艺术哲学读后感大全(8篇)(精选)

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第一篇:艺术哲学读后感大全(8篇)(精选)

艺术哲学读后感大全(8篇)

【篇一:《艺术哲学》读后感】

1828年是一个伟人辈出的年代。那一年,法国科幻家凡尔纳出生在法国南特市一个法官家庭;也是那一年,挪威剧作家易卜生出生在一个普通家庭;同样是那一年,俄国革命家、哲学家、作家车尼尔雪夫斯基出生于俄罗斯。而这本书的作者——丹纳,也是于那一年出生于法国的一个律师家庭。因为经济、文化条件较为优越,丹纳从小就接受了良好的教育,为其以后的成长和发展打下了良好的基础。

童年时,丹纳就表现出过人的素质。他似乎比别的孩子更早成熟,在他们还处于懵懂无知的时候,丹纳却已经阅读大量的书籍,他不仅读的书多,而且还可以大段大段的背诵书中的内容。丹纳还特别擅长哲学思辨。因为自幼深受西方的哲学传统的熏陶,他对柏拉图、亚里士多德、斯宾沙诺、笛卡尔、康德、黑格尔等哲学大师十分敬仰。在青年时期就立志要发现真理,去探索宇宙万物的最终本质。他的想法常常另周围的人惊叹,称其为为思想而活的人。

丹纳一生著述宏富,我所看的《艺术哲学》共分为五大编,第一编《艺术品的本质及其产生》,第二编《意大利文艺复兴时期的绘画》,第三编《尼德兰的绘画》,第四编《希腊的雕塑》,第五编《艺术中的思想》。第一编和第五编属于艺术概论,第二、第三、第四编属于艺术史。

个人的特色是由社会生活决定的,艺术家创造的才能是以民族的活跃的精力为比例的。在丹纳的《艺术哲学》一书中,通过许多的实例诠释了这句话,无论是意大利的绘画艺术,还是希腊的雕塑艺术的创作都是脱离不了种族、环境和时代等大背景条件之下的。

丹纳以为:在人类创造的事业中,艺术品好像是偶然的产物;我们很容易认为艺术品的产生是兴之所至,既无规则,亦无理由,全是碰巧的,不可预料的,随意的;的确,艺术家创作的时候,只凭他个人的幻想,群众赞许的时候也只凭一时的兴趣;艺术家的创造和群众的同情都是自发的,自由的,表面上和一阵风一样变化莫测。虽然如此,艺术的制作与欣赏,也像风一样有许多确切的条件和固定的规律:揭开这些条件和规律应当是有益的。

简单地讲,哲学思想是人类对世界的基本看法,这个看法就是我们的世界观。每个人的世界观都不同,这就出现了社会上不同的生存方式。比如,能人,才人,好人,坏人等等。

人类对世界的探索仍然没有个不确定的结果,所谓的智慧,那是暂时的真理和理论,也是前人总结的经验,需要我们后人来补充和添加,同时我们还要进行正误对比,辨别地吸收。

【篇二:《艺术哲学》读后感】

原本以为《艺术哲学》是一本比较理论化的哲学书,看了之后才发现更像是一本介绍关于他们的意大利、尼德兰、希腊历史、风俗、种族与艺术的书,这本书包括的内容大体如下:

第一篇:意大利的艺术哲学

第二篇:尼德兰的艺术哲学

第三篇:希腊的艺术哲学

丹纳认为物质文明与精神文明的性质面貌都取决于种族、环境、时代三大因素。从这原则出发,阐扬了意大利、尼德兰和古的艺术流派。因为种族的不同,造成日耳曼民族的艺术与拉丁民族的艺术不同,前者更浑朴,后者则更精致;因为自然环境的不同,所以意大利绘画多表现理想的优美的人体,而尼德兰绘画多表现现实的甚至是丑陋的人体;因为时代不同,所以古希腊人能够创造出简单而静穆的伟大作品,而现代人只能创作出孤独、苦闷

丹纳提出了衡量艺术作品价值的三个尺度。特征重要的程度即其价值取决于那个特征的稳固程度与接近本质的程度;特征有益的程度则是指艺术所包含的道德教育作用;效果集中的程度是指艺术作品各个方面的元素通力合作去表现特征的程度。

书中对欧洲大陆各国的风土人情的描述读起来是饶有兴味的,从意大利、尼德兰、希腊的地理位置、气候、人种、风俗习惯、历史、政治力量等因素谈起,谈到某种形式的艺术为何会形成发展。而不同的地理(尤其是气候)的影响而决定不同的艺术风格,这种观点本身就很有意思。

而这些也证实了艺术来自生活,是生活给了它土壤。要做一个艺术家,需要爱生活,形形色色的生活,并且对每一点人物风情的细微差别保持高度的敏感。

【篇三:艺术哲学读后感作文】

提起傅雷先生,可能我们首先想到的是家喻户晓的《傅雷家书》,大家说那是一部体现了如何教育孩子成才的经典读物,笔者以为那几百封家书更多地体现了作为老父亲对身处异国他乡的孩子的关爱之情,但又是一种超越了寻常家长对孩子的生活挂念与感情的寄托。傅雷先生不仅是一位著名的翻译家,更是一位情感细腻、眼光独特的艺术家,他的家书是写给远在英国学习钢琴的儿子傅聪的,故字里行间处处体现了两个不同年龄段的艺术家的交流,尤其有一段重要的毛笔手稿家书,是傅雷先生以恭谨的小楷抄写的《艺术哲学》第三章希腊的雕塑,父亲希望儿子能仔细阅读,深刻领悟其中的艺术真谛。

所以我们想要了解艺术的傅雷,最值得大家来阅读的莫过于他翻译的法国艺术理论家丹纳原著《艺术哲学》。也许大家觉得这是丹纳的著作,又如何体现傅雷的艺术思想呢?事实上,如此众多的西方艺术理论,偏偏傅雷先生选择了这一部予以译介,犹如他选择翻译罗曼罗兰的《约翰克里斯朵夫》,那是他最认同最喜爱的一部法国人文主义文学作品,而且与他本人的人文思想、艺术观念也是最吻合的。因此,就不难理解他选择丹纳《艺术哲学》,将其作为艺术理论经典来教育傅聪了,我们现在学习艺术的年轻人当然更应该悉心阅读,细细品味其中的奥妙。

《艺术哲学》最初是丹纳在美术学校的讲课稿,他并没有给我们讲述某一艺术门类的创作技巧或发展脉络,也没有讲解某一件著名的艺术作品的审美品味或历史地位,而是通过讲述三个西方主要的艺术创作时期,包括意大利文艺复兴时期、尼德兰时期、古希腊时期的方方面面,从而生动地阐释了艺术品产生的人文环境、地理环境以及艺术品应该发展的理想状态。

丹纳以为:在人类创造的事业中,艺术品好像是偶然的产物;我们很容易认为艺术品的产生是兴之所至,既无规则,亦无理由,全是碰巧的,不可预料的,随意的;的确,艺术家创作的时候,只凭他个人的幻想,群众赞许的时候也只凭一时的兴趣;艺术家的创造和群众的同情都是自发的,自由的,表面上和一阵风一样变化莫测。虽然如此,艺术的制作与欣赏,也像风一样有许多确切的条件和固定的规律:揭开这些条件和规律应当是有益的。

跟着傅雷先生那优美而又准确的文字进入到丹纳的讲课之中,我们仿佛时空穿梭一般回到了产生《蒙娜丽莎》、《春》、《维纳斯的雕像》等等巨作的时代,领略了十五世纪末至十六世纪初意大利文艺复兴时期全方位的包括绘画、雕塑、建筑在内的灿烂辉煌,在艺术辉煌的背后是社会生活的奢侈与开放,宗教信仰的高度升华;感受了前后历时四百年之久,带着北方淳朴、粗壮特征的民族烙印的尼德兰绘画;更是体会了代表古代人类淳朴艺术的希腊的雕塑,那是一个唯美的世界,原始的人们对人类最本真的美是如此的热爱,在他们的生活中充满了健康的与体育、竞技、神话密切相关的各种巨制如神庙,微小若族徽的艺术作品。

上海书画出版社出版的《艺术哲学》彩图珍藏版,首次将五个章节分为了五册,还原到了丹纳最初讲稿的原始状态,傅雷先生原序明确指出,最初的《艺术哲学》是按丹纳讲课进程在1865年至1869年间陆续印行的,而现在的分册图书又加入了大量经典作品及人文、历史的环境插图,以求与原著的内容贴切再贴近,因而非常方便各界读者阅读。这是一个艺术理论的系列,却处处体现出了人文的温情,温润细致,感染无形。

第二篇:艺术哲学读后感

艺术哲学 读后感

K100940713 周志远

上了艺术哲学这门课后,我有很深刻的感受。这本书之所以能被介绍到国内来,是由于其作者是以近似唯物主义的观点来阐述其哲学思想的,对时代和经济对美学思想的影响十分强调,不同于黑格尔与谢林德国唯心主义的美学思想体系过于强调抽象的哲学逻辑,因此更容易被中国人所理解。

书的最大亮点在于,它把艺术史研讨与美学研讨联合为一体,提供了在以后搞艺术的详细实际环境,而不是像普通哲学一样的广泛纪律。艺术也是一个构成,发展,繁荣,衰落的过程,建筑计划应该跟当地的文化,环境,时代,种族,信仰,资金,技术,形体的大小等互相吻合,到达一种无机的团体,这才叫艺术美.他还提出了怎样鉴定艺术作品的的代价,艺术作品再现种族、环境和时代特性的程度及结果。一共有三条:特性的紧张程度;特性的无益程度;结果的集中程度。

作者运用具体事例说明抽象概念的能力早已被世界学术界公认,他讲述条理明晰、充满形象、富有热情,把艺术(美术)中难缠的问题清楚、明确的讲个通透,被称为逻辑家兼诗人。重点分析美学与艺术哲学的理性特征,努力使讲授建立在准科学的基础之上而非感觉和兴趣的基础之上,借鉴有效之法于美术教学中。在黑格尔的哲学思想。作者认为一切事物的发生、发展、演变、消灭都有规律可寻。艺术研

究的过程就是“从事实出发,不从主义出发,不是提出教训,而是提出规律,证明规律”、“我唯一的责任是罗列事实,说明在这些事实面前艺术是如何产生”。科学而严谨的治学方式奠定了戴维斯在艺术史学研究领域的地位。艺术研究就处在了一个复杂而立体的多维空间中,一切贯穿于艺术、自然、人文的主要特征和因果逻辑都有了一个必然的联系,这样就建构了一个和谐共生论、进化论的研究平台。他说:“我的方法的出发点是在于认定一件艺术品不是孤立的,在于找出艺术品所从属的,并且能解释艺术品的总体”,“由此我们可以定下一条规矩,要了解一件艺术品、一个艺术家、一群艺术家,必须正确的设想他们所属的时代精神和风俗概况,这是决定一切的基本原因”。

本书讲授的进程通篇都是由各个主要特征之间的网络关系与因果关系构建的。书中强调:发现和控制主要特征是人类的高级形态,是人类区别于动物的值得尊敬的才能。科学与艺术这对人类进程的双翼表现的也是主要特征,科学以定义和公式表现,艺术以审美与情感表现。上完这门课,感觉是一次彻底的洗脑过程。

第三篇:《艺术哲学》读后感[模版]

《艺术哲学》读后感

——201401323008倪嘉良

原本以为《艺术哲学》是一本比较理论化的哲学书,看了之后才发现更像是一本介绍关于他们的意大利、尼德兰、希腊历史、风俗、种族与艺术的书,这本书包括的内容大体如下: 第一篇——意大利的艺术哲学 第二篇——尼德兰的艺术哲学 第三篇——希腊的艺术哲学 丹纳认为物质文明与精神文明的性质面貌都取决于种族、环境、时代三大因素,从这原则出发,阐扬了意大利、尼德兰和古的艺术流派。因为种族的不同,造成日耳曼民族的艺术与拉丁民族的艺术不同,前者更浑朴,后者则更精致;因为自然环境的不同,所以意大利绘画多表现理想的优美的人体,而尼德兰绘画多表现现实的甚至是丑陋的人体;因为时代不同,所以古希腊人能够创造出简单而静穆的伟大作品,而现代人只能创作出孤独、苦闷 丹纳提出了衡量艺术作品价值的三个尺度。

“特征重要的程度”即其价值取决于那个特征的稳固程度与接近本质的程度;“特征有益的程度”则是指艺术所包含的道德教育作用; “效果集中的程度”是指艺术作品各个方面的元素通力合作去表现特征的程度。书中对欧洲大陆各国的风土人情的描述读起来是饶有兴味的,从意大利、尼德兰、希腊的地理位臵、气候、人种、风俗习惯、历史、政治力量等因素谈起,谈到某种形式的艺术为何会形成发展。而不同的地理(尤其是气候)的影响而决定不同的艺术风格,这种观点本身就很有意思。而这些也证实了艺术来自生活,是生活给了它土壤。要做一个艺术家,需要爱生活,形形色色的生活,并且对每一点人物风情的细微差别保持高度的敏感。

这本书之所以能 被介绍到国内来,是由于其作者是以近似唯物主义的观点来阐述其哲 学思想的,对时代和经济对美学思想的影响十分强调,不同于黑格尔 与谢林德国唯心主义的美学思想体系过于强调抽象的哲学逻辑,因此 更容易被中国人所理解。书的最大亮点在于,它把艺术史研讨与美学研讨联合为一体,提 供了在以后搞艺术的详细实际环境,而不是像普通哲学一样的广泛纪 律。艺术也是一个构成,发展,繁荣,衰落的过程,建筑计划应该跟当地的 文化,环境,时代,种族,信仰,资金,技术,形体的大小等互相吻合,到达一 种无机的团体,这才叫艺术美.他还提出了怎样鉴定艺术作品的的代价, 艺术作品再现种族、环境和时代特性的程度及结果。一共有三条:特 性的紧张程度;特性的无益程度;结果的集中程度。作者运用具体事例说明抽象概念的能力早已被世界学术界公认,他讲述条理明晰、充满形象、富有热情,把艺术(美术)中难缠的问 题清楚、明确的讲个通透,被称为逻辑家兼诗人。重点分析美学与艺 术哲学的理性特征,努力使讲授建立在准科学的基础之上而非感觉和 兴趣的基础之上,借鉴有效之法于美术教学中。在黑格尔的哲学思想。作者认为一切事物的发生、发展、演变、消灭都有规律可寻。

艺术研究的过程就是“从事实出发,不从主义出发,不是提出教训,而是提 出规律,证明规律”、“我唯一的责任是罗列事实,说明在这些事实 面前艺术是如何产生”。科学而严谨的治学方式奠定了戴维斯在艺术 史学研究领域的地位。艺术研究就处在了一个复杂而立体的多维空间 中,一切贯穿于艺术、自然、人文的主要特征和因果逻辑都有了一个 必然的联系,这样就建构了一个和谐共生论、进化论的研究平台。他说: “我的方法的出发点是在于认定一件艺术品不是孤立的,在于找 出艺术品所从属的,并且能解释艺术品的总体”,“由此我们可以定 下一条规矩,要了解一件艺术品、一个艺术家、一群艺术家,必须正 确的设想他们所属的时代精神和风俗概况,这是决定一切的基本原 因”。本书讲授的进程通篇都是由各个主要特征之间的网络关系与因 果关系构建的。书中强调:发现和控制主要特征是人类的高级形态,是人类区别于动物的值得尊敬的才能。科学与艺术这对人类进程的双翼表现的也是主要特征,科学以定义和公式表现,艺术以审美与情感 表现。上完这门课,感觉是一次彻底的洗脑过程。

艺术品都是对现实社会的模仿,但在模仿中又有可能失去模仿(艺术审美)的价值性。在早期的艺术作品中都是通过对现实社会的观察而创造的作品都是反映现实生活的艺术品,他们独特的画法与不同的艺术风格去对生活情感的体法,创造出许多优秀的经典历作。但与此同时,社会生活层面的发生变化,给后来的艺术模仿者带来思想的改变。后来的艺术模仿者对生活缺少实在的观察,对前面艺术作品或艺术形式不加以改变与创新以致思维不能更新,也不能从过去的思想中转变过来,都不愿意去找活的模仿物。也不去改变自己的创造思维的观念,依赖于过去的过去,可能他们都是在形式上的一些改变,或许他们永远都是在模仿自己、抄袭自己、夸大自己。同样,可能上述写到的原因,后来的艺术模仿者们都缺少对现实的激情而运用技巧、计划来代替或模仿前人的东西,甚至是作品。所以说他们的创造不再是模仿创作而是模仿的制造,缺少了对美的发现和如何对美的理解。也许,在每个年代或是任意一个艺术宗派的历史也能证明模仿真实生活和密切注视现实的必要性。没有例外的是,艺术家们都是在忘掉正确的模仿,抛弃活的模型时候衰落的。

他以为,艺术作品附属于一个总体,艺术家应该从团体实际出发在联合如今的天下环境,丹纳进一步提出,把种族、环境和时代作为艺术的三种根本要素。所谓种族,是指一个民族在生理学和遗传学意义上所固有的性格、气质、看法和智力等方面的文化倾向。这种倾向是一个民族的先天天性和最稳固的原始特性,少少受环境的迁移和时代变革的影响而变革。红岩读后感1000字 所谓环境,包罗自然环境和人类环境。前者指物质环境,包罗种族生活的天文地位和睦候状况等自然条件;后者指民俗习惯和精力气候,此中包罗政治、战争及民族性格和生活情趣等整个社会文化气氛。他看来,种族是艺术的“内部的精华”,而环境则是艺术的“外部影响”。而时代则是内部主源在下“外部影响“。在丹纳的体系中,人类一开始,在环境的一定推进下,经过工夫的作用,规划艺术特点,艺术风格等等,当这些到达一定的程度,则构成了地区行的艺术,好比说:中国和欧洲的差别,开始是因为环境和种族的截然相反,到达一定程度,构成了两种截然差别的文化。艺术哲学 读后感 我以为这本书的最大代价在于,它把艺术史研讨与美学研讨联合为一体,提供了在以后搞艺术的详细实际环境,而不是像普通哲学一样的广泛纪律。艺术也是一个构成,发展,繁荣,衰落的过程,建筑计划应该跟当地的文化,环境,时代,种族,信仰,资金,技术,形体的大小等互相吻合,到达一种无机的团体,这才叫艺术美。

第四篇:《艺术哲学》读书笔记

《艺术哲学》读书笔记

王 龙 一般而论,我们在实物中感到兴趣而要求艺术家摘录和表现的,无非是实物内部外部的逻辑,换句话说,是事物的结构,组织与配合。艺术家改变各个部分的关系,一定是像同一方向改变,而且是有意改变的,目的在于使对象的某一个“主要特征”,也就是艺术家对那个对象所抱的主要观念,显得特别清楚。……这特征便是哲学家所说的事物的“本质”,所以他们说艺术的目的是表现事物的本质。

艺术家必须是生性孤独、好沉思、爱正义的人,是个慷慨豪放、容易激动的人,流落在萎靡与腐化的群众之间,周围尽是欺诈与压迫,专制与不义,自由与乡土都受到摧残,连自己的生命也受到威胁,觉得活着不过是苟延残喘,既不甘屈服,只有整个儿逃避在艺术中间。

文明过度的特点是观念越来越强,形象越来越弱。……日常的精神活动从此变为纯粹的推理。所谓精神状态是指一个人的观念的种类、数量、性质。……但人身上还有比观念更重要的东西,就是他的结构,也就是他的性格,换句话说是他天生的本能,基本的嗜好,感觉的幅度,精力的强弱,总之是他内部动力的大小和方向。

在“意大利文艺复兴时期的绘画”一章,丹纳谈到了很

多当时意大利仇杀、下毒、暗杀的资料,这对了解《罗密欧与朱丽叶》故事的背景很有帮助。(十五世纪的意大利)理论家中最深刻的一个是马基雅维里,他是个了不起的人物,还是正派的爱国的人,有很高的天才,写了一部书叫做《论霸主》,说明奸诈和凶恶是正当的,至少是许可的。说得更正确些,他既没有许可,也没有辩护,他无所谓义愤,把良心问题搁在一边:他只用学者和洞达人情世故的专家身份来分析,解释;他提供材料,加上按语;古代生活的所有这些特点,都出于一个原因:就是非常平衡而简单的心灵。没有一组才能与倾向是损害了另一些才能与倾向而发展的,心灵没有居于主要地位,不曾因为发挥了任何特殊的作用而变质。……少受过度文明的奴役,因此他更接近于本色的人。

所有这些对立地情形,归结起来只是一种全新地不假思索地文化和一种煞费经营而混乱的文化的对立。希腊人方法少,工具少,制造工业的器械少,社会的机构少,学来的字眼少,输入的观念少。遗产和行李比较单薄,更易掌握;发育是一条直线的,一个系统的,精神上没有骚乱,没有不调和的成份,因此机能的活动更自由,人生观更健全,心灵与理智受到的折磨、疲劳,改头换面的变化,都比较少:这是他们生活的主要特点,也就反映在他们的艺术中间。

第五篇:艺术哲学读书笔记

《艺术哲学》读书笔记

由于对西方艺术了解不多,很多细节具体事实并不能很好记住,所以有关例证的那三编印象不深,倒是第一编和第五编的理论令我印象深刻些。首先是第一编,主要论述艺术品的本质。对此,丹纳的出发点在于,认定一件艺术品不是孤立的,在于找出艺术品所从属的,并且能解释艺术品的总体。因此他从艺术品追溯到艺术家的风格,再到艺术流派。而艺术流派的形成无疑来自于它所属的风俗习惯、时代精神。而对可以被称为时代精神的事物,丹纳也做了解释,即“某个时代大多数人的思想感情”。因此,要了解艺术品、艺术家、一群艺术家(艺术流派),就必须正确设想他们所属时代的精神和风俗概况。“不但这个或那个大师的生平,便是每个大的艺术宗派的历史,也证明模仿活生生的模型和密切注视现实的必要。一切宗派,我认为没有例外,都是在忘掉正确的模仿,抛弃活的模型的时候衰落的。” 因此丹纳举出很多具体的例子来说明模仿的重要性,甚至在这一节结尾得出“整个艺术就在于正确与完全的模仿” 的结论。

然而读到这里我不得不发问,艺术确实源于生活回归于生活,但艺术也有颠覆生活超越时代的可能,比如卡夫卡的小说,梵高的绘画,都是不符合、或者说超越、颠覆它们所属时代的大多数人思想情感的趋向的。那么绝对模仿是不是艺术的目的呢?我提出了与丹纳接下来提及的同样的质疑,“倘是这样,那么绝对正确的模仿必定产生最美的作品。然而事实并不如此。” 丹纳依旧是举出丰富而有力的例子来论证,进而说明艺术的目的应当是“力求形似的是对象的某些东西而非全部”。因此,艺术品的本质在于“把一个对象的某些基本特征、至少是重要的特征,表现得越占主导地位越好,越明显越好”。“艺术品的目的就是要把这个特征表现得彰明较著;而艺术所要担负这个任务,是因为现实不能胜任。在现实界,特征不过居于主要地位;艺术却要使特征支配一切。特征在现实生活中固然把实物加工,但是不充分。特征的行动受着牵制,受着别的因素阻碍,不能深入事物之内留下一个充分深刻充分分明的印记。人感觉到这个缺陷,才发明艺术加以弥补。” 由此,丹纳最终对艺术品的目的得出了完善的结论:“艺术品的目的是表现某个主要的或突出的特征,也就是某个重要的观念,比实际的事物表现得更清楚更完全;为了做到这一点,艺术品必须是由许多互相关联的部分组成的一个总体,而各个部分的关系是经过有计划的改变的。在雕塑,绘画,诗歌三种模仿的艺术中,那些总体是与实物相符的。”

接下来,丹纳要讨论艺术品的产生。从前文就可以看出,他认为艺术品的产生取决于时代精神和周围的风俗。他的结论主要来源于两种证据:以经验为证,以推理为证。他在第一编的篇末引用的歌德的话,就很好的说明了这个观点:“不论你们的头脑和心灵多么广阔,都应当装满你们的时代的思想感情”。因此,由这种观点出发,丹纳开始分别讲述了意大利文艺复兴期的绘画,尼德兰的绘画,希腊的雕塑。他细致而生动讲述,正如他自己所说,将它们看作显著的例子,“使我能够在你们面前应用这条规律,证实这条规律。”这个规律便是“作品与环境必然完全符合”。然而对于丹纳所举例子的论述,傅雷先生在译者序中的一段话很客观的点出了他的局限所在:“……他虽则竭力挖掘精神文化的构成因素,但所揭露的时代与环境,只限于思想感情,道德宗教,政治法律,风俗人情,总之是一切属于上层建筑的东西。他没有直接触到社会的基础,他考察了人类生活的各个方面,却忽略了或是不够强调最基本的一面——经济生活。《艺术哲学》尽管材料如此丰富,论证如此详尽,仍不免予人以不全面的感觉,原因就在于此。古代的希腊,中世纪的欧洲,十五世纪的意大利,十六世纪的佛兰德斯,十七世纪的荷兰,上层建筑与社会基础的关系在这部书里没有说明。作者所提到的繁荣与衰落只描绘了社会的表面现象,他还认为这些现象只是政治、法律、宗教和民族性的混合产物;他完全没有认识社会的基本动力是在于生产力和生产关系。”

在漫长的三编“显著的例子”之后,丹纳继续阐释他的美学,谈及“艺术的理想”。首先说明,什么是艺术的理想。前文已经提过,艺术品的目的是表现基本的或显著的特征,比实物表现得更

完全更清楚。“艺术家对基本特征先构成一个观念,然后按照观念改变实物。经由这样改变的物就„与艺术家的观念相符‟,就是说成为„理想的‟了。”可见艺术家根据他的观念把事物加以改变而再现出来,事物就从现实的变为理想。“他体会到并区别出事物的主要特征,有系统的更动各个部分原有的关系,使特征更显著更居于主要地位,这就是艺术按照自己的观念改变事物。”然而,什么是好的艺术品,怎样给艺术分等级,评价它们的价值?这就涉及到对艺术的判断标准问题。丹纳在这一编的第二节中作出了如此论述:“……后世所下的最后判断,可以用判断的过程证明判断的可靠。先是与艺术家同时的人联合起来予以评价,这个意见就很有分量,因为有多少不同的气质,不同的教育,不同的思想感情共同参与;每个人在趣味方面的缺陷由别人的不同趣味加以补足;许多成见在互相冲突之下获得平衡;这种连续而相互的补充逐渐使最后的建议更接近事实。然后开启另一个时代,带来新的思想感情;以后再来一个时代;每个时代都把悬案重新审查;每个时代都根据各自的观点审查;倘若有所修正,便是彻底的修正,倘若加以证实,便是有力的证实。等到作品经过一个又一个的法庭而得到同样的评语,等到散处在几百年的裁判都下了同样的判决,那么这个判决大概是可靠的了;因为不高明的作品不可能使许多大相悬殊的意见归于一致。” 这段论述,初看貌似很有道理,但细一思考,从我个人角度看来,便有了些许质疑:首先,从“与艺术家同时的人”来说,他们共处一个时代,按照丹纳前文的观点,他们个人的价值观以及他们的作品所蕴含的思想,都是民俗习惯与时代精神共同促成的。那么同一时代的人必定有相近的价值观,同一时代的作品思想也大致有相通之处。这其中拥有不同思维,乃至颠覆当时时代潮流的人毕竟是少数,而这“少数”在“互相冲突”之中很难得到中和,大部分时候的结果是被“多数”所湮灭(好比政治上的“多数人的暴政”),一个时代的趣味缺陷在这个时代中未必能够“加以补足”,各种各样的成见相互冲突的结果也未必是“平衡”,但的确,无可置否的是,强烈的少数观点会对主流声音造成一定的冲击,并引发更多的人思考,对“开启另一个时代”是有促进作用的。另外,从“每个时代”的角度看,“每个时代都根据各自的观点审查;倘若有所修正,便是彻底的修正,倘若加以证实,便是有力的证实。”这却是无可厚非,但是“等到散处在几百年的裁判都下了同样的判决”,这个判决也未必是可靠的。因为,这个“几百年”到底是几个百年呢?到底要过确切的多少时间,确切的几番修正,得到结论才能被认为是定论呢?我们今年可能看到某些艺术品、艺术家已得到了定论,但谁能保证我们今天的结论不会被后人修正、乃至颠覆呢?这样的例子不必多举——我们对于前人的结论修正的还不够多吗?如果认为我们今天的一切都还不是定论,那么什么时候才有定论呢?还是沿用丹纳的观点,每一个时代的时代精神和民俗习惯都有与前代大相径庭的地方,每个时代人的价值观也会有诸多差异,那么审美眼光和评判标准可能就完全不同,我们认为美的也许下一个百年就是丑的,这是很正常的。那么如此推断,便陷入了无穷,即我们的结论下一代能够修正、推翻,那下一代还能被下下一代修正,那么下下一代也可以继续被修正被推翻……无穷无尽,永远没有定论,永远。

所以,我认为,艺术本身就不该有定论,每个人都可以有自己的看法,每个人都有自己的分析角度,欣赏思维。而对丹纳来说,他认为“艺术品的目的是使一个显著的特征居于支配一切的地位”,因此,他所认为的对艺术的判断规则即是:“一件作品越接近这个目的越完善;换句话说,作品把我们提出的条件完成得越正确越完全,占的地位就越高。”这条件是什么呢?丹纳也清晰的列出:“我们的条件有两个,就是特征必须是最显著的,并且是最有支配作用的。” 继而丹纳论述了“特征的重要程度”,用以说明作品的重要程度取决于特征的重要程度。然后论及“特征的有益程度”,仍然同上文论述的部分相当,先从精神生活,再提文学作品,继而是肉体生活,最后是造型艺术。得出的结论便是:要在自然界中观察特征的重要与益处,得到现实与艺术的高度协调。本书到此已近尾声,但丹纳显然不甘心于此,最后的部分又说到“效果集中的程度”:“特征本身已经考察过了,现在要考察特征移植到艺术品中以后的情形。特征不但需要具备最大的价值,还得在艺术品中尽可能的支配一切。唯有这样,特征才能完全放出光彩,轮廓完全突出;也唯有这样,特征在艺术品中才比实物更显著。”而要做到这一点,就“必须作品的各个部分通力合作,表现特征。” 因此,丹纳在此提出“集中的程度决定作品的地位;所以衡量艺术品的价值,在以上两个尺度 之外还有第三个尺度。” 接下来,便又是一番精神生活、文学、人体、造型艺术的举例,并且最后还是通过举例证明了上述规律 决定了艺术史上的各个阶段,由此说明这个规则的普遍性,至此,全书结束。

正如丹纳在序文中所说:“我们很容易认为艺术品的产生是由于兴之所至,既无规则,亦无理由,全是碰巧的,不可预料的,随意的;的确,艺术家创作的时候只凭他个人的幻想,群众赞许的时候也只凭一时的兴趣;艺术家的创造和群众的同情都是自发的,自由的,表面上和一阵风一样变化莫测。虽然如此,艺术的制作与欣赏也像风一样有许多确切的条件和固定的规律:揭露这些条件和规律应当是有益的。” 在我看来,通过这本书,他给予了我们这些有益的东西,他的目的达到了。但我们也应该看到他所作的研究局限所在。傅雷先生对此作了比较辩证且全面的分析:“有人批评他只采用有利于他理论的材料,抛弃一切抵触的材料。这是事实,而在一个建立某种学说的人尤其难于避免。要把正反双方的史实全部考虑到,把所有的例外和变格都解释清楚,决不是一个学者所能办到的,而有待于几个世代的人的努力,或者把研究的题目与范围缩减到最小限度,也许能少犯一些这一类的错误。”“……但丹纳至少已经走了第一步,用他的话来说,已经做了第一个实验,使后人知道将来的工作应当从哪几点上着手,他的经验有哪些部分可以接受,有哪些缺点需要改正。”

参考资料:

丹纳.艺术哲学[M].傅雷译,天津:天津社会科学院出版社,2007

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