摄影艺术与技法学习体会

第一篇：摄影艺术与技法学习体会

论文题目：课程名称：学生姓名：院 系：班 级：

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摄影艺术与技法学习体会 摄影艺术与技法 _____

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2011 年 11 月 1 日 ___

摄影艺术与技法学习体会

【源起摄影】

大概是在高三的时候，我在网上偶然地看到了一系列于当时的我看来是非常唯美的照片。照片里的模特们大多青春靓丽，即使是原本并不十分好看的模特，也因为在整个温暖唯美的气氛的烘托下，而让人忽略了她本身的样貌，将重点放在了照片整体的感觉上。整个系列照片的背景多是一些带着阳光的明亮的自然风景，或是一片小树林，或是学校楼顶的天台，抑或是一片干净明媚的沙滩。而照片中的模特们多是学生的打扮，表现着小女生小小的心事，闺蜜间亲密无间的友情，以及高中生懵懂甜蜜的爱恋。美好温暖的风景衬托着青春靓丽的模特，使每张照片都让人想到唯美，温暖，青春这样美好的字眼。大概就是从那时候开始，我对摄影的兴趣渐浓，开始羡慕和崇拜那些可以拍出温暖美好的照片，愉悦心情的摄影家们。而那个算是启蒙了我对摄影的兴趣的摄影家，叫做Lainka。

温暖的阳光，虚化的背景，美好的人物，自在的心情，似乎是lainka永恒的主题

我想对于大多数人来说，那种背着背包和单反跋涉于世界各地，拍下很多或美好或现实的照片的生活，是极具诱惑力的吧。而在上了摄影艺术与技法，对于摄影方面的知识有进一步的了解之后，我对于摄影的兴趣就更加浓了。

【学习所得】

在上了半个学期的摄影艺术与技法课程后，我对于照相机的构造和发展历史以及摄影方面的一些专业术语，比如光圈，景深，用光和构图等方面都有了初步的了解。在此过程中出于自身兴趣我也翻阅了一些与摄影相关的杂志，增加了一些背景虚化，构图等方面的知识。由于自身并不会操作专业的照相机，平时只会用卡片机拍下生活中一些觉得值得记录的东西，所以对于光圈，景深那些专业的技巧因为无法在实践中运用而显得过于生涩了。因此我通过书本，杂志以及网上的学习，主要在以下几个方面进行了比较深入的了解。

【摄影构图】

在摄影中，构图是指在拍摄一张照片时，把人、景、物安排到最合理的位置，以达到取得最佳的视觉效果的过程。

对摄影构图的研究，实际上就是对形式美在摄影画面中具体结构的呈现方式的研究。当你很熟悉了解自己的照相机的性能并掌握了一定的操作技巧，当你把镜头对着人物和具有典型意义的事件，对着雄伟的建筑群或美丽的自然风光，很大程度上，构图在这个时候决定着构思的实现，决定着作品的成败。

由于景物特点各异，构图方式也千差万别。其中包括变化式构图，对角线构图，垂直式构图，水平线构图，对称性构图，S形构图，三角形构图等等，但实际摄影中我们若单纯地根据所拍摄景物的特点，从所知的各种构图方式中选出最优的方案，未免显得过于生硬而缺少拍摄的乐趣了。因此，在我看来，掌握构图的四大基本原则才是让照片显得专业但又不失自己的情感在里面的关键。这四大原则包括：

（一）画面稳定均衡：基本内容是画面上的水平线应该保持水平，垂直线应该直立不歪斜；

（二）画面简洁：专指画面上主体景物上下左右所留有的空间，常由天空，水面，草地，墙壁或大的块面组成；

（三）主题突出，主次分明：尽可能采取各种艺术手段将主体进行强化和突出；

（四）画面有视觉冲击力和意蕴：取景构图时必须使画面具有能引起视觉强烈反应的形式感，而且要匠心独具，“语不惊人死不休”。

这是一张充分运用了三分法的照片，水天的交界线位于整个画面的1/3处，而椅子也处在偏离中心的位置，同时水天相交的淡雅背景很好衬托了椅子的主体性，天空和椅子与倒影相映成趣。

【光的运用】

摄影，向来被称为是一门光和影的艺术，也被说成是用光来作画是艺术。由此可见，合理地运用光线对摄影是何等的重要。在摄影活动中，光线能造成明暗的对比，光线能产生变幻的色彩基调，光线也能突出被摄对象的质感纹理，光线还能强调形状的外观轮廓。所以，如何恰当用光、用好光，主要在于充分了解和掌握光的特性、光比度和对主光、背景光、辅助光、轮廓光、装饰光等一系列光线的合理运用。

顺光拍摄能使人物形象显得丰满，肌肤光洁细腻，但同时物体的质感和立体感贫乏，对主体的描写趋于平淡；侧光既能勾勒出被摄体的轮廓线，又能体现立体感，是摄影用光时较为常用的光线；逆光能给被摄体轮廓镶上一条夺目动人的金边，处理适当，能创作出一种独特的美感，拍出充满戏剧性效果的光影感觉。就我个人而言，我倾向于喜欢那些用柔光拍出来的照片，因为那样的照片给人温暖祥和之感。

在拍摄特定的物体时采用不同的光，拍出的照片感觉也会大相径庭。如何根据被摄物体的特性采用正确的光线，跟构图一样，也是一门很大的学问。

【色彩运用】

自1930年彩色胶卷发明以来，照片的颜色便不再局限于黑白两种。色彩给彩色照片增加了活力的同时，对于摄影师们也是一种挑战。在巧妙的构图和合理的用光之后，若没有恰当的进行色彩搭配，所拍摄出来的终究还是一件失败的作品。因此，色彩的运用在摄影这门艺术中，扮演着举足轻重的角色。

不同的颜色有着千差万别的意义。比如红色代表着热情，愤怒或是危险。而蓝色则给人沉静安定的感觉。不同的颜色搭配很大程度上决定了作品的性格，温和或者叛逆。我们可以采用180度对比强烈的色彩搭配，给人极大的视觉冲击，也可以采取整体柔和的色彩搭配，给人温暖和谐之感。我相信透过各异的色彩搭配风格，是可以看到摄影师当时拍摄的心情的，正如我们透过《星夜》可以感受到梵高当时近乎癫狂的精神状态一般。

色彩的选择和搭配和构图与用光一样，是一门高深的艺术，需要我们通过反复实践以及内心感觉来细细体会。

【创作灵感】

我们把摄影当做一门艺术来看待，那么正如写作和画画需要灵感一样，一件好的摄影作品是必然需要灵感开启的。女摄影师Julia Fullerton-Batten因拍摄了一组《青春期的幻想故事》而著名，她在谈起灵感时说，“灵感总是来自于生活的细微之处，一个电影场景、一幅画、一本书，都会让我产生一些拍摄上的灵感，我会在脑海里想象各种各样的场景，推进剧情，或拒绝放弃，想要达到最终完美的结合点要花费很长时间，短途旅游总是构思拍摄场景中不可缺少的一步。”而善于捕捉生活中的细节的另一位女摄影师川内伦子则喜欢观察糖块周围的蚂蚁，或是下雨天的屋檐，倾听那些最微弱的声音，从而培养自己对于艺术的感觉。

我想不管是何种形式的艺术，应该很大一部分的灵感是来自于生活吧，更何况摄影的对象本就是生活本身。

Julia Fullerton-Batten的《青春期的幻想故事》中的照片有很多都是拍摄跳跃在空中的人物，从而体现青春期的奇思妙想。抓拍那一瞬间本身已经需要比较成熟的摄影技术，因此我很好奇这幅作品是怎么完成的。

川内伦子拍的多是一些生活中稀松平常的事物，相对于Julia Fullerton-Batten的作品更加的生活化。但她们的灵感同样来自与生活中的细微之处。一片啃完的西瓜，携手到白头的恋人，让人感受到真真切切的生活与其中的温暖和惬意。

【情感之重】

在我想来，摄影绝不是一个纯技术性的活儿，正如任何领域的艺术一样，若没有创作者个人的情感在里面，那么它就仅仅只是一件商品，而绝不是一件真正意义上的艺术品。

摄影师Wim Wenders说，“照片记录的是我和一个特殊场景在一个特殊时刻的交错呼应，我需要完全融入周遭的环境，才能够捕捉到这种特殊的关系，换句话说，我需要成为周遭的聆听者，不受任何外界的打扰。”只有让自已与被拍摄的对象融于一体，去认真倾听认真感受，才能真正了解被摄对象的特点，从而采取最适合的拍摄技巧，创作出富有自己情感在里面的艺术品。

除了摄影师个人的情感外，拍摄对象本身体现出来的情感比我们通过照片揣摩摄影师的情感直观得多。而这些被拍下来的或温暖或现实的瞬间，让我们更好地了解生活，用正确的态度面对生活。这种励志效果，比任何小说或电影更直接更有效。

母亲看着怀中孩子的慈爱幸福的眼神，本已是照片中最美好的部分。在我看来，表现情感的照片是比单纯的风景照更具艺术感染力的。因为我们在人的身上看到的阳光面和积极面，是有能够让我们更好地面对生活的魔力的。

【我与摄影】

我不会操作单反或者更高级的相机，甚至连卡片机我也常常调到自动调节状态。我想摄影对于我的功用还仅仅停留在记录的状态，但是在听了这些课以及为了了解更多而翻阅资料的过程中，我试图努力将自己的水平往艺术方面提升，就算效果也许并不明显，就算我仍旧只会记录一些值得记录的感情，拍摄一些自认为是美好或真实的事物，但却没有技术含量在里面。但是我相信的是，摄影对于每一个爱好它的人都是有意义的，就算只是简单的记录，所拍摄出来的东西对于拍摄者和被摄者来说，都是珍贵美好的回忆。

在我想来，摄影是有着巨大的魅力的。除却记录这一便捷的功能以外，它所具有的艺术价值，是亘久不变的。我并不是一个具有艺术审美能力的人，但是我相信如果一件摄影作品具有艺术魅力的话，是会让人眼前一亮，心中一震的。

我也许永远也拍摄不出具有永恒艺术价值的作品，但是我想其实大多数摄影，甚至大多数的艺术，都是只属于自己的。在拍摄的过程中享受自己独有的乐趣，然后留下永远的纪念，就是摄影对于每个人最大的意义。

这是从乌镇回来的途中拍下的路边的野花，采用的是SONY WX1的自动调节模式进行拍摄。由于是微距拍摄而使得背景虚化了，从而突出了那两朵小花。加上俯拍的角度，而两朵花又不在同一水平面上，个人认为是可以传达出一种积极向上的生活态度的。

这是在西塘拍的河灯，采用了SONY WX1数码相机中的海滨模式进行拍摄，效果竟出乎意料的好，烛光的光晕被放大，使得画面的黑色部分不至于太过空旷。而且每张照片中间都有出现紫色的圆形光晕，但是这张照片上的光晕有部分被河灯挡住了，而不至于把人的注意力完全吸引过去。整张照片表现出一种传统但又不失浪漫的气息。

第二篇：材料与技法教学大纲

《材料与技法》教学大纲

适用专业：美术教育 总学时：18学时 学分：1分

一、课程性质与作用

《材料与技法》课程是我国艺术院校或师范院校美术学专业学生的一门专业选修课，是一门综合性极强的课程。

《材料与技法》无论作为基本的物质手段，还是绘画表现语言，其重要性正越来越被人们所认识。通过对材料和技法体系进行系统的梳理，对材料技法基础理论介绍和具体作品的分析，对学生的艺术创作具有很好的引导作用。

二、教学目标

《材料与技法》教学主要培养学生了解各种绘画材料，了解一些表现技法和肌理；了解构思、工艺、材料，利用现代表现形式进行创新。注重课程整合，画种多样，充分展示各种材料的表现技法，将造型语言、绘画形式与材料媒介结合起来，进行重构训练。从而培养学生的综合能力，参与文化的传承与交流，探讨传统与现代观念、技法和材料综合表现的切合点。

三、教学内容与教学要求

（一）、学习《古典油画材料与技法》

教学要求：通过本课程的学习要求学生了解油画的媒介材料即表现技法。使学生通过对绘画技法和材料制作方法的研究，熟悉古典油画所达到艺术效果，并能基本掌握运用。

1、绪论 古典油画的工具和材料（1）油画材料与技法发展概况（2）油画基底材料的类别与配备（3）油画媒介剂的分类与加工（4）油画媒介材料的作用与类别

教学要求：通过学习要求学生基本掌握油画各种媒介材料的性能及其特点，结合古典油画技巧进行研究。通过学生对油画工具的熟悉和研究，掌握油画的基础技法。

重点和难点：油画的工具介绍，古典油画的材料，现代油画材料的，油画材料作品欣赏。

2、传统油画的表现技法（1）油画颜料的性能与使用（2）材料技法运用的基本原则与问题（3）古典写实风格油画的材料与技法

教学要求：使学生通过对绘画技法和材料制作方法的研究，基本掌握不同材料所达到艺术效果。在本单元中要求学生重点掌握古典油画的绘画方法和表现技法。

重点和难点：油画的主要表现技法，古典油画的制作方法，古典油画的表现技法。现代油画表现语言的研究。

第一——四周 古典油画材料与技法

1、绪论 古典油画的工具和材料（2课时）

2、传统油画的表现技法（4课时）

3、油画材料技法写生整理与讲评（2课时）第五——九周 装饰材料与运用技法

1、讲解运用材料表现的装饰画种类及各种材料（4课时）

2、制作泡沫塑料浮雕装饰的材料与技法。（2课时）

3、综合材料表现技法（4课时）

2、练习、作业要求（概括、简洁、明确）

《油画材料与技法》 作业：临摹一张大师的古典油画 要求：学生造型准确，色彩协调，技法熟练，重视绘画语言表现的作用。

《装饰材料与运用技法》 作业：创作两张装饰画

要求：要综合运用五种以上装饰材料，进行技法与艺术创新。

3、考核标准

每一课题结束后，任课教师对学生学习情况进行总结，对学生作业完成情况进行总结，对学生作业完成情况进行成绩考核评定。

考核内容：平时上课情况与作业相结合，平时作业占40%，期末考试成绩占40%，最后计入学科总成绩。

4、其它教学建议

教学原则和方法：

(1)、注重理论与实践的密切结合，课堂教学要注重科学性，可结合图片让学生直观学习油画材料，使学生易于理解掌握。

(2)、遵循因材施教的教学原则和方法，注重启发、引导学生的艺术感受，根据学生不同的爱好进行辅导作业。

(3)、遵循理论联系实际的教学原则和方法。注重教学讲授与作品相结合，课堂讲解与课外训练相结合。

五、教材与教学参考书

1、《当代艺术家油画材料与技法》 [美]克里夫著 易英译，中国青年出版社，1999年1月

2、《油画技法》马一丹著，西南师范大学出版社，2001年8月

3、《欧洲绘画大师技法和材料》—〈德〉马克斯·多奈尔著 杨鸿晏 杨红太译 重庆出版社，1993年6月

4、《装饰画》 陈敬良著 中南大学出版社 2005年8月

大纲修订时间： 2010 年 9 月 15日 制定人：教研室审核时间：20 年 月 日 审核人：

第三篇：摄影艺术总结

摄影艺术课程学习小结

摄影是一门技术，更是一门艺术。这一学期我们的摄影艺术课程快结束了，回想起来，我们所学到的不仅仅是理论上的知识，更学会了如何发现与留住生活中的美。在选修这门课之前，我对摄影只有一些模糊的概念，只是平时比较喜欢用手机拍照而已，我一直认为摄影与拍照一样是一件很简单的事情，可是通过一段时间的学习之后，我才发现拍照并不等于摄影。记得刚开始上课时，老师给我们讲有关于相机的一些基本知识，如什么是镜头，什么是光圈，什么叫焦点，画面的结构等，着实让我吃了一惊，原来摄影这么复杂、细节这么多啊！不过这也坚定了我学习摄影的决心。通过老师这一学期详细的讲解和我们课后的实践，我对摄影终于也有了更加深刻地认识。

一

摄影知识总结

摄影，当然是离不开相机的。老师首先就给我们介绍了相机的一些知识，相机主要由镜头、快门、反光镜、图像感应器、影像处理器等构成，而数码相机可以分为单反相机、卡片相机、长焦相机和家用相机等，拍摄照片时最常用的就是单反数码相机了，单反数码相机指的是单镜头反光数码相机，它的一个很大的特点就是可以交换不同规格的镜头，而且它的拍摄质量明显高于普通数码相机。为了让我们能更好的区分各种相机，老师还将不同的相机类型带到教室来，具体讲解了各种相机的功能作用以及拍摄特点，给我留下了深刻的印象。

如何拍摄出好的照片呢？首先就需要我们了解照片的组成，照片是由拍摄主体、陪体、前景、后景和环境构成。照片中的主体既是内容表现的重点，也是照片主题的主要载体，同时还是画面构图的结构中心，它可以是某一个被摄对象，也可能是一组被摄对象，主体可以是人，也可以是物；陪体是在画面中和主体有紧密联系或者辅助主体表现主题的对象；在照片里，位于主体之前，或者是靠近镜头位置的人物、景物被统称为前景，前景有时候也有可能是陪体；后景和前景相对应的，是那些位于主体之后的人物或者景物，一般来说，摄影照片中的后景多为环境的组成部分；所谓的环境就是画面主体周围的人物、景物和空间，包括前景、后景和背景，背景指的是画面中位于主体背后的景物，可以是天空、空旷的场地等等。知道了相片的结构不代表可以拍出好的照片，在拍摄时调焦距、调镜头、采光也是很重要的，这也关系到拍照时如何突出主体的问题。

老师在如何突出主体这个问题上，给我们作了重点介绍。因为好的照片的主体必须吸引人的眼球，而要使照片主体鲜明，主体突出是就是一个重要的问题。突出主体的方法有：景深突出主体—景深是突出主体的比较常用的一种方法，它利用长焦、大光圈和尽可能接近拍摄对象，对主体进行精确聚焦，使次要部分或背景失去清晰度从而突出主体；通过构图方法突出主体—构图方法是将主体居于画面的中心，由于人物和物体处于长方形画面的中心部位，整个照片具有一种特殊的稳定性，借助合适的线条来引导观众的视线，引出主体或把主体安排在黄金分割线上来突出主体都是突出主体的有效方法；色彩的对比突出主体—主体与背景间的色差越大，视觉效果就越强烈；如果再加上不同的色彩之间的亮度差异，主体与背景就会形成更大的色差，主体就不会淹没在背景中；光线的对比突出主体—在我们日常拍照时，也可以利用光线强调照片中的主要部分，让主体在画面中成为亮度最高的点，一般人们在观看景、物的时候，视线总是最容易被亮的地方所吸引，如果能在画面中，让我们想要表达的主体是画面中最亮的，那么很容易就能突出主体；特写突出主体—特写把主要表现对象拍成特写或接近于特写的中景，这就是要从近距离拍摄，而画面范围只是一个小空间，主体在画面中所占据的空间越大，主体也就越突出。运用好的方法突出主体，能让我们拍摄的照片更加出彩、引人注意。

在拍摄过程中，怎样正确的运用曝光呢？因为合适的曝光量是获取高质量影像的关键，曝光准确的影像，影调自然，颜色饱和、鲜艳；曝光不足，影像晦暗，低光部位的层次丧失殆尽；曝光过度，影像高光位的层次荡然无存，像是褪色似的。曝光的控制主要取决于光圈的大小和快门的速度。要学会手动拍摄就必须学会光圈与快门的设定配合。曝光量与光圈的关系—光圈是照相机镜头中可以改变大小的孔洞，它控制进入镜头的光线量，在其它因素不变的情况下，光圈开得越大，通过镜头进入的光量就越多。光圈的数值通常用f-stop值来表示，要注意的是：f-stop值越大，光圈开得反而越小。曝光量与快门的关系—快门是控制光线进入的闸门，在其它因素不变的情况下，快门速度越高，通过镜头进入的光量就越少，反之亦然。

拍摄照片时还要注意其他的一些问题：

1、光线的运用：照片是光与影的艺术产品，将光线称为摄影的灵魂一点也不为过，要拍摄好的照片，就不能不掌握光线这个关键的元素。拍摄同一个景物，运用不同方向投射来的光线会产生不同的效果：（1）顺光，从照相机背后而来，正面投向被摄对象的光线叫做“顺光”。“顺光”照明的特点是：被摄对象绝大部分都直接受光，阴影面积不大，对象的影调比较明朗。（2）侧光，来自照相机左侧或右侧的光线叫做“侧光”。它会使被摄对象的一半受光，而另一半则处于阴影中，有利于表现对象的起伏状态。（3）逆光，“逆光”是由被摄对象背后射来，正面射向照相机的光线。“逆光”可以用来勾画物体的侧影和轮廓，还可以突现物体的质感和形状，清楚地展示对象的线条。在明朗的天气下使用“逆光”更会创造出一种强烈的反差。

2、色彩的运用。一张好的照片如果没有了颜色，那么它的魅力也随之减少。色彩能反映人的感情，在长期的生产和生活实践中，色彩被赋予了感情，成为代表某种事物和思想情绪的象征。不同的色彩能给人以心理上的不同影响，能激发人们情感，在心理上情绪上产生共鸣。所以，对色彩的正确运用也是拍摄出好照片的必备条件。红色象征热情、温暖、喜悦，黄色象征光明、高贵，绿色象征生命，蓝色象征宁静，银白色象征高洁、明亮，金黄色象征贵重、华丽，白色像征坦率，黑色象征恐怖等。在摄影中必须懂得色彩与感情的联系，有目的的运用色彩，进一步表达好作品的主题。

3、摄影的构图。构图可以通过正面拍摄、侧面拍摄、仰视拍摄、俯视拍摄来实现。要获得好的摄影构图，一定要注意以下几点：（1）照片不应太过单调，否则照片会显得呆板，但也不应太复杂，否则会令人觉得混乱；（2）要选择适合的背景，好的背景不但有助于衬托主题及突出主角，亦会丰富照片的内容，增添画面的色彩；（3）要了解人、景、物三者在照片中的关系，并适当地安排它们，以有效地表达主题，避免喧宾夺主的情况；（4）要考虑各个景物色彩上的对比。鲜明的对比有助于突出主题，但若颜色混乱则会产生相反的效果；（5）要掌握光线的照射角度以及所产生的明暗阴影，它们都会影响照片的色彩和效果。

3、对焦的重要性。对焦是指将镜头对准被拍摄对象后，调整镜头的焦距，使图像变得最清晰的过程。只有对焦正确图像才可能清晰，否则图像就是模糊的。

二 心得体会

摄影是一件美妙的事情，它不仅能留下生活中幸福的瞬间，也能让我们在学习、工作之余放松自己的身心。如果说以前的我对摄影仅仅只是喜欢，那么现在的我对摄影就是热爱了，记得有一次老师给我们展示了一些照片，其中的一张深深地震撼了我，整个画面只有一个女人的嘴巴，嘴巴里满是烟气，背景是全白的。当时我就想：原来照片还可以拍成这样啊！

在课堂上我学到了很多有关于摄影的知识，再通过课后自学与实践拍摄，我的摄影水平也提高了很多，虽然我们课程快要结束了，但我知道要想成为一个摄影爱好者并不是一朝一夕的事情，它需要我们的长期的坚持练习，在以后的学习或工作中我依然会自己学习摄影，提高自己的摄影水平，增强自身的综合能力，努力做得更好！

第四篇：摄影艺术心得

摄影艺术心得

通过对对纪实摄影的学习，我的体会如下：

首先实摄影用影像抓住了“平淡的瞬间”。路易斯·海因说过这样一句名言,“摄影不应当仅仅为了美，而应有一个社会目的。要表现那些应予赞美的东西，也要表现那些应予纠正的东西”。“而纪实摄影的人文价值就在于它决定着你的照片是否能超越时空进入历史”。往往平淡的才是最真的，最能反映一个社会各个阶层不同的意识形态和生活状况。任何人都需要了解他们所处的环境，要了解环境的变迁，要了解这个环境中发生的重大事件。要想解决这些问题，既具体又形象、既真实又可靠的摄影无疑是一个最好途径，“以小见大，从点滴中发掘深意，以平淡的瞬间见证历史。”这就是纪实摄影能长盛不衰地发展到了今天的主因。可以说，尽管摄影圈内百花齐放、流派纷呈，纪实摄影却始终是主角。

其次纪实也需要光影的表现。“纪实摄影不需要光影”这个论调在民间摄影圈内似乎相当的流行，这个观点在讲座上被提出并遭到了这四位大家的一致否定。艺术摄影也好，纪实摄影也罢，同属摄影的范畴，光影和构图都是最基本的要素，可以说没有光影就没有摄影，当然也就不会有纪实摄影。因此有部分题材尤其需要光影的衬托。

合适的曝光量是获取高质量影像的关键，曝光准确的影像，影调自然，颜色饱和、鲜艳；曝光不足，影像晦暗，低光部位的层次丧失殆尽；曝光过度，影像高光位的层次荡然无存，像是褪色似的。曝光的控制主要取决于光圈的大小和快门的速度。要学会手动拍摄就必须学会光圈与快门的设定配合。曝光量与光圈的关系—光圈是照相机镜头中可以改变大小的孔洞，它控制进入镜头的光线量，在其它因素不变的情况下，光圈开得越大，通过镜头进入的光量就越多。光圈的数值通常用f-stop值来表示，要注意的是：f-stop值越大，光圈开得反而越小。曝光量与快门的关系—快门是控制光线进入的闸门，在其它因素不变的情况下，快门速度越高，通过镜头进入的光量就越少，反之亦然。

在每一次的课堂上老师都会给我们看一些他自己择选好的照片来让我们鉴赏，分析这幅作品拍出来的效果，传达出什么样的信息给我们，而且还会给我们介绍摄影师拍的角度和时机，这样才会达到我们眼前的这样的照片的艺术。一副好的作品不光需要摄影师具有敏锐的视觉，还需要他们坚持不懈的努力。我觉得，一副好的作品不仅有摄影师的手法，而且在摄影作品里注入了摄影师的心血。要拍摄一个美好的景物出来，是那么的不容易，不像想象中的那么简单。

用更精良的设备去捕捉感动人、美丽的瞬间，而不只是照相。我们有了更多练习的机会，照下可以马上回放观察，不满意消去重来，可以围绕想拍的东西选定若干个场景，每个场景先围着它转几圈，拟出不同角度、不同光线条件例如：逆光、顺光、测光等下的拍摄方案，记录各组曝光组合数据，积累经验，使以后更得心应手。

在课上欣赏各大师的作品，一边了解作品里的精妙之处，一边模仿学习。在解决了曝光、清晰度等问题后，这个时候，构思更多的不仅仅限于技术层面，更多的是意境的表达。摄影构思分为三个阶段：前期构思、即时构思和后期构思。前期构思是在拍摄摄影作品前，构思观察，思考如何运用摄影语言及其表现手段来表现作品的意境，如使用什么光线、什么色彩，如何定标题、如何构图等；即时构思是在拍摄一幅作品的之时即运用摄影语言及表现手法来表现摄影作品意境的整个思维过程。摄影艺术的瞬间性决定了即时构思成为摄影构思中的一个极其重要环节；而后期构思则是在拍摄后的暗室后期进行制作完成，并通过电脑进行修复，也是摄影构思的最后环节。一张照片看似简单看似按下快门几千分之一秒很快完成的事，其背后需要很长准备时间，有时等待一个场景，一个机会，少不了耐心的等候，孤独的坚持与不断的自我交流。

摄影是一种无声的语言，仅仅一个凝固了的瞬间，一个静止不动的画面，便使我们读懂了它所要表达的意思，甚至领会出照片所隐含的更深层的含义，这就是摄影的魅力所在。摄影是一个瞬间就可完成的过程，但同是一瞬间，有的人得到的只是普通的、看后即忘的照片，而有的人却拥有了最为精典、最为传神的永久记录，这就是功夫所在。普通人看摄影的人，也许是最为悠闲、轻松的职业了，一部相机，走南闯北，游山玩水。然而从那些优秀的照片中，我们不难看出，一部好的作品出现是要经历多么艰难的磨练。摄影看似简单，只是对客观事物的瞬间再现，但却饱含了一个摄影者的主观意图、精神提炼和对社会、人类的思考。好照片不是随随便便就能拍出的，回想当年偶然有相机时，拍些简单的花花草草，画面上毫无意义却斑斓的色彩表现都能让我有勇气拿出来和朋友们分享，获得快乐！而现在，或许技术和感觉都已进入到了另一个阶段，但眼光挑剔了，喜欢思考，要懂自己拍的内容，懂了内容下一步又该如何去表达你的内容，然后其他的一切手段都是因为有内容才变得有意义。

一幅好的摄影作品，需要有一个明确的主题，让大众在第一眼看到这幅作品的时候，就能知晓作品中的主体，摄者想要表达的内容或思想。这个主题，可以是一片山川，一条雨巷，一片落叶，一只小舟；亦或是一个灿烂的笑容，一双憧憬的眼神，一个远去的背影，一滴雨水落在青石板上溅开水花的瞬间。另外，给摄影作品起一个适合的片名也很重要，比如，一只孤舟停泊在野外长满芦苇的岸边，这样的场景可以联想到古诗“野渡无人舟自横”，古诗的意境会很有韵味。合理选择景物的主体与陪衬体，近景与远景，把那些能更好衬托或点缀主体的陪衬体选入画面。而不必要的景物会分散欣赏者的注意力，能减则减，从而使画面简洁。运用视觉上的“黄金分割点”与“水墨留白”原理。黄金分割点是指让主体在整个画面的适合比例的位置。一般来说，主体很少放在画面最中央的位置，不然会感觉构图太正；而水墨画中的留白原理，则是保持画面中留有空白之处，几个景物的相对位置比较谐调，比重适合，紧密稀疏有秩，看了有平衡感与和谐感，而不是因构图太满而形成压抑感。在横向与竖向构图方面，大部分的时候两者是没有什么特别之处。相来对说，表现天空或山川的大气更适合横向构图；而表现雨巷的悠长更适合竖向构图。构图的细节方面，例如古镇小河的远处划来一只乌逢小船，那么小船的位置会非常重要，太远则看不清小船，太近则充满了画面而显得喧宾夺主了。因此要待到小船划到适当的位置，且船桨刚划出水面时，才是按下快门的最佳时机。遇水拍倒影，水中的倒影与岸上的实景，一虚一实对称美，值得一提的是，只拍水中倒影是极富想象空间的。景物的选择上也有所讲究，例如拍柳枝，最好是初春柳叶刚发芽时，或是柳叶疏密得当时，而不宜选拍仲夏时的柳叶，往往过于茂盛稠密。

摄影与绘画都属造驯艺术范畴。因为都属于艺术，所以就有相通之处。一般认为，这种相通，就是心灵追求和精神属性的相通，即审美审艺境界的相通。在艺术表现和最终效果上引发人的心灵共鸣和震撼，是它们的共通之处。绘画用画笔，摄影靠相机，这是它们永远不会混同之处。“真相”是摄影不可逾越的底线，或者更直截了当地宣告：放弃了真相这个最基本的条件，摄影就不是摄影了，其实这些无助于摄影艺术的发展。

总之，通过对纪实摄影这门课的学习，使我受益匪浅。纪实摄影也一门表达美的学科。我从另一个角度受到了美的熏陶，这种美不同于我们平时所想象，所认为的。我感到其实生活中处处都存在美。正如一位大家所说：“生活中并不缺少美，而是缺少善于发现的眼睛。”另外，更重要的一点是这门课是我懂得了纪实摄影要表现美而又要高于美，它不但要表现一种形式美，其灵魂更在于它真实地记录我们生活的方方面面，即美是要建立在真与善的基础上的。摄影本质上是纪实的，它不同于绘画可以凭记忆或想象虚构，没有呈现于镜头前的真实场景，便不可能产生摄影作品。作为摄影爱好者，我们常常在不经意间捕捉着生活中转瞬即逝的动人光影，它是一种对生活的抽象，却又生动地记录着生活。“眼眸中的水晶体是那观察世界的取景器，跳跃的思维是那洗濯负片的暗房，摄影与图像，折射我心灵棱镜的本真”如果说艺术摄影给人的是一种视觉的盛宴，那么纪实摄影无疑是对人心灵的碰撞，前者的价值在于赏心悦目，而后者的价值在于静水流深，细水长流。

这是渗透想法和表现创意的一门学问、一种美学。“学以致用”，真是越拍越有趣！在不断地拍摄中发现更多的问题，然后得到更多的拍摄经验；在不断地拍摄中发现世界上更多的美，并且把那些美存留在照片中。我所体会到的就是这种乐趣。我会把摄影当作自己生活工作中的一种爱好，我依然会追求视觉上的冲击力,依然搜索属于自己的风格,依然努力立足于这个社会,依然用我手中的相机去留住生活中最美妙的时刻，在简单里凝聚内在的神韵。

我相信，通过本学期对《摄影技术》的学习，是创作的一个起步，今后要不断运用这门知识，去提高自己的创作水平。在此，特别感谢霍老师在本学期给予我的指导！

第五篇：摄影艺术心得体会

摄影艺术心得体会

我是一个不懂摄影但却是热爱的摄影的人，能有机会选修这门课，我觉得很高兴，通过课堂的学习，去了解一些专业的知识和摄影技巧。其实摄影是一门大学问，不光需要扎实的摄影功底，更需要对生活有感悟，需要一双善于发现美的眼睛，是一种心灵与手指的结合，才能去捕获到完美的画面，并将之定格在胶片上。

随着人们的生活水平不断的提高，相机已成为人们生活水平中的不可缺少的必需品，因为越来越多的人喜欢出去旅行，他们都希望将他们去过的地方和美好的回忆用照片的形式记录下来，所以对于每个人来说都希望了解摄影的一些基本知识，这样能拍下一些好的照片来给与自己美好的回忆。

小时候我见到的照片都是黑白的，见过的相机也是胶片机，拍出来的效果不是那么明艳，但是一样能记录下美好的时刻，现在，生活中出现了数码相机，他给予了我们这些不懂什么摄影的人提供了一个平台，也给予了我们一个展示的机会，所以在今年的选修课中我选择了摄影艺术这门课，因为它是我以后的生活中需要用到的东西，也是我喜欢的一门课。

现在生活中见到的相机要么是数码要么单反的这样的相机比较常见，不过现在的手机功能已经多种多样了，手机相机的分辨率也逐步很高了，这样的话，我们只要随身带着一部手机，不需要再带相机了，就能随时随地的拍下我们觉得喜欢的画面。但是这对拍出具有很高水准的照片还是很有差距的哦，只有使用那些专业的相机才能达到我们的要求，数码相机的主要技术指标有分辨率、存储媒体和观光度等。在介绍这些的同时，给我介绍了它的一些应用的优点，数码相机可以将图像数字化，操作简便，特别是能与计算机直接连接，而且在计算机上利用丰富且强大的图像处理软件对图像做个种平面处理，得到更好的艺术效果因此数码相机被广泛的应用于各个领域。由于数码相机具有高数据传输，大容量储存的和快捷方便的特点，因此在各个领域得到广泛的应用。

在每一次的课堂上老师都会给我们看一些他自己择选好的照片来让我们鉴赏，分析这幅作品拍出来的效果，传达出什么样的信息给我们，而且还会给我们介绍摄影师拍的角度和时机，这样才会达到我们眼前的这样的照片的艺术。一副好的作品不光需要摄影师具有敏锐的视觉，还需要他们坚持不懈的努力。我很清晰的记得老师给我们讲过一个故事，说的以为摄影家为了能拍出一张代表北京的照片来，每天清晨六点都会从天安门路过，就这样坚持了一年，在这样每天的观察中并比较中，终于知道了在什么季节什么时刻拍出来的照片能形象的代表的北京的照片了。因此我觉得，一副好的作品不仅有摄影师的手法，而且在摄影作品里注入了摄影师的心血。要拍摄一个美好的景物出来，是那么的不容易，不像想象中的那么简单。

对于我这一个摄影的初学者来说，在以后的摄影生活中，是需要培养耐心去观察周围的事物的，这样才能更好的将拍摄出来的事物更加的形象生动，这个学期我也学到了许多的摄影知识，让我在以后的拍摄生活中给予我提供了许多的基础知识，不像以前那么的盲目拍摄，至少我知道了自己拍摄这个东西是出于什么目的。通过一个学期的摄影课程的学习，让我对摄影有了一个新的认识、新的了解。并且可以让我有去捕捉生活中的美。还可以提高我的摄影水平、提高摄影的基本功，还可以学会从多个角度分析每幅作品的优点与不足，开拓视野，丰富了想象力、提高了自己的创造力，转眼间这个学期即将过去了，希望能在以后的学习和生活中能够拍到好的作品，同时以此来丰富自己的生活，记录下生活的美！