第一篇:美术鉴赏涂鸦论文
涂鸦大师基思.哈林的涂鸦艺术理学院应用物理专业4班2012212759黄春晖艺术家是一种容器,世界通过他被倾倒出来,我们仅仅在用颜料制造的物质结果中瞥见这种艺术精神。
艺术的存在始于观照者的眼睛,通过想象、发明和碰撞而获得力量。地铁打开了我的眼界,使我看到了另一种对艺术理解的方法,即艺术作为某种东西可以对更多的人产生影响或者将信息传递给他们,而这些人正在逐渐成为艺术的港湾。在过去,艺术是中产阶级和那些可以支付得起收藏费并且‘理解’它的人的象征。艺术被当作将大众与上层社会隔离的手段,而且在多方面被当作反对大众的工具。很久以来,艺术经历了一种过分知识分子化的过程。
当我作画时,那是一种超越现实的经历。在这个过程中,你完全到了另一个地方,在完全清醒的情况下,你会进入完全具有普遍性的事物中,完全超越你的自我。—基思.哈林
1958年5月4日,基思.哈林出生在宾夕法尼亚州雷丁,并且在附近的库兹镇长大,是家中四个孩子中的长兄也是唯一的男孩子。基思.哈林的爸爸是动画师,他从小都喜欢画线条,喜欢看DR.Seuss和Walt Disney的米老鼠卡通片,爸爸的漫画技巧传授对当年的小哈林影
响深远。他一直说他的图案和嘻哈音乐有关:“像一个技艺高的说唱乐手,能够在一个永无止境的乐章中一行接一行地押韵,从没有终止的韵脚。”
1976年基思.哈林高中毕业,到匹兹堡修读商业艺术,1978年首次于Pittsburg Arts and Crafts Center举行个人展览,同年到纽约school of Visual Arts 进修,并首次于大街小巷发现了在博物馆和画廊以外的艺术品——街头涂鸦。当时到处都能看见已成名的Kenny Scharf 和Jean-Michel Basquiat的涂鸦作品。初出茅庐的Keith Haring活跃于街头巷尾搞艺术,他对于1980年代流行的观念艺术与极限主艺术具有很明显的反感,而对于街头到处可见的涂鸦和老普普的一些艺术家作品有浓厚的兴趣。美国普普艺术家汤姆·奥登斯(Tom Otterness)的作品《渡渡鸟》那种具有卡通角色的欢乐趣味的特征对他影响也很大。
基思.哈林最早期的作品是在1980年创作的,当时他在纽约地铁车站的墙壁上,使用白色粉笔涂鸦,多为粗轮廓线,单色、空心的抽象人、动物等图案,充满童真,甚至让人联想到远古的岩洞壁画与图腾的线条。他作品的第一个主题是爬行的光芒四射的婴儿。这成了他的标志图案。后来他又在此基础上添加了一系列其他形象,譬如狂吠的狗,活动的器具,跳舞交媾图等,带有浓厚的波普艺术风格。在哈林类似儿童卡通的画中,我们体味到一种简洁和生动。另外,爬行的婴儿和向外散射的光芒让我们联想起人类的童年和我们疯狂发展科技的幼稚,让我们想起核恐怖和无处不在的外在压力。在哈林的画中,我们看到了人类自己。
基思.哈林的画作中有几种东西经常出现,最著名的是《Radiant baby》,一个爬行的婴儿和丧家犬,然后是跳舞的人,孕妇,三眼怪,空中飞人,人穿空心人,心心心和重叠人,主题明确易懂,大多有关爱,和平,性,战争等世界性问题,把艺术还给大众是他的目标,所以他透过公共场所作画,带给人们这些思想。基思.哈林的作品充满了非常欢乐的小人物形象,也有大量的性象征形象,描绘的手法非常流畅而简单、明确、游戏娱乐感很强。他的许多作品都被称作(无题)。哈林认为自己是个大孩子,而童真也是艺术家的珍贵特质,他生前曾出版一些儿童图书,简单的线条和色彩,意念就是来自孩子们。哈林曾说:“迪斯尼的动画伴随我长大,因此我是当今时代的一个完美的产品。因为我只有24岁,因为我生长在美国。并且我的图案„„与日常的基本的语言和思想相联系;更为主要的是,它们是人类共同经验的一部分。”他的作品中蕴含着一种可以立刻感动人的孩童的天真和成人的深刻,触及诸如生和死这样严肃的话题。他的“光芒四射的婴儿”流露出的既有核的污染,也有生命的活力。它们还谴责毒品、种族主义、对同性恋的恐惧、对艾滋病的警告„„他的作品的效果总是被他的幽默、伤感的漫画风格所淡化。他既想非常严肃,又想大众化,但是一直未能使二者完美地结合起来。他的画独具特色,生动鲜明,但是未能超出伤感和平面的层次,因而显得有些单薄,没有深入下去。但是,正是这种简单使他的画像迪斯尼动画一样让人们喜闻乐见。在涂鸦艺术兴起阶段和狂热时期,基思.哈林也许并不是运动的闯
将和领袖,因为他直到20岁才进城生活。然而,哈林在看到“涂鸦艺术和神奇的火车之后”,就“走出了工作室,走进了地铁站。”哈林说:“你可以去时代广场,在那里呆上十分钟,就可以看到比你用一天时间在索霍所能看到的都要好的艺术。”哈林在地铁里闲置的准备用做广告的黑色版面上用白色粉笔作类似漫画的图案,开创了一种大众艺术的风格。哈林喜欢在纽约地铁中作画,因为地铁中的人来自世界各个地方,形形色色,非常丰富,他可以在作画的时候同观众交谈,听取他们的意见和反应,有时候还把观众的想法加到自己的作品中去。他把这种交流视作观众对艺术创作的一种参与,通过这种方式,他让自己的作品直接同观众见面,而不需要经过博物馆和评论家这类已经腐化的中介,从而真正将艺术推向社会。他的风格也为人们所熟悉。有一次他在街头作画,行人看了很奇怪,就相互嘀咕,这人怎么画得同哈林一模一样呀?他一定是在模仿哈林。于是有人冲哈林喊道:“嗨,你以为你是哈林呀?”哈林抬头一笑,说道:“谢谢你,我正是哈林。
作为他的大众主义观念的扩展,哈林大量生产了具有自己绘画特色的素描、印刷品、油画、雕塑、壁画、T恤衫、钮扣和旗帜。他甚至开了一家名叫”流行商店"的小店,经营他亲自装饰过的廉价商品。以沃霍尔为榜样,哈林使自己成了一个时髦的名人和成功的企业家,同时又保持了自己在艺术界的地位,而时代发展到现在,哈林以街头涂鸦创造的形象已经成了现代西方社会中非常流行的造型,在挂历上,在手提包的图案上,在汗衫的前襟后背,到处可见。
基思·哈林于1990年去世,年仅31岁。哈林曾经说过:“我想我生来就是一个艺术家,我有责任为此而活。„„我将尽我所能地画,为更多的人画,永远画下去。”他短暂的一生确乎就是为了涂鸦而来。哈林不仅是一个典型的纽约街头艺术家,也是20世纪艺术最具标志性的人物,人们熟知他笔下密集线条组成的彩色壁画、他为唤醒人们对艾滋病的意识贡献的一臂之力,将空心小人的形象送入了千家万户,哈林是当之无愧的一代涂鸦大师,他的作品将永远鲜活地存在我们心中。
第二篇:美术鉴赏论文
浅 谈 两 宋 绘 画 作 品 的 现 实 意 义
系部:商贸学院管理系 班级:10级人力资源管理 姓名:慕鹏飞 学号:100157049 指导老师:李晖
目录
引言„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„.(2)
第一章 两宋绘画的发展„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„..(2)
第二章 两宋绘画取得的成就„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„..(3)
第三章 两宋绘画对现代教育的影响„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„..(5)
结语„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„.(5)
参考文献„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„.(6)
浅谈两宋绘画作品的现实意义
引言
.随着读图时代的来临,越来越多人往往都会借助视频、动画、图形、图画等形象媒体来传文达意,激起观者想象和思想的情感涟漪。而绘画作为一种最为直接的表达方式,在我们的视觉文化教育中起着不可替代的作用。
宋代绘画是在中国文化艺术史上具有重要的地位和深远的影响,是一个继往开来,集中国古代绘画之大成的光辉时期。宋代绘画的发展,成就以及对现代教育的影响都是值得我们去深思熟虑的。
正文
第一章 两宋绘画的发展
.宋朝时,绘画艺术达到了全面发展,绘画作品更是极其丰富,绘画技法完善,画家风格更是面貌繁多。同时,随着绘画的发展,又有一些文人加入画家的行列,开创了中国绘画的文学化时期。两宋绘画作品中,成就最高是山水画,次之是花鸟画,后是人物画,特别是山水画创作可以说达到了绘画顶峰。
1.山水画
北宋的山水画,作品以传统水墨为基础,多表现北方浑雄壮阔的自然山水,借山川表现内心世界,强调写意画法:“信笔为之,以烟云掩映,树木不取工细,意似便已。”【1】对山水画的创造,更在于对真山真水的深切感受。南宋的山水画,在格局上脱胎于青绿,而参用水墨,调和两派,笔法苍劲,水墨淋漓,具有独特的风格。
宋代山水画的人文精神,不仅表现在画面中蕴涵着气与质的美,还表现人与山水意理的渗透,山水需有生命,山水画中“天真、写真”等创作思想,都蕴涵着美的本质和艺术生命的内涵。在山水画中,就是要从自然的变化、社会的变化、万物之情中探寻新的艺术形式。发现日新之时势,在具体生命性中,发现道德之美和生命价值。
2.花鸟画
宋代是中国花鸟画的成熟和鼎盛时期,在应物象形、意境营造、笔墨技巧等方面都臻于完美。北宋的花鸟画主要继承五代传统,画法多宗徐熙、黄筌二体,而黄体“钩勒填彩,旨趣浓艳”【3】的富贵风格更为世所尚。更是由于宋徽宗赵佶对绘画的特殊爱好,在其大力倡导下,花鸟画以院体为主流进一步向工笔写实发展,笔法工整细腻,使工笔花鸟画达到颠峰水平。并且此风绵延至南宋宫廷,花鸟画创作长盛不衰,并呈现多样化的局面。
宋徽宗《芙蓉锦鸡图轴》
3.人物画
在宋朝,人物画主要包括两部分,其一是人物故事画,这些画多是出于某种政治宣传的需要。其二,是风俗画,这是一种反映城乡生活和社会风俗的人物画,是随着宋代城市经济的发展和市民文艺创作的繁兴而兴起的,反映的社会面之广,人物阶层之丰富,都是前所未有的,其意义已经超出了美术的范围。
宋代人物画的特点是注重表现人物的现实性格和具体神态,或者说是形神兼备。人物画是以人物活动为主要描写对象的中国画传统画科.宋代绘画是中国绘画艺术发展的高峰.宋代的人物画题材多样,如佛教画、肖像画、工笔重着色人物画、经史题材画、风俗画、减笔人物画等等.它所反映的现实生活内容之广泛,在古代绘画史上是极为突出的.它运用多彩优美的艺术形式,创造了很多的艺术表现手法.宋代人物画的成熟和完备,进一步说明了宋代绘画是中国古代绘画的鼎盛时期.1、在绘画技法上,有新的突破,出现了各种画风。
燕文贵的《七夕夜市图》
第二章 两宋绘画取得的成就
北宋初期,人物画师法吴道子,花鸟画遵循黄筌体制,山水画主宗荆、关传统。北宋中期,画风呈现出较显著变化,人物画创“白描法”,大大丰富了线条的表现力,山水画更真实细腻地表现大自然的微妙变化,花鸟画发展了水墨法,文人画也在此时倡兴。北宋末至南宋初,人物画中的风俗 3 题材成就突出。南宋时期,山水画变革显著,“南宋四大家”创立了新的“院体”山水画风,花鸟画发展了水墨写意法,并形成了诸多文人水墨花卉画派,人物画中也出现了水墨写意的“减笔画”[2]。
山水画在北宋强调“师法造化”,注重图真和格法,描绘地域风貌、气候变化具体精微,同时也发扬“中得心源”的传统,对景造意,融入真切感情。南宋山水重视意境创造和感情抒写,画法简练、泼辣。花鸟画在北宋是以工整精细的画法为主,注重写生,状物真实。南宋兴起文人水墨花鸟画,强调传情达意,抒写主观情感,喜绘梅兰竹菊四君子题材,人物画北宋时盛行故事画和风俗画,画法继承了唐代传统,工整写实,又有一定新创。南宋人物画多取历史题材,借古喻今,在安排情节、突出主题、刻划内心等方面,更富意匠。
2、宋代的文学艺术开始强调主体和客体的相互融合。
在绘画技法中,采用对客体进行描绘的同时,赋予主体的意识和趣味,体现了主客合一的整体文化理念。或借对祖国大好河山的描绘,或借花鸟虫鱼等表达诗情画意,把人品与画面的气韵结合起来,追求一种清新疏淡、精匀天巧的境界。尊重物象的具体形态的同时,深化物象的内在精神,借鉴山水、花鸟、人物表达自己的情感
3、人物风俗画直接反映宋代城乡生活和社会风俗。
人物画所反映的社会面之广,人物阶层之丰富,都是前所未有的,其价值意义不仅在艺术上的画法、创作技巧和表现手法的独创性,也是研究宋代文明和社会背景的重要依据。在人物风俗画里,最为杰出的是张择端的《清明上河图》。
其艺术成就主要体现出市俗画在画风态度上崇尚自然古朴,非常大众化,在艺术技巧的运用上,讲究尊重传统,不标新立异,只求真实的表现生活。当西方还沉浸在最黑暗的宗教愚昧的统治中时,宋代绘画已开始描写现实。在中国绘画史具有深远的意义。
张择瑞【4】《清明上河图》
第三章 两宋绘画对现代教育的影响
1、激发爱国主义情感。当欣赏宋代绘画时,我们都会为中国文化的博大精深感到自豪,宋朝大部分时间都处于动荡不安之中,一些文人借助绘画,通过对大好河山,一草一木的描绘中,抒发自己的爱国情感,表达自己的爱国之情,所以画面背后所深藏的爱国主义情感,能激起无数炎黄子孙的共鸣,是我们进行爱国教育的优秀题材。如范宽的《雪景寒林图》,所表现的是北方雪景山水,在这幅作品中,范宽创造了一个纯化境界,画中群峰积雪,千里冰封,近景枯木交错,寒水深湛,中景岸渚汀州。远景白雪茫茫,天深山亮,人们感受到一种慑人心魄的魅力。
范宽的《雪景寒林图》
2、宋朝绘画的一些画风、布局,对我们进行网页制作、平面设计、影视动画制作等方面,具有一定的审美导向作用。同时,也是我们进行灵感思维训练的有力工具。灵感思维是视觉艺术思维中经常使用的一种思维形式。在创作活动,中,人们潜藏于心灵深处的想法经过反复思考而突然闪现出来,或因某种偶然因素激发突然有所领悟,达到认识上的飞跃,各种新概念、新形象、新思路、新发现突然而至,这就是灵感。但是灵感的出现是不是偶然性的。宋朝绘画,以其风格多样、作品众多,是进行灵感思维训练的有力工具。
结语
宋朝绘画艺术达到了全面发展,绘画作品极其丰富,绘画技法完善,画家风格面貌繁多,不仅促进了中国绘画艺术的发展,具有很高的艺术价值,而且对现代教育也产生了深远的影响。
对两宋绘画的发展和所取得的成就的概述不仅仅只是如此,由于所持资料不充足,仅提供了以上所描述的内容,它还可以继续从历史背景以及人的思想方面进行深入探讨。
参考文献
1.报刊
【1】 山东省职工教育办公室
《现代企业教育》
山东省济南市
现代企业教育杂志编辑部
2007(6)
【2】 潘望森.《两宋山水画艺术成就初探》.安徽教育学院学报,2005(2)2.网上资料
【3】
中国美术鉴赏
http://wenku.baidu.com/view/3bac2d5c804d2b160b4ec08d.html 3.图书
【4】吕晓
《西北美术》---试论宋代风俗画(3):陕西省西安市
陕西人民美术出版社
2002 6
第三篇:美术鉴赏论文
美术鉴赏之中国古典园林
中国传统文化信奉“天人合一”的思想,中国古典园林调与然结合的诗意象征和宇宙观。当我们去体会与解读中国古典园林的艺术性时,要了解中国传统的文学与绘画的相通性。除此之外,中国传统哲学的深邃内涵也同样浸淫于园林的空间意境之中。因此,了解园林应基于对中国古典园林影响最大的文学性、哲学性二个基本要素之上。我国古代造园构景受至传统文人自然审美图式影响较大,其价值取向多倾向于清新自然、质朴无华,与公安派袁宏道提倡的“独抒性灵,不拘俗套”的审美趣味一致。在构景中注重意境的创造,塑造出一种文人所特有的恬静淡雅的趣味,浪漫飘逸的风度与质朴无华的气质和情趣,在有限的空间内体现无限的空灵之妙。中国古典园林的布局不仅是一系列景物的组织与安排,并将空间意象与造园者的情感因素传达给欣赏者,而欣赏者所看到的不完全是“物”的创作,而是由“形似”转化为“神似”的一种本乎自然而又超越自然的过程,并在形式上承载过多的寓寄内涵,形式的变化传达了内容的精神化实质,景的自然物态化与文化的共生更烘托了这种特征,形式不过是造园者渲泄情综意绪的媒介。这正映射出中国古典园林中特有的“诗情画意”符号信息借园林实景而生的传达方式。曾有人这样谈到过中国园林空间的符号象征性:“中国园林建筑的空间与后现代建筑空间相同,多义的、片断的,而且不断地变化。但它都很明显的拥有一个约定俗成的基础,例如墙上的月门,圆形象征着钱币或完美。⋯⋯这些建筑符号都是富于传统,比起后现代奥秘,短命的建筑符号则拥有一个更为广泛
而且易让人接受的基础。
中国古典园林一如传统绘画,讲求画意的高洁、野逸、清旷,传统园林的拟自然化造境以画境为最高境界,如仿自然中的江湖之景,多以沙岸、芦汀、帆樯、凫雁、刹宇、楼台、渔罾为点景映照;而村野之景以田庐、篱径、菰渚,柳堤、茅店、板桥、烟墟、渡艇为环境铺陈。园中亭台错落有致,曲房依势婉转,点缀于波光潋滟水体的滨水沿岸,映衬着自然风光的旖旎,而园中更有奇峰豳壑,泉流溪瀑等自然景观的缩影,正如扬州的一些私园中,虽不以叠石理水的处理手法取胜,却使人的视觉着意欣赏的是“峭壁迥端”、“茂林修竹”。园景的创造着力于这种拟自然化的文心意匠体现。中国古典园林中叠山的手法大多是有章法而无成法,古人虽以画为蓝本,却主要依靠工匠的巧思精构,而使其独具神韵。中国具有艺术审美价值的假山造型中包含了设计者高度概括、凝结了文心画境的情韵,尤其在意境的显现上,山石立体形态以“境外之境,象外之象”,使人产生“意象”之美,达到诗画情境神似之,使游赏者“直境逼而神境生”。从一角一隅中产生意由境生的场景之美。
中国古典园林中空间布局的设计,其方式与秩序均有缜密的排,正如一切文学作品或艺术品的组织结构一样,具有起、承、转、合的变化,有由平淡至高潮的过程。这是因为古代园林的设计者或协助构思之人,都是具有丰富想象力与文学艺术修养的文人或艺术家,所以很自然地在园林的表现上渗入部分文学或艺术的表现理念。园林设计者对中国古典文学、传统绘画的意境表达有着深刻的理解,所竭力追
求的正是诗词曲赋等文学形式创造的境界之美,将诗情画意通过具体的景区、景秩、景物来实现。通过实景的创造,在其环境氛围中产生诗画幻境,使园中的现实世界可以转型为诗意的幻想。中国古典园林在有限的实际空间中,营造出无限的艺术意境,无不得益于营造者能“外师造化,内发心源”,心感于物,成竹于胸,对自然神韵的领悟和把握。中国古典园林拟自然的审美意境表达,在于整体空间中组景方式所透射出的和谐之美。不同的景点通过相应的景序层次逐渐展开,依据各个景区、景点形成的从属关系,创造出总的空间场序。主体又驾驭着各个相应的实体,宾主之间主次分明、互为映衬,并由观赏者逐步将这些相辅相成的景象连续成完整的空间意象,利用虚实相间、开合变化、收放有序的空间产生诗画意境,令游者领会到中困园林画卷展开的诗意美的内在本质。著名的后现代建筑理论家查尔斯?詹克斯在解释后现代主义的空间形式与本质时,他曾举中国园林的例子来说明这种性质:“后现代就像中国园林的空间,把清晰的最终结果悬在半空,以求一种曲径通幽的,永远达不到某种确定目标的‘路线’。中国园林把成对的矛盾联结在一起,是一种介于两者之间的,在永恒的乐园与尘世之间的空间。”
第四篇:美术鉴赏论文
论“中国美术史宋元明清时期”
艺术,从人类起源而诞生而且随着人类精神生活的提高而不断发展,不断完善。现在的艺术通常可以从三个层面来认识。第一是从精神层面,把艺术看作是文化的一个领域或文化价值的一种形态,把它与宗教、哲学、伦理等并列。第二是从活动过程的层面来认识艺术,认为艺术就是艺术家的自我表现、创造活动,或对现实的模仿活动。第三是从活动结果层面,认为艺术就是艺术品,强调艺术的客观存在。而在中国美术“这个专门名词,在中国是从”五 四"新文化运动开始被文艺家和教育家普遍运用的,但后来,中国的文艺界,和美术界逐渐把艺术和美术分离开来,艺术成为表现人类情感的一门学科,而美术便成为了艺术的一个分支,用来表示视觉上的艺术效果,例如墨水画,雕刻,等其他表现形式。
在中国的美术史上,有过许许多多的美术巅峰期,战国秦汉时期的雕塑和青铜器,隋唐时期的绘画与佛教美术石窟,以及宋元时期多元化的绘画技巧。而这其中宋元时期的绘画经过前面各段时期绘画技巧的不断积累达到中国封建时期绘画的最高峰。下面,我将着重介绍宋元明清时期绘画的艺术特征和绘画风格。
首先是两宋时期,两宋时期是我国古代绘画彩墨争辉,情景交融的新时期,其绘画在隋唐五代的基础上得到了很好的发展。民间绘画、宫廷绘画、文人士大夫绘画各自形成体系,彼此间又相互影响、吸收、渗透,构成了宋代绘画丰富多彩的面貌。两宋在一段时期内,社会保持着相对安定的局面,商业手工业迅速发展,出现了空前未有的繁荣。其次,南宋虽然偏安江南,由于物产丰盛,大量南迁的北方人和南方人一起共同开发江南,使得两宋文化都得到了继续和发展,并超过了北方。另外,这个时期的政治形式,经济发展和社会思想文化状况,都对绘画的发展有着不同程度的影响。另外一个重要的原因便是皇室贵族对美术需求量的日益增长和统治阶级对美术的重视和爱好,使得宫廷绘画出现了前所未有的繁荣。另外,城市的繁荣和市民阶层的壮大,也使绘画和社会群众建立了较前代更为广泛的密切联系。人物画在反映现实生活中有了大幅度的进步,从唐代以画重大历史事件和贵族生活为主,扩展到描绘城乡市井平民生活的各个方面:这其中的代表就是张择端的《清明上河图》。花鸟山水画的发展也超过了以前时期。由于社会的重视,山水画逐渐跃居绘画的主体地位,并朝着广度和深度进一步发展,更加注重写生和技法的探索,呈现出巨匠辈出,异彩纷呈的繁荣景象,元代绘画在唐,五代,宋的基础上,有了显著的发展,特点是取消了画院制度,文人画兴起,人物画相对减少。绘画注重诗书画的结合,舍形取神,简逸为上,重视情感的发挥,审美趣味发生了显著的变化,体现了中国画的又一次创造性的发展。元代前期各位画家对唐,五代,宋以来的山水画继承和发展进行了认真的探索。花鸟画以梅兰竹石为主体的文人画广泛流行,讲求自然和笔墨情趣。许多山水画家也兼擅水墨花鸟和梅兰竹,文人画占据画坛主流。因元代未设画院,除少数专业画家直接服务于宫廷外,大都是身居高位的士大夫画家和在野的文人画家。他们的创作比较自由,多表现自身的生活环境、情趣和理想。山水、枯木、竹石、梅兰等题材大量出现,直接反映社会生活的人物画减少。作品强调文学性和笔墨韵味,重视以书法用笔入画和诗、书、画的三结合,提倡遗貌求神,以简逸为上,追求古意和士气,重视主观意兴的抒发。与宋代院体画的刻意求工、注重形似大相径庭,形成鲜明的时代风貌,也有力地推动了后世文人画的蓬勃发展。
明朝时期苏州地区逐渐发展成为南方的大都市。经济的发达促进了文化的繁荣,绘画名家出现很多,文人名流经常聚会宴饮,很多文人把画画当作娱乐。他们继承和发展了崇尚笔墨意趣的元代绘画传统。他们新颖的绘画风格和杰出的艺术成就闻名画坛。后人将他们称为“吴门四一谈到明朝时期的绘画,我们就会想到唐伯虎,以及江南四大才子,还有就是扬州八怪。诚然,他们以新颖的绘画风格和杰出的艺术成就而称誉画坛。这个时期的绘画艺术,所取景致,无论是简陋还是宏阔,都强调清宁的环境和闲适的情致,既基于对客观环境的提炼概括,又寓含一定象征意义,寄托了文人的理想和品格。另外,明朝即是院体派和吴门画派并存的时代,与此同时也是两派兴衰交替的时代,以林良、吕纪为代表的宫廷花鸟画包含了工笔重彩和水墨写意的不同风格。在民间,受到戴进影响的浙派画家吴伟,画风放纵,对当时的画坛影响很大。明代晚期是吴门画派最兴盛的时期,虽然当时受生活范围的限制,绘画题材面狭窄,题材比较单调,作品的重复性很大。但是,他们重视继承古代人的笔墨传统,把对风格的追求作为艺术的重要目的。而且,由于他们具有深厚的文化修养,有各自的美学追求,从而也具有一定的创造性。他们的笔墨技巧和表现手法,对后来画坛有很大影响。
清朝的画家中比较有名气就是郑燮,即是郑板桥,其诗、书、画世称“三绝”,擅画兰竹。郑燮一生画竹最多,次则兰、石,但也画松画菊,是清代比较有代表性的文人画家。他的绘画不是一味的模仿前人的绘画风格,也不是远离生活的笔墨游戏,是有着独特个性,有创新精神。我们可以看出郑板桥所画竹子和题画诗,大多是借竹缘情,托物言志,气节和气概,凡竹子的高风亮节,坚贞正直,高雅豪迈等气韵,都被他表现得淋漓尽致。这正是郑板桥作品不同于传统花鸟画之处,不同于前人之处。传统的兰竹大多数表现为欣赏性的、娱乐性的主题,画面主要追求自然形象的真与美、绘画技能的高与低、笔墨运用的娴熟与雅俗,而到了郑板桥的笔下,除了达到这些技能技巧外,题画诗还赋予这题材新的思想内容和深邃意境,使花鸟画亦能产生思想性、抒情性,给人以深刻的感受。另外比较著名的画家,例如四王(王时敏、王鉴、王翚、王原祁僧),四僧(渐江、髡残、八大、石涛)。晚期的时候,中国逐渐沦为半封建本殖民地,相应的中国的绘画也发生了重大变革。虽然受到外国各种绘画技巧的感染,但他们仍然坚持了中国绘画的美学基础。他们在写意花鸟方面有重大发展,他们继承了前人的传统,并将书法,篆刻等艺术表现形式融于绘画中,以遒劲酣畅的笔力,淋漓浓郁的默气,鲜艳强烈的色彩以及书法金石的布局,创造出气魄宏大,豪迈不羁的绘画艺术形象。对近代的绘画影响甚大。
总的来说,中国唐代以后的绘画,无论从绘画技巧还是从艺术特点上分析,都是中国历史上最灿烂,最辉煌,最引人自豪的时期,作为后代子孙的我们,应该继承发扬传统,将古人的艺术结晶一代一代的传下去。
希腊神话电影:
《特洛伊》
《大力神》
《尤里希斯》
《蛇发魔女》
《新木马屠城》
《奥德赛》
《奥菲斯》
《亚历山大大帝》
《世纪对神榜》
《时光大盗》
《百劫英豪》 《杰逊王子战群妖》
《米蒂亚》
《伊阿宋与金羊毛》
《俄底浦斯王》
《特洛伊的女人》
《非凡的阿芙洛狄特》
《赫拉克勒斯》
《赫拉克勒斯的爱情冒险》
《伊阿宋和阿耳戈船英雄记》
第五篇:美术鉴赏论文
对艺术美特征的认识
这学期我有幸上了美术鉴赏课。老师为我们介绍了有关绘画、建筑、雕塑等方面的知识。使我对艺术产生了一定的兴趣。在这里,我就浅谈一下对艺术美特征的一些认识。
艺术美是指各种艺术作品所显现的美。艺术美作为美的一种形态,它是艺术家创造性劳动的产物。艺术家的创作活动作为一种精神生产活动,从本质上说,也是人的本质力量的定向化活动。因此,艺术美也就是人的本质力量在艺术作品中通过艺术形象的感性显现。
艺术美包含着两个方面的内容,一方面艺术是对客观社会生活反映,另一方面艺术又凝聚着艺术家主观的审美理想和情感愿望。也就是说,艺术美既有客观的因素,又有主观的因素,这两方面通过艺术家的创造性劳动互相渗透、彼此融合,并物化为具有艺术形象的艺术作品。因此,艺术美的主要特征便集中表现为:形象性、主体性、审美性等基本特征。
(一)艺术美的形象性
艺术美的基本特征之一是形象性。或者换句话说,艺术形象是艺术反映生活的特殊形式。所谓形象性,是指任何艺术作品都必须具有生动、具体、具有一定观赏价值的艺术形象。普列汉诺夫曾经讲过,艺术“既表现人们的感情,也表现人们的思想,但是并非抽象的表现,而是用生动的形象来表现。这就是艺术的最主要的特点”。各个具体的艺术门类,它们所塑造的形象具有各自不同的特点,如绘画、雕塑、摄影、书法等塑造视觉形象,音乐塑造听觉形象,戏剧、影视塑造综合形象,语言艺术塑造不能直接感受到的文学形象等。但无论如何,形象性是任何艺术种类都不可缺少的,是艺术美的基本特征。二)艺术美的直观性。所谓直观性,就是具体生动性和直接可感性,它能够直接作用于人的感觉器官而在大脑中产生感觉、知觉和表象,并进而产生联想或想象。这是因为任何艺术美总是由形象的美决定的。而一切形象又都是直观的。有些艺术作品中,艺术美的直观性表现得十分明显。例如意大利文艺复兴时期著名美术家达·芬奇的优秀肖像画《蒙娜丽莎》。在另一些艺术作品中,艺术美的直观性虽然不如上面所说的那么明显,但是,它们也直接作用于我们的感觉器官,使我们经过联想或想象,在脑中产生出美的形象。
(三)艺术美的审美性
艺术美的第三个基本特征就是审美性。从艺术生产的角度来看,任何艺术作品都必须具有以下两个条件:其一,它必须是人类艺术生产的产品;其二,它必须具有审美价值,即审美性。正是这两点,使得艺术品和其他一切非艺术品区分开来,也使得艺术美与自然美区分开来。
(四)艺术美的主体性
艺术美还有一个基本特征,就是主体性。如前所述,艺术作为一种特殊的社会意识形态,艺术生产作为一种特殊的精神生产,决定了艺术美必然具有主体性的特征。毫无疑问,艺术美来源于现实生活并反映现实生活,但是,这种反映绝不是简单的“模仿”或“再现”,而是融入了创作主体乃至欣赏主体的思想情感,体现出十分鲜明的创造性和创新性。所以,主体性作为艺术美的基本特征之一,不但体现在艺术创作上,而且体现在艺术欣赏中。
(五)艺术美的协调性。所谓协调性,最根本的是指内容和形式的统一,也就是说以完全美的艺术形式表现真实的生活内容。艺术作品的美,表现在形式同内容有机地联系一在起,并且由内容来决定,而内容又仅仅在一定的形式之中。这主要是由任何艺术美总是生活的反映来决定的。
(六)艺术美的典型性。所谓典型性,就是艺术作品中的形象既具有鲜明独特的个性又能反映一定社会本质的某些方面,并寄寓着艺术家的审美理想和审美情感。恩格斯要求作家塑造“典型环境中的典型性格”,就是指的这种典型性。毛泽东同志所说:“文艺作品中反映出来的生活却可以而且应该比普通的实际生活更高,更强烈,更有集中性,更典型,更理想,因此就更带普遍性。”也是指的这种典型性。艺术美的典型性这一特征,同样是由艺术美的基本内容决定的,它是人对于美的理想的追求和体现。
(七)艺术美的民族性。所谓民族性,就是各民族在长期的共同生活过程中形成的各自的审美理想和艺术形式的特点。换句话说,任何一件艺术作品中的美都必然具有产生这种美的各个民族的不同特色。这是由于任何一位艺术家都从属于一定的民族,他的作品中的美必然不能超脱他所在民族的整个历史。
随着时间的推移,美术鉴赏课即将结束。很感谢老师为我们提供了那么多有关艺术方面的知识,弥补了我在艺术知识上的不足,也使我对艺术产生了兴趣。希望在今后的学习生活中,我能继续汲取艺术方面的知识,不断充实自己,丰富自己,提高自身的内涵。