美丽的工笔画2(国画感悟)

第一篇：美丽的工笔画2(国画感悟)

美丽的工笔画2（国画感悟）

永远常在 贵族乐团-宫崎骏 映画音乐

工笔人物画谱（秀美温婉）

学画先要去名利心，有一点牺牲精神。你投入多少时间精力，下笔肯定会有变化。唐太宗说过：凡诸艺业，未有学而不得者。病在心力懈怠，不能专精耳。

妨碍你进步的不是未知的，而是已知的。所以精进的过程就是挣脱以往自己的过程。

一幅画最重要的部分是其中的百分之二十。你要集中精神领会这百分之二十的奥义。不要把过度的时间耗在另外的百分之八十上。你一旦关注到这百分之二十，就进入到另外一个境界了。

有句话叫“不十分到家”，是讲破执着心。世界上没有一件艺术品是完美无瑕的。如果你一开始心里就想游戏笔墨，或者一开始就想完美无缺，这都是不行的。

书画之道首先要懂变通。善学的人什么都可以拿来学，不善学的学什么都是病。

人是最善于给自己套上精神枷锁的。绘画就是发觉自己。把自己预设为强者或者弱者，都不能更好地发觉自己。为了有一个最恰当的直觉，你就得多思考，多比较，多总结。

《列子》有一个典故叫“视虱如轮”，能做到这一点我想就算是俗话说的开天眼了吧。专注就是意念专一，全神贯注。心无旁骛的人才能精进，精神涣散的人事事无成。

老师给你讲绘画的道理，是让你认识自然和传统，而不是让你学老师。有人指天上的星星给你看，是让你看星星，不是让你看手。画画首重人品，有人品才会有艺品。画画须有大气、文气、清气、静气，忌小气、俗气、浊气、躁气。画家的审美意识应该是高雅、超前的，不应一味去迎合大众的口味，而应注重提升自身的审美情趣。画画要先求格调，再求笔墨。格调不高，笔墨亦俗。画画要“取法乎上”，即起点要高。研究古今大家的作品，不仅能学习到优秀的表现技巧，还能使自己的心灵受到熏陶，从而有助于思想境界的提升。

画家不仅要表现自然，还要通过自然来表现人的内心世界；不仅要表现笔墨，还要借笔墨表达思想、抒发情感。作品的优劣不在于画幅尺寸的大小，不在于表现手法的新旧，而在于立意和意境的深度。好作品总能让人一见倾心、过目难忘，不好的作品则让人一见生厌、不屑一顾。是金子，炒与不炒都是金子。是砂子，炒得再热还是砂子。褒扬今人不应贬低古人，褒扬古人也不应贬低今人。古代和当代都有出色的画家和出色的作品。评价一个画家的成就，不应看他向前人学习了什么，而应看他在学习之后创造了什么。齐白石了不起，是因为他的作品具有鲜明独特的风格和非凡的艺术创造。

画画需要自信。艺术创作中没有“对”与“错”，“美”也没有固定的标准。只要自己认准了方向，就要大胆地往前走。他人是无法阻止我们去表现美、创造美的。画画需要勤奋，正所谓“宝剑锋从磨砺出，梅花香自苦寒来”。古往今来的大画家，尽管所处时代不同，各自的人生经历也不同，但都有着超乎常人的勤奋与刻苦精神。只有经过长期的勤奋学习、刻苦钻研，我们才能体味画中的妙理，把握创作的规律，从而攀登艺术的高峰。画画需要多思。画家不一定要天天动笔，但要时常动脑：面对丰富多彩的大自然，选取怎样的对象作为表现题材；面对浩如烟海的传统绘画，选取哪些作品作为研究的目标；面对当今流派纷繁的画坛，如何确立自己的方向……对于这些问题，只有多思才能有悟，有悟才能有得。画画需要毅力。在漫长的艺术道路上难免会遭遇挫折和失败。顽强的毅力能帮助我们战胜一切困难，并提供持续的精神能量，使迈向成功的脚步永不停歇。画家要能甘于寂寞、宠辱不惊。我们不能指望好运突然降临，而应多想想自己努力的程度。多一份努力才会多一份希望，多一份付出才会多一份收获。

画家需要不断学习新知识，吸收新经验，否则就难有新的突破和发展。作画不仅要求形似，更要求神似。形似是绘画的初级阶段，而神似则是高级阶段。画家只有打下坚实的造型基础，才能在日后的创作中以形写神，进而追求形神兼备、物我交融的艺术境界。我们不可只学一家一派，而应博采众长、兼收并蓄、西学中用、化古为今，并在学习和借鉴的基础上创造出自己的一片天地。创作需要展现出自我风格，但不要刻意追求“风格”。只要我们真诚地对待艺术，以自己的眼光观察自然，以自己的心灵感悟传统，大胆表现心中的理想，创作出的作品就会带有与生俱来的特质，流露出我们的思想和情感。这样的作品自然会与众不同。作画的时间可长可短，下笔的速度可快可慢，这些都是因人而异的。创作可以顺其自然，但要胸无杂念、从容不迫。

画家的品德、学识、功力决定着作品的生命和价值。“读万卷书，行万里路”是画家提高修养的重要途径。多读书可以纵览古今、思接千载；多行路可以饱游饫看、开阔胸襟。画家只有具备多方面的艺术修养，才能取精用宏、厚积薄发，创作出经得起时间考验的优秀作品。

绘画源自天生的热爱，源自对艺术的向往。能用画笔来描绘这个美好的世界，是一种快乐；用自己的作品为别人带来快乐，是一种幸福。岁月如烟，人生苦短，一切荣辱得失都不重要。在有限的人生中追求理想，用心去做自己想做的事，才是最有意义的。（中国书画报）王明明：经典的书与画平时要多读、多品，比临摹更重要。我很少临摹，就是去读、去体会、去感悟，把它变成自己的东西，这样就达到一个自然的转换，而不是勉强嫁接。我们要融会贯通，这样才能画出自己的东西。这是中国绘画中一个玄妙的过程：从会到不会，再到画出丰富变化，最终达到“无”的境界。这个过程的几次转换，是美妙的体验，也是艺术进步的过程，是个体的人汇入整个艺术时空的过程。朱良志：文人画让人有与时空交接的感受。一个有趣的问题是，我们能看到的外部世界的东西太多了，为什么还要看画呢？因为画能给人启发，画能带给观赏者一种内在的空明淡远、充满人生快乐的感觉。所以说，如果能把那种淡淡的人生感悟，作一些分析、处理，就像欣赏音乐一样，细细地品味一番，就会产生一种缠绵悱恻、华丽高远的感觉。严克勤：画画、作文都是作者心灵的观照和反映，我们读画、读文章，其实就是在感受和体味作者的心境。欣赏名画，就是要追随着这种心绪，与古人一起问时空、问大地、问苍天、问人生，这充分体现了庄子“天人合一”的思想。我们要凭借着自己的人生感悟和对生活的理解，努力达到这种境界。朱良志：中国的文人画、希腊的雕塑和欧洲的古典音乐有共通之处，它们都用纯净的心灵、纯净的方式，给人类留下永恒的回响。但同时，中国的文人画与世界上其他的造型艺术相比，仍大有不同。它的内蕴就像中国的哲学一样容易被误读、被低估。中国绘画是微妙心灵体验的艺术，若以西方那种技术和知识占主导地位的评价标准来衡量，就会存在隔阂和误读。王明明：中国画的意境需要用心体会。我遍观江河大川、森林田陌等，在观察中慢慢去体会自然和世界，这对艺术创作很有助益。我经常去植物园，走在小路上，看每一棵松树，每次去看的感觉都不一样，体会也不一样。这些体验是长期的积淀，最后才能爆发出来。我跟很多学生讲过，画不要打底稿，不要画素描。学生问，不打稿子那怎么画呢？我说，这就是要锻炼你的造型能力，人的第一感觉往往最好，你把第一感觉画到草稿上了，再画正稿的时候就变成复制了，复制的时候你会觉得在笔墨上很有把握，实际上你已经把你的灵性、把你那些不确定的内容，如中国画中很多有意和无意之间的关系丢掉了。当画画的过程变得完全可操作、可控制时，可能就没有神来之笔了，可能会缺少激情。相对于随性状态下的创作，这种复制就少了天然的意趣。严克勤：文人画的特点，就是元气淋漓和空灵。我们为什么能从八大山人作品大面积的留白中看到千山万水，看到波涛汹涌，看到平步青云，为什么？就只有两个字来表达，空灵。我记得上世纪七十年代末，《人民画报》刊登了一幅张大千送给他侄女的画，上面的题词我记得大概是“画一半，想一半”，这可真是绝啊！文人画表现出画家某个时期的心结，你去读它的时候，每个人读到的都不一样，理解是不同的。所以文人画要强调的不是形式，不在于实，而在于虚，在于空灵，在于笔墨纸砚、印章、诗文等融合后升华而成的独特韵意。中国文人画逸笔草草，看似不经意，实质上是处处经意，处处经意从哪里来？就是平时对文学、人文、修养、人生的一种积累，画画时它们就从你的指尖和笔墨中流露出来，这种笔墨在宣纸上展示出来是不可复制的，也是最精彩的部分。朱良志：从中国传统的内在逻辑来看，文人画是人对世界的一种感觉，和从感觉中所得到的启发。绘画的存在自有它内在的因素。中国人的哲学长期以来对语言、对知识一直采取一种比较警惕的态度。从老子的“言无言”到禅宗的“不立文字”，我们难道要反对语言吗？不是，它本身不是反对文字，也不是反对语言，它是反对用有限的方式去检视无限的可能性。人以为自己发明了一小打符号，然后把它编辑成逻辑系统，就保有一种对世界解释的可能性，实际上这是一种妄念，达不到解决问题的目的。而中国画就是让绘画来完成这样一个使命，它通过绘画来解脱语言、知识的禁锢，直接用生命本身去实践，即所谓青山自青山，白云自白云，完全是一种内在的生命发现。王明明：中国文化历史悠久、博大精深，我一直不认为评价中国绘画的话语权在西方。但我们也需要反思：一直以来，我们从样式上、从风格的多样性上、从材料的拓展上来发展中国画，经历了几代人的尝试，我们觉得中国画很丰富了，实际上我们丢掉了很多古人上千年留下来的传统。中国的土地上为什么会产生水墨画？为什么会产生文人画？实际上是跟中国的地理、风貌等背景是一致的。这就是一方水土养一方人。严克勤：谈到中国的文人画，我觉得现在中国的画家、艺术家要找回自己的文化自信，这种自信在哪里？ 这种自信其实就是中国固有的文化，就在于对中华文化持续的传承和创新。我们看六法，六法中第一个就讲气韵，气韵是其他五法之基础。气息是一个画家所有笔墨、人文修养融会贯通而展示出来的东西，只能意会，不可言状。但反映到笔墨纸砚当中，这种气息可以流传千年，比如像人民大会堂里的画作《江山如此多娇》，这一幅画展示出了中国南北风貌，气象万千。王明明：每次开“两会”，每次从那幅画前走过，我就分析它，体会它，为什么傅抱石、关山月这两位画家那么有智慧呢。那是因为两位画家画“虚”，没画“实”，画“虚”了以后，你会感觉到苍苍茫茫的气象，你就会有无边无际的感觉。如果一幅画画得结结实实，里边就丢掉了意境，丢掉了“虚”，让人没有想象的空间。朱良志：艺术就是表达人的困境以及指引出解脱这种困境的可能性。我认为人的生命实际上是一种困境，怎么样从这种困境中超越，我们从中国艺术中得到一种新的启发。我最近在做一本文人画的书，叫《南画十六观》，南画是南宗画的简称，十六观之法主要是指观的境界。这本书通过十六个观照点来展示文人画家怎么能够在绘画背后发现有意思的境界。我选择了十六个画家，每一个画家选择一个重要问题来论述，比如第一个黄公望，我论述他的“浑厚”问题，他的“浑厚”实际上有一个很厚的中国哲学的背景；再比如，我选择吴镇，会谈论他特有的笔墨，他特有的“水”气，在南方的山峰之间，那种对水的体悟。我通过这本书，主要是写文人画内在的艺脉，通过这些画家勾勒出一个线索，为文人画的发展和内在的精神，找出一些可以解释的语言，可以与西方艺术对话的语言，让我们既能感觉到它好，还能把它讲明白，让更多人来分享。

第二篇：工笔画理论

是吳教授的教案，我在校園網上下載下來，希望對初學的親們有幫助，，《工笔花鸟画》教学大纲

课程性质：美术学、绘画专业国画方向 先修课程： 总 学 时：160(绘画专业国画方向)64 学时(美术学)学

分：7(绘画专业国画方向)3(美术学)理论学时：10（绘画专业国画方向）5(美术学)讨论学时：12（绘画专业国画方向）6(美术学)开课学院：美术学院

适用专业：美术学、绘画专业

一、说明

1、课程性质、地位和任务

中国工笔花鸟画表现花鸟为题材的绘画形式，花鸟画描绘对象，实际上不仅仅是花鸟，大致归纳为：花卉、翎毛、走兽、蔬果、鳞介、草虫等。花鸟画以写生为基础，借物抒情、托物言志，有着悠久的历史，是传统的绘画艺术形式之一，是美术学、绘画专业国画方向等学习的必修课。

通过本课程的教学与实践，使学生能掌握和了解中华民族传统绘画的技法技艺要领。审美特征，对工笔花鸟画构思、构图、风格流派的基本技法特征有深层的理解。并能熟炼运用这一独特地绘画造型手段来表达对生活和自然的热爱与赞美。

2、课程教学的基本要求

1、工笔花鸟画，以讲授基本理论知识，示范作画、作品分析与讲解，要求学生进行临摹、习作练习、外出写作创作，着重技能训练，重视理论学习。

2、讲究启发式教学指导，注意因材施教，重视个性发展，从而培养学生独立思考、创造性学习的能力。从而使学生掌握工笔花鸟画的基本技法，培养其创作能力。

3、本课程的重点与难点

重点：本课程的有关基本理论和基本概念、基础技法。掌握运用工笔重新的基本方法，表现生活内容。

难点：如何学生是教学的难点，给学生讲授学生过程的要领和方法。

二、课堂教学时数及课后作业题型分配(绘画专业)章目

教学内容

教学

时数

教学方式或手段

课后作业

一

工笔花鸟画概述

8学时

示范范围

白描花卉技法练习一幅 二

花、鸟的结构与形态

18学时

范画讲解

三

白描花卉技法

36学时

学生临摹

花、鸟着色练习(宋代名画)二幅

四

工笔花鸟画的染色技法

38学时

学生临摹

设色花卉两幅 五

工笔花卉写生

26学时

学生临摹

写生作业稿六幅 六

工笔花鸟画创作

34学时

学生创作练习

创作一幅 七

八

合计

160学时

课堂教学时数及课后作业题型分配(美术学专业)章目

教学内容

教学

时数

教学方式或手段

课后作业

一

工笔花鸟画概述

4学时

示范范围

白描花卉技法练习一幅 二

花、鸟的结构与形态

8学时

范画讲解

三

白描花卉技法

15学时

学生临摹

花、鸟着色练习(宋代名画)二幅

四

工笔花鸟画的染色技法

15学时

学生临摹

五

工笔花卉写生

8学时

学生临摹

设色花卉两幅 六

工笔花鸟画创作

14学时

学生创作练习

创作一幅 第一章 工笔花鸟画概述 教学目的

通过本章节的教学，使学生了解中华民族传统绘画的基本理论和概念，对工笔花鸟画的审美特征，有较完整的认识。

重点：认识和了解工笔花鸟画的基本概念和基础理论。难点：正确领悟工笔花鸟画的审美特点。

第一节：工笔花鸟画发展要领(形成、风格、演变)

第二节：工笔花鸟画独特的表现形式与特征。课后作业

简述工笔花鸟画的表现形式及审美特征。第二章 花、鸟的结构与形态

教学目的：具体讲解工笔花鸟的技法内容，通过介绍讲析工笔花鸟的基本结构与形态。使学生能掌握和了解工笔花鸟的基本方法。

重点：花鸟结构与特征。

难点：概况准确表现花鸟其特征。

第一节 花、鸟的结构讲析

第二节 花、鸟的形态变化

课后作业：临摹学习，花鸟的基本结构。

第三章 线描花卉技法与工笔花鸟画的染色技法 教学目的：使学生掌握和运用线描、重新的形式表现花鸟画本章节的主要这学习内容是学习工笔花鸟画的重要环节。

重点：运用线和重彩形式表现花鸟、自然界植物等。

难点：学习掌握和运用。

第一节 线条的表现与要求

第二节 线与花卉的结合 第三节 线条的变化与规律

第四节 基本步骤与技法

第五节 色彩形式与变化

第六节 色彩的特殊技法

课后作业：临摹学习宋代花鸟小品两幅 第四章 工笔花鸟写生与工笔花鸟画创作

教学目的：通过去章节的学习，使学生能掌握工笔花鸟的学生和创作基本方法。为将来的学习与发展打下坚实的基础。

重点：掌握工笔花鸟画学生的要领和方法。

难点：学习掌握工笔花鸟画的基本创作方法

第一节 观察与感受

第二节 提炼与概括

第三节 造境与构图

第四节 形式与内容

课后作业：学习创作练习二幅。【课程考试】

①白描花卉技法练习

一幅

②花、鸟着色练习(宋代名画)二幅

③写生创作练习作品

一幅

四、使用教材与教学参考书目 【使用教材】

《21世纪安徽省高等美术院校，教材系列》 【教学参考书目】

孙奇峰《中国画技法》

第一册花鸟人民美术出版社1995年6月

金鸿均《中国画》

人民出版社1996年4月

《宋代花鸟小品》

黑龙江美术出版社2002年6月

《江宏伟画册》

江苏美术出版社1998年8月

《姚舜熙画集》

福建美术出版社1998年6月

第三篇：工笔画技法（推荐）

工笔画的基本技法

课题：工笔画的基本技法

所用材料：自己画的白描、工笔画进行展示；借助多媒体课件进行展示。教学目标：通过本节课的知识让大家掌握工笔画的勾勒、设色。教学重点：注重学习工笔画的勾勒和设色技法。

教学难点：通过讲解激发学生对工笔画的兴趣，然后通过演示让大家掌握工笔画的技法。课型：理论课

教学用具：多媒体课件、自己习作。

教学方法：通过口头讲述和作品展示进行讲述。教学内容：

一、白描

1、用笔

工笔画勾线最基本的用笔方式有以下四种：

（1）中锋用笔（2）侧锋用笔（3）逆锋用笔（4）顺锋用笔

2、勾勒（勾线）

一副好的工笔画，线是至关重要的。清代沈宗骞有如下评论:”意在笔先，趣以笔传，则笔乃作画之骨干也。骨具则筋络可联，骨立则血肉可附。”这里所说的“笔”和“骨”值得就是线。

现代画家黄滨虹先生在总结前人经验的基础上提出了五条要求即：平、圆、留、重、变。

平：指的是用笔时力量要均用，不可忽重忽轻，要笔笔到位，力透纸背。

圆：指线条要圆润而富有弹性，在线的转折处更是有如折钗股般的韧性。

留：用笔要收放自如。

重：行笔时根据不同的表现对象不断的变换，或者行笔的速度上或迅疾或舒缓或棱角分明或圆润流畅。

二、设色

传统的工笔画的着色方法总体上可以分为：褪染、冲染、分染、提染、罩染、湿染、背染等。

褪染：是传统工笔绘画着色时使用较多的一种着色方法。一手执醮颜色的笔，一手拿清水笔，先以醮颜色的笔染染再用清水直接接染过去，从而使画面产生由浓到淡的变化。

冲染：也叫积水法。

分染：即分层着色，古人称之为:“三矾九染”也就是多染色的方法。提染：顾名思义，就是为了加强画面的层次感，整体感，对画面的某一局部所作的“微调”

罩染：以现代人的眼光看，罩染其实是统一的画面色调的一种方法。湿染：就是趁着湿染色。在一定的形体内，先以清水涂湿，待其要感未干，染出深浅浓淡。

背染：就是在画面的背面染色，使画面更后缀丰富。

第四篇：国画学习感悟

国画学习感悟

南关小学 王树梅

中国画是植根中华民族土壤中的艺术，但是真正能看懂中国画的人还不是很多。我正是带着一种对中国画的好奇与探求心加入了潍城区教研室组织的国画学习，在王伟等老师的指导下，我们赏析了许多优秀的中国画作品，还学习了画工笔画。虽谈不上对中国传统文化精髓有了了解，但也在老师的熏陶下对中国画有了一些粗浅的认识、体会。

中国画按其使用材料和表现方法，可细分为水墨画、重彩、浅绛、工笔、写意、白描等；按其题材又有人物画、山水画、花鸟画等。中国画画幅形式较为多样，横向展开的有长卷、横披，纵向展开的有条幅、中堂，盈尺大小的有册页、斗方，画在扇面上面的有折扇、团扇等。

国画在古代一般称之为丹青，主要指的是画在绢、纸上并加以装裱的卷轴画。中国画历史悠久，远在2000多年前的战国时期就出现了画在丝织品上的绘画——帛画，这之前又有原始岩画和彩陶画。两汉和魏晋南北朝时期，社会由稳定统一到分裂的急剧变化，绘画形成以宗教绘画为主的局面，山水画、花鸟画亦在此时萌芽。隋唐时期社会高度繁荣，绘画也随之呈现出全面繁荣的局面。山水画、花鸟画已发展成熟，宗教画达到了顶峰，并出现了世俗化倾向。元、明、清三代水墨山水和写意花鸟得到突出发展，文人画成为中国画的主流，但其末流则走向因袭模仿。中国画自19世纪末以后在近百年引入西方

美术的表现形式与艺术观念19世纪以后，在政治、经济中心城市，汇聚了一大批画家，以上海为张大千等人；以北京为中心的北方画家群，如齐白石，以广州为中心的岭南画家群，如黄君璧等人。

在没有学习中国画之前，我一直以为中国画就是画画山，画画水，最重要的是在学习这门课之前，我根本就不懂中国画，或者说理解的很浅显。虽然说学习中国画这个课程仅仅只有几个月的时间，这短短几个月的时间让我来感受它、走进它、体会他，这让我的时间突然变得紧张起来。

我这个从来没有拿过毛笔的来画中国画，这叫我一开始就不知所措。幸好遇到了许多专业的老师，他们教我们画国画时要用意念来画，虽然说我现在还不能够体会到其中的真谛，但在我这段学习的过程中慢慢的我了解到原来中国画光靠认真仔细是不行的，而是要靠心神一起，就像王伟老师说的中国画里要有一种气，要有一种神韵在里面，画中国画就像在表达一个人的思想，反映着一个人的性格，表达着作者当时的一种心情。

中国画画到现在我感觉到，要想把中国画画好就必须要用心来画，要把你的思想融会贯通到画里，画的要磊磊落落，要潇洒，要浑然天成。画中国画是一种享受，我到现在才明白过来，不享受的状态下画中国画是画不好的。尽管我现在的状态还不是很好，还没能够领会中国画的精神，但是在这段时间的学习中我领悟到中国画确实是最伟大的艺术，它是在塑造有灵气的画面，画中的山山水水具有灵性，活灵活现，从中能体现出作者大气磅礴的豪迈与洒脱。

在中国画的学习上，虽然有时我不在状态，但是我会尽量把心情调节好后再继续进入状态，我认为不在状态的时候最好不要动笔，不然的话会越画越糟糕。中国画让我又一次找到了放松心情的良药，就如写毛笔字一样，虽然我没有写过毛笔字，但是我想应该一样吧。

学国画到最后我才慢慢懂得王伟老师课上所说的话，心神一致，屏气凝神，专注又不失洒脱，大气又不失凝滞。再画到某种程度的时候，就会在不知不觉中超脱自然，在笔墨之间把个人的情感个性在无形中流露出来，使个人与画浑然一体。但是在洒脱之余又要格外注意整幅画的笔墨布局以及视觉效果，我认为这是比较困难的。

总之，学了这门课，我受益匪浅，既陶冶了情操，又学习了新知识。

第五篇：工笔画教案(上)

工笔画教案（上）

第一单元

工笔画的工具和材料

教学目的：使学生了解中国工笔画所需要的工具和材料，对其有一个初步的认识。

教学要求：对传统和现代工笔画所需材料和工具有一定的了解，知道其属性、特点。

教学重点：传统工笔画所使用的工具和材料的特性。

教学难点：现代与传统工笔画使用的不同材料产生的不同效果，工笔画风格正在向多元化发展。

教学方法：讲授。

教学内容：

（一）版面材料：

工笔画所用的版面材料包括：各类纸、绢等。这是传统工笔画的版面材料。现代工笔画还使用其他版面材料，如水彩纸、高丽纸、皮纸、麻布、树脂布、棉布等。

1、绢

绢的质地光泽细润，很适合画工细严整的工笔墨画，故延用至今。绢为纯丝制就，呈平纹，有圆丝、扁丝两种，有生绢、熟绢之分。圆丝绢又称“原丝绢”，在古代绘画作品中常见。在这种绢上刷上一层胶矾水后就成为熟绢。原丝绢因未加捶砸而保持原来丝的形状，故丝与丝之间略有空隙，虽矾过但仍易漏，故目前使用者少。一般临摹古画时用，但目前也有一些画家利用这种特性，画出别具特色的工笔画。扁丝绢是捶砸后的绢。扁丝绢有丝本色和仿旧色两种，亦有未矾过需作者自己刷胶矾水的，矾过的绢质地稍硬挺，熟绢上色后不会渗开，适合工笔画的细线勾勒、多层渲染等技法，尤其适宜于表现虚幻和朦胧的效果。绢适合画淡彩法，浓淡相间法亦佳。选用绢作版面材料，应注意发挥绢的细润有光泽的特点。绢较之纸，价格稍贵，学生可根据自己经济条件选用。

此外，在裱绢时，要注意抻平绢的横竖纹，因绢丝极易歪斜，尤其是画人物画，容易造成人物变形。

2、熟宣纸

生宣纸经过胶矾水刷制或浸泡就会成为熟宣纸，其性能是不渗水，就是不洇，故适合于画工整细腻的工笔画。它的品种较多，如清水宣、冰雪宣、书画笺、云母笺、蝉翼宣等。这些纸有薄有厚，胶矾水也有浓有淡，薄者适宜画淡彩，厚者适宜画重彩，其中蝉翼宣最薄，冰雪宣最厚。云母宣有微小的云母点，一般用于画山水或花卉，另有洒金笺和各种染色纸亦属于熟宣纸类。此外，熟宣纸还有泥金纸，目前已少见，系用真金涂制。清末任伯年的巨幅条屏作品《群仙祝寿图》即用泥金纸绘制而成，其效果金碧辉煌，华贵而不失雅丽。

3、麻纸类

皮纸、高丽纸、各类民间手工制纸都属此类。

特点：纸稍厚，纤维长，略渗水。

高丽纸有条纹，便于做肌理，加之稍渗水，效果较丰富，故现代工笔画家常用。高丽纸还能吸附厚重颜料，可画重彩法的工笔画，临摹壁画也很适宜。

皮纸以温州皮纸较好，它质地较细，又呈长卷式，有数种长度和宽度，最宽为一米，最长为二十米，皮纸可矾为熟纸。

水彩纸

其性能与熟宣纸近似，水彩纸中质地较细密、比较薄的种类为好。

4、布类 ①棉布：我国西藏的唐卡就是画在棉布上的，但棉布需加工处理。在棉布上加涂一层胶水和白粉的混合剂，干后磨平磨光，此布即不渗水且光洁好用。唐卡绘制方法与重彩法相同，多用矿物色和粉质颜料。现代工笔画也有棉布的。

②树脂布：用化学合成树脂涂制而成，质地硬挺不渗水。

③麻布（亚麻布）：用亚麻布原材料刷一层胶水即可。

（二）墨

传统工笔画中的黑色即为墨色。墨有油烟和松烟两种。

1、油烟墨：暖黑色。

2、松烟墨：冷黑色，用于工笔人物画中的头发和须眉。

传统工笔画中使用的黑色还有黑石脂（即石墨）、灯草灰等。灯草灰画蝴蝶很好，很绒，它是中药灯心草烧成。

现在大多数学生都选用一得阁，经济实惠。4 还有红星墨，价格稍高，如若一得阁墨略粗，可进一步研磨。

（三）笔和砚

1、笔

勾线笔：多为狼毫笔。常用的有衣纹笔、叶筋笔、大红毛、小红毛、蟹爪、拖线笔等。还有九紫一羊（兼毫）、花枝俏也很好用。

染色笔：大白云、小白云、中白云和其他软羊毫笔。纯羊毫过软，不宜用。

板刷：做底色用，可作大面积平涂和渲染，宽度可选。

2、砚

砚以端砚为佳，但其他石质硬而细密能下墨的砚也可用，端砚价格昂贵。工笔画所用的砚必须经常洗涤，否则旧墨汁分子聚合成稍粗的颗粒，会影响画面的效果，应随用随研。

（四）颜料

1、透明颜料

朱磦：研制朱砂时漂浮在最上一层的质地较 细的浅红色。

曙红：冷红色。

胭脂（焉支）：色相偏冷，不稳定，易变色。

藤黄：又名月黄，有毒不可入口。

赭石：与花青调合会出现沉淀。

花青：易褪色。

2、不透明颜料

朱砂：目前锡管装朱砂并非真朱砂，临古画应用真朱砂，矿物质颜料。

石青：俗名青金石，石青色制好后分头青、二青、三青、四青等数种不同深浅的色相。头青最深，四青最浅。

石绿：俗称孔雀石。石绿也分头绿、二绿、三绿、四绿等。

3、黑色和白色

黑色：即墨色

白色：传统绘画中使用的是蛤粉

目前工笔画所用白色多为水粉色中的钛白，为锡管装，使用方便且色质稳定。

云母粉

4、金色和银色

传统的金色和银色是用纯金箔和纯银箔研制 而成，但价格较高，一般作画可用铜粉或化学合成的金银色代替。

（五）粘接剂

中国绘画的色彩，鲜艳明快历久不变，便是矾和胶的作用。

胶：一般选用明胶

矾（明矾）：半透明无色块状晶体

1、胶矾的用途：

①使生绢变为熟绢

②固定色，“三矾九染”

③保护画面

2、胶矾水比例：

“二胶一矾二斤半水”即二两胶一两矾二斤半水，可换算为：明胶60克+明矾30克+水1250克

夏季：六胶四矾

春秋季：七胶三矾

冬季：八胶二矾

按比例配制胶矾水，需注意，明矾对纸、绢的腐蚀作用大，矾重易脆，画的寿命不长，尽量少 7 用矾。而胶大了，画面打滑，颜色、墨色灰白无光。配制时宁稀勿浓。调配时一定要把握好尺度。

（六）笔洗和调色盘

1、笔洗：盛水，用以洗笔和调墨、调色，陶器、瓷器、较大的盛水器皿均可。

2、调色盘：白色蘸碟，不要太大，小、深为好。

第二单元 白描花卉技法

教学目的：通过白描花卉练习，熟悉中国工笔画线条的魅力，掌握勾线的运笔及一般花卉的结构特点、生长规律。

教学要求：熟悉笔墨的属性，运笔灵活自如，对中国画的线条有一定的认识，且能与花卉形象巧妙结合，充分表现花卉的特点。

教学重点：运用线条表现出力感和快感，运用笔墨变化表现花卉的质感。

教学难点：表现白描用线的形式美感；线条与花卉形象、质感、空间感的结合处理。

教学内容：

（一）线

工笔花卉以线为造型基础，运用毛笔勾线，对线条有严格的要求，讲究用笔，追求线条的力感、快感、，所谓“工细兼力”，反对纤细柔弱的线条。

勾线之初，先练习使用中锋，避免侧锋。行笔时，笔尖走在线条中央的即为中锋，一侧的即为侧锋。中锋线条圆润浑厚，饱满而富于弹性，结实而有力感，开始练习勾线时，应注意线条转弯的地方，转弯时提笔，并轻轻转动笔管方向，使笔锋平行圆转过来，保持中锋，避免侧锋折笔即飞白。

线条产生力感的关键在于笔锋与纸面的摩擦，不能为了细，不敢用力，勾出的线浮华无力。勾线时笔按下去，使笔锋对纸面有一个压力，同时又要有一个向上的提力，两力平衡，再用一个拖的力量行笔。只压不提就是“抹”，易出现侧锋，只提不压就是“飘”，线条滑而无力，用线切忌“”“挑”“滑”。

一般勾线，都须有起笔、行笔、收笔三个动作。

1、起笔藏锋：如起笔欲向右行，先向左藏锋顿笔，再向右行，即欲右先左，反之，欲左先右，还有欲下先上，欲上先下，这样笔纸就有了摩擦。

2、行笔：行笔要稳，对纸面压力要匀。中途 转向稍停为“顿”，向后折回为“挫”，顿挫时要调整笔锋方向，不使出现侧锋。中锋圆转用笔为“转”，侧锋方拐为“折”。

3、收笔回锋：每逢收笔都须向来的方向收回，使线的结笔含蓄而有力。

（二）线条与花卉

中国画讲“应物象形”，好的线条必须与花卉的形象、质感、空间感结合得恰到好处。生动地表现花卉的生命力、精神意趣。从对象的结构出发，写出对象具体生动的形，最终达到表现对象内在神韵的目的。

勾线起笔顺序：为了不蹭脏画面，一般白描勾勒是从上到下，从左到右。

结构关系：当两条线相遇，一线在前压住另一条线，即为前压后。

（三）边缘线与折面线的处理

花叶的轮廓线大致可分为两类不同的线条

①叶片和花瓣转折时产生的折面线和花叶的主筋，这种线要勾成饱满、富于弹性的弧线，以表现花叶挺拔的生命力。

②叶片、花瓣的边缘线，这种线变化多端。这两种线条既有对比，又要统一，既表现了花叶转折变化的多姿，又要有线条本身的节奏和韵律。

（四）线条的浓淡粗细

白描花卉靠用笔用墨表现花卉的质感，一般用较细较淡的墨勾花，较重较粗的线勾茎叶等。色彩深及厚硬的地方用线粗重、方硬，色彩浅及薄嫩的地方用线轻细、圆柔。一幅好的作品，在用线、用笔、用墨上都应考究，既有变化，又有统一，不能死搬硬套，要学会灵活运用。

（五）白描花卉的花头用笔变化及注意事项 ①牡丹、梅花、山茶的花瓣可从基部起笔，荷花、菊花、百合等花瓣可从尖端起笔。玉兰、木棉用线挺拔有力，牡丹、芍药等花瓣薄嫩多折，勾线可用细线颤笔。

②花头外轮廓要有参差、圆缺的变化，画复瓣花要归蒂连心。

③花筋的处理，花筋不明显的不勾，显著的必须勾好，可以更好地表现花瓣的转折运动，线要细而虚。

④ 花蕊的勾点：雌蕊明显的可先用中淡墨勾勒，雄蕊花丝要勾得细而有力，行笔快捷，收笔 尖细，花丝向雌蕊攒抱，花药用焦墨一点成形。

⑤花萼、花托、花柄的勾法：勾花萼的尖部用笔要顿在一起，短花柄可不勾，长花柄两条线要劲挺有力，摇曳多姿，两条边线要平行均匀，不可忽粗忽细。

（六）白描勾叶的各种变化及注意事项

①勾叶的粗细变化：叶尖薄，叶柄厚，故勾叶从叶柄起笔，由粗而细，主脉也相同，切忌主脉与边缘三条线正交于一点。

②勾长叶与花茎的方法：左臂倚案扶纸，撑住身体，右手执笔轻轻擎起手腕，用小指掌侧微微擦着纸面行笔。

③侧叶脉勾法：勾侧脉起笔时要顿笔藏锋，与主脉结合好，不要歪斜或脱节，每条侧脉的末端都指向叶尖。

（七）茎枝与树本的勾勒与皴擦

①草本茎的勾勒：两条边线平行，出枝的节间略为膨大，行笔注意平行，也要有顿挫。

②木本茎的勾勒：用皴表现树皮的纹裂和起伏，皴擦结合，表现树皮干裂粗糙，起伏转折。勾皴木本枝干多用中锋与侧锋结合，转笔与折笔互 用。注意由老本到小枝、由粗渐细的规律，出枝和生疤处隆起，曲折有形，枝干穿插以“女”字形（斜三角形）为美。

好的白描既要表现花卉的形神气质，又是画家感情和性格的流露，要练好白描就要坚持金石、书法的研习，把他们融合起来，加强线描的艺术趣味。

第三单元、工笔花卉的着染技法

教学目的：通过讲授工笔花卉的着染技法，演示工笔花卉的作画步骤，使学生学习和掌握最基本的分染、罩染、勾填、反衬等传统技法并学习一些特殊技法，能独立完成一幅作品。

教学要求：对传统技法和特殊技法能熟练运用，正确指导学生用笔、用色，对工笔花鸟画产生进一步认识和了解。

教学重点：分染、罩染、统染的区别与联系，特殊技法的表现。

教学难点：中国画与西方绘画的不同，不强调光影，用线表现结构，用色丰富画面，“以形写神”、“以线造型”是传统绘画的艺术基础。教学内容：

（一）传统技法

传统工笔花鸟画技法有分染、统染、罩染和平涂、接染、点染、烘托等，下面进行一下分述。

1、分染

分染用两支笔，一支笔蘸色，一支笔蘸清水把颜色均匀地烘淡，这是表现花叶起伏、转折、明暗及层次的主要手段。分染时用一只手拿两支笔交替使用，所以首先学习一下捣笔（演示）。

2、统染

统染即统一大片的分染，用统染法分出花叶之间大的层次关系。

3、罩染和平涂

分染之后，在渲染过的画面上用透明颜色平铺的方法叫罩染，在分染前先平铺一层底色叫平涂，平涂多是用不透明的粉质色。罩染和平涂时应注意水分的把握，不要使水汪在纸上或留下干印。平涂石色时要薄，遍数多为宜。水色亦如此，以达到厚重、均匀、自然的效果。此外，上色时要等干后再上第二遍，且上过一定程度时，刷一层胶矾水，以固定颜色，“三矾九染”，使画面色彩富丽，生动 厚重。

4、接染

用两支笔各蘸上不同色彩着染，使两色趁湿相互渗接在一起的染法叫接染。接染时两支笔上水分要相当，使两种色彩自然滚动，渗接一起为好。初学可用第三支白水笔帮助接染。

5、点染

不勾轮廓线，用一支笔先蘸上一种色彩，然后在笔尖上再蘸上另一种色彩，一笔按点下去，使两种颜色自然渗和在一起，一笔成形，点出形象轮廓，这种方法叫点染。点染法多用于没骨成形。

6、烘托

大片地烘染底色，以衬托出浅色花叶的方法叫烘托。有平涂和分染两种方法。大片烘染不易均匀，可先用清水把底子铺湿，趁其半干时烘染，同时用一小笔掏空，一支排刷接染。

7、积水

先以淡墨和色彩积水成形，趁湿冲入水或其他色彩，使水和色相互冲激，干后形成班驳印迹，积水法用水要多，冲入色和水要掌握好干湿火候。

8、托色（反衬）

画的正面颜色上足后，仍不满足画面的要求，便在纸或绢的背面染色，一般在绢上效果最好。反衬一般是在完成了分染和罩染之后，翻过来在这块颜色的背面上一层与正面接近明度的石色或水色。凡绢上正面用粉，后面必反衬，着色时要与正面轮廓相合，不可出入，颜色最好上匀。

9、虚染

虚染是指渲染对象时，带有极强的随意性，可有意将墨或色染出界线之外，使画面产生空灵感。

10、立粉

用浓厚的粉质色堆积起来，点成如浮雕般立体的色粉点、线的技法叫立粉，花卉中常用立粉法来勾点花蕊。

（二）特殊技法

1、揉纸

把纸揉皱皴染底色，使底子出现自然纹裂的肌理。

2、拓拍

把纸放在凹凸不平的底子上拓印，或用丝瓜瓤、纸团等拍打底子都可以产生不同的班驳陆离的纹理。

3、喷染 喷弹大的白粉色点表现雪花，细小的色点可代替渲染大片底色，或把某一部分喷虚，制造朦胧效果，可用单色，也可用几个颜色间着喷，还可以将刷过墨或重色的纸铺平，趁湿喷清水，制造斑点效果。

4、积水法

前面已介绍过，不再赘述。

5、洒盐

在染色后趁湿洒盐，盐把颜色推开，产生肌理，干后把盐除掉，效果新奇。

6、油水混用

在国画水质色彩中混入油类或油质颜料，利用油水不相溶的原理，使墨与色产生意想不到的效果。

7、用蜡

画生宣空白用胶矾水，画熟纸、绢则需用石蜡，在石蜡画过的地方大片渲染水色，即留出空白。

8、绢后作画

利用绢的透明性，在绢背后勾染，正面虚虚濛濛，也可把主体画在绢上，背景画在托画的纸上，画托好后虚实对比，效果也很好。

9、洗刷 在熟纸上先上重颜色，干后，在纸下垫入有肌理的物体，如水彩纸、粗布、木板等，用刷子蘸清水小心洗刷，肌理自然生动。

10、泼墨

此法常用于大写意画中，但用于工笔画中，却可造成大气磅礴的特殊感觉。

11、驳落

完成勾线，染色后，按照形象及画面的需要，把厚薄不同的粉状颜色涂在画面之上，等厚颜料干后，有目的地将某些部分或揉或刮或用刷子刷，让其自由脱落，造成自然天成的班驳效果。

特殊技法颇多，只要从表现主题，意境出发，我们还会在传统笔墨的基础上创造出更多新鲜的技法。

（三）工笔花鸟画的用色特点 ·

1、活色。

·

2、装饰性与自然生动性相结合。·

3、用色调渲染意境。

（四）工笔花卉着染的形式和步骤

工笔花卉着染有湿染、淡彩、重彩、没骨等多种形式。

1、墨染 用浓淡不同的墨色着染，不用色，充分利用焦、浓、重、淡、清的多种层次及不同勾皴笔法来表现花卉的形质、空间，适宜表现野逸的情致。

2、淡彩

用透明水色为主进行着染的形式。

淡彩的着染步骤：

①染茎叶：叶子正面用花青或墨分染，再统染大的层次，再用绿色罩染，然后可用花青勾侧脉，如染得充分或者是小叶也可不勾。叶子反面绿色的用草绿色分染、统染，罩偏黄的草绿色，亮部分染三绿，用草绿勾侧脉。叶子反面为胭红色的可用赭石调胭脂染叶尖，用淡草绿与之接染或点染，勾胭脂脉。秋天红叶，一种方法是用墨分染底色，罩色时用草绿和赭黄、朱磦、朱砂等色接染，正面偏红，反面较浅；另一种方法是以胭脂或深曙红分染，罩染朱磦。以上两法都可用胭脂勾侧脉。

草本茎的染法与叶子反面相同。木本茎先用不同墨色勾皴之后，用赭墨与青绿色接染，一般嫩枝偏绿，老本偏赭。染完后还要用墨或用花青墨、赭墨、草绿、赭绿等色点上苔点。

②染花头：一般浅色花都以白粉平涂或以亮 面向暗部分染为底色，然后用各种色彩分染。如白色花用淡草绿加少量赭石调成芽绿分染；粉红色花用淡曙红分染；黄花用藤黄分染，最深处可在藤黄中加少量赭石分染；浅藕荷色可用曙红加少量花青分染。也可以用各色与白粉接染。

橘黄色花头用藤黄加白粉打底，用朱磦加藤黄分染。

朱红色花先用深曙红或胭脂分染，罩染朱磦。

③点花蕊：点花蕊须在花头染好后进行。雌蕊明显的先勾染雌蕊，如牡丹雌蕊用草绿和胭脂接染，用胭脂勾筋。雄蕊多数用白粉勾花丝，用浓藤黄的粉立粉法点花药。

3、重彩

用石青、石绿、石黄、朱砂、蛤粉等不透明石色为主进行着染的画法称为重彩。重彩画鲜丽凝重，有浓厚的装饰风格。现代多与淡彩法结合。石色不易染匀，必须薄涂多次，且必须在底色上罩一层胶矾水固定色。

4、没骨

没骨法是用墨线勾勒轮廓，只用着染色彩的水迹形成花叶形象的方法。

①工细没骨画法：白描稿放在纸、绢下面，然后按淡彩的分染、罩染法或用接染、点染法着染，干后勾脉，点蕊。

②接近意笔的点染法点出花叶形象，笔触自然生动，熟练的点染法也可用生宣纸画。

总之，现代工笔画的材料越来越丰富，技法越来越新颖，同学们也可根据自己的立意进行大胆的创新实践，不必拘泥于某些格式，但一些传统的技法还是不能丢弃的，在保持传统技法的基础上进行创新，使自己的画面更加完美。

第四单元 鸟类的结构与形态

教学目的：使学生了解鸟类结构与形态，在绘画过程中灵活运用，准确刻画鸟的形象。

教学要求：了解鸟类各部位名称，羽毛组织结构以及各部大致比例、弧度；了解鸟类的分类和特征，在绘画中突出各类鸟体不同特点。

教学重点：鸟体各部大致比例、弧度 教学难点：鸟类的分类和特征

教学内容：

（一）鸟类的结构与形体

鸟类属于恒温、卵生的脊椎动物。鸟的躯体 形成一个梭形，鸟的前肢演化为一对翅膀，全身遍被羽毛。

1、骨骼：鸟类骨骼露于体表的是嘴和下肢。上嘴骨与头愈合在一起，下嘴骨游离，由韧带与上嘴连接。下肢的股骨于胫骨大部分包在腹内，鹤类与鸡类的胫骨露出得多一些。鸟腿为跗蹠骨。鸟爪有四个脚趾，第一趾向后包括指甲在内有骨两节，由内向外数，第二趾三节，第三趾四节，第四趾五节。

2、鸟体各部名称：头部包括上额、头顶、枕部、前颈、后颈、侧颈、喉、眼先、眉线、耳羽、颊，身体包括背部、胸部、腰部、腹部、肋部、尾巴、上尾筒、下尾筒、翅膀，腿部包括内趾、中趾、外趾、后趾。

3、鸟体羽毛的组织结构：鸟体羽毛可大体分为两类，一称为“翎”，一称为“毛”。古人曾把画鸟称为画“翎毛”。

“翎”指较大的比较硬挺的羽毛，中间生有明显的羽轴，与两侧生的羽枝区别分明。翎生在翅与尾，在飞翔时起主要作用。

“毛”指比较柔细的绒毛，羽轴和羽枝区别不明显，它们起着保护体温的作用。毛的生长有一定的 走向，背面、腹面与膀上的毛走向都不同。

4、鸟的形象与体面：

鸟的头部和躯干是两个卵形，联上颈部、加上翅尾就形成鸟的形象.鸟的翅膀张开大致可分为三种翼形：方形翼（鹰翼）、尖形翼（信天翁类）、圆形翼（一般鸣禽）。

鸟的尾羽形象变化很多：如平尾（鸥、鹭等）、凸尾（如伯劳）、尖尾（如雉类）、契尾（啄木鸟）、圆尾（鸠、鹊等）、凹尾（绣眼、白玉鸟等）、燕尾（家燕）。

画鸟的角度要变化多样但不宜画正前、正后、正侧等，因为这些角度易呆板。

画鸟的形象不要照相式地自然主义的描写，可加以夸张改造，使之更美。

为了更好地塑造鸟的姿态，可以借用素描中分面的方法，用辅助线分析鸟的体面关系，这样可以帮助我们画好一些难于表现的姿态。

（二）鸟的分类和特征

鸟类按照生活地域、留居和迁徙，可分为留鸟和候鸟两大类。画鸟补景时必须注意季节的变化。鸟类按照生活习性和外形特征可分为八大类，各类鸟因食性、觅食方式和生活环境不同，形成各不相同的体型特征：

1、走禽：鸵鸟等，翅膀退化，腿长坚强，不常入画。

2、游禽：鸳鸯、鸭、鹅、雁等。游禽类颈长，嘴扁而宽，眼睛靠上，头略呈三角形，前高后低，胸部宽阔平扁，尾短小，足短并有蹼。

3、涉禽：鹤、鹭等，常栖止于浅水地带，习惯长时间站在水中等候鱼虾游来，啄而食之。涉禽颈长、腿长、嘴长、尾短。鹭鹳类趾间也有蹼，但不如游禽发达，爪四趾着地。鹤类无蹼，后趾退化不着地，前三趾分开角度较大。鹤类飞时颈蜷缩。

4、鸠鸽：鸠、鸽等。鸠鸽类头圆，上嘴基部有一对皮膜，胸宽、翅膀大、善于飞翔，腿短而强，眼、爪多为红色，多数嘴尖长。

5、鹑鸡：鹌鹑、石鸡、雉类、孔雀等。鹑鸡类食性很杂，常刨土觅食谷物种子；头部略呈三角形，前尖后宽，上嘴长于下嘴，尖弯但无钩，爪亦较强；翅膀短圆，善走，不善飞翔。鹌鹑类尾短。雉鸡类多有漂亮的长尾，头有羽冠或肉冠，脸部多裸露肉皮。

6、猛禽：鹞、鹰、雕、鹫等。猛禽类食肉，性格凶猛；头部扁平；上眼眶突出，眼大凹进，并略向前集中；嘴部粗壮弯成尖钩状，嘴的基部有蜡状膜或羽须，口裂大，延伸至眼下方；腿爪粗壮，指甲弯成尖钩状，是捕食的利器；翅膀强大厚硬，一列飞羽张开如手指状。

7、攀禽：啄木鸟、鹦鹉、翠鸟等。攀禽以善于攀缘树木为特点。啄木鸟与鹦鹉的第四趾转向后方；翠鸟的二、三趾基部相连，三、四趾并生，只能攀枝，不宜落地。

8、鸣禽：鸣禽是鸟类中最进化的一类，善飞翔，善跳跃，有声带，善鸣叫，嘴形因食性而异。