第一篇：中外音乐剧比较
《中外音乐剧比较》
音乐剧作为现代的一种独具艺术内涵的戏剧形式，它的音乐、舞蹈、表演、舞台美术以及所承载的艺术品质和表现出来的魅力对人们产生了很强的吸引力，得到了人们的喜爱和青睐。音乐剧并不只是由音乐伴奏的表演，它不是歌剧、喜歌剧或是轻音乐剧，也不是歌舞杂耍、音乐荒诞剧或是夜总会的歌舞表演，这其中音乐在音乐剧中起到了至关重要的作用。
音乐剧的发声是一种完全不同于流行唱法与美声唱法的声音，中国演员处在唱法与表演的误区中，这正是中国音乐剧与百老汇音乐剧的主要差异。什么因素构成了音乐剧?奥斯卡.哈姆斯坦曾回答:“它是你所能想到的任何元素，其中，只有一个因素是音乐剧绝对包括的—音乐。”的确，音乐是音乐剧的灵魂，没有了音乐，也就没有音乐剧的存在了。在音乐剧这一戏剧形式中实行的是作曲中心制，一部音乐剧的成功往往最先捧红的是作曲家，而一部音乐剧是否成功也往往取决于作曲家对其中音乐的创作。由此可见，音乐不仅仅只是帮助完成或完善音乐剧，而是构成音乐剧的重要组成部分。20世纪初，美国人在音乐剧的探索上显得十分稚嫩，音乐剧还没有脱离话剧艺术范畴，其中音乐经常作为话剧结构内的穿插性段落而存在.可以说，在这个时期，在美国的文化中，大部分是欧洲化的，无论是戏剧舞台上的文学作品还是音乐，几乎完全受欧洲传统支配，这也导致许多美国人到英国去学习音乐。经过众多艺术家们的努力，美国音乐剧逐步摆脱了英国音乐喜剧的影响，完成了向美国式音乐喜剧的转变，其代表作有福罗伦斯.齐格菲尔德的《齐格菲尔德活报剧》。
第一次世界大战结束，欧洲列强丧失了霸主地位，美国成为了新的世界强国。在经济上，美国无疑处于领先地位。1920年以后的十年间，乐观的情绪几乎无所不在。美国式的“自信”文化，已取代了过去欧洲文化的主导地位而在各种行业中出现。美国历史上将这段时期称为“爵士年代”。爵士乐这种独一无二的美国音乐形式，也成为音乐喜剧的“音乐俗语”。
1929年，爵士乐岁月里无拘无束的欢乐，在股市暴跌和经济大却下来。经济危机的后遗症使娱乐业的状况极为严峻。对于大多数人来说，音乐喜剧中爵士乐无忧无虑的欢乐情绪是合乎20年代的乐观精神的，却不适于大萧条时期社会的需要。于是，音乐剧通过对当前时事更辛辣的讽刺以回应来自电影(有声电影，特别是歌舞片)和广播媒体的竞争，在满足观众的欣赏需要的同时，显示出了音乐剧对社会现状深刻的认识。乔治。格什温就开创了一秘交响味儿”的爵士风，将小歌剧与时事讽刺剧结合，将商业娱乐与严肃主题结合。二次世界大战后，由于政府致力于重振国民情绪和经济资源，使得音乐剧嘲弄时事的风格在某种程度上有所减弱。这时的音乐剧从富有争议的时事主题转移到一些永恒且普通的话题，并追求优美的旋律，许多作曲家都用古典音乐来创作，用音乐戏剧取代音乐喜剧。与此同时，乡村
音乐以其优美的旋律、清新的风格也进入了音乐剧的殿堂.20世纪60年代以后，以巴特为首的音乐人开娜进军”百老汇，20世纪70年代以后，韦伯更是力挽狂澜，书写了音乐剧的新历史，给音乐剧带来了一股狂热脚摇滚，佩和清新的“轻歌剧”风，带动音乐剧的歌剧色彩复苏。尽管音乐剧中音乐的创作是紧跟流行乐坛的，然而，音乐的运用不仅仅是因为它流行，还因为它与剧情的发展有着密切的联系。随着音乐剧的发展、成熟，音乐已成为这种戏剧的一种强有力的叙事方式，音乐交待历史背景，烘托气氛，音乐亦可展开故事情节。将音乐与故事串联起来，开始于吉罗姆。《科恩的袱艺船》。《演艺船》打破了以往音乐喜剧的庸俗和歌剧的凝重感，使音乐剧达到了一个崭新的艺术高度，其独特和成功之处在于智慧地溶入
了传统的元素，而又不落俗套。它不像通常的音乐喜剧，不合逻辑的故事围绕着歌曲、舞蹈、表演展开，而是用音乐来表达故事，展开情节。科恩在该剧的音乐创作中，一方面使歌曲显得缠绵徘侧，凄楚哀怨，表达了不幸的婚姻和黑人的不平等地位在人们心灵深处所留下的伤痛:另一方面，科恩追求优美的旋律，表现了密西西比河美丽的自然风光以及人们对美好生活的憧憬，剧中著名的歌曲“老人河”就描写了源远流长的密西西比河以及两岸的黑人生活，在表现自然风光的同时，表现了黑人的劳动、生活、受欺压和不满，这首歌在全球至今仍传唱不衰.在成熟的音乐剧中，音乐不像在影视作品中一样处于陪衬、配角地位，而是上升到主角的地位直接表达人物的情感，诊释人物的性格。在顺艺姗中，脚„老人河，‟.“遐想呼g‟‟情不自禁爱上他”到“我为什么爱上了你”，每首歌曲都是主人公在一定情景下的情感表露，使人物形象更为丰满;在撤克拉荷马》中，歌曲“人们会说我们在恋爱”表现了两位恋人互相传递、表达他们的爱情;“走出梦境，‟m吐表达了劳蕾对爱情的向往与渴望。有的作曲家还巧妙运用歌剧中的宣叙调〔朗诵调)来表现人物间的对话、较量、和冲突，取得
了用音乐叙事的很好效果。例如墩吉与贝丝》、《西区故事》中都有这种念唱风格。在著名的《窈窕淑女》中，作曲家甚至采用了介乎说白与宜叙调之间的“朗诵风格”作为男主角的音乐表达方式。这种用音乐直接表达人物的语言、情感、性格，虽不如说白清晰明了，却能给观众留下更大的想像空间。需要一个质的转变。鲜明的中国风格与特色是国产音乐剧定位 的重要命题之一。按照这一命题的要求，在进行原创剧制作时，不仅要把握住这一外来艺术的共性特征，而且必须充分调动中华民族丰富的艺术资源，通过在一、二度创作方面的努力，让作品在编、导、音乐、表演、舞美等方面全方位凸现鲜明的个性即中国风格与特色来。
中央戏剧学院副院长廖向红在导《赤道雨》时，评价宋祖英的演唱时曾说:“身为歌手，宋祖英在《赤道雨》中尝试了很多突破，比如为了满足音乐剧的娱乐性、大众化需要，她尝试把自己的民族化唱腔拓展开，融入通俗唱法:另外，她还尽力克服作为歌手习惯性的鼻音发声，在剧中对白上，有非常强烈的愿望学习以话剧演员的方式在舞台上讲话;总之，身为一个成名歌手，宋祖英尽管舞台经验己经相当丰富了，但她依旧尽心尽责，对音乐剧的创作充满了热情，以她的能力是完全可以驾驭好这一角色，从而给《赤道雨》增色的。”
曾经对百老汇音乐剧有过研究并有过亲身实践的美籍指挥家刘键说:“美国百老汇音乐剧 的起源可以追溯到上个世纪，最初是由一种啤酒馆歌舞发展而来的，迄今为止己经有一百多年的历史，成为美国一个很大的文化产业，同时是美国文化的一个重要标志。，‟刘键认为，中国的音乐剧现在处于误区中，这主要表现在两个方面，一是音乐，二是表演。音乐剧最重要的应该是音乐，但是，在我们这里，音乐剧的主体不是音乐和演员的演唱，而是重在舞台设计和剧本。一部音乐剧是靠音乐贯穿始终的，音乐不应是辅助的，不应是剧情的陪衬。百老汇音乐剧的主要特点是:必须有醒目的主题音乐和主题歌曲，剧本只要内容平民化，政治上积极进步就可以;在表演上，演员的表演语汇要明朗易懂不做作。最为重要的是演员定是百里挑一，能歌善舞，是最适合音乐剧演出的。刘键说:“我曾问过许多演过音乐剧的中国演员这样一个问题，我的左手代表流行唱法，右手代表美声唱法，音乐剧的发声部位应该在哪儿?他们的回答是在中间。这是不对的，音乐剧的发声应该在我的背面，是另一种完全不同于两者的声音。中国的演员处在唱法的误区中，这也正是中国音乐剧同百老汇音乐剧的最大差距。国内演员看得太少，他们一直处于自我摸索的阶段。音乐上过于圆润，舞蹈和发声都过于民族化。现今世界音乐表演棱角分明，个性突出。发扬民族风格是必然的号但必须要让世界认同，民族艺术只有走向世界，才可以真正体现和展示它的民族特征。”
综上所述，音乐剧在实现艺术“时尚化”的同时努力实现着时尚“艺术化”。音乐剧不仅在舞台上塑造了20世纪的一种开放、乐观、幽默的人格类型，而且在日常生活中对现实人生、尤其对当代青年的性格陶冶、生活时尚和人格魅力的培养发生着巨大而深远的影响。音乐剧艺术在百余年的发展途程中，造就了一代又一代举世闻名的剧作大师、作曲大师、舞蹈创作大师、表演艺术大师、舞美设计大师和制作大师，作为有着悠久、丰厚舞台表演艺术传统的国度，我们不能固定“程式化”的表演传统，我们传统的舞台表演艺术在对现实生活的艺术把握中若柑与时俱进”，我们就不仅能融入时尚而且能创造时尚。我认为，许多具有综合表演手段的地方戏，特别是歌舞性较强的“曲牌体”地方戏，在其“与时俱进”的历程中，会促成音乐剧艺术的中国风格。
《中外音乐剧“主打曲”特色之比较》
内容摘要：本文通过对20世纪20年代至1997年以来，33部欧、美音乐剧100首“主打曲”与中国1983年至2005年以来，28部中国音乐剧60首“主打曲”的分析、对比，得出各自的特色，供从事音乐剧的朋友们参考。
关键词：歌剧、音乐剧；主打曲、歌曲、咏叹调、宣叙调、咏叙调。
一个多世纪以来，音乐剧的发展，虽然样式众多，多姿多彩，各具特色，但已定型为：源于欧、美的音乐剧。我们通过对20世纪20年代至1997年以来的33部100首欧、美音乐剧的“主打曲”（注1）与中国1983年至2005年以来，28部中国音乐剧60首“主打曲”（注2）的分析、对比，找出中外音乐剧“主打曲”的特色。
本文所说的“主打曲”是指这些音乐剧中的唱段是全剧中经常出现并贯穿全剧的主要唱段，它仅次于“主题歌”的地位，当然，也应包括主题歌。
在几部音乐剧的著作中都提到音乐剧是从歌剧、喜歌剧、轻歌剧发展而来，并指出其“声乐主要演唱形式有：独唱、对唱、重唱、合唱。声乐曲调的类型主要有：咏叹调、宣叙调、咏叙调。”（注3）当我们对上述33部100首外国音乐剧与28部60首中国音乐剧分析、对比后，发现外国音乐剧的这些“主打曲”都是歌曲，不是歌剧中的咏叹调、宣叙调或咏叙调，而中国音乐剧中的60首“主打曲”却是另外一回事了。笔者无意对咏叹调、宣叙调或咏叙调各有什么特色进行论述，而只对这些“主打曲”是歌曲并有何特色进行分析对比，然后就中国音乐剧中“主打曲”与之对比，得出中外音乐剧“主打曲”之异同。
外国音乐剧“主打曲”有以下几种特色：
（一）这些“主打曲”90%几都是歌曲，只有个别的介于歌曲与歌剧咏叙调之间。说其是歌曲，有以下歌曲写法特色：
（1）
曲式结构简单、严谨、清晰，多为AB材料的单二部曲式或变奏式的写法。也有ABA单三部曲式，或变化写法，像20世纪20年代音乐剧里程碑式的音乐剧《演出船》中的《老人河》，可以说是从歌剧到音乐剧过渡时期的作品，其结构是复三部曲式，A：a+b+a+B+A1+b+尾声（B的材料）。后来音乐剧的“主打曲”，在结构上越来越简单清晰。
（2）
这100首“主打曲”大部分都采用的是动机一再重复，与乐句重复或变化重复的，这正是民间歌曲的写法。请看《演出船》中的《老人河》：
再看1935年乔治。格什温作曲的音乐剧《波吉和贝丝》中的《夏天摇篮曲》：
这是一首黑人民歌风的一再重复音调的变奏曲性质的歌曲，是一首小调式的摇篮曲，剧中年轻的妻子克拉拉轻摇着孩子唱起了这首歌。
中国观众十分熟悉的《音乐之声》中的多首唱段，都是这类一再重复动机的写法，这正是歌曲的写法，而咏叹调、宣叙调决不是这种写法。请看《我心爱的一切》：
这是一首重复句首，变化句尾的典型歌曲写法，用重复加强人的记忆，变化取得发展。再看《音乐之声》中的《孤独的牧羊人》：
这更是一首重复句首，变化句尾的歌曲，所不同的是歌中使用了“雷依哦得”衬词发出的声响，使歌曲风趣无穷，大跳的音程成为歌曲的一大特色。
我们再看寇特.尔《懵懂女士》中的《我的船》；《猫》中的《回忆》；《剧院魅影》中的《夜的音乐》等众多的“主打曲”都是重复的歌曲。
（二）音乐剧“主打曲”另一特色是其旋律“好听、易唱、易记、易流传”。音乐剧的作曲家追求其“旋律单纯朴素、优美流畅、上口好唱”；追求歌曲“有听觉冲击力，有心灵震憾力，和旋律美”。这些主打曲共同的特点是，无论是听演员演唱或是观众自己哼唱，都感觉像有一种无形的手在撩拨自己的心弦，使人产生“心动”、“心悦”或是“心痛”、“心醉”。总之，就是产生“一种共鸣”。这样才能达到流传，几呼每部成功的音乐剧都有流传开了的歌曲，例如《猫》中的《回忆》；《歌剧院的幽灵》中的《夜之曲》等等。这里我们举《夜之曲》为例：
像这样有震憾力的“主打曲”还有很多，读者可从《外国音乐剧教程》中找到。
（三）音乐剧是以现代流行音乐为其基调，其“主打曲”基本上就是流行音乐的写法，流行音乐是当代最具有通俗化、娱乐化、大众化品格的现代艺术。音乐剧在欧美久演不衰，其原因就在于它的基本品格是考虑到受众的喜爱。我在日本学习时看了一些欧美音乐剧和日本音乐家创作的音乐剧，说有观众为音乐剧发狂，一点不假。一部音乐剧演下来，就有不少 会唱其中的主题歌。考虑受众的另一特点是演唱技巧上较简单，不像歌剧，要求演唱者有高难度的技巧，会表演的流行歌手就能唱这些音乐剧中的歌。当然，考虑受众还表现在音乐剧的内容上的平民化、与生活相关的剧情。
（四）音乐剧“主打曲”的动作性、表演性强，使其满台充满活力，“载歌载舞”成为其特色。这与歌剧中程式化的舞蹈不一样，比如格什温的《波吉和贝丝》，音乐用黑人爵士乐的风格与节奏，演唱起来动作性很强。大家都熟悉的《音乐之声》，其音乐的可动性很强，每首歌就像一首表演唱。台上一个人演唱，其他人有动作伴随，就产生了台上的互动，互动往往影响台下共鸣，也能产生互动，这就使演员与观众沟通，剧场效果就会很生动。这与音乐剧创作使用丰富多彩、音乐风格新颖独特的音乐语言有关。专家们分析音乐剧创作的三种主要语言有：古典音乐、爵士乐、摇滚乐。后两种音乐的动作性是很强的，这里就不一一举例说明。
（五）音乐剧“主打曲”的剧情多为欢乐、诙谐、喜剧性的。因此，欢乐、诙谐情绪是这42部音乐剧的基调，并且多数为爱情题材。像《耶稣基督万世巨星》与《悲惨世界》这样严肃性的题材是极少的。当我们研究了这100首音乐剧唱段后，我们可以得出一个结论说：欢乐、诙谐情绪的音乐剧唱段，其旋律朗朗上口，有青春活力；其节奏明快，有摇滚、迪斯科、爵士乐等所谓的现代节奏；给人以强烈的“时代感”。
（六）音乐剧“主打曲”的伴奏乐队是不具一格的多样化的编制，特别是现代电声乐队的加入，使音乐剧成为“时代”的产物。电声MIDI的音响有无穷尽的音色，这使音乐剧的音乐，无比丰富，音响神秘莫测，这一点我在日本亲临剧场的感受深刻。
当然，外国音乐剧决不只有以上六大特色，让我们再从60首中国音乐剧唱段中来分析其特色。
因为音乐剧是源自欧美，我们还是以外国音乐剧为准尺，对比中国音乐剧的特色。
在目前研究音乐剧的著作中，一般把1982年创作演出的《我们现在的年轻人》作为中国的第一部原创音乐剧剧目。而改革开放20多年里，明确打出音乐剧大旗的据说只有《山野里的游戏》、《鹰》、《四毛英雄传》等为数不多的少数剧目。这说明作者们对自己的作品还是持谦虚谨慎的态度，因为音乐剧毕竟是外来品种，中国音乐剧在草创阶段，抱着学习的态度较好。因此，多数剧目都以“轻歌剧”、“喜歌剧”的名目演出。本文是根据《中国音乐剧作品选集》进行研究、分析的，因此，凡选进书中的歌曲，均作为“主打曲”对待。笔者发现的情况如下：
（1）60首中国音乐剧“主打曲”中，我们惊人的发现，真正属于歌曲的不多，多数唱段介于歌剧中的宣叙调或咏叹性质的唱段。例如《日出》中的《你是谁？美丽的女人！》。当然，是歌曲或咏叹调并无好坏之说。而像《芳草心》中的《小草》是一首绝妙的好歌。外国音乐剧大多数唱段是歌曲不是歌剧唱段，这一特点直接影响了后面的几个特点。对于这一点，我发现问题出在中国音乐剧的唱词写法，过于散文化，过于强调抒发性情绪，缺少规整的词格，作曲家谱曲时就只好写成散文式的唱段，说是歌曲，又过于散，说是宣叙调又不像，说是咏叹调又不成。
（2）60首中国音乐剧“主打曲”中，像《小草》那样一再重复乐句的不多，有重复后面的乐句，由于唱词的散文化，使音乐主题不能更集中些，松散的唱段就达不到《小草》那样句法清楚，结构严谨。60首中国音乐剧中，很少有一再重复。
（3）说到音乐剧旋律的“好听、易唱、易记、易流传”这一特点，60首中国音乐剧中只有《小草》算得上这一特点。笔者分析了这60首唱段，不属于可流传而未宣传出去之列。原因除不具备上面两点之外，还有下面几个原因。
（4）中国音乐剧作家们似乎注意到了通俗性与向流行音乐靠近这一特点。但是我阅读了这些钢琴谱后，发现不少旋律是散文式的通俗歌曲，而伴奏却是严肃音乐的织体，或严肃歌剧的写法，不少唱段的难度也超出通俗这一范畴。（5）就音乐的动作性、表演性来说，在内容上是注意到了，例如《特区回旋曲》、《快乐的推销员》等。但是从音乐的动力性看，也是欠缺的。当然，有许多剧的剧情并没有为音乐提供可动的因素。
（6）剧情多为欢乐、诙谐、喜剧性的，这一点中国音乐剧是做到了，不单是爱情题材，而且多写的是现代生活题材。我不得不在这里提出，中国音乐剧中的唱腔不讲中国语音规律，不讲四声，倒词现象严重这一事实，有的唱段像翻释过来的歌曲。威尔弟、普契尼的歌剧是按意大利语行腔的，用意大利语演唱非常顺畅舒服，欧美音乐剧以流行歌曲为基调，也是讲究语言规律的，中国音乐剧倒词的唱腔，让人听来总是别扭的。
（7）中国音乐剧的发展时间很短，赶上电声乐器时代，靠高科技手段制作的伴奏音响，是过去时代所无法可比的，可以说是五光十色，声响艳丽。但是再好的声响，没有精彩的旋律唱段，依然无济于事。
中国音乐剧出现的问题，我以为在剧本作者身上，因为歌词是剧作家写的，剧作家不是作曲家，如果剧作家懂曲式学，会弹贝多芬的钢琴奏鸣曲，学习过威尔弟、普契尼等大师的歌剧，又对欧美音乐剧进行过笔头分析，我想，上述问就可解决的好一些。
第二篇：中外音乐剧赏析（精选）
音乐剧《音乐之声》观后感
何林唏 104130512
《音乐之声》是我初次接触音乐剧的音乐剧作品，它不仅是经典传世的音乐剧，也是一场音乐的饕餮盛宴，更是一次心灵的净化。
音乐剧《音乐之声》改编自《托普家族的歌手》，由查德.罗杰斯和奥斯卡.翰墨斯坦合作创作，被认为是最杰出的永恒佳品。在纽约首演后反响强烈，之后被改编拍为同名电影《音乐之声》
音乐剧《音乐之声》主要讲述了一个活泼率真且热爱生活的修女玛利亚被修道院院长派到特拉普的上校家作一名家庭教师，她的性格使她和七个调皮的孩子建立了深厚的感情，同时唤起了上校对生活的热爱。最终，上校与玛利亚相爱并结合在了一起。然而，此时正是希特勒吞并奥地利的前夕，上校被要求参加纳粹。借着参加萨尔茨堡民谣音乐节，特拉普家庭逃往瑞士,从此过上了幸福的生活。
一、音乐感受
《音乐之声》正是通过如此平凡却感人的故事为我们展示了很多经典且广为传唱的歌曲。
音乐剧一开始便由音乐带领我们掠过美丽的奥地利的山脉，河流，民居和草原，最后来到那片壮丽的阿尔卑斯山脉上，幽幽绿草地，修女玛利亚远远地奔来，展开双臂唱出那首经典的《音乐之声》。这首歌表达了玛利亚对祖国，大自然以及生活的热爱。
而当镜头转向修道院时，修女们向院长诉说玛利亚不收规矩的种种行为。于是，这首《玛利亚》便由几位修女唱出，但却表现出院长不愿意束缚玛利亚追求热爱自由的本性。最终将玛利亚派到特普拉家作为家庭教师。
在前往特普拉家的途中，玛利亚演唱了《我有信心》，歌曲表达出她既担心又期盼的内心活动，同时也表现出她对新生活的向往以及她对做好家庭教师的信心。
来到上校家后，玛利亚与上校和每个孩子见了面，晚饭时，上校的大女儿丽莎偷溜出去与邮差洛夫在花园约会，期间，他们欢快地唱起了《今年16岁马上17岁》，表达了这对年轻的恋人对长大的向往以及对恋爱的美好期待。正在歌唱之时，突然电闪雷鸣，很快大雨便下了下来，丽莎翻进玛利亚的房间，玛利亚不但没有责备她，而是帮她隐瞒，并让她更换湿衣。就在这时，孩子们因受到惊吓而躲到玛利亚的房间，玛利亚便用《我最喜欢的东西》安慰受到惊吓的孩子们。孩子们也因此放下了心里的戒备，增进了他们之间的关系。《我最喜欢的东西》也表达出了玛丽亚对生活的热爱以及她对孩子们的爱。
没过几天，玛利亚便带着孩子们外出郊游，她发现孩子们居然都不会唱歌，于是用轻快简单的《哆来咪》教授孩子们最简单的音符。这首歌传唱度很广，也是很多孩子学习音符的启蒙歌曲。简单的旋律却透露着最美妙的音符，蕴育着音乐的教学。
在玛利亚和孩子们快乐地相处时，上校外出归来，此时，玛利亚教孩子们《音乐之声》来欢迎孩子们未来的后母——男爵夫人。《音乐之声》再次响起，唤起了上校对生活和音乐的热爱，融化了上校长久禁锢的心。上校变回了一位和蔼可亲的父亲，与孩子们紧紧拥抱在一起。
没过几天，玛利亚带领孩子们为男爵夫人表演木偶剧《孤独的牧羊人》，幽默且风趣的歌词和旋律打动了所有的观众。
家庭的和睦使得上校萌发的举办舞会的想法，并使之实现了。舞会结束时，孩子们告别嘉宾时表演了《晚安，再见》，将孩子们的纯真体现得淋漓尽致。
也就是这场舞会，上校与玛利亚相爱了，男爵夫人看出了其中的端倪，便怂恿玛利亚离开。玛利亚不辞而别，回到修道院，院长以《翻过每一座山》来鼓励玛利亚勇敢地面对生活的困难。这首歌中也体现出了修道院院长对玛利亚的教育和鼓励。
玛利亚的离开使上校和孩子们都意识到他们已经不能离开她。于是，上校和玛利亚如愿地结婚了。蜜月归来，二人面对的却是纳粹即将占领萨尔茨堡。在当地举行的民谣音乐节上，上校弹起吉他，唱起了《雪绒花》。表达了上校对祖国深深的热爱，也表达了奥地利民族对战争必胜的信念。
正是这些经典且广为流传的音乐使我们带领我们进入《音乐之声》的世界，带领我们体会各个角色，带领我们深入音乐剧的主题。一首接一首，剧情也随之层层推进，不仅享受了音乐的美好，而且体会了主角的生活和情感。
二、主题感受
《音乐之声》带着平凡的故事，简单的情节，优美的旋律给我们留下了深刻的印象。剧中的音乐固然堪称经典，但最令观众动容的还是隐藏在其背后的博大而深沉的爱。
剧中女主角玛利亚热爱大自然，热爱音乐，热爱生命，勇敢，自信，执着，追求自由，拥有朴实的心。她一直在歌唱，歌颂美丽的阿尔卑斯山，歌颂她喜爱的事物，歌颂美好的生活。走出修道院，她勇敢地面对未知的未来，她也忐忑也怀疑，但是她义无反顾地选择自由，并且自信地面对，正如她这样唱到“我的心像小鸟一样，从湖边向森林中展翅飞翔，我像小雀日日夜夜在高声歌唱，当寂寞时候我来到山岗……”。面对七个调皮的孩子的恶作剧，玛利亚不但没有责备他们，而是不断包容他们，用音乐和爱感动他们，她寓教于乐，带领孩子们进入音乐的世界，从此他们的生命中有了音乐的陪伴。而当面对不经意间萌生出的爱情时，玛利亚最终选择了与上校在一起。正是她的这些美好的品质，唤起了特普拉一家的灵魂，更唤起了不知多少观众的灵魂。鼓励我们向往和追求美好的生活。
剧中男主角上校冯·特拉普是一个军人，是一个铁骨铮铮的男子，但却又是一个慈爱的父亲。他因妻子的早逝，心理蒙上了一层阴影，他不允许家里有笑声和歌声，用操练士兵的方式来管理孩子们。然而在玛利亚的感化下，他回忆起了昔日的欢乐，于是一改往日严肃，他对孩子们的爱便倾泻出来。纳粹即将占领萨尔茨堡之时，正值民谣音乐节，他以《雪绒花》向自己的祖国告别，“雪绒花，雪绒花，清晨迎着我绽放。雪绒花，雪绒花，永远祝福我家乡。”，简单的几句歌词确是上校对祖国深切的爱恋。面对祖国即将被吞并，上校不为纳粹的威逼利诱动容而是勇敢而决然地选择了离开多难的祖国，一家人逃亡瑞士，追求自由。
剧中七个孩子代表了纯真。尽管他们调皮地对历任家庭教师进行恶作剧，但这更加体现出了他们的可爱。因为玛利亚的容忍和引导，他们被训练成为家庭合唱团，表演了许多令人难忘的作品：《哆来咪》、《音乐之声》、《晚安，再见》、《孤独的牧羊人》以及《雪绒花》。也是因为他们对玛利亚的爱，最终促成了玛利亚和上校的结合。
除主角之外，好几个配角也给观众留下了深刻的印象。
修道院院长面对修女们对玛利亚的谴责如骗子和小丑姑娘，并没有人云亦云，而是一针见血地指出不要妄想“钉牢一片浮云，让海浪停留在海滩上，把月
光留在掌中”。她知道玛利亚不适合修道院，没有用修道院的规矩强迫她做不适合的事情，而是为她做出了选择——到特拉普家作家庭教师。而当玛利亚面对上校的爱逃避回到修道院时，院长又鼓励她：“攀登每一座山，不论高低皆要寻求；踏遍每条僻路小径，你都必须走。攀登每一座山，涉水过小溪，追寻每一道彩虹，直到找到你的美梦。这美梦需要你献出全部的爱，在你有生之年一直下去。”，让她大胆地追求自己的生活。
麦克叔叔是上校和男爵夫人的好朋友，也是孩子们的好朋友。同时，他也是民谣音乐节的举办者。在玛利亚和上校蜜月期间，他照顾孩子们；在音乐节结束之时，他帮助特拉普家庭逃离萨尔茨堡。他是伟大友谊的代表。
男爵夫人虽然是剧中的反面形象，但在面对上校的拒绝之时也表现出了风度。
《音乐之声》把抽象的音符、大自然的美景和人文景观完美结合，体现出人与自然和谐融洽、相互依托的关系，鼓励人们乐观向上，追求纯洁美好，争取自由和享受生活，消除邪恶杂念，达到真善美的理想境界。最终，特拉普家庭翻过阿尔卑斯山，离开了奥地利，离开了战争。在《音乐之声》中，我们体会了人世间那种最淳朴、最简单的友爱和挚爱之情，使我们的心灵得到了净化。
第三篇：中外音乐剧比较
中外音乐剧比较
浙江工商大学
工商管理学院
班级：工商1101
学号：1101100116
段丽媛
1.什么是音乐剧？
音乐剧（英语：Music Theater,简称：Musicals）,又称歌舞剧，是音乐、舞蹈、歌曲、魔术、杂技和对白等丰富多彩表演形式结合为一体的戏剧表演。剧中的幽默、讽刺、感伤、爱情等主题通过演员的语言，神情和动作以及舞台的背景、环境和各种音乐的巧妙结合来传达给观众一种新颖的综合的艺术形式。
音乐剧的特点有：综合性，现代性，多元性和灵活性等。它是一门20世纪出现的一门新兴的综合舞台艺术。它通俗易懂，突破年龄、阶层等客观因素的局限，广受观众的喜爱。2.音乐剧的产生和发展简短介绍
在17世纪~18世纪的欧洲，音乐成了人们用来表达思想和感情的有力工具。各式各样的音乐都得到茂盛的发展，出现了清唱剧和歌剧，但这两种剧在某些方面上显得单调，而且不能完全满足观众的口味和需要，于是出现了介于两者之间的艺术形式产生了。历史上第一部“音乐剧”是约翰·凯的《乞丐的歌剧》，首 演于1728年的伦敦，后来一个巡回演出团在美国北部也上演了这部剧，这便是美国人亲身体验音乐剧的开端。后来，美国的第一部音乐剧《黑魔鬼》出现，德国的喜剧《穿紧身衣跳舞的女孩》也出现，西方的很多国家都已开始了音乐剧的创作。随着先进音乐制作技术的发展，大量优秀剧本的创作，大量优秀导演的诞生，各种舞台、道具、服装设计的创新以及大家对音乐剧的喜爱，音乐剧得以广泛地、多样化的发展，呈现了一派新荣的百花争艳的景象。而到了现代这个科技时代，高科技技术的融入也为音乐剧的各方面的创作带来了一股新风。3.中外音乐剧起步比较
从音乐剧的起源和初期到中期的发展过程中，我们始终很难看得到中国的音乐剧谱写下的足迹，而美国、英国、法国和德国等国家却已开始了不同背景，不同风格，不同题材和尝试和创作，这不得不成为“为什么中国没有创作出优秀而又能在世界范围内具有影响力的音乐剧”的原因，因为我们在音乐剧这一方面的起步和意识远远晚于很多外国国家。而随着英国和美国的音乐剧经常在世界各地巡回演出，音乐剧也开始在日本、韩国，中国内陆、台湾、香港，新加坡等亚洲地区流行。所以中国的音乐剧相比西方国家的音乐剧显得更加不成熟，更加不完善，技术水平也不高。3.中外音乐剧创作人才比较
自从音乐剧开创以来，英国、美国和法国都涌现了大批优秀的音乐剧创作大师，比如：艾文柏林（Irving Berlin）、理查德罗杰（Richard Rodgers）、寇尔波特（Cole Poeter）、乔治盖希文（George Gershwin）、佛瑞德利克娄（Frederick Loewe）以及杰洛姆寇恩（Jerome Kern）安德鲁·劳埃德·韦伯等等等等。比如安德鲁·洛依德·韦伯，1948年出生于英国伦敦。他的第一部音乐剧已表现出了对流行音乐的着迷，结合了迷幻、乡村与法国小调三种元素。70年代早期，韦伯与莱斯合写的作品是大胆的《耶稣基督万世巨星》，获得了格莱美奖。该剧于1971年在纽约上演时，获得了七项托尼奖，包括最佳原作曲和最佳音乐剧奖，1973年，该剧被拍成电影。韦伯改编的《猫》正开始成为迄今为止韦伯在商业上最成功的作品。在美国和英国以及全世界，任何一个时候，都至少有他的十几个巡回演出团在大城市演韦伯的音乐剧。1995年，《猫》以史无前例的演出纪录庆祝它在百老汇上演十周年，《猫》、《星光快车》及《耶稣基督万世巨星》三部韦伯的作品是伦敦戏剧史上演出时间最长的三部音乐剧。韦伯是改写音乐剧历史的最伟大的音乐家之一。而中国的音乐剧作曲者则又屈指可数，少者有少。
不过，中国在歌剧方面也又一些在我们国人看来比较著名的歌剧，二十世纪中国歌剧创作的拓荒者是黎锦晖，他创作了儿童歌舞《麻雀与小孩》《小小画家》等共12部，在当时的中国曾产生了巨大影响，并为中国歌剧创作开了先河。1934年聂耳和田汉推出《扬子江暴风雨》，这种“话剧加唱”的做法后来也成为一种较为普遍的歌剧结构形式。从三十年代中期起，上海、重庆一些专业作曲家在创造民族歌剧方面作了不同方式的探索，出现了《西施》(陈歌辛，1935)、《桃花源》(陈 田鹤，1939)、《上海之歌》(张昊，1939)、《大地之歌》(钱仁康，1940)、《沙漠之歌》(王洛宾，1942)等作品，其中大多借鉴西洋大歌剧的创作经验，力图解决音乐戏剧化问题。在目前研究音乐剧的著作中，一般把1982年创作演出的《我们现代的年轻人》作为中国的第一部原创音乐剧剧目，而改革开放20多年里，明确打出音乐剧大旗的据说只有《山野里的游戏》、《鹰》、《四毛英雄传》等为数不多的少数剧目，这说明作者们对自己的作品还是持谦虚谨慎的态度，因为音乐剧毕竟是外来品种，中国音乐剧在草创阶段，抱着较好的学习态度，因此，多数剧目都以“轻歌剧”、“喜歌剧”等剧目演出。中国各种代表中国色彩的歌剧也不断涌现，但是在音乐剧这一综合的艺术中，中国的创作往往显得小家子气或不成熟，以致于在作品在世界的影响力不大。4.中外音乐剧作品比较
一提到音乐剧作品，引入大多数人脑海里的就是国外的优秀作品。为人所熟悉的有最著名的应该是《猫》，《悲惨世界》，《歌剧魅影》，《贝隆夫人》，《音乐之声》，《红磨坊》，《发胶星梦》，《西区故事》，《雾都孤儿》，《妈妈咪呀》，《小王子》，《十诫》，《德库拉》，《巴黎圣母院》，《罗密欧与朱丽叶》，《伊丽莎白》，《莫扎特》，《吸血鬼之舞》，《芝加哥》，《狮子王》《歌舞青春》，《美女与野兽》等等，每次当我们想起这些优秀的轰动世界的音乐剧时，我们总会想起里面那些美丽、善良、可爱、优雅、美好、风情、性感、邪恶、丑陋、恶毒、等各种人物形象，他们的服装、妆容、神态和动作都给我们留下了深刻的印象，那些生 动、形象、激情、忘我的演出甚至给我们的是无限的崇拜之感，比如在《猫》这部作品里，猫的伶俐、猫的乖张、猫的自由的生活方式，如此新奇的吸引着人们，从猫的生活方式中，找到一个全新的自我定位，这是个奇特的发现过程，没有人愿意用自己的生活与一只猫咪的生活做比，但是从音乐剧《猫》中，从那些千奇百怪的小生灵身上，从他们梦幻般的生活中，我们却可以从生活以外的角度，审视自我和自我的生活。我们还会想起里面的那些契合主题的舞台设计和灯光设计，《猫》里的魔幻色彩的夜空、废弃的街角、冷清的垃圾场，各种舞台布置在每一个音乐剧中的渲染烘托里起着重要的作用。想起《猫》，我们还会随着想起里面各种风格的乐曲，《回忆》这首歌中经典的旋律把一只饱受生活摧残，离群多年而又风光不在的老猫的内心世界表达的淋漓尽致，她对美好生活的那份憧憬和盼望回到猫家族中的向往，把整部剧推向了最高潮，可见音乐为烘托剧情起到的巨大作用。这些经典乐曲都在剧中起到了无可替代的作用并成为每部音乐剧的标志和象征。
中国的“音乐剧”为我们国人熟悉的有《白毛女》、《化蝶》等等，但是现在大多数的年轻人都不了解，甚至只知道中国的音乐剧作品，举一个例子。美国迪士尼拍的一部成功的音乐剧《歌舞青春》，一经排成电影形式的音乐剧后，就以迪士尼的轰动全球的气势席卷受到了青少年的喜爱与追捧，大家喜欢里面的富有生命力和年轻情感呼唤的歌曲，喜欢里面的男女主角的浪漫，喜欢那些高中时代的梦想、激情和让人生绚烂的回忆，喜欢里面的舞蹈、舞台剧。就在这我们的 称赞之后，中国版的《歌舞青春》出现了，虽然这也是迪士尼公司名下的创作，但是在我看来，中国版的《歌舞青春》里面的情节和年轻人的梦想似乎与我们真正的高中生活显得太不现实了，首先我们没有美式《歌舞青春》里的开放，这包括对物质上的追求，对音乐方面的追求，对初恋、美好爱情的追求，对音乐剧的认识，另外最重要的一点就是我们没有美式《歌舞青春》里的环境，在没有这样的校园文化的背景下，中国《歌舞青春》似乎脱离了实际，脱离了青少年的想象，另外将美式《歌舞青春》的歌曲进行改编翻唱，也丢失了美式《歌舞青春》的原汁原味，大家注意观察一下两个版本的《歌舞青春》，也会发现主角们在歌唱、舞蹈和表现力方面的悬殊差别。虽然有时模仿是很好的，但我不得不承认，在文化背景不同的状况下的模仿会显得缺乏实际性，缺乏创新，最终也会导致观众或欣赏者进行较大差异的比较和批评。
5.中外音乐剧的演出中心比较
百老汇---众所周知，像“好莱坞”与美国电影的关系一样，一提起“百老汇”人们便会很自然地想到美国戏剧。“百老汇”是纽约市曼哈顿区的一条大街的名称。在这条大街的中段一直是美国商业性戏剧娱乐的中心，因此“百老汇”就成为美国戏剧活动的代名词了。百老汇曾经有非常辉煌的历史，这是与美国商业音乐剧的历史密切相联系的。百老汇音乐剧(Broadway Musicals)的前身是黑人游艺表演、滑稽剧、歌舞杂剧等，比较多地受爵士乐、摇摆乐的影响，其舞蹈有独创的百老汇风格。还有法国巴黎 的歌剧院，澳大利亚悉尼歌剧院等在全世界有名的歌剧院，但是在中国呢？我们知道中央歌剧院，还有个别城市里的歌剧院。剧院作为展现音乐剧的承载体，首先它就要具有宽广、华丽而有富有创作性，可塑性的舞台，鲜艳而变幻莫测的魔术般灯光效果，更重要的是它的容纳量，容纳量的多少也能直接影响到体现出它的气势与影响。所以一个国家想要创作出优秀的音乐剧，就必须拥有一个能够让这部音乐剧走向世界的大舞台，这个大舞台不仅要能成功地办好演出，它更需要将其推向宽广的世界舞台，并且在背后也需要很多商业的可操作性。6.中外音乐剧差异的文化原因
中外音乐剧的差异也有其文化背景方面的原因:中国的音乐剧大多偏向与传统的题材，比如说中华民族革命，新中国成立的伟大故事，封建统治下老百姓的贫苦生活等等，这些题材早已在中国的历史小说中不断的重现和积累，所以中国在音乐剧的创作之中难以逃脱这些红色爱国题材的束缚，也就难以在音乐、舞台、表演上得到更多的创新，就像小家碧玉般的音乐剧是走不进世界艺术的大门的。而国外的音乐剧相比之下就显得开放、创新、自由得多，这也是他们的文化特点。国外的音乐剧中，剧本所呈现的既有社会各阶层人的生活，也有很多幻想的理想世界，有突破限制的形象的大胆尝试，也有超乎想象、突破伦理的冲击和震撼，同时，几乎每个音乐剧都有为其创作的符合该题材和故事情节的音乐，它并不是一味地模仿和重复，而是在不同章节的变换中寻求新的格调，让每一个欣赏者都能获得听觉的享受。所 以，国外的这些音乐剧会变得如此优秀和杰出，关键的一点是它们都具有着开放性、多元性、社会的共鸣性，大至剧本的优秀性，剧院和舞台效果的精心布置，音乐的选取，小至表演者在舞台上的服饰妆容，一颦一蹙，一个回眸和一滴眼泪都让人在欣赏的同时，感觉自己已经不是一个旁观者，自己已融入了这个故事中，唤醒了沉睡在心里的狮子、昔日的梦想和曾经自己内心的遥不可及的想象。在这里，我兵=并不是说中国的传统题材不优秀，不值得肯定和回忆，但是如果一味地吃老本，不以新的眼光，新的角度去尝试，去发展，那么中国的音乐剧也许就会就此衰落。就像近几年来，影视界中都出现了很多翻拍历史故事的现象，《红楼梦》、《西游记》等等，我们在欣赏该剧的同时不免会与原来的模板进行比较，新版《红楼梦》中，我们看到的过多的是背景的设计大大修饰，但奢华的贾家大府不免会带上很多现代色彩，演员们的演技也很欠佳，没有演出故事里最基本的气质，同时新版《红楼梦》中的音乐也让人觉得很灵异，诡秘，空旷得像一部惊悚片，诸如此类的重拍在近几年来也许大家已经习以为常，但是也不得不反应出当今中国影视题材的匮乏和没落。音乐剧同样如此，它需要的是不断注入新的元素和血液，而不是一成不变地继承和重复。在这里，我认为有一句话可以总结音乐剧：如果你能想出并且做出别人认为不可能的或者超乎逻辑的事情来，那么你做的事情就已成功了。国外不朽的音乐剧作品也许就是因为这个原因而取得了辉煌的、不可超越的成功。
7.对中国音乐剧的期望 虽然中国音乐剧与国外的音乐剧的差距甚远，但是我想创新应该是无界限之分的，希望我们在教育体制的改革帮助下，培养出更多的人才，写出更加具有时代意义的原创作品，我们少一点“山寨”，多一点“本寨”的真实，可以学习和借鉴国外的经验，但在创作和编排等各方面都需要保持独立的自我。同时我们也应该提高国民的审美情趣以及对音乐剧的欣赏能力，不一味的抵制国外的音乐剧，也不一味地吹捧国外的音乐剧，支持中国的音乐剧，不断提出自己的看法和评价，让中国的音乐剧在逐渐成长的过程中走向世界，让这一美妙的艺术形式高歌在世界的每一个角落。
第四篇：音乐剧
我所了解的音乐剧
摘要：本文介绍了音乐剧的基本知识，以及如何欣赏音乐剧。
关键字：音乐剧的定义和特征如何欣赏音乐剧
音乐剧的魅力
音乐剧是集音乐、戏剧、舞蹈于一身的现代舞台剧。
音乐剧的六大特征：①戏剧性②现代性③多元性④国际性⑤市场性⑥旁白演唱。戏剧是音乐剧的本体，音乐是音乐剧的灵魂，舞蹈是音乐剧的重要表现手段和形式。从现代性来看，它不再用传统的音乐舞蹈和简单的舞台技术。在音乐方面，不再美声唱法，而是用最符合当代观众需求的唱法。所以，早期爵士乐为主的音乐剧，后来有摇滚乐的音乐剧，有乡村音乐的音乐剧。舞台技术也很现代化。多元性指的不再坚持单一的艺术形式，音乐不拘一格，不受任何公式化模式的束缚，音乐传统有爵士、摇滚、乡村音乐、迪斯科、灵魂乐，也有大混合式的作曲；有偏向歌剧的，偏向轻歌剧的，还有轻歌舞剧。舞蹈也有多种流派。音乐剧不拘一格，不存在教条主义的东西，比较大胆。在音乐创作、乐器伴奏和语言选择上，都是创新的并以市场需求为根据，不受传统的约束。从总量上说，欢快的喜剧题材数量较大。当然，也有些重量级的悲剧作品，例如、《西贡小姐》和《悲惨世界》等。
音乐剧比歌剧有更多舞蹈的成份，早期的音乐剧甚至是没有剧本的歌舞表演。音乐剧擅于以音乐和舞蹈表达人物的情感、故事的发展和戏剧的冲突，有时语言无法表达的强烈情感，可以利用音乐和舞蹈表达。在戏剧表达的形式上，音乐剧是属于表现主义的。在一首曲之中，时空可以被压缩或放大，例如男女主角可以在一首歌曲的过程之中由相识变成堕入爱河，这是一般写实主义的戏剧中不容许的。
音乐剧经常运用一些不同类型的流行音乐以及流行音乐的乐器编制；在音乐剧里面可以容许出现没有音乐伴奏的对白；而音乐剧里面亦没有运用歌剧的一些传统，例如没有了宣叙调和咏叹调的区分，歌唱的方法也不一定是美声唱法。但音乐剧和歌剧的区分界线仍然有不少学者争议，例如格什温（Gershwin）作曲的波吉和贝丝（Porgy and Bess，”）就曾同时被人称作歌剧、民谣歌剧（Folk Opera）和音乐剧。一些音乐剧如悲惨世界是从头到尾都有音乐伴奏。
音乐剧欣赏
音乐剧欣赏就是以具体音乐作品为对象，通过聆听的方式及其他辅助手段，如阅读分析乐谱和介绍有关背景材料等来领悟音乐的真谛，从而得到精神愉悦的一种审美活动。
音乐剧欣赏与其他文艺欣赏基本上是相通的，但由于音乐艺术本身所具有的特殊性而带有自己的特点，通常可从两方面来探讨。①如何正确理解、认识作为欣赏的客观对象的音乐本体；②如何正确理解、认识作为欣赏主体的听众在欣赏活动中所产生的各种反应及其个性差异。
对音乐本体的认识，实际上是通过熟悉、掌握音乐艺术的过程而取得。通常包括对音乐语言、音乐形式、音乐结构、音乐逻辑等，即音乐表现手段、手法的理解，再进而对音乐体裁、样式与风格的了解等。由于对音乐的理解不同，在西方，尤其是否认音乐有内容的一些音乐家们，对音乐的欣赏只限于研究形式以及技巧方面的问题，否认音乐的社会内容，甚至否认音乐能表现情感。马克思主义的艺术观认为：音乐的内容是作曲家对现实的具体反映，带有其主观的情感色彩及特定内涵，它通过形式表现出来，是可以理解并掌握的；只是由于音乐难以直接用具体形象来反映，因而带有一定程度的确定性与不确定性的辩证统一。为此，在欣赏音乐时，除欣赏其形式美以外，还有必要结合各种非音乐的因素来深入分析探讨其内容，以求正确掌握音乐的本质。
一、感知音响及音乐的具体外形。理解、体验音乐的情感内涵，即通过音乐的形式产生联想、想象等心理活动，根据自己的生活经历以及音乐经验等，使自己对作曲家所反映的现实及其情感态度等产生一定程度的理解和感情体验，并有所共鸣。通过对音乐的背景材料的了解，回溯到作曲家创作时的思想感情及其主观意图等。最初以直觉的方式形成认知时，就含有各种复杂的心理活动，它实际上表现为听众以往的知识和修养的总和在瞬间的复杂心理反应。如果通过反复聆听，就能逐步深化。
二、由于音乐的欣赏带有主观能动的特点，听众在聆听音乐时，必须结合自己的主观经验，通过回忆、想象及联想等加以丰富补充，因此，可以算是一种个人的再创作；它会因人而异，但又不会脱离音乐所表现及规定的大范围。这个再创作的特点是：只有听众本人才能体验，难以用语言或文字等具体概念来明确表达。即所谓“意在言外”或“弦外之音”。这个特点虽在欣赏其他文艺作品时也会产生，但对音乐来说，最具有特殊意义。
三、在欣赏音乐时，主要是对形式以及它所反映的内容是否合乎真、善、美的问题作出判断。在中国古代，道德判断列为审美判断的首要。形式美的审美判断，也是重要关键，这里包括对作曲家的艺术能力及其创作的形式美的高下，演奏家的再创作的评价等等。简言之，即对作品中所表现的审美趣味、审美要求及审美理想，以及表现的能力及成果进行评价。这种评价通常也是直觉而不够具体的，如果化为语言文字，则属于音乐评论的范畴。它们相互影响，彼此制约，形成1种主观能动的感知及认识活动。
在没上这课之前，总觉得只有具备广博知识才能深入理解音乐剧。因而只是听听简单的轻音乐。在课堂上欣赏了这些，后来为了写论文，又自己搜了些，发现慢慢能懂了那些说不清道不明的感觉。
很多人说，自由地倾听，充分地感受，我们才能领略音乐艺术的伟大。要培养音乐欣赏的能力，最关键的是要多听、多接触、多欣赏音乐。欣赏音乐也是这个道理，听得多了，自然慢慢地就会引发音乐鉴赏力。一般来说，音乐作品作为艺术，总是由音乐材料所构成的。其实，所谓听得懂音乐是一个相对的过程，是一个音乐作品与接受者之间信息网络传递的过程，最初可能只是一种比较蒙胧的感觉，如果再继续听下去，就能够逐渐感受到音乐的变化和特点，比如辨别节奏、节拍、乐律以及表达的感情。多听各种各样的音乐，不断扩大自己的欣赏面。趣味像灵敏度一样，在某种程度上是天生的，但也要通过后天的培养才能得到发展。对于各种没有欣赏过的音乐都要进行聆听，一方面可以提高自己对音乐的兴趣和受好，另一方面可能通过对不同时期不同作者的音乐作品的欣赏，来不断提高音乐欣赏水平。欣赏能力的提高需要文化艺术修养和丰富的生活体验，丰富的人生阅历和情感体验非常有助于欣赏者对音乐本质的体验和领会。走出音乐欣赏的误区，慢慢培养各方面的素养，具备音乐欣赏的能力，并在音乐视听实践中完善自己。没有任何艺术的生活，就如同荒野一样。愿每个人都能喜欢音乐。
参考文献：L.斯托科夫斯基的《我们大家的音乐》，D.D.博伊登的《音乐引言》
科普兰的《在音乐中听些什么》
W.S.纽曼的《理解音乐》
第五篇：音乐剧
音乐剧——巴黎圣母院艺术学
当代罕见的旷世巨作，法语版音乐剧《巴黎圣母院》，一出改编自法文学巨擘雨果的不朽名著，由欧美乐界顶尖才子Luc Plamondon谱词，Richard Cocciante作曲，本剧率先于1998年1月的法国嘎纳唱片大展中绽放异彩，同年9月16号正式在巴黎国会大厅推出首演，撼动人心佳评如潮。首演未及两年，其魅力风潮迅速袭卷欧陆，此剧在法语系国家连演130场，盛况空前，同时荣获加拿大FELIX艺术奖项“剧作”、“最佳歌曲”与“最畅销专辑”多项殊荣。当鲍伯利和勋伯格以《悲惨世界》(Les Miserables)与《西贡小姐》(Miss Saigon)造成轰动，来自法国的作品逐渐获得世人的喜爱。近年一部来自法国的音乐剧新作品，改编自雨果名著的《巴黎圣母院》，又在国际上引领瞩目的风潮。雨果这位被誉为19世纪法国浪漫主义大文豪，除了《悲惨世界》之外，还创作了《巴黎圣母院》、《克伦威尔》等文坛名著，他的一生经历了漫长而动荡的历史时期，当时法国文坛正处于古典及浪漫主义冲突之际，他力主浪漫风格，以磅礴的气魄、丰富的想象力、华丽的词藻傲视文坛，更以曲折离奇的情节撼动读者心弦。《巴黎圣母院》讲述了这样的一个故事：担任全剧“主述”的游唱诗人葛林果，是吉普赛女郎艾斯梅拉达(Esmeralda)有名无实的丈夫，艾斯梅拉达出于同情心，为了让他免于被族人处死才允诺和他结婚。天生畸形、被巴黎圣母院收容而担任敲钟人的加西莫(Quasimodo)，以及圣母院的副主教弗侯洛(Frollo)与侍卫队的队长腓比斯(Phoebus)，都情不自禁地爱上了美丽的艾斯梅拉达。一生侍奉天主的弗侯洛，明知男女之爱是神职人员的禁忌，仍然难以自拔。而腓比斯虽然已有娇美的未婚妻百合(Fleur-de-Lys)为伴，却因为生性风流而意图染指艾斯梅拉达。他们三个人共同合唱的“Belle”，在法国单曲市场创下了300万张的傲人成绩。加西莫多自惭形秽，只敢把爱意深埋心中。艾斯梅拉达爱上了腓比斯，引起弗侯洛的妒恨，他趁着艾斯梅拉达与腓比斯幽会时，刺伤了腓比斯，然后嫁祸给艾斯梅拉达，要胁她以身相许，否则就要将她处死。她拒绝服从，被送上了绞刑台。加西莫多奋不顾身到法场劫人，把她藏在圣母院中。不久，吉普赛人的领袖克娄潘率众攻打圣母院，意图解救艾斯梅拉达。腓比斯率领卫队击溃了吉普赛群众，克数潘被杀，葛林果取代了领导人的地位。自知无力对抗军队的加西莫多，让弗侯洛把艾斯梅拉达交给腓比斯，因为他以为腓比斯是来解救她的。未料及腓比斯由于不敢再触怒未婚妻，而宣布将艾斯梅拉达处死。悲愤之中，加西莫多把弗侯洛从钟楼顶端推下，然后去解救艾斯梅拉达，只可惜为时已晚。他哀求刽子手的同意，抱走了艾斯梅拉达的遗体，躲藏在巴黎公墓的地窖里，为艾斯梅拉达以死殉情。今著名的音乐剧大多是由纽约百老汇和伦敦西区的演艺公司包装而成的，因此这些剧目也带有了百老汇和西区特有的风格特征和运作方式。而《巴黎圣母院》却是一个例外，它是少数几部闻名世界却没有受到百老汇和西区影响的著名音乐剧。《巴黎圣母院》诞生于法国巴黎，远离纽约和伦敦，先天就没有受到百老汇和西区的影响。而作品诞生后，从包装到制作推销的整个过程，也全部是由法国公司全权包办的，而不像《悲惨世界》和《西贡小姐》那样在法国诞生，却由伦敦西区的公司来包装和运作。因而，《巴黎圣母院》中几乎没有百老汇和伦敦西区的印记，观看过该剧的人也往往会有与众不同的感受。
“到了晚上，耶稣和12个门徒坐席。哲学引论
正吃的时候，耶稣说：„我实在告诉你们：你们中间有一个要出卖我了。‟
他们就甚忧愁，一个一个地问他说：„主，是我吗？‟
——圣经•新约•马太福音26：20-22”①
最后的晚餐，在基督神话中为最重要的故事，历来为画家们描绘。在比较详细的西洋美术史上，足足可以列举几十副著名的《最后的晚餐》。
莱昂纳多•达•芬奇（Lanonardo da Vinci，1452-1519）作为文艺复兴时期太才艺术家和多才多艺、全面发展的人的代表，是一个不可企及的典范。他的伟大之处在于，他一直是像先知那样地展望未来，为艺术和科学的进一步发展而不知疲倦的探索，并取得了巨大的成就。
《最后的晚餐》创作时间大约为1495-1498年，现存于意大利米兰的多明尼加修院的圣母感恩礼拜堂的餐厅墙壁上。它是达•芬奇毕生创作中最负盛名的辉煌之作。在众多同类题材的绘画作品中，此画被公认为空前之作,尤其以构思巧妙、布局卓越、细部写实和严格的体面关系而引人入胜。②
关于这副画的鉴赏与评论早已多不胜数，本文也将选取两个小的方面谈一下对这副画以及对达•芬奇的看法，也许观点不够独到，但也算是对大师及其作品研析的一点体会吧。
一，这副画中，最引人注目的当属居于画最中间的耶稣，他说完了那句话之后，摊开了双手，并垂下了眼帘，眼神淡然。有很多评论说这是一个“悲伤的姿势”。但我觉得，这时耶稣的心态该是古井水般波澜惊不起。这一点，不仅是从画中门徒的手足无措以及惊恐之余仍握紧卖主钱袋的犹大，在表现手法上应与中心人物耶稣形成鲜明对比的需要，同时也在说明着这样一个事情——“如果生命预告死亡，将会有什么表情？” ③既然已经注定，而作为世人所谓悲剧中主角的神——甚至只是一个智慧渊博的人，都会这样淡定的吧。预知死亡，不再只是宗教的训示；预知死亡成为达芬奇绘画世界中生命的必然结局。如果说，《最后的晚餐》中对死亡的淡定还有因画面需要的局限，而同样淡定表情，在达芬奇另外一副著名的作品《蒙娜丽莎》中，更为明确地展现了起来。蒙娜丽莎的微笑，让人捉摸不透，可无论你怎么想，或深爱或不屑，她却一直那样平静地
看着你，也许你可以从她的笑容上看出什么。这种面对世间变换却一如既往的“神秘”笑容，其实是对生命的淡定，这种淡定也许比对死亡的淡定更加难得。
无论是对死亡还是生命的淡定，都是凡人难以接近和抵达的境界。这种神和近似神的感情，不知是否为这位谈吐举止华丽优雅的名画家所拥有，还是在他那看似安然的外表下，有着一颗躁动的心，一生中有着无数创造构想但大多数半路夭折的达芬奇，创作耶稣及蒙娜丽莎的淡定，也许正是来平抚他内心的良药吧。
二，在画中，耶稣的门徒，圣多马④，侧身而坐，右手食指向上所指，这一细节在我所能看到的地方或被认为是纸天发誓对耶稣的忠诚，或是表达疑虑。诚然，作为一副付酬宗教题材作品，达芬奇不可能明目张胆地画出什么大不韪之笔，只是某些看似正常或略有疑虑之处，可能正暗含着作者的某种心机，在达芬奇后期的作品中，《酒神巴克斯》和《施洗者约翰》（二作时间几乎一致，晚于《最后的晚餐》近20年）中都出现了“令人不解的食指姿势”⑤，其中《施洗者约翰》这副作品我发现他也是右手食指向上，姿势和《最后的晚餐》中的圣多马几乎是转了180度角的重现。
看过一些对《施洗者约翰》的赏析，说这副画包含着肉欲与渎神的意味，尽管没有深入地研讨这副画，但只凭简单的画面感觉甚至不需结合当时的社会环境，至少的确对这位有名的圣人存在一些不敬之处。最为轻微的也至少是将圣约翰充分的人性化了。
将《最后的晚餐》中的一个小细节与《施洗者约翰》作类比，并非偶然。请看耶稣右手边的那个人，是不是很像位女性？有一些传说并很多迹象表明⑥：那个人并非福音书中的约翰，而是一位同样在耶稣神话中著名的女性——玛利亚•蒙大拿。从书及网上看到的《最后的晚餐》的图片，个人也决额这应该是位女性，如果是约翰的话的确是太过眉清目秀了。但鉴于该画在500多年的风雨历程中已经模糊不清了，所以不能定论这个人到底是谁。
关于蒙大拿，她的传说除福音书中的故事，还有一个版本，就是她实际是耶稣的妻子，但由于一些确实必要的原因，她的存在被在教义（即教史）上抹掉了。还有有关圣杯的说法，她当时可能已经怀有耶稣的骨肉。
一个很可能是失败的、被天主教、基督教抹杀及美化饿历史事件和人物，一个很可能曾真实存在过的怀有“神”之骨肉的人类女性。如果这一传说为身为私生子的达芬奇所知，那么他在画中将这一点隐晦地表现出来也就可以理解了。
综合以上内容，淡定的耶稣和姿势耐人寻味的圣人以及身份不明的女性出现在同样的一副画中，似乎有些矛盾。当然首先这些地方在整副作品中看起来还算正常，与画面整体还较为协调，这些分析也可以是超脱于作品之外对单独个体的赏析。还有就是，这种对神或者是高尚人性的向往与追求和种种对神的疑虑和人性化，是和“文艺复兴”的大北京息息相关的。文艺复兴时期的干将们往往是提倡人的精神、人性解放，但同时相信神的存在（有宗教信仰），达芬奇作为这一时期的代表人物，在这种矛盾中反复回旋并渐进是可以理解的，而且其自身的特殊经历（私生子、曾被告为同性恋），也会对其心理造成一些影响。这些影响很可能是对神有所怀疑又不想去怀疑的矛盾，或是对完美的无限追求及不可避免的瑕疵等等。
在《最后的晚餐》中，除了上文中提到的几个拙见外，还有前人已经挖掘过的，如三度景深的透视法（达芬奇一生极爱各种各样饿研究创作）、背景渲染、甚至于他失败的作画材质实验都被融入到他的这副作品，以及他每一部作品中。总之，无论是其非凡的创作活力还是他对情感的表达甚至超感情的暗示，都永远值得我们后人去学习、领悟。
《最后的晚餐》是基督教传说中最重要的故事，几乎被所有宗教画家描绘过。但在达·芬奇为米兰格雷契寺院食堂画《最后的晚餐》之前，所有的画家对画面艺术形象处理都有一个共同的特点：那就是把犹大与众门徒分隔开，画在餐桌的对面，处在孤立被审判的位置上。这是因为画家们对人的内心复杂情感无法表现，从形象上难以区别善恶。由于达·芬奇对人的形象和心理作过深入的观察和研究，能从人物的动作、姿态、表情中洞察人物微妙的心理活动并表现出来。画家选择的瞬间情节是耶稣得知自己已被弟子犹大出卖，差弟子彼得通知在愈越节的晚上与众弟子聚餐，目的并非吃饭，而是当众揭露叛徒。当耶稣入座后即席说了一句：“你们中间有一个人出卖了我。”说完此话，引起在座的众弟子一阵骚动，每个人对这句话都作出了符合自己个性的反映：有的向老师表白自己的忠诚；有的大感不惑要求追查是谁；有的向长者询问，整个场面陷于不安之中。过去的画家无法表现这一复杂的场面和弟子们各不相同的内心精神活动，唯芬奇从现实生活中对各种不同个性人物的观察，获得不同的个性形象，于是在画中塑造了各不相同的人物形象，观赏者可以从自己的生活经验出发，对画中人作出不同的心理分析。这幅在格雷契寺院食堂墙壁上的宏大画面，严整、均衡，而富于变化，无论从构思的完美、情节的紧凑，人物形象的典型塑造以及表现手法的纯熟上都堪称画家艺术的代表。它也是人类最优秀的绘画作品之一，由于它的问世而使达·芬奇名扬世界。
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