少儿美术鉴赏—毕加索

第一篇：少儿美术鉴赏—毕加索

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少儿美术鉴赏——毕加索

美术是一种造型艺术，线条清晰，形象生动，画画可以发挥孩 子的想象力，幼儿喜欢形象美好、色彩生动、造型有趣的玩具和图片，就是幼儿对美的追求。画画可以锻炼孩子小手的灵活性和协调性，是培养孩子善于观察事物、了解事物特征的好方法。画画还能开发大脑右半球的功能，对开发智力也大有益处，儿童既需要通过读书读画来获得知识、明白道理，也需要从字里行间的故事情节和艺术作品的形象色彩中获得画画所需要的养分。姜杰文化艺术中心就开设了诸多和美术相关的课程，在那里孩子们充分发挥着他们艺术创造的才能。喜爱画画的小朋友们，你们知道毕加索是谁吗？现在让我们来了解一下这位绘画大师吧。毕加索是近现代主义的先锋。有人说，“20世纪是属于毕加索的世纪”这话一点都没错，他凭借自己多变的画风和不朽的画作为这个世纪的艺术贡献了自己最大的力量。在20世纪，没有一位艺术家能像毕加索一样，画风多变而人尽皆知。毕加索在我眼中是个单纯者，一个单纯地追求自由的艺术家，并永远忠于自由地创造艺术。正是因为追求自由，毕加索的艺术才没有规律可循，不要规定，不要偏见，什么都不要，以完全彻底的自由，任意重塑世界。艺术是毕加索的全部，自由则是毕加索的灵魂。毕加索的作品涉及多个方面，从版画、陶瓷到雕刻、绘画、素描。从超现实主义到印象派、野兽派。毕加索不仅给了我们艺术的震撼，更从他的创作中我们学到了人生的艺术。他的作品没有固定的主意，而且花样繁多，或激昂或狂躁，或可亲或可憎，或诚挚或装假，变化无常不可捉摸，但他永远忠于的是——自由。世界上从来没有一位画家像毕加索那样以惊人的坦诚之心和天真无邪的创造力，以完全彻底的自由任意重造世界，随心所欲地行使他的威力。他不要规定，不要偏见，什么都不要，又什么都想要去创造。他在艺术历程上没有规律可循，从自然主义到表现主义，从古典主义到浪漫主义，然后又回到现实主义。从具到抽象，来来去去，只有绝对自由才适合他。毕加索绘画的主要趋势是丰富的造型手段，即空间、色彩与线的运用。他的一生分为几个时期：“蓝色时期”、“玫瑰红时期”、“黑人时期”、“立体主义时期”，分成分解和综合两种形式“古典主义时期”、“超现实主义时期”最后是“抽象主义时期”。

最著名的就是毕加索最著名的油画《格尔尼卡》，这是在1937年的大奥古斯丁路的新工作坊内创作的，也是毕加索具有重大影响及历史意义的超现实主义杰作。此画是受西班牙共和国政府的委托，为1937年在巴黎举行的国际博览会西班牙馆而创作。画中表现的是1937年德国空军疯狂轰炸西班牙小城格尔尼卡的暴行。作为一个一个人道主义者，毕加索本对政治毫不关心，然而对于这样的野蛮行径，他表现出了无比的愤慨，他用了一个半月完成这幅巨作，作为对法西斯兽行的遣责和抗议。

毕加索虽然热衷于前卫艺术创新，然而却并不放弃对现实的表现，然而他此画的对于现实的表现，却与传统现实主义的表现方法截然不同。他画中那种丰富的象征性，在普通现实主义的作品中是很难找到的。当然，画中也有许多现实情景的描绘。画的右边，一个失去孩子的母亲怀抱死去的孩童仰天痛哭，她的下方是一个手握鲜花与断剑张臂倒地的士兵。画的左边，一个惊慌失措的男人高举双手仰天尖叫，离他不远处，那个俯身奔逃的女子是那样地仓惶，以致她的后腿似乎跟不上而远远落在了身后。这一切，都是可怕的空炸中受难者的真实写照。画中的诸多图像反映了画家对于传统绘画因素的吸收。那个怀抱死去孩子的母亲图 武汉三度画室美术培训十年小班教学 www.xiexiebang.com

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乍看起来，这幅画在形象的组织及构图的安排上显得十分随意，我们甚至会觉得它有些杂乱。这似乎与轰炸时居民四散奔逃、惊恐万状的混乱气氛相一致。然而，当我们细察此画，却发现在这长条形的画面空间里，所有形体与图像的安排，都是经过了精细的构思与推敲，而有着严整统一的秩序。虽然诸多形象皆富于动感，可是它们的组构形式却明显流露出某种古典意味。我们看见，在画面正中央，不同的亮色图像互相交叠，构成了一个等腰三角形；三角形的中轴，恰好将整幅长条形画面均分为两个正方形。而画面左右两端的图像又是那样地相互平衡。可以说，这种所谓金字塔式的构图，与达芬奇(最后的晚餐)的构图，有着某种相似的特质。另外，全画从左至右可分为四段：第一段突出显示了公牛的形象；第二段强调受伤挣扎的马，其上方那盏耀眼的电灯看起来好似一只惊恐、孤独的眼睛；第三段，最显眼的是那个举着灯火从窗子里伸出头来的“自由女神”；而在第四段，那个双臂伸向天空的惊恐的男子形象，一下于就把我们的视线吸引，其绝望的姿态使人过目难忘。毕加索以这种精心组织的构图，将一个个充满动感与刺激的夸张变形的形象，表现得统一有序，既刻画出丰富多变的细节，又突出与强调了重点，显示出深厚的艺术功力。

在这里，毕加索仍然采用了剪贴画的艺术语言。不过，画中那种剪贴的视觉效果，并不是以真正的剪贴手段来达到的，而是通过手绘的方式表现出来。那一块叠着另一块的“剪贴”图形，仅限于黑、白、灰三色，从而有效地突出了画面的紧张与恐怖气氛。

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第二篇：美术鉴赏-论文-毕加索

毕加索——我最欣赏的画家

【摘要】 毕加索是个不断变化艺术手法的探求者，印象派、后期印象派、野兽的艺术手法都被他汲取改选为自己的风格。他的才能在于，他的各种变异风格中，都保持自己粗犷刚劲的个性，而且在各种手法的使用中，都能达到内部的统一与和谐。他有过登峰造极的境界，他的作品不论是陶瓷、版画、雕刻都如童稚般的游戏。在他一生中，从来没有特定的老师，也没有特定的子弟，但凡是在二十世纪活跃的画家，没有一个人能将毕加索打开的前进道路完全迂回而进。

一、毕加索简介

毕加索（1881年10月25日—1973年4月8日）是西班牙画家、雕塑家、剧作家、诗人，法国共产党党员，是现代艺术(抽象派)的创始人，西方现代派绘画的主要代表。他自幼有非凡的艺术才能，他的父亲是个美术教师，又曾在美术学院接受过比较严格的绘画训练，具有坚实的造型能力。

毕加索绘画的主要趋势是丰富的造型手段，即空间、色彩与线的运用。他一生中画法和风格几经变化,分为这样几个时期：“蓝色时期”，“玫瑰红时期”，“黑人时期”，“立体主义时期”（分成分解和综合两种形式），“古典主义时期”，“超现实主义时期”，最后是“抽象主义时期”。

毕加索一生是个不断变化艺术手法的探求者，印象派、后期印象派、野兽的艺术手法都被他汲取改选为自己的风格。他的才能在于，他的各种变异风格中，都保持自己粗犷刚劲的个性，而且在各种手法的使用中，都能达到内部的统一与和谐。他有过登峰造极的境界，他的作品不论是陶瓷、版画、雕刻都如童稚般的游戏。在他一生中，从来没有特定的老师，也没有特定的子弟，但凡是在二十世纪活跃的画家，没有一个人能将毕加索打开的前进道路完全迂回而进。他说过：“当我们以忘我的精神去工作时，有时我们所作的事会自动地倾向我们。不必过分烦恼各种事情，因为它会很自然或偶然地来到你身边，我想死也会相同吧！”

他静静地离去，走完了漫长生涯，如愿以偿地度过了一生。

二、毕加索的风格

毕加索绘画的主要趋势是丰富的造型手段，即空间、色彩与线的运用。

20世纪正是属于毕加索的世纪。他在这个多变的世纪之始从西班牙来到当时的世界艺术之都巴黎，开始他一生辉煌艺术的发现之旅。

30岁以后毕加索进入一个又一个不安分的探索时期，他的作品和他的生活一样没有丝毫的统一，连续和稳定。他没有固定的主意，而且花样繁多，或激昂或狂躁，或可亲或可憎，或诚挚或装假，变化无常不可捉摸，但他永远忠于的是——自由。世界上从来没有一位画家像毕加索那样以惊人的坦诚之心和天真无邪的创造力，以完全彻底的自由任意重造世界，随心所欲地行使他的威力。他不要规定，不要偏见，什么都不要，又什么都想要去创造。他在艺术历程上没有规律可循，从自然主义到表现主义，从古典主义到浪漫主义，然后又回到现实主义。从具象到抽象，来来去去，他反对一切束缚和宇宙间所有神圣的看法，只有绝对自由才适合他。

三、毕加索的作品

毕加索的代表作有《亚维农的少女》、《拿烟斗的男孩》等。而《亚维农的少女》这幅画，可谓第一件立体主义的作品。画面左边的三个裸女形象，显然是古典型人体的生硬变形；而右边两个裸女那粗野、异常的面容及体态，则充满了原始艺术的野性特质。野兽派画家发现了非洲及大洋洲雕刻的原始魅力，并将它们介绍给毕加索。然而用原始艺术来摧毁古典审美的，是毕加索，而不是野兽派画家。在这幅画上，不仅是比例，就连人体有机的完整性和延续性，都遭到了否定。因而这幅画(正如一位评论家所述)，“恰似一地打碎了的玻璃”。在这里，毕加索破坏了许多东西，可是，在这破坏的过程中他又获得了什么呢?当我们从第一眼见到此画的震惊中恢复过来，便开始发现，那种破坏却是相当地井井有条：所有的东西，无论是形象还是背景，都被分解为带角的几何块面。我们注意到，这些碎块并不是扁平的，它们由于被衬上阴影而具有了某种三度空间的感觉，使画面具有了某种完整性与连续性。

四、毕加索的艺术成就

毕加索是位多产画家，据统计，他的作品总计近37000件，包括：油画1885幅，素描7089幅，版画20000幅，平版画6121幅。

毕加索的一生辉煌之至，他是有史以来第一个活着亲眼看到自己的作品被收藏进卢浮宫的画家。在1999年12月法国一家报纸进行的一次民意调查中，他以40％的高票当选为20世纪最伟大的十位画家之首。对于作品，毕加索说：“我的每一幅画中都装有我的血，这就是我的画的含义。”全世界前10名最高拍卖价的画作里面，毕加索的作品就占据4幅。

五、对毕加索的评价

伟大的西班牙画家毕加索死的时候是91岁。毕加索90岁时，仍然像年轻人一样生活着。不安于现状，寻找新的思路和用新的表现手法来运用他的艺术材料。毕加索像一位终生没有找到他的特殊艺术风格的画家，千方百计寻找完美的手法来表达他那不平静的心灵。他身上首先引人注意的地方就是那双睁大了的眼睛的眼神。美国著名女作家斯坦因在毕加索还年轻时就曾提到他那双如饥似渴的眼神，我们现在也可以从毕加索的画像中看到这个眼神。毕加索作画，不仅仅用眼睛，而且用思想。

毕加索有一些人生格言，我觉得很好，他的话应该是与他的作品创作源泉与人生轨迹是相联系的。

“你觉得你行就行，你觉得不行就不行。”内心的信念是可以左右一个人思想和行动的，当你认为你能行，而不是不行的时候，可能对很多事情在感觉上就会发生变化，也包括对自己本身的感觉。我想只有坚持这样的信念，在做事情的时候就不会知难而退，不会惧怕过程中的挫折，只有这样才能有冲破艰难险阻的意念，也才能达到最后的成功。

“没有必要画一名带枪的男人，一只苹果也同样可以预示革命。”这样一句话，要阐述的就是思想与思维方式的创新，是一种创造性的引导，因为我们长久的时间内出于生活习惯和知识的影响，很容易在思维方式上形成一种定性，当遇到某种问题的时候出现在我们脑海中的往往先是习惯性的思维，那么得出来的结果也必然不会出现很大的创新，这一点会直接影响到我们在工作中的创造性。

而当问起毕加索创作的秘诀时，他说：“我的每一幅画中都装有我的血，这就是我的画的含义。”

毕加索是一位真正的天才。

【参考文献】 《毕加索》：（西）毕加索，广西美术出版社，2005年2月1日出版 网络资源

第三篇：少儿美术鉴赏—梵高

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法国印象主义绘画是19世纪中叶继现实主义美术运动之后出现的一个新的美术运动。一批青年画家探索色彩光线、描绘瞬间印象，突破传统绘画模式和色彩观念，建立一套新的色彩观和绘画表现手法，并引发出新印象主义、后印象主义等艺术流派。安格尔、库尔贝等人将素描关系的油画发展到了难以超越的高峰，于是印象主义画家在色彩方面寻求突破，而后印象主义反对片面追求客观表现外光和色彩。他们强调主观的再创造，表达自己的艺术追求以及情感和个性。后印象主义画家凡·高非常注重色彩的运用，他说：“为了更真实地表达我见到的东西，我更自由地运用色彩，使其更具表现力”，“今天我们要求的，是一种在色彩上特别有生气，特别强烈和紧张的艺术”。

凡·高（Vincent van Gogh,1853—1890），荷兰画家，主要活跃于法国，是后印象派的典型代表，是一个对生活与艺术同样充满炽烈感情的画家。他以高昂激烈的心情表达了对人生的思考，表现了强烈的个性气质。他不满足只要轻松愉快的题材，也不投入那些缺乏内容和情绪的纯色彩性的创作。

后印象主义画家凡·高非常注重色彩的运用，是一个对生活与艺术同样充满炽烈感情的画家，反对缺乏内容和情绪的纯色彩性的创作，用色彩和形体传达自己对事物的感受。热情奔放的主色调黄色和他那近似疯狂的个性形成共鸣，唯有黄色才能得到充分的情感宣泄，以绚烂的色彩、奔放的笔触表达狂热的感情是凡·高艺术的特色。

1888年，凡·高开始以色彩为基础表达强烈的感情。他只活了37岁，绘画的历史不到10年，却奉献给人类近2000幅作品。凡·高把生命的最重要时期贡献给了艺术。他早期的画作喜欢用荷兰传统绘画的褐色调，但他天性中火一般的热情使他抛弃荷兰画派的暗淡和沉寂，并迅速远离印象派——印象派对外部世界瞬间真实性的追求和他充满主体意识的精神状态相去甚远。他不是以线条而是以环境来抓住对象；他重新改变现实，以达到实实在在的真实，促成了表现主义的诞生。我们从他的作品中见到的，是一个浸透了激情的色彩绚烂的世界。他的绘画观念在于不是构图而是色彩，火焰般的笔触下出现的向日葵，好似射出光芒。他的调色板实际是太阳的光调；他把自己的一生融化在对太阳的热烈追求之中。他画笔下的树木仿佛在萌发100棵树苗，他的神经在激荡，热血在沸腾，色彩在极度地鲜艳；甚至还用血红的色彩，来点染阿尔勒的强光烈日。他的画笔下流泻出来的黄色，是那样的艳丽多姿、感人心魄；从他最喜欢的题材——向日葵中，我们感受到一个追求真理、渴望生活的痛苦灵魂。作品中，经常使用鲜明的色彩短线及色彩组合，来构造热烈奔放的色调。色感的支配，使他把碧绿与红黄调在一起，将紫色与橙黄调在一起。他决意把刮风的天空、颤震的阴影、灼烈的阳光，统统通过色彩浸透在画布上。他激动地画出血红色和深黄色的酒吧间，中间的台球是绿色的，柠檬色的四盏灯喷射绿色的光芒。

梵高是19世纪最著名的艺术家之一，他的很多作品都变现内心状态及感情色彩，为了表现真实而又疯狂的情感，梵高喜欢改变所描绘物象的真实色彩、透视、形体和比例，从而达到不一样的艺术效果。在这幅《星空》中，可以看到梵高用笔的笔触，相当的有力，并且整个用笔很粗犷，因而这使画面显得张力十足，同时可以看到梵高内心的纠结与疯狂。但是我们也无法忽视梵高混乱中带着理性的思维过人之处。记得关于梵高的一句话：灿烂到极致不是黯淡就是死亡，所以在之后的日子里，梵高的绘画生涯与这句话也是如出一辙，梵高也只能，毁灭了自 武汉三度画室美术培训十年小班教学 www.xiexiebang.com

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梵高采用他一贯的油画作画方式，颜色搭配也是独树一帜，艳丽而诡异。这幅画的基调以蓝黑为主，凸显出画内的压抑，同时也映衬了画家的蓝色时光。冷调夜幕笼罩下的小村庄，虽然一副静谧的模样，但天空中呈现的漩涡状气流让人有一种沉默即将爆发前的那种压抑与可怕的寂静。各种颜料混合着翻腾，内心纠结的情感也在跳跃不止，寻找出口。画面的星空，梵高运用大量的明黄色来凸显星星，远处的，眼前的，都充满了动感，但却那么的遥不可及。

其实喜欢梵高的画，还在于他色彩的大胆表现。各种不同程度的珞黄，都给人一种很跳跃的感觉。而宁静的普兰，则赋予画面夜晚的宁静。在这张《星空》中，颜色有明快，有阴郁，放荡中带着宁静，而这样的村庄这样的夜晚，不仅代表的他此时的狂躁，和他内心深处长期压抑扭曲的心理，但是明黄色的大片繁星也正是衬托出画家心里的那一点希冀与梦想，同时也感觉得到梵高对生活的热爱，对大自然的热爱。明明灭灭的色块，将现实与梦想的冲突表现得恰如其分。既有希望，又有绝望，矛盾冲突将他心中的纠结跃然纸上。

梵高是一个喜欢将感情绘于纸面的画家，因为这一生中的贫困交加，画作无人问津，才华不得被人欣赏，他通常也表现的很狂躁，很愤怒，很激烈，所以，很多人称他为疯子。但这张《星空》中，可以很清晰的看到梵高混乱不羁的心绪下，其实也有很强很强的逻辑思维能力。夜空的星星大小的对比，颜色深浅的处理，既有点，又有面，位置安排合理得当。同时，画面线条感很强，有曲有直，使画面具有动感，同时也不失稳定。这幅画的天空呈旋涡状，貌似有很多气流，再加上图画颜色的基调，就给人一种扭曲痛苦、冷漠的感觉，就好像得伤寒病病人的脸。当然，这可能与梵高的生平现实与遭遇有关。这幅画有凌乱也有统一，布满夜空的星星像一条奔腾的巨龙般环绕，树木房屋重重叠叠，起伏的山峦色彩透视感很强，虽然梵高将部分空气透视反常化，但这并无道理，这样整体的把握更加新颖独特。与此同时，全新的透视感，为之后绘画的发展开启了一个全新的未来。

这张画，除了夜空的星星很显眼之外，让人无法忽视的这棵水草一样的植物也是这张画的主题。梵高的画给我的感觉是生命力特别强，这株草似乎有穿透夜空的生命力和爆发力。他在黑夜中寻找出路，仿佛此时的梵高自己，在暗夜中企图找寻一个喘息的出口。主体次体很分明，由此可见，梵高并不仅仅是个会画画的疯子，并不仅是个借画宣泄的疯子，他在构图，色块，笔触，形体的整体把握都是很强的。梵高是清晰的，就像他的画一样，那么的疯狂，却很真实的明白自己的想法，我想这也是梵高自身感觉痛苦的原因吧。

看过梵高很多的作品，如《向日葵》，《自画像》，《有乌鸦的麦田》，很多画都是不被人理解的，直到现在人们才给以其很高的艺术成就。他的一生是很痛苦的，一生中给自己画过数十幅自画像，每个阶段虽然有些变化，但是我们看得清他的痛苦从来都没有减轻过。之后他切下了自己的耳朵送给女友，最后开枪自杀，都说明这个画家内心的痛苦无法释放，深感不平甚至是心理疾病。梵高的艺术风格非常超前，他作品中强烈的个性和在形式上的独特追求远远走在时代的前面，直接影响了法国的野兽主义、德国的表现主义，以至于20世纪初出现的抒情抽象肖像。梵高对于世界绘画艺术的贡献是我们无法忽视的。

梵高以自己习惯的方式宣泄胸中难以抗拒的纠结与疯狂，给我们诠释了他这个无可自救的心。也许艺术到达一定的高度，就会衍生出很多灵魂深处按捺不住 武汉三度画室美术培训十年小班教学 www.xiexiebang.com

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第四篇：美术鉴赏

微软中国

《中西方绘画艺术作品比较赏析》

—《中西方山水话对比》

微软用户 2014/6/11

专业：工商管理 班级：1303 姓名：蒋妍 指导老师：李雅娟

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【内容摘要】中西方绘画艺术在观念和表现上有着差异和趋同性，通过中西方绘画作品内容、形式的对比，以及中西方艺术观念差别的简单描述，最终认识到中西方在差异和区别之上的共同目标。中国非常强调人与自然的调和，认为自然先于人类而存在，人是自然中后生的一部分；而西方则认为人是自然的主人，自然为人类而存在。这种观念的差异，表现在艺术中，就形成了不同的艺术主张，在艺术实践中，形成了不同的传统和风格。中西方世界观、艺术观等方面虽然有着差异，但毕竟是生活在同一片蓝天下的人类，必然存在着相似或共同点。一件艺术品，内容方面的因素有主题、题材等，不同的内容决定了作者采用不同的形式，同样的内容可以有不同的表现形式，而不同的内容也会有相类似的表达方式。美术史上的大量事实，展示了中西方艺术作品中形式与内容的复杂关系。美术史上的大量事实，展示了中西方艺术作品中形式与内容的复杂关系。

【关键词】中西方；黄公望；富春山居图；梵高；星空

【正文】 第一部分

在“元四家”中，若论对后代山水画发展影响最深广的，无疑是黄公望。他年资最高，直接受教于赵孟頫，从五代荆浩、关仝及北宋李成启学，所以画的品格极高。元代画家开始以纸为画本，赵孟頫的《水村图》已见干笔皴擦，元画灵动松秀的笔墨已然初具，而黄公望享年85岁，至其晚年则纸本水墨的技法已经炉火纯青。其《富春山居图》，可以说是代表其晚年风格的经典之作。

《富春山居图》始画于至正七年(1347)，于至正十年完成。是元代著名书画家黄公望的一幅名作，世传乃黄公望画作之冠，以浙江富春江为背景，全图用墨淡雅，山和水的布置疏密得当，墨色浓淡干湿并用，极富于变化，是黄公望的代表作，被称为“中国十大传世名画”之一。为纸本水墨画，宽33厘米，长636.9厘米，是黄公望晚年的力作。

黄公望，字子久，号一峰，工书法、通音律、善诗词，少有大志，青年有为，中年受人牵连入狱，饱尝磨难，年过五旬隐居富春江畔，师法董源、巨然，潜心学习山水画，出名时，已经是年过八旬的老翁了。黄公望把“毕生的积蓄”都融入到绘画创作中，呕心沥血，历时数载，终于在年过八旬时，完成了这幅堪称山水画最高境界的长卷——《富春山居图》。它以长卷的形式，描绘了富春江两岸初秋的秀丽景色，峰峦叠翠，松石挺秀，云山烟树，沙汀村舍，布局疏密有致，变幻无穷，以清润的笔墨、简远的意境，把浩渺连绵的江南山水表现得淋漓尽致，达到了“山川浑厚，草木华滋”的境界。

明朝一位名为吴子问的收藏家得到真迹后，爱不释手，至死不能割舍，嘱咐焚烧此画殉葬。他的侄子趁他昏聩时把画抢了出去，但已经烧掉了三四成。重新裱装修补后变成了两段，前段面积为31.8×51.4厘米，后段面积为33×636.9厘米。前段画幅虽小，但比较完整，后为浙江收藏家吴湖帆所得并于解放后捐献给浙江博物馆；后段则修补较多，目前被收藏在台湾故宫博物馆。据说前段还曾与一幅伪作同时入过清宫，自诩长于画作鉴定的乾隆皇帝将伪作定为真品，实图如下：

在“元四家”中，若论对后代山水画发展影响最深广的，无疑是黄公望。他年资最高，直接受教于赵孟頫，从五代荆浩、关仝及北宋李成启学，所以画的品格极高。元代画家开始以纸为画本，赵孟頫的《水村图》已见干笔皴擦，元画灵动松秀的笔墨已然初具，而黄公望享年85岁，至其晚年则纸本水墨的技法已经炉火纯青。其《富春山居图》，可以说是代表其晚年风格的经典之作。至元四年，黄公望79岁，一次从松江归富春山居，偕好友无用禅师同行。暇日，黄公望始于山居南楼援笔作此长卷。但他经常云游在外，而画卷留在山中，只得“逐旋填札”，故“阅三四载未得完备”。无用似不放心，怕被人夺爱，便请黄公望在画中题文，明确归属。但最后何时完成，终不得而知。

清王原祁在《麓台题画稿》中说是经营七年而成，但黄公望自动笔至去世也就只有七年。一幅画画了这么多年，也称得上一奇，而二百五十年后藏者吴洪裕临终前嘱家人当面将画焚烧殉葬，而其侄吴静庵趁他弥留之际于火中夺画残卷，更是旷古之传奇。至今，我们已无法确知原卷的长度，但知前《剩山图》纵31.8厘米，横51.4厘米；后《富春山居图》纵33厘米，横636.9厘米。图绘富春江两岸秋初的景色。开卷描绘坡岸水色，远山隐约，接着是连绵起伏，群峰争奇的山峦，再下是茫茫江水，天水一色，最后则高峰突起，远岫渺茫。山间丛林茂密，点缀村舍、茅亭，水中则有渔舟垂钓。山和水的布置疏密得当，层次分明，大片的空白，乃是长卷画的构成特色。笔墨上已显然取法董源、巨然，但更为简约利落。山石的勾、皴，用笔顿挫转折，随意而似天成。将近20厘米的长披麻皴，枯湿浑成，功力深厚，洒脱而极富灵气，洋溢着平淡天真的神韵。全图用墨淡雅，仅在山石上普染一层极淡墨色，并用稍深墨色染出远山及江边沙渍、波影，只有点苔、点叶时用上浓墨，但已足以醒目。这是一幅浓缩了画家毕生追求，足以标程百代之作，无怪乎董其昌见了惊呼：“吾师乎！吾师乎！一丘五岳，都具是矣。” 第二部分：

梵高的宇宙，可以在《星夜》中永存。这是一种幻象，超出了拜占庭或罗曼艺术家当初在表现基督教的伟大神秘中所做的任何尝试。梵高画的那些爆发的星星，和那个时代空间探索的密切关系，要胜过那个神秘信仰的时代的关系。然而这种幻象，是用花了一番功夫的准确笔触造成的。当我们在认识绘画中的表现主义的时候，我们便倾向于把它和勇气十足的笔法联系起来。那是奔放的，或者是象火焰般的笔触，它来自直觉或自发的表现行动，并不受理性的思想过程或严谨技法的约束。梵高绘画的标新立异，在于他超自然的，或者至少是超感觉的体验。而这种体验，可以用一种小心谨慎的笔触来加以证明。这种笔触，就象艺术家在绞尽脑汁，准确无误地临摹着他正在观察着的眼前的东西。从某种意义上看，实际确是如此，因为梵 高是一位画其所见的艺术家，他看到的是幻象，他就是幻象。

实图如下：

《星夜》是一幅既亲近又茫远的风景画，这可以从十六世纪风景画家老勃鲁盖尔的高视点风景手法上看出来，虽然梵高更直接的源泉是某些印象主义者的风景画。高大的白扬树战栗着悠然地浮现在我们面前；山谷里的小村庄，在尖顶教堂的保护之下安然栖息；宇宙里所有的恒星和行星在“最后的审判”中旋转着、爆发着。这不是对人，而是对太阳系的最后审判。这件作品是在圣雷米疗养院画的，时间是1889年6月。他的神经第二次崩溃之后，就住进了这座疗养院。在那儿，他的病情时好时坏，在神志清醒而充满了情感的时候，他就不停地作画。色彩主要是蓝和紫罗兰，同时有规律地跳动着星星发光的黄色。前景中深绿和棕色的白杨树，意味着包围了这个世界的茫茫之夜。梵高继承了肖像画的伟大传统，这在他那一代的艺术家里鲜见的。他对人充满了激情的爱，使他不可避免地要画人像。他研究人就象研究自然一样，从一开始的素描小品，一直到1890年他自杀前的几个月里所画的最后自画像都是如此。它如实地表现出疯人凝视的可怕和紧张的眼神。一个疯人，或者一个不能控制自己行为的人，无论如何也不能画出这么有分寸、技法娴熟的画来。不同层次的蓝色里，一些节奏颤动的线条，映衬出美丽的雕塑般的头部和具有结实造型感的躯干。画面的一切都呈蓝色或蓝绿色，深色衬衣和带红胡子的头部除外。从头部到躯干，再到背景的所有的色彩与节奏的组合，以及所强调部位的微妙变化，都表明这是一个极好地掌握了造型手段的艺术家，仿佛梵高完全清醒的时候，就能记录下他精神病发作时的样子。记得一句关于梵高的话：“灿烂到极致不是黯淡就是死亡，所以梵高也只能，毁灭了自己。”

这幅画, 展现了一个高度夸张变形与充满强烈震撼力的星空景象。那巨大的、卷曲旋转的星云, 那一团团夸大了的星光, 以及那一轮令人难以置信的橙黄|色*的明月, 大约是画家在幻觉和晕眩中所见。对梵高来说, 画中的图像都充满着象征的涵意。那轮从月蚀中走出来的月亮, 暗示着某种神性*, 让人联想到梵高所乐于提起的一句雨果的话：“上帝是月蚀中的灯塔”。而那巨大的, 形如火焰的柏树, 以及夜空中象飞过的卷龙一样的星云, 也许象征着人类的挣扎与奋斗的精神。在这幅画中, 天地间的景象化作了浓厚、有力的颜料浆, 顺着画笔跳动的轨迹, 而涌起阵阵旋涡。整个画面, 似乎被一股汹涌、动荡的激流所吞噬。风景在发狂, 山在骚动, 月亮、星云在旋转, 而那翻卷缭绕、直上云端的柏树, 看起来象是一团巨大的黑色*火舌, 反映出画家躁动不安的情感和狂迷的幻觉世界。梵高在这里, 并没有消极、被动地沉溺于他那感情激流的图像中。他能将自己作为一个艺术家而从作品中抽离出来, 并且, 寻找某种方式, 用对比的因素与画面大的趋势相冲突, 从而强化情感的刺激。我们在画中看见, 前景的小镇是以短促、清晰的水平线笔触来描绘的, 与上部呈主导趋势的曲线笔触, 产生强烈对比;那点点黄|色*灯光, 均画成小块方形, 恰与星光的圆形造型形成鲜明对比。教堂的细长尖顶与地平线交叉, 而柏树的顶端则恰好拦腰穿过那旋转横飞的星云。

中西绘画在空间意识表达上,中国画构图讲究“散点透视”,而西方绘画讲究“焦点透视”,此观点有其合理的一面,但中国画的远近法在本质上既不同于西画的焦点透视,更不是人们假设出来的散点透视。我们对中西传统艺术家创作的不同主题的绘画在透视法的比较性解读上,这两种透视方法的差异性应该被解释为直接反映了不同地域、不同社会环境、不同民族的审美心理对透视法缓慢形成的重要影响。

第五篇：美术鉴赏

美术鉴赏心得体会

姓名：李炳程 学号：2015011379 专业：经管应用经济学

本学期有幸学习了张景鸿老师的美术鉴赏这门课，我深感提高了我们当代大学生的艺术修养和审美，提高了大学生的素质，最根本的是提高了大学生的精神境界。美术鉴赏的最终意义，就在于大学生的情感得到了陶冶，思想得到了净化。品格得到了完善，从而使身心得到了和谐发展，精神境界得到了升华，自身得到了美化。

我个人比较喜欢西方美术的作品，喜欢印象画派，印象派是19世纪中叶欧洲艺术从现实主义向现代主义过渡的重要阶段，印象派画家以创新的姿态登上法国画坛，其锋芒针对陈陈相因的古典画派和矫造作的浪漫主义。19世纪后半叶到20世纪初，法国涌现出一大批印象派艺术大师，他们创作出大量至今仍令人耳熟能详的经典巨制，除了这次来华展出的著名画作外，马奈的《草地上的午餐》、莫奈的《日出·印象》、凡·高的《向日葵》等更是鼎鼎大名。印象派画家走出画室，深入原野、乡村、街头写生，力求真实地刻画自然。

我尤其喜欢梵高的那幅巨作《向日葵》，梵·高笔下的向日葵，像闪烁着熊熊的火焰,是那样艳丽,华美,同时又是和谐,优雅甚至细腻,那富有运动感的和仿佛旋转不停的笔触是那样粗厚有力,色彩的对比也是单纯强烈的。然而,在这种粗厚和单纯中却又充满了智慧和灵气。观者在观看此画时,无不为那激动人心的画面效果而感应,心灵为之震颤,激情也喷薄而出,无不跃跃欲试,共同融入到凡高丰富的主观感情中去。总之,梵高笔下的向日葵不仅仅是植物,而是带有原始冲动和热情的生命体。他曾多次描绘以向日葵为主题的静物，他爱用向日葵来布置他在阿尔的房间。他曾说过：“我想画上半打的《向日葵》来装饰我的画室，让纯净的铬黄，在各种不同的背景上，在各种程度的蓝色底子上，从最淡的维罗内塞的蓝色到最高级的蓝色，闪闪发光；我要给这些画配上最精致的涂成橙黄色的画框，就像哥特式教堂里的彩绘玻璃一样。”梵·高确实做到了让阿尔八月阳光的色彩在画面上大放光芒，这些色彩炽热的阳光，发自内心虔诚的敬神情感。堪称梵高的化身的《向日葵》仅由绚丽的黄色色系组合。梵高认为黄色代表太阳的颜色，阳光又象征爱情，因此具有特殊意义。他以《向日葵》中的各种花姿来表达自我，有时甚至将自己比拟为向日葵。我喜欢他那绚烂的色彩，,满怀炽热的激情令运动感的和仿佛旋转不停的笔触是那样粗厚有力,色彩的对比也是单纯强烈的。然而,在这种粗厚和单纯中却又充满了智慧和灵气。

虽然小时候就比较喜欢美术，但这种喜欢并不意味着我对美术有非常深刻的理解。我只知道美术会给人美的享受，让人完全沉浸在其中。当然了，前提是你喜欢它。原本以为美术就是指画家的画作。比如像那些水墨画、水彩画、油画和素描等。直到上了美术鉴赏课，听了老师的讲解，我才从这个狭隘的概念中走了出来，真正走进了美术的世界，也才真正认识到了美术的博大和内容之丰富。美术一词被我所理解，也正是上了美术鉴赏课以后。下面我就来谈谈对美术鉴赏课的感想：欣赏以线造型的中外美术作品，提高学生对“线”这一艺术形式的审美能力。

线条是美术最基本的造型手段，是构成视觉艺术形象的一种基本因素，无论平面的还是立体的作品；不论是写实，还是装饰；不论是抽象的，还是具象的„„在长期的美术发展过程中．“线”作为美术家创造形象和表达自己思想感情的艺术语言，一直处于十分重要的地位，并越来越显示出丰富的表现力及艺术美感。中国著名绘画大师吴冠中的《山水》一画，皴染不多，主要以毛笔线条勾勒，但其中线条流畅自由，轻重虚实的变化，随意性较强，具有浓厚的抒情意味和鲜明的时代感。法国后期野兽派大师匀蒂斯的《红沙发上的注女》（油画）以简洁概括、富子感情色而又极富装饰件的线，极为和谐、简练地勾画出一个呼之欲出的少女形象。

美术鉴赏课走进大学校园是为了更好的培养大学生，提高大学生的素 质，最根本的问题是要提升大学生的精神境界。美术鉴赏的最终意义，就在于使大学生的情感得到陶冶，思想得到净化，品格得到完善，从而使身心得到和谐发展，精神境界得到升华，自身得到美化。

第一：美术鉴赏有益于大学生灵魂的雕铸和人格的完善。艺术教育注重开发和挖掘人自身的潜能，并致力于培养人的自尊、自信、自爱、自立、自强意识，不断提升人们的精神文化品味和生活质量，从而不断提升人的生存和发展能力，促进人的全面发展与完善。人的全面发展，正如恩格斯所认为的那样，包括智力、体力、思想、道德、意志、信念、情感等各方面，全面发展是一专多能的素质型发展。鉴于此，大学生的艺术素养已经日益融入时代的潮流之中，倍受人们的重视与关注。大学生美术鉴赏作为美育的一种手段，在促进大学生灵魂雕铸和人格

完善的全面发展中起着重要的作用。

第二：满足大学生的审美需要，提高和培养审美能力。在美术鉴赏课上，通过大量地、广泛地鉴赏优秀艺术作品，就会逐渐具有和提高感受美、理解美的能力了。这里不单单是提高学生的鉴赏水平问题而是如何发展学生的价值取向问题。提高学生对美术意义的认识，培养我们正确的审美理想，健康的审美情趣，提高对美的感受力、鉴赏力、表现力和创造力。

第三：陶冶大学生的思想情操、提高大学生的精神境界。通过美术鉴赏对美和艺术增进理解，无疑对提高文化素质和思想境界，都会产生不可估量的作用。

第四：帮助大学生开阔眼界，扩大知识领域。在这种鉴赏活动中，是美术作品为我们提供了种种与他人产生共鸣的经历与感受，能够以一种艺术的眼光和态度看待周围的一切事物，并获得一种全新的洞察力。

第五：美术鉴赏可以娱情怡神，激发想象力培养创造性。通过鉴赏不仅使人视觉愉悦、心情舒畅，更在于美术作品都是通过点、线、面、色彩、空间、肌理等形式组成，所以画面上的节奏感、韵律感会对人的视觉产生影响，进而使人产生联想。因而，当我们在鉴赏美术作品时，不管是遇见那些赏心悦目的写实作品，还是一些现代派艺术家的抽象作品，都会使我们获得一种喜悦与满足。对美术作品鉴赏的过程中，也更能促进身心健康的发展，陶冶情操激发创作热情与创造能力。

总而言之，作为美育的重要组成部分，大学美术鉴赏课的开设，对提高大学生的素质，培养创新精神和实践能力，塑造健全人格具有不可替代的作用。通过美术鉴赏课的学习发展大学生形象思维，培养创新精神和实践能力；树立正确的审美观念，培养高雅的审美品位，提高人文素养，提高感受美、表现美、鉴赏美、创造美的能力，促进德智体美全面发展。为培养文明合格的下一代，具有重要的意义。