当代好莱坞恐怖片主题探析

第一篇：当代好莱坞恐怖片主题探析

一提到当代好莱坞恐怖片，无论是专家学者还是普通观众，他们所用到的最多的词就是“血腥”“暴力”。的确近年来像《电锯惊魂》《致命弯道》这样的恐怖片不免让观众翻胃，甚至在电影等级制度的审查下被迫删减，但我们不得不承认其小投入大票房的商业模式确实受到业内人士的青睐。对其仔细研究，我们不难发现，血腥暴力只是其外壳，当代好莱坞恐怖电影中的内核具有着丰富的文化价值与社会意义。

恐怖影片作为好莱坞最具商业价值的类型片种，其发展也有近百年历史。从最初的科学怪人、吸血鬼题材的恐怖片，到希区柯克式的惊悚悬疑片，再到当今好莱坞暴力与血腥并存的视觉恐怖片，好莱坞恐怖片在形式不断创新的同时，其主题也在逐步丰富和发展。在当代好莱坞恐怖电影中，笔者归纳出其最基本的三大主题有：杀人游戏与人性诉求、工业文明与畸形变态、死亡哲学与宿命论调。从这三大主题中我们可以看出，尽管当代好莱坞恐怖电影仍旧注重影片商业价值，但我们从中很容易看到蕴藏在电影背后的文化价值与社会意义。本文就以好莱坞恐怖电影为例，梳理其其历史发展脉络，并对当代好莱坞恐怖片的多元主题进行深入分析，并对当代好莱坞一些成功的恐怖片的模式进行研究，从而探寻其成功的原因所在。

一、美国恐怖片主题发展历史脉络梳理

关于恐怖片的起源，有人说起源于1919年德国表现主义的代表作《卡里加里博士》，也有人争论说是爱迪生于1910年第一次将“德古拉”式的吸血鬼电影搬上银幕。尽管爱迪生的“德古拉”的故事恐怖效果十分有限，影片也只有一本的长度，但它无疑已被今天好莱坞的后来者们视为能够代表其“光荣历史”的经典，甚至被列入美国国会急切寻找和加以保护的10部最重要的影片之一。关于恐怖片起源的界定，由于不同学者的文化立场以及认识程度的不同，至今尚未定论。但我们可以肯定的是，恐怖片作为一种电影类型，在欧美有着久远的电影历史。在近百年的美国恐怖片中，美国电影人为世界观众呈现出太多恐怖形象，对世界恐怖电影的发展贡献卓著。有人这样概括美国的恐怖片，“好莱坞恐怖电影形象地描绘了人类文化中„梦魇‟式的经历，塑造了一个庞大的恐怖家族：科学怪人、疯狂科学家、吸血鬼、邪魔、人形动物、精神病患者、变态杀人狂、外星生物、各种巨型怪兽。这些令观众既爱又怕的恐怖形象背后隐藏着美国特定历史时期的不同文化意义，为人们展现了一部美国文化和心理的危机史”。可见美国恐怖片不只是在制造恐怖，更重要的是其承载的意义。

虽然爱迪生用化学物质制造出来的怪物电影给当时的观众带来恐怖之感，但在20世纪30年代以前，好莱坞不情愿实验真正恐怖主题的电影，相反，制片厂更倾向于改编流行的舞台剧，强调其神秘的类型特征，并为所有的超自然和玄妙的元素提供理性化的解释。好莱坞无声片早期的恐怖片主要改编自文学作品，那些深受人们喜爱的故事和场景为新媒体提供了大显身手的机会。比如，《化身博士》就是无声片时期受欢迎的题材，它1908年首次被拍成电影，到1920年约翰·罗宾逊再次重拍时，它已经至少被翻拍了6次。玛丽·雪莱的《科学怪人》在30年代成为恐怖片的经典作品，它首拍于1910年，1915年又以《行尸走肉》为名重拍。许多其他的恐怖片也相应改编自爱伦坡、威尔斯、朱利斯·维恩等人的文学作品。直到1932年，美国才出现第一部非文学作品改编的恐怖片《木乃伊》。这些改编自文学作品的早期恐怖片，它们的恐怖表现手法多是依赖于化妆和舞台布景，由于受电影技术发展的限制，当时的恐怖片并未形成气候，但已为日后美国恐怖电影的发展打下了基础。另外，值得注意的是，由于美国建国初期历史文化受西欧影响较深，其恐怖片的题材，如吸血鬼题材来源于欧洲。而其表现手法也多少受到欧洲电影的影响，比如德国表现主义电影的影响。但好莱坞历史上“真正的德古拉和弗兰肯斯坦时代”，也就是美国经典恐怖片的黄金时代出现在有声片盛行的20世纪30年代。发轫于托德·勃朗宁的《吸血鬼》和詹姆斯·维尔的《弗兰肯斯坦》，美国恐怖片更熟练地创造出一种极为刺激和惊人的噩梦世界，以及挥之不去的恐怖影像。当华纳公司热衷于警匪片创作的时候，环球公司则成为恐怖片的大本营。他拍摄了一大批经典的恐怖片，创造了弗兰肯斯坦、木乃伊、隐形人、狼人等一系列恐怖的银幕形象。黄金时代的美国恐怖片形成有以下三点原因：声音在电影中的出现以及电影拍摄手法的日渐成熟；德国表现主义元素的结合美国电影的技术和技巧，丰富了美国恐怖片的表现手法；美国民众在经济大萧条以及世界大战阴影下的恐惧心理。经典恐怖电影在叙事结构上具有较大的相似性，往往以一个怪物对正常秩序的暴力入侵为开始，叙事围绕着怪物的入侵和人们的抵抗展开情节，故事一波三折，危险步步紧逼，危机层层化解，一环扣一环，极尽悬念之能事，勾起观众和读者的好奇心与探索欲，虽有危险、恐惧的情节和场面出现，但是强烈的故事性化解了这种恐惧感，叙事在整个恐怖情感的接受中起到了主导的作用，一个完整的、起伏跌宕的故事成为经典恐怖电影必不可少的构成元素。为了营造诡异陌生的神秘气氛，经典恐怖电影往往将故事发生的地点安置在遥远偏僻的地方，与世隔绝的旧城堡、冰天雪地的无人之处、人迹罕至的孤岛等等往往成为故事发生的地点，而晚上则成为故事情节重点发生、进展的时间，目的是通过时间、空间的陌生化与隔绝来加强神秘的气氛，在电影《德古拉》中，故事一开始就把焦点放在晚上前往一个偏僻神秘的城堡，一下子就将气氛和基调定在了黑色的背景上，而《弗兰肯斯坦》也在空间上多处选择了偏僻、遥远的异国孤岛等地展开情节，与我们熟悉的世俗日常生活背景拉开了距离。在《德古拉》中，故事的主线沿着人与吸血鬼的斗争展开。情节一开始，就笼罩在神秘的气氛中，并且这种紧张与恐怖伴随着情节的进展虽有所加强和缓解，但是在整个欣赏过程中，情感都是较为单

一、无杂质的“纯恐怖”情绪，电影也是沿着一个比较单一的叙事风格来推进故事和渲染气氛，它不会如后现代恐怖电影那样在吸血鬼杀人的瞬间插入搞笑的花絮来使欣赏者在惊悚的情绪中突然爆发出笑声，经典恐怖电影追求恐怖的纯粹性，尽力排除其他情感要素参与其中干扰、弱化怪物的厌恶感和恐惧感，怪物只有一种形象：异化的，与人类敌对的他者形象，因而人类与怪物的斗争也是严肃的，容不下戏谑的。

40年代由于二战的影响，片场体系开始面临一系列问题，观众也逐渐流失。低成本的独立制片开始风行，恐怖片在好莱坞开始作为低成本的B级片拍摄，但随着这一类型片种的完善，也有多部影片堪称上乘之作。环球公司开发出了和“吸血鬼”同样夜间出没的“动物恐怖片”，其中以《猫人》（1942）和《我与僵尸同行》（1943）尤为观众和影评人所称道。而在50年代，随着核威胁和麦卡锡主义散布的“共产主义渗透”阴影，恐怖片暂时脱离了早起各种超自然的幽灵和神怪，而与科幻片结合起来以各种“核怪物”或外层空间的天外来客为何新形象，不断渲染和演绎着“东方威胁”的神话以及末世论。恐怖部电影的题材逐步扩大，开始走向生活，表现现实生活的恐惧。由于受到和武器的威胁，人们开始出现一种末世情绪，他们害怕核武器有一天会毁灭世界。于是类似于《它们》（2951，戈登·道格拉斯），《来自另一个世界的生命》（1951，霍华德·霍克斯）等这样的科幻恐怖片随着诞生。到了六七十年代，好莱坞恐怖片已从以前的幽灵鬼怪、外星异物转向一种写人的恐怖片，引发了人们对社会和人性的思考。代表作有《精神病患者》（1960，希区柯克）、《德州电锯杀人狂》（1974，托比·胡波）《魔女嘉莉》（1976，莱恩·德·帕尔玛）等。这类写人的恐怖片多用悬念推理的手法将当事人的境遇表现出来，在效果上更注重挖掘观众内心的恐怖感受，所以通常也被称作心理恐怖片。这其中希区柯克贡献最大，他首先发现了悬念对于电影语言的决定性意义，他对蒙太奇等电影语言的探索影响深远。如在《精神病患者》这部犯罪题材的影片中，希区柯克运用高超的电影拍摄技巧，操纵摄影机在一间间空荡的屋子里不断推进、拉出，营造出前所未有的恐怖气氛，令观众始终在心神不安地等待高潮的出现。同时，希区柯克的高明之处还在于，他始终不去表现暴力的真实细节——在影片高潮的“浴室谋杀”那场戏中，观众自始至终并未见到刀子触及死者玛丽恩的身体。影片《精神病患者》不但开启了描写当代社会恐怖案例的大门，也为恐怖片这一类型片向一种具有艺术性的影片“晋级”做出了决定性的贡献。

80年代以来，高科技带动的新的观影热潮也将好莱坞恐怖片的表现手法推向多元化。随着制作工艺的成熟，义肢、假体、特效化妆变得更加活灵活现。罗梅罗的《丧尸出笼》（1985）、瑞克·贝克的《美国狼人在伦敦》（1981）、鲍勃·肯的《养鬼吃人》等不仅在视觉上击垮了观众，还探讨了伦理道德等社会问题。社会问题开始成为恐怖片的取材对象，并被大肆渲染成令人恐怖的社会恶魔。但是影片中对“解剖学”的狂热，露骨的血腥暴力以及对女性身体的亵渎也招来非议。这些影片的成功，用威斯·克雷文（《猛鬼街》的导演）的话来说就是“片中增加了自我解救这样一个元素，它们和80年代的时代背景相切合。在这些影片里，主人公都拒绝被误导、蛊惑，而是坚持要探究真相，即便这真相背后隐藏着恐怖。”

到了90年代，好莱坞恐怖片更加明目张胆地在惊声尖叫中开膛破肚。80年代的恐怖片如《月光光心慌慌》《黑色星期五》之类的叙事手法以及内容主题已不再为观众青睐，好莱坞恐怖电影的制作者们只好另辟蹊径。恐怖片出现多个分支，其中最有影响力的便是文学作品的改编。乔纳森·黛米根据托马斯·哈里斯的同名小说改编的《沉默的羔羊》（1911）在观众脑海里留下不可磨灭的印象，霍普金斯塑造的“汉尼拔式的杀人狂”已经盖过80年代的连环杀手亨利。大卫·芬奇的《七宗罪》则展现了另一幅面貌，影片错综复杂地将中世纪的宗教情结、犯罪心理、绝望情绪结合在一起，确立了黑色电影的新高度，片中凶杀场景之恐怖也丝毫不逊于真正意义上的恐怖片。与90年代初期发展相反，90年代后期的恐怖电影逐渐回归根本。在《灵异第六感》(1999)中，比起特效和现代化的戏谑，影片更注重营造惊悚的氛围。《女巫布莱尔》(1999)这部非正规军拍摄的独立电影则将这种向本源的回归发挥得更加彻底。伪纪录片、意念、原始环境、视线外的恐惧等元素在这部影片里得到了充分的发挥。《女巫布莱尔》模糊不明的主题也引起了巨大反响。影片是不是对美国外交政策的讽刺，暗喻自以为是的美国佬闯入未知的地域耀武扬威？抑或是一种千禧年恐怖症的反应。进入新世纪，好莱坞电影制作方开始将目光投向历史作品，一系列续集、翻拍片问世，《驱魔人》拍前传、《万圣节前夜》拍续集，甚至翻拍别国的恐怖片，像《凶铃》（2002，格尔来宾斯基）翻拍的日本的《午夜凶铃》等。另外，僵尸恐怖片开始复苏，并从电子游戏中获得灵感，比如《生化危机》（2002，保罗·安德森）、《尸骨无存》（2002，艾利·罗斯）、《千尸屋》（2003，罗勃·赞比）等。青春恐怖片热情依旧，《我知道去年夏天你干了什么》《死神来了》纷纷拍续集，《电锯惊魂》（2004，詹姆斯·温）则延续着一路线，并将血腥暴力与残忍的杀戮场面进行到底。

纵观好莱坞近一个世纪以来的恐怖片发展史，我们不难发现，尽管好莱坞恐怖片最注重的是商业价值，但各个时期的恐怖片都与时代紧密结合，从影片中人物的活动映射出当时的社会现实以及创作者的评价。作为艺术的一种表现手段，恐怖片延续和袒露了社会群体对某一时空质物的忧虑和害怕。它来源于生活，也反映生活的面貌。它不只揭示了我们个人的心理层面：对暴力的又惊又爱、对未知的好奇惊虑以及对自身的评判审问等等，它也展示和抚慰了我们生存状态中由社会政治引发的恐惧、对新兴科技如核辐射和放射性的恐惧、对陌生的敌视的异族文化的恐惧，甚至是对压迫和对抗的恐惧。恐怖片一边吓唬和娱乐观众，一边陶冶净化了观众，它能有效的聚焦在人类群体生命乃至我们的日常生活中黑暗、禁忌、怪异等惊恐事件上，包容了我们生命中最基本最显著的恐惧：我们的噩梦、我们的异化、对死亡和未知的恐惧、对失去自我本性和失去性向的恐惧等。

二、杀人游戏与人性诉求

这类恐怖影片以大卫·芬奇的《七宗罪》（1995）肇始，到詹姆斯·温的《电锯惊魂》系列，将这一主题发挥到极致。《七宗罪》以原罪为名变态杀人，将傲慢、妒忌、暴怒、懒惰、贪婪、暴食、色欲等人性中的恶性展现出来，每个罪名对应着应有的惩罚。但是大卫·芬奇并没有在片中用血淋淋的感官刺激和大量的追逐场景来达到使人恐怖的效果，而意在揭示这种杀戮背后的东西。片中的杀手杀人并非因为嗜血，而是有着强大的理论信条加上妄念来实施他自以为的通过“审判”和布道来拯救的目的。一个不正常的社会是产生这样的杀手的根源。现实生活中美国持续不断发生的连环变态杀手事件也在电影中不断有所反映和体现。然而，现实中以完全相同的手段进行残害的杀手虽然还没有发现，但却有很多在精神气质和思想观念上和他十分接近的人，让我们想想世界各地近年来出现的邪教组织和连环杀手：太阳圣殿教、奥姆真理教、吉姆·琼斯、邮包连环杀手大卫·卡钦斯基……最终都是以悲剧收场。这部出色的惊险悬疑影片对犯罪心理学也作了详尽的描述，而罪犯通过圣经的道德审判来杀人，更具社会意义。一个警察最后却成为凶手计划的执行者，这是对社会和人生的讽刺，是对茫茫之中天主那七大信条的不可抗拒，还是象征了这多罪该罚的人世间的混乱的生活秩序？正象影片结束时斯班瑟说的那句话“海明威说：这个世界如此美好，值得人们为它奋斗。我只同意后半句”。《七宗罪》使人们接触的是最黑暗的人性的一面，尽管它是虚构的，可是它的气息已经进入了现实的思绪和情感之中。正像片中老侦探说：“如果我们抓住了John Doe(杀手)，而他本人就是魔鬼和撒旦的话，那也许是我们所期望的。但他不是魔鬼，他只是一个人……”有什么能比一个人做魔鬼的行径更为恐怖的吗？但更为恐怖的是，杀手的动机是以宗教为名义的。在杀手的彻底疯狂里似乎还有某种理智，这是最恐怖的事情。这部电影并非是关于杀戮，并非是关于一个人如何干出魔鬼般的行径的，而是关于那种杀戮的动机，以及这个动机的由来和它后面的东西。

至20世纪90年代，犯罪已成为美国社会所面临的一个严峻的问题，犯罪率总体呈上升趋势。与20世纪60年代相比，90年代的犯罪数要多的多。以暴力犯罪和财产犯罪为例，1960年的暴力犯罪率是0．16％，[1]财产犯罪率是1．62％，到了1994年，暴力犯罪率增加到了0．716％，财产犯罪率增加到了4．65％，两者相差数倍。[1]暴力犯罪的增多引起人们的恐慌以及对社会现实的不满，人们需要恐怖片来寻且安慰与解脱。于是，诸如《电锯惊魂》这样的影片才能大行其道。然而我们可以看到，虽然像《电锯惊魂》中普通人和执法者始终处于被玩弄或者被迫接受游戏规则的不利地位，而且竖锯的规则竟然还会有追随者，但从总体来讲，他们的最终结局仍然是死亡，而从他们的死亡中又回到赘瘤社会的规则上来。正如休谟在《人性论》中讲到“普遍的规则是非常流行的，并不因为例外情况有所改变”，[2]不管人们对社会有多少不满，最终还是要回归主流社会，按照当下的规则行事。此类恐怖片的目的并非改变主流社会秩序，而是借此表大堆合理公正的社会秩序的渴望。

另外，我们可以从看到《电锯惊魂》里看到杀人狂魔有着自恋情结。科胡特认为，“自恋是一种藉着胜任的经验而产生的真正的自我价值感，是一种认为自己值得珍惜、保护的真实感觉。”[3] 竖锯掌握自认为有罪的人的生死大权，生还是死是已经被他规划好的，而不是像台词说的“make your choice”。这种杀人游戏中，他始终把自己凌驾于别人之上，所谓尊重别人的选择只是在彪炳自己无私的前提下打出的幌子。创作者通过这种冷酷的人性诉求，除了要警告犯罪人以外，也是对那些规则制定者做出的嘲讽。

三、工业文明与畸形变态

工业文明的发展所带来的不仅仅是人类生活的改善，它对人类的肉体和灵魂都产生了一定的负面影响。乔治·埃尔顿·梅奥指出，“能够使我们认识一切，惟一的例外是，人类迄今仍不知道如何和谐地共处。”[4]尤其是在美国，科技的飞速发展在带来便利的同时也来来许多社会问题。人际关系的冷漠，以自我为中心的价值观，金钱至上的处世态度等等这一切都使人心扭曲，带来的是变态与绝望的反抗。《隔山有眼》《致命弯道》已不再是纯粹的吃人者与逃亡者之间的较量，而是借着单一的较量暴露出工业文明的弊端。两部影片中的杀人者都是因工业文明的环境污染问题而造成的外表畸形，这种不平衡也让他们心里发生变态，杀人吃人成了他们唯一的乐趣。奥地利心理学家阿德勒曾指出，“人的行为的主要动机不是性驱力，而是为了获取个人目标和克服自卑情结”。[5]肢解狂魔的猎杀行为与其说是生与死之间的较量，不如说是渺小个人与强权社会对抗的道德寓言。被文明抛弃的畸形人在自己的领地内始终处于强势地位，他们可以肆意玩弄文明的宠儿，掌握他们的生死。这类影片结局往往是所谓的文明人在付出巨大代价后获得暂时性的胜利，创作者以此来暗喻工业文明的进步只是人类付出巨大代价后的昙花一现，真正问题的解决措施应该是是人与人之间的平等相处，即是中国传统文化中的“仁爱”理念。

在《致命弯道》中，看似没有受到工业文明侵蚀的荒郊丛林，其实已经作为工业文明的牺牲品存在着。文明人的到来预示着他们将卷入这场牺牲之中，通过自己渺小的反抗，要么走向死亡，要么为此付出巨大代价。创作者并不是以此来说明变态者的胜利，而是反映出人类在与自己所创造的坏的文明对抗中所表现出的无助与悲观。影片最后获得短暂胜利的文明人又重新陷入被猎杀的命运，也可以看出创作者“末世论”的悲观论调。

四、死亡哲学与宿命论调

死亡的怪圈已不再是科学所能预测和避免的，不屈从于死亡之神的安排还是听天由命，这成了现代人必须面对的问题。这类影片以《寂静岭》《死神来了》为代表，将受到诅咒或者被迫接受命运安排的主人公展现在观众面前，主人公在命运或者说是死神面前，永远是脆弱无助的，只能被迫接受命运的安排。“宿命的安排间接反映出人类对现状的不满与恐慌，可我那个改变现状，却又力不从心，因此只能听天由命”。[6]

以《死神来了》为例，这部构思独特的好莱坞恐怖片从头到尾根本没有死神出现，更没有美式恐怖片惯用的暴力镜头，而是通过紧张的音乐和不断出现的黑影、阴风和千奇百怪的死法给观众带来恐惧之感。死亡模式这种设计，把生命的无常和无奈加诸于每一个人身上，观众很容易产生代入感；而主角们自我救赎的失败也传达给观众以深刻的绝望，恐惧感油然而生。更吸引人的是，影片在影射人与宿命搏斗的过程中，尽管没有将假想中的死神庸俗的实体化，但却又从侧面将之塑造成一位充满愤怒性格的幕后冷血连环杀手的阴谋家形象。这种神话降格使得影片中被超能力升格的主人公和假想敌，“死亡”之间的抗争行为活化。以至于影片几乎不需要对血腥镜头进行过多的夸张描写，就已经能深深抓住人们对未知死亡世界的畏惧，令观众对死神的无限制追杀产生念念不忘的恐怖情绪。《滚石杂志》这样评论这部影片“影片在描述人与命运抗争的过程中，能深刻地描绘出人类对未知的死亡世界的恐惧，使观众对死神无限制的追杀产生难忘的印象”。[7]

这类影片里涉及宿命的主题很大一部分反映出科学不是万能的，人类在自然力面前永远都是渺小的。“它并不给出出路，也不过分渲染迷信色彩，而是借这种带有宗教色彩的东西唤醒人类沉睡的灵魂，使人心有所皈依。”[7]对于《寂静岭》来说，后工业时代的艺术风格只是它的表象，《圣经》中的宗教隐喻才是它的实质。在里世界被开启之后，教堂中的教徒们祈祷所要阻止的也正是《圣经》中的“末日审判”，或电影中所谓的“天启”的到来。在教堂最后那场稍显“华丽”的屠杀中，被罗斯（或者说阿蕾莎的邪恶面）的血腐蚀的教堂地板上，真正的阿蕾莎从满是暗红色烈火和钢铁设备的地下出现了。她在杀死克里斯贝拉教主的时候，很明显可以看见，最早刺进其身体的铁丝网是从裙子下面伸入直接刺进下体的，这又是一个明显的性暗示。从克里斯贝拉那身蓝紫色的衣着与阿蕾莎就读学校学生校服的颜色一致我们可以得知克里斯贝拉有可能是那所学校的老师，“如果要宣传一种宗教，那么从孩子抓起完全是可能的，何况在西方并不是没有教会学校” [9]。那么也就是说孩子们认为阿蕾莎是女巫除了有片中提到“父母的灌输”以外，很有可能有克里斯贝拉老师的教唆和命令。其中克里斯贝拉找阿蕾莎的生母谈话时曾关门推走了几个好奇的学生，由此得知她们谈话的地点就是学校，能在学校召见家长的，除了老师还有谁呢？而正是因为学生们被克里斯贝拉唆使欺负阿蕾莎，她才会躲进厕所而遭强奸，因而完全可以得知阿蕾莎这样杀死克里斯贝拉是对其行为导致自己遭到强奸的报复。最后，阿蕾莎将克里斯贝拉一分为二，正是让其知道阿蕾莎受火刑而痛苦地分裂为一个善良体和一个邪恶体的感受，所谓以其人之道还其人之身，而教堂这场屠杀正是犹太教末世论和条顿化基督教对最后审判日观念的体现。

第二篇：好莱坞剧本

题目

笔名 著

真名： 地址：

电话： ：

E-mail1 场景

动作.人物角色

对话

人物角色()对话 场景

相机

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第三篇：好莱坞的语录

2024年好莱坞的语录37句

1、如果没有众多的水滴，哪会有海洋呢？《云图》

2、为什么越是需要语言的时候，语言越会是从我们嘴边溜走。 《云图》

3、也许那一刻我第一眼看见你，也是命运。 《云图》

4、我看了太多世界，所以我当不好奴隶。 《云图》

5、毕竟，一本未尽的书便似一段未了的情。 《云图》

6、复仇之剑在上帝手里，不在我手。《荒野猎人》

7、最好还是别知道自己的死期，这样你每时每刻都在探索生命的神秘。《加勒比海盗4》

8、你被愤怒所掌控，忒修斯，要学会控制你的情绪。《惊天战神》

9、礼物？怎么会是礼物？你能看到未来，却没有力量改变它。《惊天战神》

10、是绅士就不会计较女人发挥无穷的想象力。《加勒比海盗4》

11、告诉你，我的孩子在你一生中，有许多事值得争取但，自由无疑是最重要的永远不要带着脚镣，过奴隶的生活。《勇敢的心》

12、约翰，你能做到的。一直向前，不要回头。《终结者：创世纪》

13、风暴来临时，你站在大树前，若你看着树桠，大树便似摇摇欲坠，但你若看着树干，你便知道它坚韧不摧。《荒野猎人》

14、一切未成定局，未来等待你去开创。《终结者3》

15、你可以夺走我们的生命，但你永远也拿不走我们的自由！《勇敢的心》

16、也许你睡不好是因为受到幻象的困扰。《惊天战神》

17、莉雅，我知道奈尔文说的是怎样的人类，可我不是，等我找到了战斗的意义，我一定会跟你说的。《龙之谷之破晓奇兵》

18、这是个没有意义的动作，为什么抱住一个你必须放手的人。《终结者：创世纪》

19、权利，时间，地心引力，爱情。真正强大的力量都是看不见的。《云图》

20、望着沧茫大海，令我得到片刻解脱；不怀缅过去，也不展望未来。《最后的武士》

21、我们每个人都会死，但不是每个人都活过。《勇敢的心》

22、当心，操心容易长白头发！《惊天战神》

23、时代的更替，任何人都无法抗拒。《龙之谷之破晓奇兵》

24、和命运抗衡是十分愚蠢的事情，可我还是想试试。《加勒比海盗4》

25、你的心灵是自由的，用尽勇气去追随吧。《勇敢的心》

26、我不能死，我要活着，因为只有活着我才能赎罪。《钢铁侠》

27、我只能模糊地看到未来和即将发生的事情，你的行动和欲望才是决定因素。《惊天战神》

28、话说你们那种感觉没有？那种站在很高滴地方，突然就很想跳下去啥的？这个我真没有。《加勒比海盗4》

29、当然要迷失方向，才能到达一个无人能找到的地方。《加勒比海盗》

30、贾维斯，在我们学会走之前，要先学会跑！《钢铁侠》

31、如果没有自由，一切都是空想。《勇敢的心》

32、在这里要小心，遵守天规，不能让地上的凡人看到我们的不朽之身。《惊天战神》

33、永远不要妄图知道自己的末日，生命的奥妙就在于活在当下。我是一个不折不扣的海盗。《加勒比海盗4》

34、是令人恐惧，还是令人尊敬，我想二者兼顾。《钢铁侠》

35、那些弱者呢，没有自卫能力谁来保护他们？《惊天战神》

36、你可以说拥有一切，也可以说一无所有。《钢铁侠》

37、感谢你在黑暗年代的勇气，你要面对的事我帮不到你，但你一定要活下去，否则，我永不会存在。《终结者1》

第四篇：好莱坞简介

好莱坞

好莱坞（Hollywood），本意上是一个地名的概念，港译“荷里活”，是全球最著名的影视娱乐和旅游热门地点，位于美国加利福尼亚州洛杉矶市市区西北郊。现“好莱坞”一词往往直接用来指美国加州南部的电影工业。好莱坞市位于加利福尼亚州西南部的美国第二大城市洛杉矶市的西北部，是世界著名的电影城市。

中文名称：好莱坞

外文名称： Hollywood 所属地区：美国加利福尼亚州洛杉矶市市区

面积： 市区面积1204.4平方公里

日落大道、好莱坞中国戏院;派拉蒙电著名景点：

影城

机场： 洛杉矶国际机场

Sunset Blvd与Hollywood

主要街道：

Blvd 地标：

好莱坞标志

好莱坞简介

位于美国西海岸加利福尼亚州洛杉矶郊外的好莱坞，这是依山傍水，景色宜人的地方。最先是由摄影师寻找外景地所发现的，大约在20世纪初，这里便吸引了许多拍摄者，而后一些是为了逃避专利公司控制的小公司和独立制片商们纷纷涌来，逐渐形成了一个电影中心。在第一次世界大战之前以及之后的一段时间内，格里菲斯和卓别林等一些电影大师们为美国赢得了世界名誉，华尔街的大财团插手电影业，好莱坞电影城迅速兴起，恰恰适应了美国在这一时期的经济飞速发展的需要，电影进一步纳入经济机制，成为谋取利润的一部分，资本的雄厚，影片产量的增多，保证了美国电影市场在世界上的倾销，洛杉矶郊外的小村庄最终成为一个庞大的电影城，好莱坞也在无形中成为美国电影的代名词。

好莱坞主要产业

好莱坞不仅是全球时尚的发源地，也是全球音乐、电影产业的中心地带，拥有着世界顶级的娱乐产业和奢侈品牌，引领并代表着全球时尚的最高水平，梦工厂、迪士尼、20世纪福克斯、哥伦比亚公司、索尼公司、环球公司、WB（华纳兄弟）等等这些电影巨头，还有像RCA JIVE Interscope Records这样的顶级唱片公司都汇集在好莱坞的范畴之内，这里的时尚与科技互相牵制发展，自然不造作，拥有着深厚的时尚底蕴和雄壮的科技做支持，一直被全球各地争相模仿。

由于当地发达的娱乐工业，不过电影制片厂分布的范围早已不局限在好莱坞一隅，好莱坞与其周边的伯班克等市共同构成了美国影视工业的中心地区。好莱坞市内有不少数十年历史的老电影院，通常被用作电影首映式或举行奥斯卡奖颁奖礼的场所，如今也成为旅游热门地点。作为大洛杉矶市的一部分，好莱坞没有自己的市政部门，但有一个指定的官员担任所谓“荣誉市长”，仅供各种仪式需要。目前，好莱坞市的前市长是约翰尼·格兰特（Johnny Grant）

地理位置

地处太平洋东侧的圣佩德罗湾和圣莫尼卡湾沿岸。市区面积1204．4平方公里，人口348．6万（1990)，黑人和墨西哥合众国人约占总人口的17%和15%，约1/3居民讲西班牙语。

大市区包括洛杉矶县和奥兰治、文图拉两县的一部分，以及贝弗利希尔斯、帕萨迪纳、长滩等80余个大小城镇，总面积10567平方公里，人口1000万，仅次于纽约大市区。城市坐落在三面环山、一面临海的开阔盆地中，除局部为丘陵外，地面平衍，平均海拔84米；东北和东南面是圣加布列尔山和圣安娜山，森林茂密。气候温和宜人，1月平均气温13．7℃，7月23．4℃；多晴朗天气，年降水量仅357毫米，以冬雨为主。最初为住宅区，1887年由制片厂主威尔科克斯以其夫人名字取名为好莱坞。1910年成为洛杉矶的一个区。因这里多晴日，二十世纪初电影业自东部向此地集中，三十年代为最盛，美国大部分影片出自该地。直至今天，随着电视的普及，好莱坞始终是世界影视业的中心，聚集着美国六百多家影视公司，常被用作美国影视业的代称“旅游地”。

历史概况

1853年，当时的好莱坞只有一栋房子。到1870年，这里已成为一片兴旺的农田。1886 年，房地产商哈维·威尔考克斯在洛杉矶郊区买下了一块了0.6平方公里的地。韦尔考克斯的夫人一次旅行时听到她旁边的一个人说她来自俄亥俄州的一个叫做好莱坞的地方，她很喜欢这个名字，回到加州后，她将苏格兰运来的大批冬青树栽在这里，将她丈夫的农庄改称为“好莱坞”（Hollywood），于是有了好莱坞这个名字。在英语中这个词是冬青树林的意思。

威尔考克斯计划在这里建造一座小城，1887年2月1日他在地区政府正式注册此名。在他夫人的帮助下他铺设了今天的好莱坞大街做为城市的主街，在这条大街和其它大街的两旁种了胡椒树并开始出售产权。他的夫人募资建了两座教堂、一座学校和一座图书馆。为了使好莱坞名符其实，他们还进口了一些英国冬青，但这些植物在加州的气候下没有存活很久。

到1900年，好莱坞已经有一间邮局、一家报社、一座旅馆和两个市场，其居民数为500人。10万人的洛杉矶位于市东11公里处。在好莱坞和洛杉矶间只有一条单轨的有轨电车。1902年，今天著名的好莱坞酒店的第一部分开业。1903年，此地升格为市，参加投票的177位有选举权的居民一致赞同以“好莱坞”为之命名。当年下的两条命令是：除药店外其他商店禁酒，及不准在街上驱赶数量多于200的牛群。1904年，一条新的被称为好莱坞大街的有轨电车开业，使好莱坞与洛杉矶间的往返时间大大缩短。1910年，好莱坞的居民投票决定加入洛杉矶。原因是这样他们可以通过洛杉矶取得足够的饮水和获得排水设施。

1999年6月，洛杉矶的地铁终于开到了好莱坞。2002年，一些好莱坞居民发动了一个让好莱坞自主独立，不再是洛杉矶一部分的运动。好莱坞市政府决定让所有洛杉矶居民投票表决。独立运动被以绝大多数否决。

地方名胜

中国戏院

好莱坞最重要的景点之一就是位于好莱坞大道上的中国戏院，以知名明星的手、脚印吸引各国游客到此一睹明星足迹。中国戏院在1927年5月开幕，以其中国式建筑的外观得名，69呎高的青铜色屋顶高入云霄，戏院内部也以中国艺术概念所设计。

中国戏院最吸引人的还是戏院前庭那173位明星所留下的足印，每个到此一游的游客，不是忙着拍摄自己偶像的足印，就是把自己的手放在明星手印上好好比对一番。很多著名好莱坞影星如丹泽尔·华盛顿、汤姆·汉克斯、哈里森·福特、梅尔·吉布森、汤姆·克鲁斯、阿诺德·施瓦辛格都在这里留下了纪念，就连唐老鸭也在这里留下了可爱的脚印。

日落台

日落台一条商业街，它距离市中心1小时车程，位于Sunset出口和Fairfax大街附近。

这条街地处西好莱坞，时髦的服装店，饭馆及咖啡厅鳞次栉比。而一到晚上，这里又是另外一番景像，各种夜总会，迪厅吸引了成群结队的年轻人来到这繁华的霓虹灯下。在这条街，你能见到很多的好莱坞明星，但各个营业场所离得比较远，你有必要打的或借一辆车前往。

Sunset Plaza位于离日落，一区半的地方，这里有很多饭馆和时装店，是一个繁华的贸易街。这里不仅有高级商店，还有一些价格适当的咖啡厅和冰淇淋店。而且就是在街旁的小桌上，你也可以享受一顿美味的午餐。

Frederick'

这条繁华的街上有一个醒目的黄颜色建筑，那就是全美最有名的Frederick's。店员不仅有年轻貌美的小姐，还有中年妇女，这里的顾客也并不局限于少数阶层。虽然会有些文化人因看不惯那些刺眼的内衣装而不光顾此店，但这的确拥有全美独有的设计和尺寸，还是颇受欢迎。

好莱坞星光大道

好莱坞星光大道（Hollywood Walk of Fame）是条沿着美国好莱坞好莱坞大道与藤街伸展的人行道，上面有2000多颗镶有好莱坞商会追敬名人姓名的星形奖章，以纪念他们对娱乐工业的贡献。

好莱坞野外剧场

建于1922年的这个圆形剧场位于好莱坞北端，是一个百色的演唱会专用场所，你经常都会在电视或电影看到这个圆形剧场，甲克虫乐队也曾在此演奏。

每年7月初到9月初这里有一个野外音乐会，由洛杉矶乐团和好莱坞野外剧场交响乐团共同演奏。到了周五和周六，你还可以在这尽情欣赏电影音乐，流行音乐以及爵士音乐等多种音乐的演出。

在棒球赛季中举行的4场焰火晚会也很是受人欢迎。所以在焰火晚会期间去这个地方不失为一个明智选择，但需要提前一个月预订订票。演唱会一般在晚上8：30开始，这时天上已是繁星 闪烁。如果没有演唱会，你可以免费进入，并在此享受一顿野餐。

“好莱坞”大标志

这儿一个字的高度就达13.7米，是洛杉矶有名的建筑物，经常可以在电影电视上看到它的身影。原来这是为发展好莱坞地区而修建的。1960年，当 Hollywood Land变为Hollywood时，这个标志就成了好莱坞的象征物不得不提的是，1932年一个新女演员因经受不起失败的打击，曾在这个标志的“D”字上坠崖自杀。现在禁止接近这个标志，你只能在天文台上通过望远镜进行摄影。

派拉蒙电影城

卓越（派拉蒙）电影公司所拥有的这个好莱坞仅存的片场位于Melrose大街上。这里有为一般人提供的游览路线。这条路线需时两个小时，你无需预订门票，只要在Gower街上的入口处购得门票按指定时间进行参观即可。15人左右为一个参观组，10岁以下儿童不能进入。

由于片场并不大，所以采取步行参观的方式。通过导游的介绍，你可以看到很多电影里曾看到过的背景装置，例如电影（Forrest Gump）中的长椅子。这里到处贴有公司摩下明星的照片，以及他们的电影学术办会奖以及艾美奖。如果你运气好的话，还可以目睹明星们拍片的场面。

这拥有先进的TV洞鞋，录音室多32个操纵室采用先进电影技术，可以为电影配上生动一逼真的电影原声。派拉蒙的预映室耗资巨大，在好莱坞数一数二，这里向人们展示着派拉蒙的电影史和电影经典回放。最后你可以去一下派拉蒙的礼品店，这里有印有派拉蒙标志的各种帽子，T-Shirt，名片纪念品，任你选购。

好莱坞顶级品牌俱乐部

好莱坞不仅是影视娱乐明星工厂，也是全球时尚发源地，世界上众多商品是由于好莱坞的电影而成为奢侈品顶级品牌。好莱坞顶级品牌俱乐部HOLLYWOOD SUPER BRAND CLUB，是顶级品牌运营组织，是一个名副其实的全球顶级品牌俱乐部。

经典影片

1、《公民凯恩》（C ITIZEN KANE)（1941)奥逊·威尔斯的不朽之作，“玫瑰花蕾”，已经成为所有美国影人和影迷的电影魅力的象征，也成为电影历史上的最著名的谜语。奥逊·威尔斯是好莱坞的叛逆，他在这部作品中对传统电影技术的颠覆，使这部60年前拍摄的作品，直到今天，仍然充满着神奇和新意，对于每个电影人，“景深镜头”等等技术上的创举，已经不仅仅是技术上的革命，而是观念上的启迪：电影是将梦化为现实的同时将现实化为梦的最好的工具。

2、《卡萨布兰卡》（C ASABLANCA)（1942)美国式主旋律作品最早也是最著名的篇章。在里克咖啡馆中大家高唱《马赛曲》的片段，在当年曾经鼓舞了无数为反法西斯战争奋斗的人们，即使在今天，我们依然可以从这一段落感受到爱国主义的力量。与此相比，主人公间的俊男倩女式的爱情纠缠，就成了影片的小小佐料。

3、《教父》（THE GODFATHER)（1972)在我的心目中，《教父》的地位似乎应该比《卡萨布兰卡》更高。科波拉在影片中塑造的堂·克里昂家族史，在背叛、忠诚、爱情、亲情、敌人之间辗转挣扎，将人性的光芒与卑微阐述得如此鲜明生动，《教父》的意义已经超越了普通的黑帮人，它更应该是被视作一部史诗而具备存在的价值。

4、《乱世佳人》（GONE WITH THE WIND)（1939)好莱坞黄金时代的代表作品，斯佳丽的故事，曾经让无数多情女子神往，虽然那一段内战的历史被影片有些歪曲，但烽火佳人的爱情，总是能吸引人们的目光，这部豪华巨作，是好莱坞最杰出的爱情电影。

5、《阿拉伯的劳伦斯》（L AWRENCE OF ARABIA)（1962)又一部史诗片，英国名导大卫·里恩的传世杰作，精致的影像和浩瀚的场面，体现了这位以拍摄大作品见长的导演优秀的电影素养，英国人的品位，被他完美地体现在了劳伦斯身上。

6、《绿野仙踪》（THE WIZARD OFOZ)（1939)1939年对于好莱坞电影是个金色年华，在前10名中这已是该年出品的第二部作品，而在后面的90部中，将还有3部作品入选。好莱坞是造梦的工厂，而本片是为儿童和他们的父母打造的一个美丽梦想，其中的名曲《跨越彩虹》，到今天已经数不清有多少歌手翻唱过，而他们，无一例外都在自己的童年时代对电影里的奥兹国着迷非常。

7、《毕业生》（THE GRADUATE)（1967)这是一部为一个时代作出定义的影片，上个世纪的60年代对于所有经历过那段日子的美国人而言，要比二战更为难忘，这是个价值观念被重新洗牌、时代风云跌宕翻腾的10年。而达斯汀·霍夫曼扮演的年轻大学生遭遇的贵妇的诱惑，正是被寓言化了的年轻一代面对的虚伪和虚浮的美国社会。

8、《在江边》（ON THE WATER FRONT)（1954)导演埃利亚·卡赞和演员马龙·白兰度有过两次成功的合作，第一次是1951年的《欲望号街车》，第二次则是《在江边》。卡赞在影片中成功地运用了纪实风格的摄影手段，使整部作品沉浸在冷峻的氛围中，这和影片所描绘的码头工人的生活形成默契，而白兰度的表演，是他早期电影生涯的一个巅峰。

9、《辛特勒的名单》（S CHINDLER’S LIST)（1993)前10名中惟一被选入的90年代电影。用人文关怀来对影片作出评价似乎有些轻飘，这是一个民族在哭泣，斯皮尔伯格首先从一个人的角度，其次再是从电影导演的视野，拍摄出了这部在沉默中爆发的巨作，在今天的好莱坞，很少有电影和导演如此深沉和深刻。

10、《雨中曲》（SINGIN G’IN THE RAIN)（1957)与偶尔出现的《辛特勒的名单》相比，这才是好莱坞拥有的本色。作为一部经典到不能再经典的歌舞片，《雨中曲》向我们解释了什么叫真正的歌舞升平，从影片里我们感受不到思想、哲理一类的东西，有的只是娱乐、娱乐、还是娱乐。金·凯利的歌舞，给人们带来了欢乐，他当然是杰出的，但人的一生不可能只有欢乐，而美国人把本片选进前10位，充分暴露了他们享乐主义的本质。

电影工业

1907年，导演弗朗西斯·伯格斯带领他的摄制组来到洛杉矶，拍摄《基督山伯爵》。他们发现，这里明媚的自然风光、充足的光线和适宜的气候是拍摄电影的天然场所。

1910年代初，派拉蒙影业公司导演大卫·格里菲斯被Biograph公司派到西海岸来拍电影，他带着丽莲·吉许、玛丽·璧克馥等演员来到了洛杉矶。他们后来想寻找一块新的地盘，于是向北出发，来到了一个热情的小镇，那就是好莱坞。Biograph公司发现此地条件不错，于是在回纽约前又陆续拍了好几部电影。渐渐许多业内人士都知道了这块宝地，到好莱坞的电影剧组越来越多，美国电影业移师好莱坞的大转移开始，好莱坞向成为电影之都迈进。

1911年10月，一批从新泽西来的电影工作者在当地以为摄影师的带领下，来到一家叫布朗杜的小客栈，他们将租到的客栈改装成一家电影公司的样子。这样，他们创建了好莱坞的第一家电影制片厂——内斯特影片公司。

从那以后，许多电影公司在好莱坞落户，著名的电影公司有：米高梅电影公司（Metro Goldwyn Mayer，简称MGM）、派拉蒙影业公司（Paramount Pictures, Inc.）、20世纪福克斯公司（20th Century Fox）、华纳兄弟公司（Warner Brothers）、迪士尼（The Walt Disney Company）、环球公司（Universal）、狮门电影公司（Lions Gate Films）、哥伦比亚影业公司（Columbia Pictures）。

纽约和新泽西的电影公司迁向加州的原因主要有几点。首先这里的天气好，日照时间长。虽然电灯已经发明了，但还不够亮，最好的光源是阳光。除此之外，加州视野宽广，有各种不同的自然风景，对电影拍摄有利。

除自然条件外，在主观原因方面，好莱坞成名的最主要因素是来自发明大师爱迪生所创办的电影托拉斯公司的强大压力。爱迪生是著名的发明家。他在电影器材方面也有许多的发明设计革新，并拥有相应的专利权。1897年至1918年，爱迪生在美国挑起电影专利权之争，和众多电影制造商对簿公堂。同时，他看准了电影事业的发展远景，利用手中的电影器材王牌，将当时在美国东部的九大电影公司合并成为他的电影专利公司，由此控制了电影市场。那些不甘从命的制片人，纷纷寻找新的出路，以摆脱爱迪生的垄断，另起炉灶。这时候，在爱迪生成立电影专利公司之前已到好莱坞拍片的一家小制片厂（长老电影公司）提供了好莱坞的信息。这家原在美国东部新泽西州的电影厂，在好莱坞廉价租得厂房，快速地拍出了第一部好莱坞电影《她的印第安英雄》，这部片子给好莱坞扩大了知名度，那些欲寻自己出路的电影制片人，为好莱坞优越的自然外景和发达的交通条件所吸引，纷纷来到好莱坞开创基业。另外加州距离新泽西州非常遥远，爱迪生很难在这里控制他的专利权。加州没有那么多爱迪生的手下，即使他派人过来，往往消息早已走漏，这样一来好莱坞的电影制造商就可以及时躲到附近的墨西哥去了。爱迪生的死对头卡尔·雷穆也在好莱坞大兴土木，并创建了环球公司，成为新的影业大王。与此相反，作为好莱坞催生剂的爱迪生的电影专利公司，仅仅风光了10年，就被美国法庭宣判为非法的托拉斯而破产倒闭。1911年第一个电影制片厂在好莱坞开业，1911年第一个电影制片厂在好莱坞开业，同年已有15个其它的制片厂在这里定居，成千上万的梦幻制造者紧随而至。

1923 年，今天成为好莱坞象征之一的白色大字HOLLYWOOD被树立在好莱坞后的山坡上，本来这个字后面还有LAND四个字母，是一家建筑厂商为了推销新建好的的住宅社区设置的广告看板。但它们被树立起来以后就没有人去管它们，以致渐渐荒废。一直到1949年，好莱坞的商会才将后面的四个字母去掉，将其它字母修复。这个招牌今天受到商标保护，没有好莱坞商会的同意，无人允许使用它。

1929年5月16日，奥斯卡金像奖第一次被颁发，当时的门票是10美元，一共有250人参加。

1947年1月22日，美国的商业电视台开始进入好莱坞。同年12月，好莱坞第一次为电视拍电影。

50年代，音乐唱片业也开始涉足好莱坞和附近的伯班克市。大多数电影制片厂仍留在原地，但好莱坞的外貌已经改变了。

1952年，CBS在Fairfax大街和贝弗利大街交界处建立了电视城，CBS这一扩张之举实际上也意味着好莱坞在拓展自己的版图。

好莱坞著名的星光大道（Walk of Fame）始建于1958年。

1960年2月9日，女演员乔安妮·伍德沃德得到了第一颗星的殊荣。

1985年，好莱坞的商业和娱乐区被正式列入美国受保护的历史性建筑名单。

2001年，柯达剧院（Kodak Theatre）在Highland大道开业，成为奥斯卡奖颁奖礼新的举办场所。

派拉蒙公司（Paramount）是目前惟一留在好莱坞内的老牌大型制片厂。

好莱坞云集了大批世界各地顶级的导演、编剧、明星、特技人员。好莱坞电影场面的大气、火暴，特技的逼真、绚丽给我们留下了深深的印象。好莱坞作为电影人的天堂也吸引了我国大批明星和导演，中国明星李小龙、成龙、李连杰、周润发、巩俐、李冰冰、章子怡和刘亦菲，日本明星宇野实彩子等，著名导演李安、吴宇森都到好莱坞发展过。好莱坞电影随着中国开始引进外国电影以后迅速在国内红火起来，美国大片、好莱坞明星都有了很多支持者。

今天的好莱坞是一个多样的、充满生机的和活跃的市区。它在美利坚合众国文化中已经具有了重大的象征意义。可以说，好莱坞的发展史就是美利坚合众国电影的发展史。

好莱坞生产的影片不仅满足美利坚合众国电影市场的需要，还出口到世界各地，不仅输出了美利坚合众国的文化，更为好莱坞投资人带来了丰厚的利润。

汤姆·克鲁斯、布拉德·皮特、威尔·史密斯、约翰尼·德普被称为好莱坞四大天王。

据国际君友会资讯中心相关记录：好莱坞主流片商，随着电影工业的发展和经济的变迁，曾经有着“八大电影公司”与“七姐妹”等不同的称呼。

电影公司

二十世纪福克斯：20th Century Fox Film Corporation（News Corporation）

华特迪斯尼公司：The Walt Disney Company（independent）

哥伦比亚：Columbia Pictures（隶属SONY）

米高梅

狮门影业公司：Lions Gate Films（independent）

新线影业：New Line Cinema（隶属时代华纳）

派拉蒙电影公司：Paramount Pictures（隶属维亚康姆）

环球影片公司：Universal Pictures（隶属通用电气公司）华纳兄弟：Warner Bros.Pictures（隶属时代华纳）

温斯坦公司：The Weinstein Company（MGM distributes films）

顶峰娱乐：Summit Entertainment

梦工厂：DreamWorks Pictures（被维亚康姆收购）

米拉麦克斯影业：Miramax Films（被华特迪斯尼公司收购）

米高梅：Metro-Goldwyn-Mayer（被索尼电影娱乐公司收购）

雷电华：RKO（Radio Keith Orpheum）

塞缪戈温电影公司：The Samuel Goldwyn Company

塞尔兹尼克国际影业公司：Selznick International Pictures

联艺：United Artists（被米高梅收购）

第五篇：难忘好莱坞散文

若问美国最好玩的地方，当然是好莱坞影视城。谁不爱看电影呢？

第一站就是星光大道。大道两侧座落着众多的工艺品小店，小店里有各种文化衫、杯子、钥匙链、明信片、冰箱贴林林总总。好莱坞影星的靓照，热映电影的剧照，悬挂大道两侧楼宇之间，预示着人们来到了电影的世界。不足五米宽的人行道上洒满了星星，星星的旁边有着世界级大明星的签名和“手”、“脚”相伴以及全球追星族的热辣辣地眼光相随。星星坠落这里，怎知孤单？

多次奥斯卡奖在中国剧院颁发，它的门前好莱坞巨星的手足印印更是挤满地面。热情的游客各自寻找各自的偶像签名拍照留念。我，一位好莱坞影片的忠实观众，一个博爱的粉条。大碗的脸蛋认的出来，歪歪扭扭的洋文辩不明白。不过李小龙、成龙的名字在我眼里大放光彩。

再乘车十几分钟就到了好莱坞影视城。影视城共分了三个游览区。既电影之旅。娱乐中心、回到未来。

一

乘上游览车，开始了全程45分钟的电影之旅。车上配有电视专门讲解，告知游人那部电影的那一个片段，那一个镜头，在那一处取的景。眼见欧、亚、非大陆的典型农舍，城镇街道、咖啡厅、银行、书店、“伦敦街”“华尔街”方方面面在这里缩影。我明白了好莱坞的聪明。

当旅游车途经一座木桥时，突然，木桥坍塌，车子下滑。满车人惊叫，片刻，木桥复位。好在有惊无险。我知道了好莱坞的玩笑。

行进到一欧洲农庄旁，耳边风声阵阵，顷刻，雷鸣电闪，大雨倾盆。洪水暴发、山洪汹涌冲进村庄，冲进房屋，大有一泻千里之势。我看到了逼真的场景。又遇一飞机失事的现场。机身、机尾冒着浓烟。残骸遍地、旅行箱敞开、遗物挂在树梢随风摇动，满目狼藉。我佩服好莱坞的设计。

游车驶进一山洞前，庞大的金刚在洞旁突然咆哮着、嚎叫着，欲用它的巨爪把我们连人带车一把抓起，撕碎或丢弃。全车人歇斯底里的尖叫….这正是好莱坞的娱乐，让你从惊魂后开怀大笑。

二

影城中心向人们展示的是好莱坞拍摄的特技。火山爆发、地震、海啸、失火，枪林弹雨、恐怖镜头。在此一一揭秘。

我们走进一个大仓库门，站在距离地面7米左右悬空的1米多宽的铁架通道上。脚下是不同的房间散乱堆放着诸多的大油桶，不觉中，一房间烟雾弥漫火光暗闪。即刻，油桶起火爆炸，房门飞裂，周围的油桶连连爆炸，火势蔓延，全身烘烤难忍，警报声声刺耳。慌乱中，悬空的通道滋滋作响，弯曲向下断裂。完了，玩笑开大了，好莱坞失误。要葬身火海了。再高的呼救声也高不过警报声。阿门！主呀！难道就这样？就在这里？见上帝吗？片刻，又恢复了平静。

每个人都在庆幸、都在感恩。正如我们每一次去火葬场悼念亲友那样的彻悟。我想这正是好莱坞的独具匠心。不厌其烦的一再重复灾难。为的是教会坦然面对，历练意志，懂得感恩，珍惜生命的吧。

三

娱乐中心更是新奇独特。内容从远古时代涉及到未来。

我走进阴森，狭长的《木乃伊归来》的洞穴。满眼古墓、骷髅，死骨、枯藤、蜘蛛网、兵器，经书。仿佛误入了古埃及法老之墓。拐弯狭仄处不是腾地窜出一个妖魔，就是搜地跑出一个怪物，不然墓穴钻出满地乱爬的甲尸虫。伴着令人毛孔悚然，鬼魂凄厉的声音，阴暗扑朔迷离的灯光。让惶恐的眼睛紧闭着，一再受惊的声音不停地惨叫着。双腿瑟瑟发抖不得不向前移动着，好不容易座上穿越时光隧道的车上。怎料，急速的旋转，顷刻的坠落失重，心脏停跳，浑身虚汗。什么也甭想，什么也甭看，运足气息，撕心裂肺的尖叫，这声音划破洞穴，穿越时空，足以惊醒昏睡千年的埃及法老。车子，终于停了下来。

当阳关洒在身上，微风亲吻面颊，人们面面相觑。从十八层地狱逃生，攀爬出来的喜悦堆在每个人的脸上。又兴匆匆，乐颠颠地走向《回到未来》大厅接受新的刺激，迎接下一个扣人心炫的难忘去了。

瞧！玛丽莲.梦露的车来了，与她合影去。