看高考美术色彩静物这些年的风云变幻

第一篇：看高考美术色彩静物这些年的风云变幻

看高考美术色彩静物这些年的风云变幻

不记得哪一天，我走进艺术书店在艺考资料的区域看见色彩书，竟然全是我不熟悉的风格，这些风格的色彩静物不同的书封面的画却是像同一个人画的，而王磊的色彩书缺在一旁冷落着，“老派”画法的水粉画册被扔在不起眼的角落，就连以前宁海学生热门购买的完美教材也在角落里，当我问老板完美教材为什么不全了的时候，老板斜着眼睛说一声：这书现在没人买了。我才开始反思为什么色彩画的风格、画法竟然也有流行，而这种流行的风格它的出处是哪里，它的观念基础什么。

我记得江苏高考素描还在考真人模特写生的时候那时候画室还不多，想找一个学画的地方也不是很多，那时候哪有什么王磊，我们最熟悉和崇拜的是南师大的高柏年老师，他的水粉可能在艺考学生心中就是巅峰的位置，他曾巡视高考考场，可算作美术高考的权威，宁海的老师在评价高老师的水粉时，他的水粉画细了可以称作是作品而不是习作了，可惜我一直没看到高老的真迹，不过从图片上就能看出他常年研究水粉材料，笔触衔接技巧非常娴熟，薄染厚涂都驾轻就熟，整体风格偏写实，色彩就是固有色为主。另外一个人是天津美院的郭振山，我记得一直到大学还捧着他的画册给老师看，问这个人画的怎么样，结果老师说他可能画不到郭振山的素描关系，但是他的色彩没有修养，关于没有色彩修养这件事，我是一直到毕业看了很多画展和画册以后才知道大约什么是色彩修养。但是那个时候郭振山那样的画曾经是我比较欣赏的样本。

在毕业之后，王磊火了，仍然是摆笔触，概括的笔法和结实的造型响亮的色彩让不少画室都拿做范本，我记得素描还有一个叫任振邦的，也是火的不行，不过后来，书店里的色彩考试画册以神奇的速度变成“国美风”、“色调至上”这类风格，不少江苏的考生闻风跑去杭州学习，仿佛对江苏的老师表示怀疑，又或者觉得去杭州附近的画画班泡一泡就可以练成国美的风格，那么考美院考国美将变成一件不是那么遥不可及的事情，这里面也有一个很有趣的现象，就是南京不少学生都爱考国美，难道是央美录取南方学生的几率非常渺小么？

于是我格外关注的国美风格的这类画册，发现两件事，一是这类画册和我曾经买到的中国美院附中留校作品色彩范本中的画还是有不小的差别，二是国美风其实也在每一年画法上有所改变。先说第一，国美附中画册收的作品真的是国美学生留校作品，而市面上的国美风画册有点像国美的徒子徒孙，学他但学不到位，学不周全，因为国美风的作品并非完全平涂没有造型，也并非都按一个套路来，面对不同的静物组合应该有不同的感受和相应的处理手法，美院一定是注重作品的艺术性的，不可能太样式，太套路的。第二是学国美风的学生最近几年也收到挫折，有的从杭州学完回来省统考，结果没过线，不被江苏认可，这导致市面上的画册开始走折中主义路线，不全部平涂了，采用背景衬布平涂刷，主体物塑造的比较有体积感。这种折中主义的画册出现后被不少学校和画室热捧，这类色彩也是十张画像一张画，布褶的勾勒，高光的点戳全部一种套路。色彩既不像“纯粹的国美风”那样嫩，那样小清新，也不全然像实物的颜色。

前几年宁海老师自己的作品做了一个展，都是习作，看到他们的水粉也是可以和原先的脉络联系，挂在教室走廊上的画有一点央美的味道，灰灰的颜色，松动的用笔，不干不湿的厚度，而宁海年轻的90后老师他们的色彩就有点“新”了，扇形笔，刷，涂，蹭，说是要画出油画的效果...一次在南艺听讲座，国美教授焦小健在提问环节，一个大学生蹭的站起来带着有点气愤的语气问教授：现在市面上流行一直色彩风格，我们叫国美风，这种风格影响到江苏很多学画的考生，这种色彩和我们观察到的并不一样，有的很主观的颜色，请问您对这种风格怎么看，结果焦小健回答：我已经很少关注美术考试了，你说的国美风我不是很了解，但是我反对有什么流行的风格或者样式...原来教授不关注艺考，但是你教的大学生他们可是从考生一路走上来的，他们的艺术方向是有上下文关联的，这可没法割裂的。这个提问对我的触动就是，原来不只是我一个人看不懂国美风。

国美风其实肯定是有出处的，哪位朋友知道其中出处的可以告诉我一下，这种风格是怎么流行起来的。我自己的判断其实是这样，国美风色彩其实和颜料的发展有关，以前水粉只有马利和温莎等，基本不产所谓高级灰颜色，现在考生全部买超大调色盒，50几中颜色，很多是现成的不用调和的灰色，俗称八大灰，高级灰，然后国美风的作品很多衬布的处理是直接拿高级灰直接涂，整体色彩纯度很低，很粉，颜色都不饱和了，色调自然统一，颜色很干净，很嫩，有人说很小清新，然后局部采用厚涂干蹭的笔法，机理效果看上去颇有几份味道...不过，我觉得这种方法画画静物是可以，但是画人物头像怎么办，静物没有造型，平一点还是有点形式感，抽象美，人头色彩怎么办，这种方法恐怕行不通了吧，所以说我对这类风格色彩抱保留态度，我觉得任何一种色彩观念如果静物可以画到风景或者肖像都可行的，不少学生告诉我说按国美风画静物不知道怎么再深入下去了，因为它本身是一种套路。但我还是不否定真正国美的东西，我觉得国美的东西也不是全部一个样，包括央美也是，其实我是喜欢部分国美的和部分央美的东西，国美色彩好但有造型的，央美造型好但有色彩的，真的好的色彩静物应该没有应试的痕迹，但是参加应试肯定过线，并且具有很高的艺术性，有修养，像作品而不是像考试流水线的所谓应试画。这类作品和大师的作品必然有某些联系，可以相通的，比如印象派的色彩静物，或者法国现实主义的又或者俄罗斯的。任何一类作品再我搞不清他是优是劣的时候我都会拿来和大师作品比较，不是因为他们有名而是因为他们的东西才是真的好！

第二篇：色彩静物

色彩

铺大色时不要把物体填满，要留有空白，使画面透气点，勿画得太鲜艳，水可多点，特别是暗部、虚部和远处。

不可拖涂。

调色要看整体，不要看一块调一块。

灰色，纯度低的，用笔力度轻。

如果画面色彩单调，可能是色彩关系没有处理好

如果画面太灰了，可能是素描关系没有处理好

如果画面太火了，可能是色彩的冷暖关系没有处理好

如果画面太平了，可能是虚实和空间关系没有处理好

前面色彩丰富，笔触清晰，后面简练概括，笔触柔和

灰部的颜色比亮部和暗部要纯

矿泉水：背景——瓶盖——标签——瓶身——高光

构图：定位适当，主次分明，对比鲜明，关系协调，尽量做到自然别致，富有充满生活气 息的新鲜感和完整性。△由于整体画面比较亮，应先刷一层暖色的底色。//由于底色是暖色，所以画面上的色彩可 以略为偏冷。△从背景画起较好，铺色时不要把物体填满，要留有空白，使画面有透气感，不可画得太鲜 艳。△铺大色调时，用水要多一点；在画暗处、虚处和远处时，也要略多一些，以增强其虚远感 和透明感，但不宜过多，以免引起水渍。△水粉有一定的覆盖力，若使用不当，来回拖涂，会使底色泛起，造成色彩污浊。△调色要从整体去决定每块颜色，千万不可孤立地看一块，调一块，画一块。△色泽鲜明，饱和度高，力度高强；反之，灰色，纯度低的，力度就弱。△对画面色彩节奏的安排上，既要有所控制，又要相对的自由。可以是激烈的，也可以是平稳的；可以是高亢的，也可以是低沉的；可以是开门见山的，也可以是迂回曲折的，应根据 情绪表达的需要。△可以推厚以显示凝重感，也可薄涂有润泽感和轻松感；可以有流淌的灵动感，也可以求虚 幻的朦胧感。△凡高的许多作品就是利用笔触的方向变化给人眩晕的动感。△通过明度、纯度，形成有主有次、有强有弱、有虚有实的效果。△某色中调入的白色，明度增强，纯度减低。△大面积色彩纯度宜弱，小面积色彩纯度宜强，一大一小，一弱一强，才使画面色彩趋向和 谐。红与绿是互补色，本来对比很强烈，由于两者面积悬殊，如大面积红和一点绿的组合不 但不刺激，反而显得特别和谐。△

1、平光，能使物体固有色凸现，从而使画面色块明确，色彩明丽而响亮。在平光的照射、中整体静物会产生近、中、远的光线推移，把握这种推移，会使画面色彩在光线的作用下产 生层次感。

2、、侧光，从侧面过来的光，能显现出物体较强的立体感，便于塑造结实的物体。

3、逆光，在色彩上最容易表现出特殊的效果。重在暗部色彩要得透明，不可太黑。、△整体出发，是整体控制局部，局部服从整体、充实整体。整体是综合，局部是分析；整体 致广大，局部尽精微；整体重印象，局部求深入；整体求统一，局部求精彩。没有局部对细 节的刻画，哪有画面的精彩？局部如果干扰了整体，那么画得再精彩也不可取。

△要明确大的调子，在大调子的控制下进行局部细节的描绘。从明度上要确定是亮调子、高调子、低调子还是不明不暗、不高不纯的灰调子；从纯度上要确定它的色彩是饱和浓艳 还是沉稳柔和；从冷暖上要确定是冷调子还是暖调子。△暖色：红、橙、黄；冷：青、蓝、紫；绿色居中 △灰色放暖色上显冷，放冷色上显暖。△某块颜色画得太冷了，只要把它周围之色变冷，那么它的表现就准确了；反之„„。关键 还在于与其它颜色的相互对比。和谐是最高境界。△红色能使人欢乐和激动，黄色能给人带来愉快和光明，蓝色表示幽静、寂寞和忧郁，灰色 耐人寻味。△不是主体物（虽然在前方），应用大笔概括出暗部、灰部和亮部之间的关系。△在逐渐深入的过程中，如采用厚画法，笔蘸色饱满，下笔有力，笔触明显，则能表现形体 转折与结实厚重之感。△两个瓷罐的前后和距离，是由色的深浅、冷暖通过色彩变化显示出来的。△近处、实处、高光处，“白”要多一些，以突出鲜明感和结实感；暗部、阴影和色彩倾向 性较强的中间层次等处，可少用或不用白色，改用粉绿、柠檬黄等色，这些色比白色更鲜明、透气，其倾向性也强一些；滥用白色易使色彩浑浊、粘滞和“粉气”。△补色：红与绿，黄与紫，蓝与橙。△补色：

1、对比两色并列，双方的色相明度都有加强，如红者更红，绿者更绿。

2、有此一 方，必有其对方。以一个深红苹果为例，在苹果的明暗线上，投影边缘处应当有与红相对的 绿色部分，在边缘四周也应有适当的淡绿成分混在背影色中。

3、在光照下，物体本身的色 彩与物体的投影会产生一定的补色关系，如一块黄布，投影色往往会略显紫色。△

1、同类色调，相距 60 度以内，具有色彩柔和的特征。

2、邻近色调，相距 90 度的两、、色。具有温和，含蓄的特征。

3、对比色调，相距 120 度的两色，具有优雅、沉着的特征。、4、准互补色调，相距 150 度，如：红/黄绿、红橙/绿、橙/蓝绿，具有绚丽、响亮的特征。、5、互补色调，相距 180 度，此色调对比最强烈，力度最强。、2

△把一个橙色的橘子，放在蓝紫色的衬布上，这样显得又暖、又亮、又鲜艳，如果把衬布换 成金黄色的，那么橘子就变成又冷、又暗、又灰了。△造成“粉”的原因：

1、随便调白色，使色彩纯度减弱，缺乏色彩向性。

2、找不到暗部与 粉 亮部、阴影与受光的对比，色彩对比十分缺乏，尤其是深色不够深。

3、缺乏对邻近色的纯 度分辩能力，求助于调用白色的多寡来区分色彩。

4、笔不干净。

5、掺水过多。△造成“花”的原因：

1、色彩局部突出，缺乏统一的主色调。

2、误认为色彩越多越好。

3、花 一味注重细小色彩的变化，丧失了物体大的色彩冷暖关系及色调总倾向。△造成“脏”的原因：调配颜色的品种过多，多则混杂。脏 △造成“灰”的原因：不注意画面上的暗部、中部、亮部的大关系。灰 △黑、白、灰、金、银、深色、亮灰色，具有与其它任何色彩相调和的特征，常用于在对比 中进行间隔，过度，使画面色彩调和。△比如树叶，每片叶子都有颜色的差别，还有受光、背光、高光、反光等等光色变化的区分，肉眼分辩的色差与现实中的色差相距甚远。△从色相看，越近色彩越明显，越远色彩越微茫；从明度看，越近，暗与亮的反差越大，变化更丰富，体积感更强，远则相反；从纯度看，越近纯度越高，越远纯度越低；从色感

看，暗色、亮色、纯色有前进感，冷色、暖色、灰色有后退感。

△西红柿要画出冷光，不可太红。△如酒瓶在画面中属于陪衬物，要画得深些，以此来衬托前面的亮色。△葱、菜的绿色不可画得太翠，应有意把它画得粉嫩一些。

△一串葡萄„„，然后在光照较弱的地方画上几颗。整体为亮色调基础上，葡萄显得颜色较 重，这时要把色彩画重以增强对比。△白色水果盘在整个画面中的色彩应偏灰冷，以衬托色彩鲜亮的水果，近处的水果色彩较为 鲜明，而远处的红色苹果则偏冷颜色，有后退感。可画几片叶子，以保持自然性与丰富感，其它的水果只要画出大块的明暗关系即可。△香蕉属于立方体，要分出亮与暗的大面，N 根香蕉形成一串整体，其中有上下叠放式的投 影和色彩上的相互影响。△对鱼除了要表现体积感和光感外，眼睛的刻画尤为关键。

△小刀在肉的下方，可以画出肉的倒影。△整体灰的时候，梨的色彩可以画得偏灰一些，使整个色彩倾向于一种沉稳，雅致的感觉。△表现光感要尽量画亮，包括暗部颜色，但画面中要有重的颜色来压住，如葡萄的深色及花 叶浓重的墨绿色。△要趁画面湿时一口气画完。要遵循干湿变化来调配颜色。一定要养成“同时比较”的习惯，有了这个习惯，哪怕最相似物体的色彩，也能辨别出来。△一件作品完成时，要能体现两点：一是优化组合，优化画面的着眼点、看点和重点；而对 那些非重点的地方则要减弱。二是画龙点晴，以一当十，把精彩的提起来，达到精华凸现，浑然一体的效果；要防止不必要的修改和画蛇添足，最终在画面上显露整体和谐之美。

黄布：亮部要干净，但不能太黄，加点芽黄灰、月灰等亮灰比较合适。

投影会产生一定的补色关系，略显紫色 以豆沙红为主，红布颜色不能太火，豆沙红 +（深红或大红或桔红）一点淡黄 + 天 + 红布： 蓝或可加亮灰（月灰、芽黄灰等）暗部：（深红或大红）+ 淡绿（一点点）+ 天蓝

蓝灰布：天蓝 + 蓝灰 + 八大灰（不能同时加）

暗部、投影：在上面颜色基础上加一点深红 + 钻蓝 + 豆沙红

白布：大量白 + 少许柠檬黄

白布上物体的投影：蓝莲 + 黄（不要搅很匀）白布、白花暗部：白 + 天蓝 + 一点点深红 + 一点柠檬黄

苹果、苹果、黄苹果亮部：白 + 柠檬黄 + 一点淡黄

暗部：土黄 + 天蓝 + 黄绿（中黄或桔黄也行）（因为红苹果画的太红会很突兀，所以，只要画它暗部颜色偏红，亮部偏黄就好）红苹果： 亮部：白 + 柠檬黄 + 一点点桔红（淡黄）。暗部：土黄 + 一点绿 + 一点红 + 天蓝（不可太红）

绿苹果：亮部：白 + 柠檬黄 + 黄绿 + 一点点翠绿（淡黄）

暗部：绿 + 红（一点）+ 天蓝 + 淡黄

葡萄：黑 + 深红（多）

亮部：黑 + 深红 + 天蓝 + 绿

两种不同的色彩放在一起，便产生了对比。色彩对比就是在特定的情况下，色彩与色彩之间的比较，它包含了五种类型的对比：色相对比、明度对比、冷暖对比、面积对比、纯度对比。

所谓对比，是质或量的相互间不同的要素的特质被强调出来的一种现象。我们的视觉感官只能通过对比而起作用，眼睛只有看到一根较短的线条作对比的时候，才承认另一根线条是长的，当这根长线和另一根更长的线对比时，这同一根线又变成短的了。色彩效果同样是用对比的的方法来增强和减弱的。

在观察色彩效果的特征时，我们可以看到几种不同类型的对比，每一种对比在性质上和艺术价值上，在视觉、表现和象征的效果上都是独一无二的，但是概括起来，它们就构成了在色彩设计和表现中，运用色彩的重要手段。

（1）色相对比

色相对比是色彩对比中最简单的一种，它对色彩视觉要求不高，因为它是由未调和的色彩以其最强烈的明度来表示的。一些明显的色彩结合有：黄／红／蓝；红／青／绿；青／紫／黄；黄／绿／紫／红；紫／绿／黄／橙／黑。

在色彩写生中，色相的区别似乎不是太难，但是具体操作过程中如果把握不当，也会让人颇费一番心思。比如同一色相的橙色，在不同的色彩环境中，却给人不同的感觉，在红色环境中橙色带点黄味，而在黄色环境中橙色却含有红的倾向。由此可见，要画准某一物体的色相，就要仔细分析具体环境中的色相对比，这样才能表现出准确的色相感。

色相对比是绘画中常用的表现手法，无论是写生还是创作，无不把色相的对比（包括冷暖明度）当作强化画面色彩变化，使画面色彩产生特有的、生动的艺术效果的重要手段来使用，后期印象派画家保罗、高更就十分擅长使用色相对比来表现塔希堤岛的带有原始风味的热带景物和当地土著人的生活，强调画面中多种鲜明的纯度色彩对比，使作品具有极强的艺术表现力。

（2）明度对比

所谓明度对比，是指包括各种色彩在素描关系上的明暗对比和同一色彩不同明暗层次的对比。

在生活中，任何景物的色彩除了有色相区别之外，还存在着复杂的明度对比关系，也就是色彩中的黑白灰关系。在写生时，我们往往比较注意物体色相，如蓝衬布、红苹果，而忽视物体之间色彩的明度差异和层次变化。

在用色彩表现一个实物或空间时，如果明度关系掌握的不好，就不可能使色彩与形体紧密地结合起来，使其产生自然的真实感。

（3）冷暖对比

色彩的冷暖是一个相对的概念，是指色彩感觉中的冷色与暖色相对立。

色彩的冷暖对比是色彩绘画最基本的手法和出发点，前面已谈过；在具体的写生中运用冷暖对比去分析颜色、比较颜色是十分重要的，同时色彩冷暖关系走向的运用，可以很轻松地帮助我们处理好画面上的各种关系：

①运用冷暖色的走向与对比可以较好地处理色彩的主从关系，即画面主要表现物可加强色彩的冷暖对比，次要部分和衬托部分的色彩对比可适度减弱。

②运用冷暖色对比和走向可以很好地表现色彩的光感和空间深度，使画面三度空间拉得开，使色彩的冷暖对比有度，色彩空间层次分明。

③运用冷暖色的走向与对比能有助于我们在复杂的景物写生中辨别和表现丰富而生动的色彩变化，展示色彩艺术的独特魅力。

（4）面积对比

面积对比是指两个或多色块的相对色域，这是一种多与少、大与小之间的对比。在写生的具体运用中，面积对比是指不同色彩面积的控制与对比要有主次之分，暖颜色对比的冷颜色在画面所占面积比重要有均衡感。陈涛在这幅静物中以较大

面积深颜色与面积较小但占居画面主要位置的暖颜色结构画面，使色彩的均衡具有形式意味（见图7）。

（5）纯度对比

纯度对比就是在纯度的强烈色彩同各类含灰色的色彩之间的对比。客观物象在色彩上存在着纯度上的区别和差异，有的色彩纯而鲜艳，有的沉着而灰浊，在纯度上层次丰富。

在具体的写生实践中，把纯度上类似的颜色并置在一起，就会产生相互降低减弱色彩的倾向，显得单调和沉闷，相反，若把纯度较高的色彩并置在一起，就会相互衬托各自的色倾向，显得更饱和、更鲜明。只有懂得和善于运用纯度对比，才会使画面产生既响亮、活泼又不失含蓄的色彩效果。比如画面上个别色彩纯度过高，和周围色彩难以谐调，这就是颜色“火”或“生”造成的，也就是缺少相应层次色，缺乏一定的灰色所致。

上面所讲的是色彩的对比变化。我们不难发现，在绘画写生中，色彩无处不同时存在着各种对比，具体到画面的色彩布局和颜色调配，这些对比要综合地考虑，只是有时是自觉的，有时是非自觉的。

看看有经验的考生怎么说？

眯起眼睛只是为了去感觉颜色．其实色彩 画的就是感觉

因为人眼睛自身的问题局限性．所以眯起眼睛才能整体的把握颜色之间的关系．色彩是在整个画面去表现你对物体颜色的感受．

如果你紧盯着一点看，就丢失了那一点在整体中的位置．

冷暖是相对的，这个可能老师也给你说过．

所谓冷暖，纯度 虚实 都是相对而言的．

因为要在平面的纸上表示3维的空间

靠的就是 冷暖 纯度 虚实

可以这么说 暖 纯 实 是为了能突出

冷 脏 虚 是为了能退后，当然这个只是 归类的，只能说帮助理解 冷暖 纯度 虚实的千万不能把这个当公式样的套在绘画上

第三篇：色彩静物临摹

课题：静物色彩临摹

教学目标：

1、进一步在静物色彩的构图、比例、结构、透视上加强把握力。

2、加强画面的表现力。

教学重点：掌握正确的的观察方法和写生的基本规律。

教学难点：水粉写生常见问题和解决方法。

教学准备：在教学中根据需要准备好静物；范画3-4张；色彩幻灯（课件）资料等。

教学方法：讲授法，示范法，练习法

一、导入新课：

我们前几周在画静物色彩的时候用了较多的时间在写生

当中，这一周我们返回临摹的学习，学习别人优秀的方法。

二、讲授新课：

选择形体明朗、节奏强烈、的静物为临本，有利于引导学生对形体透视、明暗色调、等规律作深入分析研究。构图注意构成感、以及物体的大小、疏密等，注意表现技巧的提高，用笔注意虚实方圆。

探究一：

把握好从整体到局部的关系注意每个物体的大小 比例关系。1

尝试练习一：用长短强弱不同的线表现出物体的基本形态。探究二：转折是表现体积的关键

尝试练习二：

找出物体的明暗交界线，只要不是平面的就要转折。探究三：透视是表现空间的关键。

尝试练习三：画准透视关系，加强结构意识，进一步表现出

三、课堂小结：

量感。2

第四篇：色彩静物教案

色彩静物写生

一． 二． 三． 四． 五． 六． 七． 授课老师：余燕玲

授课班级：高一（1）班 课

题：色彩静物写生 课

时：14课时

教学目标：培养学生对色彩基本知识的认识及理解和整体观察能力；使学 生掌握和运用水粉画技法进行写生

教学重点：学习色彩的基本知识和绘画的方法步骤

教学难点：如何处理画面的构图，物体的基本特征，大小比例，前后位置

关系和色彩之间的关系。表现出形态，质感，空间组合和构图，注重用色彩去表现素描的要求，还要注意色彩的情趣，色彩的对比与和谐，包括色调，色块面积的布置，色彩的构图 教学类型：综合型

教学方法：讲授法，演示法，练习法 教学准备：

教师准备：衬布，静物，范画，绘画用具

学生准备：画纸，铅笔，画笔，颜料，调色盒，水桶 八． 九． 十．

十一． 教学过程：

（一）．组织教学：检查学生准备用具

（二）．讲授新课：回顾导入

色彩的基本知识： 三原色：红,黄,蓝;

在色谱中的用其他颜料调配不出来的颜色称为原色;亦称第一次色.间色: 橙

绿

紫;

其中两中三原色相加,如 红与黄相加变橙色, 黄与蓝相加变绿色,蓝与红相加变紫色.橙, 绿, 紫是第二次色又称间色.复色: 是由两个间色再相混合而成,又称为第三次色.补色: 也称对比色,是指色环中一个原色与相对应的间色形成强烈的色感对比而互称为补色.如 红与绿，黄与紫, 橙与蓝

固有色: 简单地讲就是物体本身原有的颜色,它在不同的光源照射和周围环境影响下会形成色彩和明暗变化,光越强对比变化越大。一般来说，自然界中固有色是最基本最多的色相。

光源色：光源色是指照射来的光，如日光，月光，火光，灯光等等，它有各种不同色彩及冷暖感觉的区别，它会或多或少地改变固有色色相，光越强，则影响越大，而使众多物体形成统一色调。

环境色：环境色是指一个物体受环境影响而折射过来的色彩。它多反映在物体暗部反光处，像红色花瓶放在黄色墙旁，蓝色衬布前，它的受光和反光部位都会出现黄色和蓝色变化。表面光滑的物体和玻璃瓷器等尤为明显。

暖色：有些色彩会形成暖的感觉，例如红色 橙色 黄色等就会联想到火，太阳炙热和温暖，也就会在心里产生暖的感觉。因此我们把红色，橙色，黄色称为暖色

冷色：当见到蓝色，绿色 紫色等则会联想到蔚蓝的大海，树阴的凉爽，就会在心里产生冰凉和寒冷的感觉。所以我们把蓝色，绿色 紫色

2．色彩的三要素: 色相，明度, 纯度

色相: 指色彩的相貌,用来区别颜色的种类,如 红.黄.蓝等;一般人们对颜色的分辨是主要是从色相上来区别的,人的眼睛可分辨的色相是很多的,如在红这个大类下又有朱红.大红.紫红.深红等

明度: 指色彩明亮的程度,也就是深浅的区别.在色彩中,白色的明度最高,黑色的明度最底.各个色相之间也有明暗的差异,如:黄色与紫色对比, 黄色最亮,紫色最暗 纯度: 指色彩的纯净程度,也就是色彩的饱和度

3．色彩的对比: 色彩对比有明暗,色相,纯度对比,有形状,面积,位置,方向对比,也有视觉产生的冷暖进退,胀缩,轻重,软硬的对比等等(1)色相对比: 由于色相差异引起色彩的对比为色相对比

邻近色对比: 两色间既有共性也有个性.例如红与紫的对比,相同的是红色,不同的是红中无蓝,紫中有蓝.邻近色对比的色感较鲜明,特征突出,既富有变化,又易和谐统一,有丰富的情感表现力,适合人们视觉和心理上对色相的需求

补色对比:以红和绿,黄和紫,蓝和橙为最典型.黄和紫是色彩的明暗两极,效果明快醒目.蓝和橙是色彩冷暖的两极,效果活跃有生气.红和绿是色彩纯度的两极,明度相对无几,刺激性最强,有眩目之感.往往通过调整明度,纯度或面积,位置来获取统一感

(2)

纯度对比: 色彩纯,灰差异形成的色彩对比,称其为纯度对比

一个饱和的色相,加入黑,白,灰或它的补色,都可降低它的纯度.纯度的变化,是有从黑到白的10个色阶来等分的,色阶差别越大,纯度对比越强.间隔3-5个色阶的,属于中间对比,相隔1—2个色阶的,属于弱对比 纯度对比不像色相对比,有时是很微妙的,但都会给绘画造成很大的影响,特别是当画面中,同时有几个纯色时,会相互冲突,这时,适当地降低其他几色的纯度,只突出其中一色,整个画面就会有统一感,但如果纯度过于接近,宾主不分,则又会使画面发灰,无力(3)明度对比: 指各种色彩在素描关系上的明暗对比及同一色相的不同明暗的对比,这也和纯度对比一样,也由色阶来衡量.色阶上,相隔等级大的,对比强,相隔等级小的,对比弱.无彩色,即黑,白 灰,也可形成明度的对比, 如中国的水墨画.但同一色彩放在黑白灰不同的底色纸上,会有不同的明暗变化,甚至对其形状也有影响,这应在实际作画中考虑到

作画步骤:

(1)铅笔起稿,构图定位

先在纸上确定好大的构图和意向,定出物体大致的位置,画出物体的结构和形体之间的比例关系及它们的空间透视关系(2)铺大体色

铺大色调是着色的开始,要把握住静物第一印象的新鲜感觉,即从最深的部分画起.整体着眼,主体物入手,画第一遍色一般从中间的色块开始,用较大的笔,调较薄的或不薄不厚的颜色画大块的色彩关系.将背景,主体物,桌面的区别及它们间的色彩关系画出来,然后将物体受光面的色彩画出来 ,使画面形成一个基本色调,用色时先湿后干,先薄后厚,先浅后深的步骤,最底限度地使用”白粉”.把大色调铺得既主体突出又与其他各部衔接得自然,对后来进入深入刻画和塑造形体阶段打下好的基础(3)深入刻画

对静物每一个部分进行塑造,用色彩较充分地塑造对象的形体结构,质感和空间.可以从主体部分开始画起,随后塑造每一个静物局部的结构和形体及色彩空间等关系,在完成某一部分的塑造过程中不要忘记整体关系.要经常保持整体看,局部看.局部画又不能画得过分,要适可而止.眼睛要不断在画面上下左右进行比较,以便确定这个物体在画面中所起的作用,并以此决定深入描绘程度.不断把所描绘的局部和其他部分相比较,使之形态更为确切,色彩更为结实,造型更为概括,画面更为完整.这一阶段的任务主要是对画面中的主要物体的进一步塑造,使之更具体,更富有表现力.(4)调整完成

画面的每一个部分都已进入深入刻画阶段之后,各部分可能会出现与整体不谐调的现象,这样对整体会有所破坏.这时,就要跳出局部的小圈子,检查整个画面,做出适当的调整.调整中的着眼点,第一应是对空间层次的处理,前后是否能拉开距离,虚实关系是否得当.其次还要在某些次要部分或不应该过分实在的部分做减弱处理,以求虚实结合.一幅好的习作应该是用笔生动活泼,色彩明快,虚实并举,造型结实,既有丰富感人的质感,又有曛绚丽的色彩

5生练习,教师辅导

学生自己进行练习,教师在旁巡回辅导,指出学生画面的缺点,给予改正

小结:点评作业,根据学生的画面来进行分析,表扬一些好的作品,指出缺点比较明显的画面,说出解决这些缺点的方法,让他们改正过来,肯定他们的绘画能力,鼓励他们努力

十二,布置作业:

课后要求每人交一幅8开的色彩静物写生作业,构图完美,画面完整,色调和谐统一.

第五篇：色彩静物小结

这个月我们上了《色彩静物》课程，课程中我们继续进行绘画专业知识的深入学习，当然之前教素描的老师传授给了我们很多新的观念，我们学习到了很多新的专业知识、获得了很多新的启发，对整个绘画感觉有了更多的认识和体会。下面我对近期来，《色彩静物》课程的学习心得做一个总结！

在高中时学习绘画是为了应付高考，我的训练中过多的是强调画画经验，将画画模式化，在熟练的掌握画画的模式后，往往应付考试是不会有多大问题。但这不能真实的体现艺术的价值。

我为了应付高考形成了画面语言的模式化处理，而忽视了对事物的观察、理解和体会。

就像背课文，只要我能在考场完完全全的背出来。但现在我感觉处于一个新的环境，正如老师所说应该避免以往训练中所形成的模式化的作画套路，这就要求我必须放弃陈旧的观念，学会正确地观察事物。画的不再是模式，而是事物的特点。把握住特点，我才能更好的表现事物。

以往我们大多同学都到受高考模式的影响，而现在我们应该学会如何去观察，注意观察物体的环境色、固有色、投影、暗部以及反光之间的关系，在观察中发现这些色彩的丰富性与相互之间的微妙关系，并用色彩表现出来，而不单单是素描关系，体会如何处理好素描与色彩之间的关系问题。

正如老师所说我们的画面缺乏色感。因为色彩关系不丰富，缺少变化。

我体会到理解和掌握色彩关系及其变化规律是至关重要的，它能使我们观察色彩的能力得到提高，表现出来的色彩也就会真实生动，同时也会使我们在色彩写生和创作中占有主动权，避免只能被动地模仿颜色，而对于色彩的观察与理解无从下手。

应该学会按照客观对象在一定的条件下所形成的色彩关系进行描绘，发现它们在光源色及环境色的影响下形成怎样的色彩关系。

总之我们要学会多角度地观察和把握、更好的表现色彩。这样能帮助我们从观察、理解、认识事物特征和运用绘画技巧、语言等方面提高自己的水平和能力。

我还认识到，调和色彩是建立在正确观察和理解对象的色彩关系的基础上，懂得了调配颜色不能孤立的看一块，调一块，画一块，而要考虑整个的色调和色彩的关系，从整体中去决定每一块颜色的面貌。每一笔颜色的好坏取决于它与整体之间的关系。

我们了解到任何技术的学习和训练，都须经过不断反复、千锤百炼方能达到目的，在数量积累后才有可能获得质的飞跃。忽视质量要求的数量是不可取的做法，技术精进，唯有依靠反复的磨练。

基础学习和训练，一般容易使人感到枯燥乏味，但这是绘画技法学习和训练中无法跨越的重要阶段，它直接关系着学习的成败。所谓“坚持就是胜利”，说明学习中的意志、毅力，与获得成功胜利有着密切关系。如以画速写为例，一天画一二十分钟，在室外画三五张速写是简单易行的事；要是每天都画速写，坚持半年一年，三年五年，以至终生不断，那就是不得了的事。

许多著名的画家和大师就是这样成长起来的。所以“持之以恒”是走向成功的保证，色彩学习也是如此。以上这些体会对我的影响很大，它让我坚信，任何人的成功都需要付出常人不能想象的努力。在绘画上我们需要耐得住寂寞，不被现在社会上的一些不好的现象所影响，坚持下去就一定会有所成就！

写生的过程，就是观察、感受、理解、研究、反复探索表现对象的过程。所以完成一幅习作，有可能取得某些成功，也有可能存在某些弊病甚至遭到失败。这是很正常的，因为绘画能力的提高，常常是从失败中接受教训而获得的。因此要重视完成习作后的总结。有时我们可能在画过很多张后仍看不到自己的进步，这个时候你就必须关管住自己，战胜自己，只要你继续坚持下去一定会有质的飞跃。

春的柳树发了芽，让每个人对生活充满了希望，这门课程的学习，也让我们对色彩写生重新萌生了一种新的正确的光明的信心。相信我们在今后的学习中一定会像春天一样茁壮成长。