世界著名景观建筑师风景园林师（★）

第一篇：世界著名景观建筑师风景园林师

世界著名景观建筑师风景园林师

※ 彼得沃克，当今美国最具影响的园林设计师之一，哈佛大学设计系主任，美国SWA集团创始人，极简主义园林设计的代表。

随着西方，尤其是美国在20世纪60年代遭遇了前所未有的“能源危机”，社会变得日益动荡不安，这种急剧的变化使得人们不得不从各方面进行严肃认真的反思，艺术家们当然也无法置身其外。于是，各种新兴的艺术类型，肩负着反映社会各阶层现实状况的使命出现在历史舞台上，这其中就包括有极简主义。

极简主义，又称最低限度艺术，它是在早期的结构主义的基础上发展而来的一种艺术门类。最初，它主要通过一些绘画和雕塑作品得以表现。很快，极简主义艺术就被彼得•沃克（Peter Walker）、玛萨•舒瓦茨（Martha Schwartz）等先锋园林设计师运用到他们的设计作品中去，并在当时社会引起了很大的反响和争议。如今，随着时间的推移，极简主义园林已经日益为人们了解和认可。彼德•沃克是当今美国最具影响的园林设计师之一，由于他的作品带有强烈的极简主义色彩，他也被人们认为极简主义园林的代表者。

不管是谁，当看到他的作品时，大都会被其简洁现代的布置形式、古典的元素、浓重的原始气息、神秘的氛围所打动，这也是彼得•沃克作品的过人之处———艺术与园林的无声结合赋予了作品全新的含义。彼德•沃克于1932年出生在美国加利福尼亚帕萨德纳市。1955年在加州大学伯克利分校获得了他的风景园林学士学位。上学期间，他曾经在当时著名的设计师劳伦斯•海尔普林的事务所工作过一段时间。毋庸置疑，这一切为他今后的成就打下了良好的基础。毕业后，他去了哈佛大学研究生院攻读硕士学位。一年后，他与另一位著名的设计师佐佐木•英夫（sasaki）合伙成立了事务所，这也就是现在著名的SWA集团的前身。1976年，在完成了大量单一风格的作品后，感到有些厌倦的彼得•沃克决定去哈佛大学教授风景园林设计课程，并担任了系主任一职（1979－1981）。在那里，他遇见了他后来的妻子玛萨•舒瓦茨（当时玛萨•舒瓦茨还是他的学生）。由于有着共同的兴趣爱好，两人结合并合作成立了彼得•沃克－玛萨•舒瓦茨事务所。但是，数年后由于他们各自的设计思想存在着巨大分歧，事务所宣告解散，沃克与其他人先后成立了几家事务所，包括目前他与威廉•约翰逊合作的事务所。如今看来，彼德•沃克成为一名极简主义者是有其客观因素的。早年他在哈佛求学时，受到当时流行的现代主义的巨大影响，与他同时代的导师、学长们对于现代主义的追求深深感染了彼德•沃克，他也因此成为现代主义的忠实追随者。随着对园林认识的不断深入，彼德•沃克开始尝试着将自己喜爱的极简艺术结合到园林设计中。

需要说明的是，彼德•沃克曾是一名狂热的极简主义艺术爱好者，这也成为他日后运用极简艺术的主要动力源泉。其后的欧洲之旅，尤其是法国古典规则园林带给他的巨大冲击更加坚定了他将极简艺术运用到园林设计中的决心。在进行了一些初期的尝试之后，沃克发现这种结合的效果出乎意料的成功，它们所反映出的那种鲜明的特色“如同闪电一样照亮了昏暗的天空。”当时他设计的那些作品包括1980年和舒瓦茨合作的尼可庭院和1983年伯纳特公园等。初期设计尝试的成功促使沃克更加努力的发展自己的极简主义设计风格。他20世纪80年代中后期的一些作品标志着他这种风格的成熟，如1984年的唐纳喷泉、IBM索拉那园区规划、广场大厦以及1991年的市中心花园等。其中哈佛大学校园内的唐纳喷泉尤为典型。它位于一个交叉路口，是一个由159块巨石组成的圆形石阵，所有石块都镶嵌于草地之中，呈不规则排列状。石阵的中央是一座雾喷泉，喷出的水雾弥漫在石头上，喷泉会随着季节和时间而变化，到了冬天则由集中供热系统提供蒸汽，人们在经过或者穿越石阵时，会有强烈的神秘感。唐纳喷泉充分展示了沃克对于极简主义手法运用的纯熟。巨石阵源自他对英国远古巨石柱阵的研究，同时质朴的巨石与周围古典建筑风格完全协调，而圆形的布置方式则暗示着石阵与周围环境的联系。与其原型：安德鲁的雕塑作品“石之原野”比起来，这件作品从内容和功能上都已经超越了它，唐纳喷泉也因此被看做是沃克的一件典型的极简主义园林作品。步入晚年的沃克仍然在执著的追寻着设计的真谛。

进入20世纪90年代后，沃克的作品中有着相当明显的日本传统园林的影子，这既是他对日本园林的兴趣与研究的成果，也从某种程度上反映出极简主义与日本禅宗园林的某些设计思想有着相似之处：两者都崇尚简洁与自然。当然，作为一名西方设计师，沃克运用得最多的还是日本园林中的要素：竹子、石块、水体、沙砾等。这些特点主要表现在日本播磨科学城、索尼幕张技术中心、丰田艺术博物馆等设计作品中。极简主义与日本传统园林的有机结合可以看做是沃克设计思想的又一重大突破。彼得•沃克作为一位著名的园林设计师，数十年来设计了无数佳作，他因此也获得了包括ASLA设计奖在内许多重要奖项。此外，他还出版过《极简主义庭园》和《看不见的花园》这两本书来详细阐述自己的设计思想。对于他作为极简主义者这一重要特征，我们应该给与足够的重视，这不仅有利于我们更好的理解他的各种极简主义风格的园林作品，同时也对其他艺术门类在园林设计中的运用有重要的借鉴意义。

当你漫步于沃克的极简主义园林中时，不知是否会想起著名建筑师密斯•凡•德罗的那句名言：“少就是多”———简洁的形式中往往却包含了更深刻的意义。※ 弗雷德里克;劳;奥姆斯特德，景观设计之父；美国景观设计学的奠基人；纽约中央公园的设计者。

弗雷德里克;劳;奥姆斯特德(Frederick Law Olmsted)(1822-1903)被普遍认为是美国景观设计学的奠基人，是美国最重要的公园设计者。他最著名的作品是其与合伙人沃克(Calvert Vaux)(1824-1895)在100多年前共同设计的位于纽约市的中央公园（1858-1876）。这一事件既开了现代景观设计学之先河，更为重要的是，她标志着普通人生活景观的到来，美国的现代景观设计从中央公园起，就已不再是少数人所赏玩的奢侈品，而是普通公众身心愉悦的空间。他对结合考虑周围自然和公园的城市和社区建设方式将对现代景观设计继续产生重要影响。他是美国城市美化运动原则最早的倡导者之一，也是向美国景观引进郊外发展想法的最早的倡导者之一。奥姆斯特德的理沦和实践活动推动了美国自然风景园运动的发展。

弗雷德里克•劳•奥姆斯特德1822年出生在美国康涅狄格州的哈特福德，他是他的家族居住在该城市的第8代。在他4岁的时候母亲去世，从7岁开始他从住在一起的外乡牧师那里接受学校教育。他的父亲是-名成功的布料商，也是风景的爱好者，奥姆斯特德的假日大多花在与家人从新英格兰北部到纽约州北部“寻找美丽风景的旅行”中。1837年当奥姆斯特德即将进入耶鲁大学学习时，他受到严重的漆树中毒，这使得他视力下降，被迫放弃了正常的学业。

在接下去的20年里，他努力积累的经验和技能在后来景观设计职业的创立中发挥了积极的作用。他在一家纽约布类商店工作，并因与中国的贸易旅行了-年。在1848-1855年间，他学习了测量和工程学、化学、科学种田，并在斯塔滕岛上经营了一家农场。1850年，他和两个朋友用6个月的时间，在欧洲和不列颠诸岛上徒步旅游，从中不止领略到乡村景观，还参观了为数众多的公园和私人庄园。在 1852年，他出版了他的第一本书作《一个美国农夫在英格兰的游历与评论(Walks and Talks of all American Farmer in England)》。同年12月，作为《纽约时报》的-名记者，他开始了在仍受奴隶制统治的南方的旅行，这是他两次南方之旅的第-次。在1856-1860年间，他发表了3本关于南方的旅行说明和社会分析著作。在这段时期，他用他的笔杆反对奴隶制度的向西蔓延，争取南部各州奴隶制度的废除。1855-1857年间，他是一家出版公司的股东以及《普特南月刊(Putnam’s Monthly Magazine)》的主编，这是在文学和政治评论界首屈一指的杂志。在这期间，他有6个月的时间住在伦敦，并在欧洲大陆上多次旅行，其间访问了很多公园。

因而，当他开始以景观设计为业时，奥姆斯特德已经发展出一系列给他的设计工作指明目标的社会、政治价值观。从他在新英格兰所获得的优秀遗产中，他发展出对社区以及文化与教育等公共组织重要性的信奉。他往南方的旅行，以及与因1848年德意志革命失败而被放逐的革命者的友谊，使他坚信美国有必要证明共和政府和劳动力自由的优越性。他受到了一系列的影响，最初来自于他的父亲，此外，在景观艺术方面他阅读了如尤维达尔•普赖斯(Uvedale Price)、汉弗莱•雷普顿、威廉•吉尔平(William Gilpin)、威廉•申斯通(William Shenstone)和约翰•拉斯金(John Ruskin)等英国作家的著作，这些影响使他坚信艺术是将美国社会由近乎野蛮的状态改造成为他所认为的文明状态的好方法。

1857年秋，奥姆斯特德因在文学领域的影响，获得了纽约市中央公园负责人的位置。次年3月，他和卡儿弗特•沃克斯*在该公园的设计竞赛中胜出。在接下去的7年里，他主要负责了一些重要的规划项目：最初(1859-1861)是作为中央公园的首席设计师，负责公园建设；之后(1861～1863)任美国卫生委员会主席，负责审查所有联邦军队志愿兵的健康和军队环境卫生，并为军队制定了-套国家医疗保障系统；最后(1863～1865)，任加利福尼亚州大型金矿企业马里波萨工业区(Mariposa Estate)的经理。

1865年，奥姆斯特德回到纽约，与沃克斯共同完成他们在中央公园的工作，并设计了布鲁克林的希望公园。在接下去的30年里，直到他在1895年退休，奥姆斯特德创造了很多种设计典范，它们证明了景观设计学(他和沃克斯首先使用该词)职业能改善美国的生活质量。其中包括：大型的城市公园，主要为了景观体验以及缓解城市的人工感受和城市生活的压力；“公园道”，一种带有几种不同的交通方式(其中最重要的是为私人交通而保留的平坦的机动车路面)的宽阔的城市绿道，它们将公园连接起来，并进一步发挥了整个城市的公共绿地的优点；公园系统，为城市的所有居民提供了多种多样的公共娱乐设施，风景保护区，这是使特别优美的风景免于破坏和商用开发的保护区；郊外住宅区，将工作与居住区分开来，并创造了一种社区氛围和家庭生活的环境；私人住宅的庭院，在这里，园艺能开发居住者的审美意识和个性，还包括大量的使家庭活动得以转移到户外的“引人人胜的露天房间”；带宿舍区的机构，在这里，建筑的家庭尺度将为文明的生活方式提供一个培养场所，政府建筑的庭园，建筑物的功能任此将更为高效，通过精心的规划，使它们外观的庄严也有所增色。在以上每一领域，奥姆斯特德都创造出了一种独特的设计方法，显示了他眼光的全面性，也针对每一个项目都提出了独特的理念，在处理即便是最小的细节时也能发挥出超常的想像力。

在其职业生涯中，奥姆斯特德始终强调与其他行业的专家进行协作的重要性-尤其是工程师、园艺师和建筑师。而在1893年芝加哥举办的哥伦比亚博览会中，奥姆斯特德出任场地规划师时的角色则是这种协作关系的一个典型代表。对于规则而拘谨的名誉法庭(Court of Honor)建筑，他在伍迪德岛(the Wooded Island)和泻湖岸边配置大量的自然植被的过程中与东部的建筑师们真诚合作，同时他又和建筑形式更为自由的芝加哥建筑师们合作进行建筑外部环境设计。

奥姆斯特德相信打动人的感情是其工作的目标。这在他的公园设计上体现得尤为明显，他创造了景观通道，使游人能融入其中，体验到景观的陶冶，奥姆斯特德称这一过程是“无意识的”。为了完成这个目标，他在景观设计中追求的惟一目标是使景观体验更为深邃，所有的设计要素都要服务于此。奥姆斯特德总是追求超越现实的品味和风尚，他的设计基于人类心理学的基本原则之上。尤其值得一提的是，他提炼升华了英国早期自然主义景观理论家的分析以及他们对风景的“田园式”、“如画般”品质的强调。英格兰鹿园是田园景观的缩影，它具有空间扩展感，庭院修整得非常美丽，修剪过的草坪十分平整。他发现这种风格是缓解城市生活不良影响的良策。他在陡峭、破碎的地形中采用“图画般的”风格，大量培植了各种各样的地表植被、灌木、葡萄树和攀援植物，从而获得了一种丰富、广博而神秘的效果。他自己对这效果的最强烈体验是他1863年前往加利福尼亚时途经巴拿马海峡所感受到的。这两个风格都具有不确定性，在实际操作中都缺乏针对性。在奥姆斯特德的表述中，“风景(scenery)”一词并不是指能清晰见到并被明确定义的可视区域。它必须包括“近处光与影的重要组合，或远处细节的遮掩”两者之一。这些品质在风景对精神的无意识熏陶过程中是必要的。另外，作为美学敏感性的培养基础，它们也是设计的关键要素。“精巧”的品质包含了丰富多变、错综复杂性，以及纹理、色彩和色调的精细层次，这是奥姆斯特德艺术与文明化目标的基础。他教导到，检验文明程度的最终试验就是这种精巧，体现在“人们愿意对形式和色彩处理上的细小差别投入研究和劳动。”

代表作品：纽约中央公园

纽约中央公园南起59街，北抵110街，东西两侧被著名的第五大道和中央公园西大道所围合，中央公园名副其实地坐落在纽约曼哈顿岛的中央。340公顷的宏大面积使她与自由女神、帝国大厦等同为纽约乃至美国的象征。100多年后的今天，纽约中央公园依然是普通公众休闲、集会的场所。同时，数十公顷遮天蔽日的茂盛林木，也成为城市孤岛中各种野生动物最后的栖息地。※ 乔治·哈格里夫斯George Hargeaves，美国风景园林大师，哈格里夫斯设计事务所创始人，哈佛大学设计研究生院风景园林系主任，宾夕法尼亚大学、哈佛大学客座教授。

在过去的20年里，美国风景园林大师乔治·哈格里夫斯（George Hargeaves）在自然的物质性和人的内心世界深处之间架起一座桥梁，从而使我们对风景的精神有了更为深刻的认识。他所设计的、场所所特有的、充满诗意的风景充满了各种各样的互动性和隐喻，使我们惊醒并深收感动。

当前，风景园林事业正在向艺术和科学两个方向深入发展，世界上许许多多的风景园林师都在进行有益的尝试和积极的探索，并取得了令人瞩目的成就。从全球的角度来看，美国风景园林大师乔治·哈格里夫斯教授无疑是拓展当代风景园林艺术的杰出代表之一。当70、80年代，生态设计热潮席卷美国大地的时候，哈格里夫斯并没有随波逐流，而是理智、坚定地去开辟风景园林艺术的新天地，尽管这种探索在当时颇有风险，但是他义无反顾，他认为风景园林应该首先把艺术放在第一位，艺术是风景园林之灵魂。从哈格里夫斯的作品中，我们可以感悟到风景过程的神韵。美国评论家约翰·伯得斯利(John Beardsley)称赞哈格里夫斯为“风景过程的诗人”。美国风景园林大师、哈格里夫斯的老师彼得·沃克(Pele，Walker)认为他“不仅才华横溢，而且是其同代人中难得的表现模式可能性的人，(人们)可从他身上学会如何投身于设计实践中去。”迄今为止，哈格里夫斯教授的作品共获得包括美国风景园林师协会(ASLA)大奖在内的国内外各种奖项达57次之多，其代表作包括烛台点文化公园、广场公园、拜斯比公园、哥德鲁普河公园、辛辛那提大学总体规划、葡萄牙的Parque do Tejo e Trancao公园、澳大利亚的悉尼奥运会公共区域景观设计等。

哈格里夫斯于1977年毕业于佐治亚大学环境设计学院，获得风景园林学士学位(BLA)，1979年以优异成绩毕业于哈佛大学设计研究生院，获风景园林硕士学位(MLA)，毕业后他在美国著名的SWA设计集团工作，由于表现出色，两年后即被委以主要设计师的重任。1983年哈格里夫斯创立了自己的哈格里夫斯设计事务所，从而开始了风景园林艺术实践的新尝试，与此同时，他还先后在宾夕法尼亚大学、哈佛大学担任客座教授，从事风景园林的理论研究和教学工作。1996年起他担任哈佛大学设计研究生院风景园林系主任和以皮特·路易斯·哈伯克(Peter Louis Hombeck)命名的教授职务。

尽管哈格里夫斯的作品不多，但是其艺术的原创性和强烈的艺术感染力不仅受到业内人士的好评，还受到公众普遍的赞扬。从哈格里夫斯教授的作品中我们可以感悟到大自然的动力性和神秘感，基地特有的人与大地、水、风等自然要素的互动，以及历史和文化方面的参照。凡是亲身游历过哈格里夫斯作品的人，都会有一种强烈的现场心理体验，而这种感受仅凭相片和录像是难以表述清楚的。实际上，哈格里夫斯创造的是一种全方位的、动态的景观构图。欧洲传统园林的特点之一是具有“如画般”的、封闭式的构图，强调视觉上的和谐与均衡。而哈格里夫斯则认为对于当代风景园林设计来讲，开放式的构图更为重要。1982年，他在夏威夷亲眼目睹了龙卷风所带给大地的一种“令人惊骇的美”。那是一种完全不同于古典主义宁静的秩序、也不同于静态的如画般构图的景象。由此他产生了要表达另外一种自然美的愿望，变化、分解、崩溃和无序成为他日后探索的主要方向。

美国著名大地雕塑艺术家史密生的外向型作品如“沥青的倾泻”等，曾对哈格里夫斯产生丁重要的影响。通过对史密生作品的研习，哈格里夫斯顿悟到时间、重力、侵蚀等自然的物质性与人的出现可以发生互动作用。他认识到文化对自然系统会产生潜在的伤害，而生态学的方法又无视文化从而远离人们的生活。因此，他致力于探索介于文化和生态两者之间的方法即以物质性为本(physieality)，从基地的特定性(site-specific)去找寻风景过程的内涵，建立与人相关的框架，其结果是耐人寻味的和多样化的。哈格里夫斯把这种方法比喻为“建立过程，而不控制终端产品”。也就是说，他在基地建立一个舞台，让自然要素与人产生互动作用，哈格里夫斯称之为“环境剧场”。烛台点文化公园的风门和迎潮水湾、费德勒斯绿色室外剧场(Fiddlers Green Amphitheater)让水、风、人成为场地的动态要素。而德顿住宅花园(Dayton Garden)则让主人与现代雕塑和哈格里夫斯创造的花园形成相互对话交流的状态。此外哈格里夫斯常常使用隐喻式的叙述方法来表现基地的特征和参照体系。如哈列昆广场(Harlequin Plaza)以野餐巾的图案将办公楼环境戏剧化，路易斯威尔滨水公园(Louisville Waterfront Development)的三角形水湾则是对基地历史上船只停泊处的追忆，哥德鲁普河公园则以地形表达了水的动力性，烛台点文化公园的圜五群则隐喻了基地的历史。

代表作品： 烛台点文化公园(Candlestick Point Cultural Park)

沐浴海风，体验惊涛骇浪，这是烛台点文化公园给人的最深切的感受。哈格里夫斯在这里导演了一曲风与水的交响乐。该园位于美国加州旧金山市的海湾，背靠烛台体育馆，占地18英亩(约7.3hm2)，基地原为城市的碎石堆积场。在基地的常年主导风向上，哈格里夫斯设置了数排弯曲的人工风障山，并在最里侧的风障山上开启了风门，作为公园的主入口。同时，又将迎接海潮的两条人工水湾深入园中腹地。“u”形园路的两个临水端点辟为观景台。整个公园朴实天华，但又耐人寻味。显然，这个公园的建成，为我们扩大了景观美学的范畴，提供了新的体验自然的方式。

广场公园(Plaza Park)

该园位于加州圣·何塞市市中心，占地3．5英亩(约1．4hm2)。这里既是人们日常休闲的场所，也是节日举行庆祝集会和演出活动的舞台，公园的周边为艺术博物馆、旅馆、会议中心和商务办公楼。在这个狭长的基地上，哈格里夫斯以斜交的直线道路系统为框架．以月牙形的坡地花境和1／4圆的动态旱地喷泉广场为中心。呈方格网状排列的22个动态喷泉隐喻了圣·何塞市的气候、地质、文化和历史。晨曦中飘渺的雾泉呼应于旧金山海湾的

晨雾，随着时光的推移，雾泉转变成不断升高的喷泉．象征着当年生活在这里的印第安人挖掘的人工：水井；当夜幕降临之时，喷泉与地灯交相辉映，如同灿烂的星光，表达了硅谷地区由农业转向高科技产业的繁荣景象。此外园中维多利亚式的庭园灯暗示了该城300年的历史。园中的果园则又让人联想到这里曾纤址水果盛产地。

拜斯比公园(Bvxbee Park)

哈格里大斯非常关注废弃地的利用，在加州帕罗·奥托市(Palo Alto)，他化腐朽为神奇，将一个占地30英亩(约12．14hm2)的垃圾填埋场变成了一个特色鲜明的滨水公园。在覆土层很簿的垃圾山上，他小心翼翼地进行地形塑造，在山谷处开辟大地之门，在山坡处则用土丘群隐喻当年印第安人渔猎时就地填起的贝壳堆。曲折于山上的自行车道由破碎的贝壳铺成。观鸟台随山就势而筑，掩映于哈格里夫斯选择的野草丛中。由高速公路的隔离墩形成的V形臂章序列，成为公园附近机场跑道的延伸。这里最引人注目的是电线杆场，电线杆顶部形成的虚的斜平面与土山上起伏的实的曲面形成了很强烈的场所感。这里长明的沼气火焰时刻提醒人们基地的历史，从而给人们以无限的遐想。总之，这是一个值得人们用心去体验的休闲公园。

哥德鲁普河公园(Guadalupe River Park)

该园是沿穿越圣·何塞市市中心长达4．8km的哥德鲁普河改建的。由于常遭受洪水侵袭，美国工兵原准备沿该河修建一条防洪堤，但圣·何塞市政府则希望通过整治这个河道，来带动河道两岸土地的开发和利用，并在此建设一个供人们休闲、娱乐的公共活动空间，于是由哈格里夫斯教授为首的一个集风景园林，水利市政、结构、地质专家等组成的设计小组，提出了一个全方位的滨河公园修建方案，将防洪功能与公园功能完美地给合起来。该公园系统分为上下两层，下层为泄洪道，上层则为滨河散步道和野生动物保护地，并连接着其周围 的新的市政建筑、住宅和商业开发区。同时还保留了一点早期的自然状态的河堤。该设计最为引入注目的是河岸波浪状起伏的地形，不仅暗示了水的活力和流动性，而且还有利于在泄洪时，减慢水流的速度。

2000年悉尼奥运会公共区域设计(Sydney Olympics Project)

位于和姆布什海湾(Homebush)的2000年悉尼奥运会公共区域的总体概念设计和景观设计是由哈格里夫斯设计事务所承担的。该区域不仅是奥运会期间人们交流的主要场所，而且也是悉尼市在新千年新的中心。此外哈格里夫斯教授在这里还成功地设计了奥林匹克广场，这是一个欢迎来自界各地的游人、运动员和观众的场所，也是澳大利亚最大的交流广场，它占地9．5hm2，可以同时容纳30万人。该广场地面微微倾斜以便将其周围的纪念性建筑纳入到场所中来，由历史渊源和场所特定网格所组成的铺地图案、以红色和赭石色体现了澳洲大地景观的色彩特性广场边缘的一系列大型灯架，强化了广场的特征。此外，由成行树木组成?quot;绿色手指“将城市中心与其周边的公园相联系。在这里令人注目的水景有两处，一个是位于广场高处的”无花果林喷泉“，3m高彩虹般的喷泉将历史和现实的感受融合在一起；另一处则是在广场低处的红树林湿地的”北部水景湿地"喷泉，这个大型的12m尚的弧形喷泉群，再现了水的动力之美．蔚为壮观，令人心动。

第二篇：世界著名大学校园景观巡礼之一 ---- 哈佛大学

世界著名大学校园景观巡礼之一----哈佛大学

(2011-05-10 13:25:04)

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杂谈

哈佛大学前身为剑桥学院。1636年10月28日，马萨诸塞海湾殖民地议会通过决议，决定筹建一所像英国剑桥大学那样的高等学府,每年拨款400英镑（对应于当时经济情况）。由于创始人中不少人出身于英国剑桥大学，他们就把哈佛大学所在的新镇命名为剑桥。1638年正式开学，第一届学生共9名。1638年9月14日，牧师兼伊曼纽尔学院院长的J．哈佛病逝，他把一半积蓄720英镑和400余册图书捐赠给这所学校。1639年3月13日，马萨诸塞海湾殖民地议会通过决议，把这所学校命名为哈佛学院。在建校的最初一个半世纪中，学校体制主要仿照欧洲大学。1721年正式设立神学教授职位，1727年设立数学和自然科学教授职位,1780年设立医学教授职位。同年扩建成哈佛大学；1816年成立神学院，1817年成立法学院，以后各学院相继在19世纪成立。教育学院成立于1990年；1936年又成立了政治学院(1966年命名为J．F。肯尼迪政治学院)。1966年以来，哈佛大学共设10个研究生院，即文理、商业管理、设计、牙科医学、神学、教育、法学、医学、公共卫生和肯尼迪政治学院；2个招收大学本科生的学院，即哈佛学院和拉德克利夫学院；并设继续教育办公室，专门负责暑期学校、附设课程和终身学习中心。牙科医学、医学、公共卫生等3个研究生院设立在波士顿，其余各学院均集中于剑桥。各学院具有相对的独立性，哈佛历任校长坚持3A原则，即学术自由、学术自治和学术中立（这三个原则英文词第一个字母均是A)

(此为历史资料片）

哈佛大学校园春夏秋冬四季

第三篇：全球著名景观设计师简介

彼得·沃克

1932年生，当代国际知名景观设计师，“极简主义”设计代表人物，美国景观设计师协会（ASLA）理事，美国注册景观设计师协会（CLARB）认证景观设计师，美国城市设计学院成员，美国设计师学院荣誉奖获得者，美国景观设计师协会城市设计与规划奖获得者。他有着丰富的从业和教学经验，一直活跃在景观设计教育领域，1978-1981年曾担任哈佛大学设计研究生院景观设计系主任。1983年于加利福尼亚州伯克利市成立了彼得·沃克合伙人景观设计事务所。他最著名的著作是与梅拉尼·西蒙合作完成的《看不见的花园：寻找美国景观的现代主义》。彼得·沃克有着超过50年的景观设计实践经验。他的每一个项目都融入了丰富的历史与传统知识，顺应时代的需求，施工技术精湛。人们在他的设计中可以看到简洁现代的形式、浓重的古典元素，神秘的氛围和原始的气息，他将艺术与景观设计完美地结合起来并赋予项目以全新的含义。玛莎施瓦茨Martha Schwartz, 20世纪中后期现代景观艺术的标志性人物，现为哈佛大学教授

作为20世纪中后期现代景观艺术的标志性人物，拥有景观建筑师和艺术家双重身份的玛莎.施瓦茨，一向以不走寻常路和挑战传统的设计手法而享誉国际景观建筑界。上个世纪70年代以后，玛莎.施瓦茨一面在哈佛等几所著名高等学府任教，一面通过自己的事务所和菲力普.约翰逊、矶崎新等多位世界级建筑大师进行合作，完成了纽约雅克博.亚维茨广场、明尼阿波利斯市联邦法院大楼前广场、曼彻斯特城交易所广场、亚特兰大里约购物中心庭院、德国慕尼黑的皇家侍卫队指挥部、亚利桑那MESA市艺术娱乐中心等很多经典作品。施瓦茨非常注重作品对生态系统所产生的社会影响力，她喜欢在场景中采用技术手段而非自然标准或假定的自发性方案，她酷爱鲜艳夺目的色彩和另类材料，而且对潮流非常敏感，她的作品常常会与公众舆论相冲突，而招致同行的批评，但是，无论是赞者还是反对者，都认为她是一位“始终孜孜不倦地探索景观设计新的表现形式，希望将景观设计上升到艺术的高度”而值得尊重的景观大师。俞孔坚

1995年获哈佛大学设计学博士，全国风景园林硕士专业学位教育指导委员会委员。1997年回国创办北京大学景观设计学研究院，并在北京大学创办两个硕士学位点：景观设计学硕士和风景园林职业硕士。1998年创办国家甲级规划设计单位——北京土人景观与建筑规划设计研究院，目前已达350多人的国际知名设计院。出版著作15部，并完成大量城市与景观的设计项目；促成了景观设计师成为国家正式认定的职业，并推动了景观设计学科在中国的确立。佐佐木英夫

全球最负盛名的景观建筑、城市设计和规划事务所SWA集团创始人，美国著名景观设计事务所Sasaki事务所（Sasaki Associates Inc.）创始人，1948年毕业于当时格罗皮乌斯执掌的哈佛大学设计研究生院（GSD）景观建筑系。1953年，在艾萨克斯的邀请下，佐佐木回到母校执教，1958年任哈佛大学景观建筑系系主任，历时10年，直至1968年因不满出自商学院的新任设计研究生院院长对景观建筑系的忽视而愤然辞职。还是在1953年，佐佐木选择了距哈佛大学不远的沃特镇（Watertown）建立了自己的景观建筑设计事务所。

三谷彻（Mitani, Toru），日本景观设计大师，哈佛大学（Harvard University）硕士，东京大学（University of Tokyo）工学博士，早年曾就职于皮特-沃克与玛莎-施瓦茨合作景观事务所（事务所名称为： Office of Petere Walker & Martha Schwartz），现为studio on site事务所合作伙伴，并任日本千叶大学（Chiba University）园艺学研究科教授。

日本现代景观设计在世界景观设计行业中占据着很重要的地位，设计师们从日本传统园林中汲取了丰富的创作元素和手法，从现代人的角度去诠释传统、追求新的造型意义，结合西方的现代景观设计手段，从艺术、技术、生态等方面，加以新时代的内涵，将现代日本景观设计发展到一个新的阶段，同时在现代景观设计的应用手法上，也呈现了多元化的趋势。枡野俊明，是当代日本枯山水的主要代表人物，日本禅僧大师和日本古刹建功寺第18代主持。1953年出生于神奈川县横滨市，1975年毕业于玉川大学农学部农学科，学生时代师从齐藤圣雄，毕业后成为其弟子；1979年他以僧人身分云游至大本山总持寺修行，为他今后的设计生涯奠定了思想基础——禅宗美学和日本传统文化。；1985年继承父业成为一名禅僧；1995年获加拿大造园家协会“全国优胜大奖”；1996年主持科学技术厅金属材料技术研究所中庭改造设计工程，获“日本造园学会奖”；同年又获“横滨文化奖励奖”；1999年获“艺术选奖文部奖励奖” 枡野先生的作品颇受日本国内外的肯定，主要作品有：曲町会馆“清山绿水的庭”、今冶国际饭店中庭“瀑松庭”、科学技术厅金属材料技术研究所中庭“风磨白练的庭”、加拿大驻日本使馆庭园、新渡户庭园的改造-“通向小岛的木桥”、香川县立图书馆；麴町会馆；曹洞宗祗园寺紫云台前庭“龙门庭”、海信天玺等。

作为日本当代景观设计界最杰出的设计师之一，枡野俊明先生的作品继承和展现了日本传统园林艺术的精髓，准确地把握了日本传统庭园的文脉。他的作品总是能够给人以自然、清新的气息。枡野俊明先生一向将景观创作视为自己内心世界的一种表达，将“内心的精神”作为艺术中的一种形式表现出来，他的作品往往充满了浓厚的禅意，体现了一种淡定、沉静的修为，方寸之间、意犹未尽。因此，常被誉为具有鲜明人生哲学的设计作品。拥抱自然---理查德·海格（Richard Haag），美国景观建筑协会理事（FASLA），世界著名景观建筑大师，是XWHO设计机构的智囊核心。他被公认为现代景观建筑百年历史最具影响力的景观建筑师之一。Rich Haag对西雅图油库公园（Gas Works park），华盛顿Bloedel Reserve和Bainbridge Island的构思与设计，让他两次获得建筑师最高奖项美国景观建筑师协会最高设计奖（他是世界上唯一两次获得这个奖项的人）。这两个项目都反映出Haag对自然环境的丰富创造力和敏锐感，对现状基地和原生资源再利用的科学合理性。成为现代景观建筑设计史上的两个经典作品。

彼得·拉茨（Peter Latz）是德国当代著名的景观设计师，1983年担任了慕尼黑工业大学 风景园林专业教授，现担任宾夕法尼亚大学的兼职教授，和哈佛大学的客座教授。他的著 名理念是强调对旧工业基地的回收和再利用。

拉茨认为，景观设计师不应过多地干涉一块地段，而是要着重处理一些重要的地段，让其他广阔地区自由发展。景观设计师处理的是景观变化和保护的问题，要尽可能地利用在特定环境中看上去自然的要素或已存在的要素，要不断地体察景观与园林文化的方方面面，总结它的思想源泉，从中寻求景观设计的最佳解决途径。

设计之初应尽可能采用一种理性的，结构清晰的设计方法，设计师首先要建立一个理性的系统，即对于特定项目的观念和哲学的系统。在不同的项目中，规划可以有很多变化。只要一个规划项目是在不断发展的，就会有某些不可预见的情况，这意味着要在做的时候，就能预想到以后的发展。

第四篇：世界著名音乐家

亨德尔George Frideric Handel(1685-1759)著名的英籍德国作曲家。生于德国哈勒，师从管风琴家查豪学习作曲，后在教堂内任管风琴师及艺术指导。因爱世俗音乐，乃于1703年迁居汉堡 ——当时唯一有民族歌剧的德国城市，开始从事歌剧的创作。1704年在汉堡作了第一出歌剧欧米亚(Almira),获得巨大成功.1706年游历至意大利,在意大利写了不少歌剧、清唱剧、康塔塔(Cantata)包括著名的歌剧阿格利批拿(Agrippina)。

1710年亨德尔移居伦敦，在汉堡及伦敦两地进行创作，不久成为英国的音乐权威人士。1711年的歌剧作品利努度(Rinoldo)获得巨大成功。在川度斯(Chandos)公爵的资助下写了清唱剧艾斯特(Esther)和11首川度斯圣歌。1717年定居英国，1719年得到国王的支持，开始在皇家音乐学院演出他的歌剧。这个时期有他最出色的歌剧作品利达米士图、骄里奥.些萨(Giulio Cesare)、泰米拉露(Tamerlano)、路得连达(Rodelinda)。1726年加入英国籍。在十八世纪三十年代，亨德尔作了大量英语清唱剧和为清唱剧而作的乐器音乐，其中包括不少伟大的协奏曲，一生共创作了《阿尔西那》、《奥兰多》等四十六部歌剧，除五部外，其余均在伦敦创作。后因反对势力迫害，作品遭禁演，剧院被迫倒闭。从三十年代末开始，从事于没有舞台表演的清唱剧创作。共写了三十二部清唱剧，其中绝大部分是在英国创作的，对于英国的音乐发生深远的影响。他的代表作有管弦乐曲 《水上音乐》，《焰火音乐》，清唱剧《弥赛亚》等，《弥赛亚》中的《哈里路亚》流传最为广泛。1742年弥塞亚(Messiah)首演。继后以大概每年两首的速度创作清唱剧，一直持续到1751年，因为那时他的视力太差了而不得不放弃。1742-1751年这段时间的著名作品有森逊(Samson)、所罗门(Solomon)，1759年病逝于伦敦。虽然亨德尔写了非常多的音乐作品，但是在整过作曲生涯中他都没有使用巴赫的对位法。亨德尔的艺术特征表现为戏剧性和抒情性，而他留下给后世的最大艺术遗产是他的清唱剧作品。主要作品 水上音乐 皇家焰火音乐 <弥赛亚> 沃尔夫冈·阿玛多伊斯·莫扎特

（Wolfgang Amadeus Mozart,1756-1791)

莫扎特是一位杰出的奥地利作曲家,出生于萨尔兹堡一个宫廷乐师家里。他从少年时代就展现出杰出的音乐才能,一生作品极其丰富。他创作的最重要领域是歌剧，共22部，另一重要创作部分是交响乐，共45部。他的音乐创作即继承和发展了海顿等前辈的成果，又对后来的贝多芬等人的创作产生了重要影响

莫扎特也许不是最伟大的作曲家，但他绝对是公认的最伟大的音乐天才。就连一生狂妄不羁的柴可夫斯基都把他称作是音乐的基督。曾有人这么说：“在音乐史上有一个光明的时刻，所有的对立者都和解了，所有的紧张都消除了，那光明的时刻便是莫扎特。”

1756 年，沃尔夫冈·莫扎特（Wolfgang Amadeus Mozart）出生于萨尔兹堡，自幼他便展现出那无与伦比的音乐天赋：3岁开始弹琴，6岁开始作曲，8 岁写下了第一部交响乐，11岁便完成了他的第一部歌剧，14岁是指挥乐队演出了该歌剧。可以这么说，莫扎特是为音乐而生的，从他出生的那一刻开始，他就和音乐熔为一体了。

16岁时的莫扎特被任命为萨尔兹堡宫廷的管风琴师。虽然在这段时间，莫扎特创作了大量的优秀作品，但他无法忍受萨尔兹堡大主教的颐指气使，任意欺凌。在那里，莫扎特只是一个会弹琴的佣人，他曾向他的父亲这样描述他在宫廷晚餐上的同伴：两名男仆，管家，点心师父，两名厨师，男仆坐在上座，莫扎特位列厨师之上。终于在1781年，莫扎特脱离了对大主教的依附，成为了历史上第一位自由作曲家，并来到了维也纳发展。在维也纳，莫扎特靠教私人学生，举行音乐会演出和出版作品为生。在这段时间，莫扎特接触到了巴赫、亨得尔的作品，并结识了海顿，从而丰富了他的音乐理念。

在维也纳，莫扎特的音乐成就是令人惊叹的，他曾这样来描述他的音乐创作：“无论多长的作品都在我的脑中完成。我从记忆中取出早已储存好的东西。因此，写到纸上的速度就相当快了，因为一切都已完备，它在纸上的模样跟我想象的几乎毫无二致。所以在工作中我不怕被打扰，无论发生什么，我甚至可以边写边说话。”可怜就是这样一位天才，在他正当壮年的时候却因为感染风寒而去世了，死时年仅35岁。在他生命的最后一天（1971年12月9 日），他仍在创作，可惜天嫉英才，莫扎特留下了他那未完成的《安魂曲》，而撒手人间，成为了音乐史上最大的遗憾之一。

尽管莫扎特的一生充满坎坷和艰辛，但他的音乐始终给人带来的是真正的纯美。著名的音乐评论家罗曼·罗兰为莫扎特作出了如下的评价：“他的音乐是生活的画像，但那是美化了的生活。旋律尽管是精神的反映, 但它必须取悦于精神，而不伤及肉体或损害听觉。所以，在莫扎特那里，音乐是生活和谐的表达。不仅他的歌剧，而且他所有的作品都是如此。他的音乐，无论看起来如何，总是指向心灵而非智力，并且始终在表达情感或激情，但绝无令人不快或唐突的激情。”

当然，想要完整的评论莫扎特的音乐，绝非这区区近千字能够表达的。而想要真正地体会莫扎特，最主要地还是去听他的作品，而他的千余部作品，几乎每一部都是超凡脱俗的经典之作。

主要作品：

歌剧

《费加罗的婚礼》

《唐.璜》

《魔笛》

交响乐 《 降E调第39号交响曲》〈帝王〉

《G小调第40号交响曲》

《C大调第41号交响曲》〈丘比特〉

协奏曲 《D大调小提琴协奏曲第四号 》

《降B大调小提琴协奏曲第五号》

《C大调钢琴协奏曲第21号 》

《A大调钢琴协奏曲第23号 》

其它 《弦乐四重奏〈狩猎〉》

弗朗兹·约瑟夫·海顿（Franz Joseph Haydn,1732－1809）

著名的奥地利作曲家，维也纳古典乐派的最早期代表。自幼在很艰苦的条件下学习音乐。1761年在埃斯特哈齐公爵家里当乐长，工作极繁重，地位却很低下。但他在艰苦的环境中创作了大量作品，至九十年代初，成为当时首屈一指的音乐家。后两次去伦敦旅行，写了十二部《伦敦交响乐》，是他一生中最优秀的作品，从此名震全欧。他的创作涉及面很广，其中以交响乐和弦乐四重奏最为杰出。他把交响乐固定为四个乐章的形式，并在配器上形成一套完整的交响乐队编制，为现代交响乐的发展奠定了基础。

他的音乐旋律丰富，经常流露出纯朴开朗的乡间气息。在四重奏创作中，常用“说话的原则”，即把各部的主题彼此象交谈般地呼应，既有清晰的旋律，又有复调的美。此外，他在乐曲的发展中常用“主题活用的原则”，这直接启示着贝多芬“动机发展”的灵感。海顿还是现德国国歌的作者。

主要作品：

交响曲 《惊愕交响曲》

罗西尼（GioacchinoRossini,1792～1868）

十九世纪上半叶意大利歌剧三杰之一。生于意大利贝萨洛。十岁从蒂塞学和声，后在波伦亚音乐学院从马太学对位。受作为歌剧演员的母亲影响，十四岁起习作歌剧。十年后所作《塞维尔的理发帅》，集意大利喜剧的精华，是语言生动、形式自由、充满幻想的意大利喜歌剧代表作。他的创作继承了意大利注重旋律及美声唱法的传统，音乐充满炫技的装饰和幽默、喜悦的精神，且吸收了同时代作曲家贝多芬的手法，使用管弦乐来取代和丰富原来仅作音高提示的古钢琴伴奏。1829年的搁笔之作《威廉·退尔》，反映了民族自主的愿望，且推进了大歌剧体裁的形成。此后近四十年不事歌剧。在近四十部歌剧中影响较大的还有《灰姑娘》、《偷东西的喜鹊》及正歌剧《奥赛罗》、《摩西》等。

代表作品：

歌剧《塞维尔的理发师》、《威廉·退尔》

乐圣：贝多芬（LudwigVanBeethovon，1770～1827）

近代最伟大的音乐家之一。出身于德国波恩的一个平民家庭，父亲是教会合唱团的歌手。由于很早显露了音乐上的才能，父亲不分白天黑夜地逼他练琴。八岁开始登台演出，同时挑起负担家庭生活的重担。1792年到维也纳深造，艺术上进步飞快。信仰共和，崇尚英雄。作有大量具有时代气息的优秀作品，如：交响曲《英雄》、《命运》；序曲《爱格蒙特》；钢琴奏鸣曲《悲怆》、《月光》、《暴风雨》、《热情》等等。一生坎坷，没有建立家庭。二十六岁开始耳聋，晚年全聋，只能通过谈话册与人交谈。但孤寂的生活并没有使他沉默和隐退，在一切进步思想都遭禁止的封建复辟年代里，依然坚守“自由、平等”的政治信念，通过言论和作品，为共和理想奋臂呐喊，写下不朽名作《第九交响曲》。其作品具有鲜明的个性，较前人有很大的发展，几乎涉及当时所有的音乐体裁；大大提高了钢琴的表现力，使之获得交响性的戏剧效果；又使交响曲成为直接反映社会变革的重要音乐形式。他集中了古典音乐的精华，开辟了浪漫时期音乐的道路。

贝多芬信仰共和，崇尚英雄，创作了大量充满时代气息的优秀作品，如：交响曲《英雄》、《命运》；序曲《哀格蒙特》；钢琴奏鸣曲《悲怆》、《月光》、《暴风雨》、《热情》等等。贝多芬集古典音乐的大成，同时开辟了浪漫时期音乐的先河，对世界音乐的发展有着举足轻重的作用，被尊称为“乐圣”。

门德尔松（F．Mendelssohn，1809-1847）

德国作曲家。生于银行家家庭。1822年起，先后赴瑞士、法国巴黎、英国伦敦、意大利罗马等地进行创作和演出活动。

门德尔松的主要作品有：《苏格兰交响曲》、《意大利交响曲》等五部交响曲；管弦乐序曲《仲夏夜之梦》、《芬格尔山洞》、《e小调小提琴协奏曲》；钢琴曲《无词歌》四十八首以及多种题材和体裁的器乐和声乐作品。

门德尔松的作品风格优美生动，结构完整严谨，配器精巧。他在1829年指挥演出了巴赫的《马太受难乐》，使巴赫这部名作得以在乐坛占据重要地位。他还协助舒曼创立了德国第一所音乐学院。

舒伯特（F．Schubert，1797——1828）

奥地利作曲家。出生在维也纳教师家庭。1805年开始随父兄学习提琴和钢琴。1808年入帝国神学院学习。1812年随萨里埃里学习作曲。

舒伯特共写了十四部歌剧、九部交响曲、一百多首合唱曲、五百多首歌曲。其中最著名的有：《未完成交响曲》与《C大调交响曲》、《死神与少女》四重奏、《鳟鱼》五重奏、声乐套曲《美丽的磨坊姑娘》、《冬日的旅程》及《天鹅之歌》等。

舒伯特是欧洲音乐史中浪漫主义新型音乐体裁——艺术歌曲的开创者。在歌曲结构、旋律、和声以及钢琴伴奏诸方面，舒伯特都卓有贡献。威尔第（GiuseppeVerdi,1813～1901）

伟大的意大利作曲家。出生于帕马省布塞托城。1832年投考米兰音乐院，未被录取，后随拉维尼亚学习音乐。1842年，创作了他的第二部歌剧《那布科王》，演出异常成功，一跃而成意大利第一流作曲家。当时意大利正处于摆脱奥地利统治的革命浪潮之中，他以自己的歌剧作品《伦巴底人》（1848）、《厄尔南尼》（18744）、《阿尔济拉》（1846）、《列尼亚诺战役》（1849）以及革命歌曲等鼓舞人民起来斗争，因之获得“意大利革命的音乐大师”之称。

五十年代是他创作的高峰时期，写了《弄臣》（1851）、《游吟诗人》（1853）、《茶花女》（1853）、《假面舞会》（1859）等七部歌剧，奠定了歌剧大师的地位。1871～1872年应埃及总督之请，为苏伊士运河通航典礼创作了《阿伊达》。晚年又根据莎士比亚的剧本创作了《奥赛罗》（1887）及《法尔斯塔夫》（1893）。1901年逝世于米兰。一生创作了二十六部歌剧，善用意大利民间音调，管弦乐的效果也很丰富，尤其能绘声绘色地刻划剧中人的欲望、性格、内心世界，因之具有强烈的感人力量，使他成为世界上最受欢迎的歌剧作曲家之一。

“钢琴诗人”肖邦（F.F.Chopin 1810—1849）

波兰作曲家、钢琴家肖邦1810年3月1日生于华沙近郊，父亲是法国人，侨居华沙任中学法文教员，母亲是波兰人。肖邦从小就表现出非凡的艺术天赋，六岁开始学习音乐。1830年11月华沙起义前夕，肖邦离开祖国经维也纳到法国巴黎定居。

在维也纳，肖邦结识了西欧文艺界许多重要人物，包括德国诗人海涅，匈牙利音乐家李斯特等，特别与法国女作家乔治.桑的关系，对肖邦的思想、生活产生了深刻的影响。从30年代初到40年代中期，肖邦的思想和艺术高度成熟，创作上获得极其丰硕的成果。肖邦的创作可分四个时期。

由于40年代波兰民族运动的几次挫折，给肖邦精神上带来沉重的打击；远离故乡；亲人和挚友相继逝世；都给他身心带来深深的创伤。1836年他开始患肺结核，症兆日益加重。1848年，衰弱的肖邦去英国短期教学和演奏，他为流亡国外的波兰同胞开了最一次演奏会。回巴黎后，他的健康急剧恶化，终于1849年10月17日病逝巴黎。临终前他要求亲人把他的心脏运回祖国波兰。

弗朗索瓦·古诺（Charles Francois Gounod,1818－1893）

法国作曲家，生于巴黎，在巴黎音乐学院从师于阿列维。1839年在罗马悉心研究宗教音乐，并反映在创作中。他是梵蒂冈国歌《教皇进行曲》（1846）的作者。归国后，曾担任过合唱团指挥，并创办“古诺合唱团”。

在歌剧《浮士德》中可以显示出他合唱写作的特长。《浮士德》作于1859年，取材于古典名著，音乐朴实平易，配器丰富巧妙，是十九世纪下半叶德国抒情歌剧的代表。此外，尚作有《罗密欧与朱丽叶》等十余部歌剧、三部交响乐及大量宗教歌曲等。他以巴赫的《C大调前奏曲》为伴奏所作《圣母颂》流传极广，是跨年代合作的典范。

舒曼（RobertSchumann，1810～1856）

德国著名音乐家。自幼显露出音乐、诗歌、戏剧等多方面的才华。父早死，从母意在莱比锡海得堡学法律，但仍孜孜不倦地学音乐，以至成为当地首屈一指的钢琴家。1830年取得母亲的谅解，开始了音乐家的生涯，求师于著名钢琴家维克。由于急于求成，把手指练坏，转而从事音乐创作和评论。生性热情敏感，并且有民主主义思想。1834年创办《新音乐杂志》，对改变当时陈腐的音乐空气，促进浪漫艺术的发展，起到重要的作用。作有许多新颖独特的钢琴名曲，如《蝴蝶》、《狂欢节》、《交响练习曲》、《幻想集》等，促进了浪漫主义音乐风格的发展。与妻子克拉拉的结合，一直被人传为美谈，并促使其创作热情空前高涨。1840年写了一百三十八首歌曲，被称为“歌曲文萃”。最著名的有：歌曲集《桃金娘》、《诗人之恋》、《妇人的爱情和生活》等。后又写下了四部交响曲，及《a小调钢琴协奏曲》、《曼弗雷德序曲》等杰出的作品。由于长期过劳，1856年在波恩附近的精神病院中去世。

舒曼的主要作品有：《第一交响曲》；《a小调钢琴协奏曲》；钢琴套曲《狂欢节》、《大卫同盟盟友》、《儿童情景》及《交响练习曲》、《蝴蝶》、《帕格尼尼主题练习曲十二首》以及歌曲集《桃金娘》、《诗人之恋》、《妇人的爱情和生活》等。比才（GeorgesBizet,1838-1875）

法国作曲家。是继法国作曲家古诺之后，打破意大利歌剧对法国的影响，使法国歌剧从浅薄、浮华中解放出来的杰出人物。

比才最为出色的歌剧《卡门》是目前世界上少有的几个最为人门喜爱的歌剧之一。著名的《卡门序曲》和其中的儿童合唱、《哈巴涅拉舞曲》已成为脍炙人口的优秀作品。可是比才在歌剧创作中独特的探讨之路却充满了艰辛。他曾创作了不少歌剧，均在他的时代不受欢迎，《卡门》的首演也遭到了失败，因当代人对他的作品中“大胆的现实主义和赤裸的情感感到震惊和受到冒犯”。据说他曾为此整夜痛苦的在巴黎的街道上徘徊。而且只是因为被评论界攻击和嘲骂，《卡门》才连续上演了几个月。比才在《卡门》上演的同年去世才活了37岁，生前没有享受到他的卓越艺术带来的荣誉。但是这部歌剧却受到了国外音乐家的赏识和赞扬，预言“十年之后，《卡门》将成为世界上最受欢迎的一部歌剧”。其实不到十年，五年之后《卡门》再度在巴黎上演时获得了极大成功。

比才的音乐之路是颇给人启示的，当他在重复前人走过的路时，以他的才华，19岁就获得了罗马大奖和奥劳巴斯一等奖，当他为法国歌剧开辟新路的时候，却一再承受失败。可见任何创新之路都不可避免要经受坎坷和考验。但历史最后总是公正的。比才留给人们的珍品还有为都德的话剧《阿莱成姑娘》写的音乐，后来编成组曲，经常在音乐会上演出。李斯特（Franz Liszt，1811—1886）

生于距奥地利边境不远的匈牙利赖丁小镇。1821年举家迁居维也纳，从车尔尼学习钢琴，向萨列里学习作曲。从11岁便开始了辉煌的钢琴演奏生涯。在巴黎他受法国革命思潮和文学浪漫主义运动的影响。吸收肖邦、柏辽兹和帕格尼尼等人的成就。1848年以前，他在欧洲各地演出，受到狂热的欢迎，成为一代具有超凡技艺的钢琴巨人。这一时期主要创作钢琴作品。1848—1861年期间，任德国魏玛宫廷乐队指挥与音乐总监，大力扶植进步的作曲家，演奏他们的最新作品。1854年组织了“新魏玛协会”，几年后进而组织“全德音乐协会”，使魏玛成为当时音乐文化中心地之一。此期间还创作了他的大部分交响乐作品。由于与塞恩—魏特根斯坦公主的婚姻受挫，在一次关于歌剧演出的争议之后，迁居罗马。接受了低级的圣职，但仍为慈善事业演奏，奔波于罗马、魏马、布达佩斯，从事创作、教学工作。教授出一批钢琴名家。去维罗特探望女儿科西玛时去世。

李斯特是19世纪最辉煌的钢琴演奏家。他受意大利小提琴演奏名家帕格尼尼的启发，决心在钢琴上创造出同样的奇迹。他的演奏风格继承了克列门蒂、贝多芬的动力性钢琴音乐传统，发展了一种19世纪音乐会的炫技性演奏风格。另一方面他把钢琴视为万能的乐器之王，追求宏伟的交响性音响。他的演奏和钢琴音乐创作大大推进了钢琴艺术的发展。

主要钢琴作品有：《12首高级技巧练习曲》、《6首帕格尼尼练习曲》、《旅行岁月》钢琴曲集和《19首匈牙利狂想曲》实际上是依据匈牙利境内的吉卜赛音乐创作的。《D小调奏鸣曲》虽然是单乐章，但其内容表现的幅度广阔，表现手法显示出李斯特的独创个性。两首钢琴协奏曲《bE大调第一》和《A大调第二》接近于他的乐队作品。李斯特还有大量的19世纪歌剧咏叹调和交响曲的钢琴改编曲。在聆听音乐机会缺乏的19世纪，李斯特这些改编曲在浪漫主义音乐的推广与普及方面起到重要作用。

作为一位作曲家李斯特对19世纪的标题音乐作出了重要贡献。他在柏辽兹的标题交响曲之后，首创出“交响诗”的音乐体裁。这种浪漫主义更为理想的交响乐形式，来源于贝多芬、威柏、门德勒的序曲。李斯特13首交响诗的标题，明示出它们与文学、绘画、戏剧的密切联系。如《匈奴战役》与绘画相关，《玛捷帕》以雨果同名诗歌为据，《哈姆雷特》是莎士比亚戏剧的主要角色，《普罗米修斯》则与德尔的诗篇有联系。与柏辽兹不同，李斯特不注重用音乐去描绘场景、事件，他也从不陷入琐细的音乐解说，而追求对作品的内容或艺术形象进行哲理性的概括。他的交响诗更近于贝多芬《交响曲》的传统。李斯特的交响诗是单乐章，保留了奏鸣曲式的一些特征，各段落速度的变化与对比又似把交响曲套曲浓缩在一起，以主导动机贯穿变化达到音乐的统一和戏剧的发展。他的交响诗还有《塔索》、《山岳》、《理想》、《匈牙利》等，其中最常演奏的是《前奏曲》。体现了他的炽热、夸张的音乐情感特点。李斯特还写有《浮士德交响曲》和《但丁交响曲》。他的交响诗在19世纪下半叶被各国音乐家广泛采用，成为最重要的浪漫主义乐队体裁。

第五篇：世界著名演讲词精选

世界著名演讲词精选

世界著名演讲词精选

最近半年多来，因健康欠佳，除了偶尔外出授课外，大部分时间在互联网上搜集、阅读世界著名演讲词，并把欣赏过的每一篇，连同演讲者的简单传记一起整理保存在自己的新浪演讲博客里，以便于此后重温。迄今已经收集整理了包括政治家、军事家、科学家、艺术家、经济学家等360多位仁人志士的总计上千篇演讲稿。欣赏了这些被历史公认的世界优秀演讲词，相当于聆听了上千场最精彩的演讲，收获颇丰：首先是思想上和知识上大开眼界，令自己的演讲语汇和演讲思路更加开阔;其次是从演讲的形式和演讲内容的组织上，解除了很多疑虑，怎样才算是最好的演讲?演讲可以讲什么?能够讲什么?如何来讲?欣赏了这些历史上最优秀的演讲词，自己站在讲台上会更加自信从容;最后是彻底了却了自己的一桩心事，系统地欣赏和整理世界著名演讲词，本是自己好多年前就制定的一个学习规划，今天借助修养生息的机会终于把它落实完成了，从此又少了一件心事。

相信热爱演讲的朋友看后一定也会与我有同感。

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【扩展阅读篇】

演讲稿又叫演说词，它是在大会上或其他公开场合发表个人的观点、见解和主张的文稿。演讲稿的好坏直接决

定了演讲的成功与失败。

演讲稿像议论文一样论点鲜明、逻辑性强，但它又不是一般的议论文。它是一种带有宣传性和鼓动性的应用文体，经常使用各种修辞手法和艺术手法，具有较强的感染力。

演讲未必都使用演讲稿，不少著名的演讲都是即兴之作，由别人经过记录流传开来的。但重要的演讲最好还是事先准备好演讲稿，因为演讲稿至少有两个方面的作用：其一，通过对思路的精心梳理，对材料的精心组织，使演讲内容更加深刻和富有条理。其二，可帮助演讲者消除临场紧张、恐惧的心理，增强演讲者的自信心。

演讲稿特点

主要区别

演讲和表演、作文有很大的区别。

首先，演讲是演讲者就人们普遍关注的某种有意义的事物或问题，通过口头语言面对一定场合的听众，直接发表意

见的一种社会活动。

其次，作文是作者通过文章向读者单方面的输出信息，演讲则是演讲者在现场与听众双向交流信息。严格地讲，演讲是演讲者与听众、听众与听众的三角信息交流，演讲者不能以传达自己的思想和情感、情绪为满足，他必须能控制住自己与听众、听众与听众情绪的应和与交流。所以，为演讲准备的稿子就具有以下三个特点：

主要特点

第一、针对性。演讲是一种社会活动，是用于公众场合的宣传形式。它为了以思想、感情、事例和理论来晓喻听众，打动听众，“征服”群众，必须要有现实的针对性。所谓针对性，首先是作者提出的问题是听众所关心的问题，评论和论辨要有雄辩的逻辑力量，要能为听众所接受并心悦诚服，这样，才能起到应有的社会效果;其次是要懂得听众有不同的对象和不同的层次，而“公众场合”也有不同的类型，如党团集会、专业性会议、服务性俱乐部、学校、社会团体、宗教团体、各类竞赛场合，写作时要根据不同场合和不同对象，为听众设计不同的演讲内容。

第二、可讲性。演讲的本质在于“讲”，而不在于“演”，它以“讲”为主、以“演”为辅。由于演讲要诉诸口头，拟稿时必须以易说能讲为前提。如果说，有些文章和作品主要通过阅读欣赏，领略其中意义和情味，那么，演讲稿的要求则是“上口入耳”。一篇好的演讲稿对演讲者来说要可讲;对听讲者来说应好听。因此，演讲稿写成之后，作者最好能通过试讲或默念加以检查，凡是讲不顺口或听不清楚之处(如句子过长)，均应修改与调整。

第三、鼓动性。演讲是一门艺术。好的演讲自有一种激发听众情绪、赢得好感的鼓动性。要做到这一点，首先要依靠演讲稿思想内容的丰富、深刻，见解精辟，有独到之处，发人深思，语言表达要形象、生动，富有感染力。如果演讲稿写得平淡无味，毫无新意，即使在现场“演”得再卖力，效果也不会好，甚至相反。

第四、整体性演讲稿并不能独立地完成演讲任务，它只是演讲的一个文字依据，是整个演讲活动的一个组成部分。演讲主体、听众对象、特定的时空条件，共同构成了演讲活动的整体。撰写演讲稿时，不能将它从整体中剥离出来。为此，演讲稿的撰写要注意以下几个方面：

首先，要根据听众的文化层次、工作性质、生存环境、品位修养、爱好愿望来确立选题，选择表达方式，以便更好地沟通。

其次，演讲稿不仅要充分体现演讲者独到、深刻的观点和见解，而且还要对声调的高低、语速的快慢、体态语的运用进行设计并加以注释，以达到最佳的传播效果。

另外，还要考虑演讲的时间、空间、现场氛围等因素，以强化演讲的现场效果。第五、口语性

口语性是演讲稿区别于其他书面表达文章和会议文书的重要方面。书面性文章无需多说，其他会议文书如大会工作报告、领导讲话稿等，并不太讲究口语性，虽然由某一领导在台上宣读，但听众手中一般也有一份印制好的讲稿，一边听讲一边阅读，不会有什么听不明白的地方。演讲稿就不同了，它有较多的即兴发挥，不可能事先印好讲稿发给听众。为此，演讲稿必须讲究“上口”和“入耳”。所谓上口，就是讲起来通达流利。所谓入耳，就是听起来非常顺畅，没有什么语言障碍，不会发生曲解。具体要做到：

把长句改成适听的短句;

把倒装句改为常规句;

把听不明白的文言词语、成语加以改换或删去;

把单音节词换成双音节词;

把生僻的词换成常用的词;

把容易误听的词换成不易误听的词。

这样，才能保证讲起来朗朗上口，听起来清楚明白。

第六、临场性

演讲活动是演讲者与听众面对面的一种交流和沟通。听众会对演讲内容及时作出反应：或表示赞同，或表示反对，或饶有兴趣，或无动于衷。演讲者对听众的各种反映不能置之不顾，因此，写演讲稿时，要充分考虑它的临场性，在保证内容完整的前提下，要注意留有伸缩的余地。要充分考虑到演讲时可能出现的种种问题，以及应付各种情况的对策。总之，演讲稿要具有弹性，要体现出必要的控场技巧。

主要功能

第一、“使人知”演讲。这是一种以传达信息、阐明事理为主要功能的演讲。它的目的在于使人知道、明白。如美学家朱光潜的演讲《谈作文》，讲了作文前的准备、文章体裁、构思、选材等，使听众明白了作文的基本知识。它的特点是知识性强，语言准确。

第二、“使人信”演讲。这种演讲的主要目的是使人信赖、相信。它从“使人知”演讲发展而来。如恽代英的演讲《怎样才是好人》，不仅告知人们哪些人不是好人，也提出了三条衡量好人的标准，通过一系列的道理论述，改变了人们以往的旧观念。它的特点是观点独到、正确，论据翔实、确凿，论证合理、严密。

第三、“使人激”演讲。这种演讲意在使听众激动起来，在思想感情上与你产生共鸣，从而欢呼、雀跃。如美国黑人运动领袖马丁.路德.金的《在林肯纪念堂前的演说》，用他的几个“梦想”激发广大的黑人听众的自尊感、自强感，激励他们为“生而平等”而奋斗。

第四、“使人动”演讲。这比“使人激”演讲进了一步，它可使听众产生一种欲与演讲者一起行动的想法。法国前总统戴高乐在二战期间的英国伦敦作的演讲《告法国人民书》，号召法国人民行动起来，投身反法西斯的行列。它的特点是鼓动性强，多以号召、呼吁式的语言结尾。

第五、“使人乐”演讲。这是一种以活跃气氛、调节情绪，使人快乐为主要功能的演讲，多以幽默、笑话或调侃为材料，一般常出现在喜庆的场合。这种演讲的事例很多，人们大都能听到。它的特点是材料幽默，语言诙谐。