影评

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第一篇:影评

影评范文:(共五篇)

她是“法国中尉的女人”

——《法国中尉的女人》影评

在维多利亚时代,影像中的影像,她——萨拉,是“法国中尉的女人”。杂乱而干枯的头发,消瘦的锁骨,萨拉的出场足以让人跌破眼镜。繁忙的市场,波光粼粼的海,这样一个不修边幅的女人迎着呼啸海风,走向延伸到远方的海堤。初到林城的考古学家查尔斯就这样鬼使神差地被它吸引,放下娇美的未婚妻毅然冲了过去。水雾弥漫中,萨拉转身,查尔斯立定,画面定格,一瞬间的眼神交汇,不知从何而来的金光照亮了萨拉苍白的脸颊。电影史上最浪漫的一见钟情!阳光下的森林,浓郁的绿,闪烁的点点金黄,而人的再次相遇只是一场追逐的游戏。纵然是心中相爱,萨拉这样一个倔强的女子还是可悲的骄傲着。当他为生活所迫而拜访恶语相向想象的普太太,看似顺从,然则眼中尽是孤傲。孤傲,是孤独和骄傲,是在黑暗的房中抱着镜子做自画像,是她自暴自弃地说,“我和羞耻结合,羞耻让我活下去!我是法国中尉的娼妓。”

但她更是一个因孤独而渴望爱的凡是女子。所以当她回忆那个带来羞辱的男人时,眼中人闪着爱的光芒。“他很俊俏,他赞美我美!”她嘴角含笑,温柔的抚摸着头、脸,沉浸在回忆中。因为爱,她不惜撒谎说自己已失身,以博取查尔斯的同情。因为爱,她会在孤立无援时求助查尔斯,却在查尔斯到来时徘徊与不安。因为爱,她与查尔斯在林中小屋情不自禁的拥吻,会心甘情愿地在伦敦小店与查尔斯结合。也因为爱,她扔下一句“是你给了我活下去的理由”,仍下决心一定的查尔斯,远走他乡。三年后,当查尔斯在一方宁静的村庄再见她时,已不见了当初的阴霾与忧虑,退下晦暗的黑衣,一袭简洁、光彩的白衣,一头蓬松的金发的萨拉正式张显了她无可比拟的魅力。而影像的最后,二人终是摆着小舟泛向光明、广阔的湖中心。

在小说中,作者始终不放弃对“叙述者”角色的审视,他时时会游离出这个看似传统的维多利亚时代感伤故事,直接地告诉读者,他并不了解人物的内心世界,也不能预计故事的下一步发展。他一直喋喋不休地分析罗列莎拉的历史现状、心理症结,却又不得不承认,自己对莎拉的行为无法解释。那么在电影中,导演就应该通过摄影角度、场面基调等的设计,使观者惊觉到这只“眼睛”的存在,而不是维持一种流畅、“真实”的叙事幻觉。在这一点上,电影《法国中尉的女人》几乎毫无意识,它完全摒弃了小说元叙述视角的犹豫,承担起典型全知全能叙述者的角色。统观整部影片,不仅不见摄影机彰显其视野限制,反而是它时时地提醒着观众,下一步应该朝哪里看,应该看到什么。从一些资料上看,罗伯-格里耶的影片象他的小说一样对这一问题进行了极端的探索,可惜没有见过。

在20世纪的片场,影像中的现实,萨拉的扮演者——安娜,查尔斯的扮演者——迈克,一对有夫之妇和有妇之夫,毫不避讳的在一起。与维多利亚时代的灰暗色调相反,20世纪的片场,安娜与迈克衣着光鲜,神采奕奕。安娜美丽、迷人,家庭完整,事业成功,还有体贴的情人,似乎无甚缺陷。可为什么她在若有若无间总会出现比戏中萨拉更加落寞的眼神呢?望向远方却无焦距。偷偷摸摸的电话传情,心怀不轨的家庭聚餐,带给安娜的只是疲倦吧?看着查尔斯太太精心布置的花园,可爱的孩子,安娜一定也是嫉妒了。因为那个一向自信的安娜在查尔斯太太凌厉的眼神下肢生不知所措和尴尬了。两个都市中的成功男女因为寂寞空虚而靠在一起,同样因为爱的无力而分手。麦克最后对着安娜背影喊出的“萨拉”也许是对这段感情划下的最悲情,却也是最合适的句号。还好,现实中失败的这对男女为影像中的萨拉于查尔斯安排了一个光明的结局。这,是爱得不甘,还是,爱的转移呢?

一对中世纪冲破世俗礼教,终成眷属的苦命鸳鸯,一对现实中身未动心已远的寡情男女。电影《法国中尉的女人》就是如此娴熟的展现出两个不同时代的爱情(我们姑且都称之为爱情吧),如此尖锐的揭示中世纪的古板,当代泛滥的自由。这样戏中戏的套层结构,精致而又巧妙的展示两段情愿的不同走向:一段渐行渐远,一段终成交集。简洁的闪回手法,导演恶作剧似在两个世界间翻云覆雨,并且游刃有余。维多利亚时代的灰黑色,20世纪的斑斓、鲜艳,强烈的对比,甚至不需要更多的演员及台词。最高明的电影也只不过如此:以色彩书写影像。而最高明的演员又能如何呢?萨拉对爱的倔强、执着以及骄傲,安娜的空虚、疲倦以及对爱的无力,一人分饰两角的梅丽尔·斯特里普将人物性格刻画得入木三分,却又火候恰当;似疯成魔,却又不温不火。

当然,梅丽尔·斯特里普可不仅仅是《法国中尉的女人》中的萨拉或者安娜,也不仅仅是《走出非洲》中的男爵夫人卡琳,更不可能仅仅是《穿Prada的恶魔》。但,此刻,请允许我叫她“法国中尉的女人”,不是空虚,疲倦的安娜,而是历经苦难,收获幸福的萨拉——“法国中尉的女人”!

重生

——《法国中尉的女人》两个故事的对比

电影《法国中尉的女人》用两条线索贯穿,通过时空交错的方式展现了两个不同时代,男女之间情感的困惑与选择。影片的主线索是展现一对维多利亚时代具有独特个性的莎拉和贵族青年查尔斯的爱情故事,而另一条线索则是反映两个演员安娜和麦克在拍摄主线索这个故事时所产生的感情。《法国中尉的女人》采用了套层结构,即戏中戏的形式,反复运用蒙太奇形成古代与现代相互交错的效果,将故事合理的连接在一起。

《法国中尉的女人》中,两个线索同时进行的过程中,流露出古代与现代之间的对比。一百多年前的维多利亚时期,是一个封闭、保守、极具有传统等级观念的时代。纵然莎拉受过教育,爱好绘画,但她出身贫寒,其社会地位不允许她施展艺术才华,也不允许她有爱和思考的自由。影片为观众呈现了一个冷酷无情、等级观念深重的维多利亚时期。或许正应了那句“哪里有压迫,哪里就有反抗”吧,莎拉有着明确的目标,渴望摆脱受束缚的生活,希望能自由的享受着爱与美好生活。面对不公平的命运,莎拉选择抗拒。莎拉单纯的心因被曾经爱过的法国中尉抛弃而受到伤害。自此莎拉或许是持着报复的心态,或者是受强烈的渴望自由的欲望影响,她不惜毁坏自己的名誉,将自己定位于“法国中尉的女人”这样一个受人轻蔑的形象。相对于莎拉来说,在实际拍片现场的安娜,生活在文明高度发达的时代,是一个自由、开放的世界,没有过多的束缚和禁锢,并且具有更多的自主性。随着安娜拍摄电影的深入,她与饰演查尔斯的麦克产生了感情。影片在此时,运用平行、对比等蒙太奇手法,不断的进行着两个时空间的对照,借以突现出两个女主人公截然不同的生活环境以及性格中的共性与不同。电影《法国中尉的女人》一古一今的故事结构赋予了影片多变性,从而能够吸引观众关注两个不同时代命运的人物。

影片中表现莎拉时始终采用昏暗的色调。由此来表现莎拉情感的压抑、矛盾,孤傲、冷漠性格。在莎拉与查尔斯在树林约会这一场景中,那些盘根交错、粗大阴森的树木,无形中给观众一种强大的压力,导演巧妙的运用这一场景既表现出了古代时期封建保守的社会环境,受到压抑、束缚的感情,同时又达到了一种强烈的视觉冲击效果。电影《法国中尉的女人》,在故事结尾,莎拉再次出现在镜头中时,其色彩基调则是明亮的。这种色调的转变也暗示观众,莎拉生活得到了一个全新的转变。与查尔斯结合而又分开三年后,莎拉仿佛获得了重生,她得到了真正的自由,没有任何负担、束缚的追求艺术,寻回自己曾经遗失的那份真爱。影片中,莎拉与查尔斯重逢,船从一个灰暗的桥拱下划过,然后导演将镜头处于一种静止拍摄状态,让两人坐的小船渐渐远离镜头,并且画面色调变得愈加明亮。通过这组镜头,折射出莎拉真正摆脱痛苦、束缚,饱经磨难的恋人获得了重生后来之不易的爱情。

在现代故事中,影片的色彩基调大都是明亮的,这就突出了现代女性所具有的自主性,形成了与套层故事中人物性格的鲜明对比。影片最后,安娜饰演完莎拉这一角色后,重新审视与麦克感情并选择离开麦克。而最富戏剧化的一幕是在最后一个镜头,麦克推开窗子想对安娜做最后的挽留时,脱口而出的那一声“莎拉”让观众顿时从对麦克背叛妻子感情的厌恶中得到释放。镜头给麦克特写、定格时,从他的表情中观众多少也能体会到,他与安娜那段感情究竟是源自内心深处的真爱还是所谓“入戏太深”的意乱。或许此时彼此的心灵都得到了洗礼,获得了重生。

电影《法国中尉的女人》以现代故事作为结尾,与影片以套层故事开机镜头作为开始达到了首尾呼应,而且不突兀,真正达到戏里戏外、始末都相互对应的效果。整部影片多次运用蒙太奇手法,以时空间转换达到自然转场的效果,可见导演驾驭镜头,淋漓尽致描述、展现故事的能力。两条线索同时进行做比较,引导观众思考社会中的道德标准和爱情的自由之间能否达到一种平衡,同时也使得电影更具有戏剧化的效果。另外,影片色彩基调前后的鲜明对比,从侧面更有助于故事内容的表述,观众也可从中把握情绪的变化。

去爱吧,就像从来没有受过伤害一样。

——评《法国中尉的女人》

回首纵观,梅丽尔斯特里普塑造的角色,就如同一本女性二十世纪的女性百科全书,凝结了凝结了上个世纪所有女性隐忍错综的痛苦欢乐,爱恨情仇,与生离死别。而在《法国中尉的女人》扮演的莎拉,更是将人物身上的那种异乎常人的神秘,心如磐石般的对自由的向往,与超越道德伦理的对爱情的执着,刻画的栩栩如生,感人肺腑。

影片的开端是以一个照镜子的妇女的特写镜头开始,一个头戴黑布的女人背对观众,只能从那手掌大的镜子些许窥见:炯炯有神的眼睛,白皙如纸的皮肤,美丽的脸庞有些憔悴。嘈杂的画外音里,海鸥的鸣叫声自然却又刺耳。在一声 开始 的喊声之后,画面变成了一个片场的全景镜头,一场现实与虚幻纵横,时间与空间交错的戏中戏便这样开始了。

莎拉头戴黑布,身着黑衣,与周围灰蒙蒙的天空,影调暗淡的世界互相融合,一种压抑与低沉感觉油然而生。当莎拉站在那个风浪交加,岌岌可危的码头时,人物渺小的好像随时都会被风雨淹没。无助,绝望,却又顽强的站在那里的莎拉,好似《老人与海》里的桑迪亚哥。因而当查尔斯站在他的身后深情的凝视着她的时候,在那个灰色的小镇,阴霾的天气,狂风与恶浪扑打在那狭长危险的防波堤上,两个人之间的距离被形象的描绘出来。在他们的面前,不只是恶劣的天气,更是维多利亚时代森严的等级制度,处在舆论风口浪尖的嘲讽,与无时无刻不束缚人性的所谓的道德伦理。

但好在付出总会有回报,莎拉与查尔斯在经历了常人难以理解的艰辛,穿越了世俗的枷锁之后,有情人终成眷属。在爱情面前,一切的妖魔鬼怪,刀山火海,都禁不住莎拉那摄人心魄,洞穿灵魂的慕然回首,查尔斯的心理防线仿佛被闪电瞬间击穿似的,从此一发不可收拾的爱上了莎拉。莎拉那勾魂摄魄的眼神,是世俗世界无法找到的,那是甘如醴的清酒,澄澈而沉醉,世界的一切在那双坚定的眼神中显得幼稚而可笑,爱情的力量被无限的放大,于是一切的障碍与桎梏,都在不经意间崩溃瓦解。爱情战胜了一切!

《法国中尉的女人》讲述的就是这个迷一样的莎拉,用一身黑衣来隔绝世俗的压迫与嘲讽,用眺望海边表达对自由的向往,对爱情的执着,用自己的沉默来反抗喋喋不休的舆论,用敢爱敢恨的性格挑战桎梏人性的教条戒律。一个不同与那个时代的女性,好似夏洛蒂勃朗特笔下的《简爱》,遗世独立,奋不顾身。所以,在影片结尾处,莎拉与查尔斯共乘一叶扁舟,悠然的穿过幽暗,狭小的桥洞,驶向平静明亮而又阳光灿烂的湖面上时,鲜明的视觉对比,象征着这对饱经风雨的恋人,终于穿越了社会与灵魂的恶梦隧道,迎来了属于自己的春天,有情人终成了眷属。

然而现实世界中,扮演莎拉的安娜,却不是那个甘愿为爱牺牲一切,即使在那个封建保守的维多利亚时代的莎拉。理性至上自由万岁的当代,安娜却挣脱不了那些看似强大坚固的枷锁,选择了狼狈的逃避。安娜最后在镜子中看到的自己,不是那个《法国中尉的女人》照镜子的莎拉,她不敢直面这个道貌岸然的世界。镜子的前呼后应,使人物形象的对比更加鲜明,影片的结构也得到了完整。

导演卡洛尔·赖兹,以这种匀称的互递式的影像结构,通过两个不同时空对感情取舍的反差,来体现一个颇具时代感的讽刺,同时借助现代意识来解构维多利亚时代的故事。片中片的故事结构,将现代人的视点与过去故事的惊心动魄转化为一种精美的结构性对称。但套层结构中,一种深刻的关于 我是谁 的困惑却也深深的影响了查尔斯的扮演者迈克。因此当迈克看着安娜远去的身影喊出莎拉时,现实与虚构间的鸿沟消失不见了,角色的互相转换却也为现实中的爱情增添了一些荒诞色彩。

去爱吧,就像从来没有受过伤害一样。

被规矩束缚的女人们

——《大红灯楼高高挂》影评

《大红灯笼高高挂》是张艺谋导演1991年的作品,这部在国内国外获得很多奖项的影片确实有它的独到之处,比如在刻画人物,画面上都显而易见。影片是根据苏童的中篇小说《妻妾成群》改编的,在继承和发扬原著的主旨和风格上,又贯穿张艺谋独特的视觉效果和厚重的历史文化底蕴,反映了“一夫多妻制”的封建家庭内部互相算计,暗斗的人生景象及相应的生存原则,女主人公颂莲是作品的核心人物,本来受过教育的她,在陈府这样一个阴森恐怖、勾心斗角的生存环境当中,为了能有一席之地,个性逐渐扭曲和变形。而最终导致颂莲和其他太太,甚至丫鬟雁儿变化的罪魁祸首就是陈家的老规矩。这是一群被规矩束缚的女人,这也是一群牺牲在封建社会制度下的女人。整部影片拍摄的环境非常单一,就是陈家一个大宅院。但是拍摄环境的单一并没有埋没这部影片细腻的情感以及所想要表达的思想。所以电影故事片《大红灯笼高高挂》是一部成功的影片。

第一,该片的内容。一部好的影片离不开好的内容,好的内容又离不开好的主题。该片的主题显而易见,那就是旧的封建思想对人的腐蚀。颂莲本是一个已经读大学的学生,但是在贪钱的继母面前,她只能妥协,嫁给了已经有了三个太太得大地主,她放弃了学业,也就相当于放弃了先进的思想,于是她在陈家的大宅里,被陈旧思想腐蚀,当她徒步到达陈宅时,第一个人遇到的是陈家一个名为“百顺”的管家,百顺百顺,百依百顺,这也就是这个家必须遵守的规矩。到了陈家的颂莲,迎面而来的不是她未来的丈夫,而是一条条从祖上传下来的老规矩,锤脚,点灯等。她又认识了长得像一百多岁的大太太,整天笑脸迎人内心却最邪恶的二太太卓云,傲慢特殊的三太太梅姗,以及幻想自己可以成为太太的雁儿。每个人个性十足,这也就是这部影片矛盾冲突的所在。大宅被高墙分成了几个院子,也就是各个太太居住的地方,她们每天都要在门口等管家吩咐,看是哪个院子点灯,被点灯的也就是老爷今晚要住的地方,红色,在现在来看本来是一个吉利的颜色,但是透过封建思想再看,它不再吉利,而是变得丑陋不堪,各个太太,甚至这个大院中的丫鬟,也变得心狠手辣。于是当大红灯笼高高挂起时,各个太太虽然表面没有多大反应,但是内心却极其复杂。最后,在这种你争我斗的环境下,大太太依旧没有被老爷点过灯,二太太依旧笑脸迎人内心却坏到极致,三太太和高医生私会被二太太当场抓住而被害死,雁儿也因揭发颂莲假怀孕而被颂莲逼死,而颂莲自己,则在这种黑暗的现实下,被逼疯。影片的最后,一个年轻的貌美的女子作为五太太嫁入了这个被封建思想弥漫的大宅院。俗话说,无规矩不成方圆,但是在本片中,陈家的老规矩,不但没有让各个太太按规矩办事,反而加剧了内部的斗争,所以这也是本片想要表达的思想,旧的东西要及时更新,才能顺应历史的发展,通过围绕每天的红灯高挂,来反映人性的变化。

第二,该片的人物。看过本片,人物性格鲜明是其最大的特点。交错复杂的人物性格来引出一幕幕精彩的剧情。老爷,一个封建制度创始者,在本片中从来没有正面出现过,不是只闻其声,就是大远景看不清楚他的脸,这也就从侧面批判了这个人物形象,对待封建制度,他不但没有提高自己的思想,改变这种格局,反而在自己的家中做起皇帝,维持着男尊女卑,一夫多妻的陈腐传统,用他苍老的声音,发出不可违背的命令。大太太,一个封建思想、制度的拥护者,“老爷不在家,那就让大太太来决定吧。”老爷不在家,她就是这个封建大院的决策者,她每天面无表情,过着无味的生活。二太太卓云,一个“会笑”的女人,她每天笑脸迎人,深得初来乍到的颂莲信任,但是真相不可能被虚假的言语和事实所掩盖,当颂莲发现本来不会写字的雁儿竟在被扎满针的小人身上好好的写下“颂莲”二字时,这个蛇蝎心肠的妇人才露出真实面目。她是一个中心人物,最初给观众留下的印象是极其正面的,却没想到,在后面的故事中有这么大的逆转,给观众一惊喜,为影片增色不少。三太太梅姗,一个敢与老规矩“叫板”的女人。她本是一个名角,却因为老爷喜欢而嫁入了陈家,慢慢变成了笼中鸟,金丝雀,她敢在家与男人打麻将,敢在半夜把老爷从别的太太房中叫走,敢在大宅院里大声唱戏听戏,敢在自己的房内挂满犹如灯笼一样大而多的脸谱面具,这是反金钱、反传统、反礼教、反权势的表现。所以,她是一个正面形象,但是在封建思想极其厚重的陈家,她并没有什么力量敢与之抗衡,振翅飞翔。雁儿,一个活在自己世界的女人。她以为自己可以成为四太太,却没想到被颂莲占了去,于是雁儿不服,顶颂莲的问话,洗颂莲的衣服也要在上面吐口水,她太高看自己,而忘了自己真实的身份,于是她最终死在了自己的幻想中,其实,我们都知道,即使没有颂莲,她的太太梦也不会实现。颂莲,一个牺牲在封建思想下的女人。她本是一个知识分子,却因为自己贪钱的母亲而嫁入陈家,她本来应该有先进的思想,却因为封建思想的蒙蔽而变得愚昧无知,她迷醉陈家“被捶脚”的享受,追求支配欲望,追求作高等奴隶。颂莲的母亲,从她与颂莲谈话的字里行间可以看出,她是一个被金钱驾驭的女人。总之,本片的人物性格鲜明,让影片发展的更有有理可依。

第三,该片的音效。开篇便以戏曲开场,营造一种浓厚的历史氛围,密集的鼓声,首先就把观众带入了本片的节奏。另外,作为本片其中的一条老规矩“锤脚”的声音,也间接的被导演当作了电影的配乐,锤脚的声音响彻陈家宅院内外,一方面是让没有被老爷点灯的太太们听,表达一种在这个院子久了如果不能被锤到脚欲望难忍,一方面是让观众听,在听锤脚声音的同时,去观察每个太太的内心活动以及想法,把观众带入导演所营造的意境当中去。一开始的迎亲的乐曲,萦绕在整个大院的锤脚的声音,梅珊的几个空灵的唱段,处处都透着悲哀与凄凉。预示着不可避免的悲剧。

第四,该片的色彩和构图。在张艺谋所有的影片中,色彩无疑是带给了观众最直接、最直观的视觉冲击力。而这部片子中,红、黑、白三种颜色在片子中被运用的无懈可击。大红,本来是大吉大利在中国被认为最喜庆的颜色,在这里却成了一种束缚,一种压迫。黑,最深沉安全的颜色,却笼罩上了一层黑暗的封建势力。白,那么纯洁透明的颜色,却上演了人世间的世态炎凉,成了死亡的舞台。如此的凄凉。另外,大宅院里灰灰的墙,也预示着,这个院子是一个没有生气、生机,没有人性美好的院子。虽然宅院里的日子还是一天一天的过着,但是,这里没有幸福,这里没有快乐,有的只是对人性的压迫,对思想的束缚。还有就是构图。大俯拍机位形成的屋檐相连的封闭式构图,长镜头和固定场景的应用,主观镜头,近景、远景的交替使用和夸张的对比手法,都使得这部影片蒙上了一层快要窒息的感觉。

第五,该片的拍摄手法。整部影片运用最多的就是象征手法,整部影片中一直没有出现春天这个季节。导演或许想要告诉我们,这些女人没有春天,她们永远活在萧煞的季节里。没有阳光,只盼望着红色的灯光,永无出头之日,从开头就预示着,这是一个会以悲剧作为结束的故事。所有的场景都是在那一座大宅院里拍摄完成的,它就像是一个大大的牢笼,每个太太还有雁儿的喜怒哀乐,都只能在此地抒发宣泄,而导演的用意是这些女人永远都无法逃脱这个牢笼,永远都不能摆脱这封建社会残酷的制度。三姨太出去了,但并没有拍摄她在院外的场景,而她的结局就是被人绑着回来,逃出这个牢笼的女人,有的只是悲惨的下场。这便是导演的用意所在。那房顶上徘徊的四太太,渴望接近天空,这也是自由的象征,然而她却在房顶疯掉了,因为那座死人屋也在房顶,最接近天空的地方,也是最接近天国的地方,更是最接近悲惨下场的地方。自由,对这个大宅院的每个人来说,都只是奢求,他们不能拥有,因为自由是他们人生的“绊脚石”。对这些封建礼教的牺牲品来说,死也许是离开这里的唯一方法,也是最终的救赎。“在这个院里人算个什么东西,像猫像狗像耗子,就是不像人。”新太太依旧还是来了,日复一日,年复一年,她们有的不是幸福开端,而是悲惨的结局。

《老男孩》:一首无处安放青春的挽歌

这部短片是由中国电影集团联手优酷网共同出品,选取了11位当下青年导演执导系列电影短片之一。在所有的这些短片中,这一部《老男孩》可以说是“一鸣惊人”,关注度远远超过其他短片。在网络上搜索一下,这部短片的关注度已经远远在同名的韩国名导朴赞郁的作品之上了。虽然二者在本质上有着太大的不同和差距,可是这一部《老男孩》却因为贴近了国人某个心灵的角落而被广泛接受。其中原因,无非还是一个“怀旧”与“励志”的主题打动了人心。

影片采用了倒叙的方式,将一对“老男孩”的青春岁月通过快速剪切的方式一一呈现在观众眼前。尤其是那些年少时光时所拥有的轻狂与真情,最易勾起每一个人心底那已经尘封的记忆。年少时期的那些曾经碎片式的却有充满温情的回忆,在影片中通过一个个的镜头快速带领观众进入一个记忆的空间。当然,年少时所拥有的青涩情感几乎是每一个人心底永远难以磨灭的印记。影片也在这一方面重点进行了重点呈现,到剧中的主角之一在楼道拐角处为心底的爱人弹着吉他,再到滂沱大雨中的声竭力嘶的歌唱,其实也正是每个人在年少时所拥有的情感记忆的一次放大而已。

影片为了唤起观众的共鸣,采用了大量的明显带有时代色彩的印记符号来让人坠入这种尘封的氛围中不能自拔。在音乐上,从影片一开始的李春波的《小芳》开始,这种音乐上的时代特征成为影片最重要的一个符号。应该承认,音乐在本片中起的作用甚至超过了画面的表现力。虽然提示回忆的方式有多种,可是这一种对于音乐的记忆却是几乎永远不褪色的那一种。当一首熟悉的旋律响起,整个人都会沉浸在一种记忆中不能自拔,让心情彻底沉迷在一次往事的旅行中。影片就是精彩的利用了这一特点,从影片一开始就能将观众带回一个让自己无限神往和感伤的氛围中去。除了全片大部分令人熟悉的音乐,影片最后的一首歌也极为出色,虽然是一部翻唱歌曲,却难得的与影片所透露出来的伤感与怀旧的氛围高度吻合,直指人心深处。相信在这首歌响起的那一场戏里,被感动的绝对不仅仅是影片中那些出现的各种人物,几乎每一个青春已逝或是将逝的人都会在这首歌里找到集中自己心灵角落的那一颗子弹。这种撞击,最终使得每一个人都会热泪盈眶。

当然,贯穿整部影片的,当属让人熟悉而亲切的迈克尔•杰克逊的音乐了。迈克尔•杰克逊代表了一个时代的符号,影响了超过一代人的范畴,更容易引起更多人的共鸣。而影片中主角对于这位天王巨星的崇拜和伤感,其实更是每一个人的共同遭遇。在影片中,迈克尔•杰克逊和他的音乐几乎成了一种时代的烙印,而且几乎带有一个拯救者和灵魂者引着的角色。这种音乐以及歌手本身变成了一种图腾,一个时代和一个年龄指引的图腾。在影片中,正是迈克尔•杰克逊及其音乐让一个主角彻底找回了自信,也正是这个迈克尔•杰克逊和他的音乐,让这两个迷失的灵魂最终走到了一起。两人一起在舞台上表演的过程,其实也是一种对于自我寻找和自信返回的过程。虽然这场演出意外中断,却无法改变两人心中的精神支柱。当剧中主角之一在寻求自己梦想的过程等遭受打击时候的失声痛哭,不仅仅是因为自己的才华不被赏识,更多的是来自手中那份旧报纸上关于自己偶像幻象破灭的事实上。不过,影片最后,两个人虽然没有了迈克尔•杰克逊的歌曲,却仍旧以迈克尔•杰克逊的舞步在向世界证明着这一信仰的不变。

影片在情感的叙述上,利用的是一个“反差”来制造出令人感伤的效果。已经年届中年的两人去参加青春选秀节目,本身就带极强的悬念和冲突感。随着影片的展开,则完全是一个带领观众进行回忆的一次心理旅程。记忆中的情感最终在现实面前变的不堪一击,一个“理发师”,一个“婚庆主持人”的身份又将这种一种伤感进一步强化,更不要说当年自己热恋的校花已经“老大嫁作商人妇”。在一定意义上,现实的残酷性将这一些年少时代的梦想变的更加可贵,也使得每一个观众更容易在里面找到自己的影子。影片中最终歌声响起,每一个人在匆忙中驻足来听到这首歌时都被深深触动,一如我们在匆忙的生活中难以喘息时在看到自己年少时光是的印记时的那一份感动。

影片将一种近乎残酷的生活摆在观众面前,却恰恰是因为这种真实而更打动人心。影片最终也未选择一个媚俗的“获胜结局”,更是进一步对于这个社会进行思考的体现。在这样一个近乎残酷的社会中,只有这些青春年少的回忆才能证明我们曾经年轻和单纯过,在一种近乎挣扎的生活中默默注视着自己的时光流逝,这种伤感几乎是语言难以形容。在一定程度上,影片所引起的共鸣,不仅仅是体现在一种表现的音乐上,更是体现在对于一个群体生活状态的认可上。

作为年轻导演的作品,本片在技术上的某些方面的老练让人惊讶。虽然难说达到什么样的高度,可是仅仅就一个新手来说,本片绝对值得肯定,在剪辑,音乐等方面做得极为出色。要说遗憾,一个是在前半部分的演员选择上稍显失策,让人感觉有差异多了一些。另一个就是本片最后的音乐不是原创,在一定程度上削弱了影响力,实属遗憾。不过,影片真正打动人心,还是那一种真诚,一种真正能够引起观众共鸣的心底感动。

第二篇:影评

《摩登时代》观后感

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母伟佳

看多了现在商业大片,再看以前的经典影片真是各种感受涌上心头。尽管经典影片拍摄的年代没有昂贵的制作、没有高质量的设备,可是影片是那么的耐人寻味。这就是我今天看完《摩登时代》的强烈感受。

在没看这部影片的时候我只是知道这是卓别林演的,而我对卓别林的了解也只是知道他是世界最著名的喜剧大师。影片刚开始我就被滑稽的画面吸引了,男主人公夏尔洛是个摩登时代大工厂的一个流水线工人,一天到晚神经质般的重复着同样的工作,连去厕所抽根烟的享受都被无情自私的资本家剥夺了,最后由于不堪重负,夏尔洛精神失常,被工厂送到了精神病医院,同时他也失去了赖以生存的工作。不久,他出院了。可是在大街上,他却被警察误认为是工人暴动的领袖而关入了监狱。在监狱中,他又误食海洛因导致兴奋而戴罪立功,一系列荒诞的情节发生在夏尔洛身上,最后他被提前释放,监狱长对他说:“你自由了。”可夏尔洛却说:“可以在多关我几天吗,我待在这里很好。”也许只有在那个荒诞的年代,才有夏尔洛这样荒诞的想法。的确,他在外面确实还不如在监狱中,虽然获得了表面自由,但是他却依然生活在一个更大的牢笼中,在这个牢笼中,有钱的人随心所欲,无产者无家可归。后来,夏尔洛遇到了同样是流浪者的女主角,在一系列奇遇后,女主角爱上了夏尔洛,他们找到了属于自己的天堂——一个河边的小破木屋。他们曾经也幻想过理想中的天堂,比如一个富人家的别墅中的生活,比如大百货商场中的快乐时光,但是这些仅仅是幻想,真正属于他们的天堂,也仅仅是那个河边的小破木屋,可是也只有在这里,我看到了他们从来没有的温馨与幸福。

影片最后,夏尔洛和漂亮的女主角再次走在逃亡的路上,但是这一章的标题是“黎明”。我想卓别林更希望他们是走在通往黎明的道路上,夏尔洛看到女主角紧锁着眉头,他告诉她应该笑,应该向着黎明微笑,这也是卓别林带给我们一系列艰辛,悲苦,荒诞以及黑色幽默后给我们的一丝希望。

我就这样全身心投入的看完了这部经典喜剧影片,这是我第一遍看完的感受,当我去进一步了解这部影片的时候,我的感触更深。当我带着了解到的社会现实再去看这部电影的时候我少了些许狂笑,多了更多的慨叹与叹服。我慨叹的是那时候的社会对底层人民是那么的不公,那么的困难;叹服的是即使这样主人公还是那么的拥有积极心态,让我感受到了苦中也有幸福的。我对卓别林这位大师不由的肃然起敬。

我敬佩起卓别林,他不在只是我以前所认为的喜剧大师,他用他的演技带我了解到不管社会生活中有多么的困难都不能没有希望,即使希望在社会现实面前是那么的不堪一击,可是有希望就会有快乐。而更让我体会良多的是快乐不是你拥有多少物质、多大权势,快乐其实就是你的一个心态。

第三篇:影评

评《菊豆》的剧情安排

文法学院

108511

汉语言文学

代颖舟 1

评《菊豆》的剧情安排

《菊豆》讲述的是20世纪20年代江南小镇上的故事,镇上的一染坊主杨金山因自身原因折磨死了两房太太,后买进了小他三十多岁的王菊豆续弦,自身有问题的杨金山对其百般虐待。染坊伙计、杨金山的养子杨天青对菊豆由怜生爱,两人私通生得一子,杨金山以为自出,取名天白。但不久杨金山中风,菊豆和天青更加肆无忌惮。得知真相的杨金山屡次欲对天白下手,结果却误坠染池丧命。被迫分开的菊豆和天青只能暗地里来往。十多年后,天白长大,外人的闲言碎语使他无比仇恨自己的生父,在发现地窖中重温旧梦的杨天青和菊豆窒息昏迷后救出了母亲,却把生父丢进了染池淹死,菊豆万念俱灰,一把火点燃了染坊。

影片看完后给人一种压抑感,反映了封建压迫与人性发生冲突时不同性格的人面临的不同命运,暴露出中国固有的对人性毒害的封建“秩序”、吃人的礼教道德,给人很大的震撼。

我就这部影片的剧情安排,谈谈自己的理解。第一个就是杨金山对王菊豆的态度的场景。影片多次表现出菊豆这类女性的社会地位。金山折磨死前妻,买来菊豆,可以受到社会的认可。杨金山用马鞍压在菊豆身上,大骂菊豆,女人在他的面前如同牲口一般,任意屠戮,百般折磨,女人什么都不是,只是供男人传宗接代的的工具,白天像牛一样拼死干活,晚上又遭受性无能的杨金山的虐待,在黑暗中煎熬度日。天白出生后,乡间的长者都聚在祖辈的灵位和家谱前议论取名字和继承家业的事情,而女人,包括孩子的母亲,都被排除在外。金山死后菊豆要挡七七四十九次棺,还有天青在天白的生日宴上放声痛哭,一位老妇取笑说让金山给天青也买一个媳妇,引来了大家的欢笑,这笑声说明男女不平等的社会观念不仅深深的埋在男人的意识之中,而且也深深的埋在女性的意识之中。

从上面可以看出“不孝有三,无后为大”的观念和男尊女卑思想在广大封闭农村的根深蒂固,即使放在今天这么开放和进步的社会里,人们仍然对不能生育的女子表示歧视,对女子的不公平对待。在广大农村,女人生来就是在家干活操劳,伺候他人。有的家庭想要男孩,不想要女孩,有的女孩考上大学家里却不让上,让她们去打工,因为要挣钱供男孩上学。

还有就是“弃妇”的现象,历史从来不缺少这类现象,菊豆也可以说是一个弃妇,嫁到杨家后就遭到杨金山的虐待,每夜的折磨,完全是被抛弃的工具,这不能不说是现在社会的某一些写照。这部片子上映于上世纪90年代,却对现在仍是巨大的嘲讽,这也是片子播出后就被禁播的原因之一。

第二个就是杨天青偷窥他婶婶王菊豆洗澡的场景。年近四十而尚未娶亲的天青,是一个瘦小、懦弱、没有理想的一个纯粹式的男人。对叔叔每夜滥施淫威而痛苦哀叫的菊豆产生了同情和异性的好奇。尤其是剧中反复出现的天青挖洞和菊豆堵洞的场景。

对于天青来说,他喜欢自己的“婶子”菊豆,这在他看来是大逆不道,一方面是他自己内心的爱,一方面是那强大的礼教的压力,所以开始他受礼教的影响,只敢偷偷的看菊豆,在他夜里听到杨金山迫害菊豆的声音后,他表现出了一种反抗,即使一时冲动拿起了刀,但很快又放下走开。他只是把刀砍在了楼梯上。后来他又多次拒绝菊豆对他的追求,可以说天青一直挣扎在矛盾中,他一方面追求自由和解放,一方面又在礼教的压迫下不敢做出反抗礼教的事情,而菊豆有堵那个洞到主动引诱天青去偷看她,这又是她的转变,如果她不自救的话,迟早要被杨金山折磨死。为了自己,她只有寄托于天青,希望他能帮他。也可以说天青和菊豆刚开始他们之间是没有爱情的,一个对女人充满渴望,一个急切要摆脱恶魔、渴望正常生活。于是两人就发生了火花。

第三是“秩序堂”,那座只允许男人进出的杨家祠堂,它成为杨家所有事的决裁者。

南方的小镇,封闭的镇民生活在世世代代祖训家规之中,平静死板的度过自己的每一天。菊豆怀不上孩子,杨金

山就去祠堂上香祈祷;天白起名字还要按祖训,依家制;就在杨金山看着天青和菊豆明目张胆的乱搞愤怒至极时,第一个诉苦地对象竟然还是那些列祖列宗的木头牌位,试图要用这个他永远信奉地“秩序”使自己脱离苦海,并惩罚菊豆和天青对“秩序”地背叛;杨金山死后,天青和菊豆要按礼教组制挡棺七七四九次;即使到最后杨家长辈对天青和菊豆的决定也依然是在祠堂里做出的。这所有事的背后都有一双无形的手在操纵着,任何人都无法摆脱这双手。

现在社会的事情难道不也是按照所谓的“秩序”操纵的。第四是杨金山和杨天青在染池中临死挣扎的场景。水池边的镜头,当坐在木桶里的杨金山艰难地想要帮“儿子”把狗尾草染色时,却被天白不小心拉进了水池。看着在水里挣扎的这个被自己唤作“爹”的人,年幼的天白没有恐惧没有呼救,而是在一旁那样静静看着,笑容在脸上扩散。

同样是在水池边,当少年天白把生父从地窖里背出来后,毫不犹豫地扔进了水池,看着同样在水里挣扎的生父,他脸上的冷漠、冷峻和仇恨一成不变,并且面无表情地举起手里的木棒,丝毫不顾及身后的母亲歇斯底里的叫声。

同样是染池,同样是天白,不同的却是礼教的遵守者杨金山和矛盾的天青,这是否是一种讽刺呢?天青破坏了杨金山所定的“秩序”,天白的母亲遭受杨金山的百般虐待,天青救天白的母亲于水火之中,却被自己的亲儿子天白打死在

染池中。这是不是在向人说明凡是破坏秩序的必将受到严惩,所有的人都将在“秩序”中走下去,一代一代,没有终止。

第五就是杨天白这个人在电影中的表现。

天白在剧中的台词很少,完全通过神情、动作来展现其内心复杂的感情,这样的剧情安排给了他很大的表现空间。这个孩子似乎从出生就是带着所有的报应而来,他很晚都不会开口说话,一开口就打破了菊豆和田青的所有美好期待,称杨金山为“爹”,称杨天青为“哥”。他始终冷眼看着母亲和天青得偷情,愤怒的程度与杨金山一样。我从没有在他的脸上看到孩子的笑容,他始终都有种戾气。而在杨金山死后,青天搬出去住,天白无疑是个称职的看守者。不笑、不可通融的,将大门紧紧锁上,也锁起了菊豆和田青他们的构想。而在街道上听到关于母亲的流言蜚语时持刀追赶的情形让人想起来就不寒而栗。他也许真的是杨金山的亲生骨肉,因为他的情感冷酷的让人完全找不出缘由。他的悲剧在于丧失了所有人的柔情和欢乐,只有冰冷和仇恨在脑中。当他把天青从地窖里拉出来时我以为他会救天青,因为人们亦有在善恶中挣扎的时刻,但出乎意料的是天白完全毫不犹豫地将他扔进染池中,仿佛这是他早该做的一样。

影片最后没有交代他的生死去留,但他这样的生存状况继续下去所带来的只有更多可怕的悲剧,他的生命也在这次

杀戮中被抹杀了。

整体上来看,《菊豆》这部电影在剧情安排上是很紧凑连续的,并且情节层层相扣,真实立体而又一波三折,给人带来超越语言可以诠释的“悲剧快感”。影片确实很好。

第四篇:影评万能

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(一)《题目自拟》

——《×××》电影简评

每一部电影都是导演写给观众的情书,在影片公映那一刹那,导演将带着忐忑与期待的心情迎接着关于这部作品的一切褒奖与批评,《×××》这部电影也不例外。作为×××导演与其团队精心打磨的一部作品,《×××》无论从结构到剪辑,从主题还是到细节,都有很多地方值得我们学习。

一、叙事结构的突破

电影《×××》讲诉了一个×××的故事(用简单的一两句话概括,不宜长)。

从故事中我们可以感受到,电影《×××》在叙事选择上很独特,能够从不一样的视角诠释这样一个看似平淡的故事。好莱坞编剧教父罗伯特•麦基曾说“编剧应该执着于内心的好故事”,基于这点,影片编剧从多元的空间流程发展结构展开,运用多重视角的叙事结构,打破了传统的单一叙事模式,从而构成更为完整、客观的真实,多角度、多层次的展现出人物复杂而丰富的性格,从而实现了电影叙事结构的多元化发展。从×××导演的从影经历来说,是一次新的突破。

二、主题哲理化迈进

一部好的影片不仅胜在整体叙事,而更在于影片主题的深度挖掘。

在影片《×××》中,导演旨在通过叙事过程中细节段落集中处理所构成的艺术张力而获得一种戏剧张力的效果。《×××》强化了影片后半部分段落的哲理寓意,里面带有导演强烈的主观诉求,虽然仍旧向生活中攫取艺术的真实,但是,导演的视点已经超越故事本身,开始想向更深层次的哲理追寻迈进!

三、视听语言的创新

镜头语言的变化运用对于影片基调、细节、质感的把握,刻画人物细腻的情感十分重要。影片《×××》中采用不同的镜头语言的变换运用来表现人物和叙说故事。在电影开头部分,多次运用大场景拍摄手段,将影片的氛围衬托了出来,向观众交代了故事背景。在影片中间段落,多次采用特写镜头,通过主人公的面部特写来表现主人公的心理活动,展现不同人物的性格。这些镜头语言的变化运用替代了叙事,推动了故事情节发展。

电影叙事的推动、艺术形象的塑造,除了视觉画面之外,还有一个重要的组成部分就是声音。在电影《×××》中,影片的人物语言,处处彰显着鲜明的人物风格,将人物真实的心理传达给观众,如:“××××××”能够让银幕内外的人直观地了解其情感处境,具有极强的感染力。

四、结语

每一个编导专业的初学者如果能把一部电影当作一封情书来看待,则其在观影中会有更深的感悟。感谢×××导演给我们奉献这样一部精彩之作,虽然在众人的评价中有这样或那样的缺憾,但对于我来讲,要学习的地方还有很多。

第五篇:影评

《Bright star》,又一部清新浪漫的田园诗。少了日本纯爱剧的矫揉造作和无病呻吟,以明信片般的唯美画面和真挚深切的感情打动我心。

迷恋如此单纯的乡间生活:当Fanny坐在窗前,微风吹起的白窗帘起伏划过她浓密的发,守法公民影评,心想就这样做一辈子刺绣也是多么美妙与幸福的事情。与纯朴画面照相呼应的是同样清澈而深切的爱。Keats才华横溢穷困潦倒,Fanny大家闺秀天真烂漫,这样的两个人在对感情都懵懂的时刻相互吸引,并且忠贞不渝。爱情应该是这样,即使不能朝夕相处,但在心里永远不离不弃。

无可争议,Fanny对Keats的诗歌创作给予了重大的推动作用,其中包括著名的《夜莺颂》和《致秋天》,或许真正感谢的,应该是充满内心的爱意,珍爱 Precious Based on the Novel Push by Sapphire,湖北天气,真实的感情赋予了Keats更多的灵感与感悟。Fanny正值妙龄,面对甜美的感情总是会流露出少女般的天真,不论是躲在兰铃花丛中一字一句的回味恋人的书信,还是捉捕满房间的蝴蝶,都是如此美丽的画面。又如Keats信中写到的:我散步时沉思两件最珍贵的东西,你的可爱和我死亡的时刻。要是我能在同一瞬间拥有他们该多好。

但是命运永远是残酷的,Keats的穷困与羸弱让婚姻变得遥不可及,江苏天气,爱情开出了世上最美丽的花,美文故事,却没能结出珍贵的果。当Fanny哭着说,一定会有其它办法的,没可能我们生来就要受这种苦。我心里很大触动,不知是什么滋味,每每遇到挫折总会这样问自己,只可惜一切皆有定数。最后的十几分钟里,眼睛酸涩,心里的悲伤油然而生。Fanny送别Keats时表现出了不相称的从容,更加突出了心碎与不舍。她此后一直是如此坚强,直到收到了Keats死讯终把压抑的感情宣泄出来,哭得泣不成声。影片结束时,Fanny换上黑色的裙子剪掉长发走在曾经嬉戏的花园里,迫在眉梢,心已跟着Fanny被痛苦填满,只是与她巨大的绝望与悲痛相比,我的眼泪出自惋惜与忧伤。

希望的青鸟折了翅膀,又该如何飞翔?

曾经我们一起在这里编织美丽的梦,而今你一人远去留我独行,“全才”黄小蕾:“开心小菜”的制作过程。

曾经你用最美的语言勾勒动人的未来,而今你化为我心中的一首诗。

评论这张

The Reflections of Bright star After seeing this movie, it gives me a deep impression of pure love between Keats and Fanny.Keats was a romantic poet living a poor life even he couldn’t afford daily expenses;however, Fanny didn’t care about it at all.I think she was a brave woman, of course, she was brave enough to break the feudal tradition, what’s more, she was not like traditional women who were afraid and had no courage to express their feeling, but she was different.She dared to pursue her love and insisted on what she had chosen.Even though her lover Keats dead, she still chose to be single for him.In my opinion, she thought Keats was alive in her heart forever and every few women could do like her.As for Keats, he had gift for Poems and he had a deep passion with poetry.Although he couldn’t become famous when he was live, he was still stick to his dream, his goal, and his life, sometimes he also felt desperate.He wanted a healthy life but the fact was so cruel;he wanted married Fanny but he was afraid he had no ability to make her happy;he was long for love but he also thought Fanny would bring harm to him.His poem was very beautiful;the film was ended with his poem Ode to a Nightingale which gives me that Keats had a very complicated feelings.I can feel both happiness and sadness;this may be relevant to his sad personal experience which made him very sensitive and indifferent with life.After he fall love with Fanny suffered with torture with body and heart.Fanny loved him so much was crazy about his poetry that he could stop himself loving her while his health became worse and worse, furthermore, he was also feel heart-broken about love between them.He had said he couldn’t love her and couldn’t stay with her but he could not at last.Compared Keats with Fanny, I think Fanny was more brave than him;she did not care about opposition of her mother and his friend Brown, yet, she was a represent of anti-tradition.Of course, Keats really loved her in his deep heart but he did not show it directly, he expressed his love for Fanny in his poems.Still, the love between them also gave Keats a promotion to his poem making his poem plumper.His friend Brown was a very good friend and he gave Keats a lot of help whether his life or poetry.He tried to protect Keats from hurting and did not support love of them.Perhaps, his prevention to them made their love more impressive, deep and pure.

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