《音乐侠》精彩游戏内容回顾

第一篇：《音乐侠》精彩游戏内容回顾

17611游戏资讯：3D音乐社区网游《音乐侠》纸醉金迷奢华永不删档首测震撼所有舞游玩家，《音乐侠》首测已然结束，然而次世代音乐舞蹈却在玩家的脑海中挥之不去，在等待《音乐侠》全新版本炫舞新时代的漫长旅途中，许多玩家对《音乐侠》的精彩游戏内容进行了回顾及盘点，据悉，《音乐侠》官方将对全新版本炫舞新时代进行大量全新游戏内容。

《音乐侠》全新版本炫舞新时代不仅将开放大世界大场景、百人主播团、3DFLASH全可视化商城等等令玩家眼馋不已的游戏特色。据悉，《音乐侠》将通过“全民共建音乐侠”的活动，将玩家富含建设性的建议以及创意在游戏中实现，并且融入更多时尚游戏元素，让全新版本开启炫动舞蹈的新时代。

《音乐侠》作为一款次世代舞游，首测期间其独创的“Night Club”主题夜场玩法让每一位VIP玩家感受奢华的万元LV包包、真人美女主播夜场秀，《音乐侠》首测纸醉金迷名副其实，人气爆棚。除此之外，《音乐侠》凭借次世代的游戏画面、写实的游戏风格，让习惯了Q版舞游画面的玩家眼前一亮，创意的游戏模式以及高自由DIY玩法，让VIP感受到了次世代舞游的时尚魅力。

《音乐侠》全新版本炫舞新时代最大的玩点要数大世界场景的全景开放，摆脱创方式跳舞、高自由玩家互动跳舞，未来城市祈始区将未来建筑风席卷大世界，精彩的PVE剧情、万人阵营战，玩家将体验前所未有的音乐传奇之旅，偌大的大世界，建筑群恢宏壮观，道路交通庞大，让玩家体味大世界，转角遇见爱。3D音乐社区网游《音乐侠》是一款极具特色、个性时尚的次世代音乐舞蹈类网游，一起期待全新版本为玩家带来新惊喜与新精彩。

第二篇：历届三中全会内容回顾

以下是由

1978年 十一届三中全会

拨乱反正

全会确定了解放思想、实事求是、团结一致向前看的指导方针;作出把工作重点转移到社会主义现代化建设上来和实行改革开放的决策。

1984年 十二届三中全会

改革从农村走向城市

通过了《中共中央关于经济体制改革的决定》，规定了改革的方向、性质、任务和方针政策，是指导中国经济体制改革的纲领性文件。

1988年 十三届三中全会

为深化改革扫清道路

通过了《关于价格、工资改革的初步方案》，确定治理经济环境、整顿经济秩序、全面深化改革的指导方针。这次会议为进一步深化经济改革扫清了道路。

1993年 十四届三中全会

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制定市场经济基本框架

制定了社会主义市场经济体制的基本框架，提出包括建立现代企业制度、深化农村经济体制改革和扩大对外开放等政策方向。

1998年 十五届三中全会

建设社会主义新农村

通过了《中共中央关于农业和农村工作若干重大问题的决定》。提出坚持以家庭承包经营为基础统分结合的双层经营体制。

2003年 十六届三中全会

完善市场经济体制

通过《中共中央关于完善社会主义市场经济体制若干问题的决定》，提出鼓励非公有制经济发展、国企改革、转变政府职能、建立现代产权制度等。

2008年 十七届三中全会

推进农村改革

通过《中共中央关于推进农村改革发展若干重大问题的决定》，提出加强农村制度建设;积极发展现代农业，提高农业综合生产能力;加快发展农村公共事业。

改革开放以来，一些具有重大转折意义的改革决策，都是在党的三中全会上做出的。国家行政学院教授竹立家说，从党的十四大以来，一中全会和二中全会主要是人事工作方面的部署安排，而三中全会则是出台重要改革政策和体现新一届领导施政纲领的会议。七中全会则担负着“承前启后”的重任。

第三篇：精彩游戏

精彩的游戏

时间：2018-08-03 09:50:01 | 作者：蔡锦鸿

今天的游戏很精彩，让我来给大家说吧！

我们玩的游戏就是连字成句，怎么玩呢？就是把人分成两组，在枝条上写几个字，等到全部人都写完之后，老师把大家写的字写在黑板上，然后让大家想一想怎么连成一句通顺的话，想到了就加一分，想不到的不加分，看哪个组的分高。

游戏开始！我们都在想，写什么字好呢？我想了想，就写了一个简单的一个人名，叫“小明”，然后等其他同学写完。过了 40 秒后，老师写出我们一组同学写的词。万万没想到的是，我们这一组写出来的竟然是小明、红、粉红、的、颜色、红色。这样没有关系的词语如何连成一句话呢？我们组都慌张起来。而第二组的同学却在坏笑，好像在对我们说：“看你们怎么办？”老师写出了第二组同学写的字，他们写的词竟然顺得不行，有“好、美丽的、枫叶、五谷丰登的、秋天。”MyGod！我们还怎么赢？他们组一下子想到了一句：“五谷丰登的秋天，好美丽的枫叶。”我们想了半分钟，还没有一个想出来的。还好老师送给我们一个字，就是“是”字。我们终于想到了，就是：“小明的颜色是红？粉红？红色？”这次我们都有一分。

第二次，我们急匆匆地写字，我就写了“花朵”交给了老师。全部同学写完交给了老师。老师把我们写的词一个一个写在白板上，我们紧张地看着，这下更不好了，我们组又来这一套：“安静、花朵、龙虾、凶猛、养、水里的小鱼。”第二组写的是：“夏天、季节、炎热、的、是。”这下对我们来说真是超难，对他们来说好简单，才过了 5 秒他们就想到了：“夏天是炎热的季节。”我怀疑他们都看过自己组员写的词语。这不公平！我们想了 2 分钟才想到一个，是：“凶猛龙虾，安静花朵，养水里的小鱼。”还好，老师说对，这下还是平分。游戏玩完了，老师让我们写今天的作文，也就是我的这篇作文。

今天这节课真是令人兴奋啊！

第四篇：音乐游戏

幼儿园大班音乐游戏：老鼠给猫送礼

活动目标：

1、在熟悉歌曲旋律的基础上，学唱游戏歌曲。

2、通过听故事、看木偶演示等活动，创编游戏动作，学会游戏的玩法。

3、能遵守游戏规则，体验游戏诙谐、幽默的愉快情趣。

活动准备 ：

木偶道具：老鼠、猫、一条肉、一担鱼，磁带、圆舞板或木鱼。

活动过程：

⒈出示老鼠玩偶，引起幼儿兴趣.。

“小朋友你们看这是谁？”，“噢小老鼠告诉我它准备去干一件事，它要去干什么去？我们一起去看看”。

⒉根据歌词操作木偶讲故事，通过提问，引导幼儿熟悉歌词。（木鱼伴奏）

⑴讲故事前半部，提问：“小老鼠去干什么呀？” “他送的什么礼？一手？一手？” “你们猜猜它送礼给谁？”“我们接着往下看”。

⑵讲故事中间部分，提问：“它送礼给谁？它为什么要送礼给小花猫？它怎么说的？” 说完18小节提问：“猜猜猫会怎么说呢？” [3]讲故事后半部分

⒊带幼儿有节奏地念儿歌。“看完了，我们一起来说说”。

⒋创编动作，通过动作帮助幼儿记忆歌曲内容。

“我们和小老鼠一起去送礼好吗？” ⑴“小老鼠的礼物准备好了你们的呢？”引导幼儿做边拎肉边挑鱼的动作。

⑵“你是小老鼠你怎么求小花猫？” “它求的时候心里怎么样？”（表情），引导幼儿创编老鼠求猫的样子。

[3]创编猫得意的动作。

⑷完整地用动作表演一遍，钢琴轻声伴奏。

⒌学唱歌曲。

⑴“刚才的旋律你会哼吗？我们一起用 La来哼唱一遍。” 幼儿哼旋律。

⑵“请你们把刚才的故事加到这旋律里，我们来试一试。”幼儿和教师一起唱。

⑶重点掌握“它求小花猫呀别再吃自己”等附点的节奏。

⒍游戏。

⑴手指游戏：（唱到最后一个字—„你‟）请猫抓老鼠的手，老鼠将手背在身后。

⑵在座位上游戏：同座两人游戏两遍，一人当猫，一人当老鼠。“在音乐的什么地方抓老鼠？”（唱到最后一个字—„你‟）请猫抓老鼠的手，老鼠将手背在身后。

⑶教师当猫，幼儿当老鼠，歌词唱到“它求小花猫别再吃自己”时，老鼠要走到猫面前，歌词唱到最后一个字—„你‟时，老鼠才能跑回家。

⑷教师当猫或请一名幼儿当猫，其余幼儿当老鼠，进行游戏。

⑸请3—5名幼儿当猫，其它幼儿当老鼠，进行游戏。引导幼儿做小花猫得意的样子。

⒎活动结束（小结或在游戏尾声中走出活动室

幼儿园大班音乐游戏：开城门 活动目标

1．通过游戏，幼儿尝试用鼓点创造性地表现音乐的节奏。2．培养幼儿自主解决问题的意识。3．让幼儿体验集体合作游戏的快乐。活动准备

腰鼓及鼓棒幼儿人手一份，多媒体课件《音乐小屋》。活动过程

1．导入激趣——回声游戏。

幼儿随音乐边敲腰鼓边进入活动室。

师：小朋友，以前我们玩过回声游戏，今天我们用腰鼓也来玩一玩，好吗?那用腰鼓可以怎么玩呢? 幼1：教师敲，我们做回声。

幼2：我来敲，大家来做我的回声……。师：好的，就用你们的方法来试一试。

教师合理采纳幼儿的方法，带领幼儿玩回声游戏，鼓励幼儿敲出不同的节奏型，丰富幼儿的节奏经验。评析

教师以前曾带领幼儿用唱歌的形式玩过回声游戏，此时，鼓励幼儿把以前的经验迁移到这里，用敲腰鼓的形式来玩，既激发了幼儿自主游戏的兴趣，又巧妙地练习了多种节奏型，为后面的活动做好经验准备。2．音乐游戏：开城门。

师：回声游戏好玩吧?下面我们玩个更有趣的游戏——开城门。(出示多媒体画面)看，这里有一座非常神奇的音乐城，里面藏着许多神秘的礼物，想不想进去玩?不过，要进音乐小屋可不是件容易的事，必须通过三扇大门，每扇大门上都有一幅画，里面藏着有趣的节奏，假如你能用鼓点把这幅画中的节奏敲出来，你就能打开这扇门。你们有信心吗?(1)开第一扇门。

(出示下图：大手小手无序排列)师：咦，小朋友看，图中画了些什么?它们的位置是怎么样的?想一想，我们可以用什么样的节奏来表示它?你能用鼓敲出来吗?(鼓励幼儿根据自己的理解，用一段无规律的鼓点把画面内容表现出来)来，我们一起演奏音乐。(门打开了)评析

第一扇门上的内容是许多无序的小手，所以表示的是一段无规律的节奏。看似非常简单，却让幼儿明白了看图的方法，循序渐进，为后面的活动埋下伏笔。(2)开第二扇门。

(出示下图：大手小手有序排列)师：看，这幅图上有些什么?和前面的一幅图有什么地方不同?这幅画应该用什么样的节奏来表示呢?(鼓励幼儿用鼓点敲出图片中的节奏)师：这么多好听的节奏，除了大家一起敲，还可以用什么样的方式来演奏? 幼l：大手的地方敲鼓面，小手的地方敲鼓身。

幼2：大手的地方大家一起敲，小手的地方只要一半人敲。

幼3：和老师合作敲，大手的地方老师敲，小手的地方小朋友敲。幼4：大手的地方站着敲，小手的地方蹲下来敲…… 老师带领幼儿逐一尝试。

师：我们用了这么多的办法来表现这幅画的节奏，看，门打开了吗?(演示画面：开第二扇门)

敲鼓身。

幼2：大手的地方大家一起敲，小手的地方只要一半人敲。

幼3：和老师合作敲，大手的地方老师敲，小手的地方小朋友敲。幼4：大手的地方站着敲，小手的地方蹲下来敲…… 老师带领幼儿逐一尝试。

师：我们用了这么多的办法来表现这幅画的节奏，看，门打开了吗?(演示画面：开第二扇门)

我和“mi”来交朋友

活动目标：

1、培养孩子对音乐的热爱之情，敢于在大家面前展现自己。

2、知道“mi”在五线谱上的位置，并能准确唱出“mi”。

3、准确打出二分音符的节拍 活动准备：

1、经验准备：（1）、幼儿对“do,re”有一个固定的音高，能准确判断出它的位置（五线谱、钢琴）（2）、准确打出四分音符的节奏，认识高音谱表

2、材料准备：（1）、高音谱表、四分音符、二分音符若干（2）、儿歌《摇啊摇》五线谱 活动过程：

1、唱“la” 出示高音谱表

“小朋友，你们看看我是谁？” “高音谱表”

在高音谱表上贴上“la”

“请你看看我身上的音符是谁？” “la”

“然我们一起跟着钢琴唱唱我的名字？”（跟着钢琴唱“la”）

2、复习“do、re”

教师手里拿着带有“la”的高音谱表

“你们还记得我的两个好朋友吗？看看他们是谁？” “do、re”

“我们一起来唱唱他们的名字吧”（跟着钢琴唱几遍“do、re”）

“你们太棒了，我来给你介绍一下我的新朋友吧”

3、引出“mi”

“我的新朋友就住在“re”的楼上”（教师在高音谱表上贴上“re”）“请你说说“mi”在高音谱表的什么位置？” “第一线”

“我们一起来唱一下它的名字吧”

（幼儿跟着钢琴唱几遍，然后以排火车的形式每个幼儿唱一遍。随时改正）

4、节奏练习

“请小朋友看一下这个“mi”是几分音符”

“四分音符” “四分音符唱几拍？”

“一拍”（引导幼儿用手打出节拍）

“我给小朋友介绍一下四分音符的好朋友”（出示二分音符）

“请你看一下二分音符与四分音乐一样吗？哪里不一样”（幼儿自由回答）

“它的名字叫做二分音符，唱两拍，拍两下小手就是它了，我们一起来试一下吧！”（幼儿打出二分音符的节拍）

出示《摇啊摇》五线谱

“你们的小手真巧，你能打出这条旋律的节奏吗？一起来试一下吧！”（引导幼儿打出歌曲节奏）

“上面的这些音的音高你知道吗？让我们一起来认一下”（引导幼儿认音高）

“我们一起跟着钢琴唱出来吧！”（跟着钢琴唱出谱子）延伸活动：

“你们知道“mi”在钢琴上的位置吗？我们一起来找一下吧！”

中班韵律教案：《摘果子》

活动目标：

1、按音乐节奏，手脚协调地做摘果子动作

2、加深对秋天的认识，体验摘果子的喜悦

活动准备：

1、创设“丰收的果园”情境

2、《摘果子》音乐磁带

活动过程：

1、复习《小树叶》注重表达歌曲中的不同情感。

2、欣赏《摘果子》的乐曲旋律，进入水果丰收情境，产生联想

3、学习律动

1）幼儿在情境中摘水果，感受水果的喜悦

2）教师示范，讲解动作的要领，如：手腕的转动等。

3）幼儿随音乐节奏练习摘水果的动作

4）随乐复习踵趾小跑步

5）手脚协调的随音乐做动作。

4、鼓励幼儿创编动作，表现果园的丰收情景

5、引导幼儿一人表演，二人，三人或集体合作表演

大班奥尔夫音乐教案——《吹泡泡》

一、目标 1． 培养幼儿的观察力、注意力、对音乐的开始与结束的反应能力。2． 对幼儿进行气息的训练及力度的控制和想象力的练习。3． 能够完整地歌唱歌曲并且大胆地表现歌曲地情感。

二、教具准备：吹泡泡的玩具、铃鼓、响板。

三、活动过程 1． 幼儿自由活动，教师开始吹泡泡引起幼儿的注意。要求请每一位小朋友盯住一个泡泡去看，泡泡的颜色、在阳光下的颜色、形状，引出歌词。2． 请小朋友每人跟着一个吹出的泡泡唱“啊”音延长到泡泡破裂，破裂时发出“啪”的声音。3． 用声势表现，请幼儿每人跟着一个吹出的泡泡一直轻声拍手，当泡泡破裂时跺一下脚表示。4． 二部练习，幼儿分成两组，当泡泡吹出时，一组小朋友各自跟一个泡泡，边拍手边发出“啊”的声音，泡破停声；另一组小朋友同样每人跟一个泡泡，在泡泡破裂时垛一下脚并且发出“啪”的声音。5． 出示乐器铃鼓、响板让幼儿辨认，用铃鼓跟吹出的泡泡，响板表示破裂的泡泡。6． 放音乐，请幼儿仔细地倾听。提问：这首好听的歌曲的名字是什么？（《泡泡不见了》）这首歌曲里唱了什么？ 为什么泡泡不见了？ 泡泡飞到哪里去了？ 7． 幼儿边唱边舞，根据歌词的内容和教师一起手拉手先做圆圈状，并边唱边跳，表示所有的人都是一个大泡泡；或者幼儿个体模拟泡泡自由的即兴舞蹈。当唱到“咦”时，所有的人做泡泡破裂状，并在原地接唱“泡泡不见了”。要求破裂的动作每个人各不相同，每一次的动作都和别人不一样，也包括自己的创作动作每次都不相同。歌词与谱例：

吹泡泡

1=D 2/4 1 ∣5 5 3∣(5656 51∣5 5 3)∣2 3 ∣72 1∣(2323 2 5∣72 1)∣

吹 呀 吹泡 泡

有大

又有小 1 ∣5 5 3 ∣4 ∣66 5∣44 0 ∣33 0∣χ 0∣ 2．1

72∣1―‖

飞 呀 飞上 天 飞

呀

飞上 天 泡泡

泡泡

咦

泡 泡

不见了。

大班歌曲游戏：小皮球（第1课时）

一、活动目标：

1、通过律动游戏

2、感应歌曲A段中的附拍。

3、快乐地参与活动。

二、活动重难点：

活动重点：熟悉歌曲旋律并学唱歌曲。活动难点：感应圆滑奏和断奏。

三、活动准备：

奥尔夫音乐VCD碟一张、蛙鸣筒、铃鼓（均与幼儿人数相等）。

四、队形及教具的摆放：幼儿用软垫半圆形就坐，小皮球放在软垫后。

五、活动过程：(一）故事引入：

下雨了，宝宝没办法出去玩，小熊跑来安慰她：“下雨了，我们可以撑伞啊！雨伞……

（二）情景扮演

讨论：下雨天可以做什么

老师弹钢琴，幼儿表演画画、撑伞踏水、弹琴、打枕头仗

（三）故事引导：

外头飘起了雪花，小熊好奇地跑出去玩雪。宝宝一个人在家，突然，他听到玩具盒里的玩具正

在讨论……

（三）感应复拍

1、律动感应

﹡A段：滚手／身体左右摇晃。

﹡B段：跳／踢／丢／拍的玩球动作。单人／双人

2、皮球的游戏（1）手的律动

双手互滚／弹跳／丢／接／拍……(2)脚的律动

以脚滚球／夹球跳／侧踢球……

3、配合音乐律动 ﹡A段：滚球。

﹡B段：弹跳／丢／接／拍

（四）唱名旋律

1、持球，唱出唱名高低。

2、唱歌曲前段之唱名旋律。

名 称 ：音乐游戏《蝴蝶找花》 目 标：1.幼儿听音乐做游戏。

2.学习在游戏中与同伴愉快合作。

准 备：头饰、音乐磁带、录音机。教学过程

1、幼儿欣赏音乐，介绍游戏的名称《蝴蝶找花》。

2、幼儿分角色表演。轮流担任“蝴蝶”或“花”。部分幼儿扮“蝴蝶”，部分幼儿扮“花”。“花”分散在活动室里，摆出静止的姿态。

3、“蝴蝶”走小碎步 模仿蝴蝶飞舞并找“花”，在每乐句的末尾处，摆出找到花后闻花、采蜜等静止姿态。

4、根据春游的观察或日常生活经验，学做小蝴蝶飞的动作。

5、边听音乐，边看教师跟着音乐画小蝴蝶找花。（每句画一曲线，句末画一朵花）

6、听音乐，在乐句的末尾处拍一下手或做一个闻花、采蜜的静止动作。

7、跟着音乐学做小蝴蝶找花的动作，句末要静止摆出造型。

8、想出不同的蝴蝶动作和停在花朵上的姿态。

9、做“美丽的花”，花儿微微地随风摆动，乐句末尾保持静止姿态不动。游戏名称：“水可以用来……” 目标： 能用“水可以用来……。”的句式，说出水的各种用途。准备： 有关水的用途的小卡片（也可以做好幻灯片）

玩法： 任意翻一张卡片，根据内容用”水可以用来……。”的句式说出水的用途。变化延伸：水可以替换成“纸”、“火”、“风”……等名词，发展幼儿认知，锻炼发散性思维。

音乐游戏：《卖报歌》

活动目标：1.要求幼儿根据歌词表演动作并创编动作。

2.培养幼儿用表情，动作与同伴合作表演。

活动准备：音乐磁带，录音机 活动过程：

1.幼儿听音乐拍手，教师交代游戏的名称《卖报歌》。

2.教师复习歌曲以后，请幼儿用领唱和齐唱的形式演唱歌曲，然后请幼儿两两结伴有表情地演唱歌曲，边表演动作。

3.帮助幼儿体验与同伴交流，合作进行歌曲活动的快乐。4.结束部分，教师讲评幼儿合作游戏的情况。

第五篇：20世纪西方音乐回顾

２０世纪西方音乐回顾

作者：钟子林 字体： 【大 中 小】

人类已经迈入一个新的世纪。回顾过去百年来的西方音乐，在整个西方历史发展中，它究竟起了什么作用?有什么意义?得失如何?这些问题也许几十年后回过头来可以看得更加清楚。但是，任何事物都是相对的。即便是现在，我们也能从回顾中提出一些问题来加以探讨，以利于我们更好地认识和借鉴西方现代音乐。

(一)1909年在20世纪音乐史中或许是很重要的一年。那年8月，勋伯格完成了他第一首无调性作品《钢琴曲三首》(op.11)。无调性音乐语言显得夸张、怪诞，是与世纪初流行于德奥的表现主义流派相联系的。表现主义者面对黑暗现实，用极端主观的方式，把内心的苦闷、孤独、恐惧、绝望、悲痛等情绪表现出来。欧洲音乐从此进入了一个新的时期。自1600年以来，几个世纪所遵循的调性原则被打破了。不过，调性原则的打破并不是突如其来的。勋伯格之前，在德彪西印象主义作品里的模糊调性、斯克里亚宾的“神秘和弦”、理夏德·施特劳斯的乐队织体、瓦格纳的半音化和声中，调性已经趋于瓦解。无调性音乐的进一步发展是十二音音乐。勋伯格于1923年完成了他第一首十二音作品《钢琴组曲》(op.25)。从此，十二音音乐作为一种作曲方法被确立下来。十二音的原则在勋伯格的两个学生贝尔格和威伯恩--特别是后者--的作品中得到进一步的发挥。威伯恩把勋伯格音乐中的序列原则应用到节奏、音色等方面，以发展了一种高度浓缩和简练的音乐语言著称。

与无调性相联系的是多调性。斯特拉文斯基在舞剧《彼得鲁什卡》(1911)中创造了所谓“彼得鲁什卡和弦”，把C大调与＃F大调并置在一起。艾夫斯早在19世纪末，在没有受到同时代其他作曲家影响的情况下，使用了多调性，如《美国变奏曲》(1891)。卡赛拉在《11首儿童曲》(1920)中运用多调性，多少含有逗趣的意味。多调性用得最多的是米约，特别在他的《屋顶上的牛》(1919)中表现明显。兴德米特也对传统调性的发展作出了贡献。他的音乐是有调性的，但不同于大小调体系，而有他自成一家的、非常广泛的调性理论体系(有人称之为“泛调性”)。

在节奏领域，斯特拉文斯基受俄罗斯民间音乐启发，在《彼得鲁什卡》(1911)中使用了不断变化的拍子记号。在接着上演的《春之祭》(1913)中，不对称的节拍得到进一步的发挥。巴托克在对匈牙利等地的民歌收集中，也发现了不对称的节奏，它们不同于欧洲传统音乐，如5/

8、7/

8、11/8等质数节拍，并将它们运用在自己的创作之中。于是，几个世纪以来欧洲音乐中按照规则交替的重音思维习惯被打破了。作曲家们不断地从斯拉夫舞曲、爵士乐、现代机械音响，或者复兴浪漫主义以前的复调风格音乐中获取包括复节奏在内的各种非常规的节奏形态。

至此，无论调性还是节奏方面的变化，仍是发生在传统的半音音阶体系之内的变化。1919年，捷克作曲家哈巴(AloisHaba)在一些前辈于19世纪末进行的试验基础上，依据他对摩拉维亚民间音乐的考察，用1/4音创作了他第一首微分音作品《第一弦乐四重奏》，继而又用1/6音创作了《第五弦乐四重奏》(1923)，从而实现了对半音体系的突破。

更为令人吃惊的变化也许来自音响和音响材料本身。1913年，意大利未来主义作曲家鲁索洛(LuigiRussolo)主张把噪音用作音乐作品的基本音响材料，以表现现代机械文明，并为此创作了噪音音乐作品。这种扩展音源的想法却吸引了很多人，包括瓦雷兹。在他为打击乐所写的《电离》这首作品中，节奏、音色和力度，而不是旋律，成为音乐表现的主要因素。奥涅格的《太平洋231号》虽然没有使用噪音，而是用管弦乐来描写火车的运动，也是体现未来主义追求新的时代感的著名例证。噪音音乐企图告诉人们：在无限丰富的音响世界中，被作曲家用来建立音调体系的只是一小部分。在我们的周围生活中，还有着许许多多可供采用的音响材料。

在声乐中，音响材料的扩展表现在勋伯格独唱套曲《月光下的彼埃罗》(1912)中采用了介于说和唱之间的音调。它根据说话的语调构成旋律的走向。这种念唱手法(sprechstimme)在贝尔格《沃采克》中得到发展。在钢琴上，巴托克首先探索了它的打击乐效果。考威尔于1912年使用“音块”(tonecluster，如《玛瑙瑙的潮水》)，扩大了钢琴传统的音响范围。在音块中，分辨不出具体的音高，而只是一堆音的聚集，虽不是噪音，却很接近噪音。凯奇于40年代在钢琴琴弦之间塞进各种小物件，即预置钢琴，改变了钢琴音色。在管弦乐中，勋伯格提出了“音色旋律”(Klangfarbenmelodie)的思想，认为不同乐器先后发出同一个单音，可以产生类似旋律的效果。在传统音乐中从来处于次要地位的音色，历史上第一次成为音乐表现的主要手段。

(二)第二次世界大战结束以后，新音乐的实验非但没有降温，反而愈演愈烈。不仅流派繁多、风格各异，参与人数亦大为增加。1945年以前，进行音乐实验的只是少数作曲家；1945年以后，继续按照传统风格写作的作曲家成为少数，出现了一大批以进行各种音乐实验闻名于世的作曲家，如梅西安、布列兹、施托克豪森、凯奇、卢托斯拉夫斯基、潘德雷茨基、诺诺、亨策、利盖蒂、吉纳斯特拉、贝里奥、克拉姆等。他们离开19世纪浪漫主义传统已经很远，却代表了西方音乐发展的主流。在这纷繁杂多的现象中，我们仍然可以看出，战后的新音乐主要集中(不是惟有)表现在下列四个方面：

1.序列音乐

如前所述，威伯恩的十二音作品已为序列音乐打下基础。梅西安在把十二音音乐在音高上的序列原则全面扩展到节奏、力度、音色等方面起了关键作用。他在1949年创作的钢琴曲《时值与力度的模式》成为战后影响很大的序列音乐这一流派的出发点。序列音乐把节奏、力度、音色等从其原来附属于旋律的传统关系中独立出来，赋予它们新的结构形式和表现力。布列兹著名的序列音乐作品《没有主人的锤子》(1954)，为女低音和六件乐器而作，织体透明，音响奇特，有东方色彩；时而安逸，时而狂野，大跳的旋律，七零八落的节奏，不可预测。诺诺为独唱、合唱与乐队而作的序列音乐作品《被打断的歌》(1955)，根据抵抗运动战士控诉法西斯暴行的几封书信写成，结构严谨，不乏激情和诗意。70年代以后，尽管作为一个流派，严格意义上的序列音乐逐渐走向衰落，但是影响依然存在。很多人的作品中，在旋律、节奏、和声等形态方面寻求变化，避免重复，几乎成了一条规则。梅西安本人，在后来的作品中，继续吸取和发展了《春之祭》、印度音乐、佳美兰音乐中独特的节奏手法，如非逆行节奏、附加时值等。他的“有限移位调式”构成了他自成一家的和声体系。其他作曲家也经常从非欧洲音乐的节奏、音响中获取创作灵感。

2.偶然音乐

偶然音乐的代表人物凯奇于1951年根据《易经》写成了第一首偶然音乐作品《变化的音乐》，依靠扔硬币和查八卦来决定音乐的各种参数。如果说，序列音乐是把创作的权力一定程度地交给了数学的话，那么偶然音乐是把它交给了“随机”的方法或演奏家。凯奇是个有争议的人物，但他无拘无束的思想还是吸引了一部分年轻的作曲家。施托克豪森的《钢琴曲XI》(1956)，共有19段音乐，演奏者可随意演奏他所看到的部分乐谱；又规定了6种不同的速度、力度和演奏法，供演奏家选择。偶然音乐不仅改变了演奏者的作用，改变了记谱法，改变了传统的曲式概念和结构法则，而且影响了直觉音乐(以施托克豪森为代表)、即兴音乐(以佐恩JohnZorn为代表)等其它音乐类型的产生。

3.电子音乐

电子音乐是战后科学技术飞速发展的结果，也是噪音音乐在新条件下继续实验的产物。电子音乐的发展经历了录音带音乐(1948年起)、合成器音乐(1955年起)和计算机音乐(1957年起)三个阶段。法国作曲家谢菲尔(PierreSchaeffer，1910-1995)于1948年创作了第一首具体音乐作品《火车练习曲》，把车轮滚动、喷气、汽笛等声音用录音的方法拼接而成。施托克豪森的《青年之歌》(1955-1956)为童声和电子音响而作。童声在电子音乐实验室里经过变形、加工，变得支离破碎，再与电子音响相结合，十分奇特。现场演出时，《青年之歌》还使用了5个拉开距离的扩音喇叭，从而把“空间运动”的概念引入音乐，这也是第一首所谓的“空间音乐”作品。50年代后期合成器的出现，简化了电子音乐的制作过程，扩大了声音的范围和性能，还可现场表演，即兴作曲。合成器音乐的代表作如苏博尼克(MortonSubotnick,1933--)的《月亮上的银苹果》(1967)。计算机音乐比合成器音乐又进了一步。它不仅可以逼真地模仿各种乐器，而且可以产生和制作自然界的和非自然界的(人工造就的)奇妙的甚至出乎人们意料之外的声音效果。希勒(LejarenHiller，1924-)于1957年发表了他第一首用计算机作曲的弦乐四重奏《依利亚克组曲》，引起广泛注意。计算机音乐的优越性以及它所展示的广阔前景正在被越来越多的人所认识。但是，原先由噪音音乐等提出的、并未受到普遍关注的问题再次被有力地提了出来：任何声音都成了音乐的基本材料，有可能改变人们对音乐主要由乐音所组成的传统观念；远远超出了任何传统音乐的结构方式；取消了演奏者，或者演奏者本人也常常是作曲者；改变了记谱法。电子音乐的这些特点又进一步影响非电子音乐，也在常规音乐中表现出来。

4.新音色

威伯恩、梅西安、瓦雷兹都对新音色的开发作出贡献。战后，在很多作曲家的作品中，音色和相应的力度变化突出起来，甚至代替了传统音乐中旋律与节奏所处的地位。作曲家们或是使用新的乐器和新的发声手段，如使用非西方的像巴厘、印第安、非洲、印度及其它亚洲地区的乐器，使用可以发声的器械、物品像汽车零件、链条、铁皮等；或是发掘传统乐器的新的表现力，如音块的使用。施托克豪森和里盖蒂于50年代最先把钢琴上的音块手法移植到了管弦乐队，如里盖蒂的《大气层》有着独特的音块结构效果：许多人演奏几乎相同的音乐材料，但在速度上稍有不同，于是形成一种静态的、极为复杂的“微型复调”音响。新的演奏、演唱技法，无论在弦乐、管乐、钢琴、打击乐或人声中，都有惊人发现。如人声，可以模仿各种乐器的声音，还可发出嘘嘘声、嘶嘶声、喘气声、哭笑声、耳语声等各种效果。从勋伯格《月光下的彼埃罗》开始的音乐与语言的结合，得到了比较系统的探索。这特别明显地表现在意大利作曲家贝里奥和诺诺的所谓“新人声音乐”作品中。

以上所举各例，无论是出现在1945年以前，还是1945年以后，通常都被人们称作“先锋派音乐”、“现代派音乐”、“实验音乐”或“新音乐”。那么，人们是如何看待这种音乐的呢?(三)

对于“新音乐”的各种看法，可以大致归纳如下：

1.新音乐最终是会被接受的，只是时间而已。就像西方历史上中世纪的“新艺术”(Arsnova)、文艺复兴时期的“新音乐”(NuoveMusiche)、古典主义早期的“华丽风格”(goutgalant)一样，一开始，也不被普遍接受，但逐渐地，它们就站住脚了。持这种观点的人认为：“从一个音乐时代转向另一个时代，总是伴随着进步人士的主张和保守阵营的反对意见。”当蒙特威尔第从文艺复兴时期风格逐渐向早期巴洛克风格发展时，当时的评论家对于他使用没有预备的不协和音，就发出警告，认为这是一种“最危险的革新”，难道因此而奏效了吗?持这类观点的人还进一步指出，即便在20世纪的前后不同时期，我们的耳朵也已经有了变化。“原来看似毫无规则的不协和音调，我们现在听起来一点都不吃惊。原来那么骇人的各种语言，现在都在课本中加以分析和分类”。

2.与第一种观点完全相反，认为新音乐是形式主义的、脱离大众的，“反映了古典精神的衰颓”。甚至认为这是一种“反人民的艺术流派，它反映了帝国主义时代资产阶级的颓废没落思想”。这种看法主要流行于四五十年代的社会主义国家，它的影响直到现在还继续存在，只不过没有先前那么极端，带有那么浓厚的政治色彩而已。

3.20世纪新音乐与历史上的新音乐不一样，它之所以不能被听众所接受，是因为西方整个严肃音乐传统正在走向衰亡。严肃音乐正在被听众越来越多的流行音乐--爵士、波普、摇滚、布鲁斯以及它们的各种混合物--所代替。持这种观点的主要以美国音乐评论家普莱曾茨(HenryPleasants，1910-)为代表。普莱曾茨认为：这种音乐不仅成为“今天的音乐”，而且开始了“美国黑人时代”。就像“欧洲时代”曾代替“中世纪时代”(就其发源地来说，也可称作“东地中海-近东时代”)一样，“美国黑人时代”正在代替“欧洲时代”。当世界文明中心向西移动的时候，音乐语言的材料也在向西移动。

4.以德国哲学家、社会学家和评论家阿多诺(TheodorW.Adorno,1903-1969)为代表，他也认为现代音乐面临危机，但不认为美国黑人音乐将代替它。阿多诺认为：现代音乐同它所处的社会之间的关系本质上是一种否定的关系，它与统治阶级意识形态相对立。作曲家面对异化的社会，“无情地、逼真地表现了现代人所受的苦难”，是向社会发出的一种“抗议”和“反叛”。因此，阿多诺肯定勒伯格及其学派的创作，不仅抨击美国黑人音乐，指出这是一种商业音乐，也反对像肖斯塔科维奇和布里顿那样的作曲家，认为他们代表了美学上的一种妥协。

5.20世纪音乐处于“一个正在被开拓和探索着”的过程之中。

上述的每一种看法都不是没有一定的道理，即便是第1、2两种截然对立的观点，我们也可分别找到足够的事实依据来加以说明。例如：1913年3月和5月，分别在维也纳和巴黎上演威伯恩《六首管弦乐曲》(op.6)等作品和斯特拉文斯基的《春之祭》，前者引起一场武斗，最后只好叫来警察维持秩序；后者引起了本世纪音乐会中最大的骚乱之一。可是今天，这两首作品都已成了音乐会的保留曲目。同样，我们也可举出一些荒诞的例子：乐队指挥看着画有五线谱的玻璃缸内蝌蚪的上下游动来决定乐队演奏的音高变化；钢琴家上台，爬到钢琴里面，坐在琴弦上，意味着这首作品不是由钢琴家来弹钢琴，而是由钢琴来弹钢琴家。作曲家企图用一些无聊的偶发事件和耍弄小把戏来掩盖自己创作上的无能。难道这样的“音乐”将来有一天也会得到公众的承认吗?不过，就个人来说，对上述5种看法，我更倾向于第5种。

20世纪虽然产生出一批堪称优秀的作品，它们已被列入音乐会或舞台表演的保留曲(剧)目之中；但是，对比19世纪，20世纪留给我们的更多的不是伟大的作曲家和他们的优秀作品，而是各种创新的思想和技法。经过长达一百年时间的探索，经过几代人的努力，无论如何，现在的音乐调色板色彩缤纷的程度，是历史上任何一个时代所无法比拟的。“几乎没有哪一个时代像20世纪这样在音乐形式和技巧方面提出了如此诸多的问题。”20世纪富有创新精神的作曲家们，每个人都为此作出了自己的贡献。开花结果有的在今天，但大量的也许会在明天。就像有的作曲家往往有他的探索期和成熟期一样，20世纪音乐在整个西方音乐历史发展长河中就是另一个重新开始的探索期。比起成熟期来，探索期显得稚嫩，但是如果没有前期的探索，哪来后期的成熟?就20世纪本身来说，音乐也在发展。今天，我们可能赞赏某些发出奇妙音响的电子音乐作品，但是它们之所以有今天，离不开当初以失败告终的噪音音乐试验；我们也可能赞赏潘德雷茨基那首震撼人心的《广岛罹难者的哀歌》，但是它的成功离不开当初考威尔“可笑地”用拳头敲击钢琴发出的“音块”声响效果。

(四)70年代以来，严格地说，60年代末以来，作曲家们很少再固守什么教条，忠实于某一特定流派，达姆施塔特(暑期班)独领风骚的时代过去了。不少作曲家继续运用以往的音乐语言写作，各种流派和风格仍然存在。与此同时，出现了新的动向，即一定程度的所谓“回归”现象，传统又受到重视。例如，50年代时，威伯恩是那么受人推崇，而同属新维也纳乐派的贝尔格却因为他的作品更多的结合了19世纪浪漫主义传统而显得“陈旧”，如今，当传统再次受到重视的时候，贝尔格又变得“新鲜”起来；美国作曲家巴伯，曾被认为是一位守旧的浪漫派，如今，也被当作“先知”受到重新评价。回归，既是对传统的肯定，本身也是一种发展。它不是简单的重复，而是另一个层次上新与旧的融合。既然传统又成为可以接受的事实，那么，什么是新的?什么是旧的?界线已经不清。

简约派是最先起来反“反传统”的。它既是一种标新立异，又是标新立异的对立面。它是有调性的，甚至是悦耳的。简约派是对序列音乐的反叛，同时也受到非西方音乐的启发；“重复”是它的基本特征：通过自始至终保持同一节奏类型，在旋律、和声、织体等细部不断变化，从不变中求变，从平淡中求新奇。后期的简约派作品远比它刚开始时复杂、精致。现在，简约派已发展成为很有影响的一个流派，不仅有器乐曲，也有舞台作品，如格拉斯(PhilipGlass,1937--)的歌剧《爱因斯坦在海滩上》(1975)、亚当斯(JohnAdams，1947--)的歌剧《尼克松在中国》(1985)等。

新浪漫主义更是以现代主义与浪漫主义相结合的产物。它是七八十年代出现的一个新流派。它要求音乐有调性，以传统的功能和声为基础，比较注重感情表现，而且经常引用19世纪浪漫主义作曲家的音乐材料。但它又不同于19世纪的作品，经常使用20世纪才有的语言和手法。70年代前后，不少作曲家退出实验音乐创作，重新写起有调性的或有调性与无调性相结合的音乐，如美国作曲家罗克伯格(GeorgeRochberg)。潘德雷茨基是另一位“往回走”的重要作曲家。1964年左右他的创作风格也从先锋派转向传统，如《小提琴协奏曲》(1976)、《波兰安魂曲》(1984)等。另一位波兰作曲家戈莱斯基(HenrykGorecki，1933--)，曾经长期使用各种先锋派手法，转折点的到来是在1976年创作了一首以抒情见长的《第三交响曲》(“悲痛之歌”)，歌词采用了二战时囚徒刻在奥斯维辛集中营墙上的诗句。阿根廷作曲家卡盖尔(MauricioKagel)的管弦乐曲《没有赋格的变奏曲》(1972)、德国作曲家亨策的《特里斯坦》(1974，为钢琴、管弦乐队和录音带而作)、俄罗斯作曲家谢德林的舞剧《安娜·卡列尼娜》(1972)也都是与新浪漫主义有关的作品。

第三潮流也是一种“融合”的音乐。它主张把西方现代专业音乐的创作手法和特点与各民族的流行音乐形式结合起来。最初主要是指爵士乐与西方艺术音乐两者的结合，后来又有所发展，融进了美国黑人音乐及其他民族的传统音乐。

今天，随着各种音像器材的普及，流行音乐的传播达到空前规模，摇滚乐无处不在。在西方很多音乐院校里，都开设有爵士乐课程，学生们也可以很方便地接触到非洲、印尼、日本、印度和其他地区的音乐，这是二战前所无法想象的。与第三潮流有关的作曲家有的来自严肃音乐领域，有的来自流行音乐领域。其实，如果借用第三潮流这个名词，来包括严肃音乐与流行音乐之间正在涌现的、日益扩大的中间地带的话，那么还可以提到新时代音乐(newagemusic)、世界音乐(worldmusic)和其它各种各样轻型音乐。

尤其值得注意的是90年代刚刚在美国兴起的一种流派“全能主义”(totalism)。它的主要特点是：作曲家的作品既要使一般听众觉得好听，能够打动他们的内心，又仍然保留了足够复杂和高难的音乐技巧，以吸引趣味更为高雅的音乐听众。全能主义音乐现在方兴未艾，有相当一批作曲家在从事可以被称作全能主义的音乐创作。最有代表性的如劳斯(MikelRouse，1957--)，他的《快速挺进》(QuickThrust，1984)是一首十二音的摇滚乐。十二音的音列出现在几个不同声部，音高没有变化，但在节奏上，按照希林格体系，有着极为细致、复杂的多重组合。

总之，在今天西方音乐创作中，传统与现代、东方与西方、严肃与流行，科技与(音乐以外的其他)艺术等各种成分的采用，使音乐呈现出空前互相融合的性质。但是这种融合，并不导致另一种统一的风格，或另一种统一的流派称谓，只是出现了更多的不同成分的混合体。它有点像数学上的无重复全排列，不同的混合体往往又进一步互相融合，又会产生出更多的不同的混合体，以致于当今的许多音乐很难再用流派的概念进行分类。也有不少作曲家继续循着自己原有的风格进行创作。

西方音乐中的多元化局面，由于现代社会的发展、个性自由的强调而得到进一步的肯定。越来越多的作曲家认识到：“真正自由的人将采取一切在他看来是有用和必要的东西，而不管它们是过去的还是现在的。”确实，音乐风格和语言选择的这种极大自由，使音乐创作领域的多样化倾向超过以往任何时候。

20世纪是一个充满各种音乐实验的世纪，是一个开拓、融合、多元的世纪。开拓，主要体现在20世纪一二十年代和五六十年代；融合，主要体现在70年代以后。不同领域的探索和开拓，带来了多元化的局面；随着作曲家自主意识的加强，材料吸取范围的拓宽，以及听众审美趣味的多样化，这种多元化的趋势很可能会进一步发展。像19世纪那样基本上由一种风格和语言--浪漫主义的音乐风格和语言--占据统治地位的现象，至少在可以预期的未来，很难再现。人们寄希望于21世纪--它或将是一个比20世纪更为“成熟”的世纪?