西方音乐史---感受勃拉姆斯

第一篇：西方音乐史---感受勃拉姆斯

之

《感受勃拉姆斯》

学 院：

班 级： 姓 名： 学 号： 上 课 时 间：

《西方音乐史》结课论文

摘要：

勃拉姆斯是德国19世纪后半叶最著名的作曲家、钢琴家、指挥家,是继舒伯特和舒曼以后最重要的歌曲作家。勃拉姆斯的音乐既反映出他德国北部故乡的朴实无华，又反映出维也纳的妩媚动人。在他的最大型作品《德意志安魂曲》中表现出了这两个方面。他出自对人类善良的信念和对德国人民的爱，紧紧依靠德国古典音乐大师——自巴赫、莫扎特、贝多芬到舒伯特和舒曼的传统，创作出足以同十九世纪末德国音乐中开始出现的一些颓废现象相对抗的包罗万象的作品来。这正是他创作的主要历史功绩所在。在德国音乐中，人们常把勃拉姆斯同巴赫、贝多芬姓名的第一个字母总称为“三B”原因概在于此。

关键词：

勃拉姆斯 作曲 爱情

目录：

1.前言 2.人物简介 3.艺术成就 4.主要作品简介

1)C小调第一交响曲，第三乐章 2)摇篮曲

3)第五号匈牙利舞曲 5.爱情故事 6.感受勃拉姆斯 7.参考文献

前言：

勃拉姆斯(Brahms)，在我的记忆中，最早是出现在我所在小学课室外走廊的 墙上——他那大胡子的肖像。其实并不是他有多出名，也不是在那挂像中的眉鬓间有着什么特别吸引人的地方，只是因为在左边挂的是贝多芬(Beethoven)的头像，在右边则是巴赫(Bach)。当时只知道他也是音乐家，而我却对音乐不是太感兴趣的，他也就随之在我的记忆中慢慢褪色了。

勃拉姆斯或许有很多这样那样的故事、传记，但让他再次进入我的视角里的，换成了是大学里一节西方音乐史选修课中，他的一首摇篮曲。也正是因此，让我有了想要去真真切切了解他的愿望

人物简介：

勃拉姆斯（Johannes Brahms，全名译为约翰奈斯·勃拉姆斯。1833.5.7-1897.4.3），德国作曲家。1833年5月7日出生于德国汉堡的一个职业乐师的家庭里。他童年生活十分贫困，7岁随父亲学钢琴，13岁便在酒店里为舞会弹伴奏，在剧院帮助父亲演奏，15岁起举行演奏会，并创作一些钢琴作品。与此同时，为了多得报酬，他还写了不少沙龙音乐作品，包括多种舞曲、进行曲和管弦乐曲改编曲等。

1848年，他在汉堡结识了匈牙利著名小提琴家爱德华·列梅尼，从他那里了解并学习到匈牙利民间音乐。后来，他和这位提琴家一起巡回演出，认识了匈牙利著名小提琴家约阿希姆家李斯特和德国著名作曲家舒曼等人。舒曼在《新的道路》一文中，称“勃拉姆斯是善于把时代精神表现得尽善尽美的杰出的专家”。勃拉姆斯早期的创作大多是一些钢琴曲和声乐曲，受舒曼影响较深。

1860年以后，开始写交响曲和其它形式的器乐曲，追摹贝多芬的风格。勃拉姆斯对民间音乐十分重视。他有句名言：“民歌，是我的理想”。他的《匈牙利舞曲集》以及近百首改编曲，都是充分利用民间音乐素材或模仿民间音乐风格写成的。此外，他还创作了二百多首歌曲、四部交响曲、一些协奏曲，室内乐和一批钢琴曲。其中显著名的作品有：四部交响曲、《a小调小提琴和大提琴协奏曲》、《D大调小提琴协奏曲》、《匈牙利舞曲集》、《学院节日序曲》和改编的二十一首《匈牙利舞曲》等。

1897年4月3日，勃拉姆斯逝世于维也纳，享年六十四岁。

艺术成就：

勃拉姆斯是德国音乐史上最后一个有重大影响的古典作曲家，被视为19世纪浪漫主义音乐时期的“复古”者。他是创作与演奏并重的作曲家。但他没有进过音乐学校，靠他自己的勤奋好学、他的卓越才能和对自己所献身的事业重要性和必要性的觉悟。他的成熟的作品证明了他掌握着登峰造极的艺术技巧和才华。他的作品兼有古典法和浪漫精神，极少采用标题，交响作品中模仿贝多芬的气势宏大，然而笔法工细，情绪变化多端，时有牧歌气息的流露，仍带有自己特点。

人们把勃拉姆斯与巴赫、贝多芬并列为“三B”，尽管这种提法的意义不够确切，但它说明了勃拉姆斯在德国音乐中的地位。勃拉姆斯创作了除歌剧以外一切体裁的作品，在交响曲、室内乐、协奏曲和艺术歌曲方面留下了众多杰作。勃拉姆斯继承贝多芬交响乐的传统，以深刻的人道主义和热烈的爱国主义精神出发，着力表现时代精神风貌和斗争生活，作品成为贝多芬之后西欧交响音乐的杰出典范。难怪人们把他的《第一交响曲》誉为“贝多芬第十交响曲”。勃拉姆斯自己也曾记叙说：“在我背后不断地听到巨人（指贝多芬）的脚步声。”

勃拉姆斯写作交响曲并不追求色彩和光辉的表现，但他的乐队表现却格外精致而富有表情。在继承古典乐派交响乐的结构形式的同时，勃拉姆斯又赋予作品浪漫主义的色彩和气质。作品结构严谨，情思蕴藉，规模庞大。他还将德国古典作曲家严密的复调技术和动机发展手法运用到交响曲的创作中。重要作品还有《D大调小提琴协奏曲》，《匈牙利舞曲》第五、第六，管弦乐《学院典礼序曲》及《摇篮曲》等优秀曲目。

主要作品简介：

勃拉姆斯重视奥地利民歌，曾作有九十余首改编曲。所作形式繁多的重奏曲，提高了室内乐的地位。接下来将就勃拉姆斯最具代表性的三首乐曲做展开介绍：

一、《C小调第一交响曲》（第三乐章）

交响曲在勃拉姆斯的音乐中是占重要的地位的，但在数量与舒曼相同，只有四部，尽管他对交响乐的创作怀有很大的雄心，但他还是认为既然已经有了贝多芬的交响乐，就没有必要再创作交响乐了，因此他的第一首交响乐发表时，已经四十六岁了，为了完成第一交响乐，勃花费十四年的功夫，这部交响乐被人们称为《第十交响乐》，是继贝多芬九部交响乐后当之无愧的作品，即贝多芬的“第十交响曲”。

勃拉姆斯的C小调第一交响曲无论是在思想构思，结构原则，主题形象和风格方面，都非常接近贝多芬的交响曲，创造性地体现了克服障碍而赢得巨大欢乐的思想。

第三乐章用复之部写成：乐曲的开始主题，怀有淡淡的忧郁之情，也充满着秀丽、典雅的气氛，在此之后又出现了印象贝多芬“命运”主题的痕迹，又近似贝“欢乐颂”的主题，换名话说在这在作者是有意地改造贝多芬作品中的旋律，用以作为人类友爱和光明战争黑暗这一象征，在这里，音乐给人带来了温暖，带来了抚慰，带来了鼓舞的力量。

二、《摇篮曲》

勃拉姆斯的器乐曲是古典主义，但他的声乐曲则完全属于浪漫主义领域，他继承了舒伯特和舒曼的传统，他创作的声乐曲具有优美、朴素的德国传统歌曲风格，如著名《摇篮曲》、《五月之夜》、《小夜曲》等等。

《摇篮曲》创作过程是这样的，1864年，勃拉姆斯在汉堡遇见了一位维也纳的青年女歌手贝尔塔，奥地利姑娘特有的温柔和天真浪漫的风彩打动了他的心，但由于种种原因，他俩未能结合，贝尔塔与他人结了婚，当他们第二个孩子出世时，勃拉姆斯写了这首摇篮曲送给他们。

这首摇篮曲与舒伯特的不同，伴奏部分没有舒那首模仿摇篮的摇动，而是描绘一种夜色朦胧的景象。听这首曲子好像使我们看到了一个年轻慈爱的母亲在朦胧月色的夜晚，借着月光轻声地在摇篮前吟唱。

三、《第五号匈牙利舞曲》

勃拉姆斯的二十一首匈牙利舞曲，曾经风靡欧洲这些乐曲原为钢琴曲，后来改编成各种演奏形式相亮相演出，1869年勃拉姆斯出版了《匈牙利舞曲》第一集（共十四首），很受听众欢迎，但也遇到不少麻烦，一些匈牙利音乐家指责他剽窃他人作品，侵犯人权，甚至于上诉到法庭，但由于勃拉姆斯在发表时只在这些作品上署名是“编曲”，并没有写自己作品的编号，所以得以胜诉，后来他又出版了第二集匈牙利舞曲集7首，为了避“剽窃”之嫌，创作的部分特别多，有的全是创作的。匈牙利舞曲特点：节奏自由，旋律奔放，速度对比强烈，曲式较多回复三部曲式。

第五号匈牙利舞曲是其中最著名的，他经约阿希姆改编成小提琴曲后，得以流传的，此曲采用多三部式，首尾相同，中间部分分为两个小部分。

第一部分、第三部：音乐具有典型的匈牙利民族粗犷豪放的性格，并有一种泼辣狂舞的特征。

第二部分：活泼的快板，两个小段：

1、华丽的舞姿，与前形成强烈的对比，欢快而轻巧。

2、慢与快的对比，松与紧的对比，体现了舞者不同的情绪与姿态。

第三部分 重复再现第一部分。这时粗犷的音乐，显得更动人。

爱情故事：

1896年，63岁的勃拉姆斯拖着病危之躯，绝望而痛苦的行驶在欧洲大陆。从瑞士急匆匆地赶往法兰克福参加一场葬礼。由于行色匆忙，他踏上了相反方向的列车，车载着他离他要去的地方越来越远。当他赶到法兰克福的时候，那场葬礼已经结束。十字架后面睡着他永远无法再看到的人。

天苍苍，野茫茫，他一个人孤独的站在墓前。他把小提琴架在肩上，拉了一首无人知晓名字的小提琴曲，倾诉着43年的情愫与40年的思念。听众唯有墓中人。墓主名叫克拉拉，一位钢琴演奏家，音乐家舒曼的妻子，勃拉姆斯的师母。

1853年，20岁的勃拉姆斯初次见到大他14岁，并且已是几个孩子母亲的克拉拉。勃拉姆斯对克拉拉一见钟情。在此后几年内，勃拉姆斯一直同克拉拉一起照顾生病的舒曼以及他和克拉拉的孩子，直到1856年，舒曼在精神病医院里死去。几年的朝夕相处加深了勃拉姆斯对克拉拉的爱意。但是，克拉拉是自己的师母，是他始终尊重如同父兄的老师舒曼。理智压制住了勃拉姆斯的感情，他用空间隔绝的方式把自己的爱也隔绝在思念里。所以，他选择离开，永远不相见。

勃拉姆斯身体离开了克拉拉，但他的心是不是也离开了，无人知道。离开克拉拉的勃拉姆斯，曾经资助克拉拉全国巡回演奏舒曼的所有作品；他曾经无数次写给克拉拉情书，却始终没有寄出去；他一直和克拉拉保持联系，时刻关心着对方的生活；1875年，他完成献给克拉拉的《c小调钢琴四重奏》，前后用了20年；他一生所创作的每一份乐谱手稿，都寄给克拉拉；他一生未婚。

感受勃拉姆斯：

早年，勃拉姆斯把约阿希姆的座右铭“自由但孤独(free but lonely)”改

成“自由但快乐(free but happy)”作为自己的方向。这又何尝不是现在很多人的理想呢！只是就连勃拉姆斯自己到最后也不得不承认，“我从未真正的快乐，只是不断徘徊于满足与沮丧间”。1897 年4 月3 日清晨，当勃拉姆斯最后一次醒来，只含一滴泪珠在眼中，说不出一句话就离世，所有的一切都幻化成了他那永恒的乐符。

孤单的到来，孤单的离去，勃拉姆斯一生中最美好的时光都有克拉拉的身影。不同于所有音乐人的单纯真挚，勃拉姆斯子在爱情里夹杂着一份不忍与理智，他对舒曼的尊重成了他束缚本心的道德枷锁。爱情爆发时如同洪水猛兽，势不可挡。但是，勃拉姆斯始终没有让自己爱欲浪涛漫过理智的大坝。他把这种思念全部用音乐表现。他说：“我最美好的旋律都来自克拉拉。”

勃拉姆斯就像他的音乐，没有贝多芬那种理所当然的激情磅礴，也不像巴赫那样固态的沉稳庄重，更不同于莫扎特，把世间的一切都转化成优美的旋律。有一种欲言又止的惆怅，有一种深藏不露的忧郁，有一种隐隐约约的哀怨。音符是在跳跃的，但是它们所表达的情绪是受控制的，然而感情却是那么的震撼。本来很矛盾的东西，在勃拉姆斯身上，在他的音乐里，好像一切都变得协调了。

参考文献：

钱仁康译注.《勃拉姆斯艺术歌曲精选》.上海音乐出版社.(2003)百度百科“勃拉姆斯”

虫虫注.《读你，勃拉姆斯》.(2008)《上海师范大学校级科研课题——德奥艺术歌曲的代表性作品演唱研究》

2012年12月22日星期六

第二篇：学习西方音乐史后的感受

学习西方音乐史后的感受

音乐史是人类重要的文化现象，历经了漫长的岁月，伴随着人类社会的发展，音乐也在不断的发展变化着，当人们面对这样一个复杂庞大的历史性文化现象时，总会让我们产生许多思索。

大二下半年我们学习了西方音乐史，西方音乐史主要讲的是欧美音乐的历史。西方音乐理论的发展史源于古希腊，发展于中世纪、文艺复兴和巴洛克时期，在古典和浪漫时期有了质的飞跃，在20世纪得到了极大的发展，成为最多元化的一个时代。伴随音乐史的发展也涌现出很多优秀的音乐家，在古希腊和古罗马时期的音乐家记载在册的很少，从中世纪开始，游吟诗人、恋诗歌手等音乐家财大批涌现，在文艺复兴时期，有著名的约斯坎，帕莱斯特利纳等，巴洛克的巴赫和亨德尔，古典的海顿、莫扎特和贝多芬、浪漫的李斯特 勃拉姆斯，20世纪的斯特拉文斯基、肖斯塔科维奇等。

这其中我最喜欢莫扎特，在小组研究的时候我就选择的他。莫扎特出生于神圣罗马帝国时期的萨尔兹堡，是欧洲最伟大的古典主义音乐作曲家之一。35岁便英年早逝的莫扎特，留下的重要作品总括当时所有的音乐类型。在钢琴和小提琴相关的创作，他无疑是一个天份极高的艺术家，谱出的协奏曲、交响曲、奏鸣曲、小夜曲、嬉游曲等等成为后来古典音乐的主要形式，他同时也是歌剧方面的专家，他的成就至今不朽于时代的变迁。

这位18世纪的奥地利人（1756－1791），跨越如此巨大的时空，在21世纪的当下，通过其音乐的鸣响，仍然拨动着我们的心弦。每当他的音乐响起，我们总是感到，这音乐一点也没有“过时”，而且，这音乐似乎根本不会“过时”，甚至，它好像就是专为我们当代人而作。毋庸置疑，莫扎特的音乐属于“经典”。而所谓“经典”，就是经得起时间考验，摆脱了具体时空限制，并能够针对一切时代诉说的精神产品。在这层意义上，一切经典都是当代的，因为经典触及了人性的根本命题。他的音乐语言和音乐风格是18世纪的精粹结晶，但他通过音乐作品表达出来的心灵感受和人生态度，却不仅具有特别的现代感，而且还超越古今，直接指向了永恒。

音乐作为人类特有的文化现象，它的艺术的美决定了它的价值之所在，这种价值是可以使全人类接受的。它的发展伴随着人类的发展。

第三篇：学习西方音乐史后的感受

学习西方音乐史后的感受

音乐史是人类重要的文化现象，历经了漫长的岁月，伴随着人类社会的发展，音乐也在不断的发展变化着，当人们面对这样一个复杂庞大的历史性文化现象时，总会让我们产生许多思索。

大二下半年我们学习了西方音乐史，西方音乐史主要讲的是欧美音乐的历史。西方音乐理论的发展史源于古希腊，发展于中世纪、文艺复兴和巴洛克时期，在古典和浪漫时期有了质的飞跃，在20世纪得到了极大的发展，成为最多元化的一个时代。

第四篇：摇篮曲 勃拉姆斯（推荐）

《摇篮曲》教学设计

一、教材分析：

《摇篮曲》是德国作曲家勃拉姆斯创作的古今摇篮曲中颇负成名的歌曲。是为法柏夫人创作的。是送给法柏夫人第二个孩子的礼物，因法柏夫人喜欢圆舞曲风格的歌曲,所以作曲家把圆舞曲稍作变化，将伴奏部分放在右手，产生了一首甜蜜的旋律，就是流传至今的这首三拍子的《摇篮曲》。乐曲原为F调，教材改为D调。简朴的主题充满了温和、安详的情绪，表现了母亲深挚的怜爱。伴奏声部的切分效果，形成了摇篮摇晃的动感，烘托了乐曲平稳的宁静的气氛。

二、教学目标：

（一）情感态度与价值观

1、体会歌曲的情绪，体验摇篮曲所表现的意境：歌曲结构短小，旋律轻柔甜美,歌曲伴奏型常带摇篮的动荡感。

2、引导学生体验歌曲所表达的情感，感受母爱的伟大。

（二）过程与方法

1、从听入手，引导学生在学唱的过程中，逐步掌握歌曲的情绪、情感，并以此为依据，调整自己的演唱速度、力度，带着感情去演唱《摇篮曲》。

（三）知识与技能

1、有感情的演唱《摇篮曲》，并从演唱过程中感受摇篮曲音乐的风格

三、教学重点和难点：

（一）教学重点

1、感受音乐情感，用连贯、柔和的声音来演唱歌曲。

（二）教学难点

1、有感情地演唱《摇篮曲》。教学过程：

（一）课前准备

1.教师播放《游子吟》音乐，营造良好的课前氛围，同学们提前进入母爱主题。

（二）直接导入

1.教师出示一张熟睡中的婴儿的图片，播放《摇篮曲》的音乐片段。

带着问题欣赏音乐：聆听歌曲，说说歌曲的节奏、速度、力度怎样？这首歌曲适合谁在什么情况下演唱。

2.选一选歌曲的旋律，速度，力度和情绪。3.介绍什么是摇篮曲。4.歌曲简介。5.认识音乐家勃拉姆斯，并介绍他的作品。

（三）歌曲教学 学唱歌谱

1.这首《摇篮曲》是几段体？演唱时我们怎样表现音乐情感？ 分析曲式结构，出示曲式图例。

2.介绍音乐知识：弱起，前倚音，后倚音，渐强和渐弱。3.边划3拍子边视唱，4.聆听歌曲，画旋律线条，随音响哼唱旋律。5.出示歌曲的合唱曲谱，分声部学习歌曲。6.分高低声部边画旋律线条边歌唱。

（四）实践与创造

1.以歌曲前八小节的旋律为基础，用改变节拍和节奏的方法创编一段新旋律。2.看看改编后的旋律是否还有摇篮曲的风格？

（五）拓展与提升

⑴出示舒伯特摇篮曲谱例。

1.第一遍请同学们跟着老师琴声，用“啦” 音来演唱。

2.第二遍请同学们跟着老师琴声，和老师一起来唱谱，同学们有信心吗？ 3.有哪些地方不容易唱准确？请同学们提出来。4.钢琴给标准音，师生共同边划拍边视唱。

（2）罗列了世界各地的几首摇篮曲，有选择地欣赏。1.用划拍的方式寻找这几首摇篮曲的节奏与节拍。2.回顾总结摇篮曲的特点。

（六）课堂小结

这节课，我们通过学习、讨论，对摇篮曲知识有了一定的了解，我们不但能有感情地演唱了勃拉姆斯的《摇篮曲》，还视唱了舒伯特的《摇篮曲》。总而言之，通过本课学习，我们可以感受到母亲的爱是真挚而无私的，懂得回报爱才能使我们更幸福，因此希望同学们学好技能，让自己拥有一技之长来报答母亲的爱。

第五篇：西方音乐史

释

词

康都克特斯：

12、13世纪的教会乐曲，它不同于经文歌之处是没有格里高利圣咏声部，所有声部都是由作曲家创作的，因此，就有了作曲家个人情感上的表现。康都克特斯比较简单，各声部是一个音对一个音的自由乐曲，三个声部同时唱相同的歌词。

猎歌：14世纪意大利较受欢迎的体裁之一，它的内容与狩猎有关，具有标题性和造型性。常有三个声部，其中低音声部是和声的支柱，另外两个声部以卡农式的手法相互对答。这正是猎歌体裁的特点和主要技法，并且产生了相当广泛的影响。

奏鸣曲：在巴洛克早期只是泛指器乐的前奏或声乐曲的器乐间奏，到17世纪中叶以后，奏鸣曲被大大的完善，奏鸣曲有一个带有几部分的乐章或由几个在速度和肢体上大不相同的乐章组成。奏鸣曲有两种形式：室内奏鸣曲、教堂奏鸣曲。

大协奏曲：巴洛克时代最重要的管弦乐曲，它是由独奏组和管弦乐队协奏而成。大协奏曲是由几个舞曲性或非舞曲性的乐章组成的套曲，曲式与奏鸣曲相同，大协奏曲体现出那个时代意大利式的激情与狂热。

受难曲：中古时代的受难曲是从格里高利圣咏变化而来的，中古时代以后，在德国产生了经文歌表现受难福音的形式，直至许茨、巴赫才以其独特的样式在受难曲领域拥有自己的天地。巴赫的受难曲形式与康塔塔一样，有独唱、合唱和管弦乐。

玛祖卡舞曲：这种体裁是直接来自民间，主要是玛祖卡、奥别列克和库亚维亚克三种波兰民间舞曲。肖邦的玛祖卡舞曲很少直接采用民歌素材，而是把握民歌的本质和内在规律，进行新的加工，创造出一种新型的玛祖卡舞曲。节奏和旋律是玛祖卡舞曲的灵魂。

波洛涅兹舞曲：原是民间舞曲，16世纪后半叶进入宫廷，成为无词的纯粹器乐曲。波洛涅兹被采用于爱国歌曲、钢琴曲、提琴曲和管弦乐曲，肖邦的波洛兹涅舞曲有《A大调波洛兹涅舞曲》《c小调波洛兹涅舞曲》

简

答

文艺复兴时期音乐审美价值的意义：

第一、从音乐审美价值的角度看，音乐创作体现了“人文主义”的思想。人的生活情感成了主要的表现对象，宗教体裁和世俗体裁的作品都包含着文艺复兴时期人们最珍贵的情感特征，是一种高度概括性的人生感受。第二、从艺术社会学角度看，这时的音乐也代表着文艺复兴时期人们的精神面貌。这时期世俗感情的刻画在宗教体裁中成为自觉追求的目标，从根本上打破了宗教音乐处处受着教会束缚的情感美来说，是一次大的变革。也是对音乐本质认识的一大进展。第三、从音乐形态学发展角度看，有着显著的创新性。法国杰出诗人、作曲家维特里所写的新艺术很具代表性。对位法则的出现，和声连接中禁止连续使用八度和五度，记谱法的逐步完善。复调音乐的发展进入全盛时期。第四、与宗教音乐对立的世俗音乐空前繁荣，并成为这时期音乐发展中最显著的特征之一。

文艺复兴时期宗教音乐的特点： 文艺复兴时期想当一部分的宗教音乐不只是一个表达宗教的问题，也是音乐观念领域中的问题。宗教音乐不仅是为教徒而写，它已成为面向宫廷和市民阶层的一种艺术形式。这一时期的音乐艺术具有独特的微妙之处和神奇的魅力。这在尼德兰乐派的作曲家作品中颇具代表性。尼德兰乐派的其他作曲家的宗教音乐作品也是通过世俗音乐的渗透来体现宗教音乐世俗化的倾向性。文艺复兴时期宗教音乐也具有广泛的社会性，它也必须面向宫廷和市民阶层，也需要与听众发生情感的交流和共鸣。意大利教会复调音乐的卓越作曲家帕勒斯特里那为代表的罗马乐派。创作的宗教体裁，最重要的是弥撒曲和经文歌。这时期另一种体裁是德国产生的多声部的新教圣咏，其创始人是宗教改革运动领袖马丁 路德。

马丁 路德宗教歌曲“圣咏合唱”的特征：

1、歌词用德文而不是拉丁文（格里高利圣咏是拉丁文）；

2、曲调主要来源于德国的民歌，一部分来源于德国古老圣歌；

3、四声部的圣咏合唱，原是单声部的新教歌曲。因此圣咏被打上了深深的民族烙印，从形式到内容均获得升华。这是欧洲音乐文化史上宗教音乐中主体与其他因素发生交融、变化的又一成功范例。

蒙特威尔第的歌剧特征：

第一、歌剧表现过程中十分突出强烈的感情，从他的歌剧中可以看到人物性格动人的音乐刻画，对人物感情把握的非常准确，朗诵调更富旋律性，加强了戏剧化的效果。从创作实践角度看，蒙特威尔第早期的作品已显示了他在现代和声、声部的进行、戏剧化表现、朗诵风格等方面的辉煌才能，而且还不断探索最深入地刻画人物的方法，不断发现的、当时尚未为人知晓的表现手法。第二、在作曲技术方面的贡献。其一，和声运用丰富多样，并适当的使用不协和的和弦和转调。其二，注重管弦乐队的表现，这一点同样是蒙特威尔第歌剧具有强烈吸引力的一个不可忽视的因素。

拉穆的音乐特征：

第一、歌剧音乐既有鲜明的创作个性，又有明确的民族风格特色，音乐趣味典雅、细腻，又有鲜明的戏剧感染力；第二、为了增加歌剧艺术的表现力，提高了合唱与乐队的作用，广泛应用协奏的手法，而且十分了解乐队的特点，并扩展了乐队的编制；第三、与吕利相比，他的和声手法变得更加丰富多彩，特别有价值的是他的歌剧《希波里特和阿里细》中的转调手法，表现出拉穆创作的极佳特点。

巴洛克时期歌剧的发展及意义：

亨德尔清唱剧创作特征：

第一、清唱剧采用《圣经》为题材。亨德尔的清唱剧是采用英文唱词，并赋予《圣经》题材以新的社会意义。最为明显的例证是《犹大·玛可白》，借用宗教传说中的犹太英雄的凯旋来赞颂现实生活中英国军队的胜利，引起了当时英国听众的强烈共鸣。第二、个人的情感意志与人们追求的英雄达到高度的统一。亨德尔的清唱剧充满着英雄气概，非常符合英国的民族情感，同时也表明的亨德尔人格的伟大和坚强。第三、亨德尔清唱剧的结构原则，基本上是以合唱为主，他那史诗般宽广与宏伟的风格，在合唱里得到鲜明的体现。

巴赫音乐题材内容的多样性：

1、《马太受难曲》《b小调弥撒》等以宗教内容为题材；

2、《d小调托卡塔与赋格》表现了雄浑豪放的情感特征与戏剧性的构思；

3、《咖啡康塔塔》《农民康塔塔》等世俗音乐里，都充满着欢快明朗的情调和昂扬奋发的特点；

4、《g小调幻想曲和赋格》是多种感情因素促成的，充满丰富的幻想意味。

5、内容的丰富多样还表现在《平均律钢琴曲集》中。

巴赫作曲技术的独特性：

1、旋律，巴赫的旋律进行连绵不断，川流不息，其主要来源：一是民间音乐，二是来源于新教圣咏，三是广泛是吸收外来的优秀音乐成果。

2、和声、复调，巴赫的和声手法充实而富有变化，乐思是宏大的，其次，赋格曲是巴赫复调音乐中最具决定意义的部分，而且将赋格技术写法发展到了无与伦比的高度。

3、巴赫在实践上首创了《十二平均律》，突破了传统和声学在调式、音律方面的局限性，为古典音乐和浪漫音乐铺平了道路，对后世作曲家产生了深远影响。

古典主义时期音乐文化的特点：

1、专业音乐家已开始挣脱封建宫廷和教会的束缚，走向市民阶层。

2、喜歌剧的诞生，标志着歌剧的题材内容和风格形式发生了深刻的变化，平民的生活成了主要的描写对象。

3、海顿、莫扎特、贝多芬的音乐创作大多具有社会意义，他们的成就为维也纳的音乐增添了不朽的光彩，使维也纳成为后世音乐家膜拜的圣地。

格鲁克的歌剧改革动因及意义：于润洋

海顿音乐创作的历史贡献及评价：讲义

莫扎特的歌剧美学思想：

1、莫扎特认为在歌剧中诗必须绝对服从音乐。他对于歌剧创作的合乎规律的论述抓住了歌剧本质的问题，也是他音乐美学思想的核心问题。

2、歌剧创作与民族的关系。歌剧创作中的民族性问题，也是莫扎特最为关注的问题。显示了莫扎特对歌剧创作的总体认识和理解。莫扎特的歌剧与意大利歌剧相比，他有自己的特色和民族气质，这是依托于深厚的德国古典文化，体现出德国歌剧与意大利歌剧在表现形式上的相异性，从而增添了他歌剧音乐的艺术感染力。

莫扎特在维也纳时期的歌剧创作特色：讲义

莫扎特器乐创作成就：

莫扎特的器乐创作主要是交响曲、协奏曲和四重奏。他的器乐创作的成功，不仅有歌剧音乐的影响，更主要是个人的因素与社会的因素融合所致。

1、他在交响曲创作方面的最高成就体现在最后三部交响曲，《第三十九交响曲》《第四十交响曲》《第四十一交响曲》。

2、在莫扎特的器乐作品中，协奏曲占有很重要的地位，他确立了三个乐章的协奏曲结构：第一乐章，奏鸣曲式；第二乐章是慢板的，歌唱性的三段体；第三乐章，回旋曲式。

3、室内乐在莫扎特的创作中也占有重要的地位，著名的有：献给海顿的六首弦乐四重奏和《g小调弦乐五重奏》，这些作品标志着莫扎特炉火纯青的艺术技巧和感人至深的感情表现，戏剧性的因素和丰富的复调手法是其突出的特征。

论

述

时代背景对贝多芬音乐创作的影响： 贝多芬的思想之所以深刻、伟大，除了他本人对人生理想的执着追求和对人生有着独特见解外，一方面是同时代的思想家的影响及文化熏陶不无关系。另一方面贝多芬是思想发展也与当时几个重要的社会大事分不开，形成贝多芬思想的几个阶段。第一是贝多芬的青少年时代，约瑟夫二世推行开明君主专制，这一时期科学和文化也得到看提倡，使贝多芬对开明君主有了一种热忱的向往，这已成为贝多芬早期音乐情感内容之一。他的大型声乐作品《约瑟夫二世康塔塔》就寄托了对开明君主约瑟夫二世的深切哀悼。此后，自由、平等、博爱的思想逐步成为他的世界观核心。第二是法国大革命。尤其是法国大革命时期的政治、音乐对贝多芬的重大影响。法国大革命的精神及革命时期的音乐对贝多芬的思想和创作都有极大的影响，贝多芬的《第九交响曲》第一乐章的第一主题便有梅雨尔歌剧《艾甫罗齐娜》序曲的影子，也可以看出列修埃尔的歌剧《山洞》音乐的痕迹。在贝多芬的许多作品如《悲怆奏鸣曲》《第三交响曲》《第五交响曲》等作品里都可以找到大革命时期音乐的影响。更为重要的是，法国革命的精神对贝多芬的影响，在作品的思想内容、英雄性的风格方面，那种壮阔、深刻的风格成为贝多芬音乐的主要特征之一。第三是拿破仑称帝。贝多芬的一部作品以庆贺最伟大的时代英雄，接着而来的是1804年拿破仑称帝，这使贝多芬大失所望，这个变化可由《第三交响曲》看出。第四是1814年拿破仑被迫退位。贝多芬仍为自由而斗争，且非常尖锐的对政治现状进行批评。经过这次斗争，他的思想深刻多了，其晚期的创作不论是思想和艺术都达到了高峰。虽然贝多芬经历了启蒙运动、法国资产阶级大革命、拿破仑战争等重大事件，但仍可看出其思想发展的主线，即对民主、自由、共和的追求，并坚定不移的讴歌。

贝多芬创作的独创性：

一、情感内容的独创性。

贝多芬的音乐不是供人娱乐的，更多的是激发人们对生活的思索。在这样的前提下，英雄主义基调与肯定人性的自然是构成贝多芬情感内容独特性的两个基本特点。

1、英雄主义是贝多芬音乐中突出的美学特征。贝多芬认为音乐能够消除现实中的矛盾，达到理想的美的境界，应是人类崇高精神的闪烁。对于这一问题，我们很容易联想起贝多芬的《第三英雄交响曲》《第五命运交响曲》《第九合唱交响曲》。《第三英雄交响曲》不但形成了新的英雄性风格，还为新的内容所充实，第一次把博大的社会性题材注入交响曲。呈现出以往交响曲从未有过的广阔丰富内涵和雄伟壮丽的气势。《第五命运交响曲》乐曲一开始，命运的动机十分强烈，显示出非凡的力量。乐曲包含着强烈的矛盾冲突，包含着跌宕起伏的变化。音乐充满着贝多芬所特有的绝不屈服的顽强拼搏的精神，是力量与意志的化身，是贝多芬个性化的创作的突出范例。

2、肯定人性的自然是贝多芬音乐最引人注目的另一美学特征。最有代表性的作品是《第六田园交响曲》是以大自然为题材而写的，音乐具有感人的力量，从中也可以深刻的领悟到某种不可言喻的内在生命的存在。该曲是最早的标题交响曲。《暴风雨奏鸣曲》表现了人的意志和智慧必将战胜大自然的力量；而《黎明奏鸣曲》则表现了一副清新、优美的大自然景象。总之，贝多芬音乐情感内容的独特性，在于从他的时代、思想出发，深刻的触及了音乐艺术的审美特征，从而使他的音乐具有强烈的感染力和震撼力。

二、表现手法的独创性。

在绝大部分器乐体裁领域，无论是思想深度和艺术成就，贝多芬的作品都达到了一个高峰。在表现手法上，有如下基本特点：

1、力度的强烈力量与力度的强烈对比，在贝多芬的音乐表现上是非常突出的一个特点。贝多芬的音乐作品在表现手法上最为直接的核心问题就是力度。就力度的美学意义而言，它具有永恒的价值，虽然贝多芬同时代的海顿、莫扎特对音乐作品中的力度表现上都有过要求，但却没有贝多芬作品中那种激昂、悲愤的感情。贝多芬深入到对力度的变化的心理感受体验中去，把力度看做是一个与社会时代合一的过程，力度的强烈对比和力度的强烈力量的调整，主要基于上面阐述过的社会历史文化背景和他的个性特征基础之上。因而，就音乐的内容与表现形式来说，贝多芬音乐力度的千变万化都与内容相适应。

2、对奏鸣曲式结构上的贡献。奏鸣曲式作为一种长于表达具有深刻的哲理意义和戏剧性的冲突的结构是从贝多芬开始的。在奏鸣曲式结构上，他的突破之处在于：①加强了引子的意义，如《爱格蒙特》序曲的引子已预示了整部作品的基本内容；② 主部主题与副部主题的篇幅得到了扩充，并且二者之间的矛盾对比更加鲜明，因而二者间的调性对比也是以表现特定的情感为目的。

3、对奏鸣、交响套曲曲式的贡献，贝多芬对奏鸣、交响套曲曲式的贡献可以从下述几个方面来加以认识：首先，他创造性的将奏鸣、交响套曲的第三个乐章小步舞曲改为泼辣奔放的谐谑曲，同时在曲式、意境、音乐语言诸方面形成一定的套路，其次，根据音乐内容需要，首次把葬礼进行曲运用到《第三交响曲》中，首次在《第九交响曲》的末乐章采用了合唱和独唱，此外，贝多芬还创造出具有标题的五个乐章的《第六田园交响曲》。所以这些都充分显示了贝多芬丰富的想象力和一套崭新的写作手法，为奏鸣、交响套曲曲式开拓了广阔的天地。

柏辽兹交响曲创作的艺术成就及意义： 柏辽兹是一个有鲜明个性特征的作曲家、指挥家和音乐评论家。他为交响乐创作缔造了新型的标题交响乐和新式的管弦乐配器法。他的标题交响乐是欧洲交响乐历史上最精彩的成果范例之一。首先，柏辽兹构建了具有高度思想性和艺术性的标题性交响乐，不仅整部作品有标题，甚至每一乐章前都冠以详细的文字说明标题，描写具体的情节，使乐曲的音乐形象更加具体化、文学化，达到了文学与音乐的高度融合。从而丰富了交响乐的文学内涵。也使得交响乐比任何时候都更加直接的被听众所理解。柏辽兹标题性交响乐最突出的代表作是《幻想交响曲》《哈洛尔德在意大利》《罗密欧与朱丽叶》。其次，柏辽兹新式的管弦乐配器法具有突出的地位。他的创作已经基本超出了其他作曲家的习惯范围，构成了他配器技巧中独特的个性。体现出更为成熟的形态特征，具有一定的典型意义。他在追求管弦乐新颖的音响上表现了一种过去从未有过的意象。所以，他的音响常常求变，也给交响乐增添了一种新颖的美感，形成了独具特色的写作手法。此外，管弦乐队的编制也很有特色，如竖琴、英国管、低音单簧管、大号及打击乐器运用于管弦乐队，丰富了乐队的表现力。同时，为了追求色彩的层次变化和开拓管弦乐队的更为广阔的天地，《幻想交响曲》中增添了个别乐器的数量。从以上论述中，我们不难看出柏辽兹在交响乐创作上积极的意义。首先，他开创了交响乐创作的多元化格局，改变了人们欣赏交响乐的传统思维和概念，形成不同于前代交响乐创作的风格特征，并显示其交响乐历史发展的特点。其次，标题交响乐作为特定的文化现象，同浪漫主义时期的文学有着特殊的关系，他以最通俗的表现方式衔接起文学与音乐的姊妹艺术关系，因而比较符合大众潜在的审美心理和社会审美基础，有较强的可接受性。因此，他的标题性交响乐创作有着独特的优势和独立的地位。

结合具体作品分析浪漫主义音乐的基本特征：

舒伯特艺术歌曲的特征：

第一 歌词思想深刻、意蕴深邃，有强烈的抒情性、叙述性和戏剧性。舒伯特歌曲的内容大部分来自浪漫主义文学作品，主要取自德国的抒情诗。舒伯特是音乐与诗完美的融合，无论是旋律、和声、速度、力度、曲式都和诗密切配合。其典型例子是，舒伯特的两部声乐套曲《美丽的磨坊姑娘》《冬之旅》。第二，诗的韵律和音乐旋律的和谐统一，相互烘托。舒伯特的歌曲之所以在同类作品中享有盛誉，在于他鲜明的突出了旋律的个性，从不与他人雷同，也不重复自己。他的旋律注重表现诗歌的意境，抒情化多于戏剧化，既有如歌性，又有鲜明的音乐形象性。第三，细腻的心理描写。心理描写作为浪漫主义音乐的一个特征，在舒伯特的歌曲里同样有重要的作用，他的心理描写常常带有幻想色彩。在艺术方面，舒伯特的浪漫主义艺术歌曲在音乐表现上已经非常完美了。如《纺车旁的格丽卿》《魔王》这两首都是用歌德的诗谱成。他们的出现标志着舒伯特浪漫主义音乐风格的开端。第四，钢琴伴奏的独特性。单独的和声、节奏音型等方面赋予特殊意义，并与声乐共同完成塑造形象的任务。

舒伯特器乐创作的独创性： 舒伯特的《C大调幻想曲》《降B大调奏鸣曲》均代表了其大型钢琴作品创作的最高成就。他极重视浪漫主义钢琴小品的创作，可以说钢琴小品最能代表他对钢琴音乐的贡献，也是一种灵感的获取。主要作品有：六首《音乐瞬间》和十一首《即兴曲》。舒伯特的室内乐是抒情的戏剧。其特点不仅在于更精彩的旋律创造，而且在于这种抒情戏剧的升华以及主题调性扩展的非凡的组织和控制。舒伯特共有十四首室内乐作品，《a小调四重奏》《d小调四重奏》和影响最广的《A大调钢琴五重奏鳟鱼》等。舒伯特一生共创作九部交响曲，早期的创作在音乐风格上接近古典音乐的传统。后期的创作中，最重要的是《未完成交响曲》《C大调第九交响曲》，他把歌曲性旋律运用于交响曲。

韦伯《自由射手》艺术特征：

作为浪漫主义开创性的歌剧《自由射手》的主要特征有：

1、民族主义与浪漫主义的深度融合。韦伯不但强调德国民族文化个性的特色，同时追求浓厚的浪漫主义气息，并使二者浑然一体。

2、丰富的想象力和形式上的大胆创新的结合。韦伯以新的配器色彩和新的和声手段来实现艺术变形。最有特色的《狼谷制造魔弹》这一场，为求特殊效果，他使用减七和弦构成主导动机，造成阴森恐怖的气氛。

3、意境美和情感美的融合体。他既善于写景，也善于抒情，这种新颖独特的表现形式，对浪漫主义音乐具有开创性的意义。

4、民间传奇故事中包含着动人的爱情故事，是《自由射手》在题材内容方面的又一特色，这也是浪漫主义音乐的又一特色。总之，《自由射手》作为新型的浪漫主义歌剧，其重大意义还在于影响到以后一系列的浪漫主义歌剧的创作。

门德尔松在音乐史上的独特贡献：

第一 音乐创作方面的贡献。他主要的管弦乐作品和钢琴小品是追求诗情画意和力量之美的典范。门德尔松以典型的浪漫主义特点写了主要管弦乐作品：《A大调意大利交响曲》《仲夏夜之梦序曲》 戏剧配乐《仲夏夜之梦》 钢琴小品有《无词歌》。第二，在艺术表现方面的贡献。一是首创独立的标题性音乐会管弦乐序曲，如《仲夏夜之梦》 二是以精湛的技艺吸引了各个时期的音乐家，《e小调小提琴协奏曲》就是浪漫类型与精湛技艺的结合；三是开辟了三段体结构的钢琴小品《无词歌》，其代表作有《春之歌》《狩猎歌》《纺纱歌》《威尼斯船歌》。第三，在音乐活动方面的贡献。门德尔松积极从事德国传统音乐的宣传、演出工作。门德尔松在歌唱学院指挥了巴赫的《马太受难曲》；访英时，首次演出贝多芬的《皇帝》协奏曲。第四，门德尔松又是莱比锡音乐教育领域内一位伟大的开创者。1843年，他在莱比锡创办了音乐学院，培养了许多人才。总之，我们要将门德尔松的音乐创作视为一种独特的现象，他的音乐蕴含着人格美、情感美和自然美三者高度和谐统一。

李斯特交响诗的艺术特点：

李斯特交响诗的标题大多取自文学、戏剧、绘画及古代神话，当标题的含义与他个人的感受能够紧密结合而蕴含着激情时，作品更显得感人。李斯特并不完全主张用标题具体的描绘情节。他更强调文学与音乐的内在联系，用音乐概括体现诗的主要思想。在标题交响诗中，音乐形象及其发展是与诗的意境相联系的，用音乐的手法体现出诗意和诗的主导形象。李斯特的交响诗结构自由，富于文学性，体现了综合艺术的理想。具有多乐章套曲压缩成单乐章的特点，同时，他还创造了单一动机的手法。可以说标题交响诗集中体现李斯特的艺术理想。

李斯特十九首《匈牙利狂想曲》的艺术特点：

把简单的民歌或民歌的语言提高到富有高度艺术性的程度；从音乐史的角度看，《匈牙利狂想曲》也非常深刻的揭示了李斯特的性格特征及匈牙利民族文化艺术之真谛；从内容上看，狂想曲包含着特殊的精神内涵，它在一定程度上反映了匈牙利人民丰富的民族感情和鲜明的爱憎；从艺术形式角度看，狂想曲的钢琴技巧达到了十分完美的境地。更有意义的是它的产生又推动了匈牙利民族文化朝着世界性文化方向的发展。这几个方面的特色使狂想曲有着异乎寻常的魅力，在匈牙利音乐中享有特殊地位。

瓦格纳歌剧改革理论的内容：

瓦格纳《特里斯坦与伊索尔德》的基本特征：

首先，该歌剧取材于中世纪骑士的传奇故事，是一部爱情的悲剧。笼罩着全剧的是毁灭、阴暗、死亡及浓厚的悲观主义。其次，在《特里斯坦与伊索尔德》音乐上，表现了瓦格纳非凡的天才。瓦格纳用重笔浓墨渲染了爱情带来的痛苦、绝望。他的音乐便是这种炽情的体现。在《特里斯坦与伊索尔德》剧中，高度对位化的手法、主导动机在声乐和乐队里不断演进、咏叹调和宣叙调别出心裁的融合，形成了无穷尽的旋律，具有一种持续的紧张感，把剧中人物的痛苦与热情刻画的淋漓尽致，给人的震撼是强烈的。令人惊叹的是主导动机在整部歌剧中的大量出现，将主导动机的作用发展到了极致。瓦格纳《特里斯坦与伊索尔德》在表现方法上的鲜明特征充分显示出作者非凡的革新创作才能。此外，他的歌剧中最有表现力、最吸引人的却是那些属于交响乐范畴的音乐。瓦格纳歌剧大量的主导动机在歌剧中的运用打破了艺术本身的互相平衡与继承，给他艺术的完美性留下了遗憾之处。