钢琴学习基本功

第一篇：钢琴学习基本功

钢琴学习基本功

然后是我老师给我的手指练习

音阶：讲究流畅性，首尾音可以重，然后流畅地弹下来，但是手指也要抬高，注意指尖与琴键的接触和用力。

装饰音.颤音.波音.每个手指一组，一个八度的，一个一个音上去

断音：两个到三个八度音阶，要一定速度，用断音弹，注意手腕不能硬

半音.琶音：基本同音阶

双手练习：双手同一个手指连续一个左一个右那样弹一个音，要一定速度并且每个音要弹准手指的独立性

手指的灵活性

手指的力度

这是最基本的，然后还有高层次一点的比如说你对一个曲子的细节处理呀，对那个曲子的感觉的把握呀，细到踏板怎么踩，乐句怎么划分，某个音应该弹多重.......至于你提到的左右手的协调性是初学者常遇到的问题，原因是练少了（虽然这是个让人觉得很晕的理由）是事实是确实是这样的，两只手弹不同的内容确实是要经过一定时期的练习才能够熟练的，你可以慢慢来不要着急，先单手练熟悉了然后再双手来，双手合的时候要看左右手的节奏那里是对在一起的，对在一起的地方当然是一起弹````虽然过程很让人抓狂 但是你会发现经过这一段时间的这样练习以后你会两只手逐渐变得协调起来......说到底只有练习才能够解决双手协调的问题.....关于独立性就可以靠练习最基本的 哈农

来解决 它好多都是练独立性的，如果在有限的练习时间里抽那么一点时间来多练练它还是有用的。。。。。。

由于你的为了娱乐而练习的估计也不会拿太多的时间来练习基本的东西，所以你可以在练习某个动听的乐曲的时候把弹不熟的地方提出来反复多练习也性，切忌把一个曲子疙疙瘩瘩地从头到尾地练

不过 音阶和哈农 确实很重要 希望你能多多练，说给你听也说给我自己听，那是最经典的最基础的练习现在来说说基本功中最重要也是最难掌握的方法，首先是手腕的丢，我有一些学生学了几年转到我手上一开始都是手腕上下抖个不停，我就勒令他们改，不改过来别弹快，因为弹快要低抬指，在初学时的高抬指时就因该弹一个音后马上丢手腕，如果已抖了一年后要改半年－一年，所以奉劝人们在初学时不管是业余还是专业都要请专业的老师（起码他自己弹琴是正确的方法），还要有一定的教学经验，遇到不同情况知道怎么处理。其次是指尖触键，也就是关系到8级以上的快速练习曲中的力度均匀问题。我学生中有个别会有这种情况，下键时90度但瞬间又往外扒了，就是力度没有传到指尖，只是一味的找90度，这个也是需要时间去磨的，只有触键完以后还能保

持指尖不软不变形，才能弹低抬指的快速练习。其实正确触键是只能感到指尖的骨头在弹琴，那个感觉才对。再次是小拇指的正确触键，小拇指很短，要把虎口撑开，就是触键时指头往外撑，就能成90度了，然后是力度稳定问题，这个需要最少一年练习，可以在《什密特》中找小拇指固定不动只弹1234指的练习。

还有大拇指不能放平，关节全部弯曲，用下方的指甲边上的那个点触键。

双音的触键靠手腕压下的那股劲，手指不离开键，手腕做小落滚，手腕压下低于键面在触键，手指不要单独抬高。还有落滚，跳音，盲练。。

这些掌握不了想精练难度大的曲子是不可能的，有了这些基本功，再有好得练琴方法与乐感的培养，才能演绎完整的曲目，学曲子不在于难，在于基本功的扎实1.手腕绝对不能翘，就是弹的时候手腕跟着手指起伏，是绝对会拖慢你的速度而吃力不讨好的事。

2.肩膀要放松，手腕也要放松（不是说坠下来，就是比较自然），力量全在手指尖上面，可以试一下把食指放在一个键上，像勾住一样手腕坠下来，（比较夸张一点但是差不多是这种感觉）。

3.慢练的时候必须要放胆抬手指，每弹一个音必须要肯定的下去，但切记不能敲！弹的时候要准备下一个手指，就是弹一指的时候二指要先抬起来，后面的手指也会顺便带起来这是自然反应，不要紧的。但是练熟了之后就不能高抬指，速度会上不去，尤其练像哈农这样快速的练习之类的。

4.指法要清楚，不能含糊，每次都要一样。每个音要保持一样的力度。（音阶）

5.你老是说得是对的，掌关节突起会拖慢你的速度，什么叫关节散？。。只要好好练习手型，什么曲子都难不倒你

加油。坐 的 姿 势

坐时,身体的重心要依靠臀部和脚尖支撑。一般来说,弹奏者只应坐到凳子的三分之一左右的地方,不要把座位都坐满,或把身子靠在椅背上。上身直立,腰不要塌陷,这样,弹奏者可以从腰或者更下一些部位用上力量,上身略向前倾,使重心略靠前,便于将力量向前传送至手指。

坐的姿势以自然,端正,有利于弹奏为原则,不要僵硬,紧张,或过于松懈。

座位的高低,要根据弹奏者的高矮来决定,原则是肘,前臂,手,手与键盘保持一个相同的水平高度,或略高于键盘。座位的远近,也要视弹奏者的胳膊的长短来决定,要使在弹奏时,胳膊可以自如的移动。

一个小小的技巧:坐在钢琴前,将两臂在自然放松的情况下向前伸,两手握在一起,使两臂形成一个椭圆形,轻轻放下,如果正好落在白键上,这个座位的远近就是比较合适的拉。

脚的位置,一般可以放在踏板附近

,这个位置比较适合于演奏,也有利于使用踏板。

基 本 手 型

弹钢琴要求手放松,自如的呈半圆形,手指略向里弯曲。试着先轻轻握拳,然后慢慢放开,直至手形成一个半圆状,这就是演奏钢琴的基本手型,过于平直和过于勾曲都会造成紧张。

弹钢琴的手型,是几百年来人们经验的总结,有其科学性,在学习中要遵循这种规律,另一方面,学习过程中如果手型过于固定,死板,也会产生另一种偏向。特别是当学习到一定程度,演奏不同时代,风格的作曲家的作品和不同性质的乐曲时,由于音色的不同需要,弹奏时要有不同的指触感,那么,对手型的要求也必然更自由,但不管怎样,即使是一个成熟的钢琴家,他们的演奏也必然有一个基本的手型。

有一个好的手型,关键是指掌关节与第一,五指指关节的站立。手腕与黑键键面基本保持在一个水平高度,掌关节战好并略突起,使手掌成拱形。保持手型,主要靠大指和小指的支撑,这两个手指的形状和位置不同于其它手指,大指短而粗,小指细而小,它们都位于手掌的外侧,容易躺着触键,致使手型七扭八歪。如果它们能支撑站立好,那么基本手型也就容易保持。

手指的第一关节即指关节,从一开始就要训练站立的能力,要自然的站好,不能让关节塌进去,第一关节站不好,想弹出集中,结实和有变化的声音是根本不可能的。

手臂的姿势：大臂自然下垂，不要夹紧，前臂与键盘平行或略高于键盘。（应调节好琴凳的高度）

手腕的姿势：腕部与键盘平行，不能低于键盘或高于手掌，弹奏时要保持放松。

手掌的姿势：如右图所示，整个手部呈半圆型（即整个手臂下垂时手部的自然姿势），手心象着一个球，手掌应自然弯曲，第一关节和第三关节（掌关节）不得塌陷。掌关节是整个手部的最高点，好象“屋顶”，要特别注意。双手的四指五指要“站”正，要做到这一点，须将双手略向里（大拇指方向）倾斜些，五个手掌稍松开，在五度内应该一个手指对一个琴键。

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入门弹奏方法--重量弹奏法(断奏)

全臂断奏法的练习主要的作用在于让手指找到触键的感觉，即能让手指触键稳、准。

初学者会觉得很枯燥,很没有成就感。

但非连音的练习是连音弹奏以及各种演奏技法的基础,只有保证了非连音的练习质量，才能为将来弹奏复杂的旋律打下基础。

先让手的肘部向上抬起带动前臂再带动手腕、手掌提起。手自然下垂,手指自然弯曲，手臂抬的高度大概要抬到对准自己的嘴巴的高度，然后手臂放松，不对手臂施加外力，让手臂自己落下，落

的时候弹奏的手指要比其它的手指略伸长一些，对准要弹奏的音，落下后按在键上，指端站立好，掌关节不能塌陷，手腕与手基本保持一个水平高度，触键的手指只要能支撑着就可以了，不要用过多的外力，其它不按键的手指，只是放在键上，不再用力，不要碰响其它琴键，不要过高翘起，造成紧张，手仍然保持基本的手型，手指自然弯曲。这样，就完成了一个全臂断奏全部过程 钢琴知识入门

我们现在看到的钢琴是由古钢琴发展演变而来，其间经过了五、六百年的不断沿革。现代钢琴种类有三角钢琴和立式钢琴两种。三角钢琴又称做卧式钢琴，规格从四尺到15尺不等。其特点是音量大、音质比立式钢琴纯厚丰满，造型美观气魄。但占地面积大，价格也贵。

钢琴键盘

对于学习弹钢琴的人来说，恐怕没有比掌握钢琴的键盘更重要的了。从直观上看，钢琴的键盘是由黑色键和白色键共计88个键所组成（少数钢琴只有85个键）。其中黑键36个，白键52个。如果仔细观察黑键和白键就会很容易发现二者的分布和排列呈现的规律性。即：黑键是两个一组和三个一组。从键盘上很容易发现，整个键盘基本上就是由位于“中央1（C）”的白键上面的“1 2 3 4 5 6 7”这七个阿拉伯数字音构成的。这七个阿拉伯数字又叫做音符。如果我们试着依次弹奏中央的“1 2 3 4 5 6 7”七个音（现在先不用顾及手指的运用），并试着按照下面标出的方式唱一下每个音符： 唱do 2 唱re 3 唱mi 4 唱fa 5 唱so 6 唱la 7 唱xi

弹完“7”音符（xi）后,再弹上面加一个红点的“”音，可以体会出这个上加点的“”音与中央“1”音的音响感觉一致，只是音调高了一些，这既是所谓的“高八度”音。同样，弹奏中央“1”左面下加一点的“”音的音响感觉与不加点的“7”感觉相近，这既是“低八度”音。这样我们可以推断出剩下的那些上下加红点的音符的基本特征了。

现在我们再来看位于键盘“中央1（C）”用黄色圈出七个音的白键和黑键部分。黑键重复出现“b”和“#”这两个符号。“b”是降半音号，“#”是升半音号。它们都是定义其右下方的音符。如“b2”表示“降2”即“2”音降半音；“#1”表示“升1”即“1”音升半音。黑键可以用两个音符标示：如：“1”和“2”之间的黑键可以用“b2”与“#1”这两个个音表示，即：“b2”=“#1”。在本图中只是标出了中央部分的七个音符里的黑键及其相对应的音符。相信您一定能很快说出除中央1外的黑键音符。

如何才能很快记住这88个键盘和与之相对应的音符呢？ 记住中央用黄色圈出的标有“中央1（C）”的“1 2 3 4 5 6 7”

这七个白键音是非常重要的。要记住两点：

（1）中央“1”位于钢琴键盘盖子上的钥匙孔附近；两个一组的黑键左面的那个白键就是这个中央“1”。无论如何这个中央“1”是一定要牢记的。另外六个音顺序向右方排列而成。

（2）白键和1，3和4之间没有黑键，余下的1和 2；2和3；4和5； 5和6；6和7之间都有黑键。

钢琴踏板

钢琴的踏板（又称做踏瓣）是利用杠杆系统来使音响得到修饰，可以增加和减弱音的大小，使得音乐色彩更加富于变化。由于钢琴踏板是用脚来操纵的故又称脚踏板。一般家庭的钢琴有三个踏板。用的最多的是钢琴的右踏板。欲增强钢琴的音量用右脚踩右踏板，使压在琴弦上的止音器同时抬起来，引起全部琴弦的共鸣而增音。此外，踩下右踏板后，当手指离键时声音得以延续。若想减弱音量用左脚踩左踏版，使击弦的小槌靠近琴弦，缩短小槌的行程，从而减少小槌的敲击力。一般的立式钢琴才配有中央的踏板，这是为了在晚上练琴时不影响别人而采取的措施。把中央踏板踩下后向左边的缝隙移动即可让它长时间保持减弱音量的目的。中央踏板联动一个装有呢毡的木条，踩下踏板时木条下落挡住击弦的小槌不能直接击弦，而是击打在呢毡上，从而使钢琴音量大为减弱。

钢琴踏板的运用千变万化，一般要根据每一首曲子的风格和要求来运用。钢琴调音

钢琴上的琴弦长时间处于蹦紧的状态，由于小槌不断的击打琴弦，加上外界震动，钢琴机械构造本身的原因，以及气候、温度的变化影响都必然导致琴弦松懈，偏离标准的音律，这样我们弹上去就感觉声音不对，不如刚调好音律时好听。钢琴调律是一个非常专业的工作，不象小提琴和吉他那么容易。所以一定是请专业的钢琴调律师来解决。一般来说，半年左右的时间调一次钢琴比较适当。

钢琴的音越准，弹奏出来的旋律感觉越舒服、和谐，所以有条件的话应该保持音的准确。

钢琴保养

钢琴琴体和钢琴外部的保护

（1）避免阳光照射和靠近暖气、火炉，导致油漆与外壳变形；

（2）注意室内温度和湿度。温度过高或过低，太干燥或太潮湿都对钢琴部件和琴体不利。北方地区通常室内过于干燥，可以在钢琴下部体内放一碗水，任其挥发；

（3）擦拭钢琴表面要用软纱布轻轻擦拭，避免划伤油漆表面；

（4）弹钢琴的手指甲不要过长，以免损伤钢琴键盘（尤其是白键盘）；（5）钢琴有四支脚轮，经常点机油以免锈主；

钢琴内部的保护

（1）钢琴内部机械除琴弦、铁骨外，主要是木质和呢毡的组合体。因此要特别注意防虫蛀。每年放一些樟脑丸即可；

（2）每年打开钢琴琴盖的上门清理灰尘，避免产生蛀虫生长的条件

第二篇：钢琴基本功指法练习教学

钢琴基本功指法练习教学

手指基本功也就是手指触键的技巧。在钢琴教学中，手指基本功的训练是钢琴课中最根本、基础的课程也是最常用、多用的技术。手型、手指、力度及动作是否规范直接影响钢琴作品音色的好坏。手指基本功的训练必须做到独立、准确、灵敏、清晰、均匀(均匀地训练中拇指、四指和五指的训练是难点)这些基本的演奏要求。因此，加强学生手指基本功的训练，提高手指能力，打好基础，对学生更好地掌握钢琴演奏技术具有至关重要的意义。

一、手指软弱的问题

手指软弱存在于几个方面：第一，掌关节的支撑，掌关节是指手指与手掌相连接的部位。正确的手型是当手指毫不用力，呈弯度不大的天然弧度时的形状。天然弧度之所以重要，是因为唯有如此，各种重量、力量才能通过弧线直达指端，“进入”琴键。而弧线的任何改变，都会影响到重量的集中，分散力量的集中点。所以掌关节起着很重要的支撑作用。第二，手指第一，二关节的独立触键，第一、二关节无论承受多大的重力，都要保持天然弧线不变型，这样手指才能成为一个整体，掌关节发出的力量才能直达手指端，使力量集中。所以手指要主动，承担起触键的主要责任。

二、手指的独立训练

5个指头长短、粗细各有不同，四五指天生比较弱小，而大拇指往往在其他指头中力量最大，而它的弊端是不够灵活，所以造成了5个指头力度不均匀，手指的独立性差等问题。所以为了解决5个手指能弹均匀，我们可以做一些练习，让软弱的指头变得能和二三指一样有力量。

四指是这几个指头中独立性最差的一个，抬起时，抬不高；弹下时，没力量；支撑时，站不稳。要用多于其他手指数10倍乃至更多次数的单独训练。抬四指时，可以通过旁边的小指协助它抬高，但注意力一定要放在四指上。可以练习四五指单独抬指的反复训练，把重音放在四指上，做高抬指的训练。也可以做迫使四指单独行动的练习：5个手指弹下5个音，然后再一二三五指都保留在琴键上的情况下，单独练习四指的抬起，放下。但要注意速度，力度都不要勉强，一定要耐心地练习，手指能力的培养是通过持之以恒的锻炼得来的。

五指是这几个指头中力量最弱小的，训练时要特别注意支撑力。左手的小指往往担任弹奏最低音，右手小指往往弹奏最高音。这两个声部的线条，往往要加强。在弹奏强烈、响亮的和弦、八度和音时，小指能否牢靠坚实，常常起决定性的作用。所以，训练好小指的独立性和小指的力量有着特殊的重要性。不同人小指的长短、粗细及形状都有所不同，所以不能要求姿势完全一样。但可以通过以下几点来给小指加以训练：(1)小指先天不够灵活，需要它独立弹奏，做抬起、弹下的动作时，往往不够积极主动。这个动作常被手掌的翻动代替。在练习小指独立触键的灵活性时，注意手掌不要翻动，让小指从掌关节起自己动起来。(2)单独练习小指的支撑力，手型要舒展，四指不要仅靠它，手要基本放平，不要向小指一侧倾斜。(3)小指还容易整个儿直躺在键盘上。命令它起来点儿，保持自然的弧线，仅用指肚外侧一点与手指顶端交界处触键。(4)可以练习五四指独抬指的反复训练，重音放在五指上。

大指天生力量有余而灵活不足。要特别注意训练大指的独立和灵活。当大指抬起时，它自己常常是几乎没抬起，弹下时也几乎不是它自己弹的。这两个动作几乎是被大指一侧手掌的上下翻动给代劳了。训练大指时，注意让它自己抬起、弹下，手掌、手腕都不要帮忙。

练习基本功的本钱就是“时间”。许多钢琴家、作曲家写了多种多样的五指练习曲，训练五指在弹奏位置内的协调性。如哈农《钢琴练指法》教材中有五指的练习、音阶、左手练习曲等，虽然枯燥无味，却是提高技术不可缺少的捷径。还有车尔尼的练习曲也是为钢琴基本功而写的，从599到740有琶音、连奏、五指跑动、跳音、双音、和弦等针对性的练习。总而言之，提高手指基本功的唯一途径就是坚持不懈，要把手指基本功的训练当做每日必修之课，每天都要坚持练习，持之以恒，要养成慢练的好习惯，相信坚持下去一定能有所成效。

第三篇：钢琴基本功训练内容和方法

钢琴基本功训练内容和方法

钢琴演奏一直以来被公认为是一项高雅的艺术形式，在多元化艺术表达的今天，钢琴依然拥有着稳定的青睐者和追随者，在本文中，主要从基本功在钢琴演奏中的重要作用，钢琴基本功的主要内容，基本功练习的主要方法三个层面入手进行具体的阐述。

一、钢琴基本功训练的重要作用

世界著名的钢琴大师拉赫玛尼诺夫曾经指出，“一位优秀的钢琴家，必须具备快速、干净、灵活、清晰的基本技巧。”正如拉赫��尼诺夫所言，一位钢琴演奏者在演奏的过程中必须身心合一，身随心动，将心中所想通过手指表达出来。演奏者在演出时不仅要全身心的投入，必要的演出技巧也必不可少，而基本功则是技巧运用中重要的一环，只有技术过硬，才能在演奏作品时能准确的把握作品的节奏、速度、逻辑，并能将音乐的主旨清晰流畅的表达出来，并极富感染力。

二、钢琴基本功训练的主要内容

钢琴的演奏涉及到多个层面，钢琴的训练不可能一蹴而就，要从基础着手，从基本功开始：

（一）手指训练

钢琴演奏主要用到的身体部位就是手指，手指训练，更多的倾向于对手指机能的训练。在钢琴演奏过程中，最直接也最敏感部位就是手的十指，十指的协调、灵活使用是演奏好乐曲的关键，然而，由于手指机能不同，手的食指和中指相对于无名指和小拇指较为有力，而无名指和小拇指的独立性也较弱，对其他手指的依附性较强，在演奏时容易被牵动。

但在演奏过程中，每个手指都有其特殊的作用，为了使每个手指都能够平稳、独立、有力、协调的进行演奏，需要对它们进行训练，只有不断的训练和强化，才能使手指的灵活度加大，在演奏时更加得心应手。

（二）识谱训练

对一位想要学习钢琴的人来说，不会识谱无异于被判了“死刑”，但是识谱的训练，又不单单的是指单纯的对音符的识别能力，识谱能力的差异决定了演奏水平的差异，只有具备了较高的识谱能力，才能演奏出优美、高雅的乐曲，但是在现实生活中，一些初学者急于求成，只单纯的“认谱”而未“识谱”的前提下就盲目的弹奏曲目，这样弹奏的曲子毫无感染力，缺少韵味。

当然，在实际演奏过程中，要做到“眼观六路”，在每一个键位找准并弹奏的前提下，眼睛要迅速的转向下一个音，只有这样，在使识谱的速度加快的同时，流畅的演奏曲目。

（三）音乐听觉的训练

钢琴演奏最主要的就在于听，只有听到了才能感知和判断，对听觉的训练不仅仅是指对高低音的分辨，也不单纯的是对耳朵的训练，它指的是将杂乱无章的音乐表达整合成有规律的清晰的思维，所以说，对听觉的训练中还内含了对心理功能的训练。

因为不同的曲目根据演奏者不同所表达的情绪也不同，要迅速的从中进行分辨就需要对听觉进行训练，例如在欣赏著名音乐家巴赫的作品时，就要通过对不同声部的交叉进行仔细的辨别才能明白其中的主题。

三、钢琴基本功的训练方法

钢琴基本功训练要讲求方式方法，只有正确的方法才能保证训练的顺利进行，才能保证演奏曲目的质量。

（一）跳音弹奏方法

跳音，即顿音，跳音分为手腕跳音、手指跳音、手臂跳音。在钢琴演奏过程中，学生们为了使腕关节保持弹性及掌关节保持稳定，会让手指的重力紧贴着琴键，并将手连同着手腕向上弹起，很多学生在演奏中感觉弹奏跳音和打琴键十分相似，这是由于手指下键和离键的速度慢导致的。

手腕发力在跳音弹奏中是很必要的，手指下键后立刻离键，这种效果活泼、轻巧，使整个乐曲充满了活力，别有一番韵味。

（二）音阶琶音弹奏方法

在钢琴演奏过程中，音阶和琶音是经常运用的一种弹奏方法，在进行音阶和琶音的训练时要注意以下两个要领：一是要有正确的姿势，同时在弹奏时因为拇指较短，所以应该将它稍微的立起来，不能让它处于躺着的姿势，不然弹奏的过程中手腕就会高低不匀，从而影响了整个演奏的效果。二是要注意跨指和穿指弹奏时，手腕要平稳的移动，不要外抬，同时不要速度过快，尽量慢练，俗话说“慢工出细活”对音阶和琶音的训练亦然。

（三）八度和分解八度弹奏方法

在钢琴弹奏过程中，八度演奏方法要求手指有力而坚定，手腕处于放松状态，肘部富有弹性，与背部及大臂协调配合。在对八度演奏时，小指的训练非常重要，因为在手指中，小指对其他手指的依附性强、独立性差，但音乐中的某些声部则要小指负责，所以要加强对小指的训练。

在进行分解八度的训练中，可以尝试着从体会拇指到小指力量的变化着手，训练时将大拇指当琴键上，然后使大臂的力量下沉，跳的时候将手指抬起，跳到下一音的时候，力量落到小拇指上。

四、钢琴基本功训练中值得注意的问题探讨

钢琴训练是一个复杂的工程，涉及面广，任何一个问题的存在都将影响这个曲目演奏的效果及初学者对钢琴训练的领悟。

（一）钢琴训练中对声音的训练

对声音的训练，不单纯的是指演奏者对演奏技术掌控这么简单，每首曲目都包含了作曲者的心血和情感，演奏者只有能够真正的体会其中的深意，才能将曲目“完整”的演奏出来。当然，对于初学者来说，首先要加深对曲目本身的了解，同时要有丰富的想象力和判断力；其次，要运用娴熟的演奏技巧根据曲目所表达的内容的不同起承转合，阴阳顿挫，将曲目中所涵盖的深意和情感直白的呈现给听者。

（二）钢琴训练中对多声部的训练

在钢琴演奏中，对多声部的训练也是极其重要的。在对多声部进行训练时，因为每个声部都有其特定的作用和地位，所以要特别注意对各声部的把控力度，注意和旋的每个音节、旋律、伴奏都要清晰可闻，做到主次分明。

总之，在钢琴基本功训练过程中，除了要注重对钢琴演奏基本方法、演奏技巧特别注意外，更加值得注意的是要深刻的领悟曲目中所表达的深意，钢琴训练时一个漫长的过程，要养成一个良好的心态，不能急于求成，要循序渐进，只有将基本功打扎实了，才能在以后的演奏中得心应手，才能取得质的飞跃。

第四篇：钢琴学习

钢琴学习实际上是音乐学习的一种，音乐是更抽象的语言，语言应该首先用耳朵学，所以钢琴也是首先要用耳朵学，这就是“听音训练”必须先学的原因，就好像小孩能听懂父母说话了，才能容易学认字。

“打字快”跟“写好文章”是两码事，手指弹琴快跟学不学得好音乐也是两码事。很多琴童在学琴过程中，只用眼睛看和手指弹，耳朵没用上，所以学得难而无趣，甚至放弃

第五篇：钢琴学习

钢琴学习阶段

钢琴教学可分为启蒙，初级，中级和高级四个阶段，各阶段的学习内容通常包括基本练习，练习曲，复调，奏鸣曲和乐曲几大类。作为基础练习，目前仍然是车尔尼的作品最为系统，如《钢琴初步教程》599，《24首左手练习》718，《钢琴流畅练习曲》849，《钢琴快速练习曲》299，《钢琴练习曲50首》等。

车尔尼是19世纪上半叶维也纳钢琴演奏学派的代表人物，他所写的大量练习曲是针对古典作品演奏技术，即“古典技术”训练的，主要是手指的颗粒、均匀、快速，对左手的训练较为薄弱，因此期间必须增加各类作曲家的联系曲目作为补充。这些教材可以根据学生的实际情况，有针对性地选择，穿插进行，不能一味的依次一条条的弹下去。启蒙阶段

在目前较流行的儿童启蒙教材中大致可分为三种五线谱入门型，即高音谱表入门法，中央c入门法，多音入门法。传统的启蒙教材《拜尔钢琴基本教程》用的就是高音谱表入门法，目前在国内广泛应用的《汤普森浅易钢琴教程》1-5册用的是中央c入门法。初级阶段

一、钢琴教学初级阶段的练习曲

这个阶段的学习内容相当于从车尔尼的《钢琴初步教程》599到车尔尼的《钢琴流畅练习曲》849。

二、钢琴教学初级阶段的复调

复调作品的特点，是左右手不同声部、不同旋律同时进行，在节奏、力度、句法、旋律等方面既有内在的联系，又各自独立。对于训练大脑的多维思维，节奏感和左右手的独立性等都是很好的教材。中级阶段

钢琴教学的中级阶段是一个比较长的阶段，其中车尔尼《钢琴快速练习曲》作品299程度与车尔尼《钢琴练习曲50首》作品740程度可视为两个台阶。从车尔尼《钢琴流畅练习曲》作品849过渡到299，再从299进入740，中间必须穿插根中各样的练习曲目作为铺垫，特别是740，技术课题很多，无论难度、速度、都不是那么容易掌握的。（599、849、299、740）

这个阶段要进一步加强手指的独立性与灵活性，使手指能快速、均匀、有力地跑动；学习不同的触键，增强指尖的灵敏度，弹奏出不同层次的音色变化；进一步训练手指、手腕、手臂三者的相互配合，逐步掌握各种专门技术。随着技术的提高，曲目范围的扩大，要学习掌握不同时期作品的风格，重视音乐表达能力的培养，在演奏中恰当的运用这些技术来表现音乐。

一、钢琴教学中级阶段的练习曲

车尔尼《25首钢琴小手练习曲》748

二、钢琴教学中级阶段的复调

以巴赫的《创意曲集》为主，同时可以学习《法国组曲》以及部分《平均律钢琴曲集》作品。高级阶段

如果说钢琴的初级阶段我们侧重于手指技能的训练，学习和掌握各类基本弹奏技术，那么，随着学习的深入，程度的提高，更要注意培养对音乐的理解能力和表达能力。高级阶段的重点应当是在音乐的表现上，从乐曲中学技术，用技术表现音乐。

一、钢琴教学高级阶段的练习曲

1、肖邦《练习曲集》作品

10、作品25

2、李斯特音乐会练习曲两首之一《森林的呼啸》，之二《侏儒舞》，三首音乐会练习曲之3《叹息》等

3、李斯特《帕格尼尼练习曲》

二、钢琴教学高级阶段的复调

巴赫《英国组曲》

三、钢琴教学高级阶段的乐曲 到了这个阶段，应该说是可以自由驰骋在钢琴音乐的天地。钢琴音乐文库犹如浩瀚大海，取之不尽，用之不竭，掌握高级技巧后，学习的曲目就无限广阔。专家点评

以上的练习曲主线仍然是以车尔尼为主。要知道这是不得已而为之。因为，到目前为止，竟然还未出现过一位在整体上超过车尔尼的基础练习曲作者。

为了避免误解，有几点必须强调：

1、尽可能避免不必要的重复作功。即不必按部就班练习车尔尼的每一首练习曲。最好的办法是集中技术课题，提高训练质量，减少重复数量。宁可少些，但要好些。

2、重点练习曲要盯住不放，反复的练，甚至练上很长的时间。比如，299的第36首（综合），740的第三首（五指），第34首（双音），第49首（八度）等。个人可根据自己的弱点“保留”几首练习曲，不要随便扔掉。最好各种类型、左手右手都有

一、两首保留着，天天练习。

3、尽一切可能用第一流作品中的技术性片断代替车尔尼练习曲中的同类技术。例如，五指型的练习或音阶琶音一类的练习，可以从莫扎特和贝多芬奏鸣曲中抽出相应的片断，反复练习。有时只抽技术艰难的部分出来练先不练全曲。

4、多练巴赫。无论《帕蒂塔》、《托卡塔》、《英国组曲》、《法国组曲》、《平均律曲集》中许多序曲和某些赋格，都是第一流的手指技术练习，但它们又首先是技术珍品。宁可多花时间多练些巴赫，不要把车尔尼当做唯一的教材。

5、集中的手指练习必须天天练习。从初级的哈农、到中级的什密特手指练习，到高级的毕许纳、科尔托的手指练习，还有“霍洛维茨”练习，“拉哈马尼诺夫练习”等等，倘若每天都集中一段时间（比如一小时）练习，又可少练好多练习曲。集中的手指练习可以事半功倍。但它太机械，总是一个样式的在摸进，与实际在乐曲中的技术片断相差太远，也不一从中取得应变的经验。所以手指练习固然重要，但还不能完全代替练习曲。练习曲对提高技术再重要，也不能代替从第一流作曲家作品中抽出的片断进行练习。因为只有它们才真正是艺术与技术的最完美无缺的结合------既有技术又有难度，又有音乐内涵。对这些片断就不应该采取对付练习曲甚至手指练习的纯机械态度。因此，最好再进行技术训练时将三方面--------纯手指练习、练习曲、名曲中的困难片断------结合起来，同时进行练习，就一定能获得更佳的效果。

总之，不要把技术练习孤立起来。永远要把技术作为音乐表现的一种手段，而不是目的。

著名钢琴大师的语录

著名钢琴演奏家兼教师塞波克Gyorgy Sebok在教学中有不少妙语，对于音乐演奏，他说： “作曲家就是你的老板。”

“你不能现在演奏，过后才用脑子。” “演奏八度时，手指要站稳，手腕要灵活。”

“对一段音乐的理解可以有不同的尺度，比如说你经过一个国家，可以坐飞机，可以开车，也可以步行，这就不一样。” “对于作曲家，他说：

“舒曼的作品应该被演奏得更有意思。没人能像舒曼那样写作C大调，在我看来，C大调就像一道白光，就像是七彩阳光汇于一白。C大调对舒曼来说是一个神秘的调性。”

“巴赫从来不是烛火，他是熊熊的烈焰。要思考并练熟巴赫的对位，找到旋律之间的联系，看到音与音之间是如何互相呼应的。要是它们之间不是那么丝丝入扣，那你就可以自由一点。你也必须考虑这些音与音之间的呼应，不但要把主题，而且要把这个主题与别的音之间的呼应弹出来。”

“李斯特带来了新音乐，好象使乐器和人的身体都增加了新的官能。他说从肩膀开始指挥手指，我要更进一步说从整个身体开始指挥肩膀。李斯特的音乐语言不象贝多芬那样具有革命性，但却是新的语言。他不仅是个匈牙利人，更是个欧洲人、地球人，也许还接近于是一个意大利人。”

“在贝多芬的慢乐章里，我感到他在向上帝祷告，在巴赫那里我就没有这个感觉。要是你了解贝多芬，就会觉得他有悖人情。贝多芬是个好人，但却憎恨别人，这一点很重要，不然我们就要把他奏成怒声吼叫的贝多芬了。”

“肖邦是个喜欢在音符与音符之间飞来飞去的作曲家。

李云迪为什么选择汉诺威音乐学院？

（一）汉诺威音乐学院为什么这么牛？

刚来德国之初，我还不知道汉诺威有一所音乐学院的。后来2000年我在上海音乐学院拉小提的师妹告诉我，有一个世界级的每三年一届的小提比赛在汉诺威音乐学院举行，名字叫做Joseph Joachim，自始才知其名。再后来听说我国的钢琴王子李云迪来到汉诺威音乐学院深造，我很是不解，为什么李云迪会选择汉诺威？美国不是有什么朱丽叶、伯克利等音乐学院吗？不光是李云迪，李云迪的师姐陈萨也从英国皇家音乐学院转来汉诺威，在此深造的中国人还有15岁的钢琴天才沈文裕，台湾的钢琴神通严俊杰、陈淑伟等等。带此问题我问了我的台湾朋友。他告诉我，汉诺威音乐学院在欧美音乐界的知名度相当于哈佛大学在世界学林的地位，（为什么是哈佛，而不是牛津，因为在我心中牛津的厚度与严谨，不是哈佛所能比拟的，也许台湾人比较崇美的缘故吧），它的键盘专业在世界上可以说无人能出其右，钢琴专业里面有四五位世界著名的大师，譬如李云迪的老师Arie Vardi，沈文裕的老师Karl-Heinz Kämmerling（他是该校仅有的两个获得联邦德国总统勋章荣誉的教授之一，另一个是手风琴专业的Elsbeth Moser教授，是一个很疯狂的女人），严俊杰的老师Vladimir Kranjew 等等。其中多人还是世界著名钢琴大赛如老柴、拉赫马尼洛夫的评委会主席。汉诺威的手风琴、弦乐、管乐等都享有世界声誉。相对而言，它的戏剧类比如声乐、舞蹈等不是很出色。对了，我国上海音乐学院杨立青院长即是汉诺威音乐院的钢琴硕士兼作曲博士。

正因为汉诺威院大师林立，因此也是人才辈出。比如说，在今年的肖邦大赛中进入决赛的前六名中，来自汉诺威的就占了三个名额，其中第二名和第三名是一对韩国兄弟（现代企业总裁的儿子），第六名是来自香港的一个女孩子。再比如沈文裕参加的伊丽莎白大赛，前三名全被汉诺威音乐学院包揽。伊丽莎白国际钢琴比赛是世界上难度最大的钢琴比赛之一，因为它没有年龄限制，不安年龄分组，所有参赛的人一视同仁，第一名得主是汉诺威的钢琴教授，沈文裕第二，韩国人第三（我也不知是哥哥还是弟弟）。

汉诺威音乐学院不大，学生只有1000多人，如果联想到德国教育的体制，学生没有学习期限，五年以后还没有毕业的大有人在，所以安中国的规模来算，应该是一所人数不到1000人的学校。教授人数我不是很清楚。它不分什么键盘，弦乐等系，也没有什么国内所谓的二级学院，而是由大大小小近30个专业组成。其学位制度是这样的。学生初入校，三年后参加一次结业考试，同时交一篇50页左右的论文，然后会拿到一个Diplom(MA)的学位。MA即德语中的Musik Erziehung，翻译成中文应该叫音乐教育。如果想继续读的话（前提是你须有一定的音乐天赋），那就必须再通过一个考试，1-2年后拿到一个Diplom(KA)的学位。KA(Kuenstlich Ausbildung)的意思是艺术训练（深造）。对于舞台表演专业来说比如所有器乐，其最高的头衔是Diplom(Solo)，即演奏家头衔。在中文里Diplom都翻译成硕士，其实是不对的。安我的理解应该认证成“相当于学士、硕士、博士”。该院还设有我们平时所谓的少年班，招手的全是如沈文裕一般的音乐天才。

德国共有大大小小20多音乐学院（包括私立），比较著名的还有柏林艺术大学，慕尼黑音乐学院和科隆音乐学院。其中科隆的弦乐也是世界闻名。德国音乐学院也是良莠不齐，有好有差。比如不来梅音乐艺术学院（Bremen）和陶辛根（Trossingen）等。其中的不来梅被台湾人称为垃圾收容所，差不多一半是亚洲人，其中以韩国学生居多，近年来中国人也不少。他们大都是在考别的音乐学院碰壁后才转读不来梅的。

（二）汉诺威音乐学院的教授们

汉诺威音乐学院的教授，除了经常聆听他们的音乐会外，我几乎没有什么接触。这里我只能将从朋友那里听来的说给大家听听。

和德国所有大学一样，汉诺威音乐学院没有国内所谓的学报。因此根本看不到他们每年会后多少丰硕的“科研成果”。后来才知道，这里的教授分4个等级，由州文化部门评聘，享受公务员待遇，都是终身制。教理论的教授我不甚清楚，器乐教授个个都是著名的音乐演奏家，每年在世界各地都有数不清的音乐会，每年都会有自己的唱片发行。在汉诺威音乐学院几乎每天都有规模大小不一的音乐会，有学生的，也有教授的，也有学生和教授同台演出的。如逢重要的主题音乐会（譬如音乐会上演的全是莫扎特的作品，其主题就是莫扎特），一般都有教授的表演。说起来很有趣。在音乐会中场休息或终场结束后，参演的教授会很认真的在礼堂的休息厅摆摊儿，出售自己的唱片。有意思的是，音乐会的观众，其主要群体竟不是本校的学生，而以社会上的老头儿老太太居多。其中有相当一部分人是风雨无阻、雷打不动的忠实古典老粉丝。在德国，你会惊讶于普通观众对古典音乐的鉴赏能力。即使是最普通的午间音乐会（Mittagkonzert），那些老人们也是个个穿的非常正式。什么时候该鼓掌，再鼓掌，拿捏得非常到位。如果遇到高水准的演出，那些演奏家们非谢四五次幕而不休，这种情况下，往往会再给观众们加演一曲。一般情况下，午间音乐会是免费的，而晚间音乐会象征性的收一点儿，最多一张票5欧元，大多情况2欧元。除了非常隆重的音乐盛典，这些音乐会对汉诺威音乐学院本校的学生是免费开放的，学生可以凭学生证去售票处领取，每证一张，领后签字。我在汉诺威六年，一共遇到3次盛大的音乐会，其中两次是该院每两年一度的音乐节，一般持续两天。每天从上午到深夜，是不间断的各类音乐会。期间德国各界名流云集，原来那些都是汉诺威音乐学院的常年捐赠人。因此其艺术节可以看作汉诺威音乐学院对捐助人，对社会的回报演出。这时候，每场音乐会都要卖门票的。学院的教授们也都会在台上给大家露一手。还有一次发生在今年初夏。该院为庆祝手风琴教授Moser（就是我上文提到的那个得过联邦总统功勋奖章的女教授）三十教龄，举行盛大庆典。一时间，真是所谓群贤毕至,少长咸集，来自世界各地的大家大师云集该校，极一时之盛。有学生戏称，像是古典音乐的奥斯卡颁奖典礼。那晚的音乐会可是一票难求。我的台湾朋友和我懊悔不已，因为我们都没想到，那个疯婆子Moser会有那么大的国际影响。

其实每每看到那些或风华正茂，或两鬓斑白的教授们在台上全身投入到音乐中去的时候，我的心中便悠然而生一股敬意。除了他们精湛的演技，更令人佩服的是他们高尚的情*和敬业精神。一般情况下他们都没有自己的私人学生。极个别的情况，例如有准备报考汉诺威音乐学院的学生慕其名而来，他觉得你现在的水平还不能通过该校的入学考试，在学生的请求下，会进行一段时间的个人辅导。不同的教授收费标准也不一样，平均而言每小时会有100欧元左右的样子。听说，即使是汉诺威的助教，其收费也比不来梅音乐院的教授要高。在入学考试的时候，即使是校内教授的私塾弟子，也没有半点儿通融之处。在你考试没有通过的情况下，教授如果觉得你有潜力可挖，来年可以考上的话，他甚至会免费再给你上一年的课。在这里你会真正的体会到他们的无私与热情。我认识的一位弹钢琴的中国女孩儿，在国内慕汉诺威音乐学院的大名，一心想考汉诺威院。苦的是她并不认识该校的任何教授，也没有熟悉的中国人可以咨询。最后她在汉诺威音乐学院网页的教授名录中随便选中了一位，并从中国大陆给他发了一封邮件。这位教授很是友好得给她回了信，耐心得向她介绍了报考的条件及申请的程序。就在她初来乍到德国的第一天，让这位女孩儿不敢相信的是，那位老教授竟然开着车亲自去机场接的她！然后又无偿给她辅导了一年多的课，最后这位女孩儿终于如愿以偿的考入了汉诺威音乐学院。我想，这些大牌教授的境界和国内那批人是不可同日而语的。

正因为这些教授既是教育家，又是演奏家，除了给学生，举行大师班，还有很多的演出任务，平时里他们十分繁忙。即使是这样，他们也是每日练琴不辍。我听说那位疯婆子Moser每日必须坚持练琴不少于4个小时，每晚都是练到深夜方休。对他们而言，看电视是一种无聊的消遣，逛街是一种奢侈的休闲。因为他们深信，一日不练琴，就会被别人抛下，即使是一支演奏过几百遍的巴赫的Invention，每次复习都会有不同的理解和体会。正因为这样他们才可以保证自己时时保持很好的演奏状态。暂不说国内音乐院校教授的技艺好坏，我不知道全中国的音乐教师还有几个人还在练琴，更不必说能有几个人可以随时上台的。说句大实话，国内排名前五位音乐学院绝大多数的教授，在汉诺威音乐学院连当助教的资格都没有。中国所谓的音乐人每天练的唱的都是名与利，钱和权！这真是国人的悲哀！

（三）德国音乐学院VS美国音乐学院

当我还在国内的时候，听到最多的是美国的朱丽亚、科蒂斯、柏克利等音乐学院的大名，或者是俄国的莫斯科、圣彼得堡。德国学派在国内叫得不是很响亮。只有到了欧洲，才知道，德国学派（或欧洲学派）与俄国学派才是音乐界公认的两大学派，而根本不存在什么美国学派。诚然，许多活跃于世界舞台的著名演奏家来自美国，但大都是在欧洲（俄国也属于欧洲范畴）成名，后到美国发展的。美国作为世界上最发达的工业国，也为演奏家们提供了更多的舞台及商业机会。欧美音乐界称之为“欧洲生产，美国包装”现象（其实，近几年亚洲也为世界古典乐坛展开了输出活动）。

美国的音乐音乐高等教育和德国的迥然不同。就器乐演奏而言，从某种意义上说，美国更偏重理论，而德国更推崇演奏技术。这点台湾人最明白。因为历史上台湾和美国的特殊关系，大部分台湾音乐人才都是美国造。个个都具有PH.D学位头衔。而在德国，正如前文所述，对于表演艺术，其最高学位是Diplom(Solo)，即所谓演奏家头衔。而这个Diplom，我们通常都翻译成硕士的。台湾也是这样。因为台湾没有和德国签署相互承认彼此学历的文化协议，Diplom(Solo)在台湾仅被当作硕士对待。而且台湾仅承认德国四所音乐学院德毕业文凭，即：前文提到的柏林艺大，汉诺威、科隆以及慕尼黑音乐学院。因此好多台湾学生在德国拿到学位后，辗转赴美，再去美国搞一个PH.D!

通常而言，对汉诺威音乐学院学习器乐表演的学生而言，只有在通过最初的Diplom(ME)学位时，才会写一篇几十页的论文。此后，无论是Diplom(KA)，还是最终的Diplom(Solo)，都无须再写什么文章了。但是其毕业考试相当难。例如，KA考试，除了要有一个小时的Kammermusik（室内乐）外，还要举行一个近一个半小时的个人独奏音乐会。对于Solo而言，就更难了。要有不低于三场的和大型乐队合作的演出，外加一场个人独奏音乐会。因此读Solo一读读上四五年是很平常的事。因为和大型乐队的合作是需要机会的。相对而言，在美国，无论是什么专业，最后都要有Paper的，当然，最后得到的也是博士学位。

有一个小故事或许很能说明汉诺威音乐学院和朱丽亚音乐学院入学考试门槛儿的高低。前几年（大约是2003年），有一个来自美国朱丽亚音乐学院二年级的钢琴考生来报考汉诺威音乐院。此人系德国人，而且还是汉诺威人，最终却是名落孙山。这是前文提到的那位好运的中国女孩儿告诉我的。

（四）汉诺威音乐学院的中国“大腕儿们”

现在在汉诺威音乐学院就读的中国学生有十几个人了（不含台湾、香港），主要分布在钢琴和手风琴两个专业。其他的专业弦乐有一两个，声乐一两个，作曲一两个。其中的名人主要来自钢琴专业，比如有前文提到的肖邦大赛金奖得主李云迪，拉赫马尼洛夫第一名沈文裕，范.克莱本国际钢琴比赛第三名陈萨（也是肖邦第四）。还有一个据说在国内，特别是在北京颇有名气的王啸寒，听说也得过几个不痛不痒的钢琴比赛的名次，此人家里衬点儿小钱，整天开着一大奔上学校，属于自我感觉良好型，其实，在汉诺威音乐院，此等人物尚难入流。另一个更可笑，叫做张海鸥，是中央音乐学院周广仁的弟子，在乌克兰霍洛维兹国际钢琴比赛中得过第二名（也是一个轻量级的比赛），从此自己感觉也是个腕儿了，大冬天的也戴着他那副价格不菲的墨镜，搞得自己像个暴发户似的，说多土有多土。最可笑的是他的一张演出海报，当然也是那幅墨镜行头，如果不仔细看说明，我以为还是给哪个眼镜牌子作广告的。那才叫做一个恶心！

现在国内音乐界上空漂浮着一股很浮夸的风气。如果你稍微有一点名气，在国际比赛中得到个名次，国内的媒体就会马上给你带上“钢琴神童”、“音乐天才”的光环，甚至“大师”的皇冠。好象突然之间，中国成了古典音乐的摇篮。我认为，这种风气要不得。如果纯粹的按照天才的概念来说的话，也许只有沈文裕才可以称之为真正的天才。到了德国你会发现，在欧洲，象李云迪式的“天才”大有人在。而且有一点我感触非常深。那就是中国的“天才”和“神童”都是在父母老师的严厉督促下，甚至棍棒的威吓下培养起来的。郎朗是这样，李云迪亦然。当然不能否认，他们是具有非一般人可比的悟性和天赋。在欧洲，在德国，按照他们的伦理和教育方式，这样的天才也许最终会沦落成一个普通人。因为，欧洲人追求的是一种和谐教育，父母和孩子是一种朋友关系。一个五六岁的孩子，如果爸爸威胁他，不好好练琴就把他锁在屋里的话（离屁股吃亏的地步还远着呢），他立马儿就会拿起电话报警。几年前李云迪的妈妈来德国时，还会拿一板凳坐在门口监督儿子在家练琴，而郎朗的父亲更是夸张，竟然连跳楼自杀以死相逼的法儿都想的出。因此，同样被誉为钢琴神通，俄罗斯的基森（Evgeny Kissin）的成长之路就和郎朗他们不同。其最终的成就也远远高于郎朗。

说实话，我非常不喜欢郎朗的演奏，更不喜欢他的虚伪和做作。看他演奏我就来气，就像屁股上长了个超级大痔疮。纽约时报的音评家评论他今年与纽约爱乐乐团在林肯中心的演出时说，没有多大进步，还是延续了他一贯的表现主义风格。他的最大能耐在于，总是能恰到好处的发现镜头在哪。他们父子深谙工业社会表演艺术与现代媒体的关系，因此作秀本事天下第一。去年郎朗来德国的Braunschweig演出，许多中国学生慕名而去，演出结束后，有几个中国学生来到后台，向他提出合影的要求，没想到被郎朗一口回绝，答曰：必须经过他的经纪人同意。这一点李云迪就比郎朗强的多。在汉诺威，无论何人何时，无论照片还是签字，李云迪总是有求必应，没有一点儿架子。只要有机会，郎朗就不会放过作秀的机会。还是远在2001年的时候，郎朗刚到美国之初，在一次接受华语记者的采访中，手里就拿着一本莎士比亚原著，还大言不惭得海吹，他只读沙翁原著，因为只有读原著才能真正领会到沙翁的伟大和深刻。那是我来德国第一次看郎朗的访谈。从此我对其印象急转直下。我台湾的朋友给我说了一个有关朗父的故事更是令人喷饭。好多初到美国的台湾学音乐的学生，听说朗父开了个考前辅导班，于是慕名而至。上了第一堂课后便大呼上当，原来，朗父是在给大家演示如何在台上做那些故作陶醉状得张牙舞爪的动作，以便吸引评委眼球。我考！真所谓一人得道，鸡犬升天！儿子是钢琴演奏家，父亲也便成了钢琴教育家！

平心而论，郎朗得演奏技巧还是不错的，也有很强的音乐表现力。但是我认为他的演奏并不象人们对其评价的那么高。所谓名不副实。前年在奥地利的一个音乐节上，我有机会看到郎朗和诸如阿格里奇（Argerich）、基森（Kissin）等许多大师的同台演出，郎朗的演奏在八个人当中是最“出采”的，全场的观众都被他的摇头晃脑症给晃晕了。有一段他和基森的双钢琴，作为当代两个最有名的钢琴神通，在台上，高下立分。基森演奏得含蓄深沉，意味深长，而郎朗我只记住了他的动作。其实郎朗的成名只能说是运气好。一个小柴比赛的第一名其分量比之老柴、肖邦等大赛的第一名差的远了。当初如果不是安德列．瓦茨突然生病，郎朗临时顶替他登场，也许今天就不会有郎朗的盛名。

李云迪作为郎朗之后我国的有一个在欧美舞台崭露头角的青年演奏家，在很多方面还显得很稚嫩。我想如果他有一个朗父似的监督人，那么他的进步会更快些。在汉诺威，他慢慢的被一些留学垃圾给带坏了。一心只想着如何多开音乐会，而没有去思考怎样趁青春年少去多加积累，增加沉淀。到德国三四年，还不能用德语进行日常对话。平时上课和Vardi交流，都是用他那半生不熟的英语。最近他又发奇想，想向大提演奏家马友友看齐，要申请去读美国哈佛大学的人类学。但是哈佛大学提出的条件是，每年至少要有6-8个月的时间在哈佛读书，而不能仅挂一名，只想走穴。哈佛从来就不缺什么名人，多你一个李云迪少你一个李云迪，对于哈佛来说无关紧要。这位李云迪想想不合算，因为他实在没有能读出学位的把握，最终放弃。他只想学马友友的皮，而不去学马友友的肉。通过这些事我想，无论是郎朗还是李云迪，最终都成为不了马友友那样的大师。

最后再简要的说说沈文裕。沈自12岁即赴笈德国，在汉诺威学习生活了也有四年的时光吧。最近听说他和他的老师Kemmerling闹矛盾，回国了。在国内的采访中，沈文裕信口开河，扬言要拯救什么古典音乐。我听了真为他感到悲哀。在欧洲，古典音乐一直没有死，而且一直很受欧洲人的喜爱，古典音乐演奏家是一种极受人们尊敬的职业，一场古典音乐的名家演奏会的门票卖的比流行歌星演唱会的门票贵多了，谈何拯救？我劝他，先想想去如何拯救自己吧。浪费了一个真正的天才那才是可惜。而且沈文裕还说，他的老师总是想赚他便宜。我就更不明白了。Kemmerling是欧洲钢琴界的大师级人物，说名，名声比你沈文裕高出何止百倍；谈利，一个七十岁的老头子，功已成，名已就，即使现在不能登台了，但是其财产也不是你沈文裕所能比拟的。那他到底要贪你那方面的便宜呢？更离谱的是，他说老师威胁他离开德国就不发给他毕业文凭。你以为德国的毕业文凭也和中国国内那样容易得到的吗？没有学完所需课程就可以随便拿到毕业证，在德国，那是不可能的事。更何况，说不定那是Kemmerling的一片苦心呢，因为我想他也舍不得让一个音乐天才就这样沦落的。也许，一个15岁的孩子还不能完全体会一个人的良苦用心吧。希望他的父母会替他多想一想。否则，又是一出伤仲永的悲剧。中国的新闻媒体，你就少跟着瞎掺和吧！