色彩课程小结2篇[推荐]

第一篇：色彩课程小结2篇[推荐]

在两周的色彩图式语言的课程之后,开始了为期四周的色彩课程的学习.色彩课程的练习主要是在对静物的写生中开展的,目的是深化对色彩图式语言的理解,熟练对图式语言中的各个要素的把握和运用,重点的是在对图式语言对色彩中色像,明度,纯度要素的协调运用,对物体的颜色,光影,透视和图案的构成的表现的基础上,丰富整个画面,使画面更加完整.所以说画面的完整性是这四周的色彩课程的主要训练目标.在四周的色彩课程中,我总共完成了13幅色彩作业.在课程的第一周,我只要进行了对机器静物的写生练习,由于造型能力有限,色彩感觉不太好,写生的作品比较失败,画面缺乏完整性,对静物色彩的把握也不好,往往只有简单的明度对比,仅仅用不同的颜色表现了所看到静物的素描关系.在课程的第二周,我尝试了按照莫兰迪画面上的感觉,试图将其把看上去简单其实却很丰富的色彩用在对陶罐静物的写生中,所以我自己摆了一组很简单的静物,在一个黄色的桌子上就只有一个褐色的陶罐,用了两天的时间去对这个对象进行写生,最后的效果还是不好,画面上依然只有简单的素描明暗关系,也还是用单调的色彩画出的素描静物.在第二周的课外作业中我用水分颜料花了一个星期的时间临摹了凡高的《星月夜》，尝试了凡高那种特有的笔触，虽然最后完成的作品中颜色和原作中有比较大的出入，一方面是由于我选择的临本本身的印刷问题，整个画面色调偏绿，而我在临摹的过程中也由于经验和技术上的问题，调不出临本上的颜色，所以，画面气氛比原作要少很多，但是经过对这幅《星月夜》的临摹，我一方面体会到了凡高的画并不是一时意气之作，他的画面都是经过精心安排，仔细构图的，比如《星月夜》这幅油画，凡高先是用钢笔做了张草图，然后再用油画颜料画在画布上，而画面中高大的贯穿整个画面的深色的丝柏正好分割了整个天空，阻挡了天空的流动，使画面更加沉稳；然而更重要的是我在对《星月夜》的临摹过程中稍稍体会到了用色的一些方法。在临摹完《星月夜》之后完成的另外一张课外作业中，默写了学校宿舍后面一排平房晚上停电时，一半自己发电亮着灯，而另一半点着蜡烛的场景，在这幅画中模仿了凡高的笔触描绘天空，整张画虽然还是缺乏完整性，但是色彩的丰富程度大有提高。

在课程的第三周和最后一周，我尝试运用了油画颜料这一种新的工具，对蓝色桌布上的一束花写生，感受了油画颜料和我一贯运用的水粉颜料的不同，而画出来的效果也比水粉画更好。我在继续丰富画面的色彩的同时，加长完成作业的时间，以提高作业的完整性。在完成长期作业的过程之中，也穿插了小尺幅的短期作业，快速表现场景和静物制作草稿，以训练在构图上的安排和对整个画面色调和气氛的控制。在最后一周时间中主要完成考试作业结束和总结课程学习。

在色彩课程学习的过程中，一共组织了两次大课，讲解欣赏学生优秀作品和大师范画，这对我学习很有帮助，在课程的学习中，老师也细心帮我讲解，也促进了我的进步，在以后的学习中我要继续努力，提高绘画水平。

色彩课程小结（2）：

XX年4月12日我和另外三名志愿者来到了永丰实验小学开始我们色彩小教室的第一次志愿服务活动。在西校区乘坐512路公共汽车去实验小学的路上，看着窗外的景色，感觉自己离繁华的都市越来越远，高楼大厦在视线中慢慢消失，取而代之的是青翠的树木，浅浅的小河。一路上因紧张而忐忑不安的心也逐渐平静下来。下了车，经过一段长长的不算宽广的道路，我们终于来到了我们的目的地—永丰实验小学。

校方对我们的到来表示了极大地欢迎，也极力的配合我们的工作。在林主任的办公室将每个班的彩笔分配好，上课前拿到教室发给学生。一路上好多孩子围在我们周围，不断地发出欢呼声：哇，好多彩笔啊！被他们的笑脸感染，不自觉地露出笑意。上课前，美术老师郭老师对小朋友们训话，让他们上课遵守纪律，听助教老师的话，听着孩子们整齐的回答，心里竟然溢满了感动。曾几何时，我也曾坐在那样的教室，没有高高的楼房，只有一排紧挨着的平房教室，没有宽阔的操场，只有一片可以自由活动的小小的空间。我也曾在上课前安静的坐在座位上，等着上课铃声响起，等待老师到来，等待一天的课程结束，等待放学回家后的动画电视！那曾经地无忧忧虑地时光！

上课开始，同学们端坐在座位上，将分到的彩笔小心翼翼地放在书桌的一角，脸上都浮现着灿烂的微笑！老师上课，同学们积极配合，争抢着回答老师的问题。开始作画时，每个人拿出自己的画画本和铅笔，认真的画画。对不太满意的地方，用橡皮擦了再改，不满意了再改,直至自己比较满意了为止！画出轮廓，他们会小心的打开彩笔盒，认真的挑选颜色，然后趴在桌子上仔细的涂色。画的较快的，会在画完时愉快的举起手告诉老师画好了，老师几句表扬的话，会让他们露出大大的笑脸！看着那一个个趴在桌子上认真作画的身影，看着他们小心翼翼地打开彩笔盒挑选颜色，看着他们纯真的笑脸，讲课时紧张的情绪慢慢平复，心会随着他们的画笔游走，看着他们认真思索如何下笔，也会不由地皱起眉头，看着他们露出笑脸，嘴角也会不由地轻轻上扬！

一节课40分钟，下课时仍有好多同学没有画完，我们所准备的评选最好的画和对画进行点评没有时间来进行。为了配合我们，小郭老师要求他们利用午休的时间来完成作画，这并不是我们想要的。作为经验，下次课程要掌握好时间，老师讲的时间要缩短一些，留出充足时间来让他们作画，尽量不占用其他时间。小郭老师教他们作画有四部，同学们有些并没有按要求来作画，而我们并不是很了解，在巡视过程中也没有指出，只是表扬他们有些地方画的不错，导致有些同学会受到小郭老师的批评，对此感到非常抱歉。虽然没有学过画画，也可以查一些简单的常识，避免类似的问题再次发生。

课程结束，走出教室，仍有很多同学见到我们称呼我们老师，心中充满了感动和喜悦。这次的志愿之旅让我收获很多，对生活有了新的认识与思考。感谢星光计划给孩子们带来的喜悦，也让我们有机会和这些纯真的孩子接触！祝福星光计划顺利进行，祝福色彩小教室一次比一次精彩！

第二篇：色彩设计课程质量分析小结

色彩设计课程质量分析小结

色彩设计是各类艺术设计教学的专业基础课和主干课程，是培养学生艺术设计基本功和艺术表达能力，训练学生现代审美判断能力和创造性思维能力的必修课程。它的目的在于培养学生对色彩的观察、认识、感受和表现的能力，掌握和运用色彩语言去再现物体、表现物体、表达思想情感的基本知识和方法，通过写生、变形变色、创作等手段训练学生的色彩基本功和培养学生运用色彩语言进行创新的能力，为艺术设计打下坚实的色彩基础。

一、教学目的

色彩是视觉传达最基本的表现语言和审美要素。色彩设计学的教学目的是在色彩科学体系的基础上研究符合人们视觉和心理原则的配色创造，使学生了解和掌握色彩的物理性质、色彩的对比调、色彩的生理、心理以及色彩创意设计的方式与方法理论、色立体的基本概念，熟练地运用色彩表现主题。

教学以理论讲授和实践辅导相结合，并针对不同阶段的课题采用不同的教学方法。要求学生系统了解和掌握色彩的基础理论、构成方法和色彩艺术的创意思维。色彩基础理论主要包括色彩的物理、生理、心理、美学等科学原理，构成方法主要解决色彩的对比与调和、构成的基本方法以及色彩构成的形式美法则。创意思维主要解决对色彩的心理联想和创造性色彩运用。

二、教学方法

1、在介绍理论时，有意识地激发学生的想象力，把书本上枯燥的形容词与生活经验中的真实情境结合起来，加深理解。顺带也考察了他们把抽象概念与现实情境相互联系转化的能力。为以后的教学环节设计打下基础。

2、采用互动式教学方法，用分组竞赛的手段把学生的学习积极性调动到最高。例如：红、黄、蓝、白、黑几种常见色能联想到的名词各有哪些，再用一个形容词来描述一下上述名词。这样的练习有助于学生理解色彩的心理效果、文化表情和通常与之相联系的特定物体。例如：红色：太阳（热情）等等。运用这样的方法能够使学生自主地，形象地掌握书本相关内容，并培养他们的发散性思维。

3、采用情境教学法，让学生用色彩来形容自己的同学，既活跃了气氛，又使学生对于色彩的性格和感情倾向有了更深的理解，这是我们完成色彩设计作业的基础。

4、边学边练，用他们感兴趣的题目来引导他们的学习热情。比如用色彩来表示“喜、怒、哀、乐”“春、夏、秋、冬”等等。用色彩来表现自己喜欢的音乐。这个作业让他们暴露出了一些问题，我结合书上的内容加以指导，学生接受地较快。

三、教学环节

1、色彩学基本原理：讲授，提问，让学生进行联想练习，例如：暖色——橙黄色——沙漠、后退色——冷色——青灰色——远山等等。

2、色彩运用基础，表现形式：结合“用色彩表现音乐”这一作业来进行针对性的讲解。

3、视觉设计的色彩运用这部分内容在讲解作业时会由浅入深地一点一点讲授到。

4、空间设计类的色彩训练会结合平面设计，分析两者异同，结合设计心理学讲授。

四、课程建议

1、安排一些课（2—4节）在多媒体教室上，可以给学生多看一些设计作品，让他们加深感性认识。2、2周48学时，一周24学时的课业任务比较重，学生知识来不及吸收，作业质量得不到保证，学习效率不高。

3、最好把这门课排在《色彩》上完之后，这样能够趁热打铁，巩固《色彩》中涉及的基本知识，也能及时分析《色彩》和《色彩设计》之间的异同。

五、课程效果

1、学生能够理解和掌握单个色彩和色彩组合所表现的情感和使人产生的心理效应。

2、对特定主题已经能够用比较准确的色彩组合来表现。

3、明白了装饰画和写生画的区别，能够完成传情达意的装饰画。

4、理解环境中色彩设计的特殊性，能够完成室内的色彩方案设计。在本课程的学习中，首先要了解色彩学的基本原理，尤其是色彩的视觉效应与象征作用，为理解和学习色彩设计打下基础。其次要弄清色彩的表现方式，包括其变化规律和调和配置方法，多加练习，熟练掌握。最后通过观察和揣摩生活中各类设计作品色彩的运用来体会其特色把握其规律。学会色彩的观察、理解、归纳与表达，这些环节都是为了让学生学会空间中色彩的运用，以达到环境艺术设计专业色彩设计课程的目的。要注意让学生自己发现问题，经过自我探索和求证这一阶段后，老师才能进行针对性的讲解，这一点非常重要。

艺术系

王颖

2007年7月6日

第三篇：《色彩Ⅲ》课程教案

《色彩Ⅲ》课程教案

教学目的：这是一门低年级油画入门课程，首先要让学生在理论层面上了解从文艺复兴到印象派油画技法发展概况，掌握油画艺术的发生及源流知识。在实践教学中，从做框、绷布、打底等油画基本技能入手，使学生逐步熟练掌握油画技法并具备油画景物写生（写实）能力，同时具有一定的感受油画艺术语言的审美能力。

教学重难点：

重点：是熟练地运用油画技法深入完整地表现对象

难点：油画感的把握及局部的深入表现，注意暖色调勿火气、勿燥及焦糊感，冷色调勿灰、勿沉闷及不透明感。教学内容（理论讲述、实践辅导）：

第一节 油画材料与技法发展简史

一、油画材料与技法的演变过程

1、西方早期绘画的材料与形成： 1）淡彩丹培拉技术

蛋彩就是坦培拉绘画是欧洲古老的画种，曾经造就了乔托、波提切利等众多绘画大师。现在有更多的艺术家和绘画爱好者希望通过对这一古老画种的研习，来丰富自己的艺术创作。

坦培拉来源于古意大利语，意为“调和”“搅拌”，后泛指一切由水溶性、胶性颜料及结合剂组成的绘画，也常单用于鸡蛋等乳性胶结合剂组成的绘画。通常人们以画家使用的颜料来鉴别各类画种，以颜料中所含的粘合剂（媒介）来为颜料命名，色粉与鸡蛋等乳液结合就是坦培拉颜料。2）形成了油性媒介材料和技法的雏形

由于蛋彩和其他坦培拉材料干燥过快，操作程序繁琐，又有难以达到细微的写实风格的缺点，画家们便不断寻找更为理想的颜料结合剂和更完美的制作技法，因此有了油性媒介材料的雏形。

2、传统油画材料与技法的形成： 1）油性媒介材料取代丹培拉材料技法

从十四世纪起，在威尼斯，由于航海船运的需要，帆布业发达，画家借便开始尝试以帆布为依托作画，取得成功。这使已往媒介材料的缺陷也日益尖锐的摆在画家面前。需要一种不易干的，便于改动的绘画材料才能满足画家对细微的层次和复杂的形体表现需要。这种困惑一直到十五世纪尼德兰画家凡·爱克兄弟的笔下才解除。他一改以胶水和蛋黄为媒介剂，采用了一种油剂。这种油剂是透明不变色的,而且干的比较慢,一旦干后要凝固结实,这就是亚麻仁油。画家还发现核桃油也有相同性质。这种油和树脂及松节油结合，可以制出一种膏状的理想媒介剂。

2）确立了以油性材料为主的绘画材料体系

使蛋彩画进一步向油性材料和继发过度的并作出重大贡献的是意大利北方的威尼斯画派，以贝里尼、乔尔乔尼和提香等人为代表的威尼斯画派继承和发展了混合绘画技法，他们开创了使用深色底子作画的先例并开始采用比较厚重的不透明颜料作画，色彩强烈而浓厚。

3、近代油画材料与技法的演变

17世纪佛兰德斯画家鲁本斯采用了坦培拉材料做底层画，以树脂光油罩染颜色的技法，又继承了威尼斯画派的有色底子和强烈的色彩对比，将两家之长结合起来，开创新一代画风。他创造性的在浅灰底子上罩染暖色的油彩，这种油菜能形成一种微妙的如珍珠的色泽。他的作品中直接画法已经出具端倪，近代油画暗部薄而透明，亮部厚重的规律也起于此。1）纯粹的直接画法

直接画法是利用油画颜料的不透明性和覆盖能力,用色彩直接塑造形体从而达到形色兼备的绘画方法。随着十九世纪社会发展和工业技术的发达，艺术观念和功能发生了巨大的改变，传统油画技法已经不能满足新的表现内容形式的需要，以印象派的出现成为必然，大部分的印象派画家采用直接画法。

直接画法是用油画材料直接表现从而达到形色兼备的绘画方法。所谓“直接”，是相对古典技法一层一层“做”的、带某种预期效果的方法而言，它既包含一次性挥洒的直接现象，也包含油画材料在已有底子上塑造的“蕴积”效果；既包含一笔之中带出形色的写实技巧，也包含以并置笔法为发端的现代绘画的直接呈现的变革语言。

正由于直接画法的这种眼手如一的直接关系，揭示了人与对象共进共退、相互依存的内在本质，所以，油画直接技法在近现代油画史和相关的绘画史中成为主要的表现语言。

2）使用画刀和其他非传统工具，材料技法逐步多元化

印象派以后的西方绘画面貌有了更大的变化，画家纷纷寻求和个人风格相适应的得材料和技法，形成多元化格局，同时也发现了油性媒介材料的材质和特点。后来的抽象表现主义画家中，所用的工具和手段由单一的画笔发展到更多使用画刀和其他非传统材料，甚至用泼溅、滴流等方法让材料本身来说话。3）出现综合材料绘画

综合材料绘画进一步发展，画家大量使用多种媒介以及非绘画材料，利用材料的对比丰富画面表达观点。这方面在美国最著名的代表人物有贾斯帕·约翰斯和罗伯特·劳申伯格等。

50年代末，当这两位美术家的作品公展时，引起了社会极大的义愤。他们利用废品、实物、照片等组成画面，再用颜色作些拼合或涂绘，其目的是要打破传统的绘画、雕塑与工艺的界限，把日常生活中最平凡的东西，甚至废物与垃圾也当作素材而加以利用，他们的艺术创作与波普艺术不可分割。

4、当代油画材料与技法应用趋势 1）绘画材料语言发挥的作用越来越明显

强调颜料与色彩的肌理和质地感，运用各种媒介的特质来突显个性。特别是在抽象油画作品中体现的更多材料技法成为在造型色彩之外的第三种重要的形式语言。

2）油画材料与其他绘画材料技法的综合运用成为一种趋势

在传统的油画中虽然有坦培拉与油的结合，在现代的综合材料作品中则更没有限制的把油性颜料与各种不同的媒介手段混合应用，使传统的绘画受到巨大的冲击，但也促使人们对材料和技法的传统观念发生了变化。3）绘画材料由物质手段或形式向表现内容或主题转化

这主要是指一幅作品并没有特定的主题和内容，但在显示材料特质或手段方面有非常讲究的独立审美价值，有的作品直接让材料本身来成为作品主角。

二、油画材料与技法运用实践

1）古典写生风格油画的材料与技法：鲁本斯、安格尔

古典写实风格油画总体上以严谨的写实造型为主，在色彩上强调固有色，使用的主要技法是透明画法和多层混合技法。早期的油画透明技法是单线勾勒轮廓和但金丹的敏感加上透明色平涂找色，这也是最基本的间接画法，后来随着明暗和造型等绘画技术的进步，逐渐发展成为用线条和明暗作完整的单色素描，最后罩上一遍或多遍透明色的技法。后期的古典写实油画较少使用单纯的透明罩色技法，一般是与多层混合技法结合起来使用。

安格尔是新古典主义的领袖人物，尤以高度写实的肖像画著称。安格尔喜欢用浅灰白色的底子作画，他追求的光线是柔和、均匀的光线体现女性高雅柔美气质的表现。安格尔作画基本属于直接画法，但分了多次完成。安格尔在最后也使用透明色罩染的办法来调整色彩的冷暖明暗变化。2）传统写意风格油画的材料与技法：德加、弗洛伊德

传统写意油画以直接技法为主，比较多地采用了颜料厚涂相结合的方法，在形体描绘上更强调把握对象的整体节奏感，并特别讲究运笔的韵味而不拘泥于细节的真实。写意的油画在色彩上获得了更多的主动，有再现的成分，也有表现的成分，有力与画家情感的表达。

弗洛伊德的画风演变经历了细腻工整的写实到粗狂的写意风格。在20岁之前的作品，几乎全部直接依靠观察所得的材料，这或许是幼年时期孤僻的性格所导致，是对客观现实的敏感，他的画作看起来充满沉郁和凝重。上世纪60年代以后，他像一个隐士那样深居简出，远离喧嚣的国际艺术潮流，与世隔绝般地思考着自己的艺术，力图向自己领域的纵深方向发展。在孤僻与封闭的状态下，他通过各种探索完善了个人的独特风格。

富有弹性的猪鬃笔代替早期使用的较柔软的貂毛笔，更富弹性和力度的笔触与厚颜料粘滞的阻力相互抗衡，在画面上留下清晰的丝状笔痕。笔触由薄到厚，错纵交叠。这些令人激动不已的粗砺生硬的笔触取代了曾经平滑、精巧的画面，宁静的画风也变得热烈，作品更具形式的美感、情感与表现性。

他的画色调多为灰褐色，强调光色变化，用稠厚的调子，能体现出他的笔触语言。他的颜料中几乎不加油稀释，这样更具有强烈的造型感，他的造型基础坚实，所以他的用笔肯定变化十分丰富。《自画像：反省》用厚涂法堆砌出画家的鼻子、前额和他那未加修饰的花白头发，给人以照片般的印象。强烈的明度对比、执著的笔触和厚积焦灼的色彩，将画家的思虑过度、敏感、不安又带有几分神经质的性格特征，生动地表现出来。他刻意留下层层叠叠的肌理与层次，以增添更为人性、自然的味道。

3）印象主义风格油画的材料与技法：毕沙罗、莫奈

注重绘画的光、色、形、意、美的融合，体现印象派的艺术与光学相结合的主要特征。印象派绘画在光与色的表现上取得了突破性成就，在光、色中求形，以光与色的讴歌表现意和美，理解了光、色、形、意、美在绘画语言中的辩证关系，把闪烁的阳光和微妙的阴影引入画面，绘画随之变得清新明丽、生机盎然。

印象派的油画创作基本上是直接画法，以白色画布为主以使色彩获得作强烈的基底衬托，在色彩衔接上自然不死板。用厚涂并且不同的细碎的笔触和色彩并列的方法设色，颜料使用多为不透明色和半透明色。

莫奈曾反复画不同时间的鲁昂大教堂和草垛，正是为了捕捉瞬间的光与色。采用原色并列、重叠和补色手法，形成印象派新的绘画语言。为了表现物体的动态变化和光色的斑斓绚丽、光怪陆离，印象派画家采用小笔触和色调并列方法，有些颜色不再在调色板上调配，而是红、黄、蓝三原色并列，时而重叠，并把红和绿、黄和紫、蓝和橙色补互对比，使色彩在强烈视觉冲击中产生新的和谐。印象派新的“光色”技法形成了新的绘画语言，令人耳目一新。他作画喜欢用胶粉底子，通常颜色为浅灰色。为了保持色彩的饱和鲜艳，他使用稠厚的油画颜料。用笔松动灵活，时而薄擦，时而厚涂。4）照相写生风格油画的材料与技法：威廉.贝克曼

照相写实主义指以照相版的写实风格并使用摄影技术辅助来进行创作绘画技法。照相写实风格油画制作过程严格，表面精致平整大多采用直接画法，但也在局部用罩染的间接润色加工。照相写实主义采用平整的胶粉底子，作画前用照片的素描稿子用网格放大转移到画布上。用铅笔勾勒，再用松节油蘸颜料将稿子确定下来。作画用笔平整，时期表面光滑。

威廉.贝克曼德国画家，早年作品仿效德拉克洛瓦。德国表现派画家和图形艺术家。他的作品处理的十分光洁，他使用铅笔起稿，用松节油蘸颜料画出层次，用褐色铺出底色，喜用砂纸创造色层表面的平整肌理。（5）装饰绘画风格油画的材料与技法：马蒂斯、莫迪里阿尼

装饰绘画风格油画作品的典型特点是在写实造型的基础上加以简化、夸张或变形处理，表现手法较多地强调轮廓线与结构而减弱明暗光影。装饰风格的油画的材料选择和特殊技法的运用很重要，有时会对画面色彩和肌理效果起决定作用。

马蒂斯是一个善于吸取各种艺术门类的优点的人，他研究东方地毯和北非景色的配色法，发展成一种对现代设计有巨大影响的风格。他以平面和线为主构成夸张变形的形体，具有明显的装饰效果。他喜用较薄的颜料，用笔自如松动。

莫迪格利阿尼的绘画中的装饰性由平面的色彩处理、富有弹性的轮廓曲线和夸张变形的几何形体构成，他的画装饰性强，却通过色彩的黑白灰名都配置使得平面化的画面产生空间的深度，他用色比较薄，用笔灵活多变，具有干湿枯润的变化。

6）表现主义风格油画材料与技法：卢奥、汉斯.霍夫曼

表现主义风格的油画创作在材料与技法的运用并无一致的程序，许多表现主义的画家基本上凭直觉直接作画，直接画法和厚涂技法为主，有的完全不用调色媒介剂以强调颜料的肌理和质地感觉，甚至用软管里稠厚的颜料直接剂在画布上作画，在色彩和形式上具有极强的冲击力。还有的在颜料和底子中加入沙子或石粉等不同的肌理材料使得画面质地显得更为粗犷强烈，具有力度。创作出不同的画面效果。

卢奥他在技法上爱用饱满的颜料和率直的笔触，作画用很少的油，有干枯的底子和干涩的颜料来产生厚重的质地感觉。陆奥的色彩与彩色镶嵌画的感觉也很接近，爱使用较纯的红色、宝蓝和绿色。他的用线方法行笔节奏顿挫与形体结合的非常贴切。

霍夫曼在绘画上最关心的问题是如何将色彩和形的要素有效地统一起来。在他看来，绘画意味着用色彩进行塑造，画家的使命，是利用色彩的因冷暖、明度及纯度的不同而形成的进、退、胀、缩的视觉效果的差异，在画面上创造力与势的结构，表达内在情感。四十年代初，他开始采用以颜料滴、洒、甩、泼的方法进行创作，使画面充满强烈的表现性。《门》是霍夫曼创作于1960年的作品，画面看上去简洁、明确。不同形状的长方形错落有致，红黄蓝的色块在黑色与灰色背景的衬托下显得十分强烈。整个画面在抽象色块的对比中显出节奏和张力。这种看似随意的堆砌，实际上经过反复推敲。画家首先用宽刷子松动的画出底色，再用画刀将稠厚的颜料画到底子上想成肌理变化。人们能从色彩和材料构成中体会秩序的魅力。

第二节 直接画法油画静物写生

一、材料准备

1、绷布、做底、调和媒介

2、指导学生现场绷布、油画底层实验

3、松节油、调色油、上光油及调和媒介介绍和实验。

二、静物写生的目的和意义

静物画对于画家来说，是他们创造性艺术思维的一个重要方面；对于习画者来说，则是学习油画基础知识、掌握油画基本语言的最好课题。通过静物画的训练，我们可以初步熟悉油画的工具性能和特点，了解构思构图的一般形式法则，提高实施构图、把握物体色彩造型的能力及加强对物体质感、量感、空间感的表现，研究物体固有色、环境色、光源色的关系，掌握室内光线的一般规律。通过静物写生所获得的能力，也为主题性创作中的环境道具的表现提供了基本的技法语言。

三、油画静物的作画步骤

任何一个步骤图都不能像录像那样使你直观老师的方法，任何一个艺术家进行艺术创作也不能都遵循自己事先设计好的程序。艺术创作既有科学程序化的一面，又有情感宣泄的一面。但作为一门学问，强调其科学有序的一面是必要的。

1、起稿

先学会“阅读”对象

在正式开始之前要先仔细“阅读”眼前的这组物体，体会教师摆放意图，让自己调整到一个沉着安静的心态。适当压抑你的情绪。如果眼前的这堆东西让你激动的话，请学会蓄势待发。要知道优秀的作品不会是从毛毛躁躁开始的，古人说“意在笔先”。画几张小稿来推敲

准备小速写本和铅笔来帮助自己明确思路，把对象概括成简单的形体，在画面上安排好大致的位置，确定混响之间的大小比例。如果你仔细研究塞尚、马斯或蒙德里安，你会对形状与位置安排变得敏感和挑剔。因为回话从来不是被动的抄袭。要主动的安排画面，在勇敢的实践中积累处理画面黑白灰、点线面这些抽象因素的经验。要做到有感而发，在短时间内，新鲜而兴奋的状态中确定构图，开始上正稿。

开始你的正稿

将小稿放大的正稿上，过程中必然会略作调整。呀充分运用画家视觉上的自律，仔细地观看、体会、构思。

我们可以容易修改的木炭条起稿，那样作画状态比较放松。

要把握好作画的节奏，在这个阶段需要尽可能地放松迅捷。

也可以用松节油起稿，因为干得快，还可以像水彩一样自由挥洒，薄薄的把大的色彩关系错略定下来，使画面一下子呈现出一种气氛，为下一步铺大体色做准备，做进步不推进调整的参照。起稿多用赭色、褐色较为稳定的颜色，不宜用过浓过艳的颜色，方便修改、调整、覆盖。

2、铺大体色

在上大体色时就该尽可能地放开手脚，大胆地为各个主要物品放上明确的色块，让这些色块之间相互作用，形成氛围。不要拘泥于细节上用笔的准确完美，那是下阶段的事。而应该全力以赴地推进你的画面，一气呵成，把你要的大效果呈现出来。

用小稿来推敲色稿

如果你对铺大体色感到没有十分的把握，可以用一张烟盒大小的纸，画一张小色稿。要知道很多大画家在开始创作之前也往往都画上几张小的色稿来反复推敲呢。在铺大色阶段，一定要强迫自己学会概括的表达，要区分好每个大色块之间的关系，即明度、纯度、冷暖、色彩倾向。并使这些色块有利于色调的和谐与空间关系的明确。

3、深入塑造、整理阶段

深入塑造的难点在形色结合，在深入过程中既要保持刚刚建立起来的色彩关系，并不断丰富它，又要塑造形体刻画细节，处理物与物之间的空间关系，丰富虚实变化，使画面接近最后的完成效果。3.1 亮部、暗部

从亮部往暗部画，这样画面会比较沉稳；从亮部着手塑造，这样画面比较响亮实在。其实并无定法，按个人喜好具体情况而定。

如果你处的角度暗部较多，那么就一定多注意烘托暗部的丰富深沉，最后才惜墨如金地用一点点金色点亮画面；如果你处的角度亮部较多，而这些物品色彩之间相互接近，就要着重处理这些亮色的关系，这时暗部只是增强物品立体感的一些小面积色块，起到稳定画面的作用。3.2 局部推进 整体把握

塑造也可以从画面中的任何一个局部开始。3.3 模棱两可的灰色

注意哪些暗色，那些色相甚至冷暖倾向都不太明显的深灰色，如果处在物体的明暗交界线上那就更棘手。理论上说没有色彩倾向的颜色即灰色，也可以通过调整周围环境色让他有所归属，与其他 形成关系，好的灰色可以处理的想玉一样润，让你的视觉舒服得忘了它的存在，因此要大胆地反复尝试。3.4 质感的表达

在光影变化中研究质感是静物画训练的一个重要内容，这种研究是令人愉快的，尤其是当你第一次表达出一个金属制品或玻璃杯器皿，准确的高光、虚实强烈的反光及边缘线就能使一件不锈钢区别于陶罐、棉被或皮毛。在这方面我们应该好好去研究17世纪荷兰或西班牙的那些大师们的静物画。3.5 画面的空间关系

空间关系不但可以通过纵深的透视线来表达，色彩本身也给人以远近不同的感受。冷色要比暖色感觉远一些，灰色要比纯色远一些，冷冷的灰色像暮色四合的夜空，感觉辽远。还有，近处的东西色彩变化较大，冷暖拉的比较开，质感强烈，而远处反之。明暗上的叠压关系也会产生强烈的空间层次，如用暗色衬托亮色，或者亮色衬托暗色。在前者边缘线较实，后者较虚。

4、收笔

完成一幅作品要像开始一样果敢自信，当机立断，见好就收。如果你经历了努力的塑造调整，在画面丰富生动敲到好处的时候结束吧。

四、作业：

1、暖调类似色以陶瓷器为主的写生 1幅16学时

2、冷调类似色以水果、蔬菜为主的写生 1幅16学时

3、对比色组合以花卉为主的静物写生 1幅16学时

4、光色变化较复杂的多质感的静物组合写生 1幅16学时

第四篇：色彩小结

色彩小结

在这周，我们结束了为期五周的色彩的学校和训练，先是两周的色彩静物然后是三周的色彩人物，课程中我们继续进行绘画专业知识的深入学习，当然之前教素描的老师传授给了我们很多新的观念，我们学习到了很多新的专业知识、获得了很多新的启发，对整个绘画感觉有了更多的认识和体会。下面我对近期来，色彩课程的学习心得做一个总结！

在高中时学习绘画是为了应付高考，我的训练中过多的是强调画画经验，将画画模式化，在熟练的掌握画画的模式后，往往应付考试是不会有多大问题。但这不能真实的体现艺术的价值。

我对色彩的理解进一步加深了，从茫然无从到能够主管的去理解，判断，处理，知道了一定的色彩能够反应人的心理，没有单一的色彩，色彩之前的相互和谐，融洽的形成一幅完整的画面。

“没有一片叶子是一模一样的”每个对象的一些细微之处，一些与众不同之处就在这些细微末节中体现了。

基础学习和训练，一般容易使人感到枯燥乏味，但这是绘画技法学习和训练中无法跨越的重要阶段，它直接关系着学习的成败。所谓“坚持就是胜利”，说明学习中的意志、毅力，与获得成功胜利有着密切关系。如以画速写为例，一天画一二十分钟，在室外画三五张速写是简单易行的事；要是每天都画速写，坚持半年一年，三年五年，以至终生不断，那就是不得了的事。

在这次的学习中，我们也在运用各种不同的手法来完成自己的画面，尽量做到与高考不同，老师也反复强调注意细节，形体，画面的和谐等等，尝试不一样的画法，彩铅，油画棒，换掉素描纸等等，改变一些原有的习惯了的作画方式，在老师的讲解和自己的实际绘画中我慢慢体会到，色彩的要求，如颜色的协调是一种普遍原则，在整个画面手法同意，关系协调，构图稳定合理的前提下，可以有不同的表现手法，运用不同的材料。来表达出你的思想和感情，如果一幅画只是一味的去画，没有深入的考虑和构思，那么它所要表达的情感就很单薄，那么也就不能被称作是一张优秀的作品了！

K4 韩雪峰

第五篇：色彩小结

色彩图示语言小结

两周的色彩图示语言课程就块结束了。这两周的学习让我对色彩图示语言的理解更一步加深了。我觉得较已经学过的色彩绘画表现形式更加的丰富,也更加的灵活,我对这门课程的学习也兴趣浓厚。开始的时候还不能更好的投入到学习中。但经过了几天的学习，观察和思考，加上老师的教导，让我大致明白了色彩图示语言应该如何学习。相对普通色彩来说有更多的变化，这也丰富了我对不同材料搭配，不同顏色的融合的理解。

专业大课上老师为我们放映的不同时期著名的艺术大师的作品,这让我们在开始学习色彩图示语言时有个新的认识。不论是写实的，印象的还是其它的派别。但对艺术的理解都是一致的。只有让时代的人们接受的艺术才是好的艺术，努力的艺术才是真正的艺术。

自然界色彩丰富，当然色彩的运用也相当的广泛，并且存在与人们生活的空间之内，从古到今都有着对色彩的研究，对色彩发展史也有了关注，在19世纪产生的印象派，绘画一创新的姿态出现，反对当时的腐朽古典主义艺术观念和法则，受到现代光学和色彩学的启示，注重在绘画中的关的表现，注重了自己的主观的想法，从而变的不是单一的绘画方式。在此，我们知道了更多的关于色彩的表现方式，有马奈，莫奈，德加等等。在他们之后的新印象派{修拉}和后印象派{塞尚，梵高和高更}。梵高的绘画着力表现自己强烈的情感，色彩明

亮，线条奔放。高更具有象征性的寓意和装饰性的线条和色彩。塞尚绘画追求几何形体结构，他是现代艺术之父。到后来的野兽派，现在美国的波普艺术。

在这次的学习中，我运用各种不同的手法来完成自己的画面，尽量做到与高考不同，尝试不一样的画法，彩铅，油画棒等，改变一些原有的习惯了的作画方式，其实，在这里也总结了这么多，可是在这一学习过程中，我没有感觉到自己有什么大的进步，一直都很迷茫，很不适应。但是可以肯定是的我学习到了很多东西在这个瓶颈期，色彩的正确运用对场景，人物等等起着很大的修饰作用。色彩图示语言提高了艺术与设计的关系和培养有较强的个性表现力、创新能力、有前瞻性及较高的文化艺术素质。对此，我要打开思维和观念，提高自己审美观念。

色彩图示语言这门课程结束了。但是感觉对它的学习是远远不够的，在我生活中关于色彩的实在太多了，不光是图示语言，色彩也是一门深奥的学问。来自生活的色彩灵感，浓妆淡抹总相宜，温柔的色彩，有斑驳陆离的色彩情感，色彩线条下的情感。总得来说这两周的课还是很有受益的，在以后的学习中我也会把在色彩图示语言方面学习所获得的知识和认识运用到其它的学习中去。这样才能让我更好的在以后的学习中努力前进。