美术鉴赏是运用感知

第一篇：美术鉴赏是运用感知

美术鉴赏是运用感知、记忆、经验、知识，对美术作品进行感受、体验、分析、判断而获得审美享受和美术知识的过程。通过不断的美术鉴赏活动，可以提高人的审美趣味、陶冶高尚情操，提高人的艺术品味。

经过一学期《美术鉴赏》课的学习，欣赏到了许多东西方不同类型的美术作品、绘画风格，对东西方美术的发展有了初步的了解，并从中感受到了东西方艺术的特点与异同。西方是以人作为艺术表现对象的主体，主体是人物，从古到今，都是这样。因此，在一个人身上，体现出的每一个时代的审美观点也不一样。比方从希腊、罗马时代到拉斐尔、提香、达•芬奇，这些人表现的人体是很古典的，很完整的。那么波提切利则不同了，他表现人体的韵律感、线、节奏，多方面地表现人体。因为时代不同，每个人的感受也不同：比方画人，达芬奇的《蒙娜丽莎》与凡高的《自画像》，都是肖像画，但两者就完全不一样了，同样的肖像，他们画得都很像，都达到了艺术的高峰，但是，每个人都不一样，每个时代的差异很大很大。另外，西方古代绘画都是以人为主题，树木、风景只是作为一种陪衬，作为一种背景，是次要的，到后来获得了独立的发展，才有了风景画、花卉等独立的画种。西方的大师画人物，也画风景、静物、肖像，对象只是作为启发他感受的一个材料，什么东西都可以感受，都可以入画，都可以进入到他的感情。在这个问题上东西有很大的区别。西方早期的风景画，也不是实际的写生，而是在室内闭门造车，画一个大概，因而不是太生动。西方真正的风景画，是印象派油画，真正是对景写生，画出自己不同的感受。每一种风景里面，早上、中午、晚上，即使同一个对象也不一样，这是很写实的。中国画的构图以山水风景为主，一般都是立幅的，山从下面开始，一层一层往上。它的构图比较雷同，可以归纳为四个字：起、承、转、合。“起”，往往都是从几棵树，或者一个沙坡，或者石头、水、亭子开始。“起” 之后，另外一个山来接过去，叫做“承”。“承”之后，因为很长，要适应这个画面，那么要变化，叫“转”，扭曲一下。转到最后，要“合”。这是中国山水画构图的四个字。我们看东西，远景、中景比较丰富??因为远了，形象丰富、重叠，而近的东西则单调。

美术鉴赏这门学问改变了人们的观看方式。美术鉴赏是运用自己的视觉感知、过去已经有的生活经验和文化知识对美术作品进行感受、体验、联想、分析和判断，获得审美享受，并理解美术作品与美术现象的活动。

第二篇：漂亮是美术鉴赏的标准吗

漂亮是美术鉴赏的标准吗——艺术美和形式美

教学内容

一、导入新课：

美术作品的三种类型我们已经学完了，接下来同学们看这一组图片，找出哪个是自然美、哪个是社会美，哪个是艺术美。自然美是指客观世界中自然物、自然现象的美。所谓社会美,主要是指社会人的美。很好同学们也能感受到艺术能给我们带来一种审美感受，那么接下来同学们想一下：漂亮是鉴赏美术的标准吗？同学：不是。那么我们该怎么鉴赏美术呢。我们这节课就来具体的了解一节美术作品中的艺术美和形式美。

二、展开新课：

1、什么是艺术美，它有哪些表现？

罗丹的《欧米艾尔》，我们能不能用“漂亮”、“好看”来形容这种作品的艺术美呢？罗丹所雕刻的是一个什么样的形象。它给你什么样的感受？从社会、自然、艺术的角度来比较《欧米艾尔》是“美”是“丑”，罗丹是如何使我们感到“艺术美”的？ 社会的角度——出卖肉体的妓女是“美”还是“丑”？

自然的角度——风烛残年、浑身皱纹等是“美”还是“丑”？

艺术的角度——构思上通过揭示社会的丑,暗示对理想社会的向往是美是丑？技艺上的娴熟是“美”还是“丑”？

她年轻的时候是一个模特，美貌动人，可这时是风烛残年，命不久矣。他的皮肤已松弛、背已弯曲，浑身充满皱纹。罗丹以极写实的手法，记录了老年人身上一切不忍目睹的肉体形态。但是罗丹绝不是仅仅为了再现老年人丑陋的肉体，而是用无以伦比的丑陋形态，象征人贪欲的结局，即对人因追求享乐而犯下的“罪恶”及其堕落的报应和惩罚。这在资本主义金钱竞争、享乐造成的灾难的年代，无疑是一种反思，是用丑陋的肉体形象对当代人类行为的反思，也是对人的悲惨命运的反思。由内容形象的“丑”、独特的构思和精湛的技巧所创造的形象，使我们产生无限的联想和审美上的震撼。这就是艺术作品所集中传递给我们的一种残缺的美，或者说是“凄美”。

我们在看这幅徐悲鸿的马它与现实生活中的马也是不一样的，画家用笔墨呢却表现出了马的形与神。马的形态和结构都很严谨。

可以看出美术作品中的艺术美不是等同于现实中的“漂亮”和“好看”，而是通过特定的美术形象表现出来的艺术自身的“美”。所谓美术形象既是指一件作品中个别的、具体的、完整的艺术形象，也是指一件美术作品中由这个个别的、具体的、完整的艺术形象按照一定形式所形成的综合的、整体的艺术形象。

但是这种美术形象不是与生活完全等同的，而是艺术家利用美术的语言，并按照美的规律与法则对现实生活进行抽离、集中、概括、综合以致改造的结果，它反映了艺术家个人和时代的精神和审美理想。

接下来同学们开这是什么向日葵是不是我们生活中的事物，然后画家根据这一事物提取对象，然后将对象进行综合的艺术出来，他是不是融入了画家的观点，最后成为一件艺术品。接下来同学们对比一下这两幅图片，看看马奔跑的动态，看看有什么发现？19世纪法国画家热里柯的《艾普色姆的赛马》描绘的是生活中一个赛马的场景。画中的天空乌云密布，赛马选手们快马加鞭。尤其是马四谛张来、疾驰奔腾的样子，更是我们如身临其境，产生真实的感觉。可是当我们看到记录马奔跑过程的连续摄影的时候，我们发现，其实画家所表现的马的奔跑动作并不真实，他只不过是表现出了马奔跑的感觉。同时画家还特以低矮、翻腾的云层和阴暗的光线营造出一种赛马时的紧张气氛。这就是艺术美和形式美所表现出来的特有的魅力。

《开国大典》的摄影相片与油画作品比较 摄影作品是真实的场面和形象——分散、零乱、主题不突出。

油画作品是经过改造后的艺术形象——庄严感、气势宏伟、形象典型、主题突出、鲜明。这些都是艺术美和形式美所表现出来的特有的魅力。

那么究竟什么是艺术美呢？人们称这种综合了主观与客观、个人审美与时代精神的艺术形象为“典型形象”或“艺术典型”，又根据它与现实生活的关系而称之为“第二自然”，即“艺术美”。这就是艺术美。

2、什么是形式美，如何理解和把握形式美?

在原始社会的时候，人们经常把动物的牙齿串起来挂在脖子上，同学们知道这是为什么吗？在开始他是作为一种勇敢的象征，或乞求神赐于力量。久而久之，随着时间的推移，这种形式逐步脱离了原来的使用价值。人们看到他们时会自然而然的产生一种亲切感，这时候，他已经成为一种装饰品，成为一种时尚，一种形式上的美感。这就是形式美。

我们先来看一下中国画家潘天寿的《雄视》这件作品，他首先给我们的第一视觉是什么是一种中国画所常用的竖副构图，其中的主角鹰被安排到画面的顶部，与倒三角的山石形成险峻的感觉，左下角以松针呼应，从而产生视觉上的呼应，产生视觉上的平衡，在艺术语言运用上，山石的长线条与鹰的磨快形成对比，中间以点来造成过度。这一切就构成了画面的韵律、节奏、对比与平衡，也就是对立与统一的形式变化。这种情景在我们现实生活中是很难看到这样的情景的，这就是画家所造成的一种美术的形式美。这说明美术作品除了艺术美之外还有形式所传达出的美，即形式美，它不仅包含在艺术美中，其本身也是具有独立的审美价值。

“形式”一词具有两个方面的含义，一是指形体、形态，即个别事物呈现出来的样子；一是指形体或形态借助语言手段和语言规则呈现出来的整体的艺术形象。构成形式的主要三个方面：

1、美术的语言要素：（点、线、面、色）及其所形成的形态变化。

2、语言手段：（明暗、空间、透视、构图、肌理）及其所构成的审美意象。

3、语言规则（变化与统一、对比与和谐、对称与均衡、比例与尺度、节奏与韵律等）及其所构成的审美关系。

美术作品的形式美主要就来于此。

美术作品的形式美首先是由美术的基本语言元素（点、线、面、色）构成的，他们是产生美术作品形式美的基础，特别是在意象艺术和抽象艺术中，这一点的表现得更加突出。比如抽象艺术就是用纯粹的电线面来表现。首先来看语言要素形式美：中国画家黄宾虹的山水他就是完全用书法中的点和线来构成他作品的形式美的。

《正方形的礼赞：去年》亚伯斯则是用全部的几何形色块的组成来形成其形式美。亚伯斯一贯追求有系统、有秩序、实验性、简洁的构成，呈现色彩与直线间的精确呼应关系，他所表现的重心在追求形与形间、色和色间的关系与平衡。在理性的几何硬框中隐然带有感性的意图，表现暖色与寒色、寒色与寒色相比邻所产生的聚散与前后推移的空间感。

北京音乐厅前的音符钢雕他也是用简单的艺术语言点线面来构成他这种特有的形式美感。那么美术语言能给人带来一种形式美，在进一步，美术的语言元素又必须通过其特定的语言手段才能实现更为丰富的形式美。通过特定的语言手段形式美更为丰富。比如说明暗、空间、透视、构图、肌理等等。

接下来我们看这幅伦勃朗的《夜巡》这幅作品中运用了哪些语言手段？伦勃朗是17世纪荷兰大画家，不仅是杰出的油画家，他在肖像画、风俗画、风景画等方面都有很深的造诣，从而是他在美术史上享有崇高的地位。《夜巡》是伦勃朗创作盛期的重要代表作，他是荷兰首都阿姆斯特丹民兵总部定制的一幅群像肖像画。从这幅作品本身来讲，这一群像肖像画是富有创造性的。画家采用了接近戏剧舞台效果的表现手法，安排了一群民兵正接到命令准备集合出发去执行任务的情节，画家并有节奏的处理这些民兵们。民兵的负责人正在集合队伍，所以在画面上处于突出的地位，并好像正与他的部下边谈这话边向观众走来。其他的民兵，有的在击鼓，有的挑着旗，有的擦枪筒，有的举长枪，呈现出各种各样的举止神态，但都统一到准备集合出发这一情节上来。整个画面明暗对比强烈，但又极富有层次感。在这件作品中，画家把强烈的光线打在前景的主要人物身上，以使之成为画面的中心，然后又利用光线形成后面的几个次中心，产生节奏上的变化光线在这里既塑造了形体又制造出空间感，更重要的是使画面形成了特殊的形式上的美感，给人以流动和紧张的感觉。这就是这幅作品以光影变化给我们的一种形式美感。

接下来同学们看这幅波丘尼的《空间中连续性的形式》雕塑，他运用了哪些语言手段？是不是运用了语言空间手段带给我们的形式美。波丘尼是一位博览群书、才华横溢的艺术家。是未来主义的一个代表画家。他倡导艺术家应该积极投身于现代科技文明，在艺术中努力表现这些成就，鼓动艺术家去捕捉现代生活中的运动、生命和速度。所以说看他的个雕塑作品也是带有很强的运动感，在波丘尼的心目中，运动感的表现是艺术中的首要问题，因此他的作品总是充满着动感，波丘尼是未来派最有才华的艺术家，可惜在一战爆发时他自愿入伍，正当年富力强之时他战死前线，年仅34岁。天妒英才啊。

用厚厚的颜料作出肌理用来表现麦穗的那种感觉，他所运用的语言手段是肌理，同样能给我们带来肌理形式美。

我们现在知道了艺术语言带来的形式美比较单一，所以通过语言手段呢，形式美更为丰富。，除此之外呢，美术的语言元素和手段还必须按照一定的规则来运用才能创造出具有美感的形式。不是说你有了美术语言点线面，有了语言手段明暗空间透视等等就具有形式美感了，他还有一定的语言规则。这些语言规则包括变化与统一、对比与和谐、对称与均衡比例和尺度、节奏和韵律等。在这些规则中变化与统一是最重要的，他不仅涵盖了其他规则，而且反应了没的基本规律。

下面，我们就列举并结合一些实例做简单的解释。

1、变化和统一：你比如说伦勃朗的《夜巡》和意大利艺术家波丘尼的《空间中连续性的形式》表明，虽然他们以不同的形式语言处理各自作品中的造型和空间，单都在变化中达到视觉上的统一与和谐。在美术作品中，由于各种因素使美术形象变的不同，有变化，但是这种变化必须要达到高度的统一，使其统一于一个中心或主体部分，这样才能构成一种有机整体的形式，变化中带有对比，统一中含有协调。例如在达·芬奇的名作《最后的晚餐》中，十二个门徒的姿态和表情均不相同，极富变化，然而画家把他们三人一组地分置于耶稣两边，使处于明亮背景前的耶稣对统一画面发挥统摄作用，室内建筑的透视线又进一步加强了他的中心地位和形式上整体统一的视觉效果。

2、对比与和谐：看作品，指出作品中的对比，画家是怎样相互协调来达到和谐的？在林风眠的《静物》中，直立的玻璃水壶和水平的鱼、黑与白、背景上的橙与绿，都存在鲜明的对比，使画面具有很强的感染力。然而由于黑白在画中起主导作用，画面仍是和谐的。而潘天寿的《水仙》由于花丛方向与造型而使整体形式非常和谐，然而在花丛大小、位置、叶的交插及题字上又稍有变化。因此在美术作品中，对比与和谐，常常是某一方面居于主导的地位。

3、比例与尺度：古希腊前期人体比例规范被确定为7个头长，到后期又确定为8个头长，而在时装设计中甚至是九个头长或九个以上。中国古代画 论中所说“丈山尺树，寸马分人”讲了山 水画中山、树、马、人的大致比例。

4、对称与均衡：对称有完全的对称比如自然界中的螃蟹、蝴蝶、人体、建筑等等，还有一种并不完全的对称蓝衣妇女》，是一种带有变化成分的对称，使人感到人物形象既稳重端庄，又自然生动。所谓的均衡就是视觉上的均衡左边的坛子和右边的衬布就构成视觉均衡，均衡的法则使作品形式于稳定中更富于变化，因而显得活泼生动。

5、节奏与韵律：如音乐和舞蹈的节拍和节奏，节 奏存在于客观现实生活之中，象火车的车轮 声，人的呼吸，昼夜的交替都具有一定的节奏。

比如中国的古代塔，就像音乐一样具有节奏感。欣赏《中国古代塔》这些一层层有规律的变化，具有强烈的节奏感。如葛饰北斋《神奈川冲浪》中的波状线与曲线所构成的冲浪形象，就充满强烈的韵律感。

以上呢就是这五种语言规则带给我们的形式美。总之，美术作品作品中的形式美不论采用什么规则，最终必须做到变化与统一，机械的实用美术语言和美术手段不可能实现美，而只有变化没有统一，也不可能传达明确的美。

同学们看这幅作品是不是变化中还有统一。那么同学们你们看看能找出多少张脸。马克思说过，人类只有通过不断的实践（包括审美实践），才能培养“一种能感受形式美的眼睛”。这说明，虽然美术作品的艺术美和形式美直观性的一面可以立即为我们所把握，但只有通过不断的学习和实践，我们才能更敏锐的感受、更深刻的理解。

3、小结：

4、作品欣赏：

第三篇：漂亮是美术鉴赏的唯一标准吗

漂亮是美术鉴赏的标准吗

——艺术美和形式美 石阡民族中学

彭兴红

教学课时：一节课 教学方法：

1、我利用很多图片展示介绍知识，吸引学生注意力，使学生在兴趣中学习。

2、充分利用多媒体教具和图片，不断采用欣赏·启发·归纳相结合的教学方法。

教学设计思路：从综合美（自然美、社会美、艺术美）中，区分出艺术美及引出形式美，进一步对艺术美和形式美深入学习和体验，再从艺术美和形式美回到学生生活，发现身边的美，从而培养审美的眼睛。

教学目标：

1、通过本课的学习，让学生了解什么是艺术美以及掌握形式美的语言元素、语言手段、语言规则等相关知识。

2、通过一些美术作品的赏析，让学生学会运用形式美的相关知识和自己的经验，描述、分析自己身边的美与艺术的美。

3、通过本课的学习，让学生体验与感受美术作品的艺术美与形式美的同时，激发学生的审美欲望，促进学生审美观的发展。

教学重点：对艺术美与形式美的相关知识的掌握。

教学难点：运用艺术美与形式美的相关知识，对美术作品进行描述与分析。教学过程

一、导入：用多媒体展示雕塑图片《欧米艾尔》导入。

小结：美术作品的艺术美是艺术所特有的美。美术作品是由艺术家创造出的不同于现实生活的第二自然。它的美不同于一般人的“漂亮”或“好看”的审美观念。这种根深蒂固的观念不仅影响了人们对美术的认识，也有碍于对美术作品的鉴赏。

欣赏、判断

[提问]：罗丹的《欧米艾尔》，我们能不能用“漂亮”、“好看”来形容这种作品的艺术美呢？

[讲述] ：《欧米艾尔》既不“漂亮”，也不“好看”，但给我们以心灵和审美上的震撼。作品传递给我们一种“残缺美”或是“凄美”。

[提问]：漂亮、好看是美术鉴赏的标准吗？

[讲述]：如果我们要掌握美术鉴赏的标准，那么我们必须要了解什么是艺术美和形式美。

美术形象：指一件美术作品中个别的、具体的、完整的艺术形象，也是指一件美术作品中由这种个别的、具体的、完整的艺术形象所形成的综合的整体的艺术形象。

二、展开新课

1、什么是艺术美？它有哪些表现？ 比较、分析

（1）《开国大典》的摄影相片与油画作品比较

摄影作品是真实的场面和形象——分散、杂乱、主题不突出。

油画作品是经过改造后的艺术形象——庄严、气势宏伟、形象典型、主题突出、鲜明。

讨论、交流（2）《欧米艾尔》

[讨论内容] 请从社会、自然、艺术的角度来比较是“美”是“丑”，罗丹是如何使我们感到“艺术美”的？

[引导分析]

社会的角度——出卖肉体的妓女——是“美”还是“丑”？ 自然的角度——风烛残年、浑身皱纹等——是“美”还是“丑”？

本课所说的“美术形象”或“艺术形象”已经不是指某种具体美术类型中的特定形象，更不是指像具象艺术中的人物、环境、道具等可辨形象，而是包括了三种美术类型在内的美术作品所塑造出的“美术”的形象，是美术作品整体形象的体现，即存在于整个美术作品之中。美术作品的艺术美就存在于这种整体的美术形象之中。

美术作品中的艺术美不等同现实在的“漂亮”和“好看”，而是通过特定的美术形象表现出来的艺术自身的美。艺术美又称第二自然。是相对自然美来说的。

向日葵就像太阳，那浓烈的黄色调是光和热的象征，是内心翻腾的感情烈火的写照，但同时也似乎寓意着一种苦难，一种深重的苦难。曾经看过《梵高传》。传记里的梵高给我的印象有点神经质，有点悲情色彩。他狂热地爱着生命，也一直非常热爱这个世界。但是最终，穷困潦倒的生活，对亲人的歉疚，内心深处的折磨，灵魂的孤独与无助使得他选择了离开。他背叛了他所挚爱的向日葵，也给后人留下了很多遗憾与怀念。堪称梵高的化身的《向日葵》仅由绚丽的黄色色系组合。梵高认为黄色代表太阳的颜色，阳光又象征爱情，因此具有特殊意义。他以《向日葵》中的各种花姿来表达自我，有时甚至将自己比拟为向日葵。对于梵高而言，向日葵这种花是表现他思想的最佳题材。夏季短暂，向日葵的花期更是不长，梵高亦如向向日葵般结束自己短暂的一生，称他为向日葵画家，应该是恰如其分。

2、“什么是形式美？如何理解和把握形式美？”是从潘天寿的作品《雄视》开始讲解什么是和形式美的，指出美术作品的艺术美和形式美既相互包含、渗透又彼此具有独立性。这里先简单解释了什么“形式”，然后具体说明构成形式的三个主要方面：

1）.美术的语言元素（点、线、面、色）及其所形成的形态变化； 2）.语言手段（明暗、空间、透视、构图、肌理）及其所构成的审美意象； 3).语言规则（变化与统一、对比与和谐、对称与均衡、比例与尺度、节奏与韵律等）及其所构成的审美关系。美术作品的形式美主要就来自于此。

师生互动：欣赏图片，理解美术作品的形式美。用数学、物理、化学等手法相结合来处理美术作品所带来的美感。

总结：现实生活→提取对象→艺术处理→艺术美＋形式美→艺术作品＋鉴赏水平＝成功的艺术作品。我们学习美术的目的是培养审美素养。

欣赏、讨论、交流

赏析：卢浮宫三宝：《蒙娜丽莎》、《胜利女神》、《米洛斯的阿芙洛蒂特》。小测试：《蒙娜丽莎》

[提问]观察生活，发现自己身边的美，说说它们符合哪些形式美的法则？ 教学反思

我在设计教学方案时，被这样的一个问题所困惑：“学生在准专业学习阶段，教师如何精选对学生终身发展有用的知识？”我在这个问题的探究过程中，体验到探究的喜悦，感受到了自己在与新课程一同发展，教师是新课程的开发者和创造者。

本节课按照新课程的理念和目标来开展教学。有亮点也有不足之处。亮点：

1、在教学中充分尊重学生已有的知识和经验，关注学生生活，开发学生身边的教学资源。如：应用审美知识，欣赏校园和月亮湾的景观。

2、在教学中充分突出学科的鲜明的品性（情感性），让学生体验作品独特的艺术风貌，从而提高学生的艺术感觉力和判断力。

3、设计“学生学习自我反思及教师建议表”内容，有利于学生自我改进学习，也有利于教师了解学生、反思教学和改进教学，从而体现“以学论教”的评价观念。

不足之处：

1、本节课的设计是开放性（加强美术与生活的联系）的，但在教学的过程中，表现出了预设性过强，学生不太习惯提出个人感兴趣的问题，在后来的几节课中，很少出现“意外”，虽然学生们都参与了各科活动，但课堂气氛仍不够活跃。

2、在教学过程中（赏析作品时），注重体现美术与生活、美术与文化等方面的引导，但对美术作品的技巧性提及不多。

3、在学生反馈的意见中，提到欣赏的作品太少，不利于拓宽学生的审美视野。

新课程是师生共同成长的一个平台，我会充分利用这一平台，在促进学生发展的同时，不断改进和完善自己的教学。

第四篇：美术鉴赏

美 是 一 种 体 验

系

院：生物与化学工程学院

专

业：化学工程与工艺

姓

名：蔡晓亚

学

号：105010640030

上课时间：周日7-8节

什么是美?如果说要给美下一个确切的定义，我觉得是很难表达出它的神韵和内涵的。美是我们内心深处的最美好的东西，她是柔软的，她是无法言状的，只要我们用心去体会，我们就会体会到很多很多的美——大自然的美、人性的美、艺术的美、心灵的美、语言的美、意境的美······就像卡西尔说的“美的品格和本性根本不需要任何复杂而难以捉摸的形而上学理论来解释，美就是人类经验的组成部分”，是一种思想上的回归。

我是觉得，欣赏美和判断什么是美是一个人的本能，就像我觉得人本能是好奇的，喜欢未知的是一样的。我很想了解其他人是怎样看待美，分析美，特别是那些先哲们是怎样讨论美的，比如论语上关于美的经验的那句话，说一个人要先学诗，再学礼，可理解为先用最单纯的方式领会美，再知道规则，结合西方对美学的看法，我觉得很精妙。

柏拉图的理念论我以前有些了解，只是没有看过他对美的看法著作中的原话，他说美的背后有美的理念，我很早就赞同这种方式；当然他的理念论本身就是一个创举，在罗素看来，至少一点是现在都在用的，就是一个事物和其形式是不同的。

爱与美的关系，很多人都想过吧，因为美才爱，还是因为爱才美，我觉得对于亲历的具体事物这要是想清楚了，心理上会有踏实和深刻的感觉，然而却远离了最初的、单纯而美好的、最真实的东西，是可惜的——有很多事情都是知道的越多就越不好。是否得不到的东西，才想拼命追求；得到了反而放弃？人有很多天生的缺陷，是他自己无法克服的，这点可能就是吧。

说花红和花美从词性来讲是一样的，红是表达事物性质的形容词，美是表达主体情感的感叹词，表达花红时说红，表达花美时却可以说“啊”，一个“啊”字表达了对花的无以言表的赞美，我觉得非常贴切。

美是无处不在的，在漫长的历史中，各个时期的美术都具有鲜明的色彩，各个艺术家们用他们独特的体验展现他们对美的认识，并将他们眼中的美记录、流传下来让后人们品评、欣赏。

在中国传统文化积淀中的美术家们用他们的智慧创造出一幅幅精美绝伦的作品，用他们的体验阐释对美的理解。中国封建时代的人物画家中最著名的当推东晋顾恺之，他的《女史箴图》用笔如春蚕吐丝，紧动连绵，循环超乎，格调逸易，风趋电疾。唐代张宣的《捣练图》描写贵族妇女的风俗画。阎立本的《步辇图》描写文成公主与松赞干布这一汉藏两族通婚的史实。五代顾闳中的《韩熙载夜宴图》则描写纵情声色的贵族生活。另一幅杰出的作品是宋代张择端的《清明上河图》，他把汴河的繁华景象构成长卷格式的风俗画，汴河上的各种人物、景物无不具体而生动，真实的展示了当时的社会生活风貌，对古代工程技术也做了正确的描画，在绘画史上具有重要的价值。自南朝开始出现专门从事山水画的画家宗丙、王微，其后又有唐代张藻，把山水画又推进了一步，他们还都写下了山水画论，从此山水画在东方持续发展，直至今日。自五代以后则及其丰富，如荆浩的《国庐图》，关全的《关山行旅图》、《山溪待渡图》，董源的《潇湘图》；宋代巨然的《万壑松风图》、范宽的《雪景翰林图》、元代黄公望的《富春山图》等不列盛举。这些山水画都有博大与精微相结合的特色，体现着东方的上水美学观。画鸟画家有五代的黄荃、徐熙，宋代的赵佶、翟白、赵昌等。自汉魏发展起来的石窟壁画，以敦煌莫高窟为最盛，题材属宗教内容，但也不同程度的反映着时代思想和现实，显示出中古时代中国美术家的丰富想象力和创造才能。元代以后，文人画形成了中国美术史上的一个庞大而重大的一个支脉，实际上成为主流，他的流风余韵至今还有很大的影响。文人画强调画家要有画外功，即文学修养。宫廷美术，宗教美术，和文人画中有许多艺术的精华，具有很高的审美价值，是民族的精神财富。如此多的美术文化财产创造出了中国美术史的辉煌。从中我们不难发现，其实这些美术或者说艺术作品都是作者通过自己的体验展现出来的，这样的作品给人的美的感受是生动可感的，让欣赏这些艺术的人们能带着自己的体验进入其意境中感受艺术之美，寻找自己的体验和美。

对于我来说，我不像那些哲学家或者诗人那样对美有深刻的理解，但是我相信美是一种体验，只有自己体验了，自己才会有自己的认识和体会，才会对美有一定的认识和理解。下面我就谈一下我对一些没美的体验、认识以及理解。

曾经见过这样一副画，苍白的流水，苍白的雾，还有雾中若隐若现苍白的树木，这样一副画，给你的或许是平淡的心境，可是入眼的那一刻，你难道不是震撼着的吗?在那一片苍茫中，你的灵魂你的所有悲欢在那一刹那间凝聚，然后淡开，就像那苍白的远山近水一样，慢慢晕开一片心的芬芳和涟漪。若非如此，它又如何进入你的心呢?所以是灵魂的触及还是视觉的流连，在乎你的心有多深入。就要看你的体验有多深，是否全身心的如入那种美的意境中。

我认为，大红大紫不仅仅只是火爆和性感，还有自信和智慧在里面。更甚者，你可曾体会到一个红衣女子渴望被安抚的软弱?红色是强有力的色彩，是热烈、冲动的色彩。约翰.伊顿教授描绘了受不同色彩刺激的红色。他说：在深红的底子上，红色平静下来，热度在熄灭着；在蓝绿色底子上，红色就像炽烈燃烧的火焰；在黄绿色底子上，红色变成一种冒失的、莽撞的闯入者，激烈而又寻常；在橙色的底子上，红色似乎被郁积着，暗淡而无生命，好像焦干了似的。教授的见解是源于他深刻的体验，正因为他有深刻的体验，他知道什么是真正的美，怎样去正确理解美，而不是停留在表层的认识。

以前见过一张照片，是一轮红日悬在山峰之上。有人说是朝阳，有人说是夕阳。我却坚持说是朝阳。他们断言是因为我内心喜欢朝阳的，所以才会主观臆断。其实是以为我觉得那轮红日太热闹了，没有夕阳的那份宁静致远。即使是在寂静的破晓，可是那份未经受雕琢和世俗的红，还是太热闹了。我是喜欢夕阳的，喜欢“一场愁醉酒醒后，夕阳却照深深远”的那种恍若隔世的淡然和出尘。也喜欢浓夏的傍晚，红日点燃滚滚红尘的爱和幸福，一切存在都变得珍贵，火一样的燃烧俗世，生命变得热烈而深刻。不过，我最喜欢的应该还是橘黄色落日。安静的，温柔的，像慈悲而悲伤的母亲，深情的凝视时间下的牵挂，为时间的所有存在和消失祈祷。这就是我的体验、我的感受，因为体验不同，所以认识不同，所以对美的事物的认识见解也就不同，但是那又有什么关系呢，美就是一种体验，我们可以有自己不同的认识，无需为了迎合别人而不忠于自己的体验和感受，只有我们忠于自己的体验和感受，这样的美才是真正的享受！

对于梵高，大家一定都不陌生，但是你知道他的金黄吗？以前我不明白他的向日葵为什么那么受欢迎，但是，看过他的大部分作品和听过他的平生之后，至少，我有了自己的理解，或许还是主观的吧。可是当我看到他的那一大片金黄之后，突然很感动，也觉得伤心。我想，梵高不停地，不停地用大把的金黄色来描绘他见到的一切，其实就是因为他追求一种存在的感觉。作为一个艺术家，不断地失败让他失去了存在的理由，可是作为一个热爱生命的人，他努力为自己争取更多的存在感。他把自己的一切都赋予了新的色彩，其实是因为他在努力平衡自己灰暗的世界。用金黄燃烧自己的理想和才华，用金黄装点自己干涸的世界，用金黄来填充内心的暗淡。他是那么努力地争取着，可是，当那一天，乌云满天，一个人的他一瞬间失去了积极的力量，灰暗迅速占领了他的意识。于是他挥笔画下了凌乱而纠缠的一团暗沉后自杀了。这只是我自己的理解，但是我看到了我自己想要的，这已经很好了。好的作品应该就是这样的吧，让不同的人得到自己的所需。这更加让我体会到，美是一种体验，需要自己去理解，而不是让别人告诉你美是什么，只有你自己体验了你才会真正明白什么是美，你想要的美是什么，这时你就不会在执着于美的概念于定义了，因为美没有确切的定义，不同的人有不同的理解，你想要什么样的美就需要你自己去体验!美的形态十分多样，变化无穷，其性能各异，或较为显著，或隐晦而难以捉摸，但是它总是在潜移默化之中给人造成一定的影响。每个人都可以描述个人的审美感受，对不同的审美对象做出自己的判断，得出自己的体验。

第五篇：美术鉴赏范文

略对美术作品鉴赏

今晚我们在老师的带领下，参观了美术系画展。面对琳琅满目的美术作品，我只能挑选一些给我留下印象深刻的作品进行鉴赏。

《小女孩》中的画面描绘了一个面带笑容，身着色彩鲜艳的和服，右手上有一只翩翩起舞的蝴蝶发小女孩。画中背景虽然色彩浅淡，且有大面积空白，但饱满的构图仍使画面显得完整充实。这样的构思主次有分，能使作者的主题更加突出，清晰明了。这幅画最成功的一点是以形写神，形神兼备，把人物的神情描绘的如此真实自然。观看者看了小女孩那天真无暇，甜美的笑容，自己也会不由自主地露出微笑。而且鲜艳的色彩，绘画的高雅同样是观看者的视觉享受。

其中一幅画描绘出了两个现代女子神情各异，但都望着地上，陷入遐想沉思中的情景。从画中可以看出，作者很注重人物眼神刻画，以及会利用画笔表达出人物的心理状态和内心活动。作者把两个女子的面无表情的坐在那里的情景描绘的如此淋漓尽致，惟妙惟肖。同时作者营造出一种美好境界，引发了观看者的想象联想。到底是什么导致这两个女子表情呆滞？是因对现状的无奈，还是因为对未来的迷茫。

还有一幅画以连绵不断的高耸的大山做背景，一个衣衫褴褛的小女孩的手上拿着锄头，旁边放着一个装满草的竹筐，还有一个比她还小的小男孩。小女孩用坚定的眼神望着远方。作者用有力的线条勾勒出小女孩的形象，写形传神。作者的创作意图是身处深山的小女孩并没有被周围恶劣的环境所打败，她依然对未来充满希冀，依然憧憬未来。这幅画让我们观看者一股奋发向上的力量。不管遇到什么困难，也不能失去对 未来的信心，勇往直前！

以上是我对美术作品做出的鉴赏。俗话说外行看热闹，内行看门道。要真正鉴赏美术作品，还应当了解一些美术基础知识，这是我写完这篇作文的深刻体会。