初中美术中国画的教学方法创新

第一篇：初中美术中国画的教学方法创新

初中美术中国画的教学方法创新

摘 要 中国美术画教育是我国美术教育的重要基础和组成部分。美术教学的教育制度与方法需要与时俱进。美术教学在一定程度上有利于培养与熏陶学生的艺术气质与人格品质，使学生在其教育下形成正确的人生观和正确的价值观，并对中国传统艺术进行了改革与创新。与此同时，美术教学上本文对初中美术中国画的教学重要性和方法进行了探究和阐释，旨在让教师在教学中更有对策的提高学生的学习效果。

关键词 初中美术 中国话 教学方法

中图分类号：G623.75 文献标识码：A

初中阶段，中国画的美术教育被划分为三个部分。这三个部分的课程安排主要有：美术欣赏阶段、美术实践阶段和美术讨论阶段三个部分。课程不分种类和性质差异，皆不能同时在一次教学过程中，让所有学生对所要学习的内容进行了解和掌握。初中生相较于幼年时期的孩童，思想与行为方式都相对的成熟，但相较于成年人成熟的思想模式来说，初中生由于有限的条件拘束不免使自己显得过于稚嫩。对于拥有上下五千年文化历史的中国来说，初中生还不够阅历对此做一个全面的了解和掌握。教师应该采取相应的措施使学生在学习的过程中发挥自己最大的主观能动性，通过灵活多样的方式，激发学生的学习热情，调动他们的积极性。

1在欣赏教育阶段激发学生的兴趣

中国的绘画艺术历史悠久，唐代以后的画作以它独特的形式被特别的保存下来，它所展现的内容使现在的观众对那个时期的历史一览无余。这些内容原始且真实，对现在的观众来说，欣赏这些画作，是视觉的滋养，是精神和灵魂的盛宴。这些画作从装饰图案到山水花鸟的历史进程中，无一不体现着中华民族的整体审美水平和世世代代中华后裔对美的不断追求。欣赏课能让学生与画作及作者进行直接的交流与沟通。让学生在自己主动观摩的条件下，对画作进行深入的思考和领悟。

（1）在学生的兴趣提升基础上，不断提升学生的审美鉴赏能力。欣赏课的素材虽然是现成的作品，但中国画基本画中有话，寓意深厚。以初中生的个人修养和道德水平，目前还达不到理解那些深刻含义的标准。中国画的色彩往往不够绚烂，没有科学来进行相应的辅助，学生们无法对它们给予一定的兴趣与关注。教师可以运用一些较为直观的方式进行教学，使学生带着浓厚的兴趣和好奇的目光去欣赏中国画。教师可以让学生在欣赏画作之前，利用播放相关的音乐和影视作品来让学生了解与画作有关的历史与人文背景，使学生们在产生好奇的同时带着浓厚的兴趣去领略和参悟画作背后所展现的精神世界。

（2）教师可运用对比的方式让学生对中西方不同文化熏陶下产生的画作进行讨论研究，有了对比和参照物，学生对中国的绘画作品及精神会产生更加深刻的理解。在理解画作的同时，学生也可以对西方的文化有相关大概的理解。通过直观的对比，学生会发现中国画对写意的注重和审美情趣的丰满展现，中国画受道家的影响和禅意的渗透，人物画常常注重气韵的生动性，山水画往往注重素材的多样性，对素材的多重观察是迸发灵感的重要源泉。妙理、苦功相结合之下，好的作品才可以生成。学生能从这种对比中得知中国写意和西方写实的真实区别。

2通过笔法的联系感受水墨风采

在初中的美术教育阶段，美术教师在课堂教授往往中不要求画画和画技的锻炼。所以学生的画画技能普遍处于低下水平。由于学生练习时间的缺少和造型能力的低下，教师应在有限的时间内，通过适当的方法让学生对技法进行简单的能力提升。通过技法的练习，学生能切身形象的体现中国画的艺术形式。兴趣往往是学生学习的第一动力，学生的学习兴趣一旦被调动起来，学习效率就会大幅度提高。对中国水墨画而言，宣纸是一种特有的材料，水墨在宣纸上变化万千，不同的画笔和笔法都会丰富中国画的表现形式。构图练习决定了画的最终整体展现效果，构图是绘画学习的基本步骤，教师可以通过讲解大师画作的构图原理来加深学生的理解。在进行了基本的构图和笔法练习后，教师应该安排学生对著名的国画作品进行简单的临摹，让他们切身的感受到国画的精髓和作画的乐趣。虽然在初中美术教育阶段，学生临摹将会产生诸多的问题，如造型的把握和画具的熟悉问题等，学生在对自己作画之前的准备工作进行完整的熟悉之后，才可以在画作中对其它要求进行一定程度的追求与探索。中国的现今状况要求年轻人在做事时既遵循原有的原则，又在原有的基础上进行创新。绘画的价值也是在不断地创新中体现的，教师应通过一系列有序的方法使得学生在绘画方面更上一层楼。

3用讨论的形式使学生自主学习

讨论的教学模式是教育过程中的有力举措，这一模式的实践体现了学生是学习主体的实质，讨论具有开放性和合作性，是教师为学生量身打造的教育模式。讨论是以学生为主题的课堂教学形式，讨论可以使孩子跟随自己的思想空间进行知识的探讨与学习。在学习空间上的自由有助于学生学习能力提升。讨论打破了学生主要以记载为主的知识传授形式，使学生学习的环境相对惬意舒适。分组的互相学习，可以使学生对自己的学习问题进行更深的学习与反省，使学生达到共同学习的目的。

4结语

根据以上所阐释的内容，美术教育本作为学生艺术教育的熏陶课程，应在相应的阶段发挥它的能效，使得我国的学生在新课程理念的影响下成为全面发展的具备多元化能力的优秀人才。

第二篇：美术教学方法创新之我见

美术教学方法创新之我见

《I have seen of art teaching method innovation 》

摘要：美术作为素质教育的重要组成部分，在师范教育中显得尤为重要。尊重学生主体性，培养学生学习能力、创造力，探寻可行性的教学方法对于美术教学来说已势在必行。直观法、体验法、通感教学法、问题教学法、自主学习、实践成就法在教学实践中效果良好,可以为美术教学提供一些参考。

关键词：教学方法 直观 体验 通感 问题 自主学习实践

教学方法是贯彻教学观念，实现教学目标而采用的技能与技术的手段或方式。教学法的创新基于教学观念的转变与更新。因此，谈教学方法的创新，无法绕过隐藏在教学方法背后的教学观的转变。我在本文中将围绕我的教学观，探究相应的美术教学方法的创新。

一、从“心”开始

学生是学习的主体。教师能够引导推动学生学习，却无法替代学生学习，真正的内在的学习动力只能源于学生的内心意愿。因此，教育教学的切入点乃至支点都在学生的“心”上。正如德国教育家第斯多惠所说：“教育的一切艺术，不在于传授，而在于激励、唤醒和鼓舞”。教师必须摸准学生的心脉，调动学生的感官、思维、想象力，从学生心底诱发出学习的动力。

1、直观教学法

直观形象性是美术学科独有的特征。在美术教学中，直观教学法的运用显得尤为重要。直观教学法的主要手段包括：多媒体课件、范画、挂图

等。其中，多媒体教学最适合于美术鉴赏。与传统的一支粉笔、一块黑板、一张嘴的教学法相比，多媒体凭借表现形式多样化的直观形象的资料，能具体、生动、形象地诠释艺术理念、艺术风格，达到理想的教学效果。如我讲《有意味的形式》时，利用photoshop软件对蒙克的作品《呐喊》做了如下改动：对角线构图改成水平线，血红色的天空变成静谧的天蓝色。学生惊呼：不能再改了！一条线、一块颜色的改变严重削弱了呐喊者内心的焦虑、惊恐、声嘶力竭等情感的表达。形式的重要性，学生不言而喻，并在自己创作时也会注意选择恰当的形式表达情感。

运用多媒体教学，并不意味着排斥传统的教学法。如教师在课堂上做出优秀的范画，能强烈地震撼学生的心，激起学生绘画的欲望和兴趣。教育心理学的有关研究表明：“教师只有成为学业上的权威，才能真正统率学生的学习。”所以，教师的才华以直观的形式展示给学生，将会深深地感染并打动学生。

2、体验法

为促进师生间的相互了解，为使学生感性地理解知识，我在教学中经常运用体验法。

课前，我把自己当学生，为学生设计的问题我先回答。比如面对一个圆形，你可以联想到哪些物象？我会想像一番。为学生设计的教学任务，我先完成。让学生发挥想像创作新作品，我也要先自我创作体验。上课时，我仔细观察学生的反应、留意学生的回答、分析学生的作品、寻找学生的创新点。课后，我思索甄别我与学生之间的学习心理的契合点与差异，及时调整教学设计、教学任务，使之更切合学生的学习特点和实际。

孔子曰：“三人行必有我师”。06级8班的崔佳杰同学喜欢做手工，我利用课间十分钟跟她学折纸玫瑰。我实实在在地做了学生的学生，佳杰俨然一个“老师”。周围的同学有的和我一起学，有的在围观。我们体验着不同的角色。我真切地体验着学习的心理——兴奋中夹杂着紧张，没掌握知识要领时的困惑，完成学习任务时的喜悦、激动。此时此刻，我体会到：学生真正需要的是宽容、鼓励、期待、赞许。我没有细问佳杰的感受，但我发现以后的她更痴迷于手工，利用休息时间上网自学纸艺。班上悄然兴起“手工热”。我想这一切都归功于“体验”。师生间需要经常地换位体验，通过不断地换位思考，学生能更明白教师“教”的苦心，更尊重教师；教师也能更贴近学生的心理，找出更好更适合学生的教学法。

除了换位体验，我还尽可能地让学生在体验中感受、领悟知识。如讲五官的刻画对表现人物表情的重要性时，我让学生做笑状，但不允许动五官，结果学生笑不出来。五官刻画的重要性学生心知肚明，我无须赘言。再如，讲线的情感特征时，我让学生举起胳膊，做成一条水平线；再让学

生的胳膊倾斜45度，做成对角线。学生的胳膊由静到动，由稳定变不稳定。水平线的稳定、静谧，对角线的运动、不稳定的情感特征，同学们感同身受。

3、通感教学法：

通感是人特有的感觉方式，它借助一种感觉沟通或启发另一种感觉，或由对一种艺术门类的感觉和理解转移为对另一种艺术门类的感受。在美术教学中，恰当地运用“通感”，对于激发学生的学习兴趣和艺术灵感，培养学生的形象思维能力、想象力和创造力，帮助教师生动、形象地讲授美术知识，能起到事半功倍的效果。

（1）引音乐入美术课

音乐中的画面和绘画中的音乐感，是艺术家们经常谈论的问题。音乐具有直接使人产生律动的作用，可以影响人的情绪和情感。引导学生欣赏音乐，可以更好地激发学生丰富的想像力。例如在设计绘画《小熊》时，引导学生欣赏音乐《三只熊》、《小熊跳舞》，使学生对熊的憨态、可爱有丰富的联想和强烈的兴趣，学生在创造中就会渗入自己的情感，画出形象生动的作品。再如，我引导学生欣赏毕加索的作品时，边呈现作品边播放《西班牙斗牛士》、《再见，卡门》等音乐，学生在音乐、绘画双重刺激下，一下子被毕加索喷涌而出的创造力所震撼。学生们迫不及待地在一幅幅画作中找寻艺术家思想的痕迹。中国画以抽象的线条造型，追求气韵生动、虚实相生的意境与韵律，与中国古典音乐有天然的内在联系。所以，在国画课上播放中国古典乐曲，能让学生更深刻地体验线的律动感、飘逸感。

（2）以诗入画，营造意境。

宋，张舜民有诗句云：诗是有声画，画是有形诗。诗画融合使两者都能兼诗情画意之美，得情景交融之妙。诗中的画境——绘画美，给我们以美的意境，美的思想，美的启迪、美的熏陶。在美术课上，我常以诗词命题，让学生以绘画的形式语言表现出诗的意境美。如“大漠孤烟直，长河落日圆”。大漠广阔，长河悠远，使人既感到胸襟开阔，又惊异于宇宙之广袤和深长。“孤烟直”、“落日圆”使画面富有立体美和律动感。“孤烟直”既写出人烟稀少，又暗示出一种独立苍穹的英雄气；“落日圆”增添了画面的色彩，用夕阳暮色将画面覆盖，形成浑然一体的壮阔意境。大、长、圆、孤、直都富于空间感，富有绘画的形式美感，学生用简练的线条和色彩迅速捕捉到诗的意境：宽广的大漠拥抱着悠悠的长河，浑圆的落日映衬着直逼霄汉的一束孤烟。

此外，触觉感受有助于我们表现物体的质感。如画老树，我引领学生触摸树皮获得粗糙苍老的触觉感受，有了粗糙的感觉，学生就不会用纤细、光滑的线表现老树干，而是用顿挫、粗犷带有飞白的笔触表现树的质感。

二、授之以“渔”

从当今全球教育发展的趋势看，各国教育出现三大转变；

1、学习观念的转变——从单一的学校学习走向终身学习；

2、学习方式的转变——从“学会”转向“会学”；

3、学习手段的转变——学会利用现代信息技术学习。这三大转变殊途同归地集中于一点：培养学生学习的能力。正如人类心理学家赫伯特〃格乔依所说：“明日的文盲不是不能阅读的人，而是没有学会如何学习的人。”因此，教师要授学生以“渔”，而不是授之以“鱼”。

1、问题教学法

问题教学法是一种启发式教学法，通过师生提出问题、分析问题、解决问题等途径，以培养学生创造性地解决问题的能力为目标的教学法。问题与创新紧密联系，创新在问题解决中发展，没有问题，就没有创新。利用问题教学法，可以激发学生的学习动机，让他们怀着浓厚的兴趣参与美术教学活动，经过自己的思考和动手操作来掌握知识，培养学生美术学习的独立性和创造性。因此，问题教学法是培养学生创新能力的一种行之有效的教学法。如，我在教会学生折四边形纸盒后，启发学生：我们可以折出四边形纸盒，那六边形呢？学生纷纷尝试折六边形纸盒，结果遇到挫折，折出来的盒底中间有个窟窿。问题出在哪儿？学生猜测、分析、讨论。盒底中间有窟窿，只能说明一个问题：用来折盒底的纸短了。学生再次尝试，把用来做盒底的纸由正方形改成长方形。结果很有意思，有的同学成功了，有的盒底中间仍有窟窿，有的做完盒底后，纸翘起来了。这是为什么？——“比例”！学生异口同声地说。的确，用来做盒底的长方形应该有合适的比例。如何确定长方形的比例呢？学生们边思索边实验，最终找到了确定长方形比例的方法。学生兴奋不已，一连串的问题涌出来：六边形纸盒可以折出来，那五边形、七边形、八边形……呢？如何搭配盒盖与盒身的颜色？如何装饰这些纸盒？……学生不断地提问、探索，并从中体会着成功的喜悦和发现的快乐。

2、自主学习

自主学习是学生在教师的指导下，根据自身需要，主动获取知识的过程。它改变了传统教学中学生被动的学习方式，即变“要我学”为“我要学”。我不再把学生看成是张口待哺的“填鸭”，而是与学生交流、沟通、启发、补充。如讲头像简笔画时，我只在黑板上画一个简单的头像，我称它为模板。接着，引导学生分析使头像“变脸”的因素，学生总结归纳出四点——脸型、发型、五官、表情。我不给学生提供范画以免约束学生的想象力，而是让学生展开想象从脸型、发型、五官、表情入手“变脸”。教学效果令人惊喜，学生变出了独一无二的“脸”，超出我的想像。另外，在教学中，我安排学生利用网络自主学习。教师定位课堂内容，学生围绕主题内容从网上搜集资料图片、筛选优秀视频。利用网络，学生选择自己感兴趣的图片，学习符合自己个性的知识技能，大大拓展了教学内容，强化了学生的个性，激发了学生的想象力和创造力。

三、学以致“用”

当今世界注重知识技能、实用。时代的思想潮流影响着学生，“有用”成为学生选择知识的主要标准之一。然而，美术教育在学校教育中长期处于 “边缘”状态，在很多学校、教师、家长及学生眼中，美术课绝对是副科中的副科，开与不开、学与不学无所谓。在重视不够的情况下，如何让学生得到一些真正适用且实用的东西,这是师范美术教学值得探讨的一项课题。

实践成就法

为拉近美术与生活的距离，启发学生将艺术渗透于生活，在生活中拓展艺术领域，“实践成就法”不失为一种既能尽快让学生接受又具有实际意义的好的教学法。

在“实践成就法”教学中, 我拟订教学计划：第一阶段，要学生布臵寝室；第二阶段，让学生装饰教室；第三阶段，请学生为晚会作美术设计，包括舞台美术、海报招贴、邀请柬、入场券等；第四阶段，学生设计制作贺卡或包装小礼品。以上四个阶段的实践计划，以创造美为宗旨，要求美观、大方、简洁。其内容覆盖构图、装饰艺术、装臵艺术、色彩搭配、平面构成、立体构成等知识，较全面地让学生涉及多种实用型美术。此外，我针对不同班级的特点，布臵相应地实践任务：让英语班学生为英语对话配插图；把含有动作、情感意味的单词以绘画的形式表现出来。小教专业学生的实践任务侧重于手工创意，如制作花瓶并配上花束。

实施“实践成就法”，我有以下四个教学步骤：

1、布臵任务：不讲授美术知识，先把相应的任务布臵给学生。习惯了满堂灌的学生“丈二和尚摸不着头脑”，只能硬着头皮、顺着性子实践。

2、观察分析：在学生实践过程中，我仔细观察学生的表情、动作，默默关注任务的完成情况，发现学生的个性特点和兴趣所在，掌握他们在完成任务时遭遇的困难。

3、雪中送炭：当学生对当前的知识掌握不够，对正在进行的实践训练举步维艰、无法深入时，我针对学生所遇到的问题进行适时的穿插讲解、耐心的辅导。

4、及时评价：当学生对当前的知识有所掌握并在现行的实践中取得一定的成绩时,要不失时机地表扬学生,并就学生的作品从理论上进行相关的指导，鼓励其继续深入，使理论进一步的在训练中得到实践，让两者的结合更广泛、密切。学生因自己创作的结果得到肯定而信心倍增，因而乐此不疲，随之形成学习过程中的良性循环。

“实践成就法” 增强了学生追求“美”的意识，锻炼了学生的动手能

力。学生获得最真实、最直接的成就感，在享受成就感带来的愉悦的同时，更能体会到“美”的深层含义。

创新教学方法，并不意味着否定传统的教学法。方法自身的新旧无任何实质性的意义，真正有意义的是恰当、有效地运用教学法，完成教学任务，实现教学目标。孤立地运用任何一种教学法而排斥其他教学法都是不符合教学规律的。教学方法不仅需要创新，更需要整合。在学习书本知识、借鉴前人经验、接受新理念的同时，教师若认真总结自身教学中的得失、利弊，不难发现，一些看似平常、老套的教学法，只要加以变通，进行思索性的延展，在教学中运用得当，不必要刻意地雕饰，教师的劳动也会收到事半功倍的效果。

参考文献：

[1] 张焕庭．西方资产阶级教育论著选[M]．北京：人民教育出版社，1979年版第387页。

[2] 吴锡改．《论教育的魅力》[J].中学教育，2003年第4期。

第三篇：初中美术教学方法的改革问题

初中美术教学方法的改革问题

在全面推行新课程改革的今天，初中美术教学迎来了新的发展机遇，广大美术教师积极投身与美术教学的新课改中。随着新课改的深入人心，教师的观念，教学方式，学生的地位和教学目标等都发生了很大的变化，把由过去的传授知识，训练技能为基本方式，学生只能是被动的接受者“一言堂”教学，变为师生互动，相互交流，相互促进合作式教学。教师角色由原来的知识权威，变为一个与学生平等的帮助者，指导者，合作者。学生由被动的知识接受者，变成积极的思考者，探索者和参与者。因此，广大初中美术教师必须改变思想观念和教学方法，与时俱进，以积极的心态适应新课改的要求，创新新的教学模式。

首先教师备课是一个再创作的过程，“教学有法，但无定法。”要想上好一堂课，就得在课前精心设计好本节课的教学过程和传授途径，要认真研究初中美术教学大纲，正确处理好教材与学生的关系，教材与教学参考书的关系，教材与教学大纲的关系。避免“编教案”、“对教案”的规范化、标准化程序。这种单一死板的程序所带来的只能是弊大于利的千篇一律的教与学。其次在教学过程中要体现一个“清”字，即教学思路清晰，富有循序渐进。在设题选题过程中突出一个“精”字，即精选精导精炼，使学生过目难忘，听后由一种回味无穷的感觉，才能达到培养学生良好个性心理品质和大面积提高课堂教学效率的目的。从学生的实际出发深刻理解和把握教材，提高对课程的驾驭能力，在培养学生的主动精神上，充分发掘教材本身的吸引力，通过教学内容的情趣，奥妙、意境、激发学生的学习积极性和主动性。使教学过程成为师生交流，互动、共同发展的过程，促进美术教学优质高效。真正发挥教学在培养学生的情感、技能、智力、创造等方面的价值。否则，单靠教师的枯燥说教，不仅无法引起学生的积极思维，主观能动性得不到发挥，而且还容易对教师形成依赖性。

再者就是在教学方法上要采用启发与诱导式课堂教学法，充分调动学生学习的主动性，课堂教学是教师的教与学生的学的互动过程，互动的质量决定了课堂教学质量。教师要改变传统的思维定式，充分调动学生的积极性和主动性。在教学中，教师不是先知先觉的传授者，学生也不是后知后觉的接受者，教师和学生都是课堂教学的主角，他们都是有情感，有思维的教学统一体，教学中教师要充分尊重学生的人格，同时，学生也要尊重教师的教学劳动，师生在教学中情景交融，气氛和谐，进而达到师生的情感共鸣，使学生能个性化，创造性地进行学习，这样，学生的主体地位在学习中才能得到充分体现，学生的主动性也能得到充分发挥，进而使学生在获得知识的同时，健全自己的人格。事实上，教学工作应当是一项以学生为主体，立足于师生的双向互动，旨在促进学生全面发展的工作。这一工作充满了师生的创造性劳动。

美术教学不仅局限于课堂教学，应多层次全方位进行，例如：可举行全校性的美术作品展览，包括名家作品和学生作品展览，请有关专家来校讲学，带领学生参观画展，举办学校文化节，现场书画表演等，这些都有利于学生审美能力的提高。提倡素质教育，就是要使学生全面，和谐自由地发展，从而达到德智体美的全面发展，要让学生在活动中学习，在主动中发展，在合作中理解，在探索中创新。总之，要进行教学方法的改革，构建旨在培养创新精神和实践能力的学习方法及其对应的教学方法，变教会为学会，让学生学会学习，学会思考，学会创造。同时，给学生创设适宜的人际环境，提供自我发展的舞台，让学生在实践中求知，在实践中创造。

第四篇：浅谈初中美术欣赏课的教学方法

浅谈初中美术欣赏课的教学方法

初中美术欣赏课，以对学习、理解美术和对视觉现象审美有普遍意义的内容为基础，旨在提高学生的审美能力，使之能会欣赏又能评述美术作品。初中美术书每册第一展开页都有中外经典作品欣赏，使学生能从广泛的文化背景中理解美术作品，又为学生提供了如何“欣赏、评述”美术作品的示范。从另一个方面来讲，让学生能珍视人类文化遗产，民族情感，爱国主义，对多元文化包容的现代人格特质，关注美术。

在美术欣赏中，教师往往让学生看着作品图片，便一讲到底，造成老师投入，而学生漠然的尴尬场面。课堂教学容易步入枯燥无味的“注入式”教学，灌输也便成了常用的教法。我们知道学生的学习活动不是一个被动接受的过程，而是一个主动参与的过程，只有学生主体主动积极参与才能调动学生自身的创造潜能。美术欣赏更是主客体的统一，欣赏活动必须依赖学生主体的直接参与，才能激发学生的欣赏情意，获得深刻的体验。教师过多、过细的讲解，既不利于学生对作品的真切感受，又不利于学生欣赏能力的养成。美国学者贺拉斯曼说：“不激发学生的学习热情，而想要硬塞的教师，不过是在锤打冰冷的铁。”这句名言鞭挞了灌输教学模式，也向我们昭示：必须改革教学方法，让学生充满热情，自觉主动地投入学习才能取得良好效果。

在教学过程中，怎样将专业性较强具有一定难度的艺术理论知识变得易懂好学，使教学效果得到提高？教师必须采用特定的教学方法，努力调动学生动眼看，动耳听，动脑想，动口说，动手触摸。经自己的探索实践证明，有以下几种教学方法是可运用的。

1、启发式的教学方法：教学过程的前期，应尽量调动学生的直观感受，对作品进行感性阶段的评价。在讲述过程中，也可以不断提出思考题目，不断启发学生发挥他们的独立分析能力，相互补充。如：现代作品毕加索的《格尔尼卡》，画中的各种造型令初见者费解，学生往往会觉得画面乱，看不懂，是抽象画。这时老师就应该多引导学生去看里面的人和动物的造型，让他们数一下有几个人和几个动物，然后提问每个人分别在干什么，牛和马的表情有何不同？这时学生都会在老师的引导下认真的分析画面内容。接下去，可简单说一下具象与抽象的区别，让他们了解到牛头是残暴与黑暗的象征，马是民众的象征，孩子的哭嚎挣扎的形象以及立体主义的基本造型方法与法则。这种启发式的教学方法能启发学生的主动性和创造性，能吸收学生新鲜的，独立的，哪怕是一些幼稚的见解。充实教师的结论。

2、讲故事的教学方法：我们所面对的中学生还处在少年期半儿童状态，所受到的美育教育极有限，而美术作品涉及到的面却又相当广泛而且具有一定的深度。如何用浅显的方法来讲述深刻的道理，让学生在面对这些绘画作品时不觉得乏味、无聊，就可以用讲故事的方法。如：文艺复兴时期的作品《春》，就可以给学生讲一些古希腊神话故事，与维纳斯相关的金苹果的故事，墨丘利的传奇，丘比特的金箭和铅箭等，从而讲到画面的构图，在用线用色方面如何表现。还可讲与作品相关的一些轶事。比如：《最后的晚餐》达芬奇是如何寻找犹大的模特儿，反映了他科学的、现实的绘画观念，是对中世纪僵硬的、概念的造型手段的革命，从而讲到什么是人文主义，什么是文艺复兴。再比如：当德国军官问毕加索《格尔尼卡》是谁的作品时，毕加索是怎样回答的。这些小故事能激发学生的兴趣，上课感到充实，他们的思维会更活跃，热情会更高。

3、对比的教学方法：在教学中应经常将不同的作品对比着看，运用范畴、类型、模式和风格等知识，逐步建立起学生自己的审美系统，这才算真正地学会欣赏。比如：毕加索不同时期作品的赏析，学生往往对毕加索立体派时期、超现实主义和变形时期的作品难以接受，而对他早期的写实风格作品还非常认可。这是上欣赏课常见的一个现象，学生评价欣赏一幅画时只会用“像与不像”这一个标准去衡量所有的绘画作品，在这种认识方法中，丝毫没有审美的气息，也和艺术品的创作和欣赏背道而驰。教师应让学生从多个角度来建立“真实”的概念。在不同时代、不同的文化背景下，人们对真实有着不同的理解。19世纪在西方照相术的产生对绘画的影响，由此影响到整个艺术观念的转变，最终导致现代艺术的产生。应让学生知道艺术的价值并非在于精准的摹写事物的表象，而在于表现出事物的本质以及传达作者对事物的理解和情感。为了让学生能更直观的感受到这些，就可以用对比的方法，把十九世纪前后的作品进行对比，讲明它们之间的不同点、共同点。学生就会领会到为什么毕加索、梵高的代表作都不是写实风格的作品。再比如：在欣赏唐代人物画《捣练图》时教师可以用多媒体让学生欣赏中国古代不同时期的仕女图，让他们了解不同时期人物画造型、用线、用色的特点，以及不同时期人们不同的审美倾向，服饰的特点等等。加深学生对中国古代人物画的印象，从而让他们有保护文物的意识。这种对比的教学方法能丰富课堂内容，加宽学生的知识面。在美术欣赏中，我们要经常变换角度，互换方位地去观察、分析，就会明白许多道理。用学生熟悉的现象去解释他们不熟悉的道理，往往会收到事半功倍的效果。

4、接触实物的教学方法：在欣赏的作品中有油画、国画、版画等，学生对这些名词熟悉，但大部分都不知道它们分别是用什么材料制作出来的，都没亲眼见过。为了提高学生的学习兴趣，增加互动。教师在讲油画时，可以准备一幅油画作品，让学生用看、猜、触摸等方法了解油画的材料和工具。讲国画时可准备一幅国画。比如我讲《捣练图》时给学生展示了一幅自己临摹的绢本《步辇图》，让学生亲身体验绢这种材料，以及画工笔画的工具和一些基本技法。这样可以调动学生参与的积极性，通过这种方法，学生对各个画种的区分以及制作方法有了进一步的认识，也算是给学生增长了一些美术常识。

初中美术欣赏课常常被认为是最难组织的，所以教师在教学中应尽量多地尝试不同的教学方法，吸引学生的学习兴趣，丰富他们的知识，提高他们的审美能力和技能，学校教育才能培养出一大批高水准的未来人才。

第五篇：初中美术《中国画特有的形式美》教案分析

初中美术《中国画特有的形式美》教案

分析

中国画有着悠久的历史和优良的传统，在世界美术领域里独树一帜，自成体系。中国画是用中国传统的绘画工具，按照中国人的审美观点进行创作绘画而成的。传统的中国画不讲焦点透视、明暗光线，不拘泥于物体外表的肖似，讲求“以形写神”，追求一种“妙在似与不似之间”的感觉，多强调抒发作者的主观情趣。

中国画是运用绢和宣纸作画，特别是生宣纸的渗性，更加发挥了特有的笔趣和墨彩。在用墨方面亦如用色，古有墨分五彩之经验，亦有惜墨如金的画风，自由挥洒，酣畅淋漓；用笔方面，使用毛笔的尖锥，讲求粗细、疾徐、顿挫、转折、方圆等无穷变化，奇妙的效果，以表现物体的质感；在敷色方面也有自己的讲究，所用颜料多为天然矿物质或动物外壳的粉末，耐风吹日晒，经久不变；意境方面追求自然、含蓄、深沉，朴素淡雅的画面配以中国书法，题诗落款，再押署印章，彰显出中国画的特点，“诗、书、画、印”的结合完美构成。

诗书画印的结合，是中国画特有的表现形式，融多种艺术为一体，相互辉映。其相互结合是中国画发展到一定历史阶段的产物，是文人画家登上画坛后才具有的现象。当绘画还是工匠们的专职时，诗书画印是独立的。东汉至北朝，虽有蔡邑、顾恺之这样的文人画家，但并无诗书画印结合的作品。唐朝、五代的文人画家虽多，也没有诗书画印结合的实例。北宋后期，许多文人画家活跃画坛，如苏轼、文同、王晋卿、米芾等，倡导诗书画印结合，并且身体力行，为诗书画印的完美结合奠定了基础。到元代迅速发展，诗书画印结合的艺术形式为画家们普遍采用，乃至明清两代，诗书画印结合的艺术形式日臻完美。以下笔者谈谈诗书画印如何在国画中的结合。

一、诗画结合

诗画结合包含着两层意义：一是画本身没有题款，但充满诗意，可谓诗画意境结合；二是画上题诗书款，诗画相配，相得益彰。诗画作为两门艺术，各有其长短。“画”表现事物比较直观、具体、真实，便于领略，但它受时间和空间的限制，只能选取瞬间静止状态。而“诗”则不同，它可以写事物在不同时间、不同地点的发展变化，容量比较大。二者的结合，使静止的画面动起来，空间拉长，容量立刻膨胀开来。绘画史称唐代王维是诗画结合的创始人，他说自己是“宿世谬词客，前身应画师，不能舍余习，偶被世人知。”苏轼说：“味摩诘（王维字）之诗，诗中有画；观论文联盟ll整理摩诘之画，画中有诗。”王维是“词客”和“画师”合为一体的人。在苏东坡的赞赏之下，王维被视作是“诗中有画，画中有诗”的代表人物。

五代两宋画家多数不在画上题诗书款，偶或有之，亦在石隙树缝间，以防损伤画面，破坏画面构图。李公麟善诗书，但画面极少题诗书款。唯苏东坡习惯用大行楷题款，或跋语三五行，书画一体。李唐、马远、李嵩、夏珪、梁楷诸名家在画上则无题诗，只有在边角不起眼处签署姓名年月而已。元代开始，每画必题诗书款，明清则更甚。故宋苏轼说：“诗画本一律，天工与清新。诗不能尽，溢而为书，变而为画。”元人对诗画关系认识更深入一步，杨维桢云：“东坡以诗为有声画，画为无声诗，盖诗者心声，画者心画，二者同体也。纳山川草木之秀，描写于有声者，非画乎？览山川草木之秀，叙述之无声者，非诗乎？故能诗者必知画，由其道无二致也。”（《东维子集》卷十一）。

诗画的结合，相互生辉，如宋朝马远的《雪图》，画的是雪后大地批上了银装，明月寥廓，万籁寂静，一行征鸿，几声橹响，上下呼应，蕴含着无限的诗情，可谓画中有诗。如古人的咏雪诗：“轻轻压叠向风加，襟袖谁能认六葩。高岫人迷千尺布，平林天与一般花。横空络绎云遗屑，扑浪翩翻蝶寄槎。公子樽前流远思，不知何处客程赊。”这首诗把漫天大雪，雪后难行写得有声有色，用现实形象加以夸张地描写，诗歌可以得心应手，绘画却难以描绘。

画上题诗书款，还可起到画龙点睛的作用。一幅精美的山水画或花鸟画，让人较难猜透作者的心思或想表达的意境，但通过画上的题诗书款，人们就易领会作者的意图。宋徽宗赵佶的绘画尤其是花鸟画作品，经常有御制诗题、款识、签押、印章。诗词一般题在属于精工富丽一路的画作上，如《芙蓉锦鸡图》轴，左下角秋菊一丛，稍上斜偃芙蓉一株，花鸟锦鸡依枝，回首仰望右上角翩翩戏飞的双蝶，顺着锦鸡的目光，导向右边空白处的诗题：“秋劲拒霜盛，峨冠锦羽鸡；已知全五德，安逸胜凫翳。”全图开合有序，诗弥补了画未尽之意，画因诗更显圆满。这首诗题，实际上已巧妙地成了画面构图的一部分，从中可以见出赵佶对诗画合一的大胆尝试和显著成就。画上的题字和签名一般都是用他特有的“瘦金体”，秀劲的字体和工丽的画面，相映成趣。从而使北宋末年的绘画走向一个注重画外情韵的表现途径。