色彩课程教案[范文模版]

第一篇：色彩课程教案[范文模版]

《色彩Ⅰ》课程教案

教学目的：本课程首先要使学生从理论上认识色彩的色相、纯度、明度等知识。掌握色彩变化的基本规律和水粉画作画基本的技法。在教学实践中，从指导学生学习正确的作画步骤入手，使学生熟悉水粉画的特点，掌握基本技法，同时培养学生的色感及审美能力。

教学重点：熟练的运用水粉画技法，按照步骤完整的表现对象。教学难点：对水粉颜色中水分多少的把握和画面的局部深入。教学内容（理论讲述、实践辅导）：

第一节 西方静物绘画概览

一、静物画的概念及特点

静物画是以日常生活中无生命的物体为主要描绘对象的绘画。通常以油画、水粉画、水彩画或素描为描绘手段。静物画的对象多为食品、炊具、餐具、水果、蔬菜、花卉，以至书籍、乐器、灯具、骷髅、死去的动物或动物标本等。画幅一般不大。

二、西方静物画的起源和发展

静物画作为独立的绘画样式起源于哥特式晚期到十七世纪初。在此之前，它只是作为宗教画或肖像画背景上的点缀。十七世纪以后，静物画在荷兰、佛兰德斯渐趋普遍。早期静物画常具宗教寓意和象征意义。而后，静物画体裁的产生，重要原因之一是由于当时艺术家对于表现人的生活的兴趣，其中也有文艺复兴以后人文主义思想对它的影响。

17世纪荷兰静物画华丽、精美。18世纪法国静物画家夏尔丹的作品代表静物画发展的第二个高峰，他把极普通的对象变为富于美感的艺术品。后印象主义画家塞尚追求静物造型的结构和色彩的坚实感，其对形式意味感的表现，创造了静物画的新形式。立体主义画家发展了塞尚的新形式。

近现代，它还成为画家练习技巧和学院美术教学的一种手段，旨在训练观察能力、造型能力和色彩表现能力。

三、从十七世纪到十九世纪作为独立类型的静物画: ①鲁本斯[Rubens〕和斯奈德斯「Snyders〕 在佛兰德斯，手法主义的构图图式似乎突然中断了；当安特卫普的画家们由于宗教斗争而四散之后，欧洲巴罗克艺术风格的创立者之一鲁本斯的作品即刻引人注目。随之，有着强大生命力的静物画也登上了历史舞台。

作品《一位老妇认出的菲洛皮门》[Philopoemen Recognized by an Old Woman] 是静物画起源时期的重要代表作品。这幅作品的左边缘有人物的神话场景部分，抛开这部分情节内容。整张作品突出了以静物为主体的中心部分。虽无法确认该作品确实出自鲁本斯之手，但是可以肯定的是，突出表现猎物和蔬菜的大胆构思是以鲁本斯绘画的富有灵感、才气焕发的语汇实现的。如果不是直接由大师创作，就可能是出自他的一名追随者弗兰斯·斯奈德斯之手。

弗兰斯·斯奈德斯是鲁本斯风格最名副其实的解释者，他放弃了更古风式的(以更准确、更详细的定义加以界定，更直接、更仔细地绘制)绘画方式，并绘制那些表达得更迅捷、更直接的作品。斯奈德斯的作品不仅在佛兰德斯而且在全欧洲广泛流传，并产生了一大批的追随者，如尼卡西乌斯·贝尔奈尔茨、安.雅各布茨、扬.法伊特等。② 尼德兰的十七世纪

在这一时期，静物画中以摆好的餐桌为题材的作品不断出现并得到发展。餐桌有时十分简朴，有时精心绚丽——常具有象征意义。如莱顿画派的戴维·贝利作品中所处理的那样。

这时期的绘画特点是：以对角轴线为基础的更为集中而简洁的构图，与之相应，流行一种色彩的配合，强烈而柔和，限于几种色度，冷而低的调子，在某些情况下倾向于单色绘画。在某种意义上说，这些画是重组的静物画，物体的多重片断被重组为一个单一片断的实体，以构成更生动、更紧凑的再现性图式。代表艺术家有：彼得· 克拉斯等。他们活跃在哈勒姆和莱顿以及阿姆斯特丹。

尼德兰的另一个重要中心是海牙，亚伯拉罕·范·贝耶伦是这里最有名望的艺术家，在他的作品中，对鱼和摆好的餐桌的生动表现达到了可称之为纪念碑式的表现性。

威廉·卡尔夫是这一时期最伟大的荷兰静物画家，在他的极其优雅、堂皇而有序的构图中，在由暗淡的色彩组成的浓厚肌理的衬托下，极其微妙地调动了透明物和反影。我们也从他的作品中可以看出荷兰绘画传统特征的现代化，即对光亮与用色方面的加强和对反影及透明物在构图中的作用。用的强调变得更加明显、有力。③ 佛兰德斯和法国的十七世纪

17世纪初期，弗兰德斯画家由于历史和宗教原因而四下分散，这些画家的活动把更古风类型的静物画传遍各处，但同时又使之适应各种不同的地区传统。

汉堡画家格奥尔格·弗莱格尔受弗兰德斯画家的影响非常明显，为源于佛兰德斯的古风式构图模式凭添了一种生动的现实感，这种现实感是通过对高明度的微妙强调而造成的。

在巴黎，佛兰德斯静物画的古风风格在亨利四世时代开始蔓延开来，在路易十三统治时期得到更广泛的传播。

其艺术特色为：简化了佛兰德斯绘画有些分散的主题，他们在对物体的描绘上具有那种几何上的或至少唯理智论上的微妙性，使他们的所有作品光彩夺目的那种明晰性，他们描绘了既是理性主义的又是想象的水果。代表画家有雅克·利纳尔、弗朗索瓦·加尼耶、路易斯·穆瓦隆、勒内·努里松，尤其典型画家的是伟大的画家博然。其作品代表作品《有薄脆饼的甜食》具有咄咄逼人的明晰性和非凡的视觉上的清晰性。

从1640年到1650年，来自各个方面新的刺激开始影响静物画的方向。卡拉瓦乔式的倾向：易斯·穆瓦隆、皮埃尔·迪尔伊等

荷兰倾向：主要受到荷兰静物画家威廉·卡尔夫的影响，因其从约1642年到1646年居于巴黎。④西班牙的十七世纪

与其他国家不同，静物画在西班牙将吸引最伟大的艺术家们，而丝毫不涉及专门化的问题。

布拉斯·德·莱德斯马：他作品中已经有了明显的西班牙静物画的一些本质特征。这位绘画元老的构图包括低贱的日用品，它们被布置在红餐桌上，这些餐桌在背景的阴影和从侧面照来的光之间以有意追求对称来组织，而对称是西班牙精神的严格性中最深刻的倾向之一。

胡安·桑切斯·科坦的静物画在艺术史上是一个极其独特的现象。在17世纪初他的静物画风格已经形成，以臻能够创作出最优秀的绘画杰作。作品《榅桲果、卷心菜、甜瓜和黄瓜》就像在他的其他作品中那样，为数不多的日常物品(有的放在一个表面上，有的挂在绳子上)在这里也围在一个透视框架之内，衬以黑暗背景或者置于窗台之上，有些玄奥，十分醒目。

在现实主义的然而非常醒目的形式中，确立了一种卓越的均衡，从形式到色彩的一切都成为永远不变的，就像永恒的象征。低贱的物体，严谨的风格，强烈的明度，极度的真实。这些就是西班牙精神的实质，它对事物的不可思议的提高和一丝不苟的严谨性的各个方面。这将反宗教改革的绘画变得柔和，系在不可变更的理性主义绷紧的线上；但是这是毫无虔敬或虔诚的绘画，实际上，完全集中于对明度的均衡，沉浸在对和谐和几何学的壮观华丽的需要中，那时的西班牙文化深深感到了这种需要。⑤卡拉瓦乔式静物画

尽管如我们已看到的，静物画的许多方面是在佛兰德斯和尼德兰得到发展的，它们却源自意大利手法主义，并常常随着佛兰德斯和荷兰画家的专门化而返回到意大利。而此时，意大利的伟大的静物画在卡拉瓦乔的革命性作品中有着自己的开端。

《果篮》（米兰）是卡拉瓦乔1590年前在罗马所作，它不仅是独立的静物画的最初实例，而且是既忠实又具有个人风格的典型，因此，与卡拉瓦乔从早期到晚期画中所包括的所有其他静物画成分相一致。

其艺术特点：他能够把普通的果篮构想为一幅画的主题，意味着他被驱使去追求绘画中的纯粹价值，在这个特定情况中，即光与影，它赋予一幅作品以既具有风格又极其严谨的特性，并意味着他同时在向官方绘画的大幅、浮华的油画开战。

卡拉瓦乔的作品即刻在罗马一带产生巨大的反响，并在很广的范围内产生了大批的追随者。同时他还是欧洲静物绘画的先驱。⑥巴洛克晚期到十九世纪

巴洛克晚期到十九世纪这一时期静物画的特点：

总体来讲，这时静物画的黄金时代已经结束，其发展进程日益显示出受到追求夸张、浮华和技巧的巴罗克式趣味影响的结果。当时的富丽而生动的作品至多是纯装饰性的。从十七世纪下半叶始，即随着采用巴罗克风格，静物画倾向于偏离它的原义(静止的物体，因此人们从其本质上加以研究或既由形状的又由色彩与光的韵律而被美化)，并呈现出更纯粹装饰性的特征和容貌。这些方面在十八世纪日益明显，那时最终给予了静物画完全装饰性的目的—即静物画被用作门头饰板、隐蔽壁炉和门口的屏风、或家具的装饰成分。

夏尔丹——18世纪最伟大的静物画家，他将极普通的对象变成了富于美感的艺术品，将静物画推向的继17世纪后的第二个高潮。

夏尔丹的作品，无论它再现花卉、野兽或禽鸟、带附属设备的室内，还是一组组小物件都以将画中物体联系起来的充满活力的韵律，以安排饱满的和空白的区域、形状与空间的那种微妙的和谐，以色彩彼此呼应和吸引的同样有力的、唤起情感的和谐而著称。

在十八世纪，静物画的精华是那些伟大的艺术家的作品，即使保留了原有题材，他们的画却把他们排除在传统图式之外，和那些更有天赋的风俗画家的作品相比，他们在可察觉到的复苏中，重新采用了静物画的更古风的图式。

十九世纪初静物画发展并大多无较大突破，只是传承母题，尽管精神不同，意图不同，但始终没有决裂性的创新发展。

在这个时期，只有联系戈雅及后来爱德华·马内的静物画才能谈到与往昔的决裂:画家戈雅使构成其构图一部分的那些成分充满直接的、兽性的内在表现力，几乎赋予它们以人性，构图的诸要素显得极其恢宏、生动，以致成为现代与当代表现主义倾向的象征;马内缩小了视野，通过使视像充满动态的直接性的感觉而从传统静物画(静止物体)程式中消除了静态含义。

塞尚——现代绘画之父，在静物画中追求形式语言美感，开拓了静物画创作的新天地。塞尚那里并没有印象派对自然的现象学外观的屈服:而有着通过有时无情的意象和想象之光对它们进行的能动的重组；这是一种微妙的对唯理智论的信奉，这种信奉通过为自然的外貌恢复了形状与空间的现实而产生了一种新的维度，静物画会沿着塞尚的维度走很远。尤其是后期的静物画提供了他连续实验的重要证据，是他的心灵和想象力的象征。

在塞尚和文森特·凡·高的奇异的静物画之后，随着立体主义和表现主义的来临，与传统图式甚至与对传统的最微弱的记忆完全无关的静物画历史成了绘画本身即“纯”绘画的历史。自从巴勃罗·毕加索和乔治·布拉克的立体主义“解构”以来，可以说，当时的画家们通过潜心于静物画，找到了摆脱一切累赘的解脱性手段和一切客观性主张，而把兴趣只集中于纯价值道路。在意大利，乔治·莫兰迪就是这样，他几乎完全专心致志于描绘几种不变的主题的无限变体，如瓶子、苹果和无价值的日常物品。然而，总之可以说，本世纪的所有绘画，甚至最大胆、最革命和最革新的运动绘画、都倾向于采用静物画的构型。

第二节 水粉静物基础写生实践

一、水粉画基础知识

1、水粉画的概念

水粉画就是用水调合粉质颜料来作画的一种绘画形式。

水粉画是以水作为媒介，这一点，它与水彩画是相同的。所以，水粉画也可以画出水彩画一样的酣畅淋漓的效果。但是，它没有水彩画透明。它和油画也有相同点，就是它也有一定的覆盖能力。而与油画不同的是，油画是以油来作媒介，颜色的干湿几乎没有变化。而水粉画则不然，由于水粉画是以水加粉的形式来出现的，干湿变化很大。所以，它的表现力介于油画和水彩画之间。水彩画的特点是颜色透明，通过深色对浅色的叠加来表现对象。而水粉画的表现特点是处在不透明和半透明之间。如果在有颜色的底子上覆盖或叠加，那么这个过程，实际上是一个加法，底层的色彩多少都会对表层的颜色产生影响，这也就是它较难掌握的地方。但是，有经验的画家往往就是利用它的这种特性来表达水粉色彩自身的和特有的艺术魅力。

2、水粉静物的特点

由于水粉静物写生是在室内进行的，光线较稳定，描绘对象又静止，画者可自由选择组合方式（形式多样），因而有利于画者循序渐进地掌握水粉画的技能，所以静物写生往往成为水粉入门的手段和成功学习水粉画的必由之路。

3、水粉画的工具材料

专用的水彩笔（扁头、圆头）、纸（进口、国产）、颜料（进口、国产）

4、水粉画颜料的个性差异

水粉颜料大部分颜色是比较稳定的，如土黄、土红、赭石、桔黄、中黄、淡黄、橄榄绿、粉绿、群青、钴蓝、湖蓝等等。但是，水粉颜料中的深红、玫瑰红、青莲、紫罗兰等颜色就极不稳定，容易出现翻色，不易覆盖。水粉颜色的透明色彩种类较少，只有柠檬黄、玫瑰红、青莲等少数几种颜色，要画好水粉画就必须充分掌握水粉各颜料的个性，了解它的受色能力的强弱、覆盖能力的大小、色价的高低。这些问题都要通过不断实践，做到熟能生巧。

二、色彩基本理论

1、色彩的基本概念

1.1.色彩三要素：色相、纯度、明度

1.2.名词：原色、间色、复色、色相环、同种色、类似色、色彩的冷暖、色彩的对比、补色等。

2、色彩的对比

2.1.明度对比 2.2色相对比 2.3纯度对比 2.4色彩的调和 2.5色彩的节奏

3、色彩的均衡与呼应

3.1 色彩呼应 3.2 色彩的均衡

4、色调：画面中的色调是指色彩运用的主旋律，也就是指画面色彩的总倾向

5、色彩的空间透视规律：近暖远冷、近纯远灰、近处对比强烈而远处对比模糊

三、色彩的观察方法

1、注意观察和表现物体的亮部和暗部、整体和局部的色彩变化规律；

2、强化静物与环境的整体观察与感受的能力，由感性——理性——感情；

3、强调对色彩的理解与运用

四、水粉静物写生的方法和步骤

1、静物摆放

1.1近似原则：训练学生对色感细微区别的能力，和谐中求变化 1.2对比原则：丰富中寻求统一完整的画面 1.3 照顾各角度

2、方法和步骤 1.1起稿

起稿选用什么颜色要根据自己的习惯，除了用群青还可以用土黄、赭石、熟褐，用与画面色调相对比的颜色起稿可以造成画面色彩的冷暖对比，使其更加活泼。1.2上色

谈铺色首先要涉及的一个词就是“色调”，没有色调，画面就会杂乱无章，有的学生为什么易把一幅画弄成华丽的色斑图，就是因为没有色调观念造成的。在基本色调确定后，使用一定的对比色会使画面色彩更富于变化，更有生机，完全不会破坏画面的基调。另外在色调的把握上忌讳冷暖色块的等量分割。必须一方的色块面积大于另一方的色块面积才会产生和谐的色彩效果。1.3水分的运用

“水分”的运用是水粉静物画主要的难点之一。通常用水量以能流畅地用笔，能盖住底色为宜，尤其以干画法为主的画。如果是以干、湿并用技法的水粉静物画，要注意远处的背景和物象的暗部要多用一点水，当然这要谨慎控制。

七、静物写生训练Ⅰ

1、简单静物组合写生

1.1作业：根据具体情况完成1-2幅（其中包括部分小色稿练习）； 1.2 基本要求：

a.对绘画工具材料的认识； b.对于色彩色调重视；

c.对水粉写生方法步骤的控制。

2、统一质感不同色彩的静物组合写生 2.1作业：根据具体情况完成1-2幅； 2.2基本要求：

a.对色调的观察分析与表现； b.对色彩冷暖的观察、比较与表现； c.对色彩互补规律的观察、比较与表现； d.运用色彩的空间透视规律营造画面的氛围。

第二篇：课题：美术高考课程教案---色彩

课题：美术高考课程教案---色彩

高考美术教案

科目 课题 美术 高考班级 高三

教师 日期

台山鹏权中学教师：刘柳君

色彩的画法和技巧 2008－9－15到11－15 教学 １让学生知道高考美术的重要性并掌握好画画的技法和画法！

目标 ２了解高考班的压力从而去解决学生的心理问题，取得高考联考好成绩!教学 1.色彩静物临摹。内容 2.色彩静物写生。

教学 1.选择较复杂的范画进行临摹。

目的及2.根据具体条件，在学校摆放静物让学生写生。要求 3.通过色彩的临摹和写生深入的学习色彩的应用技法。教学 1.摆放静物时首先要考虑色彩的搭配，再考虑构图。

指导 2.色彩静物写生首先确定的是大的色彩，以固有色为主，用色纯度相对较纯。

3.在深入时要考虑环境色对固有色的影响，画面不能大量用白色和黑色。

教学 1.每个星期示范两到三次完整的四开色彩作品。范例 2.示范的时候一边指导学生画画的步骤和技法。

3.总结作品的优点。

学生作1.完成教学中规定内容—每天完成一张临摹静物范画和一张静物写生。

业、练2.要求构图合理，色彩关系标准。

习及完3.能够表现出范画中的主色调，对比色、补色关系。

成标准

教 学 过 程 设计意图 一． 二． 实习课程周时为八周时！色彩课程为一半！

色彩分为两部分，一部分是静物范画临摹，另一部分是静物写生。

三． 高考班的课程星期一到星期五其中有三个下午的课，星期六天就为一天半的美术课！所以分为色彩课一个星期有一天半的课！那么学生的任务是最少完成三张色彩画。

四． 到了后面的四周会是每天全天上美术课，那样课时就加多了那样色彩课也增多了！根据学生的进度来进行改边我们的临摹和写生的次数！加快学生的进度！

节课的安排！一般色彩课为三个小时为一课！先摆放静物，然后讲解构图和色彩的配搭，色彩的冷暖对比，色彩的色调。。。。（5分钟）学生构图（10分钟）中间段为学生自己画，教师在旁辅导，最后（5分钟）评讲学生的作品。五．

六． 在上理论课的时候要安排板书！还有加上做班主任工作和上第二课堂！

台山鹏权中学美术实习老师：刘柳君

华南师范大学美术学院国画班

第三篇：《色彩Ⅲ》课程教案

《色彩Ⅲ》课程教案

教学目的：这是一门低年级油画入门课程，首先要让学生在理论层面上了解从文艺复兴到印象派油画技法发展概况，掌握油画艺术的发生及源流知识。在实践教学中，从做框、绷布、打底等油画基本技能入手，使学生逐步熟练掌握油画技法并具备油画景物写生（写实）能力，同时具有一定的感受油画艺术语言的审美能力。

教学重难点：

重点：是熟练地运用油画技法深入完整地表现对象

难点：油画感的把握及局部的深入表现，注意暖色调勿火气、勿燥及焦糊感，冷色调勿灰、勿沉闷及不透明感。教学内容（理论讲述、实践辅导）：

第一节 油画材料与技法发展简史

一、油画材料与技法的演变过程

1、西方早期绘画的材料与形成： 1）淡彩丹培拉技术

蛋彩就是坦培拉绘画是欧洲古老的画种，曾经造就了乔托、波提切利等众多绘画大师。现在有更多的艺术家和绘画爱好者希望通过对这一古老画种的研习，来丰富自己的艺术创作。

坦培拉来源于古意大利语，意为“调和”“搅拌”，后泛指一切由水溶性、胶性颜料及结合剂组成的绘画，也常单用于鸡蛋等乳性胶结合剂组成的绘画。通常人们以画家使用的颜料来鉴别各类画种，以颜料中所含的粘合剂（媒介）来为颜料命名，色粉与鸡蛋等乳液结合就是坦培拉颜料。2）形成了油性媒介材料和技法的雏形

由于蛋彩和其他坦培拉材料干燥过快，操作程序繁琐，又有难以达到细微的写实风格的缺点，画家们便不断寻找更为理想的颜料结合剂和更完美的制作技法，因此有了油性媒介材料的雏形。

2、传统油画材料与技法的形成： 1）油性媒介材料取代丹培拉材料技法

从十四世纪起，在威尼斯，由于航海船运的需要，帆布业发达，画家借便开始尝试以帆布为依托作画，取得成功。这使已往媒介材料的缺陷也日益尖锐的摆在画家面前。需要一种不易干的，便于改动的绘画材料才能满足画家对细微的层次和复杂的形体表现需要。这种困惑一直到十五世纪尼德兰画家凡·爱克兄弟的笔下才解除。他一改以胶水和蛋黄为媒介剂，采用了一种油剂。这种油剂是透明不变色的,而且干的比较慢,一旦干后要凝固结实,这就是亚麻仁油。画家还发现核桃油也有相同性质。这种油和树脂及松节油结合，可以制出一种膏状的理想媒介剂。

2）确立了以油性材料为主的绘画材料体系

使蛋彩画进一步向油性材料和继发过度的并作出重大贡献的是意大利北方的威尼斯画派，以贝里尼、乔尔乔尼和提香等人为代表的威尼斯画派继承和发展了混合绘画技法，他们开创了使用深色底子作画的先例并开始采用比较厚重的不透明颜料作画，色彩强烈而浓厚。

3、近代油画材料与技法的演变

17世纪佛兰德斯画家鲁本斯采用了坦培拉材料做底层画，以树脂光油罩染颜色的技法，又继承了威尼斯画派的有色底子和强烈的色彩对比，将两家之长结合起来，开创新一代画风。他创造性的在浅灰底子上罩染暖色的油彩，这种油菜能形成一种微妙的如珍珠的色泽。他的作品中直接画法已经出具端倪，近代油画暗部薄而透明，亮部厚重的规律也起于此。1）纯粹的直接画法

直接画法是利用油画颜料的不透明性和覆盖能力,用色彩直接塑造形体从而达到形色兼备的绘画方法。随着十九世纪社会发展和工业技术的发达，艺术观念和功能发生了巨大的改变，传统油画技法已经不能满足新的表现内容形式的需要，以印象派的出现成为必然，大部分的印象派画家采用直接画法。

直接画法是用油画材料直接表现从而达到形色兼备的绘画方法。所谓“直接”，是相对古典技法一层一层“做”的、带某种预期效果的方法而言，它既包含一次性挥洒的直接现象，也包含油画材料在已有底子上塑造的“蕴积”效果；既包含一笔之中带出形色的写实技巧，也包含以并置笔法为发端的现代绘画的直接呈现的变革语言。

正由于直接画法的这种眼手如一的直接关系，揭示了人与对象共进共退、相互依存的内在本质，所以，油画直接技法在近现代油画史和相关的绘画史中成为主要的表现语言。

2）使用画刀和其他非传统工具，材料技法逐步多元化

印象派以后的西方绘画面貌有了更大的变化，画家纷纷寻求和个人风格相适应的得材料和技法，形成多元化格局，同时也发现了油性媒介材料的材质和特点。后来的抽象表现主义画家中，所用的工具和手段由单一的画笔发展到更多使用画刀和其他非传统材料，甚至用泼溅、滴流等方法让材料本身来说话。3）出现综合材料绘画

综合材料绘画进一步发展，画家大量使用多种媒介以及非绘画材料，利用材料的对比丰富画面表达观点。这方面在美国最著名的代表人物有贾斯帕·约翰斯和罗伯特·劳申伯格等。

50年代末，当这两位美术家的作品公展时，引起了社会极大的义愤。他们利用废品、实物、照片等组成画面，再用颜色作些拼合或涂绘，其目的是要打破传统的绘画、雕塑与工艺的界限，把日常生活中最平凡的东西，甚至废物与垃圾也当作素材而加以利用，他们的艺术创作与波普艺术不可分割。

4、当代油画材料与技法应用趋势 1）绘画材料语言发挥的作用越来越明显

强调颜料与色彩的肌理和质地感，运用各种媒介的特质来突显个性。特别是在抽象油画作品中体现的更多材料技法成为在造型色彩之外的第三种重要的形式语言。

2）油画材料与其他绘画材料技法的综合运用成为一种趋势

在传统的油画中虽然有坦培拉与油的结合，在现代的综合材料作品中则更没有限制的把油性颜料与各种不同的媒介手段混合应用，使传统的绘画受到巨大的冲击，但也促使人们对材料和技法的传统观念发生了变化。3）绘画材料由物质手段或形式向表现内容或主题转化

这主要是指一幅作品并没有特定的主题和内容，但在显示材料特质或手段方面有非常讲究的独立审美价值，有的作品直接让材料本身来成为作品主角。

二、油画材料与技法运用实践

1）古典写生风格油画的材料与技法：鲁本斯、安格尔

古典写实风格油画总体上以严谨的写实造型为主，在色彩上强调固有色，使用的主要技法是透明画法和多层混合技法。早期的油画透明技法是单线勾勒轮廓和但金丹的敏感加上透明色平涂找色，这也是最基本的间接画法，后来随着明暗和造型等绘画技术的进步，逐渐发展成为用线条和明暗作完整的单色素描，最后罩上一遍或多遍透明色的技法。后期的古典写实油画较少使用单纯的透明罩色技法，一般是与多层混合技法结合起来使用。

安格尔是新古典主义的领袖人物，尤以高度写实的肖像画著称。安格尔喜欢用浅灰白色的底子作画，他追求的光线是柔和、均匀的光线体现女性高雅柔美气质的表现。安格尔作画基本属于直接画法，但分了多次完成。安格尔在最后也使用透明色罩染的办法来调整色彩的冷暖明暗变化。2）传统写意风格油画的材料与技法：德加、弗洛伊德

传统写意油画以直接技法为主，比较多地采用了颜料厚涂相结合的方法，在形体描绘上更强调把握对象的整体节奏感，并特别讲究运笔的韵味而不拘泥于细节的真实。写意的油画在色彩上获得了更多的主动，有再现的成分，也有表现的成分，有力与画家情感的表达。

弗洛伊德的画风演变经历了细腻工整的写实到粗狂的写意风格。在20岁之前的作品，几乎全部直接依靠观察所得的材料，这或许是幼年时期孤僻的性格所导致，是对客观现实的敏感，他的画作看起来充满沉郁和凝重。上世纪60年代以后，他像一个隐士那样深居简出，远离喧嚣的国际艺术潮流，与世隔绝般地思考着自己的艺术，力图向自己领域的纵深方向发展。在孤僻与封闭的状态下，他通过各种探索完善了个人的独特风格。

富有弹性的猪鬃笔代替早期使用的较柔软的貂毛笔，更富弹性和力度的笔触与厚颜料粘滞的阻力相互抗衡，在画面上留下清晰的丝状笔痕。笔触由薄到厚，错纵交叠。这些令人激动不已的粗砺生硬的笔触取代了曾经平滑、精巧的画面，宁静的画风也变得热烈，作品更具形式的美感、情感与表现性。

他的画色调多为灰褐色，强调光色变化，用稠厚的调子，能体现出他的笔触语言。他的颜料中几乎不加油稀释，这样更具有强烈的造型感，他的造型基础坚实，所以他的用笔肯定变化十分丰富。《自画像：反省》用厚涂法堆砌出画家的鼻子、前额和他那未加修饰的花白头发，给人以照片般的印象。强烈的明度对比、执著的笔触和厚积焦灼的色彩，将画家的思虑过度、敏感、不安又带有几分神经质的性格特征，生动地表现出来。他刻意留下层层叠叠的肌理与层次，以增添更为人性、自然的味道。

3）印象主义风格油画的材料与技法：毕沙罗、莫奈

注重绘画的光、色、形、意、美的融合，体现印象派的艺术与光学相结合的主要特征。印象派绘画在光与色的表现上取得了突破性成就，在光、色中求形，以光与色的讴歌表现意和美，理解了光、色、形、意、美在绘画语言中的辩证关系，把闪烁的阳光和微妙的阴影引入画面，绘画随之变得清新明丽、生机盎然。

印象派的油画创作基本上是直接画法，以白色画布为主以使色彩获得作强烈的基底衬托，在色彩衔接上自然不死板。用厚涂并且不同的细碎的笔触和色彩并列的方法设色，颜料使用多为不透明色和半透明色。

莫奈曾反复画不同时间的鲁昂大教堂和草垛，正是为了捕捉瞬间的光与色。采用原色并列、重叠和补色手法，形成印象派新的绘画语言。为了表现物体的动态变化和光色的斑斓绚丽、光怪陆离，印象派画家采用小笔触和色调并列方法，有些颜色不再在调色板上调配，而是红、黄、蓝三原色并列，时而重叠，并把红和绿、黄和紫、蓝和橙色补互对比，使色彩在强烈视觉冲击中产生新的和谐。印象派新的“光色”技法形成了新的绘画语言，令人耳目一新。他作画喜欢用胶粉底子，通常颜色为浅灰色。为了保持色彩的饱和鲜艳，他使用稠厚的油画颜料。用笔松动灵活，时而薄擦，时而厚涂。4）照相写生风格油画的材料与技法：威廉.贝克曼

照相写实主义指以照相版的写实风格并使用摄影技术辅助来进行创作绘画技法。照相写实风格油画制作过程严格，表面精致平整大多采用直接画法，但也在局部用罩染的间接润色加工。照相写实主义采用平整的胶粉底子，作画前用照片的素描稿子用网格放大转移到画布上。用铅笔勾勒，再用松节油蘸颜料将稿子确定下来。作画用笔平整，时期表面光滑。

威廉.贝克曼德国画家，早年作品仿效德拉克洛瓦。德国表现派画家和图形艺术家。他的作品处理的十分光洁，他使用铅笔起稿，用松节油蘸颜料画出层次，用褐色铺出底色，喜用砂纸创造色层表面的平整肌理。（5）装饰绘画风格油画的材料与技法：马蒂斯、莫迪里阿尼

装饰绘画风格油画作品的典型特点是在写实造型的基础上加以简化、夸张或变形处理，表现手法较多地强调轮廓线与结构而减弱明暗光影。装饰风格的油画的材料选择和特殊技法的运用很重要，有时会对画面色彩和肌理效果起决定作用。

马蒂斯是一个善于吸取各种艺术门类的优点的人，他研究东方地毯和北非景色的配色法，发展成一种对现代设计有巨大影响的风格。他以平面和线为主构成夸张变形的形体，具有明显的装饰效果。他喜用较薄的颜料，用笔自如松动。

莫迪格利阿尼的绘画中的装饰性由平面的色彩处理、富有弹性的轮廓曲线和夸张变形的几何形体构成，他的画装饰性强，却通过色彩的黑白灰名都配置使得平面化的画面产生空间的深度，他用色比较薄，用笔灵活多变，具有干湿枯润的变化。

6）表现主义风格油画材料与技法：卢奥、汉斯.霍夫曼

表现主义风格的油画创作在材料与技法的运用并无一致的程序，许多表现主义的画家基本上凭直觉直接作画，直接画法和厚涂技法为主，有的完全不用调色媒介剂以强调颜料的肌理和质地感觉，甚至用软管里稠厚的颜料直接剂在画布上作画，在色彩和形式上具有极强的冲击力。还有的在颜料和底子中加入沙子或石粉等不同的肌理材料使得画面质地显得更为粗犷强烈，具有力度。创作出不同的画面效果。

卢奥他在技法上爱用饱满的颜料和率直的笔触，作画用很少的油，有干枯的底子和干涩的颜料来产生厚重的质地感觉。陆奥的色彩与彩色镶嵌画的感觉也很接近，爱使用较纯的红色、宝蓝和绿色。他的用线方法行笔节奏顿挫与形体结合的非常贴切。

霍夫曼在绘画上最关心的问题是如何将色彩和形的要素有效地统一起来。在他看来，绘画意味着用色彩进行塑造，画家的使命，是利用色彩的因冷暖、明度及纯度的不同而形成的进、退、胀、缩的视觉效果的差异，在画面上创造力与势的结构，表达内在情感。四十年代初，他开始采用以颜料滴、洒、甩、泼的方法进行创作，使画面充满强烈的表现性。《门》是霍夫曼创作于1960年的作品，画面看上去简洁、明确。不同形状的长方形错落有致，红黄蓝的色块在黑色与灰色背景的衬托下显得十分强烈。整个画面在抽象色块的对比中显出节奏和张力。这种看似随意的堆砌，实际上经过反复推敲。画家首先用宽刷子松动的画出底色，再用画刀将稠厚的颜料画到底子上想成肌理变化。人们能从色彩和材料构成中体会秩序的魅力。

第二节 直接画法油画静物写生

一、材料准备

1、绷布、做底、调和媒介

2、指导学生现场绷布、油画底层实验

3、松节油、调色油、上光油及调和媒介介绍和实验。

二、静物写生的目的和意义

静物画对于画家来说，是他们创造性艺术思维的一个重要方面；对于习画者来说，则是学习油画基础知识、掌握油画基本语言的最好课题。通过静物画的训练，我们可以初步熟悉油画的工具性能和特点，了解构思构图的一般形式法则，提高实施构图、把握物体色彩造型的能力及加强对物体质感、量感、空间感的表现，研究物体固有色、环境色、光源色的关系，掌握室内光线的一般规律。通过静物写生所获得的能力，也为主题性创作中的环境道具的表现提供了基本的技法语言。

三、油画静物的作画步骤

任何一个步骤图都不能像录像那样使你直观老师的方法，任何一个艺术家进行艺术创作也不能都遵循自己事先设计好的程序。艺术创作既有科学程序化的一面，又有情感宣泄的一面。但作为一门学问，强调其科学有序的一面是必要的。

1、起稿

先学会“阅读”对象

在正式开始之前要先仔细“阅读”眼前的这组物体，体会教师摆放意图，让自己调整到一个沉着安静的心态。适当压抑你的情绪。如果眼前的这堆东西让你激动的话，请学会蓄势待发。要知道优秀的作品不会是从毛毛躁躁开始的，古人说“意在笔先”。画几张小稿来推敲

准备小速写本和铅笔来帮助自己明确思路，把对象概括成简单的形体，在画面上安排好大致的位置，确定混响之间的大小比例。如果你仔细研究塞尚、马斯或蒙德里安，你会对形状与位置安排变得敏感和挑剔。因为回话从来不是被动的抄袭。要主动的安排画面，在勇敢的实践中积累处理画面黑白灰、点线面这些抽象因素的经验。要做到有感而发，在短时间内，新鲜而兴奋的状态中确定构图，开始上正稿。

开始你的正稿

将小稿放大的正稿上，过程中必然会略作调整。呀充分运用画家视觉上的自律，仔细地观看、体会、构思。

我们可以容易修改的木炭条起稿，那样作画状态比较放松。

要把握好作画的节奏，在这个阶段需要尽可能地放松迅捷。

也可以用松节油起稿，因为干得快，还可以像水彩一样自由挥洒，薄薄的把大的色彩关系错略定下来，使画面一下子呈现出一种气氛，为下一步铺大体色做准备，做进步不推进调整的参照。起稿多用赭色、褐色较为稳定的颜色，不宜用过浓过艳的颜色，方便修改、调整、覆盖。

2、铺大体色

在上大体色时就该尽可能地放开手脚，大胆地为各个主要物品放上明确的色块，让这些色块之间相互作用，形成氛围。不要拘泥于细节上用笔的准确完美，那是下阶段的事。而应该全力以赴地推进你的画面，一气呵成，把你要的大效果呈现出来。

用小稿来推敲色稿

如果你对铺大体色感到没有十分的把握，可以用一张烟盒大小的纸，画一张小色稿。要知道很多大画家在开始创作之前也往往都画上几张小的色稿来反复推敲呢。在铺大色阶段，一定要强迫自己学会概括的表达，要区分好每个大色块之间的关系，即明度、纯度、冷暖、色彩倾向。并使这些色块有利于色调的和谐与空间关系的明确。

3、深入塑造、整理阶段

深入塑造的难点在形色结合，在深入过程中既要保持刚刚建立起来的色彩关系，并不断丰富它，又要塑造形体刻画细节，处理物与物之间的空间关系，丰富虚实变化，使画面接近最后的完成效果。3.1 亮部、暗部

从亮部往暗部画，这样画面会比较沉稳；从亮部着手塑造，这样画面比较响亮实在。其实并无定法，按个人喜好具体情况而定。

如果你处的角度暗部较多，那么就一定多注意烘托暗部的丰富深沉，最后才惜墨如金地用一点点金色点亮画面；如果你处的角度亮部较多，而这些物品色彩之间相互接近，就要着重处理这些亮色的关系，这时暗部只是增强物品立体感的一些小面积色块，起到稳定画面的作用。3.2 局部推进 整体把握

塑造也可以从画面中的任何一个局部开始。3.3 模棱两可的灰色

注意哪些暗色，那些色相甚至冷暖倾向都不太明显的深灰色，如果处在物体的明暗交界线上那就更棘手。理论上说没有色彩倾向的颜色即灰色，也可以通过调整周围环境色让他有所归属，与其他 形成关系，好的灰色可以处理的想玉一样润，让你的视觉舒服得忘了它的存在，因此要大胆地反复尝试。3.4 质感的表达

在光影变化中研究质感是静物画训练的一个重要内容，这种研究是令人愉快的，尤其是当你第一次表达出一个金属制品或玻璃杯器皿，准确的高光、虚实强烈的反光及边缘线就能使一件不锈钢区别于陶罐、棉被或皮毛。在这方面我们应该好好去研究17世纪荷兰或西班牙的那些大师们的静物画。3.5 画面的空间关系

空间关系不但可以通过纵深的透视线来表达，色彩本身也给人以远近不同的感受。冷色要比暖色感觉远一些，灰色要比纯色远一些，冷冷的灰色像暮色四合的夜空，感觉辽远。还有，近处的东西色彩变化较大，冷暖拉的比较开，质感强烈，而远处反之。明暗上的叠压关系也会产生强烈的空间层次，如用暗色衬托亮色，或者亮色衬托暗色。在前者边缘线较实，后者较虚。

4、收笔

完成一幅作品要像开始一样果敢自信，当机立断，见好就收。如果你经历了努力的塑造调整，在画面丰富生动敲到好处的时候结束吧。

四、作业：

1、暖调类似色以陶瓷器为主的写生 1幅16学时

2、冷调类似色以水果、蔬菜为主的写生 1幅16学时

3、对比色组合以花卉为主的静物写生 1幅16学时

4、光色变化较复杂的多质感的静物组合写生 1幅16学时

第四篇：色彩课程工作总结

色彩课程工作总结

在本学期的美术教学工作中，我认真钻研教学大纲，不断探索适合本校学生的教学方法，并有效的进行了相应的教改实验，圆满的完成了本期的教学工作，取得了预定的教学效果。为了总结经验，更好的做好以后的教学工作，特将本学期的工作总结如下：

一、激发学生学习美术的兴趣

在职高性质的学校主要是以职业教育和就业为主，美术教育为辅的整体教学模式，它和专业的美术性质学校有很大的不同点，职高性质的学校是美术教育为电脑艺术创作服务，它涉及到了形体，色彩，创意等。学生刚来学校的时候都是没有什么美术学习功底的，而且大部分都是学习不是很好的学生，这需要教师耐心的引导，并且逐渐的培养学生的兴趣爱好，兴趣是学习美术的基本动力。教师应充分发挥美术教学特有魅力，使课程内容呈现形势和教学方式都能激发学生的学习兴趣，并使这种兴趣转化成持久的情感态度。同时将美术课程内容与学生的生活经验紧密联系在一起，强调了知识和技能在帮助学生创造生活方面的作用，使学生在实际生活中领悟美术的独特价值。

二、使学生形成基本的美术素养

在美术教学中，注重面向全体学生，以学生发展为本，培养他们的人文精神和审美能力，为促进学生健全人格的形成，促进他们全面发展奠定良好的基础。因此，选择了基础的、有利于学生发展的美术知识和技能，结合过程和方法，组成课程的基本内容。同时，要课程内容的层次性，适应不同素质的学生，使他们在美术学习过程中，逐步体会美术学习的特征，形成基本的美术素养和学习能力，为以后学习奠定基础。

三、发挥教师为主导的作用

1、备课深入细致。平时认真研究教材，多方参阅各种资料，力求深入理解教材，准确把握难重点。在制定教学目的时，非常注意学生的实际情况。教案编写认真，并不断归纳总结经验教训。

2、注重课堂教学效果。针对高一级学生特点，以愉快式教学为主，不搞满堂灌，坚持学生为主体，教师为主导、教学为主线，注重讲练结合，给学生一个愉快轻松的学习环境，在教学中注意抓住重点，突破难点。

3、坚持参加校内外教学研讨活动，不断汲取他人的宝贵经验，提高自己的教学水平。经常向经验丰富的教师请教并经常在一起讨论教学问题。开展公开课两次,使我明确了今后讲课的方向和以后美术课该怎么教和怎么讲。

四、积极改进教学方法

（1）每个教师都不是十全十美的，在教学方法是有有很大的区别，而自己的缺点也是存在的，要及时的发现自己缺点，以便于取长补短。在不同程度上要更深的认识自己，积极的学习其他知识和科目。才不至于使自己干涸，并且可以在以后的教学中灵活应用。

（2）在教学硬件设施上，由于我校的电脑室紧张状况，很难达到美术正常教学所需要的水平，但是我相信以后会好起来的。积极的利用多媒体教学使学生更好的去理解和掌握美术学习的各个方面，并且在以后的设计应用中能够灵活的运用。

2008-1-24

第五篇：色彩课程2014工作总结

在两周的色彩图式语言的课程之后，开始了为期四周的色彩课程的学习.色彩课程的练习主要是在对静物的写生中开展的，目的是深化对色彩图式语言的理解，熟练对图式语言中的各个要素的把握和运用，重点的是在对图式语言对色彩中色像，明度，纯度要素的协调运用，对物体的颜色，光影，透视和图案的构成的表现的基础上，丰富整个画面，使画面更加完整.所以说画面的完整性是这四周的色彩课程的主要训练目标.在四周的色彩课程中，我总共完成了13幅色彩作业.在课程的第一周，我只要进行了对机器静物的写生练习，由于造型能力有限，色彩感觉不太好，写生的作品比较失败，画面缺乏完整性，对静物色彩的把握也不好，往往只有简单的明度对比，仅仅用不同的颜色表现了所看到静物的素描关系.在课程的第二周，我尝试了按照莫兰迪画面上的感觉，试图将其把看上去简单其实却很丰富的色彩用在对陶罐静物的写生中，所以我自己摆了一组很简单的静物，在一个黄色的桌子上就只有一个褐色的陶罐，用了两天的时间去对这个对象进行写生，最后的效果还是不好，画面上依然只有简单的素描明暗关系，也还是用单调的色彩画出的素描静物.在第二周的课外作业中我用水分颜料花了一个星期的时间临摹了凡高的《星月夜》，尝试了凡高那种特有的笔触，虽然最后完成的作品中颜色和原作中有比较大的出入，一方面是由于我选择的临本本身的印刷问题，整个画面色调偏绿，而我在临摹的过程中也由于经验和技术上的问题，调不出临本上的颜色，所以，画面气氛比原作要少很多，但是经过对这幅《星月夜》的临摹，我一方面体会到了凡高的画并不是一时意气之作，他的画面都是经过精心安排，仔细构图的，比如《星月夜》这幅油画，凡高先是用钢笔做了张草图，然后再用油画颜料画在画布上，而画面中高大的贯穿整个画面的深色的丝柏正好分割了整个天空，阻挡了天空的流动，使画面更加沉稳;然而更重要的是我在对《星月夜》的临摹过程中稍稍体会到了用色的一些方法。在临摹完《星月夜》之后完成的另外一张课外作业中，默写了学校宿舍后面一排平房晚上停电时，一半自己发电亮着灯，而另一半点着蜡烛的场景，在这幅画中模仿了凡高的笔触描绘天空，整张画虽然还是缺乏完整性，但是色彩的丰富程度大有提高。

在课程的第三周和最后一周，我尝试运用了油画颜料这一种新的工具，对蓝色桌布上的一束花写生，感受了油画颜料和我一贯运用的水粉颜料的不同，而画出来的效果也比水粉画更好。我在继续丰富画面的色彩的同时，加长完成作业的时间，以提高作业的完整性。在完成长期作业的过程之中，也穿插了小尺幅的短期作业，快速表现场景和静物制作草稿，以训练在构图上的安排和对整个画面色调和气氛的控制。在最后一周时间中主要完成考试作业结束和总结课程学习。

在色彩课程学习的过程中，一共组织了两次大课，讲解欣赏学生优秀作品和大师范画，这对我学习很有帮助，在课程的学习中，老师也细心帮我讲解，也促进了我的进步，在以后的学习中我要继续努力，提高绘画水平。