灯光课的拍摄心得

第一篇：灯光课的拍摄心得

灯光课的拍摄心得

王艺婷 编导一班 2009472009 我们这学期开设了灯光课，这门课让我知道了摄影是光影的艺术，一张好的照片，不但要有好的机器镜头这些硬件条件，更应该有适当的光线以及拍摄的角度，我们这学期主要学的是人像摄影，这同时要求被拍摄对象要有镜头感。摄影离不开光线，人们除在利用自然光进行拍摄以外，为达到一定的效果，还要运用照明工具对被拍摄对象进行一定的艺术化处理，也就是运用人造光。这就需要专业的灯光设备和摄影光源。在摄影棚里拍摄，想要达到与自然光同样的效果就要把不同的灯组合起来，让其发挥不同的作用。比如主灯是摄影中对被摄物体起最大作用的灯，也是最强的灯，在被摄物体上的光源面积最大。辅灯则用来补充主灯的不足，调节画面对比，减弱阴影。另外，还有特效灯，这是给予画面某一特殊效果的灯，也可以说是为了强调画面某一个细节的光源。在摄影棚中，灯与灯的组合以及用光的选择都是需要按照拍摄的目的和意图进行设计的，需要根据具体情况合理安排照射光源。首先要决定主光光源，然后根据拍摄要求和意图利用辅灯光源来进行修改和弥补，此外还可以根据拍摄对象增加强调光源。总之，我们需要学习和领悟的知识还有很多，这需要日常的积累和不断地探索和创新，还需要我们对学习摄影这门艺术保持极大的积极性和热情，只有这样，好照片才会源源不断的产生。

这学期的灯光课，老师同样要求我们以小组为单位，翻拍一个MV作为期末作业。这不仅考察了我们的技巧掌握和创新实力，还考察了我们的合作能力和交流能力。每个成员都有自己的职务，就需要我们每个人都有一颗负责任的心。拍摄一部作品需要有充分的前期策划和准备，MV的选择就显得尤为重要。既然是交给老师的作业，那么MV的风格就一定要积极向上，能够充分展示我们的青春活力和健康的生活态度。还要根据我们现有的条件和设施进行选择，不能异想天开，找一些不切实际的拍摄场景。MV选好后就要进行演员的选择，除了上镜和有镜头感外还需要吃苦耐劳的精神，因为为了拍摄效果，常常要一个镜头一个画面拍上几遍十几遍，这不是谁都能完成的。其次，演员还不能怯场，因为拍摄过程中常常会有很多观众围观，这就要求演员要收放自如，不能不好意思放不开。导演的作用是至关重要的，他掌握着整个拍摄的进程和场面调度，所有的努力都是为了切合导演的拍摄意图，同时导演的责任又是最重的，因为MV的成败取决于他的审美和协调能力。摄像是整个拍摄过程中最辛苦的一个人，因为不同的拍摄场景，他们常常需要背着机器跑上跑下，甚至有些危险和困难不得不去克服，既要满足导演的要求，又要每一个画面和镜头都好看都有意义，这就需要过硬的专业技术和知识。一个剧组中仅仅有这三个角色的努力还是不够的，还需要场记和剧务等等工作人员的共同努力才可以将作品拍摄成功。这样的实践不仅让我们有了更扎实的专业基础，还训练了我们的交流能力，促进了我们同学间的感情和友谊，一举多得。创作在继续，我们也在继续！

第二篇：影视拍摄灯光教学

影视拍摄灯光教学-布光

主光

灯具架在摄影机正后方到约30或45度角的位置，向主体正面打光。主光是强调主体事物的照明光，也是决定光源方向的主要光线，因此主光通常会用较强的光线来照射主体。同时必须注意造成的阴影，光线愈强愈锐利，造成的阴影愈明显，亮度对比及反差就愈大。副光

副光 又称补光，灯具架在相对於主灯位置的另一方，与摄影机约呈30或45度角，向主体正面略侧面打光，主要是把主光在另一侧面造成的阴影修掉，让部分黑暗的区域稍微明亮，增加主光与阴影间的中间色调，使画面看起来更生动，更有层次和立体感。大部分补光会比主光打得柔和些，以免抢了主光的角色。某些刻意製造阴影效果的场合，补光会故意打得柔弱一些，甚至就不打补光了。背光

或称「反光」、「轮廓光」，架设在主体后侧，并且可以避开摄影机拍到的地方，用以勾勒出主体的轮廓，让主体和背景间產生空间感和立体感。也有架在主体顶端的上方，以便打出「髮光」，或在下方，以打出「脸光」（如果主体是人的话）。效果光

有时為了画面的美感，会创造出一些灯光效果，如窗帘光影、彩色光晕、水纹影、窗外霓虹灯效果、闪电等等效果，这些特效光即称為效果光或气氛光。效果光的架设位置不限，主要是看想呈现何种效果，有时得為了某个效果而调整主光、补光等之位置，以便修正出最佳的效果。

一般来说，在实际使用时，灯具数量的多寡几乎可以决定画面的好坏，但其实不管是一个单灯，或是十多个灯，只要运用得宜，都可以弄出很好的效果。单灯

大部分会直接把灯架在摄影机后方大约30度以内的地方，光线投射到被摄物时，可以调整一下角度和灯的高度，儘量避免不自然的阴影。（有时当然会故意弄出影子，这种另当别论。）如果光度太强，以致光线太锐利(Sharp)，可以：

1、把灯的距离拉远。

2、加上柔光纸。

3、利用反射反光板、纸、墙壁、天花板等都可以）

大部分的摄影用灯具都可以微调灯光的焦距，把光打聚光些或散光些。有些摄影机附掛的「机头灯」是放在镜头上方，这样打出来的光较“平面”，同时如果被拍摄的如果是“人”，会因為灯光直射的关係，面对镜头时眼睛会因為畏光而不自然。

可以在灯前加上“柔光片”，或是把灯稍微挪动一下角度，以免直射入人眼。当然，一般头灯都不会太亮，它的作用大多是在缺乏照明的情况下，勉强一用的，拍新闻凑合一下无妨，但是如果要做专题或节目，用头灯打光就太不负责任了！

其实有时可以利用自然光源当作“主灯”，把机头灯当作“补光”，这样等於有两盏灯，画面品质会比较好。双灯

一个架在摄影机后方30~45度的地方，打“主光”。另一盏在反向摄影机另一边大约45度的地方打“补光”。两个灯的重点在於主、补光之间的平衡，拍摄主体是人的时候要注意“阴影”的自然。

同样地，有时可以利用现场光源来製造出“另一盏”灯光，使您等於有三个灯，其中多出一个“背光”，让灯光打出立体感及层次。

三个灯

打法如前所示，等三盏灯放在被摄体后方，将被摄体的轮廓勾勒出来，使主体和背景间有空间感。

利用现场光源

前面已经有提到，有时可以利用现场光源来辅助，或是根本拿现场光当作主光，而以灯光来修饰，可是必须考虑，现场光必须是稳定而可信赖的，夕阳快下山时及朝阳初上的自然日光由於色温变化和亮度变化鉅大，因此就不能拿来当做拍摄时的光源，除非您有把握短时间内可以拍成，而且一次搞定不NG….难啦！其实电影裡男女主角在夕阳下谈情的情节，大多是人工的假夕阳，是灯光效果的啦！真的在夕阳下拍？除您有能力控制太阳，或是您钱多，今天拍不成，所有的人及道具器材全部原地不动，明天、后天、大后天再拍……只怕拍一年都不一定能拍成呢！

利用色温控制影像色彩

拍夕阳的时候，可以故意把色温值调很高，如5600K，这样拍出来的色调会较红润，顏色较饱和。

正午大反差的太阳下，故意用低色温值，并且缩小光圈至接近黑暗，用感光不足的方式可以拍出模拟夜晚的“日光夜景”，例如男女主角晚上在海边追逐的全景戏，您不会真的晚上到海边打灯来拍吧！借白天来模拟是比较可行的做法，除了好莱坞的大片厂，否则世界上大多数的电影导演，都寧可用日光夜景。

还有许多效果，例如黑暗地方透出偏蓝光线；晨曦中一片蓝濛的感觉；近黄色调，彷彿逝去岁月；偏红温暖的角落…..这些都可以利用色温来控制出特殊色调。

第三篇：影视拍摄灯光教学色温

影视拍摄灯光教学色温

谈到光，就必须解释有关色温的问题，大多玩摄影机的人，或多或少都知道“色温”这个东西，不过对色温的原理可能就一知半解，知其然却不知所以然。而实际的状况是，只要您读过国中物理，您一定还记得「绝对温度」，又称為「凯氏温度」的东西。其中0°K绝对零度，正好是摄氏-273℃，所以20℃是20+273=293°K

色温3200K的意思是指实验室黑体在高温3200°K(2927℃)时发出之「光色」，K代表绝对温度单位。色温3200K时光色比较接近红色，记得铁烧到千度以上时不正是烧红发光之时吗！而红铁继续加温，光芒会愈来愈亮，愈来愈接近白色，如果能控制不融化散开的话，您将发现光芒愈来愈接近蓝色（像瓦斯炉火发出的蓝色）。

趋近红光，色温低，波长长，单位直线传送距离远，易被吸收，所以红光常拿来做警示用灯光。趋近蓝光，色温高，波长短，单位直线传送距离近，易被反射，天空是蓝色的，海水是蓝色的，都是因為蓝色被反射出来，而红色被吸收走了，所以我们看不到。如果惰况是相反的话，那我们的天空和海水将是红的。

人类对顏色的感受，来自於光以及光的反射，光线进入眼睛之后，透过视神经的感受而分辨出各种顏色。由於人眼有自动调节的功能，所以即使在不同的光源下，我们仍能分辨出物体顏色的差别，所以在3200K的钨丝灯光下看到物体呈现的顏色，和拿到5000K的太阳光下所看到的顏色不会差太多。

但是摄影机或是底片，靠的是电子式或化学式的分光方式来反应出光的色彩比例（三原色或三原光的比例），机器没有办法自动调节顏色的差别，所以纪录出来的色彩是完全地反应。

因此，我们在灯光下拍摄时看到的是正常顏色，但如果没有去调整机器对色温的感度，会发现东西拿到日光下时，整个顏色都不对，红色系列都不太明显，整个画面是「偏蓝」的。

同样地，如果在日光拍摄时看到的是正常顏色，未调整机器对色温的感度，把物体拿到灯光下时，看到的顏色是少了蓝色系列，「偏红」的画面。

这个情况是我们拍摄ENG常会碰到的，从室内灯光环境下拍摄，有时带到窗户透进来的太阳光，就会发现太阳光是蓝色的，而肉眼看到的却是正常的。

因此在用ENG摄影前，我们必须做「对白」（一说：白平衡）的工作，把现场的色温以「白色」当成标準来做一个「归零」的动作，让摄影机在现场的光源下，以我们所知的白色物体（通常是白纸）所呈现出来的「色泽」当成标準的白色，这样其他的顏色就可以有一个标準可依循，摄影机就可以呈现出较接近真实的色彩。

职业用摄影机，色温要求的标準相当高，因此大多会有2段以上的色温板(3200K、5600K)，广播级的甚至有四段以上(3200K、4500K、5600K、6300K)，分得愈细，精密度就较高，相对的宽容度就愈低，因此在使用较高级的摄影机时，摄影人员得格外注意光的变化。其实，愈精密的机器，拍出来的画面自然也就愈好看，但是相对地，出错的机会也就愈大。

不过，幸好科技是一直在进步的，目前新一代的数位摄影机，对色温的控制性愈来愈高，同时也较以前的更加準确。也许有朝一日，「对白」会变成多餘的工作，到时要很高级的机器才有「手动」对色温的功能呢！现在很多照相机不正是这样吗？要高级的机种才有手动调焦，手动对光圈的「功能」。

有些时候，可以利用色温来营造不同的影像感，例如故意的偏蓝，可以呈现较「冷」的调性，故意偏红，可以呈现出「温暖」的感觉；在同一个画面上甚至可以同时出现偏红、偏蓝以及标準的三种不同色温，以表现影像上的艺术感……

不过得提醒大家，玩色温前一定要先完全了解「色温」，并待有功力可以控制色温时才来玩色温，毕竟有些东西是要靠经验累积后，拿捏得住分寸时才能拿来用的，否则还没学会跑就学人家飞，可会摔个鼻青脸肿的。

另外，还是先向大家提一下，有一个常常让初学者和色温搞混的“色光”，色光是指利用的专用的灯光色纸或色板放在灯具前打出“有顏色的灯光”，这种光大部分是用来做「效果光」、「气氛光」，营造拍摄场景的特殊效果。

这种色纸有红橙黄绿蓝靛紫……各种顏色都有，打出来的光线当然也会影响到色温值的高低，但是请注意，效果光是属於“环境光”，和拍摄需要的“照明光”的用途是不一样的。

环境光反而比较像墙壁上的色彩，是应该忠实呈现“光”的原色泽在画面上，拍摄时该红的拍出来就应该是红光，该黄的就该是黄光，若是您在***效果光下做“对白”动作，如果能对应出色温的话（可能一两千度以内），您会发现拍出来的画面没有***效果光的感觉，黄光下照出的白纸应该是“黄”色的，但是在画面上却是“白色”的……结果反而没有还原现场该有的色彩，您眼睛看到的色彩。

因此，在碰到上述情况时，我们必须先决定“照明光”是以哪一种色温為主（一般多会以3200K的标準灯光色温為主，不过也有以5600K日光色温来当基準的），将摄影机设定到这个基準值之后，才来加上色纸打效果光。

上述的情况在拍摄打有舞台灯光的场所最容易发生错误，尤其拍舞台剧、舞蹈表演等需有大量艺术色光呈现气氛的场合，许多人会拿白纸找最亮的光源“对白”，可是拍完后回去看到的画面顏色却和现场所见大不相同……

如果您用的是家用摄影机有“自动白平衡”或是专业一些有“AWB”自动对白功能的机种，您更会发现，拍出来的画面一直在缓慢的乱“变色”！原因无它，因為自动对白功能和“自动光圈”的功能是一样的，机器是捕捉某个范围的光线来计算“平均色温”，如果光源一直在变化，自然色温值就跟著乱动。

解决的方法其实非常简单，大部分把机器调成预设的“灯光”（3200K）,然后就可以拍摄了，由於舞台大多使用3200K标準色温的灯光来打光，因此用这个来当基準值，可以呈现出该有的色彩。当然，某些特殊场合也有人会用其他的色温值来打光（如日光5600K），不过机会不多啦！如果您判断的出来，也可以去试著调整机器的色温控制来看看。

拍ENG在现在可是轻鬆多了，机器都有“对白”的功能，拍电影的胶片摄影机和古早以

前的电视摄影机，没有对白功能，要拍外景时如果有色温的问题，可就没那麼轻鬆了。要用一种色温计，跟拍照用的测光计很像，对著主要光源量出色温之后，还要去找相对应的「色温镜片」来掛在镜头前改变色温值，若是太匆忙忘了换算或算错了，那拍回去的东西可就……（电影还可以在冲洗的时候用「调光」的方式来修饰，录影的可就惨矣！）简易色温表

蜡烛及火光

1900K以下朝阳及夕阳

2000K 家用钨丝灯

2900K 日出后一小时阳光

3500K 摄影用钨丝灯

3200K 早晨及午后阳光

4300K 摄影用石英灯

3200K平常白昼

5000~6000K 220 Ｖ 日光灯

3500~4000K晴天中午太阳

5400K 普通日光灯

4500~6000K 阴天

6000K以上 HMI灯

5600K 晴天时的阴影下

6000~7000K 水银灯

5800K 雪地

7000~8500K

电视萤光幕

5500~8000K 蓝天无云的天空

10000K以上

第四篇：拍摄心得

拍摄心得

摄像拍摄是一种态度！团队精神是一种灵魂！

在拍摄的过程中，我深深明白了上面两句话的内涵，这是最大的感受。拍摄方面的心得包括以下在使用摄像机拍摄后深有感触的心得。

第一、剧本

一剧之本是剧本。对于一部好的拍摄作品前提是，必须要有一部好的剧本，好的剧本包括，立意深远，反映现实，憧憬未来。

当然，当有了剧本之后，最重要的是，理解剧本，分析剧本，首先保证其可行性，再从整体上把握整个剧本，然后是做好脚本的工作。拍摄者对于剧本，必须要将每一个镜头都在脑袋中刻印出来，包括景别，拍摄角度和技巧。做好整个的剧本的脚本把握等于成功了一半。

第二、演员

如何得到预期的效果，除了环境，道具，拍摄技巧后，最重要的是演员。拍摄前做好演员的选择，要有表现力，善于演并乐于演！

再确定演员之后，要努力与演员沟通，让演员理解角色，理解剧本，缓解紧张。拍摄中要说明白你需要的效果，以及剧情的细节演绎问题。演员要能够配合摄像师的要求，懂得摄像师的一些特定手势和暗示动作。

第三、实战拍摄

每一件事，不管你事前的准备工作做得如何精细，都无法保证在实施的过程中万无一失。尤其是拍摄，他与天气，环境，演员发挥都息息相关。一到了实拍，那问题可多了去了，真是说多了是事故，说深了是寓言哪！比如布光的问题、录音的问题，固定拍摄和运动拍摄的问题，特殊拍摄的问题等等。

在拍摄的过程中，要学会适应环境，不能被动地追求环境，在拍摄中要学会尝试各种不能角度的把握，各种拍摄方式的的灵活运用，动态与静态结合，大胆尝试未用过的技巧，学会创新，这是好的摄像作品成功所必备的要素。同时也是好的摄像师所具备的最重要的素质。

当然最基本的拍摄技巧要掌握娴熟，比如固定拍摄最好借助三脚架，一定要在拍摄前把三脚架调试到平滑顺畅的操作位置，如果抓拍时没有三脚架，那么也可能借助固定水平物体或同伴身体支撑，尽量使拍摄的双手与支撑体构成三角形。

运动拍摄中摇摄，主要靠过硬的拍摄姿势和目测能力；而可以用平稳的蟹行步伐加以前景配合进行移摄，若想简化或避开杂乱的背景，可用虚焦结合仰拍的手法。(蓝天白云是最好的单一背景，同时起到蓝屏的作用，便于后期的修改或添加特技

第四，拍摄结束

拍摄结束一定要大致地看一下，保证拍摄过程中不会出现一些缺乏声音，曝光过强，穿帮等等低级错误！因为如果镜头失误，回来后再想补拍是非常麻烦的事！

以上就是此次拍摄过程中，所想所悟的一些问题。

第五篇：拍摄心得

《xxx宣传片》拍摄总结

——xxxx 终于明白眼高手低，最后就是什么也做不了。之前在拉镜头、想脚本的时候，觉得一切都很简单，只要想法到了就行，通过这次作业，我收获最大的就是，自己平时太不够认真细致了，而且缺乏技术练习，一切都想当然，所以，这次的作业没有达到自己预期的效果。因此，我总结出一下几点经验教训：

首先，选定题目题材之后，自己一定要深入了解自己的选题对象，然后多做研究，根据实际情况再制定切实可行的行动方案。这次我们拍摄xxxx的专题片，一方面是自己对其有一定的了解，另一方面就是xxx确实缺少有关xxx的影像作品，这是我们作业的优势方面，但同时，我们也暴露出一些问题，就是在跟xxxx管理层面沟通的时候，我们没有做好足够的准备，虽然领导支持也表示能拍好的话就做宣传用，但是由于当时去沟通时，没有完整的拍摄方案和具体的资料，没有引起领导的足够重视，所以自己很多的拍摄想法在后来不得不放弃。

其次，在拍摄方案制定后，镜头脚步的制作过于粗糙，完全是想法想到哪就写到哪，没有结合拍摄的实际操作进行写作，所以，在拍摄时，还是拍了很多的费镜头，而一些脚本上必要的镜头却因为实际操作原因，没办法实现。这个缺点在后期剪辑的过程中尤为突出！所以，感觉自己平时的专业技术很不扎实！需要多加锻炼！

第三，在拍摄过程中，对摄像机的操作不熟练，尤其是手持摄像机时，抖动很厉害，这些问题对后期素材剪辑影响非常大。一些重要的镜头不是抖动就是拍摄的时间太短，剪辑时不得不补拍很多镜头，但即使这样，最后剪辑过程中，仍会出现需要的镜头不合格，镜头素材拍的太少质量太低，这些都制约了后面的剪辑思路

第四，后期剪辑过程中，最大的问题就是对软件操作的不熟悉！这是很严重的问题，一开始进行剪辑时，由于对软件不熟悉，结果粗剪之后才发现软件导不出文件，又花费大量的时间来熟悉软件。在剪辑的过程中，对画面色彩、曝光等问题处理不熟练，直接导致了作业颜色混乱，色调昏暗的问题，在对音频的制作处理上也不熟悉，在录音过程中，没有做好音频处理的准备，结果最后的录音效果不是很理想。

这次作业，暴露了我很多的问题，虽然最后的作业成品不让人满意，却让我清楚的知道了自己的缺陷具体在哪里。所以，在以后的学习中，我要踏实认真，多加强实际操作的练习，争取下次的作品能够有比较大的进步。