玉雕作品的鉴赏与评价心得[优秀范文五篇]

第一篇：玉雕作品的鉴赏与评价心得

玉雕作品的鉴赏与评价心得 山子—渔家乐

中国玉雕作品的鉴赏和评价除涉及玉石本身的特性研究外，还广泛涉及中国的儒道哲学、华夏美学、宗教习俗等众多社会人文科学领域，因此其鉴赏和评价很难从单角度诠释。

在我们对玉雕作品进行评估的实践中发现，评估难点并不是玉质鉴定和玉质本身的商业价值评判，而是对作品的认识、对作者创作意图的理解、对群体审美观的认同和敏感，简言之，评估难点是如何对玉雕作品的创造性价值和美学价值合理定位。通过对一些传统和现代题材的玉雕作品的评估实践，我们获得了一些鉴赏和评价的粗浅体会，希望能抛砖引玉，通过探讨、争论得到修正和完善。

一、玉雕作品不同于玉雕产品

玉雕是采用天然玉质材料，由人类的智慧和双手创造，反映社会生活、宗教信仰、民俗传统，表达作者思想情感，并有较高审美意义的静态视觉形象。它是用适当的工具由表及里、由粗到细地去除多余部分，使之最终成为具有经济价值和审美意义的实体。实体一旦完工即是玉雕成品。

若成品匠气十足毫无个性，或可以商业化批量生产，不妨称之为“玉雕产品”：若成品具有相当的艺术性，则可称之为“玉雕作品”、“玉雕珍品“甚至”玉雕艺术品“。通常玉雕材质越好，其所含艺术价值可能越高。

二、玉雕作品鉴赏具有特殊性

历来玉雕被划分在工艺品大类中，与漆器、刺绣、木雕、剪纸等比邻．与中国书法、绘画、瓷器等的艺术认知度却相距甚远。从宏观上看，由于玉材的珍稀，玉雕作品一经诞生就与富贵、权势等形成了一种直接的联系，制作群体、鉴赏群体都有一定程度的局限性，其稀有性和不可再生性使玉雕作品在制作上更趋于谨慎和保守，从微观上看，由于玉雕作品的制作学习过程漫长，创作环境艰苦，从业人员普遍是实践者，很难自发地完成从实践到理论。再从理论到实践的认识飞跃，因此有几千年历史的玉雕行业缺乏系统的文字研究和理论总结．对玉雕作品的鉴赏缺乏系统的实证分析。这也是近年来不断有人呼吁成立“玉学“学科的考虑之一吧。

有人认为，玉雕创作和制作过程包含了体力劳动和手工技艺，艺术家或文人们不屑为之，那么为什么米开朗基罗的许多雕刻作品采用数米高的大理石，一锤一凿地完工后，却能被世人当作艺术珍品、作者也被公认为世界级艺术大师呢?当然这其中有许多社会背景差异，但最终的不同点离不开社会群体对美的推崇和认识，离不开作者的艺术修养和创作性构思。于是要真正发展和提升行业声望，进一步浓缩玉雕作品的价值，就要从宏观和微观两方面入手，一方面提高社会群体对玉雕作品的认识度和鉴赏水准，另一方面提高玉雕从业人员的艺术素质和审美敏感度。

这两方面的良性互动就要求对玉雕作品的鉴赏和评价存在观念的趋同，对其经济价值和美学价值存在客观的互认，就要求基于玉材的特质，从经验、从感觉、从情感，上升为文字表述、审美研究和理论评价。这种认识论上的飞跃恰恰是玉雕业所缺乏的。然而缺乏更便于吸收和借鉴，更便于向相邻的艺术门类学习。

三、鉴赏的切入点

玉雕作品的鉴赏和评判可，可从以下方面切入作品的载体——玉石品质及利用；作品的语言—形式和内容。两者相互协调、相互衬托、相互补充。

艺术学和美学认为，艺术品一定渗透着作者的思想和感情，承载了时代信息和创作者的生命特质，从而具有较高审美价值和社会意义。然而艺术品的界线却极模糊。艺术从来就不能用规则和数字加以定义和判定，审美欣赏也„,从来就具有多样性和统一性，对美的认同虽存在个体差异，却往往具有时间和地域的共性，具有一定的群体普遍性，因此，对玉雕作品的认识，对创作者的表达能力的认可往往会趋同。对玉雕作品的认识趋同是鉴赏和评价的研究基础。

白玉子料—达摩悟道

(一)作品载体——材质的鉴赏

玉雕作品鉴赏的特殊性很大程度上就体现在材料品质评价和材料的合理使用判断上。

笔者认为，在人类的视觉感受中，物质的形体和色彩是认识事物的第步。从某种角度分析，人类对自然界的色彩敏感和掌握程度又超过对物质形态的把握。比较色彩和形体，色彩的感情意味更浓，比如“感情色彩浓厚”早已成为人们评论事物的常用语。再比如中性色中的白色传达出细腻、纯洁，灰色传达出坚实和幽默，黑色传达出深沉和冷静;彩色中红、橙、黄称之为“暖”色，蓝、绿、紫则称之为“冷”色此外不同明度和饱和度的颜色会产生轻、重、软、硬之感觉等等。由此可见，在观察玉雕作品时第感觉应是颜色。颜色美与玉材的品质是息息相关的，因此可以进一步引申：玉雕作品鉴赏和评判的第步是对材质的鉴赏。

材质的鉴赏包括两个方面：材质的品质，材质的使用。其中材质本身的品质是固定的，也是重要的价值因素，有较为一致的评判原则，而材质的使用却见仁见智，众说纷纭，成为玉雕作品鉴赏的重点。

对天然玉材最大限度的使用和充分发挥、巧妙运用是玉雕创作最突出的特点，因此玉雕作品是否最大限度地表现了材质美是鉴赏要点之一。玉材不仅有坚硬的质地，其本身具有的色彩通过加工处理后，又会以不同的色泽显现和相互映衬，其天然色彩的丰富表现力可以随物传情，使作品更加生动。

天然玉材的材质美和作品的创作空间往往产生矛盾，因此玉雕作品是否最优化地处理和调和了这对矛盾也是鉴赏的要点之一。在制作过程中，既不能过分爱惜玉材，又不能完全独立干玉材创作。在设计时若完全依赖于材料的形态，过分强调其诱人的特性．则会失去造型艺术本身的价值。这一观点已然取得共识，因为少有不经雕琢的毛料会被当作成品在终端市场销售。

在材料的使用上，已故著名玉雕大师王树森对材质的最大利用和材质的创造性使用之间如何有机的统一，曾作过极为精辟的论述”次料可伤其料、其形，而高档料却不可伤料可保其质”。他认为真正好料的设计应围绕突出其纯净美质进行创作，因为高档玉料的俏色无论找得多恰当，一般都会被认为是有瑕，中低档玉料的俏色也应让只见到成品的观众认为俏色生动、自然才能真正提高其艺术价值和经济价值，否则作品会因为受到料的局限“因色而俏色”．从而在观众心中产生牵强感和画蛇添足之感。

由此可见，因料施艺虽然有较大的创作局限性，但却立刻成为作者创造才能的分水岭，要么中庸平淡．要么独辟蹊径。

由以上分析可知，通过对材料品质和材料合理使用程序的鉴赏，就能大致将玉雕品划分为玉雕产品和玉雕作品两大类。当然，材料品质和材料合理使用程度之间既存在一定的相关性，又具有一定的独立性。比如好料不一定出好作品．而好的作品并不都是好料。真正的大师或艺术家具有化腐朽为神奇的能力，其中的差别在于作品的语言表达能力上。青玉－饕餮纹饰天官炉

中国玉雕作品的鉴赏和评价除涉及玉石本身的特性研究外，还广泛涉及中国的儒道哲学、华夏美学、宗教习俗等众多社会人文科学领域，因此其鉴赏和评价很难从单一角度诠释。

西方人对玉雕作品的理解是肤浅的，而中国人对玉雕事业的贡献主要集中在实践领域，系统的理论研究特别是玉雕美学的跨行业研究成果较为缺乏。在我们对玉雕作品进行评估的实践中发现，评估难点并不是玉质鉴定和玉质本身的商业价值评判，而是对作品的认识、对作者创作意图的理解、对群体审美观的认同和敏感。

简言之，评估难点是如何对玉雕作品的创造性价值和美学价值进行合理定位。通过对一些传统和现代题材的玉雕作品的评估实践，我们获得了一些鉴赏和评价的粗浅体会，希望能抛砖引玉，通过探讨、争论得到修正和完善。

一、玉雕作品的定义

玉雕是采用天然玉质材料，由人类的智慧和双手创造，反映社会生活、宗教信仰、民俗传统，表达作者思想情感，并有较高审美意义的静态视觉形象。

与其它雕刻作品不同，玉雕一定是采用天然玉材，用适当的工具由表及里、由粗到细地去除多余部分，使之最终成为具有经济价值和审美意义的实体。实体一旦完工即是玉雕成品。若成品匠气十足毫无个性，或可以商业化批量生产，不妨称之为“玉雕产品”；若成品具有相当的艺术性，则可称之为“玉雕作品”、“玉雕珍品”

甚至“玉雕艺术品”。通常玉雕材质越好，其所含艺术价值可能越高。

二、玉雕作品鉴赏具有特殊性

历来玉雕被划分在工艺品大类中，与漆器、刺锈、木雕、剪纸等比邻，与中国书法、绘画、瓷器等的艺术认知度却相距甚远。从宏观上看，由于玉材的珍稀，玉雕作品一经诞生就与富贵、权势等形成了一种直接的联系，制作群体、鉴赏群体都有一定程度的局限性，其稀有性和不可再生性使玉雕作品在制作上更趋于谨慎和保守；从微观上看，由于玉雕作品的制作学习过程漫长，创作环境艰苦，从业人员普遍是实践者，很难自发地完成从实践到理论，再从理论到实践的认识飞跃，因此几千年的玉雕行业缺乏系统的文字研究和理论总结，对玉雕作品的鉴赏缺乏系统的实证分析。这也是近年来不断有人呼吁成立“玉石学”学科的考虑之一吧。

有人认为，玉雕创作和制作过程包含了体力劳动和手工技艺，艺术家或文人们不屑为之，那么为什么米开朗基罗的许多雕刻作品采用数米高的大理石，一锤一凿地完工后，却能被世人当作艺术珍品、作者也被公认为世界级艺术大师呢？当然这其中有许多社会背景差异，但最终的不同点脱不开社会群体对美的推崇和认知，脱不开作者的艺术修为和创作性构思。

于是，要真正发展和提升行业声望，进一步浓缩玉雕作品的价值，就要从宏观和微观两方面入手，一方面提高社会群体对玉雕作品的认知度和鉴赏水准，另一方面提高玉雕从业人员的艺术素质和审美敏感度。这两方面的良性互动就要求对玉雕作品的鉴赏和评价存在观念的趋同，对其经济价值和美学价值存在客观的互认，就要求基于玉材的特质，从经验、从感觉、从情感，上升为文字表述、审美研究和理论评价。这种认识论上的飞跃恰恰是玉雕业所缺乏的。然而缺乏更便于吸收和借鉴，更便于向相临的艺术门类学习。

白玉子料－汉柏图

三、鉴赏的切入点

艺术学和美学认为，艺术品一定渗透着作者的思想和感情，承载了时代信息和创作者的生命特质，从而具有较高审美价值和社会意义。然而艺术品的界线却极模糊。艺术从来就不能用规则和数字加以定义和判定，审美欣赏也从来就具有多样性和统一性，对美的认同虽存在个体差异，却往往具有时间和地域的共性，具有一定的群体普遍性，因此，对玉雕作品的认识，对创作者的艺术表达能力的认可往往会趋同。对玉雕作品的认识趋同是鉴赏和评价的研究基础。

玉雕作品的鉴赏和评判可从以下方面切入：作品的载体—玉石品质及利用；作品的语言—形式和内容。两者相互协调、相互衬托、相互补充。

（一）作品载体—材质的鉴赏

玉雕作品鉴赏的特殊性很大程度上就体现在材料品质评价和材料的合理使用判断上。

在人类的视觉感受中，物质的形体和色彩是认识事物的第一步。从某种角度分析，人类对自然界的色彩敏感和掌握程度又超过了对物质形态的把握。比较色彩和形体，色彩的感情意味更浓，比如“感情色彩浓厚”早已成为人们评论事物的常用语。再比如中性色中的白色传达出细腻、纯洁，灰色传达出坚实和幽默，黑色传达出深沉和冷静；彩色中红、橙、黄称之为“暖”色，蓝、绿、紫则称为之为“冷”色；此外不同明度和饱和度的颜色会产生轻、重、软、硬之感觉等等。

由此可见，在观察玉雕作品时第一感觉应是颜色。颜色美与玉材的品质是息息相关的，因此可以进一步引申：玉雕作品鉴赏和评判的第一步是对材质的鉴赏。

材质的鉴赏包括两个方面：材质的品质，材质的使用。其中材质本身的品质是固定的，也是重要的价值因素，有较为一致的评判原则，而材质的使用却见仁见智，众说纷纭，成为玉雕作品鉴赏的重点。

对天然玉材最大限度的使用和充分发挥、巧妙运用是玉雕创作最突出的特点，因此玉雕作品是否最大限度地表现了材质美是鉴赏要点之一。玉材不仅有坚硬的质地，其本身具有的色彩通过加工处理后，又会以不同的色泽显现和相互映衬，其天然色彩的丰富表现力可以随物传情，使作品更加生动。

天然玉材的材质美和作品的创作空间往往产生矛盾，因此玉雕作品是否最优化地处理和调和了这对矛盾也是鉴赏的要点之一。在制作过程中，既不能过分爱惜玉材，又不能完全独立于玉材进行创作。在设计时若完全依赖于材料的形态，过分强调其诱人的特性，则会失去造型艺术本身的价值。这一观点已然取得共识，因为少有不经雕琢的毛料会被当作成品在终端市场销售。

在材料的使用上，已故著名玉雕大师王树森对材质的最大利用和材质的创造性使用之间的有机统一，曾作过极为精辟的论述：“次料可伤其料、其形，而高档料却不可伤料要保其质”。他认为真正好料的设计应围绕突出其纯净美质进行创作，因为高档玉料的俏色无论找得多恰当，一般都会被认为是有瑕，中低档玉料的俏色也应让只见到成品的观众认为俏色生动、自然才能真正提高其艺术价值和经济价值，否则作品会因为受到料的局限“因色而俏色”，从而在观众心中产生牵强感和画蛇添足之感。由此可见，因料施才虽然有较大的创作局限性，但却立刻成为作者创造才能的分水岭，要么中庸平淡，要么独辟蹊径。

由以上分析可知，通过对材料品质和材料合理使用程度的鉴赏，就能大致将玉雕成品划分成玉雕产品和玉雕作品两大类。当然，材料品质和材料合理使用程度之间既存在一定的相关性，又具有一定的独立性。比如好料不一定出好作品，而好的作品并不都是好料。真正的大师或艺术家具有化腐朽为神奇的能力，其中的差别在于作品的语言表达能力上。

白玉籽料-吉庆有余链瓶

（二）作品语言—精神的鉴赏

两千多年前先秦古籍《考工记》就强调工艺品应“材美工巧”，因此好的玉雕作品既要充分突出玉雕的材质美，还要运用玉雕技艺和设计理念表达和强化玉雕的美学价值。玉雕除必须强调材质美外，其形式美和内容的深邃也是绝不可忽视的。作品的形式和内容共同传达着作品的思想，传递着作者精神层面的思考和体会，表达着作者对审美的感受。

1、形式

作为造型艺术，玉雕特别强调服从形式美的规律，注重表现。其表现形式主要有圆雕和浮雕。圆雕是在实际存在的空间通过体、面、线等造型手段表现玉质和作品的题材。圆雕可通过体量表现气势，通过面的起伏和线的变化表现细节，通过线条约束外形，突出轮廓。观者可环绕圆雕作品从任何角度欣赏。浮雕是在平面上雕刻出凹凸起伏的立体形象，利用透视、错觉、实影造成较为虚拟的空间效果，可以表现错综复杂的场景。圆雕和浮雕经常同时出现在同一件玉雕作品上，两种表现形式相互衬托，穿插运用。

从玉雕作品的表现题材上，通常将其分为山子、器皿、人物、花鸟等，从工艺的角度其鉴赏和评价原则不尽相同。这种分类方式具有技艺上的专业性，也较好地抓住了作品的形式特点。然而作品的题材范围是十分广泛的，表现题材随着时代的发展也存在不断变化发展的趋势，因此必须借鉴艺术学的研究成果和研究理论，从各种不尽相同的玉雕作品中，对审美元素进行分解和概括，才能真正领悟玉雕作品的鉴赏和评价要领。根据玉雕作品的形式鉴赏特点和重点，可以将其简单归为具象玉雕、装饰玉雕和抽象玉雕三大类。当然，对这种划分的理解不能过分教条，这种分类并不绝对和截然，比如具象玉雕和抽象玉雕都有装饰功能；而装饰玉雕又往往采取了不同的具象组合和抽象纹饰突出主题并强化装饰效果；抽象玉雕一定是对某种客观具象事物的抽象表现，其表现形式一定具有某种装饰效果。

具象玉雕是以客观事物为蓝本，对其外观、神情、动态、性格等进行再现。再现并非只是简单的复制和模仿，而应抓住特点，表现更深的意境，以有形表现无形，调动观众的想象和联想，从而达到艺术效果。如玉雕动物、植物、人物等除要准确刻画其外观外，还要通过凝固的瞬间形象传递其动感、神态、思想和性格等信息。具象玉雕的鉴赏要点在于是否准确、生动、自然、传神。

装饰玉雕是基于客观事物，但通过概括、夸张、提炼等手法表现美学装饰价值，注重观者对美的体验和享受。如玉雕画、屏风、玉雕山子、器皿等，创作题材可以较为广泛。装饰玉雕的鉴赏要点不是在于真实，而是在于是否具有美感，是否符合形式美法则，如对称均衡，调和对比，节奏韵律，多样统一等。

抽象玉雕通常是直接表现本质和内在结构，以点、线、面表现时空的节奏和韵律，追求时空的相对统一，表现人类思想的复杂和精华，注重思想性和艺术性。由于材质特点和传统的影响，真正意义上的抽象玉雕实体在中国玉雕作品中较少见，但抽象纹饰比比皆是，如涡纹、饕餮、盘长、太极图等。随着人们对精神生活的追求和鉴赏能力的提高，相信抽象玉雕在中国一定会诞生出自己的鉴赏群体。抽象玉雕的鉴赏要点在于是否能调动观者的情绪，产生丰富的联想和强烈的共鸣和认同。

2、内容

玉雕作品的内容主要是指题材、主题思想、人物、环境、情节等的综合，是通过形式表达出来的。相对于形式，内容通常可以通过作品标题或语言文字加以描述和表达。玉雕作品的内容和形式是不可分割的有机体，既相互影响又相对独立。例如作品形式本身就具有独特的审美价值，这种审美体验更侧重于情感。作品一旦完成，其形式就已固定不变，而内容却会因观者的不同而不同。内容的发掘一方面依赖于创作者的学识和才能，另一方面则依赖于观者本身的鉴赏水平。玉雕作品的内容通常看似简单、通俗，但经过充分挖掘后却往往发现其立意深远、内涵丰富。虽然近年来业内也出现了一些嘲讽和警示内容的作品，但大多数玉雕作品的内容都是从积极的角度借古喻今，歌颂美好的事物，表现幸福的生活。

要将天然玉材变成具有一定形式和内容的可视玉雕作品，当然离不开玉雕制作技艺和技巧。熟能生巧，巧能化腐朽为神奇。优秀作品一定凝结了优秀的技艺，而过分的技艺卖弄也会通过作品表现出来，以致弄巧成拙。在《清高宗御制诗文全集》中，清高宗乾隆为玉而题作的诗文超过830篇，除称赞、欣赏、感叹外，这位玉痴皇帝还明确表达了对玉雕作品的审美观：如“吴中玉工爱惜玉材，每就其形似制为新样，以质重可获厚利，意谓见巧而转近于俗”、“多加刻镂不免失之机巧”„„.。这些话既表明不能完全就材保料，也明确地表达出对过份追求工细的反感。

玉雕作品形式和内容的统一构成了作品的语言，无声地表达着作者的意图。作为中华文明载体之一的玉雕作品，在长期实践中形成了一种审美理想境界——意境。玉雕作品的艺术审美十分讲究意境。意境是中国古典传统美学的一个重要范畴，是一种情景交融的境界，意境中既有作者的情，又有从现实中升华的景，还有内在含蓄、意味深长的意。对意境的认识和充分理解需要丰富的历史知识和生活阅历，需要有较高的审美素养和艺术修养。真正的鉴赏家和艺术家往往集于一身。例如徐悲鸿在其“专长”一栏中仅写到：“会看画的好坏”。因此对玉雕作品鉴赏和评价的认识存在一个过程，对玉雕作品鉴赏能力的培养和提高并非一日之功。

白玉-观音

三、艺术鉴赏与艺术评论

从经济学供需平衡的角度分析，玉雕创作者制造和提供美，而观众需求美，接受美。只有观众的鉴赏能力提高，美的需求提高，才能真正刺激更多的好作品的诞生，充分体现出作品的艺术价值，实现作品的经济价值。玉雕作品只有通过鉴赏才能最终实现其审美价值，通过评论才能最终体现和提升其审美价值。

对玉雕作品的艺术鉴赏根植于材质和外观形式的评价，根植于对作品内容的理解。鉴赏活动是一个高级的、复杂的审美再创造过程。在鉴赏过程中同样适用于许多心理学规律，如多样性和一致性，保守性与变异性等。这一阶段的审美思想活动主要有联想、想象、情感体验、理解等。经过一系列的思想活动，玉雕作品的观众通过感知、认同、欣赏等情感体验达到顿悟、共鸣等精神升华。鉴赏者的生活经验越丰富，认识能力越深刻，对相似题材和作品表达含义的背景知识越了解，其鉴赏能力就越高。

玉雕作品的艺术评论是艺术鉴赏的另一个层面，艺术评论是通过鉴赏活动后产生的既带有评论者个人观点，又具有一定普遍性的文字或非文字评价。最为系统的玉雕作品的评论当属清高宗乾隆，在他的诗中对玉质、玉工等有煲有贬，其明确的审美态度对当时的玉雕发展有很大的影响。

评论一定是在鉴赏的基础上进行的，是对作品进行细致分析后作出的结论。通过评论一方面可以帮助其他观者更好地鉴赏玉雕作品、提高鉴赏能力并引导审美需求，另一方面可以对作品的创作者产生有效的信息反馈，促进更多优秀作品的产生和发展。中国工艺美术大师倪东方就曾说：“我的心注意听的不是赞歌，而应该是他们所评论的低声细语，从这方面吸收外来营养，来充实自己的创作能力”

评论应观点清晰，态度明确，有褒有贬，有理解有剥析，决不是个人情绪的发泄，更不是蓄意炒作和恶意中伤。鉴赏玉雕的主要目的是能够让观者从作品中体会造物主的神奇以及作者的苦心，充分发掘其艺术性从而领悟人生哲理，得到精神升华，因此一个公正的玉雕评论者的出发点应该是善良的、积极的、无私的。

第二篇：音乐艺术特征及作品鉴赏心得

音乐艺术特征及作品鉴赏心得

这几周上了一节有关音乐艺术特征及作品鉴赏的通识课，在老师的穿针引线的指导下，学到以前不知道的东西，欣赏了很多好听的，耐人寻味的歌曲，知道了许多音乐方面伟大的作曲家，钢琴家，以及他们不为人知的艰难创作历程，同时学到了很多的有关音乐专业方面的知识，我觉得自己真是获益匪浅，下面我就谈谈自己对这门课的一点心得体会。

作为艺术的一个门类音乐，有它自己的所长，又有自己的局限。就是说，音乐与其他同类艺术相比，有许多特殊性，主要表现在以下几个方面：

一、音乐是声音的艺术，音乐所运用的声音，是从客观世界里的各种声音现象抽象、挑选出来的有组织的一群声音序列。这些声音又依它的高低、长短、强弱、音色等性能构成旋律、节拍节奏、调式调性、和声复调、以及配器等音乐语言的要素，有时它还包括一些经过选择、加工的噪音。

二、音乐是属于听觉的艺术，要了解音乐的特性，必须了解声音、听觉感受和听觉表象的实质，也即从感性基础进入到音乐审美意识的全部过程。有时它还通过全身的感觉来感受音乐。比如，对于节拍、节奏和力度等，就不仅仅是通过听觉来感受的。

三、音乐是一种表情的艺术，特别是在没有歌词语义结合的器乐曲中表现得更清楚。一首乐曲，可能是一种情感的起伏发展，以及几种情绪的对比和冲突。

四、音乐是一种表演的艺术。音乐通过演奏、演唱，才能为人们所感知而产生艺术审美效果。表演，应该说是音乐的二度创作。

在课堂上，老师给我们讲许多有意义的内容，在老师的推荐下，我们也欣赏到了许多著名的曲目，感觉真的很不一样。不像以前总是很盲目的去听歌，根本什么都不了解，一味地追求流行音乐，把很多经典的音乐遗忘了。在后来的课上，我们又听了许多的西洋交响乐。我觉得听这些交响乐又和传统的民族器乐不同，应该有文化的差异，而且交响乐是很多器乐一起演奏，表现出来给人复杂的情感和磅礴的气势。当老师给我们详细介绍每一个作品后，我懂得了要了解了一首歌或者一首曲的创作背景以及作者所想要表达的思想，了解当时作者的心理状态，自己融入到当中去，我想只有这样才能更准确的阐明作者所要表达的真正意义。唯有与作者当时心灵和心理距离的缩短，才能真正品味作者的作品。

除了欣赏音乐作品带给我们的感官享受外，我们更要透过音乐思考背后深层意义。比如通过作品可以了解作者的情感，体会一个时代的历史。而音乐给我们的更多的也是思想情操上的陶冶，培养我们高尚、健康的兴趣追求。在我们紧张大学学习生活中，这种情操的培养对我们来说是非常必要的，它能使我们的心灵清澈明亮，生活更加愉悦美好。

第三篇：音乐艺术特征及作品鉴赏 心得

从小时候的儿歌捉泥鳅外婆的澎湖湾，再到现在各种各样的流行歌曲。可以说，音乐一直伴随着我的成长。而我也从小就觉得音乐是世界上最美妙的东西，我爱音乐，有时候甚至白痴的想过宁愿当一个瞎子也不要当一个聋人。因为我不想失去我最喜欢的东西。、虽然我很热爱音乐，但说实话如果别人问我到底什么才是音乐，我真答不出来。不过，通过老师这几周的课，我觉得自己对音乐有了新的认识和了解。

音乐是一门艺术。它是表演艺术，它要经过艺术家的演绎来塑造形象；它是听觉艺术，我们要用耳朵去听才能感受它的魅力；它是情感艺术，通过声音更直接、更真切、更深刻地表达人的情感；它是时间艺术，音乐在时间中流动，我们要完整地把全曲听完才会有整体形象，只听音乐作品中的个别片断，是不可能获得完整的音乐意象的。

在课堂上，我知道了节奏跟节拍的区别。节奏是组织起来的音的长短关系；而相同时值的强排与弱拍有规律的循环出现，叫做节拍。不同强弱规律的节拍，对音乐作品的感情表达有着重要的作用。

在老师给我们看过的这么多音乐作品中，让我印象最深刻的是俄罗斯海豚音歌手vitas。因为他的音域跨越了惊人的五个八度，一般人如果能够跨越两个已经很了不起了，他的声音简直是太不可思议了。

可能有些人会觉得唱歌唱的越高音就越厉害，但我觉得这是不正确的。高音只是音乐作品中的一部分，并不能代表一切。只要能够表达自己的感情，让听众感受到音乐的美妙的音乐作品才是好的作品。希望我在上完这门课后能够用更专业的方法去欣赏更多美妙的音乐作品，感受音乐的魅力所在。

第四篇：诗词鉴赏与评价

首先，就诗词批评而言，随着一朵朵诗苑奇葩的次第绽放，诗歌批评之作也应运而生，其中不乏真知灼见。

“登山则情满于山，观海则意溢于海”这是齐梁时代的刘勰提出来的，可遗憾地是《文心雕龙》并不是单纯论诗的著作。

第一部论诗的著作也是齐梁时代的钟嵘《诗品》，它全文才2400字，以摘句论诗的批评方式对两汉以来的诗人进行了品鉴。但他竟然在九品之中把开建安诗风的曹操列为下品，把陶潜、鲍照列为中品，反而是把名不见经传的李陵等拔为上品，让人不得不怀疑他是否高度近视。

自北宋欧阳修首创《六一诗话》以来，一种新的诗歌理论批评形式――诗话、词话广泛流行至今不衰。它不以系统、严密的理论分析取胜，而以三言五语为一则，发表对创作具体问题以至艺术规律方面直接性感受和意见。

其中对后世影响最大当属南宋严羽所著的《沧浪诗话》。如果说诗品还算不上一本严格意义上的诗歌理论批评著作、《沧浪诗话》的问世可谓填补空白。全书分《诗辨》、《诗体》、《诗法》、《诗评》和《考证》五部分，以《诗辨》为核心，系统性、理论性较强。对诗歌的形象思维特征和艺术性方面进行探讨，论诗标榜盛唐，重视诗歌的艺术特点，主张诗有别材说、别趣说、兴趣说、妙悟说等，对后世产生了深远的影响。比如他讲求诗的意境超脱，他说“盛唐诸人惟在兴趣，羚羊挂角，无迹可求。故其妙处，透彻玲珑，不可凑泊，如空中之音，相中之色，水中之月，镜中之象，言有尽而意无穷。”含义深刻，令人品味不尽。

其实北宋“三圣”朱熹也有文学批评，由于他是集此前理学家文论之大成，而理学又是元明清的官方意识形态，因此他的批评影响不可掉以轻心。

如他批评不是就诗论诗，而是另起炉灶：高举理学的旗帜进行。大致相当于当年我们用政治标准衡量一切。在他看来，文学最多只是理学的武器和工具。如在文道关系上，主张道本文末与诗文妨道。也就是说诗人作家是否拥有先进的思想才是置关重要，写诗作文的好坏倒在其次。他在《读唐志》一文中对自古及到他时的文人墨客作了一个概要评价，结论是除了“古之圣贤”和一个“天然”陶潜，后来的人都是道德不纯正，为文都很少有价值，竟把千古文章一笔抹杀。他评杜诗说：“是无意思，大部小部无万数，益得人甚事!”

值得庆幸地是，理学思想虽被统治者利用而长期成为统治思想，但他的文论却并未成为长期占统治地位的文学思想，如若如此，恐怕早就是举国人民只有8个样板戏的萧瑟了。

最应重视的是民国王国维的《人间词话》。该著自问世以来，极受学术界推捧，许多人把它奉为圭臬，把它的论点作为词学，美学的根据。其独特在于王国维接受了西洋美学思想洗礼，是以崭新的眼光对中国旧文学所作的评论。表面上看，它与中国相袭已久之诗话，词话一类作品之体例、格式，并无显著的差别，实际上，它已初具理论体系，在旧日诗词论著中，称得上首屈一指作品。如他提出了“境界”说，用其统领其他论点，作为全书脉络，沟通全部主张。他不仅把“境界”视为创作原则，也把它当作批评标准，论断诗词的演变，评价词人的得失，作品的优劣，词品的高低。因此，“境界”说既是王国维文艺批评的出发点，又是其文艺思想的总归宿，不仅是评词，也融就了其人生的思考于其中。

这里需要说明的是诗话和词话的区别。词是经过音乐陶冶的文学语言，自北宋后期发展到高峰才脱离音乐，成为文人用以抒情的的新兴诗体。既为一种新兴的诗歌形式，因此词话亦可称为广义的诗话。若从历史上看，二者不同时期也还是有所区别。如北宋时大都诗话与词话混一，而南宋诗话与词话则相对分离，至清代词话更为独立。有人说词话摆脱作为诗话附庸的地位而自立门户，乃是词论发展的重要基础，是词的研究成为独立学科的必要条件。固然有理，但大多数情况下也不用这么壁垒分明，毕竟同属一个家族，既便是《人间词话》以词话相标榜，也仍有条目牵涉到评诗的内容，所以大可不必太机械较真。

有网友曾看“‘天纵伊夫无处不在”，几对所有读家词家都说三道四，便问天纵伊夫师从何处，看何书，要求共亨书目。盖因其看书杂，又不求甚解，无师自通，更害怕误人子弟，故不置可否地推托。其实历史上的诗话词话固然需学习，但一般而言，中国诗学独有的评点式、随感式的评论特色、以及行文中对诗家字号、官职等尊称的滥用，往往令初入者丈二和尚摸不着头。我觉得完全没必要把时间花在这上面。到是今人的像夏承焘等老先生的《唐宋词欣赏》之类的小册子或许可一观，可收到事半功倍的效果。当代据说还有学贯中西的钱钟书的《管维录》，不好意思，我还没有通读全文，不好置评。窃认为，所谓学者为文，只因他们都生活在书斋或象牙塔里，又过于专注于所研究的学问，眼界过窄、就事论事或许是其硬伤。不是老王卖瓜，多关注天纵伊夫著的《天地诗话》，它是以世界眼光、当今视角对中国古典诗词进行的品读，或许是你品读诗家词家的终南捷径。

一般而言，理论总是滞后于创作的。有论者研究诗话词话的形象化妙理奇思时说诗歌批评本身应成为一种富有文学创意的美学感受，好固然好，但难免本未倒置。殊不知文艺批评只是手段，不是目的。还是坚持百花齐放、百家争鸣的双百方针，不唯上、不唯书，只为实更为重要。毕竟促进文艺百花园万紫千红、百花齐放才是人心所向，也是批评的目的所在。

其次，就诗词鉴赏而言，中国是一个诗的国度，中国诗歌发展的历史非常悠久。它真实记载了中华民族丰富多彩的感情世界，显示了我们民族悠久的文化传统和广泛的审美情趣。古典诗词的艺术特征千姿百态，谁也无法对其艺术成就进行全面的概括和总结。在此我仅以我个人的观点从诗词的意境美和语言美两个角度来谈一谈我所欣赏的诗词之美。

意境美

意境是从我国抒情文学创作传统中锤炼出来的审美范畴。所谓意境，“意”就是指作者的主观情意，“境”指的是作者所创设的生活图景，主要是由景物构成，“意境”就是将作者的思想感情和生活图景融合在一起所塑造的耐人寻味的艺术境界。简单地说就是借物抒情，古代诗论家又称“境界”，是指作品中所描绘的生活画面和所表现的思想感情融合而形成的一种综合的艺术氛围，能使欣赏者通过想像和联想，如身临其境，在思想感情上受到感染或得到美的感悟。王国维在《宋元戏曲史》里面这样说：“写情则沁人心脾，写景则在人耳目，述事则如其口出是也。古诗词之佳者，无不如是。”王国维又说：“能写真景物、真感情者，谓之有境界，否则谓之无境界。”其实真正能够体现一首诗的意境美的，应当是情和景的有机结合、情和景的密不可的。例如：

山居秋暝

王维

空山新雨后，天气晚来秋。明月松间照，清泉石上流。竹喧归浣女，莲动下渔舟。随意春芳歇，王孙自可留。

赏析：此诗描绘出一幅山雨初霁，万物一新；初秋的傍晚，幽清明净。清泉淙淙、翠竹成林、月下青松、水中碧莲，天真无邪的姑娘，这是空山秋天恬静幽

美的景象。通过诗一般景物的描写，反映了诗人过安静淳朴生活的理想和对污浊官场的厌恶。

有意境的诗，都是有“韵味”的诗。一首诗要有隽永的诗味，就不能只有表象的简单含意，而是要有“韵外之致”。例如陈子昂的“前不见古人，后不见来者，念天地之悠悠，独怆然而泣下”。并没有很具体的形象，但因在其中表现了“心事浩茫连广宇”的无穷时空感，透露出“壮志难酬”和“生年不满百，常怀千岁忧”的深沉复杂心情，它的韵外之致就非常丰富，令人味之无穷。至于李商隐以《锦瑟》为代表的“无题诗”，更是通过既鲜明又朦胧的意象，曲折地表现了一种深层错综的情思，可算是韵外之致的典型之作了。

有意境的作品往往能使读者于微尘中见大千，有限中见无限，从而给人们的想像力留下无穷的余地。在诗词鉴赏过程中，读者总是以自己的生活经验为基础，继续在作品中驰骋自己的想像。好诗之所以能引起人们的回忆、回味，是因为诗中的情景与意蕴与欣赏者的人生阅历和生活感受有了某些契合之点，感到这诗先得我心，有一种知音之感，读后可产生一种类似“余音绕梁，三日不绝”的美感陶醉！人们之所以喜欢幻想，是期望从日常生活的繁琐与争纷中得到某种暂时的解脱，在艺术美的幻境中享受思想的自由。它使诗词的深层含义日益丰富，异彩焕发，大大延伸了诗词的活力。古诗词的意境是繁富多样的。或雄奇阔大，或旷放开朗，或苍凉悲壮；或清新素雅，或淡泊静谧，或浓艳瑰丽。但以上类型不外乎可归入阳刚之美与阴柔之美两大类。李白之诗、苏轼、辛弃疾之词属前类，其所描写的意境，或崇山峻崖，横绝太空，或如大江横前，浪涛汹涌，或如迅雷疾电，走风连云。凡此种种，往往以雄伟、粗犷、有力、奇异等感性形象给人一强烈刺激，从而使人从中吸取强大的精神力量，获得一种振奋的激荡和崇高的美感。王维之诗、柳永、李清照之词属于阴柔之美，其描写的意境，如云如霞如烟，如幽林曲涧，静谧空灵，清丽婉转。此类作品长于抒发精美幽深之情，常以小巧、轻盈、柔和、典雅等感性形象，直接引起人们精神的愉悦。从古至今，我国青年男女卿卿我我的恋情，文人淑女多愁善感、嗟离伤别之心理气质，“以艳为美”、“以柔为美”的审美观念，很大程度上受到这类作品的影响。只有把握作品的整体意境，才能真正认识和领会作品的艺术魅力之所以在，也才能真正从中获得美的感受。

语言美文学是语言的艺术，而诗歌又是文学中最精粹的语言。要在短小的篇幅内表现丰富的内容，诗词的语言必须凝炼生动；要创造传达出含蓄隽永的艺术境界，诗词语言必须富于形象性和表现力。古典诗词中的许多佳作名句流传千古，其艺术魅力久盛不衰固然有内容、技法乃至风格等因素，但都必先得力于语言的表现。

诗词虽然不能像绘画那样直观地再现色彩，却可以通过语言的描写，唤起读者相应的联想和情绪体验。白居易回忆江南春色之美，写道：“日出江花红胜火，春来江水绿如蓝。”杨万里赞美西湖荷花的风韵，说：“接天莲叶无穷碧，映日荷花别样红。”蒋捷在一首词中写秋天清晨篱落间的景色之美，有句云：“月有微黄禽无影，挂牵牛数朵青花小，秋太淡，添红枣。”这些佳句都是用对比色，使画面十分绚丽，作者的情感也表现得明朗而热烈。特别是王维，被后人称为是诗中有画，画中有诗。如上面赏析的那首《山居秋暝》，就描绘出一幅山雨初霁、万物一新的画面。

古人写诗填词，讲究锤炼字面，凡在关键之处炼得好字，使全句游龙飞动，令人意驰心动。蒋捷《一剪梅》写道：“流光容易把人抛，红了樱桃，绿了芭蕉。”形容词“红”、“绿”用作使动词。词人通过樱桃变红，蕉叶转绿的动态，抒写了对时光流逝的惋惜。如果“红”“绿”仍作形容词用，写成“樱桃红，芭蕉绿”，就会毫无新意，味同嚼蜡。王国维在《人间词话》中说：“‘红杏枝头春意闹’，著一‘闹’字而境界全出，‘云破月来花弄影’，著一‘弄’字而境界全出。”一个“闹”字把诗人心头感到的蓬勃春意写出来了，一个“弄”字把诗人欣赏月下花枝在轻风中舞动的美写出来了。二句凭二字，情景交融，意境盎然。

中国早期的四言五言七言古诗，虽无格律要求，但必须押韵。到了唐代，产生了律诗和绝句，亦即所谓格律诗。这种新诗体在句数、字数、平仄、韵脚、对仗等方面都有一定的格式和规律。格律诗成为中国古代诗歌的基本形式古典诗词的“平仄”“押韵”“对仗”等要求，大大增加了汉语言的表现力。诗词的对仗表现为诗句形式的建筑美，而押韵和平仄，则在听觉上造成诗的音乐美。节奏鲜明的诗词具有抑扬顿挫、回环往复的韵致，读来琅琅上口，听来泠泠入耳，沁人心脾，豁人耳目。如王维“明月松间照，清泉石上流”，戴叔伦“一年将尽夜，万里未归人”。对仗尚有许多要求，如平仄相对，虚实相对。

根据我个人的感悟，以下赏析了两首我很喜爱的诗词。

《江城子》 苏轼

十年生死两茫茫，不思量，自难忘。千里孤坟，无处话凄凉。纵使相逢应不识，尘满面，鬓如霜。夜来幽梦忽还乡，小轩窗，正梳妆。相顾无言，惟有泪千行。

料得年年肠断处，明月夜，短松冈。

赏析：这是苏东坡的爱妾王朝云死后，有一天他梦见亡妾之后写的感怀诗。朴素真挚的深情，沉痛的生离死别，每读一次就更为其中的深情所感动。阴阳相隔，重逢只能期于梦中，苏东坡用了十年都舍弃不下的，是那种相濡以沫的亲情。他受不了的不是没有了轰轰烈烈的爱情，而是失去了伴侣后孤单相吊的寂寞。“纵使相逢应不识，尘满面，鬓如霜”在梦里能够看见的，也全是逝去亲人往日生活里的琐碎片断。因为在那些琐碎里，凝结着化不去的亲情。在红尘中爱的最高境界是什么？执子之手是一种境界，相濡以沫是一种境界，生死相许也是一种境界。在这世上有一种最为凝重、最为浑厚的爱叫相依为命。那是天长日久的渗透，是一种融入了彼此之间生命中的温暖。

《诗经邶风击鼓》

击鼓其镗，踊跃用兵。土国城漕，我独南行。从孙子仲，平陈与宋。不我以归，忧心有忡。爰居爰处？爰丧其马？于以求之？于林之下。死生契阔，与子成说。执子之手，与子偕老。于嗟阔兮，不我活兮。于嗟洵兮，不我信兮。

赏析：这首诗表达了长年行役于外的将兵思念家乡和妻子的心情。其中“死生契阔，与子成说。执子之手，与子偕老”一句，倾倒了无数身陷爱河，渴望美满爱情的人，成为山盟海誓的最好代言。生生死死悲欢离合，我曾对你说过，我会牵着你的手，和你一起老去。这是爱的最高境界，爱的最高境界就是经的起平淡的流年

第五篇：美术鉴赏与批评心得

美术鉴赏与批评心得

敦煌莫高窟是中国一大艺术瑰宝，因为在戈壁沙漠，人迹罕至的地方建造，这个艺术被披上了神秘的面纱，加上以宗教的信仰的艺术，为这个沙漠的小世界带着庄严又神秘的艺术气质。

敦煌石窟营建的一千年历程，时值中国历中上两汉以后长期分裂割据，走向民族融合、南北统一，臻于大唐之鼎盛，又由颠峰而式微的重要发展时期。在此期间，正是中国艺术的程序、流派、门类、理论的形成与发展时期，也是佛教与佛教艺术传入后，建立和发展了中国的佛教理论与佛教宗派，佛教美术艺术成为中国美术艺术的重要门类，最终完成了中国化的时期。

隋唐在结束战乱，实现统一后，经济文化水平都得到了大幅度的提高，所以隋唐时期的莫高窟大都规模宏伟，内容丰富，形象生动，结构严谨，色彩绚烂，具有极高的艺术水平。经过秦汉、魏晋南北朝的发展，加上实行比较开明的民族政策，以及对少数民族聚居区进行管辖，加深了汉族人民和少数民族的交流，促进了民族融合大大发展。使隋唐时期的莫高窟佛像在民族进一步融合后，逐渐体现出了中原地区的特色，是各民族之间经济文化的交流的结果。且由于内陆地区的统一，政府的支持和重视，通过各国使者的往来，中外文化的交流也更加频繁。敦煌唐代艺术代表了中国佛教艺术最璀璨的时代，外来的艺术和中华民族艺术水乳交融，使得敦煌唐代艺术空前丰富多彩，为后人对那一时期的经济、文化和生活各个方面的研究都提供了依据。通过图片欣赏，敦煌的画深深打动了我，非常感叹敦煌艺术的绝妙，每幅画都有着自己的故事，我想像脑海中在敦煌辉辉的过程中。每个虔诚的画匠真诚的画着每一幅画；每幅画都经过数遍的更改。毕加索曾经说过：“真正的艺术在中国。”这句话我很是认同。敦煌莫高窟的壁画以线条来绘画人物，和西方大师以简单的线条来描绘人物比起来并不逊色。敦煌的艺术成就是我们学习绘画得去更多了解和学习的。

这些是我通过这几周的学习后的感想，无论是西方、中国，还是各个地区的。艺术都是互通的语言，艺术的多样性才是艺术的魅力所在；在以后的学习中多认识不一样的艺术和绘画才能丰富自己的绘画。