美术鉴赏论文（优秀范文五篇）

第一篇：美术鉴赏论文

浅谈中西方绘画、建筑艺术的差异

中西方绘画、建筑艺术的差异犹如两座形貌各异的山峰，虽然同样具有令人回味无穷的艺术感染力，但却各成一体。在全球一体化的这一特定历史时期，中国绘画、建筑艺术的差异与西方绘画、建筑艺术的差异之间的交流也日渐密切。交流之中,我们也看到了这两座山峰的不同特点.现就中西方绘画艺术的差异就艺术形态、表现形式、艺术价值、创作手法、材料特色等角度进行分析

（1）艺术形态的差异：可以用西方美学的理论“意象说”和中国古典美学的基本理论“意境说”加以说明。“意象性”是现代西方哲学现象学的一个术语，简单地说，它表示意识对对象构成性的能力。西方的审美理念大致经过两个大的发展阶段，即“模仿论”和“表现论”。“模仿论”认为艺术是对对象的模仿，“表现论”认为艺术是对自我的表现。西方的艺术形态从总体说是突出人的自我意识，自由意志，有个性化的色彩。即使古典艺术也以表现人为主题。现代艺术更是强调表现自我。“意向性”这个概念很能反映西方艺术的这一本质特征。这里的“意”是主观意志、意念，这里的象是主体构造出来的用以表现“意”的。这个“象”可能是从具体物象中抽出来的，也可以凭空想象的，没有任何客观依据。

意境与意象的文化背景完全不同。“意境说”贯穿于中国古典美学史的全过程，《易传》的“立象以尽意”、“观物取象”的命题，汉代的“形神”论，魏晋南北朝的“得意忘象”、“澄怀味象”的说法，直到唐五代“意境说”的诞生，都有内在的关联。“意境”既不同于现代西方重自我表现的“意象”，但也不同于西方的“模仿”。与“模仿”的艺术相比，“意境”更超脱，更空灵，更美妙，更悠远，因为它不受物象的局限，而追求一种更高的自然、生命、精神的谐趣。

（2）表现形式角度：中国画意象所体现的是人与自然的统一，强调的是主观与客观的统一，主张眼到心到、意到，意中有象，象中有意，主观情志外象化，客观之象情趣化，可谓物我交融，天人合一。当然，中国画也要面对客观物象，但这些物象经与审美主体交融后，也就蜕变成一种精神状态的物化方式，绝不再拘泥于客观真实的度量标准。对于自然物象，它不是不知，而是不必去知，更无意刻意去知，于是，中国画不讲焦点透视，而善散点构成；不讲三度空间，而求二度变化；不讲块面刻画，而取轮廓勾勒；不讲物理重心，而重主观感受。它挣脱物理形象而获得提炼，变成一种具有主观意象的精神轨迹，发挥着远远超出客观形体本身的精神效应。中国画的意象特性有着强烈的表现力和艺术魅力，它的艺术追求也是另辟蹊径，既表现客观，还强调主观。作画时，要意在笔先，胸有成竹，笔简而意工，象约而境奇，不仅求之于象内、境内，更着眼于象外、境外。中国画重神轻形、重意轻象，要求神形兼备、意广象圆、情景交融。追求笔有尽而意无穷，象有限而意无边。几千年来，中国画瑰丽多彩、绵延相继，即使是在世界文化大碰撞、大融合的今天，也仍显夺目光彩，这是与中国画意象特性的审美观分不开的。

西方的画中,写实派要求对象、光源、环境、视点四固定，即创作时对客观景物的位置、视点只能选择，而绝不能在画面上随便移动，以求严格按照物理、光学原理，科学准确地再现三维空间的客观世界，并把运用和体现透视、解剖、光彩原理的准确程度当作衡量艺术质量的重要尺度。所以，画家的功夫都用在眼睛所能看到的物体和光影上，不允许增加任何个人的意念和想象;抽象派与严格地再现客观物象的写实派正好相反，创作方法是使自然物象变形，追求抽象的装饰性和视觉效果，或用光色和几何形态的抽象组合形式表现个人主观的思想体验，甚至是潜意识、下意识，以及种种隐秘的心理。某些西方现代主义、后现代主义所标榜的前卫，实际是远离现实，逆反一切传统文化、道德观念，越来越趋向病态的自我表现,还是让人担扰.（3）艺术价值角度：中国传统的美学观念一直延续到今天就是以天人合一，自然、朴实、返璞归真为美，这个中国画里表现得非常突出。另外中国人的禅学思想比较发达，形和意之间的关系不是弄得很实在的。一开始虽然是从写实、描绘人物出发，但是渐渐地融进了中国人独特的思维方式，天人合一的价值观念、美学观念，和形意之间辨证的这思维方式。所以在中国画中的色彩、构图、黑白、线条各个方面都表达了这种独特的哲学观念和思维观念，乃至人生的伦理观念。而且中国人历来有一种运动的画面感，所以中国画里散点透视。你一看它是运动着的，看着山水是活的。

西洋画是表象的，非常的写实，讲究的是对自然的真实表现。西方画家认识和把握自然的方式是纯客观的，始终贯穿着以科学精神为基础，画家观察研究自然的方法主要是对景写生。中国画重在写意，这个写意可不是大概其意，写的是意象、理想，写的是画境、意境。所以有那么一句”诗中有画，画中有诗”的说法。

（4）创作手法角度：中西方绘画在色彩运用和对色彩的感受上显然有所不同。中国传统的绘画是以墨调色，与西方绘画以油色烘染出的立体感、明暗透视等有巨大差异，在厚与薄、深与浅、淡与浓等多组矛盾中求得视觉性效果。中国古代画论中认为，墨具有五色：焦浓、重、淡、清等；墨色之中又分为六彩：黑、白、干、湿、浓、淡。中国传统绘画黑白不分，是无阴阳明暗；干湿不备，是无苍翠秀润；浓淡不辨，是无凹凸远近。中国的绘画艺术以直觉的方式来感觉色彩的万千变化，而西方绘画艺术，整体上则是倾向于光学意义上的，更加富于几何精神和理性的思考。

（5）材料特色角度：中国画是以线为主的画种。它的物质材料就是我们今天沿用的传统水墨绘画。绘画工具主要是毛笔，画家们利用毛笔灵活变化的笔法，或抑扬顿挫、轻重缓急、干湿浓淡地在宣纸上创造出富有魅力的千变万化的点和线，表现各种不同的对象，抒发各自不同的思想感情，从而使中国画的线条孕育着生命的律动，它的魅力令人叹为观止。追索中国古代“线的艺术”的成因，除了中国古代社会风俗和民族审美趣味之外，实在得力于中国人所使用的特殊物质媒介---毛笔、墨，还有纸。这些物质媒介为中国所独有，这就使得“线的艺术”在中国不仅有存在的可能，而且能获得更大发展。

而西画的画种繁多，所用的工具材料也是多种多样，与中国画不同。在这就不一一列举。下面再从中西方建筑文化重点在材料特色、表现形式及艺术形态两者之间的差异出发，通过对中西文化差异的比较，对中西传统建筑文化差异浅析，明确中西建筑的基本差异，：

（1）材料特色：传统的西方建筑长期以石头为主体；而传统的东方建筑则一直是以木头为构架的。这种建筑材料的不同，为其各自的建筑艺术提供了不同的可能性。从建筑材料来看，在现代建筑未产生之前，世界上所有已经发展成熟的建筑体系中，包括属于东方建筑的印度建筑在内基本上都是以砖石为主要建筑材料来营造的，属于砖石结构系统。诸如埃及的金字塔，古希腊的神庙，古罗马的斗兽场、输水道，中世纪欧洲的教堂，一不是用石材筑成，无一不是这部“石头史书”中留下的历史见证。唯有我国古典建筑(包括邻近的日本、朝鲜等地区)是以木材来做房屋的主要构架，属于木结构系统，因而被誉为“木头的史书”。

不同的建筑材料，不同的文化与社会，使得中西方的古代建筑有了不同的艺术表现。不同的民族有着不同的文化，流露出不 同的情感；不同的材料造就不同的建筑，展现不同的信念。西方的石制建筑一般是垂直发展，建得又高又大。同时别出心裁的屋顶建筑也是西方古典建筑的一大亮点。但是怎样将高密度的石制屋顶擎如仓穹则是它的建筑艺术所在，于是出现了那些垂直向上的石柱，如较早出现的塔斯干柱式，可以说石柱是西方建筑的基础中的基础。石柱及屋顶的发展伴随着西方建筑的发展，如果说石柱是西方建筑的“基本词汇”，那么屋顶则是西方建筑的“基本句式”。屋顶的不同，导致了其风格类型上的差异，如希腊式、罗马式、拜占廷式、格特式、巴洛克式等等

（2）表现形式及艺术形态：我分为两个个方面来讲：

建筑色彩：从中西建筑的装饰色彩上来看，中国以一种色彩为主，其它几种颜色并用；西方则是极其丰富，不同时代以不同的色彩为装饰的主色调，但没有一个单一的色调贯穿始终，对比也不是非常强烈。

在中国的传统文化中，色彩的生成具有丰富的文化内涵，一方面，在五行学说的影响下，色彩成为天意的象征，人们用色彩表示对自然的尊重；另一方面，中国建筑的色彩被赋予了浓厚的伦理观念，以颜色作为区分社会等级、确定社会地位的手段，所以在很长一段时间，中国建筑的色彩缺乏变化，虽然丰富，但是又显得单一，并形成了一定模式。西方建筑的色彩，因为处于多元变化的社会文化中，所以变化多端，异彩纷呈，时而华丽浮艳，时而灿烂夺目，时而又光怪陆离。同时受西方“个人本位”观念的影响，色彩非常张扬、热烈、激情，甚至富于非理性的迷狂。

建筑造型：中国传统造型特别强调“线型美”，讲究线条的婉转流动，中国的梁、柱、屋檐等都能表现“线” 的艺术感染力，如，在歇顶山的建筑中，屋檐有意做成微微的向两侧升的形高，而屋角部分做成明显的起翘，形成“飞”的意境；而屋顶上部坡度较陡，下部较平缓，这样既便于雨水排泄，又有利于日照与通风。追求意境和重伦理的思想在中国古建筑中体现得非常明显，在建筑造型时，往往把其社会内容和象征意义放在显要突出的位置，同时，还注重实用性，西方传统造型强调“形式美”，发源于希腊的古典主义美学思想认为“美在物体的形式”，我们从古希腊的建筑中感受到一种对形式美的强烈的追求。如，仿男体的多立克柱式强壮雄伟，仿女体的艾奥立柱式柔和端庄。

只有认识到中西方绘画及建筑艺术的不同，在全球一体化的进程中，我们才能取长补短，创造出更多优秀的东西，但是各自的文化、思想、生活习惯导致了中西方艺术形式、艺术价值及创作手法的不同，但是艺术也有共同之处，这就是所谓的艺术无国界。

第二篇：美术鉴赏论文

《孔子行道像》作品赏析

姓名：刘旭阳 学院：国际学院 班级：会计F1007 学号：201048990409

在战国争雄的年代，中华的土地上到处都是战乱，到处都是荒芜，到处都是凄凉。在泰山山脉的北风吹动着一位倚仗凝思的老人的衣角，但风中这位鲁国的国公依旧一丝不苟，这种庄严在风动的夕阳中与相邻的泰山辉映在一起，多少个斗转星移后迎送着一个个朝阳。他就是万世师表，著名的思想家，教育家孔子。

出产孔子的时代是**中的王侯割据的时代，多国并立，并不和睦。每个城邦都想侵占更大的领土，占据更多的城池，获得更多的剥削利益。同样，在孔子的故乡，也就是孔子所抱有政治幻想的鲁国，也毫不例外。

鲁国的政治利益分配颇具中国典范。王子是名义的王，相当于荣誉与名号。而实权掌握在辅政家族手中，孔子空有官职但是并没有机会施展自己的抱负。从鲁君的施政策略可以看出，王权利益建立在家族利益集团支持的基础上实现的。同样，家族利益在与民生利益的强国要求中，家族利益要超越民生利益。

两国交恶的政治外交虽显现出孔子在国与国政治博弈中的黠劼，但无法回避家族利益对孔子建国理念的厌恶，这也为孔子推行民生政策导致自己政治生涯结束打下了伏笔。

政治外交的巨大胜利坚定了孔子富国的梦想，同时王权也把对孔子的尊重带入了信任。孔子轻信了王权的许诺却忽略了力量制衡。在削三王的过程中，两个力量较弱的家族被连根清除。在消除最坚硬的家族利益时，家族利益的掌控者通过亡国的事实性要胁鲁王的家园统治，并要求废黜孔子。

面对毫无信任的鲁王，孔子幽幽的问弟子，自己到底错到哪里，这无不可的表现出对待王权的过度信任和将民生利益挂靠在自我利益的王之上只会导致施政理念的失败和自我灰心的悲剧性宿命。在这时，孔子是可悲的。

仿佛每一位伟人的诞生，都伴随着天将降大任前的磨砺与洗礼。天将降大任于斯人也，必先苦其心志，劳其筋骨，饿其体肤，空乏其身，行拂乱其所为，所以动心忍性，曾益其所不能。这仿佛就是孔子一生的写照。孔子的一生无疑是一次人世间的苦行。他出身于曾经的贵族，却必须面对家族没落的现实，他创造了以仁为本的思想，却要应对尔虞我诈的世事。年少的贫困病未泯灭他远大的志向，中年的挫折未曾动摇他那不去的斗志，晚年的离丧没能阻挡他思想的升华！他三十而立办教育，开私塾，使贫困人民得以走进知识的殿堂，他“有教无类”的教学思想是中华民族的知识传播突破了出生，阶级的鸿沟，他“因材施教”的理念是知识插上了腾飞的翅膀，使知识走进民间，面向大众。是他让中华民族成为了“全民有知”的民族，他这个两千五百多年前的壮举，是我们的民族的知识水平远远超越了当时任何以出生决定知识走向的民族，为中华民族若干年后各个盛世的腾飞积蓄了雄厚的知识力量。孔子在游历多国的历程中，终于明白了启蒙并教育民众，让民众有自我变革的意识才是乱世的希望。这一段足以看出孔子内心的无奈和对自我学说无限的期待。

孔子弟子三千，他每日认真行道，只求能改变这乱世，让人民幸福的生活。孔子行道的瞬间景象穿越时空被唐代大画家吴道子用绘画的方法抓拍了下来。

吴道子(约680～759年)画史尊称吴生，又名道玄。阳翟（今河南禹州）人。是中国唐代第一大画家，被后世尊称为“画圣”，被民间画工尊为祖师。吴道子的绘画具有独特风格，是中国山水画之祖师。他创造了笔间意远的山水“疏体”，使得山水成为独立的画种，从而结束了山水只作为人物画背景的附庸地位。所画人物衣褶飘举，线条遒劲，人称莼菜条描，具有天衣飞扬、满壁风动的效果，被誉为吴带当风。他还于焦墨线条中，略施淡彩，世称吴装。

《孔子行教像》整体画风完全符合吴道子的风格，的精髓。画面上方题写：先师孔子行教像；右上方题写：德侔天地，道冠古今，删述六经，垂宪万世；左下方落款：吴道子笔，并加盖一方印章。画中孔子雍容大度，身体稍稍前倾，双手作揖，谦卑有礼。孔子头扎儒巾，双目前视，须发飘逸，透出圣人的智慧。作品用笔提按流转之间表现了画家娴熟的技法，深得“吴带当风”。

从这幅画中，我们看到了一个饱经沧桑的老者，他面目慈祥，行道教学孜孜不倦，对带学生和蔼可亲。我们从他的面目中可以清楚的感受到孔子思想中的“仁”。但是我们从他的

双眼中看到了深深的哀愁。这其中包含了自己郁郁不得志的愁苦，也包含了对天下百姓身处乱世中飘摇不定无所依靠的同情，以及自己无法改变现状的愁苦。同时孔子双手作揖。在我的了解中，作揖是一种很谦逊的礼节。孔子身为大思想家，虽说当时不得志，但是也有门下弟子三千。就是这样一位思想上的伟人，他对待学问的态度还是如此的谦逊。这是十分可贵和值得我们学习的。而且画像中的孔子衣着简朴，这与他思想上的伟大形成了鲜明的对比。从而更加的衬托出了孔子的伟大。

从整体上看吴道子用写实的方法，为我们再现了一个面目慈祥，但心中怀有大志忧且国忧民;有满腹的学问，但对待学问的时候又是十分的谦逊的孔子的形象。可以说这是吴道子的经典画作。也是大家心目中的孔子的形象。

第三篇：美术鉴赏论文

浅谈中外艺术作品中艺术与美的关系

摘要：古今中外艺术作品数不胜数，有的艺术作品很容易被大众所接受，但还有一些艺术作品，由于所表达的内容太过于个性而不被大众所接受，那是因为人们不觉得它美。由此，我们就会产生疑问，是不是所有的艺术都美，那不美的能不能算是艺术。关键词：艺术作品；艺术；美

要讨论艺术与美的关系，首先需要分别讨论什么是艺术，什么是美。

艺术具有社会本质、认识本质和审美本质。艺术是一种社会意识形态，是经济基础的上层建筑。艺术这种社会事物是一种相对于物质关系的社会意识形态；是建立在一定经济基础之上，并从根本上说是为经济基础所决定的上层建筑，它反映经济基础，也反作用于经济基础。艺术是一种特殊的社会意识形态。艺术以特有的方式“掌握”世界，艺术是对世界的一种认识，康德就曾把艺术看作是一种天才的表现。另外，席勒和斯宾塞等人认为艺术是游戏的产物，来自过剩的精力而不带功利性。近年来，我国理论界不断有人重复列夫·托尔斯泰和克莱夫·贝尔等西方理论家的说法，艺术不是认识或主要不是认识，是情感的传达和心理功能的表现；或认为艺术就是单独的形式构成等。

对于美是什么的探讨，中国与西方的观点是不同的。在西方，美学研究的历史是源远流长的。西方美学史上对美的本质的探讨已有两千多年的历史了。但归纳起来，不外乎这样两种意见：一种是从精神世界去探讨美的本质，把美本质最终归结为绝对理念、绝对精神，或主观意识、审美感受，从哲学的根本问题上颠倒了物质与意识的关系，这条途径，显然是唯心主义的。另一种是从客观世界的自然事物出发探索美的本质，把美本质最终归结为自然事物本身的某种感情特征和属性。这一思维路线肯定美在生活或美在客观事物本身，有其正确的一面，但由于它们一般都离开了人的社会存在，不懂得社会生活的本质是实践的，不能从主客体在实践中的辩证关系来探讨美的本质，带有明显的直观的缺陷，这条途径是形而上学唯物主义的，即机械唯物主义或旧唯物主义的。

中国的美学思想同样是源源流长的。在中国历史上，不但许多哲学家的著作中都有美学思想，而且在历史历代著名的诗人、画家、戏剧家、音乐家、书法家„„所留下的诗文理论、绘画理论、戏剧理论、音乐理论、书法理论中，也包含着丰富的美学思想，往往还是美学思想史中的精华部分。但中国与西方美学史关于本质的探讨有很大的不同。首先表现在，历史美学史在探讨美本质时，直接与世界观联系起来；而中国则与世界观的联系不那么直接和紧密。其次，中国美学史上许多美学范畴，如气韵、风骨、妙悟、神韵、境界等等，是西方美学史上闻所未闻的。这些美学范畴虽然有许多辩证法思想，丰富了对美本质的研究，但由于个人的解释不同，显得比较零碎、杂乱，不如西方的某些美学专著写得系统、明晰。

艺术既能根据美的现实而创造艺术美，也能根据丑的现实而反映现实丑，并且通过审美创造使现实丑转化为艺术美。例如一个出卖肉体的妓女，在她年老的时候，原先那丰满、富于曲线和青春魅力的人体的美消失了，变得畸形、驼背、形同枯槁。在现实中，这样的人体显然是丑陋的。但在罗丹的雕刻名作《老妓》中，现实的丑神奇地化成了艺术的美。罗丹自己在解释这个问题时说：“平时的人以为凡是在现实中认为丑的，就不是艺术的材料——他们想禁止我们表现自然中使他们感到不愉快的和触犯他们的东西。这是他们的大错误。在自然中一般人所谓‘丑’，在艺术中能变成非常美。”

由此可见，不是每件艺术作品看起来都美，但每件艺术作品都具有艺术美。艺术美指的是艺术作品的美，是由创作主体的审美认识而产生、“按照美的规律”并为着美的目的而创造的事物的美。让我们学会去欣赏艺术作品的艺术美，而不是只从表面观看其是美还是丑。

第四篇：美术鉴赏论文

美术鉴赏论文

———《清明上河图》

摘要：《清明上河图》乃中国十大传世名画之一，它是北宋风俗画作品，该画卷是北宋画家张择端存世的仅见的一幅精品，全图可分为三个段落，展开图，首先看到的是汴京郊外的景物。中段主要描绘的是上土桥及大汴河两岸的繁忙景象。后段则描绘了汴京市区的街景。人物大不足3厘米，小者如豆粒，仔细品察，个个形神毕备，毫纤俱现，极富情趣。该画内容丰富，结构严谨，繁而不乱，长而不冗段落分明，在技法上，大手笔与精细的手笔相结合，善于选择那些既具有形象性和富于诗情画意，又具本质特征的事物、场面及情节加以表现。写了北宋都城东京市民的生活状况和汴河上店铺林立、市民熙来攘往的热闹场面，描绘了运载东南粮米财货的漕船通过汴河桥涵紧张繁忙的景象。

关键词：

清明上河图》是一幅具有历史价值的风俗长卷。作者张择端通过对清明节日 北宁都城汴梁和以虹桥为中心的汴河两岸各阶层人物活动情景的描绘，集中反映了这一历史时期社会生活的一些侧面。《清 明上河图》这一不朽杰作，无论从绘画艺术价值或从历史价值而言，皆堪称国之瑰宝。《清明上河图》长525厘米，宽25.5厘米，其中计有人物684个，牲畜96头，房舍122座，轿子8顶，舟船25只，树木124棵。《清明上河 图》画卷，北宋风俗画作品。传世名作、一级国宝。《清明上河图》是中国绘画史上最著名的作品之一，不但艺术水平高超，而且围绕着它还流传下来许多有趣的故 事。该图描绘了清明时节，北宋京城汴梁以及汴河 两岸的繁华景象和自然风光。作品以长卷形式，采用散点透视的构图法，将繁杂的景物纳入统一而富于变化的画面中，画中人物500多，衣着不同，神情各异，其 间穿插各种活动，注重戏剧性，构图疏密有致，注重节奏感和韵律的变化，笔墨章法都很巧妙。全图分为三个段落。首段，汴京郊野的春光： 在疏林薄雾中，掩映着几家茅舍、草桥、流水、老树、扁舟。两个脚夫赶着五匹驮 炭的毛驴，向城市走来。一片柳林，枝头刚刚泛出嫩绿，使人感到虽是春寒料峭，却已大地回春。路上一顶轿子，内坐一位妇人。轿顶装饰着杨柳杂花，轿后跟随着 骑马的、挑担的，从京郊踏青扫墓归来。环境和人物的描写，点出了清明时节的特定时间和风俗，为全画展开了序幕。中段，繁忙的汴河码头： 汴河是北宋国家漕运枢纽，商业交通要道，从画面上可以看到人烟稠密，粮船云 集，人们有在茶馆休息的，有在看相算命的，有在饭铺进餐的。还有王家纸马店，是扫墓卖祭品的，河里船只往来，首尾相接，或纤夫牵拉，或船夫摇橹，有的满载 货物，逆流而上，有的靠岸停泊，正紧张地卸货。横跨汴河上的是一座规模宏大的木质拱桥，它结构精巧，形式优美。宛如飞虹，故名虹桥。有一只大船正待过桥。船夫们有用竹竿撑的；有用长竿钩住桥梁的；有用麻绳挽住船的；还有几人忙着放下桅杆，以便船只通过。邻船的人也在指指点点地象在大声吆喝着什么。船里船外 都在为此船过桥而忙碌着。桥上的人，也伸头探脑地在为过船的紧张情景捏了一把汗。这里是名闻遐迩的虹桥码头区，车水马龙，熙熙攘攘，名副其实地是一个水陆 交通的会合点。后段，热闹的市区街道： 以高大的城楼为中心，两边的屋宇鳞次栉比，有茶坊、酒肆、脚店、肉铺、庙宇、公廨等等。商店中有绫罗绸缎、珠宝香料、香火纸马等的专门经营，此外尚有医药门诊，大车修理、看相算命、修面整容，各行各业，应有尽有，大的商店门首还扎 “彩楼欢门”，悬挂市招旗帜，招揽生意，街市行人，摩肩接踵，川流不息，有做生意的商贾，有看街景的士绅，有骑马的官吏，有叫卖的小贩，有乘座轿子的大家 眷属，有身负背篓的行脚僧人，有问路的外乡游客，有听说书的街巷小儿，有酒楼中狂饮的豪门子弟，有城边行乞的残疾老人，男女老幼，士农工商，三教九流，无 所不备。交通运载工具：有轿子、骆驼、牛马车、人力车，有太平车、平头车，形形色色，样样俱全。绘色绘形地展现在人们的眼前。总计在五米多长的画卷里，共绘了五百五十多个各色人物，牛、马、骡、驴等牲畜 五、六十匹，车、桥二十多辆，大小船只二十多艘。房屋、桥梁、城楼等也各有特色，体现了宋代建筑的特征。整幅画面上的景观从城郊一直到城内最热闹的街市，全画的房屋和树木繁多姑且不说，仅仅以描绘的人物而言，就有五百多个(查资料得知），他们中间有农民、船夫、商人、小贩、知识分子、和尚、算命先生......可以说是五花八门，形形色色，这些充分显示了当时生活的繁荣，可见，作画者是有着深厚的社会基础和高度的生活观察能力的人，才可以创作出这样一件超现实主义的伟大杰作。实际上，画家不仅仅是详实而又真实地描绘了京城主要河流两岸的节日风光，而且运用了高超的艺术手法，发掘和表现了生活中的戏剧和诗，也突出地表现在对汴河中的大船通过虹桥时的戏剧性的描绘，以及对市民生活的富有诗情画意的赞美。所以，它不是单纯的社会生活的真实记录。先 看对汴河中大船通过虹桥时的描绘，就是整个画卷中最为精彩的一段，也是全画的高潮。当满载货物的大船准备穿过桥洞时，一个惊险的戏剧性场面就开始了，船顶 上的船夫，急急忙忙放下桅杆，但是有些困难，所以看得出面部表情很紧张，显出呼喊纷扰之状；与此同时，甲板上的许多船夫，有的在船舷两侧使劲撑篙，有的用 长杆顶住桥洞的顶端，以防冲撞；还有人从桥上抛下绳索，以便挽住那支船，使它平稳地穿过桥洞；此外，邻近的一些大型船只和大桥上的好些人，也在一旁指指点 点地帮忙助力。总之，从不同的角度，参加到这场紧张而富于戏剧性的同激流搏斗的斗争场面中去。画面是那样逼真，仿佛有喧哗之声从画面传来。画家通过这段精 彩的描写，使整个画卷再次形成了一个热闹而紧张的高潮，避免了平铺直叙。同时，也是发掘和表现现实生活的戏剧和诗句，把平凡的生活变成了动人的艺术。桥 面上的热闹场面，也是同样耐人寻味的。熙熙攘攘的行人，桥栏杆两边的售货的小商，凭栏闲眺的市民，使桥面显得人声鼎沸，热闹非凡。好像由于人多口杂吧，一些小小的纷扰发 生了，骑马的和一抬乘轿的迎面而来，眼看就会撞车了，幸好骑马人急中生智，连忙把马头揪住，那匹马聚然一惊，头向下冲，才避免了一场交通事故。可是它影响 到的前面的小毛驴，吓得跳了起来，又联动惊动了凭栏眺望的人们，打断了他们的闲情雅致，不得不回过头来把那小毛驴赶到了桥中间去。你看，这些细节的描写不 尽丰富了生活的情趣，而且，也反应了画家对新城市的世俗生活的莫大兴趣。从这个角度上看，《清明上河图》具有市民文艺的特点，是反应市民阶层生活的伟大诗 篇。它的艺术构思，充分体现了中国传统的绘画方面的重要特点，它不是像西洋画一样，把视点固定于一定的位置上，而是采取“移动透视”或者“散透视”、“不定透视”的 手法来处理构图方式，这种手法更具有灵动性。比如，虹桥上下，既画桥下，有画桥上，室内室外面面俱到。画家的观察和表现物象的能力和技巧，实在是惊人的，它跳出焦点透视的局限，根据主题的要求和艺术的规律，虚实、节奏巧妙组织画面，并按 照图画的需要，延长或者缩短上下上下左右的距离，更好地表现了画家的创作意图。此外，它也将其广阔的生活画面活壮丽的山河景象，有头有尾地表现出来，充分 地体现着中国古代劳动人民的艺术魅力。

第五篇：《美术鉴赏》论文

《美术鉴赏》

经过一学期《美术鉴赏》课的学习，欣赏到了许多东西方不同类型的美术作品、绘画风格，对东西方美术的发展有了初步的了解，并从中感受到了东西方艺术的特点与异同。西方是以人作为艺术表现对象的主体，主体是人物，从古到今，都是这样。因此，在一个人身上，体现出的每一个时代的审美观点也不一样。比方从希腊、罗马时代到拉斐尔、提香、达•芬奇，这些人表现的人体是很古典的，很完整的。那么波提切利则不同了，他表现人体的韵律感、线、节奏，多方面地表现人体。因为时代不同，每个人的感受也不同：比方画人，达芬奇的《蒙娜丽莎》与凡高的《自画像》，都是肖像画，但两者就完全不一样了，同样的肖像，他们画得都很像，都达到了艺术的高峰，但是，每个人都不一样，每个时代的差异很大很大。另外，西方古代绘画都是以人为主题，树木、风景只是作为一种陪衬，作为一种背景，是次要的，到后来获得了独立的发展，才有了风景画、花卉等独立的画种。西方的大师画人物，也画风景、静物、肖像，对象只是作为启发他感受的一个材料，什么东西都可以感受，都可以入画，都可以进入到他的感情。在这个问题上东西有很大的区别。西方早期的风景画，也不是实际的写生，而是在室内闭门造车，画一个大概，因而不是太生动。西方真正的风景画，是印象派油画，真正是对景写生，画出自己不同的感受。每一种风景里面，早上、中午、晚上，即使同一个对象也不一样，这是很写实的。中国画的构图以山水风景为主，一般都是立幅的，山从下面开始，一层一层往上。它的构图比较雷同，可以归纳为四个字：起、承、转、合。“起”，往往都是从几棵树，或者一个沙坡，或者石头、水、亭子开始。“起” 之后，另外一个山来接过去，叫做“承”。“承”之后，因为很长，要适应这个画面，那么要变化，叫“转”，扭曲一下。转到最后，要“合”。这是中国山水画构图的四个字。我们看东西，远景、中景比较丰富??因为远了，形象丰富、重叠，而近的东西则单调。...