中国青年出版社外国美术简史 全书重点总结

第一篇：中国青年出版社外国美术简史 全书重点总结

纵观西方美术的整个发展历程，我们可将它划分为两个大的阶段去把握：从古希腊到19C中叶法国印象派的产生为第一阶段，这一阶段的西方艺术以模仿写实为主流，可称之为传统西方艺术，其中古典艺术的影响无为深远，从中可以看到古典艺术发展的三个高潮：古希腊罗马时期、意大利文艺复兴时期、19C的欧洲。第二个阶段则包括从19C下半叶的后印象派到当代的西方艺术。它花样翻新、面貌多样、精神的表现、建立了全新的艺术观念，形成了一个开放的多元化的艺术局面，这个阶段我们称之为西方现代艺术。原始美术 时间跨度和分期

> 旧石器时代指公元前100万年到两万年之间。> 中石器时代指公元前两万年到公元前一万年之间。> 新石器时代指公元前一万年到五千年之间。

> 公元前3万年前属奥瑞纳（Aurignacian）文化期。> 公元前2万5千年前属索鲁特文化期。> 公元前2万年前属马格德林文化期。

> 公元前7000年的杰里科（Jericho）文化 > 公元前6000年的沙达尔.胡又克文化 时间跨度和分期

> 旧石器时代指公元前100万年到两万年之间。

> 中石器时代指公元前两万年到公元前一万年之间。> 新石器时代指公元前一万年到五千年之间。

> 公元前3万年前属奥瑞纳（Aurignacian）文化期。> 公元前2万5千年前属索鲁特文化期。> 公元前2万年前属马格德林文化期。

> 公元前7000年的杰里科（Jericho）文化 > 公元前6000年的沙达尔.胡又克文化

• 原始美术的基本特征

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2、直觉感受的记忆与夸张特征的写实高度统一

原始艺术的形象既不是纯粹幻想的产物，也不是精细深入地进行写实描绘的产物，而是试图忠实地表达记忆中的形象直感的产物，在那幽暗的洞窑深处作画，不可能直接面对描绘对象写生，只能凭着记忆的形象来描绘。因之形象被画得极其概括和简略，对象的特征得到了强化。原始的艺术家们虽然不可能对动物的解刨结构有深刻的理性认识，但凭着无数次猎杀动物的直接经验，他们对各种描绘对象的结构特点了如指掌，因而对形象的表达得极为准确生动。

3、造型风格上属于稚拙、简朴的本美类型

一、旧石器时代洞窟艺术

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1、洞窟壁画

法国 拉斯科洞窟

西班牙 阿尔塔米拉洞窟 • • • • •

2、母神雕像

也被称为“原始的维纳斯” 旧石器时代的器物艺术

绘刻于牛角、骨头或石头上的雕刻作品，经过加工装饰的工具和其他用品 直接反映原始崇拜的观念

• 几乎遍布欧洲大陆，分布广泛 巨石阵揭秘

• • • • • • 英格兰东南部的历史名城索兹伯里附近，这是一座由许多根石柱围成的史前建筑。

这些石柱排成圆形，最高的石柱高达10米，它们平均重量达26吨，许多石头互相连结而成的直线，分别在夏天、冬天或别的节气时，指向太阳和月球升起或降落的方向。

古希腊历史学家蒂奥多洛斯写的一本世界史中，提到了英格兰岛上“有一座雄伟壮观的太阳神庙”，说“月亮神每隔19年光临这个岛国一次”。

有数据表明：Stonehenge不但能以模拟的方法确定季节的更递，而且可以用来计算月食和日食的日期。

两河流域的美术 古代两河流域美术

底格里斯河和幼发拉底河中下游的平原地区，希腊人称之为美索不达米亚，意为“河谷中间地带”。大约从公元前四千年开始，这里先后建立过苏美尔、阿卡德、巴比伦、亚述和赫梯等奴隶制国家。当地人民在长期生活实践中，创造了自己丰富的艺术品和独特的美术传统，使这一地区成为与埃及并肩的另一个人类古代文明的策源地。

美索不达米亚又分两个部分，南边叫巴比伦尼亚，北边叫亚述。就今天来说，两河流域相当于今天的伊拉克一带。

两河文明时代最早的居民是苏美尔人，他们在公元前4000年以前就来到了这里，两河流域的最初文明就是他们建立的。后来的阿卡德人、巴比伦人、亚述人以及迦勒底人，继承和发展了苏美尔人的成就，使两河文明成为人类文明史上重要的一页。其中巴比伦人的成就最大，因此，两河文明又被称为巴比伦文明。

美索不达米亚又分两个部分，南边叫巴比伦尼亚，北边叫亚述。就今天来说，两河流域相当于今天的伊拉克一带。

► 在公元前20世纪上半叶，苏美尔与阿卡德王朝相继灭亡，成为古巴比伦王国的治下。从公元前1894年起，巴比伦王国日趋强盛，直至汉穆拉比统治时期，这个王国已有两河流域整个中下游地区了。巴比伦，就是古代西亚两河流域一带的最大城市(按阿卡德语，巴比伦意为“神之门”)，是当时西部著名的商业与文化中心。汉穆拉比法典浮雕

〔巴比伦〕公元前1792～前1750年

“汉穆拉比法典浮雕”，不仅是巴比伦重要的艺术古迹，还是我们研究古代巴比伦经济制度与社会法治制度的极其重要的实物。巴比伦王国的缔造者汉穆拉比，是一位具有军事天才和治国才能的君主，为了在统一疆域之后能平定内乱，他制订一种“公平的法律”，并将它推广到全国各地。他自称是“太阳神最宠爱的牧羊人”。他为表示自己的“王权神授”的永恒性和不可侵犯性，把这部“法典”镌刻在用楔形文字书写的高大的玄武岩石碑上。在石碑的上部，又命艺术家刻绘了太阳神兼司法之神沙玛什向国王汉穆拉比授予法典的一幅浮雕画。新巴比伦时期艺术 公元前7世纪，亚述在敌人的联合进攻中灭亡了，曾经制订著名的汉穆拉比法典的巴比伦王国，在1000多年以后再度取得了统治地位，历史上称以后的王国为新巴比伦王国。不过，这个新巴比伦统治者已不是军事首领，而是商业高利贷的奴隶主上层人物了。新巴比伦王国在美术上的最大成就是在建筑方面。巴比伦城以其豪华壮丽而著称于世。到了国王尼布甲尼撒二世(公元前604～前562年)时代，城市建设已呈现出十分繁荣的面貌。这里要欣赏的就是这座新巴比伦城北城墙大门上华丽的琉璃砖装饰，世称伊什塔尔大门。古城的遗址在今伊拉克首都巴格达以南数十里。全部城墙长约13.2公里，每隔44米有一座塔楼，绕城共计有三百多个塔楼。城墙共有三道，最厚的一道有7.8米；最薄的也有3.3米。墙根与城外之间隔着一条宽阔的壕沟与土围，这是为了防范敌人的进犯，受到入侵时可以放水淹没城外周围一片土地，使敌人无法接近城墙。而北面这座伊什塔尔大门，实际上是座四方形的高大望楼，望楼与望楼之间用拱形过道相衔接，它显得更为壮丽：共有两重城墙，高达12米，两旁有突出的塔楼。

伊什塔尔门

〔新巴比伦〕约公元前606～前539年

巴比伦城的八道城门全用八个神的名字来命名的。北门所称的伊什塔尔，是世界上最早的史诗--巴比伦英雄叙事诗《吉尔伽美什》中司爱情的女神。整个北门在阳光的照耀下闪闪发光，各种金色的动物塑在藏青色琉璃砖上具有特殊的艺术效果，它是那样高雅、素朴而又光彩夺目。这种墙面装饰与古代亚述宫殿内的装饰浮雕相比，显示了古代艺术智慧的一大跃进。以后西亚地区的伊斯兰教建筑艺术，在许多方面继承了新巴比伦的装饰风格。巴比伦城是古代世界最伟大的城市 彩绘陶杯

〔阿富汗、波斯〕约公元前5000年

这一件陶绘的制作年代大概在公元前5000年前后。这只陶杯高28.5厘米。有趣的是上面的彩绘：杯身画了一只夸张得过分的野山羊，其图案化的线形，使羊角成了两道大半圆形，而羊身只是羊角孤形线的附加物；杯口上的横带装饰则是被拉长了的几条奔跑的猎狗，身子完全被拉成接近于水平线。而在杯缘的一圈垂直线纹样更有意思，细细一看，原来是一些脖子被拉得高高而又细长的水鸟形象。貌似几何形图案而实际上乃是变了形的动物纹样。奥克苏斯角状杯

〔阿富汗、波斯〕约公元前5000年

出土于亚美尼亚地区奥克苏斯宝库(今阿富汗境内)的一件工艺技巧无比精致的史前角状杯。它属于皇宫内享用的金银器物。古代埃及美术

古代文明

古埃及、两河流域、印度、中国的古代文明被世界公认为“四大古文明” 古埃期及的分

一)古王朝(32002250 B.C.)此时为金字塔时代，文明已大大进步。

(三)中王朝(21341080 B.C.)中王朝由於外族入侵结束，此时期诸邦进贡，国势富強，此时期为埃及绘画的黃金时代。

(五)末王朝(1075-30 B．C．)埃及自第三十五王朝之后，相继被希腊和罗马等异族所征服，古代埃及艺术在此时终结。古代埃及的重要艺术类型

金字塔、巨石雕像、神庙、壁画 方尖碑

古埃及的“来世永生”

在前王朝时代以前很久，古埃及人便产生了许多有关精灵的传说，认为天地万物到处都充满精灵，人身上也有精灵，也就是我们常说的“灵魂”。可是，这灵魂必须依附于躯体才能存在，是什么在人死后发挥作用呢？是灵魂！古埃及人认为躯体不存在了，灵魂也就一起消失。具体讲，人死了，躯体完整而且不腐烂，灵魂与躯体就还在另一世界活着；身体若腐烂或不完整了，灵魂也就不存在，人就真正的死了。这种“来世永生”的观念早在古埃及人建造第一座金字塔前的两千多年前就已抱定。

俄赛里斯的，是自然万物之神，他的父亲是天神，母亲是地神。俄赛里斯教会了人类耕田织布、酿酒制铜。他用智慧和仁慈换来的权力和名望，受到他弟弟塞特的妒忌，被其弟杀死。俄赛里斯的妻子伊西丝费了很大周折找到了丈夫的尸体并请求天神让她丈夫复活。弟弟塞特听说后，立即把俄赛里斯剁成14块，分散扔到各地。但伊西丝花了很大的力气，又把散落各地的14块尸块找了回来，再次乞求天神让丈夫复活。但天神说：“你的丈夫已不能再回在到人间了，我已安排他作自然万物之神和冥界之王，而让他的子孙继承他的王位，作民众的国王吧。”伊西丝生下了儿子荷拉斯。荷拉斯在民众的支持下，打败了塞特，当上了埃及国王。

埃及独特的自然环境也助长了古埃及人对来世的希冀。尼罗河每年有规律有泛滥与消退，与之相应的植物茂盛和枯萎，太阳每日的升起和落下，这些自然现象的周而复始给古埃及人这样一种观念：世界是循环往复的，自然万物可以由死复生，人也应当如此。

美术史家把埃及艺术成为“来世的艺术”。

原因：为了神化法老和贵族，在题材和表现方法上又必须严格服从统治者的要求，这就从根本上决定了埃及艺术必须遵循的基本法则和程式，其中最著名的就是正面律。

古埃及艺术特征：

埃及遵循严格的准则，采用几乎千年固定不变的手法进行创作，他们不太讲究画面的美观，最看重的是画面的包罗无遗，把美术作为尽可能清晰地记录事件的手段。埃及美术不以艺术家在一个特定的时刻看到的对象为基础进行创作，而以艺术家所知道和固有的东西为基础，即使说不以观察为基础，而以头脑中的概念为基础进行创作，这种重理智的描绘手法，虽很少见作者的激情流露，但作品都呈现出惊人的秩序感。

理智因素与固定程式结合的造型原则：

强调几何形式规整、追求装饰风味的表现：古埃及美术的形象造型绝不是任意虚构的，而是对自然的犀利观察与几何形式的规整之间的密切结合。这使人感到古埃及美术的表现手法总是十分概括简练，并具有装饰风味。

雕刻程式：

①“正面律”姿势必须保持直立、双臂紧靠躯体、双脚一前一后。

②据人物地位尊卑决定比例大小。

③人物着重刻画头部。

④面部轮廓写实，又有理想化装饰、表情庄严、感情表现很少。

⑤雕像着色，眼睛瞄黑，男皮肤比女皮肤颜色深。古埃及浮雕和壁画有着共同程式：

①“正面律”表现人物头像为正侧面，眼为正面，肩为正面，腰部以下为正侧面。②横带状排列结构，用水平线划分画面。③根据人物尊卑安排比例大小和构图位置。④填充式，画面充实不留空白。

⑤固定的色彩程式，男子皮肤为褐色，女子为浅褐色和淡黄色，头发为蓝黑色，眼圈为黑色。

爱琴海文明

据希腊神话说,在克里特岛上有一座米诺斯迷宫,宫内有一头半人半牛的怪物,称米诺陶洛斯。他的头是牛,身子是人。克里特国王每年要强迫雅典人献出童男童女各七人,供给这个半人半牛怪物吞食。雅典国王为此非常苦恼,就将此事告诉他儿子忒修斯。忒修斯便自告奋勇去克里特,准备杀死这头怪物米诺陶洛斯。但迷宫的构造十分复杂,很难找到这头怪物,并且即使杀死了怪物,自己也走不出这座迷宫。克里特公主阿莉阿德尼见此情景,决定帮助他,便给他一个小线团。一头系在宫外。英雄忒修斯边找边拉出引线,终于找到了怪物,并把它杀死。这个故事反映了史前社会克里特岛人的图腾崇拜习俗和杀人祭祀的野蛮祭祀方式,而那个阿莉阿德尼线团,也就成了西方比喻解决问题的办法的一句成语了。1900年,英国考古学家伊文斯在希腊克里特岛的北部进行发掘,发现了这座传说中的米诺斯迷宫的遗址,证明希腊神话里所说的故事并非完全虚构。这座公元前2000年左右建成的诺萨斯宫殿,属于克里特文化的早期(伊文斯把爱琴世界的美术分成三个时期,每个时期冠以神话中所说的克里特国王米诺斯的名字,即古米诺斯时期,公元前3000-前2100年;中米诺斯时期,公元前2100-前1580年;晚米诺斯时期,公元前1580-前1200年)。在克里特所有古建筑遗迹中,以这座诺萨斯宫殿的规模最大,其中的美术文物也最令考古者产生兴趣。宫内找到了许多写实的人物和动物壁画,还有着色的泥塑浮雕。小 结

首先，他们注重神灵，这也是任何古代文化都注意的。克里特岛上的神灵是丰富、富足、丰收的女神。（克里特女神像）但除了肥沃丰产的意象外，神的身体上还有一种感觉，就是我们平时所说的感性。女神的身体很苗条，穿着很漂亮的衣衫，露着代表丰收和女性特征的胸部，手上拿着蛇，脸上带着一种专注的神情。她的眼光可以直勾勾地穿透你的心然后把你的崇敬串在她神圣的仪式中。

其次，他们对于自由有特别的看法。回想刚才看到的建筑，壁画石棺上的装饰，王宫背景上的线条，就能够理解：如果没有内心的自由就不会有显现出来的这种自由的状况。

第三，克里特岛之所以能够出现这样的文明，是因为这个岛上曾经有过一种非同寻常的闲适的生活。如果这个地方都象我们现在这么忙，就不可能出现这样的文化，不可能出现这样的艺术。我们也是从带着一点悠闲的文化中发展出来的，但是我还是要提出这一点，这种闲适使得人们有机会，有时间去俯视周围的池塘，看到水波潋滟，风物满眼，看到蓝色的大海和海上蓝色的无尽的天空。

希腊神话中的“神人同形同性”的特点使神祗具有了人的面貌和情感，成为促使艺术与生活息息相通的有利因素。

古希腊美术特征：

1、赞美人性，注重情趣，强调摹拟自然

2、注重内在结构，信任此刻观察，追求 理想境界 古希腊美术分四个时期：

1、荷马时期

最早的造型艺术作品是几何风格的陶瓶，被称为“几何风格时期”

2、古风时期——也是希腊艺术的形成期 瓶画艺术：

“东方风格”陶瓶

“黑绘风格”出现了平面装饰效果《阿喀琉斯与埃阿斯玩骰子》

“红绘风格” 建筑：

多利亚式样特点：无柱基，柱身粗壮、朴素，由下向上逐渐缩小，中 间略鼓，凹槽纵贯整个柱身，柱头有扁平方块和圆盘组成

艺术风格：朴实、单纯、刚健、倾向于“男性美” 伊奥尼亚式样特点：柱身细长，匀称，凹槽密而深

艺术风格：精巧、华丽、柔美，倾向于“女性美”

科林斯式样：是从伊奥尼亚演变过来，只是柱头更为华丽，像个花篮

雕刻：有“古风的微笑”之称

3、古典时期（即古典后期——优雅抒情）

雅典卫城中的“巴底农神庙”是世界艺术史上最完美的建筑典范

皮弗格拉斯和米隆是古典初期雕刻家，米隆标志着希腊雕刻艺术进入了成熟期，代表作品《掷铁饼者》

古典盛期最伟大的雕刻家----菲狄亚斯，其代表作品《命运三女神》、《众神和巨人之战》

波留克列特斯《法则》一书特出了头与人体的比例是1：7，代表作《持矛者》

普拉克西特列斯的《尼多斯的阿芙罗底德》是希腊雕刻中的一件全裸女人体，其主要代表《赫尔墨斯与小酒神》

留西波斯 古典时期最后一位雕刻家 提出了人物的头部与身体的比例为1：8的标准，代表作《刮汗污的运动员》

4、希腊化时期（风格趋向多样化和世俗化）

《亚历山大肖像》战士和学者的双重形象

《胜利女神》

《米洛斯的阿芙罗底德》

《拉奥孔》

《阿里斯托芬》 古代罗马艺术

• 罗马人虽然征服了希腊，但在文化上却又被希腊人所征服，罗马人是希腊艺术的崇拜者和摹仿者。希腊艺术对罗马产生了重大的影响，但由于不同的社会环境和民族特点，罗马美术也有其不同于希腊美术的独特之处。• 罗马人不像希腊人那样富于想象，他们没有创造出像荷马史诗那样现实与幻想交织在一起的神话故事。罗马人是一个冷静、务实的农业民族，他们的艺术没有希腊艺术那样的浪漫主义色彩和幻想的成分，而是具有写实和叙事性的特征。

罗马艺术风格不像希腊那样单纯，它的渊源复杂，既受了伊达拉里亚美术的影响，又吸收了希腊、埃及、两河流域地区文化的影响

希腊艺术主要用于敬神，围绕神庙和祭祀、纪念活动进行创作，带有理想化的色彩。罗马人的艺术则大多是以给帝王歌功颂德，满足罗马贵族奢侈的生活需要为目的 • • • 希腊人创造了古代世界最伟大的雕塑艺术，使罗马人望尘莫及，但罗马人在肖像雕刻艺术方面却有独特的成就。希腊雕刻强调的是共性和民族性，而罗马人要求的是个性特征鲜明的肖像。艺术家不仅满足于外形的逼真，而且注重人物个性的刻画。

在建筑上罗马人取得了独特的成就，他们在技术上首先开始运用三合土，在结构上广泛采用各种拱券，在建筑类型上比希腊更为丰富。希腊主要是神庙和剧院建筑，而罗马除了这些之外，还有各种类型的实用性和纪念性建筑，如集会场、圆形剧场、浴室、桥梁道路、通水道、凯旋门、别墅等。罗马人在建筑的空间处理、节约材料、耐久实用和美观等方面都作了有价值的探索，为以后西方的建筑艺术奠定了基础。

总之，希腊和罗马艺术可以这样概括比较：希腊艺术是理想主义的、简朴的、强调个性的、典雅精致的；罗马艺术是实用主义的、享乐的、强调个性的、宏伟壮丽的。

在罗马美术形成之前，古代意大利就已经存在过更早的文化，其中对罗马美术影响较大有是古代意大利的伊达拉里亚美术。罗马壁画被分为

庞贝第一、二、三、四风格：

第一为镶嵌风格：造成彩色石板镶嵌的幻觉效果

第二为建筑风格：用透视法造成室内

空间比实际宽敞 最有名的壁画

《密祭》

第三为埃及风格：平面感、装饰感

第四为巴洛克风格：具有空间感和动

感，色彩很华丽

中世纪美术

欧洲中世纪艺术

时间跨度的定义

西罗马帝国灭亡于476年，这是历史学界定中世纪开始的时间；东罗马帝国灭亡于1453年，这是历史学界定中世纪结束的时间。艺术史跨度

古希腊、古罗马艺术衰落，至文艺复兴古代美术再生之前这段时间的艺术。大约公元5世纪到公元十五世纪。

早期基督教艺术（2—5世纪）拜占庭艺术（5—15世纪）早期中古艺术（5—10世纪）罗马式艺术（11—12世纪）哥特式艺术（12—15世纪）

欧洲中世纪艺术不能单纯的理解为宗教艺术，而是在东方文化、古希腊罗马文化传统和蛮族文化的基础上融合而成的基督教艺术。

文艺复兴美术 国际哥特式— 一种新的宫廷风格 14世纪末，从巴黎和勃艮第的法国宫廷传来新的动向，人们对生活焕发出新的热情，对外部事物，穿着和娱乐中的美产生新的热爱，这些都反映在手抄本的封面和插图里，就象一部无声电影，向我们展示浮华灿烂的宫廷世界，这种风格叫“国际哥特式” 文艺复兴文学三杰 但丁、彼得拉克、薄伽丘 彼得拉克(1304—1374年)，意大利早期文艺复兴时期的著名诗人和学者，人文主义的奠基者，早期资产阶级的艺术和道德观的建立与他是分不开的。最先提出以“人学”对抗“神学”，被称为“人文主

意大利文艺复兴的发生、发展进程

一、意大利文艺复兴美术的开端（13世纪末—14世 纪上半叶）

二、早期文艺复兴美术（15世纪，佛罗伦萨及北方意大利）

三、盛期文艺复兴美术（15世纪末—16世纪上半叶、罗马和威尼斯）

四、晚期文艺复兴美术 [样式主义]（约1530年—1600年）盛期文艺复兴美术（15世纪末—16世纪上半叶、罗马和威尼斯）一个中心

（以米开朗基罗、拉斐尔、布拉曼特为代表的罗马学派）两个基本点

（A、以达-芬奇为代表的米兰学派）

（B、以乔尔乔内、提香为代表的威尼斯画派）

早期文艺复兴艺术家主要探索透视、解剖等科学法则，盛世大师在把握了这些法则后则不再受期限制，而是更强调视觉效果、探索作品的戏剧性和新的艺术语言。晚期文艺复兴（15——16世纪

威尼斯成为了意大利经济、政治和文化的中心，由此诞生了威尼斯画派。

威尼斯画派特点：追求色彩热烈明朗、辉煌灿烂、高度抒情。

晚期文艺复兴（15——16世纪）

• 贝利尼——威尼斯画派的创始人，他注重自然景色的描写和作品抒情意味表达，他• • • • • • • • • • • • 还是第一位用画布作油画的威尼斯画家

《哀悼基督》、《圣母子》

乔尔乔纳——威尼斯画派中最具抒情风格的画家，贝利尼的学生

他的绘画造型优美，有绚丽色彩，人物和景色自然交融，开创了风景人物绘画新格局。

《沉睡的维纳斯》、《田园合奏》

提香——威尼斯画派最伟大的画家，也是文艺复兴时期在色彩方面最有成就的大师。开创了直接画法。“金色的提香” 《天上的爱和人间的爱》

《圣母升天》

委罗内塞——巴洛克艺术风格的先驱，“银灰色的委罗内塞”

《利末家的宴会》、《加纳的婚礼》

每幅作品中都有耶稣的形象

丁托列托——意大利文艺复兴时期最后一位杰出艺术大师，把“提香色彩和米开朗基罗形体结合”

《圣马可的奇迹》、《银河起源》

意大利文艺复兴时最后一位画家。

文艺复兴在欧洲其他国家

一、文艺复兴时期的尼德兰艺术

二、文艺复兴时期的德国艺术

三、文艺复兴时期的西班牙艺术

四、文艺复兴时期的法国艺术

• 老彼德·勃鲁盖尔——是16C尼德兰最伟大画家，也是欧洲独立风景画的开创者，同时别誉为专画农民生活题材的天才，荷兰画派的奠基人，同时被称为“农民的画家”

• 《农民的婚礼》、《农民舞蹈》、《收割干草》

二、文艺复兴时期的德国艺术

丢勒——德国文艺复兴最著名的艺术家，在其作品中反映出鲜明的人文主义思想，他的艺术兼有细腻、精致和个性特点，又有优美、理想化和科学性。

在欧洲最早表现农民和下层人民生活的画家之一

铜版画《忧郁》、《农民和他的妻子》、《三个农民的谈话》

油画《四使徒》

三、文艺复兴时期的西班牙艺术 费尔列尔·巴索——“西班牙的乔托”

路易斯·莫拉列斯——西班牙最典型的样式主义画家，被称作“神人”

埃尔·格列柯——16C下半期西班牙地方画派中最著名画家

《奥尔加斯伯爵的下葬》、《使徒彼得和使徒保罗》

他的作品充满浓厚的宗教情绪和神秘主义情调，富于表现性，很少对自然对象作忠实描写，他的人物造型经过夸张，拉长变得十分瘦削，他对光的处理非常自由，分布于整个画面的光往往有相当强烈的主观意识。

卡拉瓦乔主义艺术——代表人：里巴尔达、老埃尔连拉、巴切柯、柯丹

里巴尔达是西班牙最早的卡拉瓦乔主义艺术的代表。

四、文艺复兴时期的法国艺术

夏隆东——普罗旺斯画派《哀悼基督图》

富盖——《圣母子》标志法国趣味向古典 主义发展。

卡隆——枫丹白露画派最别具一格画家，使法国样式主义别开生面 《三头政治下屠杀》

佚名——枫丹白露画派，《埃丝特蕾姐妹》，画中裸体是国王亨利四世的宠姬。17---18世纪美术

巴洛克美术 17世纪是巴洛克美术占主导地位之时，故有巴洛克时代之称。它的名称由来，说法不一，一说来自葡萄牙或西班牙语，意思是不圆的珠子；又一说它来自意大利语，有奇特、古怪或推论上错误的含义。巴洛克原是古典主义批评家使用的贬义词，含有荒悖违理之义，以此形容17世纪那些不合乎古典法度的艺术作品。

但实际上巴洛克美术是继文艺复兴美术之后的一个推陈出新的发展，它以热情奔放、运动强烈、华美绚丽补充了文艺复兴的庄重典雅，也在一定程度上发挥了现实主义传统，克服了样式主义的消极倾向。

另一方面，巴洛克美术比较能适应当时群众的宗教情感，并被罗马天主教会利用为争取信众的宣传工具，因而不仅在意大利广为流传，也迅速扩展到欧洲各地，为各国宫廷贵族所喜爱。

17世纪巴洛克美术的最大中心是罗马，佛罗伦萨已退居次要的地位。

巴洛克艺术的特点： 首先，是它有豪华的特色，它既有宗教的特色又有享乐主义的色彩；

二、它是一种激情的艺术，它打破理性的宁静和谐，具有浓郁的浪漫主义色彩，非常强调艺术家的丰富想象力；

三、它极力强调运动，运动与变化可以说是巴洛克艺术的灵魂；

四、它很关注作品的空间感和立体感；

五、它的综合性，巴洛克艺术强调艺术形式的综合手段，例如在建筑上重视建筑与雕刻、绘画的综合，此外，巴洛克艺术也吸收了文学、戏剧、音乐等领域里的一些因素和想象；

六、它有着浓重的宗教色彩，宗教题材在巴洛克艺术中占有主导的地位；

一、意大利17、18C美术

欧洲的美术学院最早产生于意大利——波伦亚学院——卡拉契兄弟格维尔契诺是学院派中最具有豪放特色画家。

卡拉瓦乔——17C初意大利画家，他的兴趣在于描写自己所熟悉的人和事物。在手法上大胆地处理光线，用光作为塑造形象构图布局，突出戏剧性主题的重要手段。有人称他是“推开17C大门的人”，也是现实主义代表人物。第一位代表巴洛克艺术风格画家，《抱水果篮的孩子》、《弹曼陀铃的姑娘》、《女卜者》 反对风格主义（矫饰主义）和折衷主义。二．17C佛兰德斯美术

鲁本斯——17C弗兰德斯最伟大的艺术家，具有浪漫主义倾向的独特风格，成为弗兰德斯巴洛克风格的代表画家。

《阿马松之战》——体现了英雄主义与爱国主义精神。

《劫夺吕西普的女儿》

凡·代克——《查理一世像》 三．17C荷兰美术

哈尔斯——17C荷兰现实主义画派的奠基人《吉卜赛女郎》

选取半身近景构图 《弹曼陀林的小丑》

团体肖像画《圣乔治射击手连军官的宴会》

荷兰画派的奠基人

伦勃朗——17C荷兰最杰出的艺术大师，他不仅是油画家，还是著名的铜版画家

《杜普教授的解剖学课》 《夜巡图》

《入浴的夫人》——以其妻“亨德里治”为模特

铜版画：《三棵树》、《基督救治病人》 荷兰小画派——1.画幅小，适于市民装饰居室

2.不表现重大社会题材将风景、静物发展成为独立的绘画科目

维米尔——荷兰小画派的代表画家。他在平凡题材的作品中主要以画面的构成，色彩的完美，以及形象的质感等绘画因素取胜，其作品带有较多的纯艺术性。《倒牛奶的女仆》

威廉·考尔夫——17C荷兰最杰出的静物画家之一

四、17、18C西班牙美术

西班牙美术的“黄金时期”三大代表人物：里韦拉、苏巴兰、委拉斯贵（开）支。

里韦拉——展示社会真实生活（卡拉瓦乔主义艺术）《圣巴多罗买的殉教》

苏巴兰——《圣劳伦斯的殉教》、《圣马格丽达》

委拉斯贵支——17C西班牙第一流画家，被称为“真理画家”，他的画风严谨、造型结实、具有冷静、客观的写实特征。肖像画真实生动，而不加粉饰、美化，富有批判性。有金色的提香、银色的委拉斯贵支之说。《教皇英洛森十世》被誉为“肖像画之王”。《纺织女》（金色提香、银色的委拉斯贵支、银灰色的委罗内赛）

戈雅——18C西班牙继委拉斯贵支之后的一个伟大的现实主义画家，他不顾任何传统形式的束缚，大胆地突破古典绘画题材和构图限制，自由而率真地表现他那十分广泛常随意抓取生活某一侧面便作为自己创作的对象。《穿衣玛哈像》、《裸体玛哈》、《枪杀起义者》、铜版画：《奇想曲》。

• 五．

17、18C法国美术

罗可可艺术的形成内因是法国本身的需要，外因是东方艺术的影响，首先是日本浮世绘传到法国，使法国看到一个从未有的新艺术世界。

洛可可艺术的特质

①曲线趣味，常用Ｃ形、Ｓ形、漩涡形等曲线为造形的装饰效果。

②构图非对称法则，而是带有轻快、优雅的运动感。

③色泽柔和﹑艳丽。

④崇尚自然。

⑤人物意匠上的谐谑性﹑飘逸性，表现各种不同的爱，如浪漫的爱、性爱、母爱等。洛可可建筑特点

洛可可建筑的外型满足于有节奏的布局、自然的建材或加上一层简单的色调，而内部装潢则五彩缤纷，形式多样。最大特点是明显带有人生的享乐主义思想，它是人生现世享乐生活的舞台，主要体现在王宫贵族为自己修建的宫殿上。

巴洛克建筑和洛可可建筑比较：前者讲究线条的韵律感、量感、空间感和丰富而有变化的立体感，并带有绘画般的效果。后者在前者的基础之上更讲究壁面的形式美，利用繁复多变的曲线和装饰性的绘画布满壁面，甚至利用镜子或烛台等使室内空间变得更为丰富，喜欢用舶来品，室内装潢通常以白色为底，利用花朵、草茎、棕榈、海浪、泡沫或贝壳等作为装饰的图案，带来一种异常纤巧、活泼的趣味，更令人眼花撩乱，这种繁琐、矫揉造作的风格，实在是装饰艺术的极端。代表作品

波夫朗（G.Boffrand , 1667～1754），巴黎《苏比玆宅邸》(1736-9，例如内部的公主大厅）。诺曼（B.Neumann,1687～1745），领导兴建的德国费斯堡（Wurzburg）住宅内的《凯瑟大厅》（Kaisersaal，1749～1754），由建筑师提埃波罗（G.Tiepolo,1696～1770）负责装饰天花板上的绘画（1753）。洛可可雕刻

洛可可雕刻是杰出的写实风格，纤细精美也很生动，一般作品体积不大，多半是人物半身像。喜欢带有历史典故或寓意的雕像，用于点缀贵族的邸宅，有些小雕象是用陶瓷器制作的。

重要雕刻家如：

法国 法尔科奈（E.M.Falconet, 1716～1791）

克罗狄恩（Clodion,1738～1814 英国 鲁比里阿克（L.F.Roubiliac,1702～1762 18C上半叶的绘画，被称为罗可可式的艳情艺术主宰。它以表现上流社会的享乐生活和优雅女性为主要内容，描绘全裸或半裸的妇女和精美的华丽的装饰，一方面不免浮华造作，缺乏对于神圣力量的感受，缺乏精神内容和深刻性，另一方面却以法国式的轻快优雅使绘画完全摆脱了宗教题材。（蓬芭杜式）主要代表人物：华多、布歇、弗拉戈纳 可可绘画

洛可可风格的绘画以上流社会男女的享乐生活为对象，描写全裸或半裸的妇女和精美华丽的装饰，配以天堂般的自然景色或异乡风景（如威尼斯、罗马）奇物（向日葵、玉米等）。它一方面不免浮华做作，缺乏对于神圣力量的感受；另一方面却以法国式的轻快优雅使画面完全摆脱了宗教的题材。愉悦亲切、舒适豪华的场景取代了圣徒痛苦的殉难。

夏尔丹——18C法国以擅长风俗画和静物画著称的画家。他善于在平凡中发现美、表现美、以精细的观察和虔诚的态度描绘普通人的生活和朴实无华的景物。《铜水箱》、《餐前的祈祷》。新古典主义美术

新古典主义艺术概念

定义? ??? 所谓「新古典主义艺术」(Neo-Classicisme)，是指十八世纪五十年代至十九世纪初，风靡西欧的艺术样式。

??? 所谓「古典主义」，通常是指与希腊、罗马的艺术或思想质量有关的潮流。它包含了完美、永恒，以及希腊人对于生活之观念为基础的一些价值判断；强调思考的秩序和明晰性，精神的尊严和宁静，结构的单纯和均衡，及比例的匀称。

??? 「新古典主义」一词，是指相对于十七世纪以前的「古典主义」而言。

普桑——17C法国最伟大的古典主义画家，也是第一位享有国际声誉的法国画家。他十分注重理性、强调艺术中的条理性和秩序性，强调构图的稳定和平衡，重视表现对象的素描结构。《抢夺萨兵妇女》、《阿尔卡迪亚的牧人》。法国新古典主义先驱。

特质

①??? 题材上，表现古代的历史和现实的重要事件，借助古代英雄主义的表现，使作品显出庄严而热烈的现实激情。

②??? 在形式上，强调理性的表现，而忽视艺术家感性的色彩，认为「美」的原理就是「理性」的理想。

③??? 构图上，强调完整性，而反对片面形式感的追求。

④??? 造型上，重视素描和线与轮廓，而忽视色彩，和反对过分的渲染。

⑤??? 新古典主义的艺术，不仅恢复了古典艺术的朴素风格，而且唤醒了自我牺牲、严肃认真及献身于共和国的纯朴美德，使人觉得这一切都与自己息息相关。

学院派美术特征：

1、重规范（程式）

2、重典雅、讲究理智与共性

3、重传统

4、重技巧、强调素描、贬低色彩、排斥艺术中感情作用

新古典主义的美学特征：

1、以自然为原型，按确定的美的理念去再现自然。（同古典主义一致）但它并不按自然对象的原样描写对象，而是让对象服从于既有的优美典雅和古典主义美学模式，将对象理想化、完美化。

2、崇尚理性和共性，夸大理性作用，抹煞情感和个性，在内容、技巧、构图上都遵循既有规范和秩序。

3、以希腊罗马英雄事迹及当代生活为题材。

雕刻 ??? 乌东（J.A.Houdon, 1741～1828），法国人，极力模仿古代罗马将军的雕像，代表作有《伏尔泰》（1778，华盛顿国家画廊）、《华盛顿》（1788～92，华盛顿国家画廊）。

??? 卡诺瓦（A.Canova, 1757～1822），把当时的贵族和名人雕成穿著古代衣饰的样子，皮肤加以美化如瓷器般的光滑，代表作《宝琳·波给玆》（1804-08，拿破仑的妹妹Pauline Borghese装扮成维纳斯，罗马波给兹美术馆）。《丘比特与普绪喀》（1787-93，巴黎罗浮宫）

大卫（Jacques-Louis,David,? 1748～1825），法国新古典主义的领袖，新古典主义最有代表性的艺术家。在艺术上是古典传统的严格遵循者和古代艺术的崇拜者，他服从于既有的艺术体系，强调古典艺术强有力结构关系，追求简洁、质朴和庄严感。《荷兰斯兄弟之誓》。他的高足有葛罗斯（A.J.Gros,1771～1835）和安格尔。

??? 安格尔（J.A.D.Ingres, 1780～1867），是继大卫之后，法国最重要的画家。安格尔是19C上半叶法国新古典主义的代表艺术家，他醉心于古典理想美的追求，在绘画的素描、结构和线条方面有很高的造诣。晚年题材趋向过度的好色，往往表现一大堆裸女，而其造形还是模仿自古代的浮雕，因此画风趋向浪漫派。他的许多素描作品在艺术史上评价很高。代表作《泉》（1856，巴黎奥赛美术馆）、《大宫女》（1814）、《土耳其浴》（1859～62，巴黎罗浮宫）。

格罗——也是古典主义艺术的崇拜者。《雅法城的黑疫病人》、《埃罗战役》都是表现拿破仑。

普吕东——新古典主义风格优雅的画家，被誉为“质朴优雅典范“，在油画、素描和插图方面都有很高的造诣。《正义与复仇女神追赶凶手》。

浪漫主义艺术 定义

??? 浪漫主义(Romanticism)运动兴起于新古典主义革命性丧失时的十九世纪，二十年代到四十年代是它最流行的时代，而三十年代则是它发展的鼎盛时期。

??? 浪漫主义运动的中心是法国，德国和英国也都受到这种运动的不同影响。它不仅是一种单纯的美术现象，也扩及文学和其它艺术各方面的思想和运动。

特质

①??? 浪漫主义最本质的特征，是艺术家所表现出的主观性。它高扬个人、情绪、奇幻和想象的地位，重视原始的自然甚于文明。

②??? 浪漫主义对于历史有兴趣，对社会现象也密切关注。因为他们不满现实的存在，常退隐到古代中世纪传说中去寻找灵感；但是又对现时社会的变革充满了热情，特别关心社会偶发的事件，如战争、屠杀、海难等。

③?对异国情调的向往表现得特别突出，尤其是神秘的阿拉伯世界。

④??? 在形式上（指绘画而言），重视色彩的强烈表现，以丰富画面，增强激情的效果。构图上，常以对角线或不安定的布局。为了讲究画面的整体效果，而不拘泥于细部的真实模写，作风比以前更自由，笔法更加流畅。

浪漫主义艺术从表现客观对象转向了表现人的主观世界，它全力去揭示人的独特的自我，追求每个人自己内心的理想美。浪漫主义不再把自然作为原型，而是把它作为“假托”，以富于诗意的想象和热情，通过自然形象寄予个人的情感，艺术成为了以个人感情为基础的创造，这种强调主观感情，努力变现人的内心世界是浪漫主义的第一特征。

浪漫主义主要表现为一种思想上的态度和倾向。他们竭力追求那种自然的、野性的和多姿多彩的境界，总是试图去表现那些不熟悉的、陌生的和新奇的世界，表现异国情调和模糊的幻想。总之一切能够激发艺术家热情和想象的事物都成为他们创作的对象。这种追求新奇的思想态度是浪漫主义第二特征。

艺术主要代表：契里柯和德拉克洛瓦。雕刻代表：吕德和卡尔波。

契里柯——被誉为法国浪漫主义艺术的先驱。《梅杜萨之伐》--被视为浪漫主义的伟大宣言。

德拉克洛瓦——法国杰出的浪漫主义画家，被誉为“浪漫主义的雄狮”，他执着于对古代雕像的临摹和对素描的准确描写。相信在绘画中色彩和激情比素描和理性更为重要。《希阿岛的屠杀》、《自由领导人民》、《萨达纳巴尔之死》 吕德——《马赛曲》—巴黎凯旋门浮雕。卡尔波——《世界四方》“表现微笑的雕刻家”

雕刻

??? 吕德（F.Rude,1784～1855）制作的《马赛曲》（1833～36），作于巴黎凯旋门上，内容描述士兵和义民保卫共和的情形，自由女神则在上面摆出冲锋的姿势，人物皆作古代的打扮。

??卡尔波（J.B.Carpeaux,1827～75）的《舞》（1867～69，巴黎歌剧院前），是一组群像石膏塑像，洛可可作风，表现在舞台上的人物如真人般，而非神话人物，对肌肉、骨骼的刻画写实，开启法国写实主义风格。

法国批判现实主义

客观性是现实主义艺术的一大特征。现实主义艺术家倡导客观冷静、真实地去观察和描绘生活，既不像古典主义那样按照美的模式去描绘、加工生活，也不像浪漫主义那样按照主观意愿将生活理想化，而是按照生活的本来样子去真实反映生活，描绘亲切、自然、纯朴的现实。因此现实主义美术主要以当代普通人的生活为主要题材，将普通平凡的题材提高到同历史和宗教题材同等的地位。

现实主义艺术的第二个特征是它的典型性。现实主义艺术不去按照美的模式复制对象，而是对现实生活进行概括和提炼，把许多典型的事件和品格集中起来，造成典型化的形象，使之更集中更感人，具有艺术的真实感。并对现实中的丑恶加以无情的揭露和抨击。现实主义基本特征：

1、重现实：把描绘现实视为艺术首要任务，且包容着“都市性生活”

2、重科学：要求科学地、冷静地审视一切。

3、重客观：排斥主观想象、要求客观地、按生活的原貌真实地反映生活。

4、重批判：对现实中的丑恶加以无情的揭露和抨击。

库尔贝——法国现实主义美术运动代表人物“素描之王”，他既不赞同古典主义的陈腐，也不喜欢浪漫主义的幻想，倡导艺术的真实，主张师法自然，去华就师，表现自己亲眼所见的人和事物。（风俗场面的表现）。《画室》、《奥尔南的葬礼》——绘画中的“人间喜剧”。

巴比松画派——巴比松画派是19C 30-40年代出现于法国的一个风景画派。他们反对学院派的闭门造车，厌倦矫揉造作的绘画趣味、主张走出画室直接面对大自然写生、描绘充满空气和生命的大自然景色、研究光线和大气对绘画的影响 主要画家：柯罗、米勒、卢索、杜比尼

柯罗——19C中叶法国著名的抒情风景画。他倡导对景写生，直观自然，走出画室到野外去描绘田园风光，捕捉大自然的诗意。《孟特芳丹的回忆》。

杜比尼——对印象派影响最大的巴比松画家。“外光派巨子”，被称为“画水的贝多芬”。《瓦茨河上的落日》

米勒——法国19C中叶著名的农民画家，表现农民生活，其追求单纯、朴实、亲切，他的笔下没有矫揉造作的形象、华丽的色彩和戏剧性的情节，有的只是朴实无华的真切和纯朴。《拾穗者》、《晚钟》——世界上最普及的艺术作品。

杜米埃——法国杰出的漫画家，也是位反映城市生活的画家，他用夸张、象征的漫画形式对他所处的社会和统治阶级进行辛辣的讽刺。表现对卑贱者的爱，画出了贫穷、痛苦的人生。《三等车厢》。

罗丹——现实主义雕塑大师。《塌鼻者》、《青铜时代》、《沉思者》（印象派雕塑）、《地域之门》（毕生心血结晶），《巴尔扎克纪念碑》。

罗丹蔑视那些以微不足道的程式去表现自己对神圣创世行为的想象，这就帮助维护了伦勃朗当年坚持认为自己所拥有的那种权利

——一旦达到他的艺术目标就宣布作品完成。因为谁也不能说他的创作程序是出于无知，所以他的影响对印象主义者法国赞赏者的小圈子之外得到了承认，起了铺平道路的巨大作用。被誉为近代雕塑三大支柱：罗丹、布尔德、马约尔。

印象派

[ 背景 ] 在十九世纪以前，法国的艺术仍由官方的规范所限制，产生了所谓的「学院派」及「沙龙画展」。官方传统的限制使艺术创作受到很大的限制。十九世纪七十年代时，一群不满官方压制艺术自由创作，热爱生活和自然的画家公开和官方对抗。他们就是印象派画家。

一八七四年，因沙龙被学院派画家所独占，且不承认印象派的作品，於是这群青年画家们，便借用了摄影商那达尔的二楼，展出画作。其中，莫内展出了一幅名为「日出-印象」的作品，被一名评论记者讥为印象派。莫内积极的采用了这个贬义名称，自第三次画展 以后，这些画家便干脆称自己的展览为印象派画展了。

“印象派”的得名刚巧切合了印象画派的理念：着重瞬间印象。为了捕捉对景物的真实即时印象，画家们多采用即兴写生的作画手法。另外，印象派画家认为，所有自然界的物体，都会随光线不同的照射而不断的变色、变形。他们由科学分析得知绿、橙、紫为光学的三原色，而不是红、黄、蓝，所以太阳光是白色还是黄色那要依当时的时间而定。

印象主义是19C中叶继现实主义之后出现的一个新的艺术运动，一批青年画家探索色彩、描绘瞬间印象，突破了传统的绘画模式和色彩观念，建立起一整套的色彩观和绘画表现手法，并引发出新印象派、后印象派等艺术流派，由此影响到整个艺术观念的转变，最终导致了现代艺术的产生。

印象主义——印象派是现代绘画的起点，它完成了绘画中色彩造型的变革，将光与色的科学观念引入到绘画之中。再就是日本浮士绘的传入，使美术家发现了一个不同于西方的新艺术天地。印象派革新了传统固有色观念，吸收了柯罗、巴比松画派以及库尔贝写实主义的营养，在19C现代科学技术（光学）的启发下，注重在绘画中对外光的研究和表现，提倡户外写生，直接描绘着阳光下的物象，并根据画家自己眼睛的观察和直接感受表现微妙的色彩变化。其锋芒是反对古典主义和浪漫主义，可以说印象派是传统艺术向现代艺术的转折。

代表人物：人物画家——马奈、雷诺阿、德加

风景画家——莫奈、毕沙罗、西莱斯

美国有惠斯勒、卡萨特。

[ 特色 ] 注重光与色的描绘，不重视外形的描写。阴影以蓝、紫色取代传统的黑色。阴影部份亦有色彩表现，只是明度、彩度较低。以光谱作画。画布上以补色并置的方式，增加彩度和明度的加法混色。否定固定色黑色及深褐色。调色盘上都是一些明亮的色彩。对印象派而言自我乃是中心，强调自己眼睛所看到的、自己所感觉到的，可谓极端地强 调个性。美术特征：1.以光和色彩作为认识世界的中心。2.客观再现个人的瞬间视觉印象。3.强调绘画的审美功能。

马奈——与印象主义画派有密切的联系，但从未参加过其画展。《草地上的午餐》、《奥林匹亚》。对光的研究最早反映在《推乐里宫花园音乐会》。

莫奈——早期印象主义画派的创始人，并一生坚持印象主义画风。他因不满学院派教学而离开到巴比松附近枫丹白露森林对景写生。早期画风受巴比松画派画家和库尔贝、马奈的影响后对特纳的风景画感兴趣，后来开始收集日本浮世绘作品。其风景画突破传统题材和构图的束缚，完全以对母题的视觉经验的感知为主要出发点，忽略物象轮廓的写实，主要用光线和色彩来表现瞬间的印象，追求绘画色彩关系独立的美。晚年《睡莲》中表现更为突出。他用原色作画，造成强烈的效果，笔法和敷色十分自由，且富有写意性。他的作品除有印象主义特有的率直外，还有某些与自然相关联的神秘色彩。画面的朦胧性和宏大的装饰效果，也是他创作的显著特点，他的探索无疑给而后的抽象主义画家以启发。《日出·印象》、《睡莲》。

德加——描绘室内光色的印象派大师。他将传统的素描同印象派的色彩绝妙地结合起来，成为印象派中善于运用线条的色彩画家。他喜欢表现运动中的人物姿态，常常凭记忆画下那些姿容妙曼的芭蕾舞女。德加深受日本绘画的影响，在自己的作品中大胆革新，追求平面感，简化对象的明暗层次，并发挥自己运用线条的长处，常采用粉笔画出色彩线条俱佳的作品。《苦艾酒》、《歌舞团芭蕾舞学院的舞蹈课》

雷诺阿——印象派发起人之一，主要画妇女肖像和裸体。追求理想化的无忧无虑的女性和轻松愉快的气氛。（表现美好生活。）《煎饼磨坊》、《包厢》——其第一次参加印象主义画展作品之一

毕沙罗——印象派最年长的画家，也是唯一参加过8次印象派画展的人。毕沙罗既注重外光色彩的表现，也强调人物形象的刻画，他除了描绘许多农村题材外，也画了不少巴黎的街景，他特别喜欢描绘消失在远方的道路。画风朴实，有时还有些粗犷野气甚至忧郁，早期作品风格和色彩受柯罗影响，而题材构图则取自米勒，在思想上具有库尔贝的批判性，但在艺术风格上却使柯罗、库尔贝失望，因为他走上了印象主义道路，且不断与希涅克一道探索新印象主义分割着色法。被誉为“印象派的米勒”。《蓬图瓦兹的红屋顶》。

西斯莱——印象派核心人物，追求风景画中的融融诗意。《圣马丁运河风景》

莫里索——印象主义最杰出的女画家。

劳特累克——印象派之后新画风的追随者，十分喜爱日本浮世绘版画，运用平涂的色彩，线条，无阴影的表现手法作画。雷诺阿表现美好生活，而劳特累克在作品中揭露社会生活丑恶的一面。《红磨坊的英国人》

新印象派

[ 背景 ] 19世纪末，印象派发展至最高峰时期，紧接着诞生了〝新印象派〞，此一绘画运动的兴 起是受到印象派理论的启示。以秀拉为首，比印象派更进一步的由外光的追求而运用科学化的描写法，理论根据光学 而来，将色调分割成七种原色(分析太阳光后得到的七色)。

新印象主义——在自然科学试验中：在光的照耀下，一切物象的色彩是分割的色彩。新印象主义者把不同的、纯色彩的点和块不经调和地并列在一起，颜色的彩度和亮度可获得最鲜明的效果，而中间色则是在观赏者眼中视觉调绘中形成的，因而新印象主义也被称作“分割主义”或“点彩派”。

[ 特色 ] 企图以更科学的方法，把各种色调分析，体系化、机械化，分析色彩细密整齐的小笔 触，坚实的构图及装饰风的作风。在画面上直接以原色小点作画，利用人们的眼睛自行 把色彩混合(光学中的补色原理)。以原色小点直接点在画面上，保持色彩本身的纯度和明度，使画面色调鲜明而活泼，又 称Pointillism(点描派)或Divisionism(分割派)。在构图上运用数理的构造，大胆导入希腊以来有名的「黄金分割比例」。

特点：重和谐、重理性。

[ 影响 ] OP Art(欧普艺术)在色彩的表现上受到新印象派的启示。

修拉和希涅克是这种画风的代表人物。

修拉和西涅克依照谢弗勒尔的色彩学说，尝试用原色色点配置，使画面产生视觉混合的色彩效果，运用这种准确分布的各种色点来客观理性地、冷静地组成画面艺术形象因他们用这种科学的、严格化的色彩和笔触，代替了印象主义画家的那种富有感情的色彩和生动潇洒的笔触，所以人们又称它为“科学的印象主义”，以区别于莫奈为代表的“浪漫的印象主义”。“新印象主义”的名称是由费里富奈翁关于《1886年的印象派》书中所言“深信印象主义已被修拉的新风格所代替了”，于是人就称以修拉为代表的这一主义为“新印象主义”。

修拉——新印象主义创始人和代表人物。他十分注重对形的塑造、不满印象派轻视形的画法，尽管他用色点塑造对象，但却能表现出结实的形体，可以说他用形体同印象主义对抗，用光色同学院派对抗。由于他过分强调理性和注意形体的几何化，使他的作品缺乏激情和生动感，缺乏个性特征。《大碗岛的星期天下午》。

希涅克——《从德拉克洛瓦到新印象主义》是一本系统阐述新印象主义理论的创作。称毕沙罗为“冷淡的诗意”，称希涅克为“炽热的情感”。《早餐》

后印象派 [ 概述 ]

初期及新印象派只追求光的变化，把重点放在光与色的分析上，不久人们便对这种只依赖视觉及科学分析的画法感到不满，而又重新反省绘画的本质，於是被称为后期印象派的塞尚、高更、梵谷便陆续出现。

现今所谈的后期印象派是指1878年塞尚离开了印象派后，到19世纪末叶及20世纪的一段时期中，塞尚、梵谷、高更等三人创作的总括，也就是在他们三人死后，才被称为后期印象派。他们的共同点是每个人都有自己的一段印象派时期，反对把物体分解成支离破碎的「光」和「色」，回复事物的「实在性」。

三人都是从印象派走出来，再去反对印象派。他们觉得印象派及新印象派对光与色的描写太偏於视觉的写实，而忽略了对象本身；过份注重客观的表现，而否定了主观的表现。后期印象派虽是印象派后期的一个阶段，没有实际组成一个绘画运动，但它却含有反抗印象派的自然主义之意义。虽含有反抗印象派的自然主义之味道，但并不是去否定印象派。

[ 特色 ]

不满印象派对光的滥用及色彩的分解。保有印象主义的特色，注重创作，寻求画面动态关系与精神层面的探索。运用强烈的主观将视觉以外的精神层面表现出来，即致力於自我的表现，并重视形成的 观念。

[ 影响 ]

启发了2个法国艺术：立体派及野兽派。

后印象主义——用来泛指印象主义之后在观念和实践上与印象主义相左的艺术流派。后印象主义画家曾一度受印象主义画风的影响但又不满足于印象主义的法则，主张主观的再创造，着重表达自己的艺术追求与感情个性，他们追求表现性的笔触、用色彩去塑造物体体积感、量感，以及绘画的装饰和造型性。是对印象主义的否定。

代表人物：塞尚、凡高和高更。

塞尚——物体结构美

凡高——激情线条和色彩

高更——象征性绘画语言和原始感

塞尚——后印象主义主义代表，被誉为“现代绘画之父”。塞尚放弃了传统的艺术观念和法则，完全依靠自己独立的观察进行创作，有意识地表现自己主观世界，通过概括和取舍，从结构的观点来描绘对象。《有苹果的静物》、《坐在红椅上的塞尚夫人》。

凡高和高更侧重于精神性的表现，并赋予画面以象征的意味，他们反对分割色彩，大胆地采用平面的、鲜明的色调，并注重线的作用。

凡高——其画风受印象主义和新印象主义的影响，并注意提高色彩强度、明度和张力。他对中国和日本的版画颇感兴趣，注意在自己绘画中吸收日本浮世绘绘画养料，追求单纯感和表现力，他把油画中色彩和线的表现力提高到了一个新境界。《向日葵》、《夜间的咖啡店》

高更——主张舍弃细节及特征的描绘，把感受加以压缩、强烈而集中地表现印象、观念和经验三者的结合，从而使艺术具有力感和率直性，并具有普遍的象征意义。其观念为后来的“综合主义”奠定基础。高更的艺术活动反映了当时欧洲艺术回归原始、追求表现生命本源、追求野旷、奇异的倾向，被称作法国绘画中的象征主义。高更吸收了东方绘画、黑人雕刻、中世纪宗教艺术和民间版画的一些手法，创造了一种有内在力量的装饰性画风。《我们从哪里来？我们是什么？我们往哪里去？》

18、19世纪英国美术

英国浪漫主义 英国风景画

拉斐尔前派画家

英国到十八世纪才有独特本国风格的绘画出现，虽然也采用洛可可样式，但不大考虑贵族的需要，无论在风俗画、肖像画或风景画上，都能反映英国现实生活和民族思想感情。??? 著名画家有：

荷加斯（W.Hogarth，1697～1764 雷诺玆（Sir J.Reynolds，1723～92 康斯博罗（T.Gainsborough, 1727～

荷加斯——英国第一位本民族的风俗画家，也是18C第一个最有影响的画家，强调作品内容。（英国的洛可可代表）。《美的分析》理论著作。《文明婚礼》

雷诺兹——英国学院派创始人，推崇典雅、理性的古典艺术，作品具有巴洛克气质，被称为“艺术的语录”。《蒙哥马利三姐妹》。“蓝色不能成为画面主要色彩”。

庚斯博罗——英国画派中色彩上较有成就的画家，善用蓝色。“鲁本斯以来最伟大的色彩家”（英国洛可可代表）。其肖像画具有洛可可艺术特征。《蓝色少年》对雷诺兹的有力反驳。

英国风景画家

英国风景画真正奠基者：威尔逊和庚斯博罗。

代表英国风景画最高成就的是特纳和康斯太勃尔。

特纳——被誉为英国绘画史上的天才人物。表现手法上充满浪漫主义激情。《国会大厦起火》、《蒸汽和速度》。追求动感和戏剧性、富有诗意的构成式风景。

康斯太勃尔——英国画家中最完整地领会油画造型语言的大师，被德拉克洛瓦成为“现代风景之父”。专心于眼前平凡、自然的景象，忠实于自己的视觉感受，其风景画是现实主义风景画的典范。《甘草车》

拉斐尔前派

拉斐尔前派是19C中叶产生于英国的一个画派，认为艺术正是从拉斐尔开始，走入了只追求理想化和完美而缺少真实的歧途。要改革艺术，就必须回到拉斐尔之前时代去，以那种有明快色彩、有丰富细节和漂亮自然光的绘画艺术为榜样，创造出一种风格清新技巧纯朴和感情真挚的艺术。

代表人物：亨特、罗塞蒂、米莱斯

亨特——拉斐尔前派创始人之一。作画力求以细节的自然主义，鲜艳色彩的对比，使臆造的构图变得生动。《牧羊人》标志着拉斐尔前派艺术全面成熟，也是拉斐尔前派的代表作。

罗塞蒂——拉斐尔前派的核心和灵魂。《牧场聚会》、《白日梦》

米莱斯——拉斐尔前派创始人中绘画技巧最高，也最有才能画家，其作品有很强的表现力，善于处理复杂的场面，色彩带有一定装饰性，他的常带有哀怨、惆怅的情调。《盲女》、《俄菲莉亚》

19C下半叶有两位活跃于英国画坛的美国画家，惠斯勒、萨金特。

惠斯勒——在艺术上不想抛弃传统，也不想顽固保守，力图追求各种技法，创造出各种效果，后转向了抽象，吸收日本画的结构、色调、线条作为造型的手段，并把音乐的节奏旋律渗透在作品中。他的艺术受到法国印象派和日本浮世绘的很大影响。不过惠斯勒既不采用印象派手法创作，也不关心光与色彩的问题，他主要关心的是艺术的形式、构成关系和色彩的表现力，认为绘画应追求音乐效果和纯视觉性的表现，应抛弃主题和情节，排除一切文学成份。惠斯勒把审美作用视为绘画唯一重要的本质，是一位唯美主义者，他的观点和艺术对英国现代艺术有相当大的影响。《画家的母亲》（《灰色与黑色的布局》）避免流露任何“文学”趣味和多情善感。惠斯勒最关心的是优雅图案的构图，他跟巴黎画家共同之处是他鄙视公众对富于感情的逸事趣闻所表现的兴趣，他强调的论点是关乎绘画的不是题材，而是把题材转化为色彩和形状的方式。

《艺术家母亲的肖像》（《灰色与黑色的布局》）——惠斯勒在此作品中避免流露任何“文学”趣味和多情善感，实际上，他所追求的形式和色彩的和谐跟题材的情调毫无抵触。正是由于细心地平衡简单的形状赋予了这幅画以悠闲的性质；“灰色与黑色”的柔和色调从妇人的头发衣服直到墙壁和背景，加强了画面的温顺，孤独感，使这幅画具有广泛的感染力。创作这幅敏感、文雅之作的画家，由于他的刺激性手法，由于他实践他所谓的“树敌的文雅艺术”，落得声名狼藉。

萨金特——美现实主义最杰出的女画家之一（英国）。《埃及少女》、《阿格纽夫人像》。

卡萨特——生于美国的一名女画家，深受印象主义影响《蓝色扶手椅中的小女孩》

18、19其他国家美术 19C德国美术 19C美国美术

18C、19C俄罗斯美术

19C德国美术

门采尔——现实主义绘画大师。《轧铁工厂》 利伯曼——外光派绘画代表。

柯勒惠支——她从事艺术从学习刻铜工艺开始，风格趋向于表现主义，甚至带有神秘主义的情绪。所做版画和雕刻都强烈地反映了对工人、农民的深刻同情，她在线条奔放、坚实有力、黑白强烈、沉郁的形象中，倾吐着伟大的高尚母亲的真挚情感，并以自己独特的风格呈献着德意志民族的心理和

性格特征。她艺术中的倾向是每个具有历史责任感和使命感艺术家应该效仿的榜样。《织工暴动》

19C美国美术

科普利——美国本土所培育的第一个伟大的画家。

哈德逊河画派——标志着美国美术开始摆脱欧洲影响，逐步显露出自己的品格来，因此也称为美国风景画派，产生于19C上半叶美国风景画。

科尔——哈德逊河画派的创始人，他的绘画采用古典手法描绘，富有浪漫的情调。《之字形河湾》。

英尼斯——晚年被称作“美国的印象派画家”。《夏天的榆树》

霍默——被认为是19C美国最伟大的画家，又是美国第一代风俗画家。《家、甜蜜的家》、《前方来的俘虏》

18C、19C俄罗斯美术

巡回展览画派——19C产生于俄罗斯的一个画派。主张：美，就是生活的艺术思想，强调民族特点和艺术作品的思想性、社会性和主题性，但在艺术形式的 探索比较欠缺。

别洛夫——巡回展览画派创始人之一，被称为“莫斯科的教皇”。《送葬》。俄罗斯第一位反映农民苦难生活的画家。

克拉姆斯柯依——巡回画派的组织者和思想领导者。《无名女郎》、《月夜》

列宾——巡回画派现实主义艺术最高成就，被誉为俄罗斯社会生活的真实写照。《伏尔加河上的纤夫》

苏里科夫——巡回画派重要画家，也是俄罗斯杰出的历史画家。《近卫军临刑的早晨》（俄国历史上第一幅历史画）、《女贵族莫洛佐娃》

希什金——俄巡回画派创始人之一，也是19C后中期俄风景画的奠基人，被誉为“最活跃的画派”。《松林之最》

列维坦——俄杰出的风景画家，确立“情绪风景”画。也是巡回画派的成员。《深渊》

谢洛夫——现实主义学院中最有成就的画家。（19C末20C初），《少女与桃》、《阳光下的少女》

三、20C下半叶的西方现代美术

20C下半叶艺术怪诞离奇、形形色色，但其明显的趋势主要表现在两个方面：

1、艺术走向过程。现代艺术家更看重艺术创作过程及过程中自己得到的感受和体验。这一现象是现代社会的产物。

2、艺术走向生活。艺术乃生活本身。

抽象主义

1.抽象主义——20C指那些远离现实生活，不去表现自然物体的表面现象，而是以经过抽象的色彩、点线、体块去构成具体客观形象的美术总称。康定斯基（热抽象）、蒙德里安（冷抽象）克利——《围绕着鱼》 阿尔普——《云的牧人》

抽象表现主义

2.抽象表现主义——20C 50年代第一个出现于美国的重要现代主义流派。主张彻底摆脱传统美学观和艺术观，追求自发的、任意的个人表现，认为艺术家应服从于自然而然的内心冲动，强调创造的过程而不是结果。他们大多数反对以往绘画的完整性和技巧性，反对所谓的“形象”和“形式”，推崇即兴式的创作与技巧的自由发挥。他们中的大多数对纯几何抽象绘画有着共同的逆反发展，即“形式上追求抽象，内涵追求表现。”（包括：行动绘画、色域绘画、极少艺术。）

代表人物：波洛克、德·库宁。

波洛克——美国抽象表现主义代表人物，也是二战后第一位有国际影响的美国艺术家，强调动作和力感，被人们称作“运动画派”创始人。《五寻的深度》、《迷朦的薰衣草》

德·库宁——《女人第一号》，认为画什么，美不美是一个次要问题，重要的是表达画家内心冲动。为达到此目的，材料、工具、对象、技法、美感可以弃之，可以任其选择，于是传统绘画观念早已舍弃。

戈尔基——《肝就是公鸡的冠子》

以包豪斯为基地，20世纪20年代形成了现代建筑中的一个重要派别——现代主义建筑，主张适应现代大工业生产和生活需要，以讲求建筑功能、技术和经济效益为特征的学派。包豪斯一词又指这个学派。

格罗皮乌斯担任第一任校长。包豪斯教师阵容整齐，人才辈出。1925年，包豪斯由于在学术见解上同当地名流发生分歧，迁至德绍，改名为“设计学院”。1928～1930年瑞士建筑师H.迈耶任院长，1930～1932年L.密斯·范·德·罗任院长。包豪斯于1932年迁柏林,不久停办。教师大多流往国外，包豪斯的学术观点和教育观点随之传播四方，一度为欧美许多大学所采纳。

包豪斯提倡客观地对待现实世界,在创作中强调以认识活动为主,并且猛烈批判复古主义。它主张新的教育方针以培养学生全面认识生活，意识到自己所处的时代并具有表现这个时代的能力为原则。它认为现代建筑犹如现代生活,包罗万象,应该把各种不同的技艺吸收进来，成为一门综合性艺术。它强调建筑师、艺术家、画家必须面向工艺；为此，学院教育必须把车间操作同设计理论教学结合起来；学生只有通过手眼并用，劳作训练和智力训练并进，才能获得高超的设计才干。

形而上画派（Metephsical Painting）

意大利近代绘画的一支流派。基里诃（Giorgio de Chirico 1888～1978）是此画派的开创者。他说：“真正的艺术，应该是更完整、更深奥而复杂的，换言之，就是形而上学的艺术。”此即形而上绘画名称的由来。

形而上派着力表现西方社会的病态而对科技进步持怀疑态度。如同它的名字，这个画派深受叔本华和尼采唯心主义的影响，但其中带有更多的弗洛伊德思想的影响，事实上他们比后来的超现实主义画派更早的体现了精神分析学中关于直觉、幻觉和潜意识的应用，作品中充满了神秘怪异的气氛，描绘的多为物体的稳固、无时间性和不朽性。

抽象主义

1.抽象主义——20C指那些远离现实生活，不去表现自然物体的表面现象，而是以经过抽象的色彩、点线、体块去构成具体客观形象的美术总称。康定斯基（热抽象）、蒙德里安（冷抽象）克利——《围绕着鱼》 阿尔普——《云的牧人》

抽象表现主义

2.抽象表现主义——20C 50年代第一个出现于美国的重要现代主义流派。主张彻底摆脱传统美学观和艺术观，追求自发的、任意的个人表现，认为艺术家应服从于自然而然的内心冲动，强调创造的过程而不是结果。他们大多数反对以往绘画的完整性和技巧性，反对所谓的“形象”和“形式”，推崇即兴式的创作与技巧的自由发挥。他们中的大多数对纯几何抽象绘画有着共同的逆反发展，即“形式上追求抽象，内涵追求表现。”（包括：行动绘画、色域绘画、极少艺术。）

代表人物：波洛克、德·库宁。

波洛克——美国抽象表现主义代表人物，也是二战后第一位有国际影响的美国艺术家，强调动作和力感，被人们称作“运动画派”创始人。《五寻的深度》、《迷朦的薰衣草》

杰克逊·波洛克（Jackson Pollock）最能显示这一风格在观念上和手法上的特征。自1947年起，他采用了将大幅画布平辅在地上，再在它周围走来走去，把“颜料”滴溅在画布上的画法。绘画的过程变得像某种祭礼中的舞蹈，他整个身体都在运动。催眠状态般的专心致志和彻底的身心投入，是一幅画形成其“独立生命”的关键所在。他的作品一旦完成，那些密布画面、纵横扭曲的线条便传达出一种不受拘束的活力，随心所欲的运动感，无限时空的波动以及其内在的力量。

从波洛克的代表之作《薰衣草之物》中，可以领略抽象表现主义的精神。乍一看上去，一团如麻的线条互相交织着扑面而来。近看画作，是颜料直接滴洒在画布上。画面没有任何可辨识的形象，到处充溢着奔放自由的激情。画面也没有空间透视，但又不是平面的。波洛克创造了一种暧昧的空间，大部分的笔触悬浮在这块表面的后方，悬浮在被有意压缩了的、被剥夺了透视关系的空间之中。前景与后景相互渗透，在人的视觉当中跳来跳去。

波洛克自己这样描述他的作画过程：“我的画不是从画架上来的，作画前，我很少绷钉画布，我宁愿把未绷紧的画布钉在坚硬的墙壁或地板上。我需要一块坚硬的平面顶着。在地板上我觉得更舒服些，这样我觉得更接近我的画，我更能成为画的一部分，因为我能绕着它走，先在四边入手，然后真正地走到画中间去，这很接近西部印第安人用沙作画的方法。”

德·库宁——《女人第一号》，认为画什么，美不美是一个次要问题，重要的是表达画家内心冲动。为达到此目的，材料、工具、对象、技法、美感可以弃之，可以任其选择，于是传统绘画观念早已舍弃。

戈尔基——《肝就是公鸡的冠子》

弗朗兹·克兰（Franz Kline）的作品也是如波洛克一样属于动态性的。40年代，他热衷于线描，特别习惯于画小幅的黑白速写和细节，他在细节中研究单一的母题或空间关系。1949年的一天，他用幻灯机放大一些速写，这启发他发展了自己特有的风格：在白色画布上，一些大尺度的黑色线条，除了线条，别无其他，更没有具象的东西。画面中的空白与强有力的黑色笔触一以生动，甚至某些飞白看起来更有意味。人们看他的作品，也能理解“行动绘画”的含义，笔的运行在作品中显得十分重要，徐、疾、通、滞、转、折、进、退，这一点与中国的书法产生了暗合。不管他有没有受到东方书法的影响，他的画在“计白当黑”的原则上与东方的书法是一致的。而且在削尽冗繁，只取黑白两色，以少胜多，达到更有深度的美--这样的美学趣味与东方的书法艺术十分接近。

克兰最初的大规模的黑白抽象画作于1950年，特点是笔触大而粗犷，但由控制，还有强有力的建筑式结构。他的结构对60年代构成主义雕塑家产生了重大影响。他在50年代后期开始尝试使用色彩，在他去世前的那一年（1962），色彩才开始在他的作品中起重要作用，但结果不一定可喜，似乎色彩在他那由构图表达的意念中无关紧要，而只是一种装饰罢了。

抽象表现主义可以分为两种，一种如波洛克这样强调力量与动感，充满激情；另一种则是更纯粹的抽象，给人以宁静，罗思科便是这种风格的代表人物。罗思科出生在外国，1913年从俄国来到美国，当时只有十几岁。他的早期作品带有超现实主义的痕迹，后来逐渐变得单纯。到了1950年他已完全抛开了具体形象，作品常是几个空白的长方形画在涂了色的背景上，边缘并不明确，因而它们的空间位置也是模棱两可的。这种空间感也是我们在波洛克的作品中所熟悉的，找不到有深度的空间，而这种很浅的空间忽远忽近，不可捉摸。色彩之间的相互关系因为长方形空间而起作用，造成一种温和而又有节奏的脉动感，不清晰的交界处隐隐地藏住很多耐人寻味的东西。

罗思科认为自己不是抽象画家，他更注重精神的表达。他说：“我对色彩与形式的关系以及其他的关系并没有兴趣„„我唯一感兴趣的是表达人的基本情绪，悲剧的、狂喜的、毁灭的等等。”他要在西方的传统文化中找到今天西方文明的根。他认为现代人的内心体验没有离开从古至今的传统，因此要表现精神的内涵需要追溯到希腊的文化传统中去，尤其是希腊文明中的悲剧意识，这是最深刻的西方文化之源。在他画出成熟的抽象画之前，他对希腊、罗马艺术投注了很多的注意。从希腊传统中他吸收了希腊悲剧精神中的人与自然的冲突，个人与群体的冲突的矛盾状态。在他看来这些冲突概括了人的生存的基本情形。由于他追求表达的清晰，追求去掉一切与观念无关的东西，他最后发展出了一种全黑的画面，在黑色中他找到了和他的悲剧意识完全吻合的形式，而且是不可再简的形式。

伯特·马瑟韦尔（Robert Motherwell）可算作抽象表现派运动的组织者，他是一位学识丰富、精力充沛的艺术家。他早先学习历史、评论和哲学，是一位自学成才的艺术家。随着抽象表现主义开始形成，马瑟 韦尔的活动范围越来越大，1947到1948年，他是具有影响的杂志《可能性》的编辑之一，1948年他和三位著名画家威廉·巴齐奥蒂（William Baziotes）、巴尼特·纽曼（Barnett Newman）和马克·罗思科（Mark Rothko）一起，创办一所艺术学校。1951年他出版了一本达达派画家和诗人的作品集，这本书的出版是“新达达派”诞生的最早信号之一。

马瑟韦尔同时是一位多产的画家，其最为著名的作品是名为<西班牙共和国挽歌>的系列作品。画面主要是黑色的大笔触画在白的背景之上，形成几何化的团块和结构，具有一种纪念碑式的沉稳厚重之感。和波洛克一样，他的笔触也是随意的，所不同的是在作画过程中，马瑟韦尔的理性的力量总是可以起作用的，他试图平衡意识与非意识，在自由表达和保持一定的画面构图之间做出协调。这一系列作品的题材来自于欧洲近代史，西班牙内战爆发时他才二十几岁。画面的每一个笔触似乎都是作者在怀着依恋之情回忆着自己的青年时代。他的作品同时也表明在四五十年代美国风行的“主观性”绘画，并非没有能力处理历史题材或社会题材，而欧洲人认为抽象表现主义只是一种“即兴”艺术也是一种误解。同样是战争题材，我们将马瑟韦尔的系列作品与毕加索的<格尔尼卡>作一比较，可以看出艺术向前推展的进程。作为立体派代表的毕加索的<格尔尼卡>以分割的形象表达了人们对战争的恐惧，而在马瑟韦尔的作品中，我们连一度令人吃惊的分割的形象也找不到了，剩下的只有笔触，色彩也简化成了黑白二色。但这丝毫不影响我们从作品中找到作者的情感和绘画的主题。某种程度上，这样“无意识”地以游动的笔触来表达，比毕加索创作是更为直接，直通人的心灵。作者无须借助描画形象来传达情绪，笔触中已包含了一切的表达。

1949至1976年间，马瑟韦尔创作了差不多150多幅哀歌主题的变体画。他又于1968-1972年左右开始了对其艺术生涯中第二个伟大主题的实践，代表作品是1969年的‖开放第24号‖。作品由一个单一色块的平面和炭笔线条构成，这种对大规模色彩的表现的探索，包括从相对统一，但非平涂的色块到有节奏感，多样化的画法，形象之间有着内在的联系，而不是形式要素简单的排列，正如中国书法的气韵贯通。

马瑟韦尔对于超现实主义的研究比较全面，并且做了有选择的吸收。他对“梦境”不感兴趣，而乐于对某种强烈性和庄严性进行新的探索和发挥。1976年初，他着手表现一个新的主题，也正是从这时起，马瑟韦尔进入了他事业中最多变化和多产的阶段。成为具有独创力的抽象主义代表。

3、色场绘画

色场绘画：又叫“色面绘画”，它实际上是抽象表现主义的另一种表现形式，不过它同波洛克为代表的抽象表现主义有所不同，色场绘画不讲究动势和心灵自动主义，却用大片的，统一的抽象色块构成其画面，作品显得更加纯粹，有一种深深的宁静感。画面不出现任何物象，大块色面、色彩完全平涂，光滑平坦无笔触。代表：纽曼、路易斯 巴尼特·纽曼是抽象表现主义艺术家中最为理智的艺术家之一，他的艺术充满着神秘感和不可知的东西。在一篇未发表的论文，或者说是“自白”中，纽曼阐发了他的观点，明确指出他艺术的题材在最广泛的意义上讲，是创造的神秘与人类存在的含义。在其他的许多文章中，他写道：“„„（艺术家）以他的欲望、他的意志来建立有序的真理，那便是他对生命与死亡的神秘性的态度的表达。可以说，艺术家像一个真正的创造者那样探究宇宙。恰恰是这一点使得他成为艺术家。”40年代，纽曼专注于犹太神话中关于创世的传说，这些传说不仅来自于《创世记》，还来自于希伯莱的神秘哲学以及整个犹太神秘思想的传统。大约在1946年，纽曼开始发展出一种绘画形象： 一条光带垂直地从画布的一边通向另一边。这一符号使人想起在《创世记》和希伯莱神秘哲学中不断出现的文学上的暗喻--光作为创造的象征。同时，纽曼也接近另一个传统，即将上帝和人类共同比喻成一束光--造物者与被造者同体。在一组名为‖瞬间‖的绘画中，第一次出现了色带。色带处于柔和的背景之下，纽曼对此并不满意。最后他终于在1948年创作的‖单一Ⅰ‖中找到了最满意的解决。画面是统一的暗镉红的背景下，一条细细的亮镉红色带垂直地深入画面的中心。他把光带称作“zip”，这个形象不仅重新扮演了上帝最初的姿势，还描述了姿势本身：一个独立的形，人类--唯一的直立行走的动物，亚当，男子气概，勃起。

在之后的几年里，纽曼一直朝着这个思路发展，做了各种变体，‖亚当‖即是其一。这件作品尤其在色彩和标题的使用上，似乎直接回到了‖单一Ⅰ‖。这里不仅“zip”象征着人类，其棕红的背景下桔红的色带也许暗示着神秘哲学对《创世记》解释中的另一个象征。这涉及到希伯莱语中adamah和adom之间的关系。Adamah意为“大地”，亚当的名字直接由此而来（上帝用泥土造人），而adom意为“红色”。纽曼也许将色彩与大地及亚当在“创造”的主题中共同联系起来。与‖亚当‖相应还有一件‖夏娃‖，他是将二者作为一对来构思的，相继画了两幅画后便命名为‖亚当‖和‖夏娃‖。

纽曼——以大块色面或垂直、水平的几何图案去追求某种意象表现。《亚当》（也被称为极少艺术的代表）。

路易斯——色域绘画代表人之一。其抽象性绘画颇具开创性，染色技法独特，即在未涂抹底色的纯白画布上，将丙烯颜色与水混合，直接倒向倾斜的画布，让颜色自然向下流淌，于是颜色留下一定的或规整或弯曲的色痕。具有“面纱绘画”的雅称。《扩散的光》。路易斯的染色技法为波普艺术发展提供了借鉴。

色场绘画中还出现了一种有明显的边线，清晰的外形，两度空间的抽象绘画，人们称之为“硬边艺术”、“硬边抽象”。它抛弃了抽象表现主义的明暗、三度空间效果、自由的色彩和外形，代之以单纯简洁的色彩、平面明晰的形象、光法的外表。

莫里斯·路易斯（Morris Louis）的绘画标志着对色彩与光的探索的一个重要的发展。这一探索可追溯到印象主义时期。路易斯创造了在尺寸不定的、未上底的棉质画布上泼洒颜料的方法，这样，画面看起来更像是染过色的，而不是把颜料画在画布上。于是产生了一种前所未有的色的纯净性，而不再因为笔触在画布上运行产生肌理效果而具有什么含义。（左图）这种技巧与他色彩的抒情性和构图的抒情性与戏剧性直接相关。著名评论家克莱门特·格林伯格（Clement Greenberg）写道：“色彩与背景越取得一致性，它便越能够从与触觉联想的干扰中解脱出来。”路易斯绘画中的最基本的单纯性也经常被另一位批评家埃米·戈尔丁（Amy Goldin）提到：“路易斯从来不是一个复杂的艺术家，他的作品也从来不会产生疑义。”

4、极少主义

极少主义——又称“最低限艺术”，也可叫做“ABC艺术”或“基本构成”。极少艺术发源于抽象表现主义，又反叛于抽象表现主义，与其主要不同表现在：第一，追求最简单的艺术内容，而不是自我表现；第二，追求最简明的表现方法，尽可能减少对艺术质材的加工。极少艺术是一种以简洁几何形体为基本艺术语言的雕塑运动，它是一种非具象、非情感的艺术，反对直接使用未加工的金属材料、废弃物、实物拼贴，尤其不赞同抽象表现主义那样强烈个性。其艺术家主张艺术是“无个性的呈现”，以极为简单的几何形体或数个单一形体的连续重复构成作品，而且这些作品都是经艺术家设计后的交加工厂再由机械制造出来的标准产品，它们让人感到强烈的构成感。

5、波普艺术

波普艺术——又称“新达达主义”或“新写实主义”。生活就是艺术，生活中的实物就是艺术。采用画面与实物拼接的方法，或干脆用实物集合的办法达到打破艺术之间各门类，艺术与生活之间的界限。波普艺术是对现代工业社会的肯定，对社会现实的重新关注，对现代生活的直接反映。

劳申伯格——美国波普艺术的代表，也是集合艺术与废品艺术的创始人，《床》是真正被子与枕头向上泼洒颜色。

沃霍尔——美国最著名的波普艺术家，其作品最能体现美国波普艺术的特色。《玛丽莲梦露》

6.欧普艺术

又称“光效应艺术”，是一种光学原理加强绘画效果的艺术，多以抽象的几何形及渐变的明暗和色彩之不同组合，造成观看视觉上的错觉或幻觉效果，包括平面绘画和立体作品，欧普艺术常采用的手法有黑白对比或补色对比的几何纹样错位、重复。造成错觉的空间感和变化感，排斥一切自然的再现现象，也不表现任何情感和思想，仅仅探讨纯粹的色彩和图形的视觉效果。排斥感情表达，排斥个性表现，接近机械制图般画法。

7.偶发艺术

20世纪60年代初在欧美出现的一种艺术现象，同波普艺术有一定的联系，强调艺术同生活的结合，同时也是一种重视过程忽视结果的艺术。有些类似于表演艺术。

行为艺术——是偶发艺术的进一步发展，以艺术家本身的即兴无情节表演或自身的行为体验为一种艺术，甚至让观众参与到艺术的活动中，完全打破了传统的艺术与非艺术、艺术与生活、艺术家与观众的界限。考尔德——《螺旋物体》

8.（观）概念艺术——

又称“形而上艺术”，来源于达达主义者杜桑“绘画只不过是表现的一种手段”。以十分明确和激进的替代物来彻底反对传统艺术的存在实体，毫无异议地推崇语言和语言构成的观念，认为语言及观念才是艺术的真正本质。而给予人们视觉感受的艺术实体是多余的，于是感念艺术的表达方式转向文学、摄影、图表、印刷品、录音、录像、身体、表演等，以此来全面否弃绘画的一切。

科苏恩——《一把和三把椅子》

9.大地艺术——

可以视为艺术与大自然的结合，艺术家把大自然作为创作对象，对大自然进行施工或修饰，既不失大自然本来面目，又可使人们重新认识和评价自然，从中得到新的艺术感受。克里斯托——《奔跑的栅栏》

10.超级写实主义——

又称“照相写实主义”，主张抛弃主观感受，客观逼真地再现对象，借助于照相式的客观而精确的手法来达到这一目的，使观众对作品一目了然。

克洛斯——《约翰像》 汉森——雕塑《旅游者》

后现代艺术的特征：

一、回到具象：抽象主义者曾指出：“这是一个科学加机器的时代，所谓抽象绘画正是这个时代的艺术表达”。而当科学技术和生产力高度发达导致生产过剩的时候，西方人的科学崇拜意识便日渐淡化，抽象艺术随之受到冷遇，与此同时，关注心灵，关注社会的艺术重新得到提倡。

二、回到架上：回到绘画和雕塑的原有范畴中来，把制作并呈献一个能为观念所感知的画面或物体作为抒情表意的手段，是后现代艺术的新气象，从孤芳自赏的象牙塔中走出来，从自我中心主义的圣坛走下来，后现代主义艺术家全心全意与社会合作，竭力想要消除艺术与大众的距离。

三、多元并存：统一的标准，规范的风格和确定的形式都不复存在，后现代艺术走上了一条反对极端、追求折衷、不尚单

一、力倡融合的多样化道路。由于没有统一的样式和共同的风格，因而不存在至尊的权威。有人说现代艺术仍然实行的是君主等级体制，只有到了后现代主义时期，艺术才真正实现了自由民主体制。

新表现主义——20C 80年代诞生于美国。说明纯客观的与现代机械文明相结合的，试图打破艺术与生活之间界限的后现代主义艺术思潮和现象。艺术中出现了回归传统的趋势

雕塑

a.阿尔贝托·贾科梅蒂：青铜雕塑《战车》； b.毕加索：青铜雕塑《大狒狒与小狒狒》； c.亨利·摩尔：榆木雕塑《斜倚的人物》、《国王和皇后》； d.赫普沃思：综合材料雕塑《波浪》； e.考尔德：钢片雕塑《白色瀑布》； f.戴维·史密斯：《立方体》。

社会现实主义

1930年在美国兴起了一个被称为社会现实主义的画派。就狭义而言，社会现实主义指的是揭露社会时弊的绘画，就广义而言，还包括反映美国一般生活和地方特征的风俗画，有的作品还带有某种批判性。这个画派发端于20世纪头10年描绘美国城市生活阴暗现实的垃圾箱派，并在30年代初受到墨西哥壁画家的鼓舞。社会现实主义这个名称颇具代表性，它可以引申为一种艺术类型，涵盖一切反映社会现实的艺术。这种艺术有的侧重于为政治服务或表现革命目的，有的倾向于为现代工业社会服务，为中下层人民服务，有的主张艺术家与工人阶级认同。这种艺术的思想根源可以追溯到未来主义、构成主义、包豪斯等20世纪初现代主义艺术的某些观念，也受到俄国十月革命的鼓舞。

在这种艺术类型中，富有代表性的是20年代与30年代出现的以里维拉、奥罗兹科和西凯罗斯为代表的墨西哥壁画运动。1922年，这三位画家组建了墨西哥技术工人、画家、雕塑家革命同盟，在其宣言中宣布断绝与一切贵族艺术的关系，呼吁为人民创造启发和激励他们去斗争的类，创造具有社会目的的、纪念碑般表现形式的新艺术，认为只有这种艺术才是人民的财富。19C末至20C末的西方现代艺术

古希腊——19C中叶 写实模仿的传统美术 19C中叶——至今 现代艺术

西方现代艺术大约经历了三个大的发展阶段：

十九世纪下半叶是它的第一个阶段，包括自后印象派到十九世纪末期，这是从传统艺术向现代艺术转变的阶段，也是突破模仿写实观念，探索新艺术观的阶段，这时仍采用是具象的表现手法。

第二阶段是20C上半叶，这是现代艺术全面发展的阶段，也是艺术家在美术表现手法和语言方面进行大胆实验的阶段，艺术还同传统有着种种联系。

第三阶段是20C下半叶，是现代艺术发展的崭新阶段；传统艺术观念被彻底抛弃，艺术走向大众，走向生活。

一、19C末的现代艺术趋势

19C下半叶的后印象派向现代艺术迈出了决定性的第一步。（塞尚由客观模仿转向了有意识的主观概括对象，凡高则以富于激情的色彩和笔触表现个人内心的强烈情感，高更则追求艺术的象征性。他们都把自己的注意力放在了主观认识和表现方面）。当然他们的这种主观表现并没有脱离开客观对象，但这又绝对不等于尽可能客观模仿对象。他们的艺术思想影响了年轻一代艺术家，让人们看清了艺术并非只有模仿写实这条道路可走，艺术之所以为艺术，就在于它通过一定的视觉语言来表达艺术家独特的感受，而视觉语言和表现手法应当是多种多样的。同时，中国、日本等东方艺术当时也大量出现在欧洲，这些写意性的作品也使西方艺术家眼界大开，于是他们力图摒弃西方传统的模仿写实手法，开拓新的艺术创作道路。1.象征主义——是西方现代派艺术的序幕，也可以说是最早的现代派。反对写实主义和印象主义对自然的客观描写。强调主观精神表现。他们认为人的内心世界是不明确的，难以把握的，只能通过象征的手法，然而又用具体可感的形象来隐喻主题和情感，暗示微妙和神秘内心世界，通过形象来寻找外在事物与内心世界的对应关系，带有种神秘主义的色彩。

特征：重感官、重隐喻、重梦幻、重装饰

代表作家：德国的勃克林、法国的莫罗 勃克林——其作品有浓厚的神秘色彩和悲剧感。《死岛》

莫罗——其艺术以晦涩的主题，华美艳丽的色彩和装饰性著称，作品带有远离现实的神秘意味和东方色彩。《莎乐美》。“象征主义的开创人”。2.纳比派——诞生于1891年的法国。推崇高更的平涂风格以及绘画的示意性和象征性，反对印象派的光色分析和纯客观描绘，因而其作品往往轮廓鲜明、装饰性强、造型趋向简单单纯。以波纳尔、维亚尔为代表。

维亚尔——纳比派主要成员。他受日本版画、印象派画家的色彩，以及修拉、高更等人影响较大，并将这些因素综合运用于自己绘画中，创造了一种略带装饰性和平面感、色彩斑斓的画风。自称“家庭派画家”《公园》

波纳尔——纳比派主要成员。画风承袭了印象派某些特点，但更倾向于装饰性和平面化，还专注于室内光线下的色彩研究，注意画面的主观处理。《浴盆中裸妇》、《餐桌和庭院》 3.新艺术运动：（具有象征性）它讲究趣味的精致与优雅，并含有世纪末的颓废。

19C最后20年代到20C初，追求唯美主义，强调装饰性特点的艺术倾向风靡西欧，称之为“新艺术运动”。

奥地利称为“维也纳分离派”；德国称“青年风格”

意大利称为“自由风格”；法国称为“现代风格”

维也纳分离派——包括画家、装饰美术家和建筑家。倡导创新、反对守旧、主张艺术创作同当代生活相结合，强调艺术的实用性和装饰性。代表人物克里木特。克里木特——维也纳分离派的代表人物。对东方艺术有特殊的好感，十分赞赏中国画和日本艺术的平面感和装饰性。其艺术有绚丽的色彩，丰富的平面装饰图案，人物造型经过许多夸张变形，画面构成重叠交错。（象征主义、表现主义兼容）。《吻》、《满足》

二、20C上半叶的西方现代艺术（现代主义）

19C末既已开始流行的“绘画不作自然的奴仆”、“绘画摆脱对文学、历史的依赖”、“绘画语言自身的独立价值”、“为艺术而艺术”等观点，是现代主义美术体系的理论基础。

现代美术的前期是现代主义先锋流派与理论思潮的发生与成长的时期，它最显著的特点便是反传统。即反对传统写实绘画的造型原则、表现形式、创作态度和创作方法，乃至传统美术观念中的一切。

最早的野兽派和表现主义虽然没有什么宣言，但他们共同强调的是对写实形体与写实色彩的反叛，特别强调作者主观情感的渲泄。他们以粗犷的线条，强烈对比的色彩来逆反对自然物象与色彩的纯客观模仿的传统。立体主义则是对写实绘画的定点观察的彻底否定，他们完全摒弃传统的统一视点，统一空间的表现方法，彻底改变传统绘画的具象图式，重新建造一种通过主观分析取舍，综合而成多视点的抽象图式。明确提出“反传统”口号的是未来主义，这个广泛涉及艺术及社会各领域的虚无主义运动，一面赞美力量、速度和工业文明，一面“诅咒一切旧的传统文化，扫荡从古罗马以来的一切文化遗产”。未来主义在美术上企图冲破绘画与雕塑只能客观表现静止、瞬间这一传统。全面地对传统艺术的彻底否定是达达主义，一群在战争中饱受悲苦和惊吓的艺术家，以无政府主义思潮与玩世不恭的心态希望创造出一种“我们认为会把人类从这些时代的疯狂中解放出来的开创性艺术。”

不同的人和不同的时代所持的艺术观念是根本不同的。20C上半叶的西方现代艺术展观念上发生了巨大的变化：

1、从模仿再现走向主观精神的表现（照相术、东方艺术冲击）

2、放弃了统一的绝对的美的标准（真实和优美）

3、强调艺术的审美功能和纯视觉性

4、艺术的价值在于发现和创造

野兽主义(Fauvism)

1.野兽派——20C初中法国兴起的第一个现代主义画派。此派艺术家注重发挥纯色的作用，强调色彩的表现力，以此来表达艺术家的感情和个性。主要以马蒂斯为代表。（野兽派认为绘画最重要的是色彩，强调色彩的对比，大胆使用纯色，敢于破坏形体拘束，追求强烈情感的表达和个性的解放。）代表画家

1、马蒂斯（Henri Matisse）

2、德朗（Andre Derain）

3、弗拉芝克（Maurice de Vlaminck）

4、鲁奥（Georges Rouault）

马蒂斯——野兽派发起人，强调色彩在绘画中的作用，用单纯的色彩构成平面而又和谐的画面。认为色彩是用来表现艺术家感情的，故强调色彩的表现性。马蒂斯受后印象派和日本版画的影响，并研究近东阿拉伯式样图案，因而其作品装饰性极浓。其绘画大致有两种不同风格：一种如“戴帽子的妇人”，笔触明显，用色自由大胆，以主观抽象的色块，形状及自由的线条来构成夸张的形象，并不顾及自然对象。另一种如“舞蹈”，完全追求色彩的单纯化，平面装饰趣味和线条的节奏感。立体主义

2.立体主义——20C初产生于法画，追求几何形体的美，改变传统的单一视点观察方式，以多视点、多角度去观察和表现对象，突破画笔画布限制等新手法和新观念。

立体主义是富有理念的艺术流派，它主要追求一种几何形体美，追求形式的排列组合所产生的美感。它否定了从一个视点观察事物和表现事物的传统方法，把一个对象分解成多视向的几何切面，然后再加以主观并置、重叠、组合，把三度空间的画面归结成平面的、两度空间的画面。明暗光线、空气、氛围表现的趣味让位于由直线、曲线所构成的轮廓、块面堆积与交错的趣味和情调，把不同的视点所观察的和理解的形诸画面，从而表现出时间的持续性，主要依靠理性观念和思维。代表画家 : 毕加索——二战前追求分析立体主义——《亚威农少女》 二战后追求综合立体主义——《格尔尼卡》 勃拉克——野兽主义时期——《埃斯塔克码头》 立体主义时期——《埃斯塔克之屋》、《小罐和小提琴》 未来主义

3.未来主义——第一次世界大战前夕产生于意大利的一个文艺运动。颂扬机械文明，崇拜有生气的科学时代，认为世界上的一切都处于运动之中。以巴拉、波丘尼为代表。未来主义讴歌战争和军国主义，讴歌现代工业所展现的速度和能量，提倡无政府主义，提倡杀生和破坏，摒弃一切图书馆和博物馆，扫荡从古罗马以来的一切文化遗产，以绝对而彻底的方式否定过去。他们热衷于用线和色彩描绘一系列重叠的形和连续的层次交错与组合，并用一系列波浪线和直线表现光与声音、表现在迅疾运动中的物象。20C初唯一发生在巴黎之外的现代文艺思潮。

①巴拉：油画《链子上一条狗的动态》 ；

②博乔尼：雕塑：《空间中连续的形》 油画：《城市的崛起》 翁贝托·波丘尼(Umberto Boccioni,1882--1916)——未来派重要理论家和灵魂，他倡导艺术家积极投身于现代科技文明，在艺术中努力表现这些成就，鼓励艺术家去捕捉现代生活中的运动，革命和速度，运动感的表现是艺术中首要问题，因此他们的作品充满着动感。波丘尼是未来派最有才华的艺术家，可惜在艺术上没有得到充分发展。主张从力动的观点表现客观事物，建议更多地采用抽象符号。巴黎画派

4、巴黎画派是20C初中巴黎活动的，未参加任何现代主义流派的艺术家，他们大多保持了各自的艺术特点和个人风格面貌。人们把这一群艺术家统称“巴黎画派”。代表人物：莫迪利阿尼、苏丁纳、布朗库西。

阿马德奥·莫迪利阿尼 Amadeo Modigliani,1884—1920 哈伊姆·苏丁纳Chaim Soutine,1894—1943

康斯坦丁·布兰库西(Constantin Brancusi,1876--1957)雕塑家。是在罗马尼亚出生的，对试图摆脱具象题材的现代艺术家有重大影响。虽然他有时同立体主义有联系，但基本上保持着自己个人的风格。他与那些把机器和建筑观念化，或把艺术结构原则设想为社会理想范式的人也不相同，他不属于构成主义，也不属于风格派，他完全从另一角度实现了纯粹的形式。他认为真实的东西不是外部的形式而是事物的本质，他的雕塑就是力求排斥掉个人因素，经过集中提炼而具有神秘性的一连串本质。他的神秘主义反映了东欧文化背景。他的抽象化就是搜寻最简单和最基本的有机形状，例如蛋形和鱼形等，在寻找本质的过程中逐步完善形式。

表现主义

5.表现主义——19C末20C初产生于德国的一种艺术倾向，追求强烈而情绪化的手法表现艺术家内在情感，包括“桥社”、“青骑士”。表现主义反对机械地摹仿客观现实，而主张表现“精神的美”和“传达内在的信息”，强调艺术语言的表现力和形式的重要性，在造型上追求强烈的对比，追求扭曲和变形的美。表现主义艺术视艺术品为人的内在需要，认为艺术家应全力揭示个人的独特性，表现个人内心不可抗拒的冲动，强调情绪化地运用色彩、线条和扭曲的形象，造成观者视觉的冲击和心灵的感应，力图用绘画表现人类的恐惧、仇恨、嫉妒和爱恋等强烈的情感。

桥杜——发起者凯尔希纳，含有联合一切革命力量涌向未来的意思。这些艺术家通过粗犷有力的版画和色彩强烈的油画，来表达自己内心的情感。

青骑士——前身“新艺术家协会”发起者康定斯基。青骑士画派摆脱了传统艺术观念，寻求表现内心情感和精神世界的愿望。凯尔希纳——“桥社”的发起人和主要成员，强调用明亮的色彩和奔放的线条描绘大幅作品，将现代都市生活的快速节奏和人的孤独与空虚中自己作品中反映出来。《街头五个女人》、《画家和模特儿》

康定斯基——“青骑士”的发起者，以后成为抽象艺术的代表。强调精神因素是艺术中最重要的东西，艺术不是自然的模仿或精心的制作，而是内心的需要。《论艺术的精神》、《构成第2号》、《最初的抽象水彩》。其抽象艺术开辟了西方抽象艺术先河，被称为“热抽象”。蒙克——表现主义绘画的先驱，挪威著名艺术家，直接对德国表现主义美术产生了影响。其艺术带有强烈的悲剧性，线条和色彩十分富有表现性。《呐喊》、《青春期》

达达主义

6、达达主义——20世纪初产生于瑞士后流行于欧美的现代主义艺术运动，他们认为艺术与艺术作品无关，任何现成品都可成为艺术品，从而将一切关于文化艺术的传统彻底否定。抛弃了其他流派在美学上和艺术语言上的追求，以玩世不恭的态度对抗社会现存的价值观，具有批判传统道德观念和审美观念，提倡否定一切，否定理性和传统文明，提倡无目的、无理想的生活和艺术。超现实主义明确强调受理性控制和受逻辑支配的现实是不真实的，只有梦幻与现实合一才是绝对的真实。艺术就是要力图把生、死、梦、现实、过去、未来结合在一起统一起来，于是艺术品必然展现出神秘、恐怖、荒诞、怪异等特点。

代表人物：杜桑

杜桑——达达主义主要代表人物，认为创作中的偶然性比社会性的艺术更具有意义。他以不受任何束缚的形式和方法来表现自己的思想、作品显得荒诞离奇。

《下楼梯的裸女》、《泉》、《带胡须的蒙娜丽莎》

超现实主义

7、超现实主义——两次世界大战之间产生于法国的艺术流派。受达达主义和弗洛伊德潜意识理论的影响而产生，强调偶然因素的结合，无意识的发现、梦境的真实再现。超现实主义明确强调受理性控制和受逻辑支配的现实是不真实的，只有梦幻与现实合一才是绝对的真实。艺术就是要力图把生、死、梦、现实、过去、未来结合在一起，统一起来，于是艺术品必然展现出神秘、恐怖、荒诞、怪异等特点。

代表人物：达利、恩斯特、米罗

达利——西班牙超现实主义著名画家，认为艺术家的任务就是将潜意识中的形象精确记录下来，赋予了那些荒诞离奇、不可思议的潜意识中的形象以色彩和线条。《记忆的持续性》、《内战的预感》

风格画派

8、风格画派——20世纪初产生于荷兰，风格拒绝使用任何的具象元素，主 张用纯粹几何形的抽象来表现纯粹的精神，提倡数学精神。代表人物：蒙德里安

蒙德里安——风格派最有影响的人物和理论家，强调把变化无穷的自然按照一定的数学类型来构成。被称为“造型数学”的绘画或“冷抽象”。《红树》、《红黄蓝构成》

达达主义（dada）

达达主义艺术运动是1916年至1923年间出现于法国、德国和瑞士的一种绘画风格。达达主义是一种无政府主义的艺术运动，它试图通过废除传统的文化和美学形式发现真正的现实。达达主义由一群年轻的艺术家和反战人士领导，他们通过反美学的作品和抗议活动表达了他们对资产阶级价值观和第一次世界大战的绝望。

达达主义的宗旨

达达主义者对一切事物采取虚无主义的态度，他们常常用帕斯卡尔的一句名言来表白自己：“我甚至不愿知道在我以前还有别的人。”查拉在回顾达达主义运动时说：“目的在于设法证明这各种情况下，诗歌是一种活的力量，文字无非是诗歌的偶然的、丝毫不是非此不可的寄托；无非是诗歌这种自然性事物的表达方式，由于找不到合适的形容词，我们只好叫它为达达。”

达达主义者的行动准则是破坏一切。他们宣称：艺术伤口应象炮弹一样，将人打死之后，还得焚尸、销魂灭迹才好；人类不应该在地球上留下任何痕迹。他们主张否定一切，破坏一切，打倒一切。因此，达达主义是虚无主义在文学上的具体表现。它反映了第一次世界大战期间西方某些青年的苦闷心理和空虚的精神状态。

4.社会现实主义

a.迭戈·里维拉：纸上铅笔画《人类在十字路口上》； b.西凯罗斯：木版画《尖叫的回声》； c.柯勒惠支：铜版组画《织布工人暴动》。

第二篇：外国美术简史作业

外国美术简史之后梵高与《向日葵》

基础医学院2011级英文3 班 边温馨 A110100254 在选修外国美术简史这门课程之前，我对西方的美术了解可以用空白形容，一方面是由于自身在高中时期没有给予足够的重视，另一方面是由于高考的指向性，使得我忽略了自身的艺术修养的重要性。然而这学期选了这门课后，才发现以前的自己在无意中忽略了多么重要多么有趣的东西。常言道，生活中处处体现着美，只是缺少了发现美的眼睛。从旧石器时代到文艺复兴时期，再到现在，人们对美术对艺术的认识和感知以及艺术家们对美术对艺术的诠释都在不断的变化着。各种不同的表现手法和艺术形式都是美术史上的一座座里程碑，这些具有时代意义的艺术作品引领着我们一步步的探索漫长的美术道路。外国美术简史这门选修课对当代大学生来说很有教育意义，我也从这门课中收获颇多。

在历史的长河中，出现过很多著名的艺术家和作品，其中我最感兴趣的是梵高和他的《向日葵》。梵高（1853～1890），荷兰画家，主要生活在法国，是后印象派的三大巨匠之一。梵高敏感易怒，聪敏过人，却一直贫穷潦倒，几乎没有受过什么正规的绘画训练。他1881 年开始绘画，1886 年在巴黎初次接触了印象派的作品，对他产生影响的还有著名画家鲁本斯、日本版画和著名画家高更等。他对绘画创作近乎痴狂，擅长用浓重的色彩表达自己强烈的感情，是继印象主义之后在画坛上产生重要影响的革新者，但是，生前他的作品一直没有引起人们注意，直到去世后，才引起了评论家一致的好评。后印象主义也称“印象派之后”或“后期印象派”，是法国美术史上继印象主义之后的美术现象。特点是强调艺术形象要渗透作者的主观感情和情绪，反对印象主义和新印象主义片面追求客观表现及光和色彩。画面色彩浓烈，不拘一格，充斥着强烈的个性色彩，直接反映了画家的某种情绪。除梵高外，后印象主义最为卓越的代表性画家为塞尚和高更。梵高的艺术是伟大的,然而在他生前并未得到社会的承认。他作品中所包含着深刻的悲剧意识,其强烈的个性和在形式上的独特追求,远远走在时代的前面,的确难以被当时的人们所接受。他以环境来抓住对象,他重新改变现实，以达到实实在在的真实，促成了表现主义的诞生。在人们对他的误解最深的时候，正是他对自己的创作最有信心的时候。因此才留下了永远的艺术著作。他直接影响了法国的野兽主义,德国的表现主义,以至于20世纪初出现的抒情抽象肖像。

在梵高的诸多作品中，我最喜欢的是《向日葵》，最引我深思的也是这幅作品。堪称梵高的化身的《向日葵》是梵高于1888年8月在阳光明媚灿烂的法国南部所作的，仅由绚丽的黄色色系组合。梵高认为黄色代表太阳的颜色，阳光又象征爱情，因此具有特殊意义。画家满怀炽热的激情和仿佛旋转不停的笔触是那样粗厚有力,色彩的对比也是单纯而强烈的。然而,在这种粗厚和单纯中却又充满了智慧和灵气。观者在观看此画时,无不为那激动人心的画面效果而感应,心灵为之震颤,激情也喷薄而出,无不跃跃欲试,共同融入到凡高丰富的主观感情中去。梵高笔下的向日葵不仅仅是植物,而是带有原始冲动和热情的生命体。他以《向日葵》中的各种花姿来表达自我，有时甚至将自己比拟为向日葵。梵高写给弟弟西奥的信中多次谈到《向日葵》的系列作品，其中说明有十二株和十四株向日葵的两种构图。他以12来表示基督十二门徒，他还将南方画室（友人之家）的成员定为12人，加上本人和弟弟西奥两人，一共14人。对于梵高而言，向日葵这种花是表现他思想的最佳题材。夏季短暂，向日葵的花期更是不长，梵高亦如像向日葵般结束自己短暂的一生，称他为向日葵画家，应该是恰如其分。

“生活对我来说就是一次艰难的航行，但是我又怎么会知道潮水会不会上涨，及至淹没嘴唇，甚至会涨得更高呢？但我将奋斗，我将生活得有价值，我将努力战胜，并赢得生活。”这是生活在低处、灵魂在高处的梵高对待生活的态度。对于这位极具个性的超时代画家来说，他悲苦的一生就是向命运抗争、为艺术献身的一生，也是强烈捍卫生命个体尊严的一生。

对于梵高，对于《向日葵》，对于外国美术的发展历程，我们还有许多需要理解需要探索的地方，而外国美术简史这门课就是为我的探索指明方向的灯塔。

第三篇：《外国美术简史》名词解释--考研必备

外国美术简史“名词解释”----------考研必备

《外国美术简史》修订版，中央美术学院美术史系

1.黑绘风格：出现于公元前6世纪初，它是把主体人物涂成黑色，背景保持陶土的赭色，使形象轮廓突出，有如剪影，细部稍用勾线表现。代表作《阿客留斯与埃阿斯玩骰子》

2.红绘风格：出现于公元前6世纪末，与黑绘风格相反，它是在背景上涂以黑色，留下主体部分的赭色，人物细部用线来描绘，主要流行于古典时期。3.巴洛克艺术：是17世纪广为流传的一种艺术风格，意思是不圆的珠子。产生于16世纪下半期，盛行于17世纪，进入18世纪，初北欧和中欧地区外，逐渐衰落。其特点是：

1）它有豪华的特色；既有宗教特色，又有享乐主义的色彩。

2）它是一种激情艺术，打破理性的宁静与和谐，具有浓郁的浪漫主义色彩，非常强调艺术家丰富的想象力。

3）极力强调运动；运动和变化是巴洛克艺术的灵魂。4）它很关注作品的空间感和立体感。

5）它的综合性；强调艺术形式的综合手段。

6）它有浓重的宗教色彩；宗教题材在巴洛克艺术中占有主导地位。7）大多数巴洛克艺术家有远离生活和时代的倾向。

4.洛可可艺术：洛可可愿意指描绘贝克的装饰图案，作为一种新的艺术样式，首先在法国路易十五的宫廷形成，然后流行到其他国家，特征是富有、华丽、纤巧、缠绵的风趣，故意破坏艺术上的对称均衡、朴实的规律。被成为洛可可的艳情艺术主宰了18世纪前半期，它以上流社会男女享乐生活为对象，描绘全裸或半裸的妇女和精美华丽的装饰。它一方面不免浮华做作，缺乏对神圣力量的感受；另一方面，却以法国的轻松优雅使绘画完全摆脱了宗教题材。代表画家及作品：华多《舟发西苔岛》、布歇《沐浴的狄安娜》

5.巴比松画派：19世纪30-70年代，枫丹白露森林的小镇巴比松吸引了许多画家，他们在那里聚会和出游作画，既得见原始荒凉的自然风貌，感受逃离闹市的惬意；又与不远的城市巴黎保持联系，了解世界美术的动向。其口号是：面对自然，对景写生。主将是卢梭，代表作品《橡树林》

6.新表现主义：进入19世纪80年代兴起的新表现主义和欧洲这一思潮有紧密的联系。新表现主义的崛起说明了纯客观的、与现代机械文明相结合的、试图打破艺术和生活界限的后现代主义艺术思潮和现象，在人民大众和文化界中受到的批评和质疑越来越多。艺术中出现了回归传统，包括古典传统和现代传统的趋势。20世纪初，表现主义的许多要素，特别是用艺术形式来传达思想和感情的方式，重新受到关注。

7.拉斐尔前派：1840年，皇家美院的一批青年学生要求复兴英国历史画传统，以拉斐尔以前的早期文艺复兴艺术为榜样，真实地表现自己的感情的观念。为此，他们组织了拉斐尔前派兄弟会。最为一种艺术思潮，拉斐尔前派在欧洲美术史上最先反映出现代工业文明给人类带来的精神上的困惑。它所包含的象征主义和唯美主义内涵对欧洲19世纪末期象征主义艺术产生了很大影响。代表画家及作品：亨特《觉醒的良心》 8.巡回展览画派：是俄罗斯19世纪下半叶最重要的进步艺术团体，正式名称为 “巡回艺术展览协会”，简称“巡回画派”。该组织在建立之初有15位画家在协会章程上签名，其中包括：别洛夫、克拉姆斯科依、米索耶道夫等人。在1870-1923年的半个世纪时间里，巡回画派遵循别林斯基、车尔尼雪夫斯基等人的美学主张，在俄国各地举办展了近50次巡回展览。画家们站在民主主义立场上，反映人民生活、历史事件和俄罗斯美丽的大自然。克拉姆斯科依是巡回画派的组织者和思想领导者。代表作品《荒野中的基督》《无名女郎》。列宾，是巡回画派现实艺术的最高成就，注重心里刻画。代表作品《伏尔加河上的纤夫》

9.印象主义：1874年4月，一群青年画家在巴黎卡普辛大街借用摄影师纳达尔的工作室来举办展览，他们自称为“无名的画家、雕塑家和版画家协会”。在展览中，莫奈的油画《印象.日出》的标题被以为保守的记者路易.勒鲁瓦在文章中借用并嘲讽，称这次展览是“印象主义画家的展览会”，“印象主义”由此而得名。它继承了库尔贝等面向现代现实生活的创作态度，使美术作品进一步拜托了对历史、神话、宗教等题材的依赖。印象主义画家大胆摒弃了长久受到公认的创作观念和程式。在19世纪现代科学技术的启发下，注重在绘画中对外光的研究和表现。印象主义画家提倡户外写生，直接描绘阳光下的物象，从而摒弃了16世纪以来变化甚微的褐色调子，并根据画家自己的观察和直接感受，表现微妙的色彩变化。10.后印象主义：“后印象主义”一词在19世纪30年代之后才被普遍使用。被用来泛指印象主义之后，在观念和实践上与印象主义相左的艺术潮流。后印象主义画家曾一度受到印象主义的影响，但又不满足于印象主义的法则，它探讨艺术的本质。塞上反对印象主义因迷恋色彩而破坏物象的实体结构和持久感，并在深入研究自然中，表现与自然相似的具有真实感和动态感的图像。梵高和高更则侧重于精神的表现，并且赋予画面以象征的意味。他们还反对分割色彩，大胆的采用平面的鲜明色调，并且注重线的作用。后印象主义画家的艺术探索和追求，从本质上来说，是对印象主义的否定。后印象主义直接影响了20世纪初法国画坛几乎同时出现的两大新思潮：注重画面结构的立体主义和注重色彩、线条动力与节奏的野兽主义。后印象主义的画家们在20世纪初相继谢世，作为艺术潮流也就失去了其原来的动力。

11.新印象主义：试图用光学科学的原理来指导艺术实践。自然科学实验的成果表明：在光的照耀下，一切物象的色彩是分割的色彩，必须把不同的纯色彩的点和块不经意地并列在一起，用这种方法，颜色的彩度和亮度可以获得最鲜明的效果，而中间色则是在观赏者眼中的视觉描绘中形成。因为印象主义根据这一色彩原理作画，所以也被称作“分割主义”，也因为他们在具体敷色时采用点彩的方法，又称作“点彩派”。新印象主义一词由这一派的理论家费利克斯.费内翁于1884年在布鲁塞尔的美术杂志《现代绘画》上最先使用。新印象主义的发起人是：修拉和西涅克。代表作品：修拉《大碗岛星期天的下午》，西涅克《从德拉克洛瓦到新印象主义》理论著作。

12.未来主义：在意大利出现的未来主义，不同于野兽主义和立体主义。它是一个更为广泛的文艺运动。参与这个运动的有文学家、戏剧家、美术家、建筑家等。未来注意发表过许多宣言，领导者一运动的是诗人马里内蒂。首次未来主义展览于1912年2月在巴黎举行。未来主义认为：20世纪工业、科学、技术、交通、通讯的飞速发展，使客观世界发生了根本的变化，新时代的特点是机器以及与之相适应的速度、力量和竞争。未来主义理论反映了一群意 大利一群年轻美术家要求创新的强烈愿望，他们对意大利文艺19世纪以来停滞不前的落后状态不满，希望本民族的文艺崛起。未来主义从其发端之日起就受到立体主义的影响。艺术家们利用立体主义分解物体的方法来表现运动的场面和运动的感觉。还采用新印象主义的点彩手法，热衷于用线和色彩来描绘一系列重叠的形和连续的层次交错和组合，并用一系列的波浪线和直线表现光与声音，表现在迅疾的运动中变化的物象。

13.《艺术世界》创作联盟：在19世纪和20世纪之交，俄国的画家和批评家们一直思考着风格的问题，从而导致了1893年《艺术世界》创作联盟的组成。它力图争取艺术中唯美的成分，将艺术从“功利主义”的作用下解脱出来。《艺术世界》创作联盟利用它的同名刊物在俄国艺术界宣传“世界主义”，推崇具有国际风格的艺术，如巴洛克艺术之类，巡回画派和学院派美术则成为它反对的目标。《艺术世界》创作联盟普遍对现实题材缺乏兴趣，而更偏重于那些反映古代时尚、风情特点的历史题材。1889-1904年间是《艺术世界》创作联盟达到鼎盛的时期，一度在俄国画界大出风头，被吸引者甚至包括列宾这样的画家。

14.波普艺术：波普艺术的名称最早出现在20世纪50年代的英国，后来被广泛运用在美国艺术中，被用来称谓一种大众流行的艺术现象。针对抽象表现主义这一类现代艺术对工业化的反感和对都市、机械文明的逃避态度，波普艺术家却用他们在生活中所接触的材料和媒介来制造大众所能理解的形象。使艺术和工业机械文明相结合，并且利用大众传播媒介加以普及，为了达到有效的宣传效果，这些大众的、通俗的艺术中须有新奇、活泼、富有性感的内容来吸引观众的注意力和刺激观众的消费欲望，成为一种消费文明的艺术。其精神是准确捕捉大众文化的内涵，至于用何种具体的形式，艺术家们有更广泛的自由。代表有美国著名波普艺术家：安迪.沃霍尔

15.后现代主义：是20世纪50年代以来，欧美各国继现代主义之后前卫美术思潮的总称。后现代主义的概念最早出现在建筑领域，后来逐渐扩展到美术等其他领域。其特点有：

1）企图突破审美范畴，打破艺术和生活的界限。

2）对主流美术思潮的质疑和对少数民族及边远地区美术的关注，主张多元和承认多中心。

3）从传统艺术和现代艺术的形态学范畴转向方法论，用艺术表达多种思维方式。

4）从强调主观精神到转向客观世界，对个性和风格的漠视和仇敌。5）从对工业、机械社会的反感到与工业机械相结合。6）主张艺术平民化，广泛运用大众传播媒介。

16.立体主义：是富有理念的艺术流派。主要追求一种几何形体的美，追求形式的排列组合所产生的美感。它否认了从一个视点观察事物和表现事物的传统方法。把三度空间的画面归成平面的、两度空间的画面，明暗、光线、空气、氛围表现的趣味让位于由直线、曲线所构成的轮廓、块面堆积与交错的趣味和情调。不从一个视点看事物，把不同视点所观察和理解形诸于画面，从而表现初时间连续性。活跃于1907-1914年，被人们看作是现代艺术的分水岭，是主宰20世纪艺术中抽象的和具象的绘画流派的直接源泉。代表画家及作品：毕加索《亚维农少女》标志着立体主义风格的诞生。

17.表现主义：其美术风格是从后印象主义演变发展而来的，是对印象主义忠实 的描绘现实的悖逆，继承了中古以来德国艺术中重个性、重感情色彩、重主观表现的特点。在造型上追求强烈对比、追求扭曲和变形的美。19世纪末德国一些哲学家和美学家的理论对表现主义运动起了推动作用，表现主义的艺术家反对机械地模仿客观现实，而主张表现“精神的美”和“传达内在的信息”，强调艺术语言的表现力和形式的重要性，主要活动基地在德国。德国表现主义最典型的代表可归纳为两个团体：一个是在1905年德累斯顿组织的桥设，一个是在1911年慕尼黑成立的青骑士社。代表画家及作品：蒙克《呐喊》 18.桥社：德国表现派的一个组织，1905年成立于德累斯顿艺术学校，当时一批学生从民间艺术和原始艺术中得到发展，并受到荷兰画家梵高等人的影响，创作时强调必须表现画家个人的幻想和趣味，反对一味的模仿自然，不过他们的作品间或带有象征主义倾向，发起者和代表人物：凯尔希纳、海格尔等。19.俄国至尚主义：1915-1920年左右出现于画坛的至尚主义是带有俄国玄学特色的几何抽象主义，是一种摒弃描绘具体客观物象和反映视觉经验的艺术思潮，它的创始人是马列维奇，所使用的“新象征符号”是一些方形、三角形和圆形，还长使用单纯的黑或白的色彩。如《黑色方形》《白之白》等。20.巴黎画派：指20世纪初在巴黎活动的未参加现代主义流派的艺术家，他们并未结成社团，风格也不相同，基本上采用写实的手法，或多或少受到野兽主义和未来主义的影响。这群艺术家不少来自欧洲其他国家，是来自异乡的流浪者，也有巴黎本土的画家，他们处于贫困状态，郁郁不得志，常常酗酒、吸毒、结交三教九流，和有前卫倾向的艺术家们也有来往，这群才智不凡的艺术家的作品有很浓郁的情感表现。代表画家：意大利的莫迪利阿尼，俄国的夏加尔。

21.达达主义：产生于1915-1916年，一群有反抗情绪的青年下从各国移居瑞士苏黎世，志同道合者常在伏尔泰酒馆聚会，这群厌倦战争、怀疑社会现存社会价值的年轻人，在反抗和嘲讽社会的同时，看不到社会的前途，染有浓厚的虚无主义情绪。他们提倡否定一切，否定理性和传统文明，提倡无目的无真理的生活和文艺，他们在法国字典中偶然翻到达达一词，便决定用它来作为社团的名称。达达主义中最值得研究的人物是：法国艺术家M.杜桑，代表作品《泉》《带胡须的蒙娜丽莎》

22.超现实主义：在达达主义传统上发展起来的超现实主义，吸收了达达主义及传统和自由自动性的创作概念，摒弃了达达主义全盘否定的虚无态度，有比较肯定的信念和纲领，作为文艺运动在两次世界大战期间广为流传。它深受弗洛伊德潜意识主义的影响，致力于探讨人类的先验层面，试图突破符合逻辑和实际的现实观念，把现实观念和本能，潜意识和梦的经验相结合，以达到一种绝对的和超现实的情境。这种不受理性和道德观念束缚的美学观念，促使艺术家们用不用的手法来表现原始的冲动，促使自由意象的释放。代表画家及作品：达利《内战的预感》

23.抽象表现主义：实际上是一种艺术思潮，并无统一的风格特征，它继承了从梵高到现实主义追求艺术的抽象化、直接性、自动性和表现潜意识的自我等方面的探索成果，强调作者行动的自由性和无目的性，把创作行为本身提高到重要位置。波洛克的创作反映了美国民族不墨守成规，勇于进取，不断开拓宏观世界和内在深处潜意识的精神，表现了美国战后昂扬的精神状态，但在高昂的后面，也表现了美国知识界在高度工业化社会中的某些狂躁、忧虑和焦灼不安的情绪。24.超级写实主义：利用现代科学技术成果来创造艺术的还有70年代兴起的“照相写实主义”或称“超级写实主义”，特征是利用摄影成果做客观逼真的描绘，认为艺术家不含主观情感，用大众共同的眼睛来观察和反应，其作品常予人以严峻和冷漠感，多少反应了当代西方人与人之间的疏远、淡漠和无人情味，有些艺术家利用照相机拍摄照片作画，在描绘充满光和运动的现代城市方面，有独特的表现。

25.波伦亚学院：欧洲的美术学院最早产生于意大利，当时最著名的学院之一是波伦亚学院，大约创建于1590年，创始人是著名的画家卡拉契兄弟。学院产生的原因：1）为了继承先辈大师的艺术传统，总结先人的经验，并在此基础上培养新的人才。2）企图把年轻的美术家引向所谓的正路，使他们不受样式主义美术和卡拉瓦乔主义美术的干扰。学院派主张的是：力求订出一些法则，使人们遵循，如绘画中强调的最高标准是：米开朗基罗的人体，拉斐尔的素描等。所以说学院派的艺术从最开始就有折中主义的特色，由于过分强调法则，所以学院派的画家比较保守，缺乏创新精神，作品的题材狭窄，大都是描绘宗教或神话，而对世俗生活的题材往往不感兴趣，在技法上较偏重于素描而轻视色彩，为古典主义美术的发展奠定了基础。

26.古典主义：16世纪末-18世纪初形成的艺术样式，从罗马流传至北欧，愿意是“不圆的珠子”，是区别于文艺复兴时期艺术的端正性，它是文艺复兴衰落后形成的，绘画上的特点是：色彩奢侈华美，线条曲折多变；建筑上的特点是以活泼轻快的漩涡曲线著称。代表人物：贝尼尼、波诺米尼、鲁本斯等。27.新古典主义：19世纪末文艺创作思潮之一，有人认为16-18世纪欧洲的古典主义文艺是对古代希腊、罗马文艺的模仿和发扬，故称“新古典主义”。他们的口号是“回到希腊和罗马”，主张回复艺术的纪律和规矩，以古典主义为榜样，歪曲新古典主义，提倡复古，他们追求的只是古典的形式和情调，而不是实质，故又称“伪古典主义”。28.现实主义：又称“写实主义”，产生于19世纪的欧洲，与浪漫主义同称为文学艺术史上的两大流派。现实主义提倡客观地观察自然和社会，通过典型环境、典型人物的描绘，深刻的反应现实生活的本质，在美术方面，现实主义反对脱离社会，反对颓靡因袭的学院派风气，重视创作的社会意义，并力图表现于作品之中。公元1855年，法国画家库尔贝因抗议官方博览会拒绝展出他的部分作品而愤然举办了个人画展，他在展览的目录中所写的阐明自己艺术见解的序言掀起了公元19世纪现实主义热潮，而他本人也成为现实主义画派的著名代表。现实主义绘画名作有库尔贝的《石工》《筛麦的妇女》，米勒的《拾穗者》，列宾《伏尔加河上的纤夫》等。

29.浪漫主义：19世纪初产生于欧洲的一种广泛的文艺思潮，与现实主义同称为文学艺术史上的两大主要流派。浪漫主义者主张摆脱学院派和古典主义的羁绊，反对刻极僵化的艺术教条，提倡发挥艺术家自己的幻想和创造，它处于资产阶级革命时代，反映了资产阶级上升时期的意识和形态，其中浪漫主义注意反映现实生活，善于抒发对理想世界的狂热追求，表现出激烈奔放的感情，并常用热情的语言、瑰丽的想象、夸张的手法塑造形象。借里柯的《梅杜萨之筏》被视为浪漫主义的伟大宣言；德拉克洛瓦的《但丁之舟》被认为是浪漫主义狮子的第一声怒吼，《希阿岛的屠杀》标志着浪漫主义盛期的到来。30.风俗画：绘画艺术中的一个主要画种。它以日常社会生活时间为绘画题材，是画家对自己所生活的那个时代，个人日常生活和周围环境、风土人情的描 绘。风俗画原是与宗教画相对立而言的，在宗教画占统治地位的中世纪，它在造型艺术中是无足轻重的，但它的历史非常悠久，在埃及西亚克墓室壁画中和印度石窟壁画中已有这样的作品。

15、16世纪欧洲文艺复兴时期，风俗画获得了空前的发展而成为一种独立的绘画体裁，产生了如意大利的提香、尼德兰的勃鲁盖尔等许多描绘市民生活和农民生活的杰风俗画家。17-19世纪，日本江户时代的浮世绘也是世界有名的风俗画流派，其画风对现代欧洲绘画曾起到一定的影响。31.哈得逊河画派：18世纪的美国人，大部分时间都忙于在荒野中奋斗以图生存，到了19世纪，他们在这些斗争中取得了胜利，于是对大自然的一种怀旧和浪漫的情绪便犹然而生，这样，风景画开始在美国流行。一批经常以哈得逊河沿岸风光为题材的风景画家被称为哈得逊河画派，这标志着美国美术开始拜托欧洲的影响，逐渐显露出自己的品格，因此，哈得逊河画派也被称为“美国风景画派”。

32.野兽主义：是自1898-1908年在法国盛行一时的一个现代绘画潮流。它虽然没有明确的理论和纲领，但却是一定数量的画家在一段时期里聚合起来积极活动的结果，因而也可以被视为一个画派。野兽派画家热衷于运用鲜艳、浓重的色彩，强调色彩的表现力，以直率、粗放的笔法，创造强烈的画面效果，充分显示出追求情感表达的表现主义倾向。马蒂斯是野兽主义的主将，代表作品《红色的和谐》《舞蹈》

33.威尼斯画派：威尼斯是在15世纪称为地中海沿岸最大的商业中心，实行贵族共和制政体，整个城市充满了繁华的世俗气氛，到15世纪后半期，美术题材从宗教转向世俗，艺术家对色彩特别敏感，世俗的题材使他们把目光转向美丽的大自然风光，舒适豪华的生活也带来一种享乐主义的情调。威尼斯艺术的发展还有一定的特殊性，首先是以前玻璃画，镶嵌画中极具装饰性的色彩感受和世俗生活发生了冲突，使得威尼斯画派转而追求色彩的热烈明朗与辉煌灿烂。其次，由于威尼斯气候潮湿，使得湿壁画的创作被遏制，而画于画布上的油画得以发展，能更加灵活的表现画面上的光线，色彩与空间的细小差别，并能够更加柔和，更加明确地塑造人物形象。贝尼尼被认为是该派的创始人，代表作品《有小树的圣母》等。34.佛罗伦萨画派：是意大利文艺复兴时期形成的美术流派，13世纪末已经形成，早期代表画家有：乔托、马萨乔、安杰利科、波提切利等。盛期代表画家有：达.芬奇、米开朗基罗、拉斐尔。15世纪中叶以后佛罗伦萨画派已呈衰退之势，取而代之的是以罗马为中心的罗马画派。16世纪末，由于佛罗伦萨政治上失去独立，经济衰落，以及画家盲目崇拜前辈的结果，逐渐走向风格主义。

第四篇：外国美术简史：原始美术

美术品究竟从什么时候产生的呢？我们认为它是与人类同时产生的。

美术品究竟从什么时候产生的呢？我们认为它是与人类同时产生的。人类为了生存和发展，不断开发自己的头脑和发达双手，在漫长的岁月里不仅创造了维持生存的物质财富，也创造了丰富的精神财富——绘画、雕塑和音乐、舞蹈。人类脱离一般动物的标志是人能够依靠双手劳动来维持生存，最早制造的劳动工具从广义上讲它就属于美术品，因为它包含着人类的智慧和创造。但是我们现在论及的美术品是从旧石器时代开始，原始美术包括洞窟壁画、岩画、雕塑、建筑等，大多数现已发现的美术作品集中在欧洲，分别属于旧石器时代、中石器时代、和新石器时代。原始人类留存下来的洞窟壁画、岩壁浮雕和各种小雕像谱写了人类最早的美术篇章。旧石器时代美术

真正意义上的美术品产生于原始社会蓬勃发展的旧石器时代的晚期——奥瑞纳文化期。旧石器时代指公元前100万年到两万年之间，公元3万年前属奥瑞纳文化期，公元2万5千年前属索鲁特文化期，公元2万年前属马格德林文化期。由于当时冰雪覆盖大地，为避寒原始人类都居住在洞穴中，所以在远古的洞穴中留存下他们的绘画和雕刻创造。

旧石器时代美术的特点：表现内容皆以动物为主，手法生动写实。其中最突出的原始洞窟壁画是西班牙北部阿尔塔米拉洞窟壁画和法国西南部的拉斯科洞窟壁画；迄今为止发现的原始雕塑大多数为小型的动物雕塑，少数人像雕刻中，裸体女性雕像占主要地位。这些女性雕像强调夸张女性的生理特点，突出表现女性的乳房、臀部、腹部、大腿等，体现出原始时期人们对于母性和生殖的崇拜。发现最早的雕像是奥地利维林多夫的《母神》（原始的维纳斯）和法国鲁塞尔岩廊石壁浮雕《手持角杯的裸女》。

雕刻艺术是人类生活的形象记录。看来原始人制作雕像决不可能是有意识的艺术活动，更不可能有明确的审美观念，完全是出于功利的目的：通过制作“母神”形象和吉祥物角器来祈求种族的昌盛。尽管如此，原始艺术家还是在某种朦胧的审美意识驱使下，出于人类艺术创造的本能和敏感，找到了表达目的的合适手段，把自己的理想通过对客观事物形象的把握和结合而传达了出来。所以人们视《维林多夫母神》和《手持角杯的裸女》是处于原始时代的人类最早创造的雕刻艺术精品，它们写下了人类雕塑艺术史的第一页。中石器时代美术

由于冰河的消退，气候逐渐转暖，中石器时代的绘画由洞窟转移到露天岩壁。随着人类狩猎工具的进步，对大自然的征服力的增强，动物形象在绘画中逐渐减少并失去原始的野心，而人类活动开始成为绘画的主要对象。新石器时代美术

新石器时代美术成就主要是巨石建筑。这是用重达数吨的巨石垒成的宗教性纪念建筑。巨石建筑盛行于欧洲，包括石柱、石台、石栏等形式。英格兰南部的圆型巨石栏“斯通亨治”（Stonehenge）是典型的代表。

令现代人不可思议的是，原始人为什么要画画呢？是否也像我们现代人装饰、美化居住环境呢？或者是为了欣赏？原始人没有现代人那么多闲工夫去欣赏艺术，他们作画都是为了生存的实用。他们画动物目的在于识别动物而去猎获动物。也有专家认为，可能是原始人出猎前，为了保证打猎成功而举行狩猎仪式，这种仪式是一种巫术。我们在画中动物的身上发现画有投掷器的箭头，类似长矛。由此推想，可能原始人认为，如果他们只要画出所要猎获的动物的画来，而且可能是用投枪和石斧击打着画中的动物，真实的动物也同样会屈服于他们的威力。所以原始人视绘画为魔力，相信画什么就能征服什么。据说，有一位现代画家去一个原始部落画画，画了他们的动物，他们很难过，表示的意思是：你们把它带走了，我们怎么生活呢？

在原始社会里，艺术的目的首先是为了满足人们的某种需要而产生的，它们不是一开始就被当作纯粹的艺术品，而是当作有明确用途的东西。所以产生了多种关于艺术起源的理论。要合理地解释艺术的起源在某种意义上说恐怕比解释人类的起源更为困难。考古学家可以根据挖掘的实物论证人类发生发展的过程，而艺术的创造是一种在客观实践基础上的主观思维的过程。艺术品已经被创造出来，连创造者自己都很难说清创作冲动是来源于主客观的哪一种因素。所以，关于艺术起源有很多种说法。巫术说

原始人经常遭受自然界的袭击，对自然的一切现象都感到神秘，难以理解，企图发明各种能支配自然力的东西，如假面、泥人、雕刻、图画„„这些发明都是企图用一种独特的形式去控制各种可怕的自然力量。首创人应推英国人类学家爱德华·泰勒（Edward Tylor）和弗雷泽（Fames Frazer）等人。泰勒在他的《原始文化》中提到“野蛮人的世界观就是给一切现象凭空加上一些无所不在的人格化的神灵的任性作用。„„古代的野蛮让这些幻象来塞满自己的住宅，周围的环境，广大的地面和天空。” 游戏说

这一理论的首创人是席勒和斯宾塞。席勒认为人类审美观念的产生是人类脱离动物界的标志；斯宾塞进一步明确并发挥席勒的观点，认为游戏和艺术都是过剩精力的发泄，美感起源于游戏的冲动。正如各类动物都有游戏活动一样，原始人类在劳动之余也要游戏的，要唱歌、跳舞、画画，把生活中看到和感受到的形象用画或刻的手段在想到岩石上、沙土、树木等地方，画的过程是游戏的过程，画完之后的欣赏也是一种游戏。摹仿说

这大概是最古老的一种关于艺术起源的理论，但和上述两种理论相比，影响较小。公元前六世纪的古希腊哲学家赫拉克里特、德谟克里特、苏格拉底和柏拉图等人都有过关于艺术摹仿自然的提法，但把它作为较系统的理论提出来的则是亚里士多德。他的艺术发生学的理论同他的艺术创作原理是完全一致的，即对西方艺术和艺术理论发生了巨大影响的“艺术摹仿说”，认为人类在与自然的交往中，越来越多的识别各类动植物，识别能力的提高导致了对它们的摹仿。

除此之外，还有诸如劳动说、装饰说等等。我们上溯历史走的越远，时代期待艺术服务的目的就越明确，也越离奇，令人不可思议。事实上，原始美术之所以成为艺术，不是由于那些制造这些物品的原始人们，而是由于那些购买和收藏它的欧洲人。它之所以是艺术，并非是因为那些制造和使用它的人说它是，它是由外来的宣判成了艺术。

在原始艺术是不是艺术的探讨中，原来一直有两种解释，一种是主观主义的解释，即用现代欧洲人对“艺术”品的要求标准（如：个性、独创性、表现性等）去衡量原始艺术品，往往会得出原始艺术是艺术的结论。另外一种是客观主义的解释，主要是社会学家、人类学家的看法，他们把原始艺术放在特定的社会政治、宗教文化背景下考察，认为原是艺术一般主要执行政治、宗教、经济等功能，而缺少审美功能，因而不是艺术。后来，当代美国分析哲学、美学的一位后起之秀布洛克（Gen Blocker），在批评了两种解释的片面性，清除了他们两方面加给原始艺术品概念的不正确涵义，同时吸收了二者的合理性，提出“经过修改的客观主义”原则，既顾及原始艺术的特定社会文化内涵，也估计其审美艺术特质的客观存在；既承认原始艺术产生时所包含的非审美功能，也注意发掘当时条件下原始艺术所包含的审美功能，从而得出原始艺术是艺术的结论，颇得信服。

原始绘画中所描绘的动物形象如此准确，连现代人都难以做到，这表明原始人终生同动物打交道，对动物的形象、习性非常熟悉，闭目如在眼前，所以才能画得那么真实、生动，由此开创了西方以实用为目的的写实主义艺术传统。

第五篇：外国美术史总结

外国美术史总结

一.史前美术及古代美术．

爱琴及古代希腊美术。

A 古风时代，美术史上通常把雕像中的男青年称为“库罗斯”，把少女着衣称为“科丽”

B 古典时期

古典初期的希腊雕像带着朴实和严谨的风格，青铜像

《德尔斐的奴者》 最为典型

米隆的《掷铁饼者》；波利克莱妥斯的《持矛者》；帕特侬神庙；《三女神》是 帕特侬神庙东山墙雕刻局部

世纪德国美术史家温克儿曼的话慨括是“高贵的单纯和静穆的伟大”，也是 古典盛期美术的本质特征。

晚期有： 史柯帕斯------《头像》。

普拉克西特列斯----《尼多斯的阿芙洛狄黛》，利西普斯---《刮汗后的运动员》，C 希腊时期

合作的《拉奥孔》，公元前 2 世纪前后著名的《米罗的维纳斯》，《萨莫色雷斯的胜利女神》

2.埃特鲁里亚和古代罗马美术

帝国早期和中期的罗马美术

帝国时期神庙建筑的杰出代表是罗马万神殿，纪念性建筑有： 提图斯凯旋门； 图

拉真记功柱。

兽场有：科洛西姆斗兽场

二.中世纪欧洲美术

1.拜占庭美术

建筑有；圣索菲亚教堂

2.罗马史美术

建筑：比萨主教堂哥特式美术

建筑特点： A.哥特式教堂的基本特征，交叉肋拱和尖拱套配构成教堂的骨架； B.发明飞扶壁，在侧廊的扶壁或侧廊顶部用独立的飞券凌空跨过侧廊上方，于中

堂拱顶的起脚处抵住中堂； C.柱子又高又细； D。外部体形巍峨高大，高耸向上。

代表建筑有：法国的巴黎圣母院，是早期的哥特式的代表作；兰斯主教堂；亚眠 主教堂；德国有科隆主教堂；意大利的米兰主教堂

绘画：乔托----《哀悼基督》

三.文艺复兴时期的欧洲美术

1.佛罗伦萨早期文艺复兴美术

多纳泰罗------《大卫》；

波提切利------《春》和《维纳斯的诞生》 2 2.意大利盛期文艺复兴美术

A.达.芬奇

特点： 薄雾法，柔和细腻的明暗过度，栩栩如生地塑造出可感可触的人物和环境，精致的细节从属于整体的生动效果，科学知识与艺术要求获得了深刻的统一，把

解刨和透视运用于绘画当中。完美的构图，和谐的形与空间，丰富的心理刻画，深刻的人性。

作品：《岩间圣母》；《最后的晚餐》《蒙娜.丽莎》

B ．米开朗琪罗

特点：

以力量和气势见长，具有雄浑壮伟的英雄精神，他刻画的女性形象也具有

刚勇的气概。

作品：《大卫》，从极具表现力的传达出他对人的信心，对新社会理想的热情。

《摩西》，蕴含着无比的力量和内在的紧张感，威严的目光有震慑一切的 气势，体现了“令人生畏”的风格。

《创世纪》

《创造亚当》

《末日 审判》

C.拉斐尔

特点：

他是西方美术史上最擅长塑造圣母形象的大师，他把感性美与精神美和谐 的统一起来，是古典主义的完美的体现，它那纯洁，明朗，单纯，自然的情韵更 接近希腊的精神，平易近人，亲切自然是拉斐尔作品的最大特色。纯真优美，庄 重自然，明快清晰，和谐简洁古典主义的品质在他身上得到体现。

作品：《西斯廷圣母》

《座椅中的圣母》 《雅典学派》

D ．提香和威尼斯画派的杰出代表

乔尔乔涅----《入睡的维纳斯》，《暴风雨》。提香-----《酒神节的狂欢》，《乌尔比若的维纳斯》。

委罗涅塞------《利未家的宴会》。

丁托列托-----《最后的晚餐》

四．意大利以外地区的文艺复兴美术

1.尼德兰文艺复兴美术

奠基人是凡.埃克兄弟-----《根特祭坛画》，也标志着油画的成熟。

勃鲁盖尔-----《雪中猎人》，《农民的舞蹈》，《农民的婚礼》 2.德国的文艺复兴美术

丢勒-----《四骑士》，《四使徒》。

荷尔拜因-----《伊拉斯谟肖像》

3.西班牙文艺复兴美术

埃尔.格列柯-----《托莱多风景》

五.17 世纪意大利美术

1.阿尼巴尔.卡拉齐------法尔耐塞宫大壁画。

卡拉瓦乔----《

召唤圣马太》

2.巴洛克美术和贝尼尼------《大卫》，《圣德列萨的神迷》，《阿波罗和达芙 尼》，《四河喷泉》

六.17 世纪法国美术

古典风范的代表 1.普桑------《阿卡狄亚的牧人》

七.17 世纪西班牙美术

委拉士开兹-----《英若森十世》，《宫娥》

八.17 世纪法兰德美术

1.鲁本斯-----《抢夺留西普斯的女儿》：此画动荡不安，流转变化的整体视觉 效果，有意压低的视平线，大大强化着由人物和马匹组成的巨大团块的升腾之感，像编织图案那样，用不同深浅，不同冷暖的色彩来构成整体上令人眼花缭乱的效 果。------《玛丽.美第奇生平》

九.17 世纪荷兰美术

1.哈尔斯-----《吉卜塞女郎》

2.伦勃朗-------《夜巡》：此画运用光线的手法，成为渲染气氛，创造空间，强调着色，刻画人物，塑造形体的有力手段，明暗层次丰富，细腻。--------《自由像》：一心一意捉人物的精神气质，挖掘内在美，正是这种追求更深刻更 永恒事物的作法，使他肖像画具有不朽生命力。

3.维米尔-----《倒奶的厨娘》

十.法国罗可可美术

1.华托的“游乐画”-----《乘船赴西特拉岛》

2.布歇-------《梳妆的维纳斯》。

弗拉戈纳尔------《秋千》

十一.18 世纪英国美术

1.菏加斯-----《时髦婚姻》，庚斯波罗，雷若兹

十二.新古典主义美术

1.达维特-----《马拉之死》

2.安格尔------《大宫女》，《德沃赛夫人》，〈〈泉〉〉

十三.浪漫主义美术

特点：在 19 世纪头几年，浪漫主义美术是一种强调个性表现，主张创作自由，重视想象和感情的美术，往往借鉴非古典的传统。

1.戈雅------〈裸体的玛哈〉和〈着衣的玛哈〉，〈 1808 年 5 月 3 日〉

2.康斯泰勃尔-----〈干草车〉

透纳--------〈奴隶船〉—英国

3.弗里德里希------〈山上的十字架〉-----德国

4.席里柯------〈美杜萨之筏〉，德拉克罗瓦----〈自由引导人民〉，吕 德-----〈马塞曲〉---法国

5.西班牙，法国是充满激情的浪漫主义；

德国是精神内省充满沉思的浪漫主义。

十四.写实主义美术

1.库尔贝-------〈打石工〉，〈画室〉。

杜米埃-------〈三等车厢〉。

柯 罗-----〈莫特枫丹的回忆〉。

米叶------〈拾麦穗的妇女〉。

卢梭------〈巴比松附近的橡树〉

克拉姆斯柯依--------〈无名女郎像〉。

列宾-----〈伏尔加纤夫〉。

苏里柯夫-----〈近卫军临刑的早晨〉。

亨特------〈觉

醒的良心〉。

米莱斯-----〈基督在父母家里〉

罗塞蒂-----〈圣母领报〉

十五.印象主义美术

评价，意义：始于 19 世纪 60 年代，摆脱了对历史，神话，宗教等题材的依赖，使绘画脱离了讲述故事的传统方式，生动再现亲眼目睹的日常景象和自然风光。

特点：

以直接写生的方式捕捉种种生动的印象，描绘大自然中千变万化的光线和

色彩，内容和主题不再重要，关注点转到纯粹的视觉感受上和光色上。

1.法国

A 马奈-----〈草地上的午餐〉：马奈是杰出的色彩画家，以洗练的笔法涂抹干 净美妙的颜色，捕捉生动的形象。

B 莫奈-----，〈日出印象〉，〈睡莲〉

莫奈特点：把整体，把对自然清 新生动的感觉放在首位；

把流动不居的光线效果固定在画布上，捕捉大自然的清 新之美，速写式的技法；

直接在外光下写生创作，保持画家生动的感受和新鲜的

印象，清新活泼，自然生动的面貌。莫奈能发现久被人们忽视的真实色彩，改变 了人们头脑中的影响深远的固有色概念，表达出环境色的效果，卢昂大教堂丧失

了石头的坚实感，变成纯色彩的精彩交响曲。

C 雷若阿特点；甜美的风格和流畅的笔法，喜爱描绘生活中种种欢乐迷人的事 物：娱乐消遣场面，可爱的妇女和儿童，美丽的鲜花，女性裸露的肉体，轻灵的 笔触和斑兰的色彩。作品： 〈糕饼磨坊〉，其中〈阳光中的裸女〉传达阳光下的 感受，丰富的环境色彩反映着周围环境的影响，〈浴女们〉

D ． 德加-----芭蕾舞演员是他心爱的题材------〈苦艾酒〉

他的绘画作法得益于

日本浮世绘自由的表现方式。

E.毕沙罗特点：

以厚重的笔触在画布上精心摆放着不同色彩，再现了法国的自然

风光，充满光感，色调迷人。作品：〈红屋顶〉

F.罗丹------〈青铜时代〉，〈思想者〉，〈加莱义民〉，〈吻〉，〈巴尔 扎克像〉

2.英国。惠斯勒------〈白衣女郎〉

十六.印象主义之后的美术

概括：把兴趣扩大到题材，再现自然对象瞬间的光色关系为目的，是巴罗克风 格的发展，是写实主义视觉实验的延伸，消弱了形体的结构，使轮廓软化乃至消 失，导致形体与背景的融合，预示着未来的观念，现露出现代主义的端倪，塞尚，高更和凡高为首的后印象主义，从他们的作品中能看出对形体结构问题的回归，对表面设计，色彩内涵及装饰性的重视。

A.法国，保罗.塞尚绘画特点：

实现一种新的坚实结构，并力求对所见事物进行 高度理性的综合，他是立体主义的先驱。

最能充分实现他的理想是静物，创造不

同视角的异质空间，B.高更特点：创造了既有象征性又带装饰性的绘画。代表作----〈我们从哪里

来？我们是谁？我们往哪里去〉他的抽象性特有题材是表现原始人的生活。

C.凡高特点：独特的个性和非凡的魅力，充沛的精力和强烈的热情，狂放的笔 触和燃烧着的自然物象。作品-----〈向日葵〉

新印象主义又称分色主义，修拉被称为彩派画家，修拉-----〈大碗岛的星期天 下午〉

十七.20 世纪美术

野兽派

马蒂斯-----〈舞蹈〉

立体主义

起因：

毕加索和布拉克对塞尚画中的某些实验加以理性的研究。毕加索-----〈阿

维尼翁的少女们〉标志着立体主义的起点。