音乐修养论文

第一篇：音乐修养论文

以前的我，总是塞着耳机，听着流行音乐独自一人走在校园。总觉得流行音乐里面抒发的情感细腻而真实，引起我们的共鸣。这学期选修了王炎琪老师的大学生音乐修养这门课，我才开始仔细聆听我们的民族乐曲，有一种很不同的感受。上课的时候老师会放一些经典的曲目，闭上眼睛细细体会别有一番滋味„„我才领略到中国古典音乐的魅力。我忍不住想，不止我们当代大学生，很多人对中国古典音乐缺乏足够的重视和欣赏。如果我们自己都不能传承，又怎么将其发扬光大呢？

中华素称“礼乐之邦”，音乐文化源远流长。从文明发轫之初，我们的祖先就非常重视音乐修养。《礼记〃乐记》

中有“知乐，则几于知礼矣。礼乐皆得，谓之有德。”的句。子作为中国思想家典范的孔子也非常看重音乐，他教授学生，“乐”是一门必修课。他本身也是一个音乐家，据说，他很喜欢演奏古琴，还能亲自谱曲呢。

音乐是人类情感和精神生活的创造表现，音乐审美能力是借助于音乐艺术手段和现实世界的美，来提高人们对美的鉴别、欣赏和创造的能力，陶冶人的情操。所以在素质教育中音乐审美能力具有相当重要的地位。音乐审美能力并不是今天才有的，早在二千多年前我国古代的人们就认识到它的重要性，即有陶冶性情、启迪智慧、辅佐政道、教化风俗的社会功能。从西周开始的教育就有“礼、易、乐、御、书、算”六门课程，称为“六艺”，当时的“乐”就包含了音乐。

培养大学生的音乐审美能力不是一朝一夕的事。我们应该如何来进一步提高和培养呢? 第一，以音乐活动为手段，创造良好艺术氛围 第二、加强音乐修养、积极参加艺术实践

根据自己特长爱好有针对性地选择一些活动。在美的认识中提高自己，加强社会责任感，也增加了对生活的自信。第三，完善自我、树立正确的人生观

艺术界有句话："民族的才是世界的。”说的是只有具有鲜明民族特点的艺术品才能在世界文化宝库里占据一席之地，在音乐发展的某—阶段，民族风格是必然存在的，但不能是由民族性走向民族性做封闭式循环，而应是开放性地同外部世界交流并走向世界，只有这样才能做到流水不腐，持续保持旺盛的生命力

民族性不是天外来客，是一个民族在悠长历史岁月中积淀而来的。这种民族性扎根在民族文化中，包含了中华民族思维方法、生活习惯、行为模式、审美惯性等因素。当一种外来事物进入到另一个生长环境中时，必然要适应新的土壤。

从现阶段来看，从文化多元角度出发，我们占世界人口1／4 的中华民族有必要有责任保留宣传我们自己的民族音乐文化，使它在世界音乐文化大舞台上能一枝独绣，充分放射出其独特璀璨的光芒。即使在未来国家民族消亡的时代，民族音乐仍应作为文化物种加以妥善保护。别的不说，单就文化物种是一项极好的旅游资源这一点也足以证明其有存在的价值。

从发展的眼光看，我们更应该为世界音乐作出应有的贡献。邓小平高瞻远瞩，站在历史的和世界的高度提出我们的教育要“面向未来、面向世界、面向现代本这里当然也包括音乐教育，因此未来和世界才是我们音乐发展的真正方向。因此，在我们实际音乐教学中，不仅要讲授民族音乐，更应宣扬世界音乐，放眼世界，放眼未来，并逐渐形成其开放性的思维方式。美国和我们一样是个多民族的国家，它的人民来自世界各地，仅正规交响乐团就有一千多个，再加上业余的，数量就极其可观。由此可见其音乐文化的发达 确非我们所能相比。因为我们民族的文化素质不高，才尤其需要文化教育和世界音乐教育，最终提高全民族的素质，使他们能真正地充分地创造和享受世界音乐文化财富。

音乐的民族性与世界性的原理告诉我们，在弘扬民族音乐文化的同时，更应该从理论和实践上大力促进发展世界音乐。我们的音乐理想和希望更在后者而不是前者。音乐的世界性，才使得一百多年来世界各族人民欣赏它接受它，同时他们也为自己的民族和国家赢得了世界性的荣誉和骄傲。即使是民族乐派，也还是经过提炼本民族音乐素材井将之加工和再创造，从而使之转化为一种用世界语来表达的世界音乐。也就是他们成功地将民族音乐转化成了世界音乐，否则别人是难以接受并承认他们的。以冼星海、聂耳为代表的一批极富才华的我国作曲家由于历史的原因以及受到思想观念的束缚，而最多只能成为我们自己民族范围内的骄傲，最终并不能赢得世界性的声誉，这确实非常遗憾．教训不能不说是惨痛的。当然，原因是多方面的和复杂的。造成这种现状原因不能仅归于我们没有对世界性音乐语言的运用，它也与当时特定的社会形势与社会历史环境以及我们的传统文化等多方面有着密不可分的关系。

明确地说，我们以往的音乐太过于注重民族风格的旋律音调，作曲技法单一，不注重个性，简单而武断地将作曲家的个性和民族风格对立起来，从而使作品失去生命力。民族风格成为最高意义的共性，它在某种程度上是对作曲家个性的扼杀。这于我们音乐的发展是极为不利的。正因为我们的音乐文化过分强调民族性的特色，从而使得我们客观上远离了世界性。不难想象，德国的民族音乐原先也同我们一样并非具有世界性，但由于其适宜的人文环境以及巴赫、贝多芬、瓦格纳等—大批杰出大师们的不懈努力而迅速走向世界，使之早在两三百年前便具有了世界性，从而对世界音乐文化作出了举世公认的巨大贡献。俄罗斯后来者居上，也跟着出现了—大批杰出的世界级大师，同样也为世界音乐文化做出了卓越的贡献。中华民族的音乐要走向世界，就要解开思想观念上的层层束缚，消除狭隘的民族主义和地域观，我们几千年封建传统的精神枷锁坚如磐石。尽管有一批仁人志士意识到这一点，并为此作出了和至今仍在做着不懈的努力，但终因其异常顽固至今仍不能真正彻底被打破。时至今日我们仍没能清楚地认识到这一点，不能不说是我们民族的极大不幸与悲哀。中国传统音乐在吸收外来音乐文化的同时，更加强烈的意识到弘扬本民族音乐文化传统的重要性，传承与发展、借用与创造，在传统与现代，东方与西方之间找到一条适合本国音乐文化发展的道路。传统音乐文化的传承其生命力是创新，只有在吸收借鉴的基础上创造出新的形式，与时代的观念相结合才能被大家所接受。处于知识经济时代的中国传统音乐，其核心是对待民族传统文化的态度上，传承和发展才是顺势而合之道

二胡传入中原之前，当时叫西琴，在北宋时期，它是契丹族等西族使用的弓弦乐器。当时他们就是用鳄鱼皮或蛇皮等动物皮来蒙制乐器。

后来随着契丹进入中原，这样的乐器迅速在中原流行开来，并开始叫“二胡”，到了明代时候，弓弦乐器在中国的绘画艺术中有大量反应，如当时的小说《金瓶梅》中对二胡就有记载。而到了清代更是达到高峰，特别到了民国时期，经过阿炳和刘天华两人的发展，二胡从伴奏乐器变为独奏乐器，并进入高等教育科目。

二胡是中国独特的民族乐器，它用蟒皮蒙制已有上千年的历史。中国民乐协会信息处丰元凯主任解释说，蟒皮因其特殊的组织构成、强度大、受气候影响小，色泽鲜明等特点，经过长期的自然选择过程，成为民族乐器振动膜的首选材料。

他说，这种中国所独有的传统工艺，据考证至今大约已经有上千年的历史。目前，同时使用蟒皮制成的乐器还有高胡、中胡、三弦、手鼓等。使用蟒皮制成的二胡，是我国具有十分悠久历史的弦鸣乐器，其音色因具有“模拟人声”的特点，演奏者在二胡演奏当中，通过技术的表现、感情的发挥、赋予乐器极强的演奏感染力。古往今来，著名的二胡乐曲有《二泉映月》、《听松》、《江河水》等一批脍炙人口的华乐经典。据悉，日本著名指挥家小泽征尔在指挥完二胡协奏曲《二泉映月》后，泪如泉涌，称“二胡将来一定会成为一件世界性乐器”。

20世纪中期以后，二胡由伴奏乐器发展为独奏乐器，成为专业演奏者和百姓大众所喜闻乐见的民族乐器，并被纳入了全国各音乐学院民族乐器中正规专业教学科目。

由于二胡具有独特的艺术表现力，国内外二胡学习者与日俱增，国外对二胡的需求量不断上升，近几年二胡出口额呈几何级数上升，二胡开始形成国内外不断扩大的需求市场。

在二胡的发展和传扬中不得不提起一个人：陈天华先生。他创立了专业二胡学科，将流行于民间的这一民族乐器引进了高等学府，使其走上了专业化的道路，为现代专业二胡教育奠定了基础。他对二胡进行了种种的改革。他冲破传统的束缚，吸取外来技法进行民族器乐的作品创作，成为我国音乐史上第一个把西洋技法应用于民族器乐创作的人，掀开了民族器乐发展的新篇章 我们传统的音乐作品真实地记录了不同历史时期的文化色彩、社会风貌以及音乐特点，应该得到完整的继承和保存，但它只有发展才会光大，也只有在发展中才能得到更好的继承和保存。如果总是强调传统而拒绝新的内容，也无从谈论发展。我国有着悠久的文明史，音乐文化博大精深，历史上还出现过许多外来音乐形式被我们的音乐文化所吸收融合的事实。这也是我们民族文化气魄宏大的体现。然而，到十九世纪后期，我们的音乐文化暴露出了一些弱点，并受到了西方音乐的挑战。尽管它也并非弱不禁风，但确实有被击败乃至同化的危险。正是刘天华先生的创新形式，使我们民族音乐的民族性得以巩固，使古老的音乐形式焕发出了无限生机。尤其是二胡，今天在民族乐器中已是佼佼者，但如果没有刘天华先生的努力，很难想象这门艺术现今会是什么样子，最起码也要落后许多年。后来者在其精神的鼓舞下，通过半个多世纪的努力使中华民族音乐在世界音乐文化领域中占据了一席之地。在世界经济文化蓬勃发展的今天，我们更应该大力弘扬刘天华先生的精神，开拓进取，积极创新，为我国民族音乐的发展做出自己应有的贡献，使民族音乐这颗明珠更加璀璨夺目，永放光芒。

四、中国传统音乐的时代特征和民族性思考

中国传统音乐的宗旨，就是以音乐这种开放的艺术形式，作为联结东方同西方不同文化背景空间差的桥梁，作为联结古代与现代不同时代审美需求时间差的桥梁，使中国传统音乐打开同世界文化隔绝，同现实生活隔绝的封闭状态，从而取民乐之所长，去民乐之糟粕，加西洋之精髓，取得开放性发展。中国音乐文化的时代特征与民族性并不矛盾，“现代化”不等于“西方化”，“民族性”不等于“局限性”。纵观世界各国对于音乐文化发展的历程是与各个国家文化、经济的背景相关连的。音乐文化的观念是随着人们生活的变化而变化的，商品经济的高速发展，必然会冲击人的审美观念，反之，音乐形式的超前也会引领商品经济繁荣，都对社会的发展起着积极的作用。这就要求音乐人紧紧把握时代的脉搏，深入到生活中去发现创作灵感，确立创作思路，憧憬创作理想，而不是闭门造车，在斗室中苦思冥想。目前从国内的创作现状来看，许多音乐人只追求创作形式上的哗众取宠，不知所云，甚至众多的音乐人为达到名利双收，热衷于参加各大赛事，拿某某奖项，而失去对生活的真挚理解。

在中国大开放和全球一体化的今天，注重生活，消化和吸收中外优秀文化的精髓，发展自身的竞争力，以警惕西方国家的“文化和平演变”战略，抵制西方“文化殖民主义”，这是我们当前音乐人不可推卸的历史责任。这种时代的责任感与紧迫感迫使我们每一位音乐人需要更多的理性思维去思考面对传统的传承和外来文化的借鉴以及面对广阔空间的创新，逐步调整和规范中国音乐创作，标准化地推广中国音乐。

二胡艺术只有超越民族走向世界,为世界认同接纳、学习与传播,才能成为人类世界共同需要、欣赏、享受的精神财富

第二篇：如何提高音乐修养

如何提高音乐基础课教学质量

音乐学科是进行美学教育不可替代的学科。培养审美情趣、提高审美意识是我们的目标，审美活动贯穿于教学的始终，审美结构是我们研究的重要结构。不同的审美观可以决定使用不同的教学方法和组成不同的练习结构，不同的审美观可以为学生组成不同的知识结构和不同的能力结构。

音乐是素质教育的必要，是培养能力的必要。研究了课堂结构我们才发现，要缩短知识与能力的距离，要努力寻求知识与能力的中介，音乐课不能只教学生唱歌，还有听的能力、审美能力、审美观点、演唱技能、演奏技能要去培养。这需要研究教学内容的结构、教学方法的结构和知识载体的使用等，组成一节课的结构是多维的，分析它们之间的关系，理出层次，准确地找出知识、能力的中介，培养学生的能力、提高学生的音乐素质才成为可能。

提高课堂效益是每位老师的希望。如果在上课前认真思考这节课哪些结构是贯穿性的、哪些结构是从属的、各结构需要多长时间为宜，周密地、全方位地思考之后，才有可能使一节课重点突出，既有科学性、系统性又符合儿童心理特征，使学生从不会到会、从知之甚少到知之较多。音乐教学的目标是培养和提高学生的审美意识，审美结构也就成了贯穿性的重要结构。音乐课对于培养学生健康的审美情趣和审美能力具有特殊的、不可替代的作用。审美过程要贯彻音乐课的始终，情感因素是审美过程的突出特点。音乐课上，随着时间的推移，教师应运用各种载体介绍作品，使学生感受到作品的音乐美，再通过音乐、文学诸方面的分析使学生理解美，用变化力度和变化速度等手段去表现美，构成重要的审美结构。不具备审美结构的音乐课只是知识课而不是艺术课。

教学，本身就是一种创造性的思维活动。最好教的是死知识，教者只需“照本宣科”，但效果也是最差的 ；而最难教的则是最活的“教学教法”，即教会学生用最短的时间、最少的精力，学会最多的知识的方法。因 为它是要因人、因地、因时、因条件而异的，从来就不是一成不变的。它是对教师水平的一种全面、综合性的 考察。它需要我们教师对所学知识融会贯通，灵活掌握。那么，如何提高音乐课堂的教学质量让学生快乐地参加课堂教学，在美学界流行着一句话：“趣味无争辨。”这是说，一个人喜爱什么音乐，不喜欢什么音乐是因人而异的，我们没有必要让人们都有相同的爱好。相反的，我们应该尊重每个人的兴趣和爱好，但这并不是意味着我们放弃了引导和教育。

教学内容的延伸也需要教师平时对音乐素材的大量积累。让学生了解更多的中华民族文化艺术的精髓，以此来激发学生的民族自豪感和学习的兴趣，在潜移默化中巩固了知识。流行音乐是现代生活中必不可少的内容，我们还在课堂上大胆引进流行音乐，拉近了学生和音乐课之间的距离。除了课堂上教学内容的延伸，课外的网络学习、民间采风等也能让学生真正地去感受理解音乐文化多元的特点，提高学生的音乐审美能力，拓展他们的音乐视野。艺术来源于生活，音乐与人类生活同在，让生活的“内容”注入学生学习中，让学生在学习中感受生活的美好。寓教于乐，让学生在音乐课上既享受到“音乐盛宴”，又学到音乐知识。

课程改革的今天，应多方面激发学生学习的兴趣，挖掘学生兴趣的潜在因素。做到一上课就紧紧地抓住学生的注意力，激起学生的兴趣，使他们很快进入 “最佳学习状态”，这是上好课的第—步。教师应成为教学活动的组织者，引导者与合作者。教师的角色便是调动学生主动思维和主动参与的积极性。因此，教师应根据学生的认知规律创设条件，引导学生主动学习、探究，成为学生学习过程中的组织者、引导者和协助者。儿童的心理特点是在课堂上给同学们布置一些常见的练习曲,如《闪烁的小星星》《我的名字叫中国》《小白菜》等,这些小曲生活气息浓厚,同学们吹起来有声有色,大大提高了他们对音乐的兴趣。此外,可介绍其他乐器进行教学,使他们在实际示范中懂得更多的器乐知识。如在讲中国戏曲时,我向大家介绍了京胡、板胡、二胡、唢呐等乐器后欣赏乐曲,使学生在身临其境中自然而然地掌握枯燥的音乐知识。

兴趣是求知的内在动力。激发起学生的兴趣，学习就会积极主动，学得轻松而有成效。但是学习兴趣不是天生的，主要在于教师如何引导学生，充分调动学生对学习的积极性和主动性，进而能创造性地学，最终达到优化课堂教学和提高教学质量的目的。如何提高音乐课堂教学质量、促进课堂教学发展，不断提高每一个学生的学习积极性，今后还须多加努力.因为孩子们需要美、追求美、感受美和追求美，所以需要我们多花些心思，相信孩子们就会从中得到快乐的体验好奇、好动、好胜、好玩，虽然他们的知识面和联想力还不够丰富，但对音乐情绪的直接感受能力并不差，特别是自我表现欲望非常强。当聆听一段欢快的音乐时，高年级学生面呈喜悦，低年级学生则是手舞足蹈地动起来。动是低年级学生的突出特点，是他们表达自己对音乐感受和理解的最直接、最喜爱的方式。把更多的想象空间留给学生，让其发挥主观积极性和参与教学的主动性，这样学生才会获得审美的愉悦性。利用闭路电视或定期讲座进行音乐欣赏活动，定期开展歌咏比赛和文艺比赛等活动。让学生在充满艺术的氛围中熏陶和潜移默化，保持对音乐的热情。在课堂内则应创造宽松、民主的氛围。教师在教学中充分发扬民主、“动静”结合。“动”要有秩序，有规律的动。情绪饱满，气氛热烈，勇于发问，使学生有“成就感”、“轻松感”。“静”不是暮气沉沉、没精打彩，而是注意集中，思维专注而活跃。但是宽松的教学气氛中应有严谨的教风和学风，这样，宽松而不涣散，严谨而不威慑。两者结合，构建了一种和谐共创的教学环境，师生愉快的教愉快的学，学生兴趣自然高涨。有了兴趣才有提高课堂教学质量的保证。总之，教师只有善用“他山之石”，不迷信经验和权威，勇于创新。在课堂中把握“情感”的方向、在实践中形成自己的独特风格。就会增添音乐课堂的魅力，从而提高音乐课堂活动的质量。

第三篇：师德修养论文

《教师道德修养》作业

“他人就是地狱”之我见

塘沽一中葛兰

“他人就是地狱”是萨特提出的观点，并且在他的许多作品中都体现了这一观点，如《密室》、《禁闭》、《存在与虚无》等。

萨特是法国存在主义哲学思想的代表人物之一。存在主义是于本世纪20年代末30年代初随着世界经济危机和第一次世界大战带来的浩劫首先在德国和法国发展起来的。第二次世界大战后，它在欧洲进一步流行，成为资本主义国家中资产阶级知识分子和小资产阶级阶层中的时髦哲学。存在主义伦理学的基本范畴是“存在”。但存在主义者所说的“存在”，并不是马克思主义哲学所说的客观存在，而是指一种认识，实质上是指“我”的存在。

萨特继承了海德格尔关于存在的学说，并在社会生活中把它文学化、政治化，使它成为一种激进的行动哲学。萨特提出了“存在先于本质”这一著名命题，认为它是存在主义的第一原理。它包含两层意思。其一是，人的存在先于人的本质。人最初是作为纯粹的主观性、虚无而存在的，没有什么本质。人所具有的各种具体的特质和规定性,是人后来完全按照自己的意志进行选择和造就的结果。其二是，事物的本质是由人赋予的。萨特认为,“物”是消极被动的，它们不能选择和造就自己的本质。外部世界没有什么本质和意义，它们的本质和意义是当它们作为人的对象而存在时由人给予的，也就是说，只有当人的纯粹意识活动指向外部世界时，才赋予它本质和意义。

（1）产生背景

在战争中的经历促使萨特成为存在主义者。当时的法国处于二战中，社会上充满消极颓废、悲观失望情绪，知识分子在战争中经历了与其他人一样的各种磨难，他们孜孜追求的知识并没有给社会带来文明，战争中所谓“文明”的人用各种手段残害、欺压、侵略同类，在自己的周围又有一些人为了各自的穆德不惜出卖亲人、朋友和祖国。战争的事实让他们对自己一直坚持的信仰产生了动摇，所

以在他们之中形成一种由于苦闷、孤独、被遗弃、找不到出路而玩世不恭、放荡不羁的风尚。于是，标榜个人的生活、自由、存在放在第一位的萨特的存在主义受到极大欢迎，被资产阶级和知识分子当作最时髦的哲学。

（2）认识“他人就是地狱”的本质

萨特的作品《密室》(1944)是阐述存在主义哲理的剧本,剧中塑造了3个死后不改生前本性、在阴间互相追逐的亡魂，说明客观世界（包括他人的存在和自己的旧习）直接制约着人的生存和活动，人死之后还念念不忘他人对自己的议论，因而认为“他人就是地狱”。萨特认为“世界是荒谬的，人生是痛苦的”。认为在这个“主观性林立”的社会里，人与人之间必然是冲突、抗争与残酷，充满了丑恶和罪行，一切都是荒谬的。而人只是这个荒谬、冷酷处境中的一个痛苦的人，世界给人的只能是无尽的苦闷、失望、悲观消极，人生是痛苦的。穷人是如此，富人也如此。他本人解释说如果与他人的关系被扭曲了，被败坏了，那么他人只能够是地狱。也就是说，他人活在我们身上，他人就是地狱，他人就是天堂萨特在《存在与虚无》中谈到，人对他人的妨碍不仅是物质性的，而且是精神性的。人的行为，人的语言，甚至仅仅是一个眼神——“注视”，都可能含有限制他人自由、窥视他人隐私的用意。因此，在剧中，他企图通过三个亡灵在地狱中的关系表达了这样一个主题：“你们的印象中，地狱该有硫磺，有熊熊的火堆，有用来烙人的铁条……啊！真是天大的笑话！用不着铁条，他人就是地狱！”

从萨特自己的解释和他的作品所表现出来的观点，可以感觉到他用了一种极端和片面的方式来看待问题，没有用辩证的、历史的观点去处理一时的困难。他没有看到在战争中有很多人不但为了自己而且为了亲人和更多的人民得到解放在无私的付出，甚至是生命；他跟没有认识到，在漫漫的历史长河中，尽管有许多人是在不停的侵害被人，成为他人的“地狱”，但是同时还有更多得人心的善良与他人毫无损害，或是志向远大，为人类执著努力，所以从原始社会到当今社会，总体来讲社会在进步，文明在发展。

(3)产生的结果

用“他人就是地狱”这样的观点来看待问题，最终的结果就是将自己禁锢在自我的狭小空间内，也就是人只能--也只应该生存于自我之中。人民不可能找到摆脱压迫的真正出路，只能诉诸孤独的个人反抗、个人奋斗。正如存在主义者所说的，他们主张的这种个人反抗和奋斗，是带有悲剧性质的。

总之，萨特的观点暴露了当代资本主义社会中人的精神困境，提出了研究人的生存状态、情绪意志、行为方式等问题的必要性，强调了个人的主观能动性、责任感和行动的意义。但是，它视人的精神存在为第一性的，把情绪、体验、自由意志等非理性因素夸大为决定性的，表现为明显的主观唯心主义倾向，它把个人自由推向极端，以自我为基本视角，否定了客观条件和社会环境对人的制约作用，其实质是反社会的极端个人主义和抽象人性论。它把人生视为荒谬，对人类的前途不抱希望，带有浓厚的悲观主义色彩。

“有用的就是真理”之我见

“有用的就是真理”是实用主义者詹姆斯提出的观点。

（1）什么是“真理”

真理意味着观念和实在的“符合”，而虚假则意味着与“实在”不符合。实用主义者把这个定义看作是理所当然的事。那么，与实在相符是什么意思？从经验上来说，真理的兑现价值是什么？当实用主义提出这个问题时，它就已经找到了答案：真观念是我们所能类化，能使之生效，能确定，能核实的；而假的观念就不能。这就是掌握真观念时对我们所产生的实际差别。因此，这就是“真理”的意义。一个观念的“真实性”实际上是个事件或过程，就是它的证实过程，它的有效性就是使之有效的过程。“它是有用的，因为它是真的”；或者说“它是真的，因为它是有用的”。

（2）“有用的就是真理”的本质

如果这句话对于正确的对象和短暂的时间范围内是有一定道理的，在能使社会进步的人们的行为中，对于他们有用的应该是真理的表现。但是如果对于更广

泛的人群和整个社会进步的历史阶段来讲有用的就是真理，无论正确与否。实用主义由这个简单的线索得到了它的关于真理的一般观念：真理主要是和把我们由经验的一个瞬间引导到其它瞬间上去的方式联系着，而事后足以说明这种引导是很有价值的。真理很少需要完全的证实。直接证实与间接证实同样地有效。事实上，真理大部分是靠一种信用制度而存在下去的。这种实用主义实际上否定了人间有真理，有绝对的真理。只要有用就是了，不管它真不真，假不假。

他们认为，道德上的善，就是符合个人某种需要的东西，也就是人们认为有用的“真理”。他们把“有效性”、“实用性”作为评价真理与虚伪的根本标准。按照他们的逻辑：不管运用什么样的手段，只要达到了一定的目的、被认为是有用的，这种手段就是道德的，就是善的，得到的结论就是真理。或者可以这样说：能够满足个人欲望的一切行为，都是可以归结为按照真理行事的行为。很显然，实用主义对真理的论述正是由这种主观唯心主义的道德原则出发，引向了它的必然归宿——唯我主义、个人主义。而这恰恰暴露了它的资产阶级道德的实质。

实用主义者还否认客观规律，特别是否认社会发展的规律，认为社会上所有的事情都是偶然发生的。人生就是：“赌博”、“冒险”、“碰运气”。在这种论断下，意味着人们没有真正的真理可以寻求，真理具有不确定性，“命运”安排人的一生、指导人的所有行为，事实上，“命运”掌握着真理。事实上，实用主义者将很多问题的解决归结为对个人的有用性。可见，实用主义伦理学的哲学理论基础，是以唯我论为内容的主观唯心主义。

实用主义从哲学理论上，集中概括了资产阶级的人生观和政治要求，从实用主义者对“真理”的评述中可以跟充分的认识到这一点。因此，实用主义产生以后，深受资产阶级的赏识，他们可以按照自己的意愿的给自己的行为冠以“真理”的头衔，可以更加堂而皇之的达到自己的目的。因此，实用主义者所倡导的“真理”是片面地、带有阶级色彩的理论。

第四篇：师德修养论文

在课堂教学中加强师德修养

遂川县汤湖中学 黄路平

【摘要】思想品德教师加强师德修养，在教师队伍中具有榜样和模范的影响和指导作用。思想品德教师可以针对师德修养中存在的理想信念淡薄、观念陈旧落后、教育教学工作难度和压力增大等方面，以坚定理想信念、更新教育观念、优化智能结构为着力点，加强师德修养，发挥德育课程教师的优势，起榜样和模范作用，影响和带动教师队伍的师德修养。

关键词：思想品德教师师德修养榜样影响

被誉为“万世师表”的伟大的人民教育家陶行知先生非常重视师德修养，他本人为培育英才呕心沥血，百折不回，表现出崇高的师德；他精辟的师德理论，是新世纪师德建设的宝贵财富。他在强调教师地位和作用的同时，又中肯地指出“要人敬的必先自敬，重师首位在师之自重”。这“自重”的关键在于教师要提高自身素质，加强师德修养。

在学校课程中，思想品德课程是学校的德育课程，因为课程的这一特性，思想品德教师更应该加强师德修养，敢为师德建设的急先锋，争当榜样，影响、指导其他课程教师的职业道德修养，带动教师队伍的师德建设。教师应努力做到在课堂教学评价中提升师德修养，对学生的课堂学习行为做一个公正的评价，使自身的教学成为有效的教学。

一、课堂教学评价应尊重学生

在课堂评价过程中，教师应该真正地把学生看作是自己的伙伴、朋友甚至是自己的孩子，平等的对待每一位学生，尊重他们就象尊重自己最尊重的人一样，鼓励他们能在课堂上将自己内心的真实想法表达出来，对于积极的思想加以鼓励，并在班级乃至 1

全校加以推广；对于消极的思想不能强加干涉，而是通过一些委婉的方式转变他们的思想，让他们心服口服，自愿地接受老师的教育。这种尊重不是形式的，是骨子里的，只有这样，教学民主才能真正落实到实处，学生的创造潜能才能充分地发掘出来，孩子的学习才能真正有效。

二、课堂教学评价应真实生动

在课堂评价过程中，教师不要对学生的回答只是做出简单评价，比如，“正确！”“很好！”“不错！”时间长了，学生会对这种评价感到麻木，失去了回答问题的热情，课堂上往往会死气沉沉，只有老师或少数几个同学在唱独角戏，毫无生气。这时，教师可以运用灵活多样、具有感召力的评价语，“大家都被你的朗读深深吸引了，你愿意再读一遍吗？”“你的回答太精彩了，我们为你骄傲！”“你的词汇量真大，就象一本活字典！”“你的见解很独特，真是青出于蓝而胜于蓝啊！”当学生听到这样的评价语时，他们肯定很激动，并会继续思考老师提出的问题，希望能够得到更多的评价。这样，课堂上学生学习的主动性、积极性就能够被最大限度地调动，从而形成一个个教学高潮。

三、课堂教学评价应以激励和表扬为主

在课堂评价过程中，教师应当用赞赏的眼光，多角度多方面地看待学生所做出的努力，并加以肯定。俗话说：“人怕剥皮，树怕激气”。其实际含有很大的鼓动成分，用得恰当，可以激发学生的斗气和勇气，使其产生一种积极向上，奋发亢进的良好心

态，收到的学习效果就不言而喻了。比如，一些性格内向的学生课堂上不愿意主动回答老师提出的问题，即使他会做的题目也不敢举手发言，这时老师可以轻轻的走到他的身旁，倾听他的答案。如果他的答案是正确的，可以大声地向全班宣布他的答案，面向全班同学对他加以表扬，并适时鼓励他一定要树立信心，勇敢地说出自己的想法。

四、除了课堂实际应用之余，又如何加强师德修养呢？不妨从一下几个角度来看看师德修养的着力点：

（一）要坚定科学的社会理想和信念，树立崇高的教育理想和信念，激发师德修养的内在动力。

理想、信念是师德修养的内在动力。思想品德教师在专业课程的学习中都接受了系统的人类社会发展规律、理想信念和世界观的教育，对此有较深刻的认识，基础较其它课程的教师要扎实，更易于理解和接受坚定社会理想和信念的意义。

（二）更新教育观念，树立正确的发展观，学生观和教育观。

1、教师的发展观，从教育目标上看，有以下三层含义。首先，发展观强调教育为未来培养人才。其次，发展的主体既有学生，也有教师，师生互动，共同发展。三，确立可持续发展观。

2、教师树立正确的学生观，就是从根本上改变学生仅仅是教育的对象和客体的传统观念，确立学生是发展中的人，在教育教学的整个过程中处处体现其主体性，使之成为学习和发展的主体。

3、新世纪的教师必须树立新的教育观。

第一，确立新的教育本质观。

第二，确立生活教育观。

第三，理解学生的生命世界。

第四，教师要树立团结协作观。

（三）针对教育教学工作的难度加大和压力，要优化智能结构，终身学习，加强施教能力。

建立合理的智能结构，全面提高教师自身素质，是现代教师完成自己的使命，成为一名合格教师的必备条件。教师努力学习现代科学文化知识，积极钻研和精通业务，用人类创造的知识武装学生，提高教育教学质量，是对学生和家长负责、对国家和社会负责的表现。这其中包含着深刻的师德修养价值。教师优化自身的智能结构，须从以下几方面努力。

新时期的素质教育需要成千上万的高素质教师去实施，高素质的教师首先应该是高道德素质的教师，才能完成此项艰巨而伟大的任务。只有把教师的道德素质提高了，才能把素质教育落到实处。因此，新世纪的教师要以“万世师表”陶行知先生为光辉榜样，不断提高师德修养，为实施素质教育，培养新一代高素质人才，贡献力量。

总之，课堂评价对学生的发展有着积极的意义，并已成为课堂教学的重要组成部分和推动因素。积极的课堂评价能够使学生获得鼓舞、鞭策，调动起他们学习的积极性、主动性，激发创造性思维，使课堂教学知情相融。作为一名教师，一定要努力做到

在评价孩子过程中不断提升自己的师德修养，给孩子一个美好的未来。

第五篇：音乐修养考试资料

Libera合唱音乐会

Libera在拉丁语里代表「自由」之意。英国音乐制作人与诗歌班所交织而成的歌声Libera。他们的声音融合了传统教会音乐与新世纪音乐，创作出全新的类型。在拉丁语里，这个字不仅蕴含心灵气氛，同时还拥有能将歌曲意义传达给众人的力量。

拥有30位男童的合唱团，曾经被称为“圣菲利普合唱团”、也曾被称为“天籁创世纪”合唱团，该团在1998年正式改名为“天使之翼”后，音乐风格也朝向更积极正面、具有疗伤和振奋效果。同时他们也采用较多的知名旋律和古典名曲来改编。

来自英国南伦敦诺布利(Norbury)的圣菲利浦童声合唱团（St.philips boys' choir）第一次走进公众的视线，可以追溯到1984年他们在Sal Solo的歌San Damiano中为他唱和声。在之后的1988年，他们以圣菲利浦童声合唱团的名字发行了他们的第一张专辑Sing For Ever.1990年合唱团改名为Angel voices发行了Angel voices-new day，随后的几年又出了Angel voices系列的三张专辑这一时期合唱团开始广为人知。

1999年，乐团改名Libera，并发行了同名专辑Libera。2001年发行了Luminosa.此后乐团加入EMI Classics旗下并于2004年发行Free，2005年发行了专辑Visions，2006年发行了精选集Angel voices，2007年发行了合唱团的第一张DVD ——Angel Voices: Libera In Concert。

从St.philips boys' choir名称中可以看出libera起源于教堂唱诗班，早期音乐多是教堂圣歌的形式，给人一种静谧，神秘的感觉。如果说angel voices系列还主要是以classical和church music风格为主的话，那合唱团改名libera后发行的三张专辑则大大加重了new age元素的比重，而且这个趋势还在发展，以至于在新专辑free发行后一位fans直接定义libera的音乐为new age vocal。

凯尔特女人合唱音乐会

凯尔特音乐是来自于凯尔特人的音乐。凯尔特人原为公元前一千年左右居住在中欧、西欧的一些部落集团，经过漫长迁徙来到英伦，其后代今天散落于爱尔兰、威尔士、苏格兰北部与西部山地各处。凯尔特人包括爱尔兰人、苏格兰高地人、威尔士人及康尼士人，他们大多操双语---英语和本族语（盖尔语或凯尔特语），除了文字或文物研究可以证明他们之间的族源关系，最直接的方式是倾听他们的音乐。典型的凯尔特风味，古老、源远流长，可以听到提琴、风笛、小竖琴或者两个风箱的手风琴。在英伦三岛、在美洲大陆，只要是在有凯尔特移民后代的土地上面，你就可以找到这样的音乐。2005年，一个新的有众多美女组成的凯尔特女人组合，以纯美自然的凯尔特音乐风格，在美国再度兴起了跨界风潮。这个组合是由身兼音乐总监、指挥、作曲及编曲者四项身份、曾任《大河之舞》音乐总监的的大卫·唐恩所领军，包括四位爱尔兰歌手克萝伊、莉莎、梅芙、欧拉及一位小提琴手玛莉，还有06年刚加入的新西兰籍巨星海莉。

音乐会礼仪

票务:1.购票方式可选择网点及网络购买,单票或套票.2.确认演出时间 地点 区域(价位不同),不得随意更换位置.着装:1.衣着整洁,不可穿短裤或者拖鞋.2.提倡盛装出席,以示尊重.时间:1.要求提前1个小时到达场地.2.如遇迟到,在演奏厅门口稍后，待单首乐曲结束或乐章之间轻声入场,以免影响他人.饮食:勿将饮料、食品、口香糖、塑料袋（发出声音的物品）等,带入演奏厅.禁止吸烟.电子设备: 1.手机及其它无线通信设备关闭或调至无声状态。2.禁止摄影、摄像及现场录音,以维护知识产权单位及个人著作权的合法权益.3.如获得知识产权单位及个人同意，请在摄影时禁止使用闪光灯.儿童:1.2米以下儿童，谢绝入场。1.2米以上儿童凭票入场（儿童专场除外）。

小提琴协奏曲《梁山伯与祝英台》

何占豪、陈钢于1959年创作，并于当年首演。作品的题材选自广为流传的民间故事，并以越剧音乐为素材写成。这是一部具有鲜明的民族风格和时代特征的作品。

国内将其誉为“民族的交响音乐”。国外音乐界认为是一部“迷人、新奇、具有独创性的作品”，称它为“《蝴蝶的爱情》协奏曲”。《梁祝》采用单乐章结构形式写成，中间带有小标题，全曲三个部分以草桥结拜、英台抗婚、坟前化蝶为主要内容。第一部分为呈示部,第二部分是展开部,第三部分是再现部“化蝶”。

中国传统音乐

我国的传统音乐,可分为民间音乐、宫廷音乐、宗教音乐或文人音乐等不同社会层面。由体裁来分,为:民歌、曲艺、歌舞、戏曲和器乐五种类型。

民歌体裁分为: 山歌 包括各种山野歌曲,如藏族山歌、湖北长阳山歌、内蒙古的牧歌、陕北信天游、青海花儿、四川的晨歌、苗族的飞歌等.号子 多是节奏相对规范化的劳动歌曲,其特点主要是音乐的节奏直接配合劳动节奏,或与集体劳动的动作协调有关.如<<川江船夫号子>>、<<拉纤号子>>等。

小曲 包括各种山歌、号子以外的”里巷之曲”,这其中许多属于城镇街头巷尾市民文化与农村文化交融的产物,民间艺人在其中起了重要作用.如<<月牙五更>>、<<茉莉花>>、<<绣荷包>>等。

曲艺是指诸如单弦、大鼓、弹词、琴书等说唱艺术的总称。歌舞体裁中包括有花灯、花鼓、采茶、二人台等由民歌与民间舞蹈相结合的 以民间器乐曲为伴奏的体裁形式。

戏曲包括有高腔、昆腔、皮黄、梆子腔等不同剧种,其共同特点是将民歌、曲艺、歌舞、器乐等多种音乐成分综合发展,用以表现戏剧。

器乐曲主要是指中国民间器乐的合奏音乐,如:鼓吹乐、吹打乐、锣鼓乐、弦索乐、丝竹乐(江南丝竹、广东音乐、潮州弦诗、福建南音),还有大量民族器乐独奏曲。民族器乐音乐

(一)传统民族器乐音乐

<<战国策>>载:临淄甚实而富,其民无不吹竽、鼓瑟、击筑、弹琴。足以体现我国的民族器乐创作、演奏活动很早就有了蓬勃发展,并得到了广泛普及。

秦汉时的鼓吹乐、魏晋时代的清商乐、古琴音乐、隋唐时期的琵琶音乐、宋代以后的细乐、清乐、吹打乐、十番锣鼓、弦索等民间器乐、以及近代的各种体裁和形式,都是传统民族器乐形式的发展。

在民族器乐形式发展的同时,也留下了大量优秀的传统器乐作品.如古琴曲<<广陵散>>、<<梅花三弄>>、<<平沙落雁>>;琵琶曲<<十面埋伏>>、<<霸王卸甲>>、<<夕阳箫鼓>>;古筝曲<<渔舟唱晚>>、<<寒鸦戏水>>;唢呐曲<<百鸟朝凤>>、<<一枝花>>；笛曲<<五梆子>>、二胡曲<<二泉映月>>等等.而各地不同组合形式的民族器乐更是名目繁多.如江南丝竹<<三六>>、<<行街>>;广东音乐<<步步高>>、<<走马>>;福建音乐<<八骏马>>、<<梅花操>>;苏南吹打<<将军令>>、山东鼓吹<<普天乐>>、湘西土家族<<八哥洗澡>>等等。

(二)传统民族器乐音乐的类型

中国传统音乐在漫长的发展过程中,形成了吹管、拉弦、打弦、弹拨四种。按照乐器的 分类和演奏形式,又可分为独奏乐和合奏乐两大部分.吹管独奏乐是中国音乐史上最早出现的乐器品种和演奏形式,主要包括笛、笙、埙、管、箫、唢呐等气鸣乐器及其演奏的音乐。

拉弦独奏乐器主要包括二胡、高胡、京胡、坠胡、马头琴等弦鸣乐器机器演奏的音乐。

弹拨独奏乐主要包括古琴、古筝、琵琶、三弦、柳琴、阮、扬琴等拨奏弦鸣乐器及其演奏的音乐。

丝竹合奏乐的组合形式灵活多样，乐队组织大多较小型。

吹打乐又称“锣鼓乐”，是中华民族管乐器与打击乐合奏及其乐曲的总称。吹打合奏乐的形式普遍存在约我国各地，形式丰富多样。有苏南吹打、辽南鼓吹、山西鼓乐、山东鼓乐、河北吹歌、十番锣鼓、浙东锣鼓、西安锣鼓、潮州锣鼓等。

音乐欣赏（音乐剧）

音乐剧是将戏剧文学、表演、说白和音乐、歌唱、舞蹈相结合起来并与布景、服装和大场面融为一体的一种剧场演出形式。它是在欧洲轻歌剧，英、美等第流行的歌舞杂剧表演等艺术形式的基础上发展而来的，艺术风格有很强的包容性；既具有流行文化的通俗易懂、青春活力，又具有严肃艺术的严谨和精巧构思；既能让一般听众陶醉其中，也能够让专业人士津津乐道。这种平易近人而又颇具内涵的特质所形成的艺术魅力让世界各地不同种族、不同文化的听众都为之倾倒。

（一）早期音乐剧（20世纪20年代至第二次世界大战）

（二）百老汇的黄金时期（第二次世界大战后至20世纪60年代中期）

（三）从辉煌到暗淡（20世纪60年代中期至80年代）

（四）英国音乐剧的崛起（20世纪80年代以后）

《猫》是音乐剧历史上最成功的剧目，曾一度成为音乐剧的代名词。该剧创作于1981年，是在伦敦上演时间最长、美国戏剧史上持续巡回演出时间最长的音乐剧，1981年5月11日首演于伦敦西区新伦敦剧院，每周8场，星期一休息，连续演出至2002年5月11日。在它21岁生日时，在同一个剧场落幕。《猫》在美国演出时间相加总长为16年零2个月，仅这一出戏在全球演出的总收入就超过了20亿美元，到2000年6月该剧正式宣布停演时，已在全球演出了6000多场。该剧创作精良，表演水平精湛，36位出场演员各有各的绝活，片中的老猫格里泽贝拉由大家熟悉的依莲·佩姬扮演，她被一些媒体称为英国音乐剧“第一夫人”。

歌剧魅影（The Phantom of the Opera）是一部安德鲁·劳埃德·韦伯（Andrew Lloyd Webber）作曲的百老汇音乐剧。又译：歌声魅影、剧院魅影或歌剧院的幽灵。改编自加斯通·勒鲁著《歌剧幽灵》。

1986年首演，于1988年获得七项托尼奖，是史上最成功的音乐剧之一。1986年伦敦的首演由麦克尔•克劳福德和莎拉•布莱特曼担任男女主角，至今全球已有16个制作版本，也被改编成同名电影上映。讲述了一个发生在1870年的巴黎的故事。一个卡西莫多似的苦命人游荡在巴黎歌剧院迷宫般的地下室中。年少的不幸让人们同情他的身世，但丑陋的面容更使人们对他恐惧与排斥，不知道他来了歌剧院多少年，但他安于成为人们心中的魔鬼，成为歌剧院的幽灵。

音乐欣赏（第一课）

音乐，是一门历史十分悠久的艺术。作为人类的一种社会现象，是伴随着人类的出现而产生的，是人类社会发展到一定阶段的产物。关于音乐的起源，古往今来诸多音乐学家、人类学家都作过不同的研究与论述，归纳起来，影响较大的学术主要有：劳动说、模仿说、情感说、巫术说、语言说、娱乐说、性爱说等几种。

物体规则震动发出的声音称为乐音，由有组织的乐音来表达人们思想感情、反映现实生活的一种艺术就是音乐。音乐在人们的社会生活中，是一种传播信息、传递感情的手段。音乐的审美功能体现在音乐的旋律线条、节奏律动、和声织体、调性色彩、曲式变化与统一等，音乐在人们的社会生活中，是一种传播信息、传递感情的手段。

音乐的主要表现手段

音乐是艺术的一种，是通过有组织的乐音所形成的艺术形象来表达人们的思想情感、反映社会现实生活的时间艺术。音乐的艺术功能

音乐作为艺术的一个门类，它必须具有审美价值和审美功能，这是音乐与其他所有艺术的共性。

音乐欣赏（第二课）管弦乐队的形式与结构

除协奏曲、交响曲以外的由管弦乐队演奏的、属于交响音乐范畴的其他体裁类型的作品，统称为管弦乐曲。

管弦乐队通常由弦乐器组、木管乐器组、铜管乐器组、打击乐器组等不同的乐器组合而成。

弦乐组

小提琴

中提琴

大提琴

低音提琴 管乐组

木管

长笛

双簧管

单簧管(黑管)

大管 铜管乐器组

小号、圆号、长号和大号组成。打击乐器组

定音鼓、小军鼓及其他一些打击乐器组成。

管弦乐曲起源于欧洲。

《第九交响曲》由四个乐章构成。蝙蝠序曲是奥地利作曲家小约翰·施特劳斯用其所作轻歌剧《蝙蝠》中动听的旋律缀合而成 “序曲”原指歌剧、芭蕾舞剧或清唱剧等的开场音乐。19世纪以来，作曲家常采用这种体裁写成独立的管弦乐曲，其结构大多为奏鸣曲式，并加有标题。《1812序曲》（降E大调，作品第49号）是柴科夫斯基于1880年创作的一部管弦乐作品。全名为《用于莫斯科救主基督大教堂的落成典礼，为大乐队而作的1812年庄严序曲》。为了纪念1812年库图佐夫带领俄国人民击退拿破仑大军的入侵，赢得俄法战争的胜利。该序曲于1882年8月20日在莫斯科救世主大教堂首演。

彼得.伊里奇.柴可夫斯基（Peter IlychTchaikovsky 1840-1893),俄罗斯最著名的作曲家。他的音乐不仅只受俄罗斯民歌的影响，还可以听到法国、意大利与德国音乐的影响。与同时代的音乐家相比，他的作品秉承了更多的西方音乐传统。他将民族精神与国际元素融合在一起，创作出一种充满主观和激情的音乐。柴可夫斯基的代表作有：管弦作品《第四交响曲》、《第五交响曲》、《第六交响曲》（悲怆）、《降B小调第一钢琴协奏曲》、《小提琴协奏曲》、《罗密欧与朱丽叶》幻想序曲。芭蕾音乐《天鹅湖》、《睡美人》、《胡桃夹子》。他还创作了8部歌剧与管弦乐器展示曲《斯拉夫进行曲》、《1812序曲》。

交响曲（Sifonia或Symphony)的名称源自希腊语，愿意即“一起响”。在中世纪，常指“两个音协和地结合”。是器乐体裁的一种，是管弦乐队演奏的包含多个乐章的大型（奏鸣曲型）套曲。早期的交响曲是有意大利歌剧序曲演变而来。它是按照奏鸣曲的曲式原则创作的一种管弦乐套曲。其曲式结构宏大，内容深刻，富于戏剧性，音色对比鲜明，管弦乐写法复杂。通常由四个乐章组成。第一乐章，快板，奏鸣曲式；第二乐章，慢板，三段式；第三乐章，小步舞曲或谐谑曲；第四乐章，急板，回旋曲式或奏鸣曲式。19世纪以来，标题交响曲兴起，交响曲的题材更加丰富。

A大调第七交响曲（Symphony No.7 in A major），德国作曲家贝多芬作品第92号。首次公演于1807年3月。

第一乐章：稍稍绵延的，活板。第二乐章：小快板。第三乐章：不太快的急板。第四乐章：有活力的快板。

音乐欣赏（第二课.下）

维也纳爱乐乐团（Wiener Philharmoniker）是全球最著名的顶尖乐团之一，在国际乐坛享有盛誉。乐团极高的演奏水准和绝妙的“维也纳音色”使全世界音乐爱好者为之倾倒。他们与维也纳这座城市一样成为音乐的代名词。１８２４年５月２４日，维也纳“音乐之友协会”管弦乐团和维也纳宫廷歌剧院的乐团联合首演了贝多芬的《第九交响曲》。从１８７５年开始，指挥家汉斯·李希特比较长时间地率领乐团演出，先后首演了勃拉姆斯的第二、第三交响曲和布鲁克纳的第八交响曲。瓦格纳、威尔第、布鲁克纳、勃拉姆斯、李斯特等人也都曾以指挥或独奏家的身份与乐团合作，乐团由此真正开始成为世界乐坛所瞩目的名团。1945年后，在三位世界著名指挥大师博姆、卡拉扬、伯恩斯坦的带领下，维也纳爱乐成为世界最负盛名的交响乐团之一。

柏林爱乐乐团（Berliner Phihamoniker）

1882年，由解散了的毕尔瑟交响乐团的大约50名成员作为中心，加上部分业余人士组成。纽约爱乐乐团

这是美国最早的交响乐团，由希尔创立于1842年。

芝加哥交响乐团（Chicago Symphony Orchestra）1891年西奥多·托马斯在C.N.费伊等人的帮助下，获得5万元美金保证金，建立了芝加哥交响乐团芝加哥乐团，以后15年一直延用这个名称。费城管弦乐团

创立于1900年，首任指挥是谢尔。波士顿交响乐团

创立于1881年，由亨谢尔任指挥。

音乐修养（第4课）

钢琴（pianoforte)钢琴是典型的键盘乐器。它结构复杂，主要由琴箱、键盘、击弦机、钢板、音板、琴弦和踏板等部件构成.钢琴通常有八十八个音。共有七个八度多三个音。它的高音区的音色纯净明朗、晶莹亮丽；中音区的音色淳厚、悠扬、典雅；低音区凝重、低沉、浑厚、宏伟、宽广。十六世纪的键盘弦乐器有击弦机械的古钢琴（clavichord)和拨弦机械的羽管键琴（harpsichord)两种较成熟的改良乐器是钢琴的前身。钢琴的基本款式有两种：一种是卧式，另一种是立式。卧式钢琴俗称“三角钢琴”，于1709年在欧洲定型；第一台立式钢琴诞生于1800年。钢琴的演奏形式多样，有独奏、重奏、与管弦乐队合奏、四手联弹、伴奏等。古典主义时期的钢琴艺术

意大利人克里斯托弗（1655-1731）在1710年前后制成了最早的现代钢琴。浪漫主义时期的钢琴艺术 肖邦被誉为“钢琴诗人”。弗拉基米尔·霍洛维茨（Vladimir Horowitz，1904－1989）

，美国最负盛名的钢琴家之一，美籍俄罗斯人。

马尔塔·阿格里齐（Martha Argerich，1941－），阿根廷女钢琴家。

郎朗，1982年出生于中国沈阳。1985年，3岁由父亲郎国任启蒙开始学习钢琴。1995年，13岁获第二届柴科夫斯基国际青年音乐家比赛第一名。1996年，14岁考入著名美国科蒂斯音乐学院，师从著名钢琴大师、院长格拉夫曼。3个月后，与国际著名的IMG演出经纪公司签约，从此走向了职业演奏家的道路。

音乐欣赏（第五课）人声的类别

人声类别划分的主要依据是音色及音域。

一、女高音

1.花腔女高音（Coloratura Soprano)2.抒情花腔女高音（Lyric Coloratura Soprano)3.抒情女高音（Lyric Soprano)4.戏剧性女高音（Dramatic Soprano)玛丽亚·卡拉斯Maria Callas(1923-1977)。著名的美籍希腊女高音歌唱家。

二、女低音

1.次女低音2.女低音

三、男高音

1.上男高音（Altino)2.抒情男高音（Lyric Tenor)3.戏剧性男高音（Dramatic Tenor)

四、男中音

1.上男中音（High Baritone)2.男中音(Bariton)3.下男中音（Bass Bariton)五.男低音

1.男低音（Bass）2.特殊男低音

音乐修养（第六课上）

一、同声合唱

由同音质的不同声部组成的合唱叫同声合唱。1.女声合唱2.男声合唱

目前常用的女声与男声所组成的混声合唱： 1.一般性混声合唱 2.专业性混声合唱

3.非四声部的混声合唱

二、混声合唱

由不同音质不同声部组成的合唱叫混声合唱。童声+男声

女声+男声 维也纳童声合唱团

维也纳童声合唱团是由一群身穿蓝色水手服的男孩所组成的，这项特殊的打扮也成为了他们的标记。该团中的男童女高音（boy soprano）和男童女中音（boy alto）以优雅而又轻盈无比的男童声高音与男童声中音，演唱着各式各样的圣歌、圆舞曲、艺术歌曲、民歌与弥撒。（英文名称为Vienna Boy’s Choir 英文简称VBC）。

音乐修养（第七课）

巴洛克时期经历了音乐史上一项重大的革命性发展——歌剧（OPERA）。或带有管弦乐队伴奏的演唱的喜剧的诞生。在管弦乐队伴奏下的独唱曲称为咏叹调。宣叙调是模仿说话的节奏和音高变化的歌唱方式。当需要三个或三个以上演唱者的作品，即称为重唱曲。合唱在歌剧中常常起到营造气氛和烘托表演的作用。提示台词者必须在观众无法看见且狭小的空间内，为演唱者提示台词或是音高。序曲是大多数歌剧的纯管弦乐队作品开头。用音乐对整部歌剧做简短的介绍，向听众展现整部歌剧的基本情绪。每一幕开始之前的乐团导奏，称为前奏曲。

歌剧产生于16世纪末的意大利，是西方音乐文化的重要组成部分。1637年在意大利威尼斯建成了第一所公开歌剧院——圣卡西亚诺剧院.瓦格纳延续了格鲁克歌剧改革的线索，巧

。二 歌剧的体裁形式

（一）正歌剧

（二）喜歌剧

（三）大歌剧

（四）轻歌剧

（五）乐剧

（六）音乐喜剧

（七）室内歌剧

（八）抒情歌剧

音乐修养（第十五课）

舞剧在西方被通称为“芭蕾”(BALLET),起源于文艺复兴时期的意大利，形成于16世纪的法国。是一种由舞蹈、音乐、戏剧构思和舞台美术融合在一起的综合艺术，以舞蹈、表情动作和音乐为主要表现手段。舞剧中的音乐不仅是舞蹈和表情动作的伴奏，而且对塑造艺术形象。推动剧情发展起重要作用。舞剧中包含的舞蹈类型比较广泛，通常有古典舞、性格舞、现代舞、宫廷舞以及武术、杂技性的舞蹈。舞剧音乐包括序曲、各种舞曲、场景音乐、幕间曲等。

柴可夫斯基（Peter Ilitch Tchaikovsky1840-1893）俄国作曲家。生于一个矿业工程师的家庭，自幼学习钢琴。1859年毕业于彼得堡法律学校，在司法部供职。1862年入彼得堡音乐学院，学习作曲。后在莫斯科音乐学院任教。1877-1890在梅克夫人的资助下，得以辞职专心从事创作。1893年被英国剑桥大学授予名誉博士学位。柴可夫斯基的创作几乎涉及所有音乐体裁形式，且每个领域内都有流芳百世的经典作品。主要有《悲怆交响曲》等六部交响曲，《奥涅金》、《黑桃皇后》等十部歌剧，《天鹅湖》、《睡美人》、《胡桃夹子》等芭蕾舞剧，以及各种器乐独奏曲、协奏曲、重奏曲和声乐浪漫曲等。他的钢琴作品除了著名的《降B小调第一钢琴协奏曲》外，许多小品也广为流传。

《天鹅湖》: 芭蕾舞剧，作于1876年,1877年2月20日在莫斯科大剧院首演，四幕，取材于俄罗斯民间故事《天鹅公主》和德国作家姆宙斯的童话《天鹅湖》。20世纪的舞剧基本上有两种类型。一是循着俄罗斯芭蕾传统的前苏联式的舞剧。另一种是“现代芭蕾”。中国的舞剧包括民族舞剧、歌舞剧和芭蕾舞剧。中国近现代舞剧音乐事业起源于20世纪20年代。