大学选修课美术鉴赏文关于梵高

第一篇：大学选修课美术鉴赏文关于梵高

美术鉴赏论文

学院 年纪 姓名

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摘要：美术鉴赏课将我带到了一个全新的世界，带到了一个我以前从未涉足过的领域，带到了艺术的殿堂，我可以说出那些美丽的作品的故事，它让我发现原来世界是这么美，原来一个人的思想可以这样表达，原来先代们是那么的智慧。

美术鉴赏是运用感知、经验对美术作品进行感受、体验、联想、分析和判断，获得审美享受，并理解美术作品与美术现象的活动。美术鉴赏活动能帮助我们在欣赏、鉴别与评价美术作品的过程中，逐步提高审美能力，形成热爱本民族文化、尊重世界多元文化的情感和态度。

关键词：绘画、梵高、中国建筑、鉴赏

一、对绘画的鉴赏

绘画是造型艺术中最主要的一种艺术形式。它是指运用线条、色彩和形体等艺术语言，通过造型、设色和构图等艺术手段，在二维空间(即平面)里塑造出静态的视觉形象，以表达作者审美感受的艺术形式。

荷兰画家梵高，后期印象画派代表人物，是19世纪人类最杰出的艺术家之一。他热爱生活，但在生活中屡遭挫折，艰辛倍尝。他献身艺术，大胆创新，在广泛学习前辈画家伦勃朗等人的基础上，吸收印象派画家在色彩方面的经验，并受到东方艺术，特别是日本版画的影响，形成了自己独特的艺术风格，创作出许多洋溢着生活激情、富于人道主义精神的作品，表现了他心中的苦闷、哀伤、同情和希望，至今饮誉世界。

梵高生性善良，同情穷人，早年为了“抚慰世上一切不幸的人”，他曾自费到一个矿区里去当过教士，跟矿工一样吃最差的伙食，一起睡在地板上。矿坑爆炸时，他曾冒死救出一个重伤的矿工。他的这种过分认真的牺牲精神引起了教会的不安，终于把他撤了职。这样，他才又回到绘画事业上来，受到他的表兄以及当时荷兰一些画家短时间的指导，并与巴黎新起的画家（包括印象派画家）建立了友谊。

梵高全部杰出的、富有独创性的作品，都是在他生命最后的六年中完成的。他最初的作品，情调常是低沉的，可是后来，他大量的作品即一变低沉而为响亮和明朗，好象要用欢快的歌声来慰藉人世的苦难，以表达他强烈的理想和希望。一位英国评论家说：“他用全部精力追求了一件世界上最简单、最普通的东西，这就是太阳。”他的画面上不单充满了阳光下的鲜艳色彩，而且不止一次地下面去描绘令人逼视的太阳本身，并且多次描绘向日葵。为了纪念他去世的表兄莫夫，他画了一幅阳光下《盛开的桃花》，并题写诗句说：“只要活人还活着，死去的人总还是活着。”在历史的角度来讲，梵高的确是非常超前的画家。

他作品中所包含着深刻的悲剧意识,其强烈的个性和在形式上的独特追求,远远走在时代的前面,的确难以被当时的人们所接受。他以环境来抓住对象,他重新改变现实，以达到实实在在的真实，促成了表现主义的诞生。在人们对他的误解最深的时候，正是他对自己的创作最有信心的时候。因此才留下了永远的艺术著作。他直接影响了法国的野兽主义,德国的表现主义,以至于20世纪初出现的抒情抽象肖像。

提起梵高的经典作品，人们第一个想到的往往是《向日葵》。它是梵高在阳光明媚灿烂的法国南部所作的，现藏于伦敦国家画廊。画面上那种仿佛是从作者内心里流淌出来的金黄色肆意渲染，单纯的陶罐花瓶，粗糙的台布，层层叠叠的阳光交织成的背景，在台布上泛动着光晕；充满朝气的9朵向日葵正值盛开时节，花盘未尽显露出来，甚至带着娇嫩的绿色，而另外几朵向日葵则是苍老的、成熟甚至是行将颓败的，花瓣残缺不齐，枝桠僵硬并扭曲倾斜。这似乎暗示着某种宿命，虽然在强烈阳光的沐浴底下，向日葵还是逃脱不了苍老颓败的结局，仿佛一切都那么短暂地辉煌，世间万物都不可能像太阳一样永恒放光，短暂似乎是一切万物的宿命。然而，梵高将阳光的金黄色强加给了所有的背景物，空气、花瓶和台布等等。当他一笔笔仔细地完成从调色板到画布的颜料转移时，他应该看到，整个画室里已经被那种耀眼的金黄色所照亮了，包括他的脸，他那严肃的表情，他的精神世界。在梵高的笔下，那一团团如火焰般的向日葵，不仅仅是植物，而是带有原始冲动和热情的生命体，他们更狂放地表现出画家对生活的热烈渴望与顽强追求，宣泄着画家对生命的尽情体验与永久激动。

梵高的艺术是伟大的然而在他生前并未得到社会的承认。他作品中所包含着深刻的悲剧意识其强烈的个性和在形式上的独特追求远远走在代的前面的确难以被当时的人们所接受。他以环境来抓住对象他重新改变现实，以达到实实在在的真实，促成了表现主义的诞生,在人们对他的误解最深的时候，正是他对自己的创作最有信心的时候。因此才留下了永远的艺术著作。他直接影响了法国的野兽主义德国的表现主义以至于20世纪初出现的抒情抽象肖像。《向日葵》就是在阳光明媚灿烂的法国南部所作的。画家像闪烁着熊熊的火焰满怀炽热的激情令运动感的仿佛旋转不停的笔触是那样粗厚有力色彩的对比也是单纯强烈的。然而在这种粗厚和单纯中却又充满了智慧和灵气。观者在观看此画时无不为那激动人心的画面效果而感应心灵为之震颤激情也喷薄而出无不跃跃欲试共同融入到凡高丰富的主观感情中去。

梵高的另一幅代表作品《星夜》，画于1890年6月，现藏于纽约现代美术馆。《星夜》呈现两种线条风格，一是弯曲的长线，一是破碎的短线。二者交互运用，使画面呈现出眩目的奇幻景象。这显然已经脱离现实，纯为梵高自己的想象。在构图上，骚动的天空与平静的村落形成对比。柏树则与横向的山脉、天空达成视觉上的平衡。暗黑的龙柏树巫一样飘舞着，涡旋般的星云、旋转的大小星体、甚至是新月都在快速旋转中。那种狞厉的流纹仿佛是宿命的流向，一切都是动荡不安的，摇摇欲坠的。而教堂的尖顶显得那么渺茫无助，它的尖顶几乎被夜空的涡漩所淹没。梵高的世界其实就是如此脆弱无助，而他陷入了一个无法摆脱的涡漩中。全画的色调呈蓝绿色，画家用充满运动感的、连续不断的、波浪般急速流动的笔触表现星云和树木；在他的笔下，星云和树木象一团正在炽热燃烧的火球，正在奋发向上，具有极强的表现力，给人留下深刻的印象。

梵高曾在给弟弟迪奥的信中写道“凝望着璀璨的星空，我总是不由得浮想联翩„„我不禁问自己，为什么夜空中闪烁的亮点不能像法国地图上的黑色标志那样容易到达呢？我们只需坐上火车就可以到达特鲁斯肯或卢昂，而到达星星那里却要经历一次死亡之旅”。梵高所描绘的那些搅动着的漩涡似的星辰，在我们看来也许只是新奇创意的景色，但事实上那是作者心中的暗涌，以及对死亡的诠释。或许对于梵高来说，死亡并不是灾祸，而是通向天堂的隧道，是种精神的解脱。

梵高的最后一幅油画是《麦田群鸦》，这是他生命中最后一幅逼真而可怕的写照，也是他留给世人一份刺目的图像的遗书。那是一个令人不安的画面：一块被三条岔道切割成两等分的麦田，最左边的道路几乎呈现出一种边界的状态，中间一条道路以令人无限遐想的S形向远方延伸，道路的尽头全是一片迷茫与阴森，道路旁边是充满敬意的绿草，另一条道路向右边遽然偏离并消失。它仿佛一个举着双臂的人，平躺着，双肩上举着丰收的麦田。那种令人激动并慰藉的金黄色，仿佛太阳照耀的圣域，它点燃了一个人的内心的喜悦。而却在此时，天空令人不安地被乌云遮住了，准确地说，那是一群会飞动的阴影，它是一群乌鸦，纯黑色的乌鸦以及远处天空中出现的阴霾仿佛是女巫的黑色大氅一样遮住越来越少的阳光和麦田的光芒。它是一种矛盾的心情，是一种内心深处隐约的恐惧。这就是濒临死亡之前的梵高的世界，他眼里的世界分为两种颜色，一种是令人激动的金黄色，它是属于他那执著的精神的阳光色彩，另一种是令他恐惧的阴影和失望，他对那个世界失去了最后的信心，他的心情因此被切割瓦解，一块麦田因此陷落，一片阳光因此而支离破碎。

梵高以自己的生命为赌注作画，像荆棘鸟般用灵魂与鲜血谱写生命的最后华章。在这幅绝笔画中表达出梵高的“悲伤与极度的寂寞”，他的结局似乎早就注定了。于是在奥维尔，七月灿烂的夏天，他朝自己的胸膛扣动了扳机，倒下的一刹那他的灵魂归于永恒的金黄色大地，这位癫狂的天才画家终于得到了解脱。梵高一生坎坷，尤其是在生命的。

最后几年，他的精神世界已经完全破碎。一如大海，风暴时起，颠簸倾覆，没有多少平稳的陆地了。然而与之相对的，却是他对艺术的爱。在面对不可遏止的疾病的焦灼中，他说：“绘画到底有没有美，有没有用处，这实在令人怀疑。但是怎么办呢?有些人即使精神失常了，却仍然热爱着自然与生活，因为他是画家!”“面对一种把我毁掉的、使我害怕的病。我的信仰仍然不会动摇!”然而就是这样一个对绘画有着偏执信仰的“疯子”，用其短暂的一生向我们描绘了他对生命的热爱与追求，诉说着他的激情与理想，给我们的生活增添了永恒的色彩。

第二篇：少儿美术鉴赏—梵高

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www.xiexiebang.com 少儿美术鉴赏——梵高

法国印象主义绘画是19世纪中叶继现实主义美术运动之后出现的一个新的美术运动。一批青年画家探索色彩光线、描绘瞬间印象，突破传统绘画模式和色彩观念，建立一套新的色彩观和绘画表现手法，并引发出新印象主义、后印象主义等艺术流派。安格尔、库尔贝等人将素描关系的油画发展到了难以超越的高峰，于是印象主义画家在色彩方面寻求突破，而后印象主义反对片面追求客观表现外光和色彩。他们强调主观的再创造，表达自己的艺术追求以及情感和个性。后印象主义画家凡·高非常注重色彩的运用，他说：“为了更真实地表达我见到的东西，我更自由地运用色彩，使其更具表现力”，“今天我们要求的，是一种在色彩上特别有生气，特别强烈和紧张的艺术”。

凡·高（Vincent van Gogh,1853—1890），荷兰画家，主要活跃于法国，是后印象派的典型代表，是一个对生活与艺术同样充满炽烈感情的画家。他以高昂激烈的心情表达了对人生的思考，表现了强烈的个性气质。他不满足只要轻松愉快的题材，也不投入那些缺乏内容和情绪的纯色彩性的创作。

后印象主义画家凡·高非常注重色彩的运用，是一个对生活与艺术同样充满炽烈感情的画家，反对缺乏内容和情绪的纯色彩性的创作，用色彩和形体传达自己对事物的感受。热情奔放的主色调黄色和他那近似疯狂的个性形成共鸣，唯有黄色才能得到充分的情感宣泄，以绚烂的色彩、奔放的笔触表达狂热的感情是凡·高艺术的特色。

1888年，凡·高开始以色彩为基础表达强烈的感情。他只活了37岁，绘画的历史不到10年，却奉献给人类近2000幅作品。凡·高把生命的最重要时期贡献给了艺术。他早期的画作喜欢用荷兰传统绘画的褐色调，但他天性中火一般的热情使他抛弃荷兰画派的暗淡和沉寂，并迅速远离印象派——印象派对外部世界瞬间真实性的追求和他充满主体意识的精神状态相去甚远。他不是以线条而是以环境来抓住对象；他重新改变现实，以达到实实在在的真实，促成了表现主义的诞生。我们从他的作品中见到的，是一个浸透了激情的色彩绚烂的世界。他的绘画观念在于不是构图而是色彩，火焰般的笔触下出现的向日葵，好似射出光芒。他的调色板实际是太阳的光调；他把自己的一生融化在对太阳的热烈追求之中。他画笔下的树木仿佛在萌发100棵树苗，他的神经在激荡，热血在沸腾，色彩在极度地鲜艳；甚至还用血红的色彩，来点染阿尔勒的强光烈日。他的画笔下流泻出来的黄色，是那样的艳丽多姿、感人心魄；从他最喜欢的题材——向日葵中，我们感受到一个追求真理、渴望生活的痛苦灵魂。作品中，经常使用鲜明的色彩短线及色彩组合，来构造热烈奔放的色调。色感的支配，使他把碧绿与红黄调在一起，将紫色与橙黄调在一起。他决意把刮风的天空、颤震的阴影、灼烈的阳光，统统通过色彩浸透在画布上。他激动地画出血红色和深黄色的酒吧间，中间的台球是绿色的，柠檬色的四盏灯喷射绿色的光芒。

梵高是19世纪最著名的艺术家之一，他的很多作品都变现内心状态及感情色彩，为了表现真实而又疯狂的情感，梵高喜欢改变所描绘物象的真实色彩、透视、形体和比例，从而达到不一样的艺术效果。在这幅《星空》中，可以看到梵高用笔的笔触，相当的有力，并且整个用笔很粗犷，因而这使画面显得张力十足，同时可以看到梵高内心的纠结与疯狂。但是我们也无法忽视梵高混乱中带着理性的思维过人之处。记得关于梵高的一句话：灿烂到极致不是黯淡就是死亡，所以在之后的日子里，梵高的绘画生涯与这句话也是如出一辙，梵高也只能，毁灭了自 武汉三度画室美术培训十年小班教学 www.xiexiebang.com

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梵高采用他一贯的油画作画方式，颜色搭配也是独树一帜，艳丽而诡异。这幅画的基调以蓝黑为主，凸显出画内的压抑，同时也映衬了画家的蓝色时光。冷调夜幕笼罩下的小村庄，虽然一副静谧的模样，但天空中呈现的漩涡状气流让人有一种沉默即将爆发前的那种压抑与可怕的寂静。各种颜料混合着翻腾，内心纠结的情感也在跳跃不止，寻找出口。画面的星空，梵高运用大量的明黄色来凸显星星，远处的，眼前的，都充满了动感，但却那么的遥不可及。

其实喜欢梵高的画，还在于他色彩的大胆表现。各种不同程度的珞黄，都给人一种很跳跃的感觉。而宁静的普兰，则赋予画面夜晚的宁静。在这张《星空》中，颜色有明快，有阴郁，放荡中带着宁静，而这样的村庄这样的夜晚，不仅代表的他此时的狂躁，和他内心深处长期压抑扭曲的心理，但是明黄色的大片繁星也正是衬托出画家心里的那一点希冀与梦想，同时也感觉得到梵高对生活的热爱，对大自然的热爱。明明灭灭的色块，将现实与梦想的冲突表现得恰如其分。既有希望，又有绝望，矛盾冲突将他心中的纠结跃然纸上。

梵高是一个喜欢将感情绘于纸面的画家，因为这一生中的贫困交加，画作无人问津，才华不得被人欣赏，他通常也表现的很狂躁，很愤怒，很激烈，所以，很多人称他为疯子。但这张《星空》中，可以很清晰的看到梵高混乱不羁的心绪下，其实也有很强很强的逻辑思维能力。夜空的星星大小的对比，颜色深浅的处理，既有点，又有面，位置安排合理得当。同时，画面线条感很强，有曲有直，使画面具有动感，同时也不失稳定。这幅画的天空呈旋涡状，貌似有很多气流，再加上图画颜色的基调，就给人一种扭曲痛苦、冷漠的感觉，就好像得伤寒病病人的脸。当然，这可能与梵高的生平现实与遭遇有关。这幅画有凌乱也有统一，布满夜空的星星像一条奔腾的巨龙般环绕，树木房屋重重叠叠，起伏的山峦色彩透视感很强，虽然梵高将部分空气透视反常化，但这并无道理，这样整体的把握更加新颖独特。与此同时，全新的透视感，为之后绘画的发展开启了一个全新的未来。

这张画，除了夜空的星星很显眼之外，让人无法忽视的这棵水草一样的植物也是这张画的主题。梵高的画给我的感觉是生命力特别强，这株草似乎有穿透夜空的生命力和爆发力。他在黑夜中寻找出路，仿佛此时的梵高自己，在暗夜中企图找寻一个喘息的出口。主体次体很分明，由此可见，梵高并不仅仅是个会画画的疯子，并不仅是个借画宣泄的疯子，他在构图，色块，笔触，形体的整体把握都是很强的。梵高是清晰的，就像他的画一样，那么的疯狂，却很真实的明白自己的想法，我想这也是梵高自身感觉痛苦的原因吧。

看过梵高很多的作品，如《向日葵》，《自画像》，《有乌鸦的麦田》，很多画都是不被人理解的，直到现在人们才给以其很高的艺术成就。他的一生是很痛苦的，一生中给自己画过数十幅自画像，每个阶段虽然有些变化，但是我们看得清他的痛苦从来都没有减轻过。之后他切下了自己的耳朵送给女友，最后开枪自杀，都说明这个画家内心的痛苦无法释放，深感不平甚至是心理疾病。梵高的艺术风格非常超前，他作品中强烈的个性和在形式上的独特追求远远走在时代的前面，直接影响了法国的野兽主义、德国的表现主义，以至于20世纪初出现的抒情抽象肖像。梵高对于世界绘画艺术的贡献是我们无法忽视的。

梵高以自己习惯的方式宣泄胸中难以抗拒的纠结与疯狂，给我们诠释了他这个无可自救的心。也许艺术到达一定的高度，就会衍生出很多灵魂深处按捺不住 武汉三度画室美术培训十年小班教学 www.xiexiebang.com

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第三篇：梵高美术鉴赏论文

梵高——一个纯粹的自我

班级：金融1404 姓名：蒋雯 学号:2120141051

无论是初中还是高中，美术课上总会有一个画家的名字频频出现，他就是梵高。一开始看他的画作，我感受到的是常人无法理解的癫狂，色彩明艳，表情夸张，尤其是那金灿灿的向日葵，似乎就像一个个闪耀的小太阳，硬是要把光亮深深刺进你的胸膛。但慢慢的我发现即便看过许多名家作品，梵高依然是心头最爱。不，应该是：越是对比，越是觉得梵高可贵，越是爱。

不可否认的，梵高是一个天才，是一个有一颗“金子般的心”的人，他的画将情感和美感融入，偏偏特别动情，偏偏特别美。一件艺术作品的价值，要结合艺术家创作时的背景和心境。一个艺术家的成就，要看他对后人的启发。

梵高在1880年决定开始正式画画，那时候他27岁，他搬去乡下跟他的父母住。作为一个没有工作的单身狗，被爸妈嫌弃是必然的。那时候的梵高，虽然在画画，但是日子过的很压抑，这可以从当时给弟弟提奥的信里看出，他自嘲自己过的连条狗都不如。当时的作品普遍比较灰暗，颜色比较单一。

但是在这样的情况下，他画出了《吃土豆的人》。准确地说，这幅画是1885年画的，但在那之前，画家已经开始构思练习了。吃土豆的人为什么是名作？蒋勋说，梵高当年画矿工画农民，是一种救赎，他想救赎自己，而他拿起画笔的时候是在画他无法救赎的人。而我最感动的是，梵高在自己被人嫌弃无法救赎的时候，居然还有怜悯之心去同情他人。吃土豆的人里，柔和的灯光，昏暗的房间，“我想传达的观点是，借着一个油灯的光线，吃马铃薯的人用他们同一双在土地上工作的手从盘子里抓起马铃薯 —— 他们诚实地自食其力”。

梵高在1886年去巴黎，可以说，这家伙终于踏上了艺术这条不归路。当时是个什么情况呢？莫奈，马奈，毕沙罗，罗丹等等艺术家在巴黎正以“先锋艺术”的形象大展头脚。梵高就像一个小粉丝一样，怀着一颗惴惴不安的心，住进巴黎蒙马特。那段时间，他开始形成自己的艺术风格。他开始经常出门去画这个城市，画市郊，画静物。这时候他的作品开始出现明媚的颜色。

对梵高来说，油画就跟文字一样，只是另一种表达方式。

1888年，梵高搬到了阿尔勒。他的精神开始不正常了，但是他的作品色彩更明亮，他也更狂热地去尝试新手法。在阿尔勒的时光应该是他最开心的时候。他为此还画了自己的房间给好基友高更，邀请他前来同住。然后高更来住了。两个神经病的碰撞结果就是在1888年圣诞节前夕，两人大吵了一架，于是发生了著名的割耳事件„„

我想，人的情绪有时候像一碗水，寡情的人水少，碗怎么晃动也不会洒出，因此看上去很平静。而梵高这样的疯子，情绪太丰富，水已经要溢出，稍微一晃动就一发不可收拾。和高更的争吵一定是让他伤尽了心，于是他想换一个方法转移痛苦，然后„„对，他就把耳朵割了。

随后，他被送去了圣雷米的疗养院。事实上是，梵高挺享受在疗养院的日子。因为很安静平和，没有什么可以让他情绪波动。他像是一直活在自己的世界里，现在终于不用被外界打扰了。1889年。他在精神病院里，画出了《星空》。那大概是梵高内心最纯净的颜色。有很多人都在问，为什么梵高的星星能够画的那么明亮？梵高接触印象派是在1886年，也就是最后的4年，而他最著名的作品都是在最后2年内完成。他是如此热爱绘画，可是偏就这么贫穷，怀着对弟弟的歉疚，还要忍饥挨饿拼命地作画，那是对绘画最炽热的爱，他是用生命作画的人。看过他和弟弟的书信之后，我觉着他是一个单纯、善良、非常有爱的人。如果说他有点疯的话，那是因为他努力奋斗和抗争，但仍然命运不济，无法被世人所认同和理解，从而导致他的精神崩溃。如果在他活着的时候多给他些温暖和爱，那该多好呢！正是因为对爱与温暖的渴望，对绘画的狂热，才让他能够描绘出夜空中最亮的那颗星吧！1890年，他在法国画了《麦田里的乌鸦》。根据梵高博物馆的申明，这幅画并不是他的绝笔。梵高的绝笔是一副植物的根交错的画。不过画完《麦田》没多久，他就被发现开枪自杀在麦田里了。

开启不同于前人的艺术，启发后人的艺术，这就是梵高作品的伟大之处。但更多的伟大，来自梵高的作品能打动人。高更的伟大在于他的自我和反叛，莫奈则是对人、自然、艺术的爱，相比这两人，梵高的生活更为不堪和落魄，但是他的作品里永远是明亮的，美好的，纯真的，积极的。善良淳朴的人性之美，和坚持纯粹的艺术之美的交合。这大概就是为什么他的作品特别能打动人的原因吧。

第四篇：《美术鉴赏》选修课

XX大学选修课

《美术鉴赏》考查题

班级：______ 姓名：________ 学号：___________

学习《美术鉴赏》之对印象派绘画背景的了解

诞生于法国19世纪后期的印象主义画派是西方绘画史上一个划时代的艺术流派。当时集聚在法国的一批画家们不满意官方倡导的传统绘画的模式，他们走出画室在自然外光条件下面对景物直接写生，主张在作品里反映画家对“光”和“色彩”的瞬间的真实感受和印象。克劳德·莫奈的《印象·日出》就是他们的代表作品。“印象派”绘画的名称也因此而来。印象派的出现，是世界绘画史上的一次变革，也是传统绘画与当代绘画艺术思想上的一次大碰撞，它极大地推动了世界绘画艺术的大变革和大发展。

印象派诞生之前，整个欧洲绘画所宣扬的一直是从文艺复兴时期流传下来的古典主义绘画，而在当时欧洲骑着主导作用的艺术机构就是美术学校或者美术学院。这些院校统一坚持古典主义的绘画模式，对学员进行古典主义绘画的方法训练。他们还推行专制保守的艺术价值观，把道德市委衡量艺术品价值高低的唯一准则。不仅如此，这些美术院校还对美术学员加以控制，要是有谁不遵守他们那一套艺术标准和道德准则，他们的作品就不可能进入官方的展览，从而也就最终不可能得到官方和社会的认可。学院派对整个欧洲美术界的控制，一方面阻碍了艺术的自由发展，另一方面也直接激发了印象派画家的反叛精神和创新思维。印象派的画家们崇尚思想的独立和自由，他们极力冲破传统艺术教条的束缚，主张遵从自己对自然的光和色的真切感受，去描述和创造他们心目中的自然。在这里，印象派画家们普遍具有对于传统的古典主义艺术教条的反叛精神，促使他们走出艺术院校的高楼深院，向大自然去寻找新鲜的艺术感受和艺术发现。也正是由于这一点，印象派才获得了传统绘画没有的东西，才给世界绘画的发展带来了真正意义上的变革。

印象派的表现手法和古典主义绘画有着很大的冲突，印象派产生之初就有很多传统保守的艺术批评家站出来加以嘲讽，指责印象派绘画的所谓的“印象”，就是根据人们眼中看到的第一印象所记录下来的草图。他们指责印象派画家的作品“不够完整”、“粗制滥造”。其实印象派画家们通过对景物的独到感受和特有的艺术手法来真实的表现对象，使作品显得既有色彩绚烂，又灵动而有生气，这是任何色调单

一、结构板滞的传统的古典主义绘画根本不可能比拟的。

第五篇：浅谈对美术鉴赏的认识(梵高)

《美术鉴赏》课程论文

2012-1013-2学期

论文题目：

所在院系 ： 专业班级 ： 姓

名 : 学

号 :

成绩 :

任课教师 : 提交日期 : 2013.6

浅谈对美术鉴赏的认识

摘要：美术鉴赏课将我带到了一个全新的世界，带到了一个我以前从未涉足过的领域，带到了艺术的殿堂，我可以说出那些美丽的作品的故事，它让我发现原来世界是这么美，原来一个人的思想可以这样表达，原来先知们是那么的智慧。

美术鉴赏是运用感知、经验对美术作品进行感受、体验、联想、分析和判断，获得审美享受，并理解美术作品与美术现象的活动。美术鉴赏活动能帮助我们在欣赏、鉴别与评价美术作品的过程中，逐步提高审美能力，形成热爱本民族文化、尊重世界多元文化的情感和态度。

关键词：绘画、梵高、中国建筑、鉴赏

一、对绘画的鉴赏

绘画是造型艺术中最主要的一种艺术形式。它是指运用线条、色彩和形体等艺术语言，通过造型、设色和构图等艺术手段，在二维空间(即平面)里塑造出静态的视觉形象，以表达作者审美感受的艺术形式。

就像梵高的艺术是伟大的然而在他生前并未得到社会的承认。他作品中所包含着深刻的悲剧意识其强烈的个性和在形式上的独特追求远远走在代的前面的确难以被当时的人们所接受。他以环境来抓住对象他重新改变现实，以达到实实在在的真实，促成了表现主义的诞生,在人们对他的误解最深的时候，正是他对自己的创作最有信心的时候。因此才留下了永远的艺术著作。他直接影响了法国的野兽主义德国的表现主义以至于20世纪初出现的抒情抽象肖像。《向日葵》就是在阳光明媚灿烂的法国南部所作的。画家像闪烁着熊熊的火焰满怀炽热的激情令运动感的仿佛旋转不停的笔触是那样粗厚有力色彩的对比也是单纯强烈的。然而在这种粗厚和单纯中却又充满了智慧和灵气。观者在观看此画时无不为那激动人心的画面效果而感应心灵为之震颤激情也喷薄而出无不跃跃欲试共同融入到凡高丰富的主观感情中去。

总之梵高笔下的向日葵不仅仅是植物；而是带有原始冲动和热情的生命体。我更爱看窗外那一片向日葵，爱看她们在阳光下开出灿烂的笑容。我不敢展示真正的我，我也不知道真实的我是什么样。在向日葵面前，我有一种自信的感觉，展示着那个成功、全新的我；我在看见向日葵时，心里总有种暖洋洋的感觉。我看见梵高背着画夹，在向日葵丛中专心致志地画着那幅热情奔放的向日葵。我看着向日葵明朗的脸，眼睛一亮。我对梵高喊道：“你必须面对自我，绝不能逃避。不管这有多么困难，需要多大勇气!”其实这句话不仅是对梵高说的，也是对我说的。虽然梵高已经成为过去，而我却可以改变。我要感谢的不仅是那扇窗，更要感谢窗外精彩世界为我带来的美好遐想。

附图：梵高--向日葵

二、对中国建筑的鉴赏

中国建筑，具有悠久的历史传统和光辉的成就，是世界上最古老的建筑体系之一，有7000年以上有实物可考的历史。3000年前已形成以木构架为主要结构、以封闭的院落为基本的群体布置方式的独特风格。它的发展从未中断，并对朝鲜、日本和东南亚各地的建筑有重要影响。它从陕西半坡遗址发掘的方形或圆形浅穴式房屋发展到现在，已有六、七千年的历史。修建在崇山峻岭之上、蜿蜒万里的长城，是人类建筑史上的奇迹；建于隋代的河北赵县的安济桥，在科学技术同艺术的完美结合上，早已走在世界桥梁科学的前列；现存的高达67.1米的山西应县佛宫寺木塔，是世界现存最高的木结构建筑；北京明、清两代的故宫，则是世界上现存规模最大、建筑精美、保存完整的大规模建筑群。至于我国的古典园林，它的独特的艺术风格，使它成为中国文化遗产中的一颗明珠。这一系列现存的技术高超、艺术精湛、风格独特的建筑，在世界建筑史上自成系统，独树一帜，是我国古代灿烂文化的重要组成部分。它们像一部部石刻的史书，让我们重温着祖国的历史文化，激发起我们的爱国热情和民族自信心，同时它也是一种可供人观赏的艺术，给人以美的享受，所以，我国古代的建筑艺术也是美术鉴赏的重要对象。

中国建筑体系是以木结构为特色的独立的建筑艺术，在城市规划、建筑组群、单体建筑以及材料、结构等方面的艺术处理均取得辉煌的成就。传统建筑中的各种屋顶造型、飞檐翼角、斗拱彩画、朱柱金顶、内外装修门及园林景物等，充分体现出中国建筑艺术的纯熟和感染力。七千年前河姆渡文化中即有榫卯和企口做法。半坡村已有前堂后室之分。商殷时已出现高大宫室。西周时已使用砖瓦并有四合院布局。春秋战国时期更有建筑图传世。京邑台榭宫室内外梁柱、斗供上均作装饰，墙壁上饰以壁画。秦汉时期木构建筑日趋成熟，建筑宏伟壮观，装饰丰富，舒展优美，出现了阿房宫、未央宫等庞大的建筑组群。魏晋、南北朝时期佛寺、佛塔迅速发展，形式多样，屋脊出现了鸱吻饰件。隋唐时期建筑采用琉璃瓦，更是富丽堂皇，当时所建的南禅寺大殿、佛光寺大殿迄今犹存，举世瞩目。五代、两宋都市建筑兴盛，商业繁荣，豪华的酒楼、商店各有飞阁栏槛，风格秀丽，明清时代的宫殿苑囿和私家园林保存至今者尚多，建筑亦较宋代华丽繁琐、威严自在。近现代中国建筑艺术则在继承优秀传统相吸收当今世上建筑艺术长处的实践中，不断发展，有所创新。

中国古代建筑的艺术成就令世界各国人民叹为观止，取决与它那独特的结构。在我们来看一看古代建筑的特点。下面是我们从网上和图书馆查阅收集来的关于古代建筑的信息。

中国古代建筑艺术的特点是多方面的。从美术鉴赏的角度来说，以下一些特点是应当了解的：

1、巧妙而科学的框架式结构

这是中国古代建筑在建筑结构上最重要的一个特征。因为中国古代建筑主要是木构架结构。“墙倒屋不塌”这句古老的谚语，概括地指出了中国建筑这种框架结构最重要的特点。这种结构，可以使房屋在不同气候条件下，满足生活和生产所提出的千变万化的功能要求。这种构件既有支承荷载梁架的作用，又有装饰作用。只是到了明清以后，由于结构简化，将梁直接放在柱上，致使斗拱的结构作用几乎完全消失，变成了几乎是纯粹的装饰品。

2、庭院式的组群布局 从古代文献记载，绘画中的古建筑形象一直到现存的古建筑来看，中国古代建筑在平面布局方面有一种简明的组织规律，这就是每一处住宅、宫殿、官衙、寺庙等建筑，都是由若干单座建筑和一些围廊、围墙之类环绕成一个个庭院而组成的。一般地说，多数庭院都是前后串连起来，通过前院到达后院，这是中国封建社会“长幼有序，内外有别”的思想意识的产物。家中主要人物，或者应和外界隔绝的人物（如贵族家庭的少女），就往往生活在离外门很远的庭院里，这就形成一院又一院层层深入的空间组织。宋朝欧阳修《蝶恋花》词中有“庭院深深深几许？”的字句，古人曾以“侯门深似海”形容大官僚的居处，就都形象地说明了中国建筑在布局上的重要特征。

中国的这种庭院式的组群布局所造成的艺术效果，与欧洲建筑相比，有它独特的艺术魅力。一般地说，一座欧洲建筑，是比较一目了然的。而中国的古建筑，却像一幅中国画长卷，必须一段段地逐渐展看，不可能同时全部看到。走进一所中国古建筑也只能从一个庭院走进另一个庭院，必须全部走完才能看完。北京的故宫就是最杰出的一个范例，人们从天安门进去，每通过一道门，进入另一庭院；由庭院的这一头走到那一头，一院院、一步步景色都在变换，给人以深切的感受。故宫的艺术形象也就深深地留在人们的脑海中了。

三、丰富多采的艺术形象

如前所述，建筑不仅仅是技术科学，而且是一种艺术。中国古代建筑经过长时期的努力，同时吸收了中国其他传统艺术，特别是绘画、雕刻、工艺美术等造型艺术的特点，创造了丰富多采的艺术形象，并在这方面形成了不少特点。其中比较突出的，有以下三个方面。

1、富有装饰性的屋顶

2、衬托性建筑的应用

3、色彩的运用

伟大的中华民族，文明传承了几千。中国建筑，一个代表着中华民族的辉煌成就的标志，在历史的长河中留下了光辉灿烂的一页。伴随着对劳动人民的深深敬佩。我们的研究接近尾声了，古代建筑的艺术成就，是我们每一个中国人的骄傲。让我们期待中国的明天更美好。

结束语

美术鉴赏课更好的培养我们，提高我们的素质，最根本地是提升了我们的精神境界。美术鉴赏的最终意义，就在于使大学生的情感得到陶冶，思想得到净化，品格得到完善，从而使身心得到和谐发展，精神境界得到升华，自身得到美化。美术鉴赏有益于我们灵魂的雕铸和人格的完善 艺术教育注重开发和挖掘人自身的潜能，并致力于培养人的自尊、自信、自爱、自立、自强意识，不断提升人们的精神文化品味和生活质量，从而不断提升人的生存和发展能力，促进人的全面发展与完善。人的全面发展，正如恩格斯所认为的那样，包括智力、体力、思想、道德、意志、信念、情感等各方面，全面发展是一专多能的素质型发展。鉴于此，大学生的艺术素养已经日益融入时代的潮流之中，倍受人们的重视与关注。大学生美术鉴赏作为美育的一种手段，在促进大学生灵魂雕铸和人格完善的全面发展中起着重要的作用。满足大学生的审美需要，提高和培养审美能力，在美术鉴赏课上，通过大量地、广泛地鉴赏优秀艺术作品，就会逐渐具有和提高感受美、理解美的能力了。这里不单单是提高我们的鉴赏水平问题而是如何发展我们的价值取向问题。提高我们对美术意义的认识，培养我们正确的审美理想，健康的审美情趣，提高对美的感受力、鉴赏力、表现力和创造力。陶冶我们的思想情操、提高了我们的精神境界。

致谢：

通过学习本课程，可以使我们了解更多的美术知识，提高我们的美术鉴赏能力，培养我们的艺术审美兴趣，而这对提高我们的全面素质起着十分巨大的作用。

参考文献：

书名 作者 出版社 出版日期

1、《中外美术鉴赏》 徐改，刘晨

清华大学出版社 2009-08-01

2、《美术鉴赏》 李新平，成文光 哈尔滨工程大学出版社 2009-07-01

3、《中国建筑史》 梁思成 中国建筑工业出版社 2005年版

4、《西方美术史》 李春 陕西人民美术出版社 2002年版

5、百度百科