高考美术解读教案系列3 美术鉴赏及其意义

第一篇：高考美术解读教案系列3 美术鉴赏及其意义

美术鉴赏及其意义

1、美术鉴赏的定义

所谓美术鉴赏就是运用我们的视觉感知、视觉经验和相关知识对美术作品进行归类、分析、判断、体验、联想和评价，从而获得审美享受，它是综合的审美活动。美术鉴赏的对象：美术作品

美术鉴赏的目的：是获得审美享受，并理解美术作品和美术现象。

美术鉴赏的本质特征：美术鉴赏是被动接受与主动参与的综合的审美活动 美术鉴赏的方法

所谓“鉴”就是甄别、归类、分析、判断，具体地说，就是要弄明白一件美术作品的作者、创作年代、材料、手段（方法）、语言形式和内容等直接呈现给我们的东西以及美术作品产生的社会、历史、文化背景等相关知识。所谓“赏”即欣赏，就是接受者把它通过鉴别获得的感受、体验、联想等与个人经验相结合，进行综合的审美判断和审美评价。“鉴”是手段，是基础，“赏”是目的，“鉴”是为“赏”服务的。鉴赏则是培养审美的眼睛的必要途径。

2、艺术美与形式美

艺术美：美术形象既是指一件美术作品中的个别的、具体的、完整的艺术形象也是指一件美术作品中由这种个别的、具体的、完整的艺术形象。是艺术家利用美术语言，并按照美的规律和法则对现实甚或进行抽离、集中、概括、综合以至改造的结果，反映了艺术家个人和时代的精神与审美理想。人们称这种综合了主观与客观、个人审美与时代精神的艺术形象为“典型形象”或“艺术典型”又根据它与现实生活的关系而称之为“第一自然”即“艺术美”。形式美：指形体或形态借助语言手段和语言规则呈现出来的整体的艺术形象，即个别事物所呈现出来的样子。它由三个方面构成：1.美术的语言元素（点、线、面、色）及其所形成的形态变化；2.语言手段（明暗、空间、透视、构图、肌理）及其所构成的审美意象；3.语言规则（变化与统一、对比与和谐、对称与均衡、比例与尺度、节奏与韵律等）及其所构成的审美关系。

1、艺术家创作美术作品的创作意图的来源、影响它的因素及体现

美术作品创作意图的来源

美术家的创作意图多种多样，有的是针对社会现实以表明自己的态度、情感，有的则是针对艺术问题以阐述自己的观点、主张，所以美术作品表现的多种多样。影响艺术家创作美术作品的因素

艺术家的感受主要来自现实和艺术两方面。艺术家的创作意图的体现

具象艺术，主要从艺术家所要表现的主题，选材、和艺术语言与典型环境来表现其意图；意象艺术，主要侧重于作者的感觉和情感的表达，并不拘泥于具体的时空和形象的典型性，所以不必去收集和归纳形象，也不必着意刻画形象的心理活动，而是通过整体气氛就可以直接传达出作者的意图；抽象艺术，主要通过符号的构成来实现艺术家的意图的。

2、美术作品的时代性与地域性

时代性，就是说某些题材只有在这个时代才有，而不可能出现在别的时代；地域性，某些题材可能在这个地域不断出现，而对另一个地域来说几乎不可能。

3、判断美术作品的意义和价值

美术作品一代产生就有了意义和价值，其意义和价值有大小、多寡、重要和不重要之分，对一般观众而言，符合我们对题材和图式的期待、影响面广、为大多数人所认同的，其意义

专心

爱心

用心

价值就大，否则就不大。这就是说美术作品的题材和形式的时代性和地域性的特征。

专心

爱心用心

第二篇：美术鉴赏及其意义

美术鉴赏及其意义

随着社会的进步和经济的发展，人们在满足了物质生活的需要之后，对精神生活的要求也越来越高。当我们面对数量众多，风格各异的美术作品时，如何来辨别作品的好坏，如何认识和理解艺术家的表现方法，作品的意义，对作品的价值的判断以及会从内心产生喜欢或厌恶等的情绪反应。所有这些疑问的产生，都涉及到了美术的鉴赏问题。

我们闭上眼睛想象一下，我们现在身置天安门广场，天安门何等的壮丽和神圣，这是为什么呢？这来源于天安门广场的布局、空间和周围的建筑，更来自于我们对天安门的认知、回忆和想象。表面看来，它只是一座古建筑，但从审美的角度来看，它已成为象征中国历史的审美符号。我们来看一下这两幅作品，《捣练图》和《拾穗》都是以妇女劳动为题材的，前者画的是宫廷妇女捣练的场面，看上去优雅平和、富有劳动节奏的美感；后者画的则是三个妇女在麦地里急匆匆向前弯腰拾麦穗的情形，看了不禁让人产生同情。

为什么两幅同是描绘妇女劳动的场面会给人不同的感受呢？这就需要我们对作品产生的背景及画家本人来进行考察，才能理解画家的表现意图了。《捣练图》是盛唐时期的作品，从画家张萱擅长画仕女图来看，此画是以欣赏妇女劳动之美展现捣练过程为目的的风俗画，表现妇女捣练缝衣的工作场面。描绘了从捣练到熨练各种活动中的妇女们的情态，刻画了不同人物的仪容与性格。表现的是妇女捣练缝衣的场面，人物间的相互关系生动而自然。从事同一活动的人，由于身份、年龄、分工的不同，动作、表情各个不一，并且分别体现了人物的特点。人物形象逼真，刻画维肖，流畅，设色艳而不俗，反映出盛唐崇尚健康丰腴的审美情趣，代表了那个时代人物造型的典型时代风格。画家表现妇女捣练活动，不只是描绘捣练、络线、织修、熨烫等的活动过程，他既重视人物形象的塑造，而又注意刻画某些富有情趣的细节，使得所反映的内容，更具有生活气息，人物造型有唐代人物画的共同特点：脸型丰满，设色工丽。这对中国绘画来说是有积极意义的贡献。

《拾穗》是19世纪法国画家米勒所画，当时法国正处于贫富差距加大、阶级矛盾尖锐的时期，米勒居住于农村、亲身参加过田间劳动，深知农民的贫穷与艰辛，他是站在同情农村贫穷妇女的立场上来画《拾穗》的，画面的主体是三个弯腰拾麦穗的农妇而已，背景中是忙碌的人群和高高堆起的麦垛。这三人与远处的人群形成对比，她们穿着粗布衣衫和笨重的木鞋，体态健硕，谈不上美丽，更不好说优雅，只是谦卑地躬下身子，在大地里寻找零散、剩余的粮食。然而，这幅内容朴实的画作却给观众带来一种不同寻常的庄严感。米勒一般采用横的构图，让纪念碑一般的人物出现在前景的原野上。三个主体人物分别戴着红、蓝、黄色的帽子，衣服也以此为主色调，牢牢吸引住观众的视线。她们的动作富于连贯性，沉着有序，布置在画面左侧的光源照射在人物身上，使她们显得愈发结实而有忍耐力。或许长时间的弯腰劳作已经使她们感到很累了，可她们仍在坚持。尽管脸部被隐去了，而她们的动作和躯体更加富于表情——忍耐、谦卑、忠诚。

两幅不同国度、不同艺术形式的作品，分别具有不同的艺术价值和社会价值。由此可见，所谓美术鉴赏就是运用我们视觉感知、视觉经验和相关知识对美术作品进行归类、分析、判断、体验、联想和评价，从而获得审美的享受，美术鉴赏的本质就是综合审美活动，总之，美术鉴赏就在于鉴古今、评优劣、定高下。首先要“鉴”，然后才能“赏”。

第三篇：高中美术美术鉴赏及其意义教案

美术鉴赏及其意义

课时结构：一课时 教学目标：

1.通过本课的教学，使学生初步了解什么是美术鉴赏;

2.美术鉴赏的一般过程和特征，以及学习美术鉴赏的意义，由此掌握美术鉴赏的方法，培养学生“审美的眼睛”。教学重点：

培养学生送审美的眼睛，让学生掌握美术鉴赏的一般方法，认识美术鉴赏对于个人未来人生发展的重要价值和意义。教学难点：

如何结合实例讲清美术的主要分类方法、美术鉴赏的概念和美术鉴赏一般过程或方法。教学过程： 引入新课：

随着社会的进步和经济的发展，人们在满足了物质生活的需要之后，对精神生活的要求也越来越高。当我们面对数量众多，风格各异的美术作品时，如何来辨别作品的好坏，如何认识和理解艺术家的表现方法，作品的意义，对作品的价值的判断以及会从内心产生喜欢或厌恶等的情绪反应。所有这些疑问的产生，都涉及到了美术的鉴赏问题。这节课我们一起来学习美术的鉴赏及其意义。板书设计：

美术鉴赏及其意义

一、含义

二、美术作品的分类 1.艺术门类划分 2.形式语言划分

三、意义 教学内容：

一、含义首先，我们要了解美术鉴赏的含义（板书）。（拿出天安门这张图）同学们看这张图片，当我们置身于天安门广场的时候会有一种什么样的情感呢？这位同学来回答一下，对，崇高、壮丽、神圣的情感，好，请坐。我们对天安门的这种情感不仅来自于天安门广场的建筑，更来自于我们对天安门的认知、回忆、和想象。我们对中国历史认知越深入，从中获得的审美想象就越丰富。这个过程其实已蕴含了美术鉴赏的基本特征。我们再来欣赏这两幅图，这一幅是张萱的《捣练图》，这一幅是法国画家米勒的油画《拾穗者》。这两幅图都是以妇女为题材，前者画的是宫廷妇女捣练的场面，给人以优雅和平、富富有劳动节奏的美感，后者画的是三个贫穷的妇女在麦地里向前拾穗的情形，看了不禁让人产生同情。为什么两幅都是描绘妇女的劳动场面的绘画会给人不同的感受呢？这位同学来回答一下，作品的社会背景，好，请坐，这就需要对作品的产生的社会背景及画家本人加以考察，才能理解画家的表现意图并对作品作出价值判断。两幅不同国度、不同艺术形式的作品，分别具有不同的艺术价值和社会价值。由此可见，所谓美术鉴定就是运用我们的视觉感知、视觉经验和相关知识对美术作品进行归类、分析、判断、体验、联想和评价，从而获得审美享受，它是一个综合的审美活动。由此，我们可以知道，美术鉴赏的对象是美术作品；美术鉴赏的过程是从感受、归类、分析和判断体验、想象和评价；美术鉴赏的目的是获得审美享受，并理解美术作品和美术现象；美术鉴赏的本质特征是综合的审美活动。

二、分类

我们看这些作品，我们发现在艺术形态和作品形式上它们有很大的差异。它们属于不同的美术门类，我们首先要将其分门别类，按各自的艺术特点去鉴赏。（板书）这就涉及到了美术作品是如何分门别类的问题。美术作品都被归为空间艺术的范畴，美术根据其（板书）艺术门类划分为：绘画、雕塑、建筑、设计、书法、摄影六大类。在这六类中又可以按照材料、题材、形制、功能等划分出不同的美术种类，如中国画、油画；历史画、风景画；浮雕、圆雕；建筑设计、环境设计等，比如这两张图这一张是建筑设计，这一张是家居设计，就是按功能分类的。按照美术的（板书）形式语言上的不同特征划分出了以写实性客观再现为主的“具象艺术”、以写意性主观表现为主的“意象艺术”和以艺术语言的本体性表现为主的“抽象艺术”。

三、意义 讲到这里，我们为什么要学习美术鉴赏呢？那么我们就要理解美术鉴赏的意义（板书）。我们知道美术社会存在的产物，因此它负担着社会功能的角色，美术的社会功能体现在三个方面，即认知功能、教育功能和审美功能。有一位名家赫伯特·斯宾塞说：“没有油画、雕塑、音乐、诗歌，以及各种自然美所引起的情感，人生的乐趣会失掉一半。”

四、总结

这节课我们学习了美术的鉴赏，同学们下来可以选取一件自己喜欢的美术名作，搜集资料并做出总结，谈谈自己的想法和感受。下一节课我们将学习“美术作品的艺术语言”，希望同学们做好预习。

作业布置：

选取一件自己喜欢的美术名作，搜集资料并做出总结，谈谈自己的想法和感受。

美术鉴赏及其意义

一、教材分析

（一）教学目标

本课作为高中整个美术鉴赏教学的开篇，对后面的教学具有指导意义。通过本课的教学，使学生初步了解什么是美术鉴赏、美术鉴赏的一般过程和特征，以及学习美术鉴赏有什么意义，由此掌握美术鉴赏的方法，培养学生“审美的眼睛”。

（二）教学的重点与难点

本课教学的重点在于培养审美的眼睛，掌握美术鉴赏的一般方法，认识美术鉴赏对于个人未来人生发展的重要价值和意义。本课教学难点，主要是如何结合实例讲清美术的主要分类方法、美术鉴赏的概念和美术鉴赏的一般过程或方法。

二、内容结构

本课主要包括四个部分：

第一部分从现代人的全面发展出发，指出培养审美的眼睛是现代人全面发展的需要，而美术鉴赏则是培养审美的眼睛的必要途径。

1、什么是美术鉴赏。

先从对身处天安门广场的感受和对天安门的认知中，说明美术鉴赏并不神秘，而是与我们的生活息息相关，并由此引出美术鉴赏的问题。然后再从具体的美术作品入手，以中国唐代画家的中国画《捣练图》和法国画家米勒的油画《拾穗》为例，简单介绍了美术鉴赏的一般过程或方法，由此导入，进入概念分析，阐明什么是美术鉴赏、其特性以及在美术鉴赏中被动接受与主动参与的关系等。这里没有涉及什么是美术或什么是艺术的问题，而是直接谈什么是美术鉴赏，这是因为美术或艺术的概念本身就十分复杂，它将涉及到更为复杂的专业知识，这对于学生的理解来说是困难的，也将影响本课的主题。更由于当代艺术已模糊了艺术与非艺术、艺术与生活的界限，“什么是艺术”在学术界也是一个正处于争论之中的问题，对于那些还没有定论的问题我们只好在教学中暂时悬置起来。

2、美术作品是如何分门别类的。

简单介绍了美术的基本分类方法，这里只列出了一个简略的艺术分类，学生了解这些就可以了。但教师还应明白，在美术的六大分类——绘画、雕塑、建筑、设计、书法、摄影中，还可以按照其材料、功能、题材、内容等作更细致的划分。以下列出的分类并不完整，仅供参考：

（1）．绘画

按材料和功能：油画、中国画(其中按技法分为工笔画和写意画；按题材分为人物画、山水画和花鸟画)、版画(按材料分为木版画、石版画、铜版画、锌版画、丝网版画；按技法分为镂版画、腐蚀版画、水印版画、套色版画)、素描(其中也包括速写，按工具分为钢笔素描、铅笔素描、碳笔素描、毛笔素描等；按题材分人物素描、风景素描、静物素描)、水彩画、水粉画、丙烯画、连环画、年画、壁画、宣传画或招贴画、插图或装饰画等。按内容和题材：人物画（包括人体画、肖像画、风俗画、宗教画、军事画、历史画等）、花鸟画、静物画、风景画或山水画等。

按形式语言：具象绘画、意象绘画、抽象绘画。

（2）．雕塑

按题材和功能：人体雕塑、肖像雕塑、动物雕塑、架上雕塑、纪念雕塑、环境雕塑或公共雕塑、实用装饰雕塑等。

按空间：圆雕、浮雕。

按放置地点：室内雕塑、户外雕塑。

按工具材料：石雕、木雕、泥塑、金属雕塑（包括钢铁雕塑、铜雕、不锈钢雕塑等）、根雕、冰雕、沙雕、雪雕、软雕塑等。

按形式语言：具象雕塑、意象雕塑、抽象雕塑、观念雕塑。

（3）．建筑

按功能：园林建筑、纪念建筑、住宅建筑、公共建筑。

（4）．设计

按功能：实用美术、商业美术、特种工艺美术。

按内容和材料：服装设计、陶瓷设计、工业设计、广告设计、网页设计、环境艺术设计、家具设计等。

按形式语言：平面设计、立体设计、构成设计。

（5）．书法

按形式语言：楷书、隶书、草书、篆书。

（6）．摄影

按内容：人物摄影、风景摄影、动物摄影、静物摄影。

按形式语言：具象摄影、意象摄影、抽象摄影、观念摄影。

三、美术鉴赏有什么意义。

以美术的三大功能为基础，说明美术鉴赏不仅是对知识的学习，更重要的是对培养学生认识世界的能力、审美的眼睛和健康的审美情趣以及未来的人生发展，都具有十分重要的意义。

四、教学内容资料

（一）作品分析

1天安门广场、黄山日出（摄影）

随着历史的发展、社会的进步，未来社会对人的素质有了更高的要求。人不仅要学习和掌握各种专门的技术以维持自身的生存，更需要养成健康的审美情趣，完善美好的人生。只有这样，我们的人生才是完满和有意义的。要做到这一点，首先要培养审美的眼睛。培养审美的眼睛有两个途径：一是欣赏大自然；二是欣赏第二自然——由人创造的艺术品。我们许多同学可能都喜欢旅游，希望到北京去看看雄伟庄严的天安门，到黄山去观赏烟波浩淼的云海和壮观美丽的日出。但这是两种不同的美——一种是自然景观，一种是人文景观。当我们置身自然景观中的时候，我们似乎完全融入自然之中，成为自然的一部分；而当我们置身天安门广场的时候，我们都会不禁在内心升起一种崇高、庄严和神圣的情感，这种情感不仅来自天安门广场的布局、空间和周围的建筑，更来自我们对天安门的认知、回忆和想象。表面上看，天安门只是一座古建筑，但从审美角度说，它已成为象征中国历史的一个审美符号。它经历了古代中国的文明和近代中国的屈辱和奋起，更见证了中国二十多年来改革开放的巨大成就。可以说，我们对中国历史的认识越深入，从中获得的审美想象就越丰富。这个过程其实已经蕴涵了美术鉴赏的基本特征。2捣练图（中国画，宋代摹本，绢本设色，37厘米×147厘米，美国波士顿博物馆藏）张萱（唐）（生卒年月不详），是盛唐时期著名的人物画家，长安（今陕西西安）人，唐玄宗开元年间（公元713—741）入禁做宫廷画师。他特别擅长画女性和婴儿，所作人物雍容华贵，形成“丰颊肥体”的人物造型，成为唐代名重一时的人物画大师。尤其是他突破了汉魏以来中国人物画主要描绘“列女”、“孝子”的传统题材，开始表现现实中的人物形象，在美术史上产生了深远的影响。

张萱一生只留下了《虢国夫人游春图》和这幅由宋人临摹的《捣练图》两件作品。《捣练图》描绘的是宫中妇女“捣练”的情景。“练”又称“缣”，是一种古代的丝织品，织成时质地较硬，须煮熟后加漂粉用杵轻捣使之柔软，并经熨平后才能使用。全画共分三个部分：右边一组描绘的是四个妇女用木杵捣练；中间一组描绘的是两个正在理线的女工；左边一组描绘的是四个妇女在熨练，其中两个拉平白练，另两个在熨练，在白练下面还有一个来回穿梭玩耍的小孩。画面形成一个完整的捣练过程，具有连环画的性质。这里既让我们看到了唐代人的衣饰、生活等，其人物造型和工细劲健的线条、富丽华贵的用色也明确传达出唐代人的审美观和审美趣味。

3拾穗（油画，83．5厘米×111厘米，1857年，巴黎卢浮宫藏）米勒（法国）

米勒（Jean-Francois Millet，1814—1875）从35岁起就定居巴比松，之后他一住就是27年，几乎一生没有离开过那里。他在那里生活、劳动、创作，画出了他一生最重要的作品。他与巴比松许多画家来往，和他们交流创作思想。他的作品反映了巴比松农民的生活和那里的自然世界。但是从米勒作品的意义来看，他又超越了巴比松派，他把人性中质朴、善良、高贵、永恒的一面呈现出来，从而感染了全世界的人。

米勒出生在法国诺曼底半岛距瑟堡和格雷维尔城不远的一个叫格律希的村子里。他的父亲是一个从事音乐并有较好艺术素养的人。他不仅指挥着一个乡村合唱队而且还搞些小雕塑什么的。米勒的母亲出身在一个较富裕的农民家里，其亲属都有着良好的文化修养。米勒从小就是在农田里长大的，直到20岁他才正式去学画，所以家庭的教养和劳动的经历培养了米勒朴实勤劳的性格，也决定了他以后的审美取向。不过米勒并不是一开始就发现自己真正的方向的。米勒17岁那年曾无师自通地画了一幅大画《看守羊群的牧羊人》，画面虽幼稚，却体现了米勒对周围熟悉生活的观察和对艺术的热爱。以后他进入瑟堡画家朗格鲁画室学画。1837年在朗格鲁的推荐下，米勒获瑟堡市政府600法郎奖金而进入巴黎一所美术学校深造。同年又成为当时巴黎著名画家德拉罗什的学生。他最初的老师无论是米歇尔•朗格鲁，还是德拉罗什，传授他的都是学院派的那一套。由于米勒是一个质朴而腼腆的人，所以尽管他内心里并不喜欢这些装腔作态的东西但还是接受了。他听从了德拉罗什的劝告去参加罗马大奖赛，但没有成功。从德拉罗什的画室出来后，米勒常出入卢浮宫博物馆，向古代大师，尤其是米开朗基罗和普桑学习。他一面学习，一面和一个朋友租房以卖画为生。为了生活他不得不去画那些受欢迎的布歇风格的作品，甚至这种风格的《卖牛奶的女人》和《骑术课》还在1848年的沙龙上展出了。这时的米勒是矛盾的，一方面他厌恶他目前的状态，另一方面又不知自己今后的道路该怎么走。一个偶然的机会使他终于清醒了。1849年的一天，他到一个画商家里办事，画商不在，正巧另两个陌生人也在等画商，只听他们指着墙上米勒的一幅布歇式的女人体说：“这就是米勒的画，他只会画这种低俗的画。”米勒羞愧难当，他决定离开巴黎，到巴比松去，即使生活再艰苦，也要走自己的路。米勒曾在给朋友的信中说过，他讨厌“夸张、装腔作势和虚情假意”，他指责那些为了职责而忘记自己品格的人（即那种被社会扭曲和异化的人），因为他们已失去了他们的本性和真实性，而这些正是艺术家所必备的。因此他要求自己一定要真实地生活、真实地创作。我们从他的作品中可以明确看到，他努力将自己所见真实地表现出来的意图。无论是《簸谷者》、《扶锄者》、《播种者》、《晚钟》、《拾穗》等著名作品，还是《牧羊女》、《喂食》、《折枯枝的人》、《砍柴者》、《在休息的葡萄工人》等这些不太有名的作品，我们都能深深感受到真实的生活气息和艺术家对生活观察之深入。播种者和簸谷者之艰辛、扶锄者和休息者之劳累、拾穗者和喂食者之贫穷，都以其深刻的真实性给观众以震撼，这与以往富丽堂皇的罗可可艺术，甚至与当时巴比松画家那阳光明媚、美丽轻松的风景画是多么的不同。当来自官方和保守势力的批评家对他大加指责时，米勒给予了坚决的反击。他说：“我将坚强地站着，即使他们称我是表现丑的画家，是妨碍我们民族进步的东西，但我决不做把农民加以美化的蠢事。如果只能无力地表现我自己，我宁愿不表现。”他又说：“表现大地的呐喊这不是我的发明，古已有之。我想诸位评论家们是有学识有教养的人，可我不能人云亦云，因为我生来只知道土地，我只能忠实描绘我对劳动时的观察和感受。”米勒从生活中发现的是悲壮、内在、深沉的美，他使人们看到了生活中惨烈的一面。这其中既有同情又有控诉，从这一面说，他与杜米埃一样都是批判现实主义的画家。也正因此，米勒的画使资产阶级以及他们的评论家大为惊恐，他们把他看作是社会主义者，说他企图骟起爆动，比库尔贝更危险。他们从《播种者》中看到了起义者的步伐，从《拾穗》中看到了“在这三个拾穗者背后的地平线上，隐现出造反派的长矛和1793年的断头台”。因此他们叫嚣“要把这位无政府主义的画家从画坛上清除”。在19世纪欧洲美术史上，作为农民画家的米勒是无与伦比的。他塑造的大量感人的农民形象艺术地展示了当时法国农村的真实状况，因此不少肯定者亦把他说成是革命者，是一个无产阶级的艺术家。其实，米勒是个不问政治的人，他曾说过，“一个搞艺术的人干预政治是不明智的”。所以当库尔贝邀请他做巴黎公社委员时他拒绝了。他的作品只是由于它们的极度真实性而被不自觉地赋予了社会的意义。不过他的真实性与库尔贝也是不同的，他借助的是印象和气氛，他在自然中寻找的是那些特征性的东西，因此他反对用准确无误地描摹自然和具体的细节来说话（这与勒南兄弟亦大有区别），因为这些细节会破坏他常说到的那种“思想”和感觉。他认为那些具有独特造型的动作和特定的环境就足以表达他的思想，这就是为什么我们常看到他只画一个人，或把人物变成环境一部分的原因。另一方面，他从不像库尔贝那样使人物突现在画的表面上，也不以强烈的肌理来造成直接的真实性，他将这一切都融入画面之中，所以他在保持人物结实的造型的同时，又赋予画面以诗意。在《拾穗》中，农民的贫穷与地主的丰收形成鲜明的对比，但这种对比不是利用脸部的表情而是略去细节的人物动作与环境，他使人物具有了雕塑的力量，从而歌颂了劳动者质朴、勤劳的美德。而《播种者》则更确却地只通过一个人的动作就把米勒的思想表达出来了。难怪有人通过他的画看到了起义者的脚步。米勒作品的象征意味是十分明显的，因此象征派画家雷东也给他的画以高度评价。但是米勒艺术的根本特性还在于它的质朴与真诚，它是艺术家内心情感的自然流露，这种质朴与真诚也将是开创20世纪艺术的起点，我们将在十分崇拜米勒艺术的凡高那里看到这一点。4萧景墓石辟邪（石雕，南朝•梁）

在南京和丹阳一带，已发现有南朝的宋、齐、梁、陈四个朝代的帝王贵族的陵墓石雕31处，其中29处的石雕保存较好。这些石雕，包括神道两侧的石柱、石兽和石碑等。石兽相对而立，头上长双角的称“天禄”，长独角的叫“麒麟”，均是传说中的灵异瑞兽，只能用于帝王陵墓。王公贵族墓前的石兽无角，称“辟邪”。这些象征权势的镇守、护卫陵墓驱邪的石兽，形象在狮虎之间，更似以狮子为基础的夸张变形，肩有羽翼，多作昂扬张口、挺胸迈步状，形体硕大，粗壮厚重。其雄强威武的气势，具有很强的艺术感染力和很高的艺术价值，是南朝时期雕刻的代表。

萧景墓石辟邪，是上述石兽之一。其形态为挺胸昂首、张口吐舌，似正在发出震天吼声。它是用整块方形石雕刻而成，在平原之上硕大的体量具有很强的艺术辐射力，仿佛在控制着这一地域。从各种角度观看，它都给人以气势宏大、雄浑稳定的感觉。艺术家为了突出给人这一感觉，在造型上强调前挺的胸脯，夸张胸部的圆弧线，缩短腹部，夸大后腿上部肌肉和臀部的圆弧线，加粗四肢，弱化关节，夸张巨爪和大口巨舌，强调壮实和硕大的体量感，突出凶猛有力，又能使四肢非常协调地支撑身躯。它头部稍小且向后，既恰到好处地表现了昂首动态，体现灵巧性，又能造成金字塔般的稳定感。该辟邪厚重而不笨拙，稳定中又有动感，雄浑威猛，似内蕴无穷的力量。它头颈不分，全身处处运用弧线、圆形，除肢腹之间镂空外，全身无繁琐细节，连尾部也紧贴臀部扎地，羽翼仅用线刻而成，加之变形加粗的四肢和夸大的巨爪与底座紧紧连在一起，都使其不易破损，所以历经千余年至今仍较完好，不能不说与其造型有关。石辟邪的单纯、完整和矫健的外轮廓，富有很强的表现力，至今仍给人以难以忘怀的印象和美的感受。5奔马（中国画，1951年）徐悲鸿 作者简介请参照第14课相关内容。

这幅《奔马》在表现方法上，将西洋画中的解剖与中国传统笔墨相结合，显示出徐悲鸿以中西融合的方法改造传统中国画以使之具有面对现实的能力的思想。在主题上，他以昂首飞奔的骏马来表达对民族前途的关怀和希望。徐悲鸿给这幅作品起名《山河百战归民主》，表达了他对新中国成立、人民从此当家做主的喜悦心情和对祖国未来的期望与情感寄托。

6根扎南国（纸本彩墨，1998年）吴冠中

吴冠中（1919—）江苏宜兴人。1942年毕业于杭州国立艺术专科学校，1947年留学法国，入巴黎高等美术学院学习油画。1950年回国后先后任教于中央美术学院、清华大学、北京艺术学院、中央工艺美术学院等，并曾担任中国美术学院客座教授、中国美术家协会常务理事等。吴冠中在杭州国立艺术专科学校读书期间受到他的老师林风眠和吴大羽的深刻影响，一生从事中西融合和油画民族化的实践，逐步形成了清新、明快，注重美术的本体语言——点、线、面、色相结合的韵律美和形式美的独特风格，具有强烈的艺术个性和时代气息。在《根扎南国》中，吴冠中以他特有的手法，以点、线、面、色的结合，塑造出南方特有的郁郁葱葱、繁茂似锦的大榕树形象，给人以强烈的形式美享受。吴冠中还十分注意理论上的总结和著述，他对美术的形式美的论述在20世纪80年代的中国产生了广泛的影响，出版有《绘画的形式美》和《风筝不断线》等文集，以及各种个人画集。1991年吴冠中获法国国家文化部授予的文学艺术最高勋章。7太白行吟图（中国画，局部，纸本水墨，81．2厘米×30．4厘米，日本东京国立博物馆藏）梁楷（宋）

梁楷(生卒年不详)，是南宋著名的人物画家。性情豪放，不拘礼法，自号“梁疯子”。梁楷早期的人物画细密工致，后变为简练粗放、纵笔挥洒，寥寥数笔便能画出人物的精神气质，具有很强的艺术感染力。后人称他的这种画风为“简笔画”，这是梁楷对我国古代人物画的突出贡献。现存的《太白行吟图》描写唐代伟大诗人李白的豪放性格，全画只用寥寥几笔，即把那种桀骜不驯、才思横溢的风度神韵，刻画得活灵活现。这既得力于画家对李白的性格特征的正确把握，也和他熟练地掌握了中国画的笔法密切相关。这是我国绘画史上最早具有代表性的“减笔画”之一，可谓之极品。中国奥运中心垒球场设计方案

这是为2008年中国北京奥运会设计的一个垒球场场馆方案。作为建筑设计，既要从审美的角度实现其造型上的美观，又要考虑其功能上的适应性，同时还要兼及其周围的环境（其中包括色彩、造型和高低等方面）。从造型上看，该设计极为简化，只在一面形成一个敞开的盖顶，这种极少主义式的设计显然是来自现代主义的设计观，就像里特维特的《红蓝椅》一样；在功能上，该设计以三角形来适应垒球比赛的需要，在其周围建起层级式的观看台，并在周围建有相应的配套设施；在环境上，我们虽然无法看到周围的情况，但从其视图上就可以看出其高度、造型和明亮的盖瓦与周围环境和谐相处。

8红蓝椅（木质上色）里特维特（荷兰）

《红蓝椅》是“风格派”最重要的代表作品之一，也是现代主义设计中里程碑式的作品。它完全采用最基本的几何元素或几何形态构成，没有任何隐晦或掩饰，色彩元素也仅限于红、黄、蓝三种原色，可以说，它完全是按照“风格派”创始人之一蒙德里安的艺术理论创作出来的，只不过蒙德里安的作品主要是平面的绘画，而里特维特的《红蓝椅》则是立体的。尽管我们所看到的是一把真实的椅子，但从功能上说，它却并不具有实用性，因为人坐在上面并不舒服。它的重要性首先在于它是由标准化的几何构件组成的，这就为此后现代设计产品的批量化生产提供了参照和依据，这一点是开创性的；其次，它的与众不同的现代形式语言，使之终于摆脱了传统家具设计的阴影，宣布了现代主义设计的出现和独立，由此成为现代形式主义设计的重要的里程碑式的作品，对整个现代主义设计运动产生了深远的影响。

9筛谷的妇女（油画，131厘米×167厘米，1854年，法国南特美术馆藏）库尔贝（法国）

库尔贝（1819—1877）是19世纪后半期法国著名画家。生于法国东部的小城奥尔南市一个葡萄园主的家里，从小就直接接触到农民的生活，并接受他祖父给他灌输的革命的思想。家庭的宠爱和较好的生活境遇使他自小就养成了自信和敢说敢为、我行我素的性格，他对生活和未来充满了信心。库尔贝基本上是一个自学成才的画家，要说老师，对他来说就是先辈大师的作品和自然。他从先辈大师那里吸取创作灵感和技巧，而从生活和自然中寻找思想，他把二者有机地结合在一起——技巧服从思想，思想加强了技巧。这就是库尔贝艺术的主题：使艺术担负起社会的责任。在这一思想的指导下，库尔贝积极参加社会的斗争实践。1871年巴黎公社成立后，库尔贝积极支持这个无产阶级自己的政权，并担任了公社革命委员会委员、造型艺术委员会主席、公社第六区顾问、公社驻美术学院代表和教育委员会委员，他以极大的热情投身改造旧制度和建立新的美术趣味的工作。这一切行为使资产阶级恼羞成怒。公社失败后，便以“杀人、煽风点火和招兵买马、篡夺公职并合伙毁坏古迹”的莫须有罪名将他逮捕并处以323091法郎68生丁的罚款，将他所有的作品及财产没收。1877年12月31日库尔贝客死瑞士。

1855年，库尔贝为反对官方美术的虚伪并表明自己的艺术态度，在巴黎世界博览会对面自建了一个小棚子，举办了以“现实主义：库尔贝，他40件作品的展览”为题的个人展览，并发表了《现实主义宣言》，提出“绘画实际上就是具体的艺术，它不是别的，就是对现实的即存事物的描绘”的观点。他企图把他所看到的一切都按照它们原来的样子描摹下来。在这次展览上，库尔贝展出了他的许多重要作品，其中就包括《筛谷的妇女》，这些作品都反映了他企图客观地表现视觉真实的愿望。当有人要他画宗教画中的天使时，他一口回绝，说他无法画出一个他从未见过的长翅膀的人。因为库尔贝的目标是明确的，那就是像他宣言所说的，“我的心愿全然不是要达到为艺术而艺术那个无益的目标，„„要按照我的所见来表达我们时代的风格、思想、面貌，不仅做一名画家，还要做一个人，总之，要创造活生生的艺术这才是我的目标”。正因此，库尔贝在《筛谷的妇女》中真实生动地描绘了一个他所常见到的农村妇女劳动的景象，表现了劳动者特有的健康的美。

舞蹈（油画，260厘米×389．9厘米，1910年，纽约现代艺术博物馆藏）马蒂斯（法国）

亨利•马蒂斯（1869—1954）出生于法国北部的勒•卡图镇，年轻时曾从事法律工作。有一次生病住院，闲来无事读了一本绘画方面的书，使他对美术产生了兴趣，遂立志终身从事美术，这年他21岁。1891年马蒂斯考入巴黎朱理安学院，1895年成为当时著名象征主义画家摩罗的学生。

马蒂斯的艺术主要植根于后印象派，不过经过几个复杂的演变之后，马蒂斯彻底脱离了后印象派，但他更加强了色彩的表现力。从1904年开始，马蒂斯开始形成自己的风格，以强烈的原色对比和粗犷的线条去体现他对客观事物的感觉。传统绘画的透视和明暗手段被他弃置一边，只是在构图上还显示出有秩序的现实境界。也就是在这个时候，马蒂斯又开始了对日本绘画和非洲艺术、阿拉伯图案的借鉴，这使他的艺术日益个人化。马蒂斯不仅把东方的技法（毛笔画）发展到他的创作中来，还利用舞蹈、音乐等多种艺术元素来丰富自己的绘画语言。《舞蹈》创作于1909—1910年。马蒂斯在创作时，把模特儿带到地中海岸边，他认为这件作品跟地中海给他的喜悦情绪紧密相连，画中背景的蓝色，寓意着仲夏八月南方蔚蓝的天空，一大片绿色让人想起翠的绿地，人物的朱砂色则象征着地中海人健康的棕色身体。在这幅狂野奔放的画面上，舞蹈者似乎被某种粗犷而原始的强大节奏所控制，他们手拉着手围成一个圆圈，扭动着身躯，四肢疯狂地舞动着。据说，马蒂斯的这个主题可以追溯到希腊的瓶画和民间舞蹈。

（二）名词解释

1、审美教育

亦称美育或美感教育，是一种通过美的教育而使人性发展和完善的活动。审美教育的基本内容是：通过具体的审美活动而逐步培养人的正确的美丑观、善恶观、是非观、爱憎观，从而净化人的心灵；逐步培养和提高人鉴赏和创造美的能力，使人的潜能得到更好的发挥。审美教育的特点是寓教于乐，在没有任何强制的过程中潜移默化，最终达到人性的逐步发展和完善。审美教育不应仅仅局限于自然和艺术领域，还应包括社会实践，在社会实践中进一步培养人和现实的审美关系。在西方，柏拉图（Platon，公元前427—公元前347）、亚里士多德（Aristoteles，公元前384—公元前322）开始注意倡导审美教育；在近代，对审美教育给予极大关注的是德国美学家席勒（J．C．F．Schiller，1759—1805），他认为要把人性从自私和腐化中拯救出来，使人的感性冲动和形式冲动（又称理性冲动）协调一致，使不合理的社会变成合理的社会，惟一的途径就是通过审美教育。马克思主义认为，审美教育并非获得人性解放的最终条件，而是人认识世界、改造世界和自身的一个重要手段。因此，审美教育对人的发展具有重要的现实意义。

2、审美鉴赏力

是指人的一种历史地形成的鉴别、认识和评价现实现象和艺术品之美丑的能力，亦称审美判断力。它是审美主体（人）通过美的创造和美的鉴赏而培养起来的一种能力，具有社会性和个体性差异。从社会性的角度说，任何主体的审美鉴赏力都是受到一定历史发展所提供的可能性的制约，因而具有共同的地方；但是由于主体的生活经验不同、审美修养的不同，审美鉴赏力又表现出个体之间的差异性。它既是依赖于个人审美趣味的单独判断，同时又普遍有效。德国美学家康德（Immanuel Kant，1724—1804）把它归于“先天共通感”。但按照马克思主义美学观，共同的审美鉴赏力是同一社会关系的产物。审美鉴赏力的培养和发展，不但依赖于直接鉴赏经典艺术品，而且还依赖于社会实践，在实践中形成正确的是非、善恶、真伪、美丑观念。

3、美术分类

美术是人类特有的精神产品，是人类在长期认识和改造世界的过程中，为了更好地生存而以自然和人造材料，通过平面和立体的形式，表达人类思想、情感和意识形态的精神的物质化显现。可以说，有了人类，就有了美术。为了更好地理解美术，人们做出了各种努力。由于美术是由人创造并最终服务于人类，所以自西方文艺复兴时期开始，美术就被归入人文学科，与自然学科并列。在这其中，又由于美术的塑造性而被称之为造型艺术，与表演、诗歌、文学、音乐等艺术并列。但“造型艺术”这个概念也是有局限的，因为像舞蹈、戏剧、艺术体操等表演艺术也同样强调造型性。于是，人们又根据各个艺术门类在时间和空间上的特点而把美术划分在“空间艺术”的范畴之内。

由于美术既是一种具体的社会历史现象又是流动的文化精神形态，其中包含了丰富的美术现象、美术形态和美术门类，同时，美术的创作和鉴赏又是复杂而开放的，与不同时期、社会、历史、种族、文化、观念、心理等有着千丝万缕的联系，所以，从本质上说，任何关于美术的定义、概念和理论都是不完整的，只是我们理解美术的参照。

四、小结

(一)本课包含内容十分丰富，学生应把握住教学重点与难点，在如何进行美术鉴赏上下功夫。

(二)参考案例分析、设问研讨和让学生对具体作品进行全面分析的方法。

第四篇：高考美术解读教案系列8 建筑艺术

建筑艺术

建筑艺术是与绘画、雕塑等并列的艺术门类，又具有自身的独特的魅力。它是我们身边的艺术，与每个人的生活密切相关。也是培养审美能力的重要组成部分。

建筑艺术是由空间和实体构成的艺术，它蕴含建筑形式美的规律，并通过视给人以美的感受，这和绘画等视觉艺术类似，它通常与壁画、雕塑等作品一起构成美妙的艺术氛围，建筑形象和空间具有音乐般的美感，总之，建筑艺术是一门综合性的艺术，在西方常常被列于各种艺术的首位，建筑学科具有相当的综合性，是一种相对持久的艺术。建筑艺术的类型

宫殿、庙宇、陵墓、民居等 建筑艺术的特征

1、科学性。合理的受力体系与结构、材料。、不同环境下的建筑形式。

2、适用性。建筑的根本目的是满足人们的使用功能，是使用的艺术，包含使用功能与形式的统一。

3、艺术性。

4、文化性。建筑艺术的语言

形体、比例、尺度、均衡、节奏、色彩与质感、环境。文物建筑

是“具有历史、艺术和科学价值的古建筑；与重大历史事件、革命运动或者著名人物有关的以及具有重要纪念意义、教育意义或者史料价值的近代现代重要史迹、实物、代表性建筑。” 古建筑

广泛意义上的古建筑包括历史地段及文物建筑两部分内容。历史文物建筑的概念“不仅适用于伟大的艺术品，也适用于由于时光流逝而获得文化意义的在过去比较不重要的作品。”也就是说古建筑的涵盖范围非常广泛，不仅仅指那些家喻户晓的名胜古迹，正是这些残旧的遗迹，具有不可替代的种种珍贵价值。古建筑的价值

历史价值，古建筑传递深厚的历史信息，帮我们了解前人的生活时代； 艺术价值，古建筑具有优美而凝重的形态，能给我们美的熏陶； 科学价值，古建筑具有坚固合理的结构和独特的材料用法，体现了古代先进的科学技术； 文化价值，体现民风民俗；

情感价值，文物由于与地方文化、历史、环境所特有的密切关系与特定的人群产生情感联系；

使用价值，在现在仍然保持着其使用功能，从未改变其使用性质。总之，文物建筑及其内部的空间及结构，“能够使人们去了解那个建造了它们的时代和建造者”，代表着特定历史时期的艺术风格及技术水平，具有历史、文化、艺术和科学价值，应受到相当程度的保护

作品分析

北京故宫

故宫位于北京市中心，也称“紫禁城”。这里曾居住过24个皇帝，是明清（1368—1911）两代的皇宫，现辟为“故宫博物院”，并被联合国科教文组织列为世界文化遗产。从1421年明成祖迁都北京，到1911年辛亥革命推翻清政府，将末代皇帝溥仪赶出故宫，结束中国

专心

爱心

用心

历史上封建王朝的统治，故宫一直是中国统治阶级的政治和文化中心。故宫充分体现了皇权至上的封建统治思想。显示了森严的等级制度, 前朝有太和、中和、保和三大殿，是故宫中最高大的建筑物，也是皇帝举行重大典礼的地方，是封建皇权的象征。西藏拉萨布达拉宫 世界遗产委员会评价：“布达拉宫坐落在拉萨河谷中心海拔3700米的红色山峰之上，是集行政、宗教、政治事务于一体的综合性建筑”。它由白宫和红宫及其附属建筑组成。布达拉宫位于西藏自治区拉萨市中心红山上，布达拉宫是我国古代建筑中的杰作，是藏民族传统的优秀建筑艺术，具有很高的历史、艺术和科学价值。布达拉宫内部墙面绘有精美壁画，是名副其实的艺术之宫。在这漫长的岁月中，布达拉宫收藏和保留了极为丰富的各类历史文物、宗教法器、唐卡、雕塑、佛塔、典籍等数以万计的珍品。这座被誉为“世界屋脊明珠”的布达拉宫，是集建筑、历史、文化艺术和宗教于一身的宫堡式建筑群和文物巨库，是世界宫堡建筑艺术之最，也是中华各民族团结和国家统一的铁证。

中国长城

世界遗产委员会评价：“约公元前220年，一统天下的秦始皇，将修建于早些时候的一些断续的防御工事连接成一个完整的防御系统，用以抵抗来自北方的侵略。长城是中国也是世界上修建时间最长、工程量最大的一项古代防御工程。如此浩大的工程不仅在中国，就是在世界上也是绝无仅有的，因而在几百年前就与罗马斗兽场、比萨斜塔等列为中古世界七大奇迹之一。成为人对美的观照对象，具有重要的审美价值。长城的美属于壮美，是一种崇高的美，一种体现“天行健，君子以自强不息”的美，以雄伟、刚强、宏大、粗犷为特征，是中国人追求和平并勇于开拓进取精神的体现，传达出一种深沉的民族感情。所以，长城不仅是美的，也是中华民族性格的象征。可以说长城就是中华民族的纪念碑，其以博大精深的中国文化为依托，取得了独特的伟大成就，深刻体现了中国的文化，是中国人民的骄傲。

中国安徽黟县古民居

世界遗产委员会评价：西递、宏村这两个传统的古村落在很大程度上仍然保持着那些在上个世纪已经消失或改变了的乡村的面貌。其街道的风格、古建筑和装饰物，以及供水系统完备的民居都是非常独特的文化遗存。宏村位于黟县城西北角。造型独特并拥有绝妙田园风光的宏村被誉为“中国画里乡村”。古宏村人开“仿生学”之先河，规划并建造了堪称牛形村落和人工水系。堪称中国古代村落建筑艺术之一绝。宏村村中数百幢古民居鳞次栉比，以承志堂最为杰出，它是清代盐商营造，占地2000多平方米，为砖木结构楼房。此房气势恢宏，工艺精细，其正厅横梁、斗拱、花门、窗棂上的木刻，层次繁复、人物众多，堪称徽派“三雕”艺术中的木雕精品。

西递坐落于黄山南麓。该村东西长700米，南北宽300米，居民三百余户，人口1000多。因村边有水西流，又因古有递送邮件的驿站，故而得名“西递”，有“桃花源里人家”之称。村中各家各户的富丽宅院，精巧的花园，黑色大理石制作的门框、漏窗，石雕的奇花异卉、飞禽走兽，砖雕的楼台亭阁、人物戏文，及精美的木雕，绚丽的彩绘、壁画堪为徽派古民居建筑艺术之典范。

中国福建的土楼

专心

爱心

用心

福建土楼主要分布在闽西、闽南的永定、南靖一带。早在1900多年前，中原一带历经变乱、举族南迁的客家人，几经辗转，来到闽西南一带的山区。为避免外来冲击，他们不得不恃山经营、聚族而居，用当地的生土、砂石、木片建成单屋，继而连成大屋，进而垒起厚重封闭的土楼。因为土楼有冬暖夏凉、防震抗风的特点，因此就成了客家人代代相袭、繁衍生息的住宅。是民族大融合的产物。它丰富的文化内涵和作为客家民系、福佬民系文化的象征，为中国古代文化和历史变迁提供了特殊的见证，是中国传统的生土民居建筑的杰出代表，体现了人与自然的和谐统一。德国科隆大教堂

德国科隆市的科隆大教堂是德国最大的教堂，以轻盈、雅致著称于世，是世界上最完美的哥特式建筑。世界遗产委员会评价：“科隆大教堂是哥特人的杰作，大教堂的兴建是天主教和中世纪文化在欧洲勃兴的象征，是科隆的骄傲，也是科隆的标志。它与巴黎圣母院、罗马圣彼得大教堂并称为欧洲三大宗教建筑。它至今也仍然是世界上最高的教堂。科隆大教堂保存有珍贵的文物，其中包括成千上万张当时大教堂的设计图纸，成为研究中世纪建筑艺术和装饰艺术的宝贵资料。古罗马大斗兽场

古罗马大斗兽场即科罗西圆形竞技场，始建于韦斯巴乡王朝，竣工于公元80年的泽度王朝。公元82年，多米蒂安下令又在其上增加了一层，竞技场原名叫弗拉维梯形广场。它现在的名称得于位于竞技场一旁的巨大的尼禄，它是科罗西人。竞技场是罗马帝国最大的历史遗迹。悉尼歌剧院 伍重(丹麦)

悉尼歌剧院如同巨大的混凝土贝壳，又像一艘船扬起白帆。设计方案由丹麦人伍重提出，他希望建造一座未来派的城市标志性建筑。歌剧院于1963—1973年建成。该建筑由三块相连的大壳组成，主要包括一个有1550座位的歌剧院、一个有2700座位的音乐厅和一个提供完美听觉效果的话剧厅。古埃及金字塔

金字塔是古埃及法老巨大的陵墓建筑物，其起可追溯到马斯塔巴式坟墓。马斯塔巴是一种低矮的长方形坟丘，它四壁倾斜，设有祭台，在它状似斜井的底部修整出墓室。最早的金字塔就是马斯塔巴逐渐扩大演变而成的，萨卡拉的金字塔足以表现出这一点。这一金字塔是于公元前2800年，为狄戎赛法老修建的，也是迄今为止我们发现的最古老的金字塔。这种墓地的工程建筑逐步变化、改进，最终采用金字塔形状，像吉萨金字塔那样，其规模和技术都达到了完美的程度。和谐的比例、雕凿的科学及巨大的石块的砌筑都充分表达出对墓葬建筑的深入研究。

专心

爱心

用心

第五篇：浅谈美术鉴赏的意义

浅谈美术鉴赏的意义

摘要：随着历史的发展、社会的进步，未来社会对人的素质有了更高的要求。人不仅要学习和掌握各种专门的技术以维持自身的生存，更需要养成健康的审美情趣，完善美好的人生。关键词：美术鉴赏艺术

我们都知道德智体美劳这五点正是我们青年在长期在成长过程中所要学习的五种必不

可少的美德。而在这五点要素中，是缺一不可的。常言道“爱美之心人皆有之”，那么“美育”更显得尤为重要了，而我们也正是通过学习美术鉴赏来提高我们的对于美育的认识，懂得什么是“美”什么是“丑”。相信我们都是爱美和恶丑的。

随着历史的发展、社会的进步，未来社会对人的素质有了更高的要求。人不仅要学习和

掌握各种专门的技术以维持自身的生存，更需要养成健康的审美情趣，完善美好的人生。只有这样，我们的人生才是完满和有意义的。要做到这一点，首先要培养审美的眼睛。培养审美的眼睛有两个途径：一是欣赏大自然；二是欣赏第二自然——由人创造的艺术品。我们许多同学可能都喜欢旅游，希望到北京去看看雄伟庄严的天安门，到黄山去观赏烟波浩淼的云海和壮观美丽的日出。但这是两种不同的美——一种是自然景观，一种是人文景观。当我们置身自然景观中的时候，我们似乎完全融入自然之中，成为自然的一部分；而当我们置身天安门广场的时候，我们都会不禁在内心升起一种崇高、庄严和神圣的情感，这种情感不仅来自天安门广场的布局、空间和周围的建筑，更来自我们对天安门的认知、回忆和想象。表面上看，天安门只是一座古建筑，但从审美角度说，它已成为象征中国历史的一个审美符号。它经历了古代中国的文明和近代中国的屈辱和奋起，更见证了中国二十多年来改革开放的巨大成就。可以说，我们对中国历史的认识越深入，从中获得的审美想象就越丰富。这个过程其实已经蕴涵了美术鉴赏的基本特征。

审美功能还决定于欣赏者的心境和情绪状态。同样的自然山川在一些人看来，可以是山

河无限好，在另一些人看来，又可以是满目萧条的残山剩水。大自然作为审美客体本身其实并没有什么本质的变化，之所以在不同的人看来会有如此大的区别，完全与审美主体的心境、情绪和他们不同的生活阅历有关。但是，不论他们的感受有多么大的不同，作为美术的审美功能，其作用都能使审美主体在或优美、或恬适、或悲壮、或苍凉、或雄浑、或冷寂的一种意蕴中得到审美体验，从而在精神上得到某种解脱和慰籍。

我曾经听到过一位老学者常用的一句话叫做“人的思维方式决定人的行为方式”。举个例

子：我们都知道人分为事业型和消闲型两种。我们不妨问一下自己：自己是吃饭为了活着还是活着为了吃饭呢？！如果是前者那么我认为你就属于“事业型”的人，如果是后者我认为就是“消闲型”的人我们都会看到，对一个“事业型”的人来讲，他对于吃什么，穿什么都是摆在第二位的，他把事业和工作是摆在首位。而对于“消闲型”的人来说，他所看重的是吃喝玩乐等享乐方面的东西。由于这两种人的追求不同，就明显显露出不同心灵美丑。这个例子是我们对于以上那个观点的诠释。进而我们可以引出另一个观点：人的审美观和一个人的世界观

是一致的。（比较通俗地解释世界观就是一个人他为什么要活着。）从以上的一段话中，相信大家已经初步了解了美育的重要性了吧

美术是一门艺术，而艺术指的是客观存在与人类社会和大自然中，并且通过艺术家主观

能动性用一种表现形式再现给观者所以艺术应该高于生活，可以打动人，陶冶人。因为艺术

品体现着艺术家的思想，及他想表达给观者的某种心灵深处的，甚至和灵魂有关的东西。所以说一个真正的杰出的艺术家一定是一个会做人的人。所以我认为说艺术家是人类灵魂的工程师也不为过。就我个人而言，我没有看到过一个真正的艺术家是趾高气昂，目中无人的。相反地，我从小接触的中央美院的艺术家们，都是谦和有礼，散发着一种艺术的光辉的人。但是他们在人群中，决不显得突兀，因为他们因为有艺术为伴，因此显得和蔼与平静。我想这就是真正的艺术家吧。但是我要在这里提醒大家，在学完这本美术鉴赏之后，千万不要用这句话来形容一个画家画画得好。因为还有一句话是这样说的：“好画是把汗流在画外。”不知道大家有没有体会到这两句话的区别。而且往往几幅画的价钱天差地别，也和这两句话有关系。所谓真正的好画应该是画家的功底极为深厚，绘画技术炉火纯青。他们的笔锋轻松成熟，许多成熟的名画绝对不会是看起来磕磕绊绊，让人看出这幅画画家是费了多大功夫画出来的。