完成每个动作和舞姿的规格要求，使动作运动路线和位置准确。有人做过实验，一名技术过硬的舞者在训练时，做了100次的Battement tendu(擦地)他的脚尖每次都擦至在一个点上，其路线也丝毫不差。即使技术性很强的动作也毫不例外。又如：空中转两圈(720度)，舞蹈者五位脚起跳在空中保持良好的舞姿后，落地时还准确地落在五位上，在古典芭蕾中这一点显得格外重要，即使技术含量再高的动作，也要表现的准确无误，否则古典芭蕾的动作规范会变形，也即将失去光彩。、“稳”是指动作要做得不仅准确而切稳健、扎实，比如芭蕾中有许多双人舞的托举技巧，需要男女演员默切，不要让观众感觉到女演员快要掉下来一样，动作做得东倒西歪，让观众提心吊胆观看，这样的话还不如去看惊险刺激的杂技表演。

还有做旋转动作时要求演员在旋转中保持良好的稳定性，结束时要使舞姿准确地、稳稳地停在一个点上，再加上音乐的渲染，作品的艺术表现力会让观众报以热烈的掌声。

8、“美”芭蕾舞和其它舞蹈一样也是一种观赏性极强的视觉艺术，需要一举一动都要有美感，芭蕾舞对美的要求是极高的。是“流动的音乐、活动的雕塑”。象音乐一样受时间的限制，象雕塑一样受空间的影响，编导家门通过发现美，运用美的舞蹈形式反映美的生活，而观众通过对舞蹈美的感知进行想象创造，从而在情感上引起共鸣。

第三篇：钢琴学习基本功

钢琴学习基本功

然后是我老师给我的手指练习

音阶：讲究流畅性，首尾音可以重，然后流畅地弹下来，但是手指也要抬高，注意指尖与琴键的接触和用力。

装饰音.颤音.波音.每个手指一组，一个八度的，一个一个音上去

断音：两个到三个八度音阶，要一定速度，用断音弹，注意手腕不能硬

半音.琶音：基本同音阶

双手练习：双手同一个手指连续一个左一个右那样弹一个音，要一定速度并且每个音要弹准手指的独立性

手指的灵活性

手指的力度

这是最基本的，然后还有高层次一点的比如说你对一个曲子的细节处理呀，对那个曲子的感觉的把握呀，细到踏板怎么踩，乐句怎么划分，某个音应该弹多重.......至于你提到的左右手的协调性是初学者常遇到的问题，原因是练少了（虽然这是个让人觉得很晕的理由）是事实是确实是这样的，两只手弹不同的内容确实是要经过一定时期的练习才能够熟练的，你可以慢慢来不要着急，先单手练熟悉了然后再双手来，双手合的时候要看左右手的节奏那里是对在一起的，对在一起的地方当然是一起弹````虽然过程很让人抓狂 但是你会发现经过这一段时间的这样练习以后你会两只手逐渐变得协调起来......说到底只有练习才能够解决双手协调的问题.....关于独立性就可以靠练习最基本的 哈农

来解决 它好多都是练独立性的，如果在有限的练习时间里抽那么一点时间来多练练它还是有用的。。。。。。

由于你的为了娱乐而练习的估计也不会拿太多的时间来练习基本的东西，所以你可以在练习某个动听的乐曲的时候把弹不熟的地方提出来反复多练习也性，切忌把一个曲子疙疙瘩瘩地从头到尾地练

不过 音阶和哈农 确实很重要 希望你能多多练，说给你听也说给我自己听，那是最经典的最基础的练习现在来说说基本功中最重要也是最难掌握的方法，首先是手腕的丢，我有一些学生学了几年转到我手上一开始都是手腕上下抖个不停，我就勒令他们改，不改过来别弹快，因为弹快要低抬指，在初学时的高抬指时就因该弹一个音后马上丢手腕，如果已抖了一年后要改半年－一年，所以奉劝人们在初学时不管是业余还是专业都要请专业的老师（起码他自己弹琴是正确的方法），还要有一定的教学经验，遇到不同情况知道怎么处理。其次是指尖触键，也就是关系到8级以上的快速练习曲中的力度均匀问题。我学生中有个别会有这种情况，下键时90度但瞬间又往外扒了，就是力度没有传到指尖，只是一味的找90度，这个也是需要时间去磨的，只有触键完以后还能保

持指尖不软不变形，才能弹低抬指的快速练习。其实正确触键是只能感到指尖的骨头在弹琴，那个感觉才对。再次是小拇指的正确触键，小拇指很短，要把虎口撑开，就是触键时指头往外撑，就能成90度了，然后是力度稳定问题，这个需要最少一年练习，可以在《什密特》中找小拇指固定不动只弹1234指的练习。

还有大拇指不能放平，关节全部弯曲，用下方的指甲边上的那个点触键。

双音的触键靠手腕压下的那股劲，手指不离开键，手腕做小落滚，手腕压下低于键面在触键，手指不要单独抬高。还有落滚，跳音，盲练。。

这些掌握不了想精练难度大的曲子是不可能的，有了这些基本功，再有好得练琴方法与乐感的培养，才能演绎完整的曲目，学曲子不在于难，在于基本功的扎实1.手腕绝对不能翘，就是弹的时候手腕跟着手指起伏，是绝对会拖慢你的速度而吃力不讨好的事。

2.肩膀要放松，手腕也要放松（不是说坠下来，就是比较自然），力量全在手指尖上面，可以试一下把食指放在一个键上，像勾住一样手腕坠下来，（比较夸张一点但是差不多是这种感觉）。

3.慢练的时候必须要放胆抬手指，每弹一个音必须要肯定的下去，但切记不能敲！弹的时候要准备下一个手指，就是弹一指的时候二指要先抬起来，后面的手指也会顺便带起来这是自然反应，不要紧的。但是练熟了之后就不能高抬指，速度会上不去，尤其练像哈农这样快速的练习之类的。

4.指法要清楚，不能含糊，每次都要一样。每个音要保持一样的力度。（音阶）

5.你老是说得是对的，掌关节突起会拖慢你的速度，什么叫关节散？。。只要好好练习手型，什么曲子都难不倒你

加油。坐 的 姿 势

坐时,身体的重心要依靠臀部和脚尖支撑。一般来说,弹奏者只应坐到凳子的三分之一左右的地方,不要把座位都坐满,或把身子靠在椅背上。上身直立,腰不要塌陷,这样,弹奏者可以从腰或者更下一些部位用上力量,上身略向前倾,使重心略靠前,便于将力量向前传送至手指。

坐的姿势以自然,端正,有利于弹奏为原则,不要僵硬,紧张,或过于松懈。

座位的高低,要根据弹奏者的高矮来决定,原则是肘,前臂,手,手与键盘保持一个相同的水平高度,或略高于键盘。座位的远近,也要视弹奏者的胳膊的长短来决定,要使在弹奏时,胳膊可以自如的移动。

一个小小的技巧:坐在钢琴前,将两臂在自然放松的情况下向前伸,两手握在一起,使两臂形成一个椭圆形,轻轻放下,如果正好落在白键上,这个座位的远近就是比较合适的拉。

脚的位置,一般可以放在踏板附近

,这个位置比较适合于演奏,也有利于使用踏板。

基 本 手 型

弹钢琴要求手放松,自如的呈半圆形,手指略向里弯曲。试着先轻轻握拳,然后慢慢放开,直至手形成一个半圆状,这就是演奏钢琴的基本手型,过于平直和过于勾曲都会造成紧张。

弹钢琴的手型,是几百年来人们经验的总结,有其科学性,在学习中要遵循这种规律,另一方面,学习过程中如果手型过于固定,死板,也会产生另一种偏向。特别是当学习到一定程度,演奏不同时代,风格的作曲家的作品和不同性质的乐曲时,由于音色的不同需要,弹奏时要有不同的指触感,那么,对手型的要求也必然更自由,但不管怎样,即使是一个成熟的钢琴家,他们的演奏也必然有一个基本的手型。

有一个好的手型,关键是指掌关节与第一,五指指关节的站立。手腕与黑键键面基本保持在一个水平高度,掌关节战好并略突起,使手掌成拱形。保持手型,主要靠大指和小指的支撑,这两个手指的形状和位置不同于其它手指,大指短而粗,小指细而小,它们都位于手掌的外侧,容易躺着触键,致使手型七扭八歪。如果它们能支撑站立好,那么基本手型也就容易保持。

手指的第一关节即指关节,从一开始就要训练站立的能力,要自然的站好,不能让关节塌进去,第一关节站不好,想弹出集中,结实和有变化的声音是根本不可能的。

手臂的姿势：大臂自然下垂，不要夹紧，前臂与键盘平行或略高于键盘。（应调节好琴凳的高度）

手腕的姿势：腕部与键盘平行，不能低于键盘或高于手掌，弹奏时要保持放松。

手掌的姿势：如右图所示，整个手部呈半圆型（即整个手臂下垂时手部的自然姿势），手心象着一个球，手掌应自然弯曲，第一关节和第三关节（掌关节）不得塌陷。掌关节是整个手部的最高点，好象“屋顶”，要特别注意。双手的四指五指要“站”正，要做到这一点，须将双手略向里（大拇指方向）倾斜些，五个手掌稍松开，在五度内应该一个手指对一个琴键。

------------------

入门弹奏方法--重量弹奏法(断奏)

全臂断奏法的练习主要的作用在于让手指找到触键的感觉，即能让手指触键稳、准。

初学者会觉得很枯燥,很没有成就感。

但非连音的练习是连音弹奏以及各种演奏技法的基础,只有保证了非连音的练习质量，才能为将来弹奏复杂的旋律打下基础。

先让手的肘部向上抬起带动前臂再带动手腕、手掌提起。手自然下垂,手指自然弯曲，手臂抬的高度大概要抬到对准自己的嘴巴的高度，然后手臂放松，不对手臂施加外力，让手臂自己落下，落

的时候弹奏的手指要比其它的手指略伸长一些，对准要弹奏的音，落下后按在键上，指端站立好，掌关节不能塌陷，手腕与手基本保持一个水平高度，触键的手指只要能支撑着就可以了，不要用过多的外力，其它不按键的手指，只是放在键上，不再用力，不要碰响其它琴键，不要过高翘起，造成紧张，手仍然保持基本的手型，手指自然弯曲。这样，就完成了一个全臂断奏全部过程 钢琴知识入门

我们现在看到的钢琴是由古钢琴发展演变而来，其间经过了五、六百年的不断沿革。现代钢琴种类有三角钢琴和立式钢琴两种。三角钢琴又称做卧式钢琴，规格从四尺到15尺不等。其特点是音量大、音质比立式钢琴纯厚丰满，造型美观气魄。但占地面积大，价格也贵。

钢琴键盘

对于学习弹钢琴的人来说，恐怕没有比掌握钢琴的键盘更重要的了。从直观上看，钢琴的键盘是由黑色键和白色键共计88个键所组成（少数钢琴只有85个键）。其中黑键36个，白键52个。如果仔细观察黑键和白键就会很容易发现二者的分布和排列呈现的规律性。即：黑键是两个一组和三个一组。从键盘上很容易发现，整个键盘基本上就是由位于“中央1（C）”的白键上面的“1 2 3 4 5 6 7”这七个阿拉伯数字音构成的。这七个阿拉伯数字又叫做音符。如果我们试着依次弹奏中央的“1 2 3 4 5 6 7”七个音（现在先不用顾及手指的运用），并试着按照下面标出的方式唱一下每个音符： 唱do 2 唱re 3 唱mi 4 唱fa 5 唱so 6 唱la 7 唱xi

弹完“7”音符（xi）后,再弹上面加一个红点的“”音，可以体会出这个上加点的“”音与中央“1”音的音响感觉一致，只是音调高了一些，这既是所谓的“高八度”音。同样，弹奏中央“1”左面下加一点的“”音的音响感觉与不加点的“7”感觉相近，这既是“低八度”音。这样我们可以推断出剩下的那些上下加红点的音符的基本特征了。

现在我们再来看位于键盘“中央1（C）”用黄色圈出七个音的白键和黑键部分。黑键重复出现“b”和“#”这两个符号。“b”是降半音号，“#”是升半音号。它们都是定义其右下方的音符。如“b2”表示“降2”即“2”音降半音；“#1”表示“升1”即“1”音升半音。黑键可以用两个音符标示：如：“1”和“2”之间的黑键可以用“b2”与“#1”这两个个音表示，即：“b2”=“#1”。在本图中只是标出了中央部分的七个音符里的黑键及其相对应的音符。相信您一定能很快说出除中央1外的黑键音符。

如何才能很快记住这88个键盘和与之相对应的音符呢？ 记住中央用黄色圈出的标有“中央1（C）”的“1 2 3 4 5 6 7”

这七个白键音是非常重要的。要记住两点：

（1）中央“1”位于钢琴键盘盖子上的钥匙孔附近；两个一组的黑键左面的那个白键就是这个中央“1”。无论如何这个中央“1”是一定要牢记的。另外六个音顺序向右方排列而成。

（2）白键和1，3和4之间没有黑键，余下的1和 2；2和3；4和5； 5和6；6和7之间都有黑键。

钢琴踏板

钢琴的踏板（又称做踏瓣）是利用杠杆系统来使音响得到修饰，可以增加和减弱音的大小，使得音乐色彩更加富于变化。由于钢琴踏板是用脚来操纵的故又称脚踏板。一般家庭的钢琴有三个踏板。用的最多的是钢琴的右踏板。欲增强钢琴的音量用右脚踩右踏板，使压在琴弦上的止音器同时抬起来，引起全部琴弦的共鸣而增音。此外，踩下右踏板后，当手指离键时声音得以延续。若想减弱音量用左脚踩左踏版，使击弦的小槌靠近琴弦，缩短小槌的行程，从而减少小槌的敲击力。一般的立式钢琴才配有中央的踏板，这是为了在晚上练琴时不影响别人而采取的措施。把中央踏板踩下后向左边的缝隙移动即可让它长时间保持减弱音量的目的。中央踏板联动一个装有呢毡的木条，踩下踏板时木条下落挡住击弦的小槌不能直接击弦，而是击打在呢毡上，从而使钢琴音量大为减弱。

钢琴踏板的运用千变万化，一般要根据每一首曲子的风格和要求来运用。钢琴调音

钢琴上的琴弦长时间处于蹦紧的状态，由于小槌不断的击打琴弦，加上外界震动，钢琴机械构造本身的原因，以及气候、温度的变化影响都必然导致琴弦松懈，偏离标准的音律，这样我们弹上去就感觉声音不对，不如刚调好音律时好听。钢琴调律是一个非常专业的工作，不象小提琴和吉他那么容易。所以一定是请专业的钢琴调律师来解决。一般来说，半年左右的时间调一次钢琴比较适当。

钢琴的音越准，弹奏出来的旋律感觉越舒服、和谐，所以有条件的话应该保持音的准确。

钢琴保养

钢琴琴体和钢琴外部的保护

（1）避免阳光照射和靠近暖气、火炉，导致油漆与外壳变形；

（2）注意室内温度和湿度。温度过高或过低，太干燥或太潮湿都对钢琴部件和琴体不利。北方地区通常室内过于干燥，可以在钢琴下部体内放一碗水，任其挥发；

（3）擦拭钢琴表面要用软纱布轻轻擦拭，避免划伤油漆表面；

（4）弹钢琴的手指甲不要过长，以免损伤钢琴键盘（尤其是白键盘）；（5）钢琴有四支脚轮，经常点机油以免锈主；

钢琴内部的保护

（1）钢琴内部机械除琴弦、铁骨外，主要是木质和呢毡的组合体。因此要特别注意防虫蛀。每年放一些樟脑丸即可；

（2）每年打开钢琴琴盖的上门清理灰尘，避免产生蛀虫生长的条件

第四篇：钢琴教学中演奏基本功训练探讨论文

摘要：优秀的钢琴演奏是一个让人陶醉的过程，钢琴演奏者通过按键把音乐作品所表达的意境传递到听众的耳中，激发听众无穷的想象。钢琴教学中最为基础的就是基本功训练，只有具备过硬的弹奏功力，才能更好地展现钢琴作品，感染听众。本文笔者结合教学经验，就如何优化钢琴演奏基本功训练展开探讨。

关键词：钢琴演奏；基本功；训练；优化

在当今开放式教育的背景下，钢琴教师要走近学生，尽量多与学生互动，着重了解学生需要哪些方面的帮助。在此基础上，教师还要针对学生的问题制定合理的学习计划，让学生在课堂上更好完成基本功的训练。同时要改变教学方式，让乏味的课堂变的活跃起来，激发学生的学习兴趣。更要及时纠正学生们演奏技术中的盲点，促使学生完美的演绎曲目，为听众带来一场听觉盛宴。

一、钢琴教学基本功训练的学生划分

每个学习钢琴的学生都有着不同的生活背景和经验阅历，所以他们对钢琴的理解也有很大差异，基本功也参差不齐。一类是学习钢琴的专业生，他们的基本功比较扎实，对钢琴的理解也相对较深，可以演奏出一些比较难的曲子。这类学生比较好管理，他们学习的积极性也较高；第二类是学习一些与音乐有关专业的学生，他们对于钢琴的基本功也有一定的学习基础，但并不扎实，这类学生的学习积极性没有第一类的高；还有一类是与钢琴专业无关的学生，他们在钢琴面前完全是个新人，所以他们的学习积极性不会很高。在钢琴教学中，难免会出现这三类的学生，所以教学的难度也会大大提升，制定的教学计划也有很大差异，学生之间的矛盾也是不可避免的。在教学中，教师要准确分出这三类学生，针对不同类别的学生制定不同的教学计划。当然，不同类别的学生对于钢琴的认知程度也不相同。为了防止学生之间的矛盾，相互之间要分开进行教学，或者各自带上耳机进行不同钢琴曲的弹奏训练，学生之间互不干扰。教师则进行一对一的检查，给不同学生制定不同的学习计划，并对学生进行针对性的指导。“集体式教学”可以有效降低“一对一教学”的高额成本，同时促进学生进步，使学生有更高的学习积极性。

二、钢琴教学基本功训练的能力提升

学生能否弹奏出一首优秀的曲子，识谱能力是最重要的因素之一。部分学生因为急于求成，对于识谱这项技能的学习并不是特别扎实，在演奏时总会出现一些无法避免的常识性错误，给教学增加了很大难度。所以，在教学过程中，教师要引导学生明白每一个音符所代表的含义，让学生对每一个音符进行理解和消化，告诫学生不可急于求成，扎实的基础是成功的根本。除此之外，教师还要针对这些学生放慢教学速度，让学生慢慢提高自己的识谱能力。教师在教学过程心态很重要，要心平气和地教学，引导学生找准每一个音在键盘上的位置，并快速找出下一个音的位置，这样在弹奏过程中才会有更好的体验。灵活的手指是演奏好钢琴的基础，教师要教导学生均匀发展每个手指，因为演奏过程中每个手指都有它的作用，手指的均衡与否直接决定着演奏的成败。不同的钢琴曲对技术的要求也不同，只有均衡提升每个手指才有可能弹出不同的曲子。因为受人本身因素的影响，二、三指常常会牵动四、五指，所以坚持不懈的训练才会在演奏中取得好的效果。不同的曲子所表达的情感不同，一首曲子中的情感表达同样重要。要把曲子中的情感淋漓尽致地表达出来娴熟的技术是不可缺少的，技术是演奏的基础之一，但是只一味地追求快速的弹奏缺少对音色以及情感的表达，弹奏出来的曲子也是不完美的。所以，对于触键方法也要尽可能地多的掌握，适当的触键方法能更好的帮助情感的表达，弹奏钢琴本身就是传达一种音乐情感。但是训练者训练时间不宜过长，乏味的训练只会使音乐灵感丧失。一个优秀的演奏师就是用音乐与观众产生共鸣。

三、钢琴教学基本功训练的教学方式

师生互动很重要，同时“填鸭式”教育已经不适合目前的教学形式，一味地进行“填鸭式”教育只会使教学效果适得其反。教师要学会用一些新颖的方式把学生的思维带到课堂中来，比如影视作品中的钢琴曲教学或者了解学生们喜欢的钢琴曲教学。真正的钢琴曲是深入人心的，这与每个钢琴师不断地训练是息息相关的。关于触键可以选择可以先从锻炼手速开始，快速的摁一个键和慢速的摁一个键音色是不同的，训练乏味的时候可以尝试一些锻炼手速的电脑游戏也是不错的。关于音符的训练方法可以准备一些纸片，随机抽取并快速的说出音符所代表的含义。无论什么方法，在弹奏的时候都要用心，用心去感受作者每一个音符所表达的含义。总而言之，要想弹好钢琴，离不开不间断的训练，希望每个有理想、有志向的钢琴师都能克服这些枯燥的训练，吃得苦中苦，才可成为人上人。扎实的基础才是一切优美作品的基础所在。教师同学生都要戒骄戒躁，一同完成每一堂课程的教学。

参考文献：

[1]周丹.论钢琴教学中的演奏基本功训练[J].中国校外教育（基教版），2012,(4):12-13.[2]宾阳，朱婷.浅谈钢琴教学中的手指基本功训练[J].教师，2014,(8):45-46.

第五篇：钢琴训练步骤

钢琴训练步骤

初级阶段：

初学钢琴，可用拜厄《钢琴基本教程》。汤普森的《现代钢琴教程》第一册等教材：这阶段主要是学习用手臂重量弹琴，学会手指支撑手臂的重量。运行基本的五音位置的手型训练以及初步学习音阶、琶音、与分解和弦的奏法：主要教材是小型乐曲、和练习一些基本功练习。接着就可以学习车尔尼的《钢琴初步教程》（599）《钢琴简易练习曲》（作品139)、《钢琴流畅练习曲》(作品849)；巴赫的《初级钢琴曲集》《前奏曲与赋格曲》；《小奏鸣曲集》；布格缪勒的《钢琴进阶25曲》。(作品100)、汤晋森的《现代钢琴教程》第二册等也可选用。这阶段学习的内容，是演学生在上一阶段的基础上，进——步扩充技术范围在速度、力度、耐力等方面的要求都有所提高。巴赫作品中复凋的训练，对学生来说是一个新的课题，弹奏小奏鸣曲以及接触各种中外乐曲，可以丰富学生的音乐表现能力。

中级阶段:

常用的练习曲有车尔尼的《钢琴快速练习曲》，(作品299)、《钢琴练习曲50首》(作品740)，克拉莫的《60首钢琴练习曲》。复调作品可用巴赫的二部、三部创意曲、《法国组曲》、《十二平均律钢琴曲集》中一些较容易的作品。大型作品可以从海顿、莫扎特、贝多芬、舒柏特等作曲家的奏鸣曲中挑选一些程度较浅的作品来学习。乐曲方面又可从格里格的《钢琴抒情小品选》、门德尔松的《无词歌》、柴科夫斯基的《四季》、肖邦的《圆舞曲》、《波罗涅兹舞曲》、《夜曲》等作品中挑选。

高级阶段:

选的教材面就可以更宽了，大部分实际上已经是音乐会曲目了。

练习曲方面，常用的有：克列曼蒂的《钢琴练习曲选29首》、莫什科夫斯基《钢琴巧技练习曲十五首》(72号)、肖邦、李斯特的《练习曲》。

复调作品方面主要学习巴赫的《十二平均律钢琴曲集》、《英国组曲》、《古组曲》等。奏鸣曲、协奏曲和乐曲等方面的范围就更广了，除了选用维也纳古典乐派作曲家的作品外，浪漫主义时期作曲如舒柏特、舒曼、勃拉姆斯、肖邦、李斯特、柴科夫斯基、拉赫玛尼诺夫以及印象派作曲家德彪西，拉威尔和近代作曲家的作品都可选用，这里就不一一列举了。