电影观后感,论波兰斯基的《魔鬼圣婴》

第一篇：电影观后感,论波兰斯基的《魔鬼圣婴》

论波兰斯基的《魔鬼圣婴》

看完《魔鬼圣婴》这部片子让我感觉很压抑，这部被誉为最恐怖电影之一的影片，并没有用什么血腥暴力的镜头，却着实让我恐怖了一把。使我确信，真正成功的恐怖片，走的是内心，而不是只搞视觉与听觉的强烈渲染而营造恐怖，这部《魔鬼圣婴》就是如此，稳重平实的镜头却制造了一个令人窒息的气氛，让人不寒而栗。同时，我不由的敬佩起波兰斯基这位电影大师，虽然感觉像是被他耍了。

《魔鬼圣婴》在同类影片中，拍摄风格是较为清新的。影片讲述了一对新婚不久的夫妇露丝和盖伊搬进了纽约一套老式公寓大楼。但出人意料的是，大楼里的房客以罗曼夫妇为代表，其实都是隐秘的巫师。身为二流演员的盖伊在成名的诱惑下，与罗曼夫妇达成交易，最终使自己的妻子露丝怀上并生下了魔鬼的婴儿。

影片的节奏控制得很好，松驰有度。主人公露丝至始至终贯穿整部影片，有时候镜头以露丝的视角来看他人，有时候镜头又在细细窥探她的一举一动。就是这种诡异的镜头所形成的缓慢而深幽的感觉，让人觉得不安。

与大多数恐怖片相比，《魔鬼圣婴》画面明亮，色彩鲜艳。可以看得出，波兰斯基刻意地再回避恐怖画面的安排，如罗曼夫妇收养的女孩跳楼身亡，露丝被撒旦强奸以及没有眼睛的魔鬼圣婴，都没有大肆渲染恐怖。尤其是露丝玛丽的婴儿，更是最终都没有出现，让我有点失望，但这些刻意回避恐怖画面的安排，丝毫不减影片的恐怖程度，而是更显巧妙。传说中的“杀人不见血”，正是波兰斯基的高明之处。

除此之外主人公的造型也是影片的亮点。露丝从之前尽显时尚的装扮到后来短发的孕妇造型，让我对她的造型上的视觉感受从动人到吓人发生了微妙的转变，不由的为她揪心。

这部影片的结局是让我最难以接受的，我相信很多人也是如此。看着露丝身处危险之境，我不由地产生了怜爱，从她发现一切都不对劲之后将一切告诉丈夫，我想着他们会不会走上一切揭露这恐怖谜团的道路，但导演告诉我，他没有这么做，连丈夫也和巫师们是一伙的，露丝显得如此孤单。但当她把最后的希望依托于希尔医生时，无情的波兰斯基又狠狠地中伤了露丝和观众，看着无所依靠的主人公被拖走，我近乎绝望了。但这并没有结束，什么叫狠毒，那就是给你一把刀去反抗，然后当你握着刀向我冲来的时候我已经向你举起了枪，所有的挣扎都显得那么徒劳的时候，人会觉得如此的绝望，而波兰斯基偏偏要给你一丝希望，让你心理落差拉大，跌得惨不忍睹。最后露丝握起刀让我以为这会是最后的大逃亡，而进入眼帘的场面让我惊讶了：公寓大厅里放置着黑色的婴儿车，一群巫师们手持香槟谈笑风生，就像一个和谐的正常家庭一样。这只是惊讶，而之后露丝对邪恶势力的妥协让我感到无比的恐惧和绝望。

一度我也以为故事会有些转机，因为我是很怕残酷的结局的，我一直希望女主角能抱着自己可爱的孩子逃离这一切，但波兰斯基决不会那么做，他是邪恶的编织者，编织着一个一个诡异的故事，并且将观众玩弄于鼓掌。

波兰斯基最终让故事不可逆转的走了下去，女主角对孩子的接受暗示着她向邪恶的妥协，随之走向了万劫不复的深渊。但是当我换位思考时，我理解到露丝为什么会做这样的选择了，她是孩子的母亲，仅此而已。已经绝望了的她，无所依靠，而这个孩子便是她唯一的依托，她之前的所有挣扎不正是为了自己心爱的孩子嘛，她不管父亲是谁，不管这孩子象征着什么，她所知道的是：那是我的孩子，我是她的母亲。

显然在镜头表达上露丝对邪恶势力的屈服感比对孩子的爱强烈多了，我可以理解为这是观众的个人思维所致，观众所想要的是正义战胜邪恶，但这不是波兰斯基想要的，也不是露丝想要的，露丝从头至尾的目的并不是战胜邪恶，她的所作所为必定要是让观众失望的，因为她的目的是保住自己的孩子。当我理解透这些，我会觉得结尾是有着别样的温馨的，作为母亲，露丝已然胜利了不是吗？

波兰斯基这种打破观众固定思维的结局，着实让人很难接受，但仔细分析后又会觉得很合情合理，并且极度的巧妙。从整部影片可以看出波兰斯基的内心有着极大的阴暗面以及些许光亮，就如他那悲惨的人生与巨大的光环的对比一样，就是这么一个不协调的存在，却让我很是着迷。

最后借用一句话来形容他：波兰斯基是一个靠燃烧胶片来取暖的人，他把自己隐藏在那个虚构的罪恶世界中，用一种冷漠的方式来寻找温暖。

第二篇：电影圣龙的守护观后感

电影圣龙的守护观后感

只要坚持就有可能会成功。”这是我昨天我观看《圣龙的守护》这部电影里，我感触最深的一句话。

这部电影主要讲的是：因为种种原因洛克王国与天空城之间的彩虹桥被破坏了，洛克王国的国王把气都撒在了大臣麦斯威尔身上，麦斯威尔投靠了恩佐一伙，用黑魔法打伤了格里芬院长和国王，因为洛克王国的空气受到污染，国王派克小分队带着圣王石去天空城召唤精灵王修复彩虹桥。这件事被麦斯威尔知道了，他变成洛克小分队的一员也跟着出发了，但是他的阴谋还是没有得逞，最后还是让精灵王修复了彩虹桥，这之中他们遭到了很多危险，但是他们还是一样在坚持着，这样我明白了一个道理，坚持就是胜利。

这让我联想到我生活中的一件事儿，记得有一次我在周末抄一篇作文，这篇作文大概有350字，我抄的手拿笔都有些抖，脖子酸的都直不起来了，但是我想要一次性把它抄完，最后我终于抄完了，我高兴的快要欢呼起来了。

不管是在现实还是在幻想，我们都需要去坚持。这一步坚持下一步等着你的就是胜利。

第三篇：论好莱坞电影《艺术家》艺术风格之观后感

论好莱坞电影《艺术家》艺术风格之观后感

奥斯卡历史上只有两部默片获“最佳影片”奖，一部是1927年的《翼》，即奥斯卡的第一部最佳影片，第二部就是《艺术家》。这是一部关于电影的电影，启示观众电影的进化非一蹴而就，从默片、声音、彩色、宽银幕到3D立体影像，各阶段不是割裂的，而彼此重叠、相互渗透、渐进而来。每阶段都曾辉煌，每个形式都造就过卓越的艺术家。他们的光芒会渐渐黯淡，而成就化作电影的足迹。

是什么感动了我？进影院之前，我原猜想《艺术家》会以黑白有声形式，拍一部默片时代的故事。结果放映开始才发现是黑白默片，窄小的画幅，发黄的旧影像，还伴着沙沙的胶片声。男主角亮相，造型夸张，油头粉面，剑眉入鬓，嘴角翘翘着两撇人造小胡，朱唇微露皓齿，光闪闪像旧中国夸富的金牙。女主角身条流丽，袅袅婷婷，影影沉沉一双妙目，顾盼间光彩照人。双双高调出镜，背景为20世纪初加州小镇上的摄影棚。先一个蓝天白云远景，烘云托月，后切入面部特写，心情欢畅，乃早期默片心理表现主义手法。间或黑底白体的字幕，提醒你在看货真价实的默片。恍惚间不知身在影院，还是教室里观摩资料片。我一直提着心，期待形式会转换成有声片。毕竟已是3D时代，谁还会真拍一部黑白默片呢？不过烘托一下时代氛围罢了，等故事情节发展到20世纪20年代末，便自然会出现对话，在片尾或转为彩色的也未可知。但导演很沉得住气，情节到好莱坞经理让乔治观摩新发明的有声技术，但自负的“艺术家”嘲笑它是马戏团的勾当，拒绝扮演说话的角色，影片《艺术家》仍保持着沉默。演到有声片大获成功，没人再肯花钱去看电影哑剧，乔治自己都买票欣赏幽默的对话，但我眼前的银幕上仍上演着哑剧。戏中戏散场，乔治挤出摩肩接踵的影院大门，一位龙钟老太颤巍巍向他走来。乔治心一动，竟有忠实的老观众还记得他这位当年的“万人迷”？不，老太太来逗他怀里的小狗。自此之后，影片出现音响效果，一只钢勺从早餐桌上掉下，“当啷……”，主人公一惊，但仍说不出话来，他的世界仍是表现主义的

《艺术家》回顾了好莱坞史上一场最深刻的革命。虽然早期电影叫默片，但从来不是无声的，那时影院一般会请乐队在银幕前的乐池里伴奏，有时也用留声机烘托气氛。有别出心裁者，录下飞机的轰鸣声和枪炮的爆炸声，给战争片加点作料，如默片《翼》（Wings）在1927年首映时就已炮声隆隆了。但技术上的难题是如何让声画同步，使二维影像与音响合成，虚拟一个有现实质感的世界。这是个漫长艰难的历程，从录音、录影、播放和扩音一路创新，技术上才渐趋成熟。华纳兄弟公司开有声电影之先河，它原专攻新闻电影，新闻片需要配画外音讲解战事，因此，其声效技术独占鳌头。两次世界大战期间，美国影院跟中国20世纪六七十年代放电影相仿，故事片前总有“加片儿”，美国观众从新闻记录片里了解美军的胜败。但故事片需要说话吗？华纳兄弟意见不一。大哥哈利·华纳（Harry Warner）就不信，“谁会见鬼到影院听演员讲话？”弟弟山姆（Sam Warner）却认为公司的出路在于尝试新型电影。

没人能预测有声片的商业前景，在选演员、写剧本上更力有不逮。默片原本很国际化，演员来自四面八方。像《艺术家》的主角乔治便是意大利裔，其原型是“女性杀手”级别的默片巨星鲁道夫·瓦伦蒂诺（Rudolph Valentino，1895—1926），只要演技好，外表漂亮，形体表现力强，便是好演员。有声片的要求不同，演员嗓音要好，讲话没有口音，声音还须表现力强。更重要的，默片舞台式的夸张表演不再适用了，有声电影需要低调、现实地模仿生活，而形式化、表现性的表演技巧与电影渐行渐远。观众想象自己偷窥别人的生活，演员则配合观众，假装浑然不知地“过日子”。很多外籍演员被有声电影淘汰，本土演员也得由校音师训练发声。1952年金凯利主演的《雨中曲》，演绎了默片演员学习有声表演的故事。剧本创作变化更大，善写对话成了编剧的看家本事。

美学上，电影理论家对有声片也看法不一。苏联蒙太奇大师爱森斯坦认为，电影的本质是表现主义，蒙太奇才能构成表意系统，加上声音反不伦不类，偏离了电影艺术本身的特质。法国理论家巴赞针锋相对，嘲笑默片是被拆除的“影像古堡”，精英们因害怕声音带来的现实感，才倍感绝望。声音不是影像的陪衬，让声与像一一对应，相反，声音要限制镜头的运用，使光影呈现在空间的自然连续性和心理的逻辑性之中，从而扬弃蒙太奇的隐喻与象征。巴赞称现实主义风格才是电影的本质，默片更接近舞台艺术，有声片才接续了现实主义小说的传统，所以两种形式根本上是断裂开的。《艺术家》反映了电影转向的关键时刻，乔治拒绝说话，嫌声音“不艺术”，折射默片精英的最后一搏。

时代车轮滚滚前行，1927年第一部有声故事片《爵士歌手》（The Jazz Singer）诞生，对话虽不太多，但声画同步，而且每首歌都配了音，结果票房大获成功。从此，有声片一发而不可收，默片黯然退场。还有个意外的后果，电影公司为取悦观众，不仅淘汰英语非母语的演员，就连原本沾沾自喜的英国裔演员也下了岗，美国乡音渐大行其道。好莱坞电影的民族化初露端倪，美国价值观、风俗习惯和文化偏见都渗透到对话里，并不断强化。与此同时，欧洲电影也同样随有声技术渐趋民族化。故事片对话的分量不断凸显，由于各国语言不通，促生出进口片翻译、配音这个行当。有声电影改变了电影的信息传递方式，复杂和丰富的民族意识和地域风情跨过了边界，国家意识形态也暗度陈仓。各国政府担心起文化侵略来，于是控制进口影片的流量，启用配额制，规定国产与进口片的比例。从此，电影不再是国际艺术，而成为我们熟知的“国别电影”（national cinema）。

默片时代一结束，好莱坞便进入黄金时代，据说美国人口中有八成常光顾影院，民族化的影业反过来塑造了大众文化的美国特性。20世纪二三十年代，欧洲移民刚踏上新大陆，最先遭遇的困境是融入主流。新移民从最底层工作干起，含辛茹苦，日夜劳作，身处社会边缘。他们背井离乡是为实现美国发财梦，跻身中产阶级行列。廉价的电影是新移民尚可企及的文化生活，也是了解美国的窗口。主流社会如何举止打扮，怎样生活起居，劳累一天的人们坐在黑暗的放映厅里，眼巴巴从银幕上窥视浪漫化的美国生活。他们宁愿相信虚构的美丽人生，确定漂泊他乡、认异邦为宗土的初衷。大明星亨弗莱·鲍嘉（Humphrey Bogart）、加里·格兰特（Cary Grant）、马龙·白兰度（Marlon Brando）的举手投足、持身接物、衣着打扮，都是模仿的样板。标准绅士、铁血硬汉的口头禅、俏皮话更让学习英语的移民青睐。西部片夹杂一些极具种族色彩的台词，迅速广为流传。一句“只有被打死的印第安人才是好印第安人”（The only good Indian is a dead Indian），曾被反复引用，花样翻新。二战时欧洲战场的美国大兵会说“只有被打死的德国佬才是好德国佬”，太平洋战场又用在日本人身上，朝鲜战争和越南战争继续套用这个句式。

移民融入主流，美国文化景观也随之改变，新主流再塑造更后来的移民。犹太作家伊斯雷尔·赞格威尔（Israel Zangwill）1916年的戏剧《熔炉》（The Melting Pot）有句台词：欧洲所有民族在这个伟大的熔炉里融化和重生。“文化熔炉”恰如其分，其催化剂便是电影，很大程度上，美国城市文化是电影文化。从默片到有声片，不仅是电影形式的创新，也是一场文化革命。许多乔治这样的艺术家被时间的尘埃淹没，而电影在沉默的余烬中浴火重生，跃升为现代艺术星空里最闪耀的一颗。

奥斯卡历史上只有两部默片获“最佳影片”奖，一部是1927年的《翼》（Wings），即奥斯卡的第一部最佳影片，第二部就是今年的《艺术家》。这意味着默片的复活吗？不，历史不会倒转，《艺术家》也非向爱森斯坦致敬，主张默片为“真艺术”。导演不保守，甚至说不上怀旧。片中确实不少场景、镜头模拟经典默片的桥段，向似水年华致意，如女主角最后一分钟营救乔治，模仿格里菲斯1913年的默片《死亡马拉松》（Death’s Marathon）。他们二人的荣辱沉浮，又颇似1937年的《一个明星的诞生》（A Star Is Born）。但不能因此说它是仿旧作品，相反，它很先锋，在“戏仿”好莱坞的经典叙事。

所谓好莱坞经典叙事，是黄金时代美国电影摸索出的一套行之有效的叙事方式：情节依线性逻辑和时间顺序讲述，中心角色的心理动机统摄故事的因果关系；影片按效率原则结构，让信息最大化，情节紧张，配以自然布光和充分场面调度，烘托悬疑和戏剧冲突。当观众移情到电影编织的两小时“白日梦”时，便得鱼而忘筌，再现形式在情迷神往中悄悄隐去。而《艺术家》却与经典叙事的透明性反道而行，张扬默片的表现形式，压抑我们习以为常到视而不见的现实主义形式。随电影情节发展，会感到默片形式时时面临危机，内容与形式之间充满张力，情节渐渐退居背景而反衬出形式。观影过程中我始终焦虑着，默片何时转向有声，恢复习惯的欣赏口味？导演却吊足胃口，调动你所有电影知识，逼你反思电影形式本身，细细把玩直到结尾，电影公司老板才说出一句无关紧要的台词，主角始终缄默。一部关于电影的电影，启示观众电影的进化非一蹴而就，从默片、声音、彩色、宽银幕到3D立体影像，各阶段不是割裂的，而彼此重叠、相互渗透、渐进而来。每阶段都曾辉煌，每个形式都造就过卓越的艺术家。他们的光芒会渐渐黯淡，而成就化作电影的足迹。

电影是时间性的艺术，恰如我们的生活，既年命朝露、盛衰有时，又后浪推前浪、势不可挡。才经历过的，尚未驻足回望，已新浪潮涤荡，了无痕迹。刚呐喊出：展望未来，迎接挑战。余音袅袅，已陈词滥调。一唱出“我们的未来不是梦”，歌声未罢，已一枕黄粱，梦醒犹恋。过时乃时间的本质，无论你态度多开放，与时俱进的意愿多强烈，今日艳绝一时，明日黄花蝶愁。乔治的沉默是我们共同的宿命。记得几年前，王朔批“80后”泡沫，“80后”集体震怒，回骂王朔到更年期，嫉妒年轻。王朔靠青春反叛起的家，跳着脚吼：你们也有老的时候！“80后”犟嘴：我们风华正茂，没有你老！才过几年，恰同学少年已黄脸臃肿为人母，轮到“90后”嫌他们絮叨了。连生老病死也争个眉眼高低，可叹近视已到盲目。原以为只有蜉蝣及夕而死，蟪蛄不知春秋，人竟也不懂寒来暑往，盛极必衰。

电影《艺术家》高明之处，是不以今人评故人，不因电影技术昌明而沾沾自喜。电影已过百年，我们后知后觉，比前人眼界开阔些，却无资格居高临下。螳螂捕蝉黄雀在后，今人还会被后人指点。片中最让人感动的是时空阻隔不断、仍可息息相通的情感。乔治一生悲喜源自对电影的深爱，电影不仅是娱乐消费，更是追求完美的艺术境界。“白日梦”的浪漫与现实中的无奈，对他一样是生命的时时刻刻。这份感情不因时间流驶而锈蚀，也不随星移物转而变质。时间虽是世界的法则，人性却可穿越时空。古今人不相远，尽管时过境迁，我们仍可心契魂交，此片关乎恒久的人情物理，而非物竞天择的进步宣言。