20世纪西方音乐回顾

第一篇：20世纪西方音乐回顾

２０世纪西方音乐回顾

作者：钟子林 字体： 【大 中 小】

人类已经迈入一个新的世纪。回顾过去百年来的西方音乐，在整个西方历史发展中，它究竟起了什么作用?有什么意义?得失如何?这些问题也许几十年后回过头来可以看得更加清楚。但是，任何事物都是相对的。即便是现在，我们也能从回顾中提出一些问题来加以探讨，以利于我们更好地认识和借鉴西方现代音乐。

(一)1909年在20世纪音乐史中或许是很重要的一年。那年8月，勋伯格完成了他第一首无调性作品《钢琴曲三首》(op.11)。无调性音乐语言显得夸张、怪诞，是与世纪初流行于德奥的表现主义流派相联系的。表现主义者面对黑暗现实，用极端主观的方式，把内心的苦闷、孤独、恐惧、绝望、悲痛等情绪表现出来。欧洲音乐从此进入了一个新的时期。自1600年以来，几个世纪所遵循的调性原则被打破了。不过，调性原则的打破并不是突如其来的。勋伯格之前，在德彪西印象主义作品里的模糊调性、斯克里亚宾的“神秘和弦”、理夏德·施特劳斯的乐队织体、瓦格纳的半音化和声中，调性已经趋于瓦解。无调性音乐的进一步发展是十二音音乐。勋伯格于1923年完成了他第一首十二音作品《钢琴组曲》(op.25)。从此，十二音音乐作为一种作曲方法被确立下来。十二音的原则在勋伯格的两个学生贝尔格和威伯恩--特别是后者--的作品中得到进一步的发挥。威伯恩把勋伯格音乐中的序列原则应用到节奏、音色等方面，以发展了一种高度浓缩和简练的音乐语言著称。

与无调性相联系的是多调性。斯特拉文斯基在舞剧《彼得鲁什卡》(1911)中创造了所谓“彼得鲁什卡和弦”，把C大调与＃F大调并置在一起。艾夫斯早在19世纪末，在没有受到同时代其他作曲家影响的情况下，使用了多调性，如《美国变奏曲》(1891)。卡赛拉在《11首儿童曲》(1920)中运用多调性，多少含有逗趣的意味。多调性用得最多的是米约，特别在他的《屋顶上的牛》(1919)中表现明显。兴德米特也对传统调性的发展作出了贡献。他的音乐是有调性的，但不同于大小调体系，而有他自成一家的、非常广泛的调性理论体系(有人称之为“泛调性”)。

在节奏领域，斯特拉文斯基受俄罗斯民间音乐启发，在《彼得鲁什卡》(1911)中使用了不断变化的拍子记号。在接着上演的《春之祭》(1913)中，不对称的节拍得到进一步的发挥。巴托克在对匈牙利等地的民歌收集中，也发现了不对称的节奏，它们不同于欧洲传统音乐，如5/

8、7/

8、11/8等质数节拍，并将它们运用在自己的创作之中。于是，几个世纪以来欧洲音乐中按照规则交替的重音思维习惯被打破了。作曲家们不断地从斯拉夫舞曲、爵士乐、现代机械音响，或者复兴浪漫主义以前的复调风格音乐中获取包括复节奏在内的各种非常规的节奏形态。

至此，无论调性还是节奏方面的变化，仍是发生在传统的半音音阶体系之内的变化。1919年，捷克作曲家哈巴(AloisHaba)在一些前辈于19世纪末进行的试验基础上，依据他对摩拉维亚民间音乐的考察，用1/4音创作了他第一首微分音作品《第一弦乐四重奏》，继而又用1/6音创作了《第五弦乐四重奏》(1923)，从而实现了对半音体系的突破。

更为令人吃惊的变化也许来自音响和音响材料本身。1913年，意大利未来主义作曲家鲁索洛(LuigiRussolo)主张把噪音用作音乐作品的基本音响材料，以表现现代机械文明，并为此创作了噪音音乐作品。这种扩展音源的想法却吸引了很多人，包括瓦雷兹。在他为打击乐所写的《电离》这首作品中，节奏、音色和力度，而不是旋律，成为音乐表现的主要因素。奥涅格的《太平洋231号》虽然没有使用噪音，而是用管弦乐来描写火车的运动，也是体现未来主义追求新的时代感的著名例证。噪音音乐企图告诉人们：在无限丰富的音响世界中，被作曲家用来建立音调体系的只是一小部分。在我们的周围生活中，还有着许许多多可供采用的音响材料。

在声乐中，音响材料的扩展表现在勋伯格独唱套曲《月光下的彼埃罗》(1912)中采用了介于说和唱之间的音调。它根据说话的语调构成旋律的走向。这种念唱手法(sprechstimme)在贝尔格《沃采克》中得到发展。在钢琴上，巴托克首先探索了它的打击乐效果。考威尔于1912年使用“音块”(tonecluster，如《玛瑙瑙的潮水》)，扩大了钢琴传统的音响范围。在音块中，分辨不出具体的音高，而只是一堆音的聚集，虽不是噪音，却很接近噪音。凯奇于40年代在钢琴琴弦之间塞进各种小物件，即预置钢琴，改变了钢琴音色。在管弦乐中，勋伯格提出了“音色旋律”(Klangfarbenmelodie)的思想，认为不同乐器先后发出同一个单音，可以产生类似旋律的效果。在传统音乐中从来处于次要地位的音色，历史上第一次成为音乐表现的主要手段。

(二)第二次世界大战结束以后，新音乐的实验非但没有降温，反而愈演愈烈。不仅流派繁多、风格各异，参与人数亦大为增加。1945年以前，进行音乐实验的只是少数作曲家；1945年以后，继续按照传统风格写作的作曲家成为少数，出现了一大批以进行各种音乐实验闻名于世的作曲家，如梅西安、布列兹、施托克豪森、凯奇、卢托斯拉夫斯基、潘德雷茨基、诺诺、亨策、利盖蒂、吉纳斯特拉、贝里奥、克拉姆等。他们离开19世纪浪漫主义传统已经很远，却代表了西方音乐发展的主流。在这纷繁杂多的现象中，我们仍然可以看出，战后的新音乐主要集中(不是惟有)表现在下列四个方面：

1.序列音乐

如前所述，威伯恩的十二音作品已为序列音乐打下基础。梅西安在把十二音音乐在音高上的序列原则全面扩展到节奏、力度、音色等方面起了关键作用。他在1949年创作的钢琴曲《时值与力度的模式》成为战后影响很大的序列音乐这一流派的出发点。序列音乐把节奏、力度、音色等从其原来附属于旋律的传统关系中独立出来，赋予它们新的结构形式和表现力。布列兹著名的序列音乐作品《没有主人的锤子》(1954)，为女低音和六件乐器而作，织体透明，音响奇特，有东方色彩；时而安逸，时而狂野，大跳的旋律，七零八落的节奏，不可预测。诺诺为独唱、合唱与乐队而作的序列音乐作品《被打断的歌》(1955)，根据抵抗运动战士控诉法西斯暴行的几封书信写成，结构严谨，不乏激情和诗意。70年代以后，尽管作为一个流派，严格意义上的序列音乐逐渐走向衰落，但是影响依然存在。很多人的作品中，在旋律、节奏、和声等形态方面寻求变化，避免重复，几乎成了一条规则。梅西安本人，在后来的作品中，继续吸取和发展了《春之祭》、印度音乐、佳美兰音乐中独特的节奏手法，如非逆行节奏、附加时值等。他的“有限移位调式”构成了他自成一家的和声体系。其他作曲家也经常从非欧洲音乐的节奏、音响中获取创作灵感。

2.偶然音乐

偶然音乐的代表人物凯奇于1951年根据《易经》写成了第一首偶然音乐作品《变化的音乐》，依靠扔硬币和查八卦来决定音乐的各种参数。如果说，序列音乐是把创作的权力一定程度地交给了数学的话，那么偶然音乐是把它交给了“随机”的方法或演奏家。凯奇是个有争议的人物，但他无拘无束的思想还是吸引了一部分年轻的作曲家。施托克豪森的《钢琴曲XI》(1956)，共有19段音乐，演奏者可随意演奏他所看到的部分乐谱；又规定了6种不同的速度、力度和演奏法，供演奏家选择。偶然音乐不仅改变了演奏者的作用，改变了记谱法，改变了传统的曲式概念和结构法则，而且影响了直觉音乐(以施托克豪森为代表)、即兴音乐(以佐恩JohnZorn为代表)等其它音乐类型的产生。

3.电子音乐

电子音乐是战后科学技术飞速发展的结果，也是噪音音乐在新条件下继续实验的产物。电子音乐的发展经历了录音带音乐(1948年起)、合成器音乐(1955年起)和计算机音乐(1957年起)三个阶段。法国作曲家谢菲尔(PierreSchaeffer，1910-1995)于1948年创作了第一首具体音乐作品《火车练习曲》，把车轮滚动、喷气、汽笛等声音用录音的方法拼接而成。施托克豪森的《青年之歌》(1955-1956)为童声和电子音响而作。童声在电子音乐实验室里经过变形、加工，变得支离破碎，再与电子音响相结合，十分奇特。现场演出时，《青年之歌》还使用了5个拉开距离的扩音喇叭，从而把“空间运动”的概念引入音乐，这也是第一首所谓的“空间音乐”作品。50年代后期合成器的出现，简化了电子音乐的制作过程，扩大了声音的范围和性能，还可现场表演，即兴作曲。合成器音乐的代表作如苏博尼克(MortonSubotnick,1933--)的《月亮上的银苹果》(1967)。计算机音乐比合成器音乐又进了一步。它不仅可以逼真地模仿各种乐器，而且可以产生和制作自然界的和非自然界的(人工造就的)奇妙的甚至出乎人们意料之外的声音效果。希勒(LejarenHiller，1924-)于1957年发表了他第一首用计算机作曲的弦乐四重奏《依利亚克组曲》，引起广泛注意。计算机音乐的优越性以及它所展示的广阔前景正在被越来越多的人所认识。但是，原先由噪音音乐等提出的、并未受到普遍关注的问题再次被有力地提了出来：任何声音都成了音乐的基本材料，有可能改变人们对音乐主要由乐音所组成的传统观念；远远超出了任何传统音乐的结构方式；取消了演奏者，或者演奏者本人也常常是作曲者；改变了记谱法。电子音乐的这些特点又进一步影响非电子音乐，也在常规音乐中表现出来。

4.新音色

威伯恩、梅西安、瓦雷兹都对新音色的开发作出贡献。战后，在很多作曲家的作品中，音色和相应的力度变化突出起来，甚至代替了传统音乐中旋律与节奏所处的地位。作曲家们或是使用新的乐器和新的发声手段，如使用非西方的像巴厘、印第安、非洲、印度及其它亚洲地区的乐器，使用可以发声的器械、物品像汽车零件、链条、铁皮等；或是发掘传统乐器的新的表现力，如音块的使用。施托克豪森和里盖蒂于50年代最先把钢琴上的音块手法移植到了管弦乐队，如里盖蒂的《大气层》有着独特的音块结构效果：许多人演奏几乎相同的音乐材料，但在速度上稍有不同，于是形成一种静态的、极为复杂的“微型复调”音响。新的演奏、演唱技法，无论在弦乐、管乐、钢琴、打击乐或人声中，都有惊人发现。如人声，可以模仿各种乐器的声音，还可发出嘘嘘声、嘶嘶声、喘气声、哭笑声、耳语声等各种效果。从勋伯格《月光下的彼埃罗》开始的音乐与语言的结合，得到了比较系统的探索。这特别明显地表现在意大利作曲家贝里奥和诺诺的所谓“新人声音乐”作品中。

以上所举各例，无论是出现在1945年以前，还是1945年以后，通常都被人们称作“先锋派音乐”、“现代派音乐”、“实验音乐”或“新音乐”。那么，人们是如何看待这种音乐的呢?(三)

对于“新音乐”的各种看法，可以大致归纳如下：

1.新音乐最终是会被接受的，只是时间而已。就像西方历史上中世纪的“新艺术”(Arsnova)、文艺复兴时期的“新音乐”(NuoveMusiche)、古典主义早期的“华丽风格”(goutgalant)一样，一开始，也不被普遍接受，但逐渐地，它们就站住脚了。持这种观点的人认为：“从一个音乐时代转向另一个时代，总是伴随着进步人士的主张和保守阵营的反对意见。”当蒙特威尔第从文艺复兴时期风格逐渐向早期巴洛克风格发展时，当时的评论家对于他使用没有预备的不协和音，就发出警告，认为这是一种“最危险的革新”，难道因此而奏效了吗?持这类观点的人还进一步指出，即便在20世纪的前后不同时期，我们的耳朵也已经有了变化。“原来看似毫无规则的不协和音调，我们现在听起来一点都不吃惊。原来那么骇人的各种语言，现在都在课本中加以分析和分类”。

2.与第一种观点完全相反，认为新音乐是形式主义的、脱离大众的，“反映了古典精神的衰颓”。甚至认为这是一种“反人民的艺术流派，它反映了帝国主义时代资产阶级的颓废没落思想”。这种看法主要流行于四五十年代的社会主义国家，它的影响直到现在还继续存在，只不过没有先前那么极端，带有那么浓厚的政治色彩而已。

3.20世纪新音乐与历史上的新音乐不一样，它之所以不能被听众所接受，是因为西方整个严肃音乐传统正在走向衰亡。严肃音乐正在被听众越来越多的流行音乐--爵士、波普、摇滚、布鲁斯以及它们的各种混合物--所代替。持这种观点的主要以美国音乐评论家普莱曾茨(HenryPleasants，1910-)为代表。普莱曾茨认为：这种音乐不仅成为“今天的音乐”，而且开始了“美国黑人时代”。就像“欧洲时代”曾代替“中世纪时代”(就其发源地来说，也可称作“东地中海-近东时代”)一样，“美国黑人时代”正在代替“欧洲时代”。当世界文明中心向西移动的时候，音乐语言的材料也在向西移动。

4.以德国哲学家、社会学家和评论家阿多诺(TheodorW.Adorno,1903-1969)为代表，他也认为现代音乐面临危机，但不认为美国黑人音乐将代替它。阿多诺认为：现代音乐同它所处的社会之间的关系本质上是一种否定的关系，它与统治阶级意识形态相对立。作曲家面对异化的社会，“无情地、逼真地表现了现代人所受的苦难”，是向社会发出的一种“抗议”和“反叛”。因此，阿多诺肯定勒伯格及其学派的创作，不仅抨击美国黑人音乐，指出这是一种商业音乐，也反对像肖斯塔科维奇和布里顿那样的作曲家，认为他们代表了美学上的一种妥协。

5.20世纪音乐处于“一个正在被开拓和探索着”的过程之中。

上述的每一种看法都不是没有一定的道理，即便是第1、2两种截然对立的观点，我们也可分别找到足够的事实依据来加以说明。例如：1913年3月和5月，分别在维也纳和巴黎上演威伯恩《六首管弦乐曲》(op.6)等作品和斯特拉文斯基的《春之祭》，前者引起一场武斗，最后只好叫来警察维持秩序；后者引起了本世纪音乐会中最大的骚乱之一。可是今天，这两首作品都已成了音乐会的保留曲目。同样，我们也可举出一些荒诞的例子：乐队指挥看着画有五线谱的玻璃缸内蝌蚪的上下游动来决定乐队演奏的音高变化；钢琴家上台，爬到钢琴里面，坐在琴弦上，意味着这首作品不是由钢琴家来弹钢琴，而是由钢琴来弹钢琴家。作曲家企图用一些无聊的偶发事件和耍弄小把戏来掩盖自己创作上的无能。难道这样的“音乐”将来有一天也会得到公众的承认吗?不过，就个人来说，对上述5种看法，我更倾向于第5种。

20世纪虽然产生出一批堪称优秀的作品，它们已被列入音乐会或舞台表演的保留曲(剧)目之中；但是，对比19世纪，20世纪留给我们的更多的不是伟大的作曲家和他们的优秀作品，而是各种创新的思想和技法。经过长达一百年时间的探索，经过几代人的努力，无论如何，现在的音乐调色板色彩缤纷的程度，是历史上任何一个时代所无法比拟的。“几乎没有哪一个时代像20世纪这样在音乐形式和技巧方面提出了如此诸多的问题。”20世纪富有创新精神的作曲家们，每个人都为此作出了自己的贡献。开花结果有的在今天，但大量的也许会在明天。就像有的作曲家往往有他的探索期和成熟期一样，20世纪音乐在整个西方音乐历史发展长河中就是另一个重新开始的探索期。比起成熟期来，探索期显得稚嫩，但是如果没有前期的探索，哪来后期的成熟?就20世纪本身来说，音乐也在发展。今天，我们可能赞赏某些发出奇妙音响的电子音乐作品，但是它们之所以有今天，离不开当初以失败告终的噪音音乐试验；我们也可能赞赏潘德雷茨基那首震撼人心的《广岛罹难者的哀歌》，但是它的成功离不开当初考威尔“可笑地”用拳头敲击钢琴发出的“音块”声响效果。

(四)70年代以来，严格地说，60年代末以来，作曲家们很少再固守什么教条，忠实于某一特定流派，达姆施塔特(暑期班)独领风骚的时代过去了。不少作曲家继续运用以往的音乐语言写作，各种流派和风格仍然存在。与此同时，出现了新的动向，即一定程度的所谓“回归”现象，传统又受到重视。例如，50年代时，威伯恩是那么受人推崇，而同属新维也纳乐派的贝尔格却因为他的作品更多的结合了19世纪浪漫主义传统而显得“陈旧”，如今，当传统再次受到重视的时候，贝尔格又变得“新鲜”起来；美国作曲家巴伯，曾被认为是一位守旧的浪漫派，如今，也被当作“先知”受到重新评价。回归，既是对传统的肯定，本身也是一种发展。它不是简单的重复，而是另一个层次上新与旧的融合。既然传统又成为可以接受的事实，那么，什么是新的?什么是旧的?界线已经不清。

简约派是最先起来反“反传统”的。它既是一种标新立异，又是标新立异的对立面。它是有调性的，甚至是悦耳的。简约派是对序列音乐的反叛，同时也受到非西方音乐的启发；“重复”是它的基本特征：通过自始至终保持同一节奏类型，在旋律、和声、织体等细部不断变化，从不变中求变，从平淡中求新奇。后期的简约派作品远比它刚开始时复杂、精致。现在，简约派已发展成为很有影响的一个流派，不仅有器乐曲，也有舞台作品，如格拉斯(PhilipGlass,1937--)的歌剧《爱因斯坦在海滩上》(1975)、亚当斯(JohnAdams，1947--)的歌剧《尼克松在中国》(1985)等。

新浪漫主义更是以现代主义与浪漫主义相结合的产物。它是七八十年代出现的一个新流派。它要求音乐有调性，以传统的功能和声为基础，比较注重感情表现，而且经常引用19世纪浪漫主义作曲家的音乐材料。但它又不同于19世纪的作品，经常使用20世纪才有的语言和手法。70年代前后，不少作曲家退出实验音乐创作，重新写起有调性的或有调性与无调性相结合的音乐，如美国作曲家罗克伯格(GeorgeRochberg)。潘德雷茨基是另一位“往回走”的重要作曲家。1964年左右他的创作风格也从先锋派转向传统，如《小提琴协奏曲》(1976)、《波兰安魂曲》(1984)等。另一位波兰作曲家戈莱斯基(HenrykGorecki，1933--)，曾经长期使用各种先锋派手法，转折点的到来是在1976年创作了一首以抒情见长的《第三交响曲》(“悲痛之歌”)，歌词采用了二战时囚徒刻在奥斯维辛集中营墙上的诗句。阿根廷作曲家卡盖尔(MauricioKagel)的管弦乐曲《没有赋格的变奏曲》(1972)、德国作曲家亨策的《特里斯坦》(1974，为钢琴、管弦乐队和录音带而作)、俄罗斯作曲家谢德林的舞剧《安娜·卡列尼娜》(1972)也都是与新浪漫主义有关的作品。

第三潮流也是一种“融合”的音乐。它主张把西方现代专业音乐的创作手法和特点与各民族的流行音乐形式结合起来。最初主要是指爵士乐与西方艺术音乐两者的结合，后来又有所发展，融进了美国黑人音乐及其他民族的传统音乐。

今天，随着各种音像器材的普及，流行音乐的传播达到空前规模，摇滚乐无处不在。在西方很多音乐院校里，都开设有爵士乐课程，学生们也可以很方便地接触到非洲、印尼、日本、印度和其他地区的音乐，这是二战前所无法想象的。与第三潮流有关的作曲家有的来自严肃音乐领域，有的来自流行音乐领域。其实，如果借用第三潮流这个名词，来包括严肃音乐与流行音乐之间正在涌现的、日益扩大的中间地带的话，那么还可以提到新时代音乐(newagemusic)、世界音乐(worldmusic)和其它各种各样轻型音乐。

尤其值得注意的是90年代刚刚在美国兴起的一种流派“全能主义”(totalism)。它的主要特点是：作曲家的作品既要使一般听众觉得好听，能够打动他们的内心，又仍然保留了足够复杂和高难的音乐技巧，以吸引趣味更为高雅的音乐听众。全能主义音乐现在方兴未艾，有相当一批作曲家在从事可以被称作全能主义的音乐创作。最有代表性的如劳斯(MikelRouse，1957--)，他的《快速挺进》(QuickThrust，1984)是一首十二音的摇滚乐。十二音的音列出现在几个不同声部，音高没有变化，但在节奏上，按照希林格体系，有着极为细致、复杂的多重组合。

总之，在今天西方音乐创作中，传统与现代、东方与西方、严肃与流行，科技与(音乐以外的其他)艺术等各种成分的采用，使音乐呈现出空前互相融合的性质。但是这种融合，并不导致另一种统一的风格，或另一种统一的流派称谓，只是出现了更多的不同成分的混合体。它有点像数学上的无重复全排列，不同的混合体往往又进一步互相融合，又会产生出更多的不同的混合体，以致于当今的许多音乐很难再用流派的概念进行分类。也有不少作曲家继续循着自己原有的风格进行创作。

西方音乐中的多元化局面，由于现代社会的发展、个性自由的强调而得到进一步的肯定。越来越多的作曲家认识到：“真正自由的人将采取一切在他看来是有用和必要的东西，而不管它们是过去的还是现在的。”确实，音乐风格和语言选择的这种极大自由，使音乐创作领域的多样化倾向超过以往任何时候。

20世纪是一个充满各种音乐实验的世纪，是一个开拓、融合、多元的世纪。开拓，主要体现在20世纪一二十年代和五六十年代；融合，主要体现在70年代以后。不同领域的探索和开拓，带来了多元化的局面；随着作曲家自主意识的加强，材料吸取范围的拓宽，以及听众审美趣味的多样化，这种多元化的趋势很可能会进一步发展。像19世纪那样基本上由一种风格和语言--浪漫主义的音乐风格和语言--占据统治地位的现象，至少在可以预期的未来，很难再现。人们寄希望于21世纪--它或将是一个比20世纪更为“成熟”的世纪?

第二篇：西方音乐读书笔记

《西方音乐史》读书笔记

一、古希腊罗马时期

时间约为公元前3200年~公元400年。这部分的音乐资料只能从考古而来，从发掘出的绘画、雕塑及少量流传下来的诗歌文学与哲学著作可以进行了解，但几乎是不可能聆听与欣赏。有资料统计这一阶段残存下来的乐谱还不到10件，但是从残存下来的雕塑等诸多文化遗产可以看出曾经存在过的辉煌与成就，古希腊的大哲学家都曾对音乐进行过讨论与研究，这被后人视为西方音乐之源。

在公元前12世纪~前8世纪荷马时期的两部史诗反映了古希腊的音乐文化。史诗本身既是文学作品又是音乐作品，它由职业弹唱艺人“阿埃德”用一种叫基萨拉的乐器伴奏吟唱。公元前776年，古代奥林匹克运动会开始举行，在比赛时常伴有音乐，后来产生了音乐比赛。公元前7世纪~前6世纪，斯巴达把音乐作为国事活动与教育的重要手段，使音乐得到了进一步的发展。

公元前146年后，古罗马征服希腊后，它的文化主要受益于希腊，同时又吸收了叙利亚、巴比伦、埃及等国的文明成果。

1．希腊音乐的主要特征？在古希腊音乐的发展过程中，有哪些重要的音乐现象出现？（1）主要特征：单声部旋律，朴素大方，并有简单的乐器伴奏；大部分都是即兴表演，且形成了音乐、舞蹈与诗歌的“三位一体”；重世俗与现实性，大部分作品直接反映了古希腊人丰富的社会生活与民族历史。尽管古希腊音乐篇章极少保留了下来，但它的意义不在具体的作品的流传，而在于激励了后世纪音乐的繁荣。

（2）音乐现象：神话音乐、荷马史诗、古希腊戏剧。2．简述古希腊时期对音乐社会功能的认识

古希腊理论家认为，“音乐可以三种方式对意志产生明显影响”：它能激励行动；它能强健体魄和心灵，犹如它破坏头脑的平衡，最后它可以中断政党的意志力量，令人无法清醒地意识到自己的行为。因此，不仅在年轻人和普通公众的教育科目中应该建立有规律，受监督的音乐教育，而且在平时的音乐演出中应倡导秩序、尊严、果敢和生机。音乐的目的绝不仅是娱乐，而是应象柏拉图所言的“和谐的教养，灵魂的完善和激情的中和”。

古希腊理论家比较强调音乐的理论价值取向，认为音乐直接影响人的品格。

随着音乐生活的繁荣发展，面对新情况，有人认为音乐应该推陈出新，不断向前进，而当时占主导思想的还是以柏拉图为代表的哲学家们的“心灵净化论”，认为音乐不能太音乐不能太复杂和追求创新，应简朴，才能起到净化心灵作用。

可是，古希腊音乐观强调音乐的社会作用，对音乐的评价并非是纯粹审美体验，而是具有一定功利目的的。但是，他们认为音乐应该符合规则，提供均衡、庄重、简朴的音乐，这无疑给后世的西方音乐以重大影响。

二、中世纪时期

中世纪时期中世纪Medieval(476年至1450年左右)从公元476年，Goth人入侵意大利，西罗马帝国灭亡，到文艺复兴间的长长一千年被称为中世纪.后来，文艺复兴时期的人文主义学者把这一时期称为歌特(Gothic)时期.宗教音乐是这一时期的主体，并确定了根据八个调式系统对曲调进行的分类，及从纽姆谱（neumes）逐渐发展为精确的音高记谱法（Pitch notation）.另外，从原始的单音音乐过渡到复调音乐的尚松(chanson）大量出现，乐器的发明与制作的进展也是该时期的重要特征。名词解释：复调 两个或几个旋律的同时结合。不同旋律的同时结合叫做对比复调，同一旋律隔开一定时间的先后模仿称为模仿复调。运用复调手法，可以丰富音乐形象，加强音乐发展的气势和声部的独立性，造成前呼后应、此起彼落的效果。3．简述格里高利圣咏的使用情况，基本特征。

答: 格里高利圣咏形成于8、9世纪，是以罗马教皇格里高利一世命名的，成为罗马天主教圣咏礼仪的同意规范和最高权威。基本特征：①无伴奏的纯人声（男声）歌唱的单声部音乐形式。②以拉丁文为歌词。③即兴式无明显节拍特征。④建立在单纯的自然音阶基础上。⑤歌词主要来自圣经和诗篇。⑥旋律音调平缓，以级进和三度为主。⑦音域狭窄。4.简述经文歌的特征及其产生的意义。

经文歌的产生可追溯到第斯康特的复调写作手法。在一定程度，经文歌的歌词特点也成了它最重要的特征，并预示着它的发展方向，13世纪最经典的经文歌为3个声部，起初上方声部附加的歌词还是拉丁语，与宗教有关。后来，上方声部歌词开始方言化，出现了法文经文歌（上方两声部都用法文填词），形成了经文歌特有的“复歌词”现象，不同声部演唱不同的歌词。两段法文歌词通常为舞蹈歌曲和爱情歌曲之类。由于歌词各具特色，经文歌的各个声部在节奏模式上保持了一定的独立，节奏的运动在复调音乐具有了空前的紧张度，只有在各声部发出协和音程中还能感受到一定的统一性。经文歌的复调结构是高度理性化的。经文歌体现了宗教音乐与世俗音乐之间的相互影响，歌词往往是宗教与世俗内容相混合甚至完全世俗化的。

5．新艺术音乐有些什么重要特点？简述法国新音乐代表人物马肖的创作及特点。

特点：14世纪法国音乐的新风格，代表了一种在新世纪出现的音乐创作上的新趋势（1）新的记谱体系（2）等节奏技术的运用（3）变化音的终止式。马肖：（1300—1377），西方音乐史上第一位音乐作品得到完整保存的音乐家。他的创作几乎涉及14世纪所有重要的音乐体裁，包括经文歌、弥撒及大量世俗歌曲。共创作经文歌23首，主要为3声部；在弥撒仪式中，慈悲经、荣耀经、信经、圣哉经和羔羊经经常被视为一套乐曲组合在一起，后来从礼拜中独立出来而形成。

三、文艺复兴时期

文艺复兴时期Renaissance(1430年至1600年)非宗教的人文主义兴起，明确摆脱中世纪经院哲学的枷锁，欧洲音乐文化趋于统一，声乐、器乐表演艺术水平大为进步。复调音乐开始步入黄金期.记谱法已由字母法和符号法转为二线谱、四线谱直至五线谱.16世纪后期，在意大利诞生了最早的歌剧。

6．14世纪意大利重要的世俗音乐体裁有哪些？代表人物是谁？ 牧歌、狩猎曲、巴拉塔。

代表人物：弗朗切斯科·兰第尼

7．早期文艺复兴音乐在英国有什么特点？代表人物是谁？布艮第乐派的最重要代表是谁，简述其创作特点。

1特点：教少抽象理论的约束，与民间音乐保持着自然的联系，倾向大调性、主调风格，常自由运用三度、六度音程，以此产生出和谐丰满的音响。代表人物：利奥纳尔·鲍罗、约翰·邓斯泰布尔、法伯顿。2布艮第乐派代表人物是：迪费和班舒瓦

布艮第地区的音乐作品主要是弥撒曲、经文歌和尚松，以三个声部为主，声部之间为对比音色。在英国音乐影响下，布艮第音乐的主调加强，上声部突出，多采用三和弦，但各声部仍然保持着对位的独立性。作品多用大调性，主要为三拍子，两拍子用于大型作品的对比部分。8．众赞歌有什么特点，它对德国音乐发展的意义是什么？

16世纪德国宗教改革在音乐上最重要的成果——一路德众赞歌，新教教会的一种音乐形式。最初是单声部、分节歌形成。后逐渐增添了和声、对位，并扩大成四部合唱。

意义：对康塔塔、圣诞音乐、受难乐、清唱剧等的形成充实，使新教音乐逐步成熟、强大，并为巴洛克时期的大型声乐或器乐创作开辟了道路。

9．帕特斯特里纳创作的特征。帕特斯特里纳（1529—1594）：因出生在罗马附近的帕特斯特里纳小镇，人们习惯以他的出生地称谓他。

他以毕生的经历献身于宗教音乐，他的音乐具有一定保守倾向，然而他能在反宗教改革精神观念的限制下，顺应文艺复兴音乐发展方向，对复调音乐做出了富有创造性的发展。他的创作主要是宗教音乐作品，有104部弥撒曲，250首经文歌。50多首宗教牧歌和100多首世俗牧歌。他的音乐风格是一种复调无伴奏合唱风格。

10．16世纪法国尚松有什么特点？代表人物是谁？

特点：在写作方法上，既有和声式的，还有含有复调因素的主调风格的。代表人物：塞米西，雅纳坎。附：歌剧小常识

序曲（sinfonia）在歌剧一开始由管弦乐队演奏的器乐曲。作曲家常常在这里采用歌剧中重要咏叹调的旋律素材，并给以观众剧情暗示。

间奏曲（intermezzo）在歌剧各场间由管弦乐队演奏的音乐。

咏叹调（aria）歌剧中的独唱段落，用来抒发人物情感、表现演唱技巧。是歌剧中最为重要的歌唱形式。

宣叙调（recitative）又译作朗诵调，是歌剧中用来对话和叙述剧情的、介于歌唱和朗诵之间的独唱段落。

谣唱曲（cavatina）也译作卡瓦蒂那，是咏叹调的一种，它较为短小，结构上是单段性质的（咏叹调 aria常常是带有返始的三段体）。重唱分为二重唱（duet）、三重唱（trio）、四重唱（quartet）、五重唱（quintet）、六重唱（sextet）、七重唱（septet）、八重唱（octet）。重唱在歌剧中是十分有效的手法，它可以使几个人同时用各自的特性音调歌唱，或表现同一内容，或表现完全不同的内容，造成生动的戏剧性和立体化的效果。

合唱（chorus）歌剧中的合唱往往能够造成戏剧高潮，烘托出宏伟的热烈的气氛，并与细腻抒情的独唱造成对比效果。

主导动机（leitmotiv）在歌剧中作为某一人物、某种事件、观念或者象征某种物件的音乐动机，它是鲜明的“标签”，作曲家通过它的反复出现来昭示剧情的发展。

舞曲（dance）在歌剧中常有舞蹈场面插入，这些舞曲有些是独立完整的。在早期歌剧中（尤其是法国歌剧），为了迎合人们的趣味，常常加入与剧情并无多大关联的舞蹈场面，后来通过改革，舞蹈场面和剧情有了紧密的联系，它成为歌剧的有机组成部分（也有许多歌剧没有舞蹈场面）。

四、巴洛克时期

巴洛克时期Baroque(1600年至1750年)巴洛克[源自葡萄牙语barroco]时期的音乐一改文艺复兴时期的简单朴素，变得浮华、复杂，富有感性的吸引力.歌剧发展成熟.当时歌剧的序曲必须分为三部分：快速开始，中间部缓慢，快速终结，这种形式后来成为协奏曲和交响乐的基本形式.分别以意大利、法国、德国为中心，既有各自的特点又互相影响。并产生了音乐史上第一批最伟大的音乐家.名词解释：

协奏曲(concerto)音乐体裁的一种，指有乐器伴奏的声乐曲。多由三乐章套曲曲式构成：第一乐章为奏鸣曲式的快板，第二乐章慢板，第三乐章快板。

交响乐(symphony)器乐体裁的一种。管弦乐队演奏的大型（奏鸣曲型）套曲。基本特点为：第一乐章快板，采用奏鸣曲式；第二乐章速度徐缓，采用二部曲式或三部曲式等；第三乐章速度中庸或稍快，为小步舞曲或诙谐曲；第四乐章又称“终乐章”，速度急速，采用回旋曲式奏鸣曲式等。11．★★★简述巴洛克时期意大利歌剧发展的主要脉络。

（1）音乐史上的第一部歌剧：16世纪末，在意大利佛罗萨的巴尔第伯爵家经常聚着一皮文人研究古希腊文化，试图恢复古希腊戏剧音乐的本色，于是作曲家培利与诗人努契尔合作写出了第一部歌剧《达夫尼》，但乐谱失传已久，现仅留传下来的只是他们俩写的歌剧《犹丽狄西》。以古钢琴伴奏，配以简单的和声。（2）罗马的歌剧：在佛罗萨歌剧的影响下，罗马于17世纪前半叶产生了歌剧，多用宗教题材，常加进合唱，抒情性和朗诵性的段落分明，剧种时常插入喜剧性的仆人角色。（3）威尼斯歌剧：17世纪前半叶第一座歌剧园—圣卡西亚诺的出现迅速加强了威尼斯歌剧的发展。代表作曲家蒙泰威尔弟在歌剧《奥菲尔》中大量采用独唱的咏叹调和二重唱，合唱浑厚，第一个使用管弦乐队伴奏并首创颤音、拨弦等技法，增强了音乐的戏剧性。他的歌剧克服了旋律的枯燥性，运用了牧歌式、歌唱性较强的朗诵调。代表作还有《阿里安娜》等。（4）那不勒斯歌剧：18世纪初以A·斯卡拉蒂为代表，注重发挥歌剧中的人声美，使声乐独唱水平得到空前提高，加强了咏叹调与宣叙调的区别。他创作了100多部歌剧，并首创了“快—慢—快”三种速度的意大利式序曲，同时使弦乐四部成问管弦乐中心。12．巴洛克时期法国古钢琴音乐概述。

古钢琴包括两类型：一种是拨弦古钢琴，另一种是击弦古钢琴。拨弦古钢琴在14或15世纪就存在了，有大小不同的各种样式，但都是用键盘通过固定在一个装置上的羽毛或皮革的舌状物拨而发声的，应而这种乐器也叫淤灌键琴。击弦古钢琴更为古老，在2世纪就有记载。形状是长方形的，按下键盘时，通过固定在另一端的固制叶片击弦而发声，应此也叫木契木追钢琴，起音色柔和，音量较小，更适合在家内演奏。

古钢琴音乐体裁在 17世纪末到18世纪初主要有以下：拖卡塔、幻想曲、前奏曲、赋格曲、变奏曲、主题与、奏鸣曲、组曲等。其中最重要的是主题与变奏和组曲这两种。

五、古典主义时期

古典主义(Classical)，在近代音乐著作里遇到这个复合专门名词而且又没有进一层明确其范围时，通常指的是由海顿，莫扎特和贝多芬形成的“维也纳古典派”.特点为形式严谨，又具有高超技巧，能轻而易举地随机应变以适应情况，而又始终保持在一定的常规中，至少不偏离它太远，也就是着眼于取悦公众和使之易于理解。

六、浪漫主义时期

浪漫主义Romantic(1790至1910年)浪漫主义作曲家强烈地表现出自己的癖好，音乐有了从共性到个性的明显转变.这一时期留传下来的作品更是丰富多采，大师人才辈出.七、近现代时期

在历史上，从来也没有一个时期象二十世纪那样风云变幻。两次大战改变了各国的边界和人们的思想方法，科学正在以令人目眩的速度把我们推向一种尚未为人所知的未来。在反时代精神的策动下，各种艺术，如绘画、雕刻、文学、戏剧和音乐，正在冲破着各种旧的形式，试图表现新的生活方式。

二十世纪五十年代后的先锋派作曲家们完全抛弃了传统的音乐价值，追求艺术表现的绝对自由，因而他们音乐的那种深奥玄秘的特点使绝大多数音乐爱好者为之瞠目。这是音乐史上的新现象。从来没出现过像现代作曲家与公众之间这样宽的鸿沟。在某种意义上，绘画和雕塑领域里在某种程度上有与此相平行发展起来的现象，但文学和戏剧领域却没有受到多大影响。不仅形式体系与和声体系被摒弃，连整个旋律的概念都完全改变了，虽然旋律只是音乐的要素之一，但却是直接影响听众的最重要的因素。因为旋律概念的改变，新的音乐作品使听众困惑不解，与听众疏远了。更麻烦的情况是，现在没有一种统一的风格，也没有几种占统治地位的风格，现在的状况是有多少作曲家就有多少种风格。勋伯格的十二音体系被许多作曲家所采用，他们以不同的方式运用和发展了这种体系，即使反对这个体系的人也赞同体系中包含有的观念即音乐的调性概念已经完成了使命，再也没有效用了。

抱着这种现念，作曲家们试验一些胡乱堆砌而成的音乐，在他们的创作和独奏中发挥作用的是一些偶然因素；他们还试验所谓“具体音乐”，也就是模仿各种各样的声响。从音乐声响到交通噪音，把这些声音录制下来再巧妙地加以处理。还有其它许多作曲方式。现在还不可能预言这些试验会有什么结果，因为：

第一，我们距离它们太近，不能作出正确的评价；其次，这些作品的作曲家随时都在改变他们的方向以追求新的东西。而且任何新作曲系统的成型都需要时间。很多作曲家现在所做的不过是提出了一种新的音乐语言，创造了一些新的声响，打一个粗略的比喻，就像作家发明了新的词汇，但还没能把它们组合成能向读者表达清楚意思的句子。

当然，也有部分作曲家成功地写出了易于为大众接受的先锋音乐，他们是欣德米特（P·Hindemith，1895-1963）、梅西昂（O·Messiaen，1908-1992）、卡特（E·Carter，1908-）、卢托斯瓦夫斯基（W·Lutoslawski，1913-）、亨策（W·Henze，1926-）以及彭德雷茨基（K·Penderecki，1933-），他们的音乐日见频繁地在音乐厅里演出。其他一些作曲家，像施托克豪森（K· Stockhausen，1928-），有极强的个性，虽然他们的音乐一直面向专门的听众，他们的创作和音乐活动还是给了音乐界以猛烈的冲击。只有让时间来评判这些作曲家是为后人披荆斩棘开拓新道路的先锋呢，还是在传统崩析、缺乏方向的历史时期里出现的过眼烟云。13．J·S·巴赫他最重要的创作领域是哪些？简述他的创作情况。巴赫，德国作曲家、复调大师。

他最重要的创作领域是声乐和器乐 声乐：（主要是宗教作品）康塔塔、受难乐、弥撒曲、清唱剧、经文歌等 器乐：管风琴、钢琴、小提琴、大提琴、管弦乐队作品 创作情况：

（1）他的声乐作品以宗教内容为主，有丰富的形象和情感体验，在写法上趋向器乐风格。代表作有清唱剧《马太受难曲》、《约翰受难曲》、《B小调弥撒曲》和200多首康塔塔。（2）管风琴音乐是他的创作基础与核心。在以复调风格为主的乐曲《帕萨卡里亚》、《g小调幻想曲与赋格》、《d小调拖卡塔与赋格》中形成了自己独特的音乐语言，展示出的宏伟壮丽与戏剧性风格是前所未有的。

（3）钢琴音乐中《平均律钢琴曲集》占有主要地位，其中的每首作品都采用前奏曲与赋格的组合形式，并以大小调和半音的顺序排列。

（4）他吸收法国、意大利、德国的音乐因素写了6首《法国组曲》、6首《帕塔塔》、6首《英国组曲》，晚年作品《赋格的艺术》对复调进行了全面的总结。（5）他的室内乐作品有《音乐的奉献》和《布兰登堡协奏曲》。14．简述亨德尔的清唱剧创作情况。

清唱剧是亨德尔最重要的创作领域。它是一种类似歌剧的大型声乐体裁，包括独唱、重唱以及合唱，有管弦乐队伴奏。

亨德尔创作的清唱剧大都取材于圣经中的英雄故事，多数是音乐戏剧作品，用英语演唱，主要用于音乐会舞台演出，从创作意大利风格的割据转向大众化的清唱剧，是亨德尔一生中顺应历史潮流的一次重要抉择。

他的清唱剧有着强烈的史诗性风格，主要表现了强大的集体感情和史诗般的宏伟场面，其表现方法最值得注意是合唱的运用。他一生创作的25部清唱剧，最著名的是《以色列人在埃及》、《弥赛亚》、《犹太·马加比》等。15．格鲁克歌剧改革简述。

他是德国剧作曲家。面对日益僵化衰退的正歌剧，于18世纪中叶警醒割据改革。改革的主旨是：

①质朴和真实是一切艺术作品没的伟大原则。②歌剧中音乐应与诗配合，加强情感。改革的手段为：

①宣叙调占有重要地位，加强了旋律。②精练戏剧结构，删去咏叹调中的玄技段，追求自然的真情流露。③序曲成为于是剧情的有机部分。④废弃数字低音，代之以具有明确声部的近代写法。改革的产物：《阿尔切斯特》

16．喜歌剧是如何兴起的，它在意大利，法国以及其他一些地区的情况如何？

答：18世纪20-30年代，随着意大利正歌剧发展的衰退，欧洲各国先后出现了一些带有戏剧风格的新型歌剧。这些割据称谓繁多，有“喜歌剧”、“谐歌剧”、“趣歌剧”、“滑稽剧”和“轻歌剧”等。

1意大利喜歌剧：从17世纪中叶开始，意大利正歌剧的三幕演出之经常穿插一些小型的表演和歌唱。这些间插性的演出被称为“幕间剧”。

2法国喜歌剧：17世纪末，法国巴黎的集市上流行一种兼有歌舞、说话和器乐伴奏的戏剧形式。它的音乐大多采用民间流行的曲调填写新词而成，戏剧中充满了市民阶层对社会生活的描述和讥评。

3德奥歌唱剧：18世纪中叶，流行与德国和奥地利民间的“歌唱剧”逐渐兴盛起来。它的剧本多从英国的民谣剧移植过来。

4英国民谣剧：它是用英语对白再加上通俗的曲调结合而成。民谣剧的曲调大多来自民歌、城市小调，甚至包括意大利或法国歌剧中的旋律。

17．前古典注意器乐主要在哪些领域对历史做出贡献，介绍它的主要流派和代表人物。（1）古典钢琴奏鸣曲：较早的键盘乐器创作作曲家萨帕尔托和库瑙；更重要的作曲家是多米尼科*斯卡拉蒂、CPE巴赫、阿尔贝蒂等人。（2）古典交响曲：

“曼海姆乐派”：以乐队指挥约翰·斯塔米茨 “北德乐派”：以CPE巴赫为首

18．概述海顿在交响曲和弦乐四重奏上的贡献。海顿，奥地利作曲家、交响曲之父。

功绩：（1）创作了108部交响曲，其中《惊愕》、《军队》、《时钟》等交响曲很著名,12首<<伦敦交响曲>>达到艺术顶峰。

（2）确定了古典交响曲的结构形式，采用四个乐章：第一乐章为快板奏鸣曲式；第二乐章为慢板抒情的三部曲式或变奏曲式；第三乐章为小步舞曲；第四乐章为快板舞曲风格的回旋曲式。（3）创作了68部弦乐四重奏等器乐乐曲，确立弦乐四重奏形式，明确四个声部和交响曲相同的四个乐章结构。作品有〈〈云雀〉〉、〈〈皇帝〉〉等。（4）写有〈〈创世纪〉〉、《四季》两部清唱剧。19．莫扎特音乐创作简述。莫扎特，奥地利作曲家。

①歌剧是他最重要的成就。他的歌剧分别采用不同的形式，常吸收意大利正歌剧、喜歌剧和德国民间歌唱剧的因素。最出色的四部歌剧《费加罗的婚礼》、《唐·璜》、《女人心》、《魔笛》，尤以《费加罗的婚礼》最为重要。在这部作品里，莫扎特将喜歌剧漫画式的角色与正歌剧严肃的人物和揭示社会矛盾、道德问题情节场面融合在一起。作品无情地揭露、讽刺了贵族的无能与堕落，热情地歌颂了第三等级的机智。《魔笛》则采用德语对白，蕴含着德国文化传统的哲理性，成为第一部德国歌剧。他主张“诗必须服从音乐”，因此，他的歌剧善于用不同的音乐塑造不同的人物，具有强烈的音乐感染力，宣叙调极富歌唱性。他把重唱形式作为戏剧性冲突，造成高潮的重要手段。加强了序曲的预示和渲染戏剧范围氛围和剧情的作用。②莫扎特创作了40多部交响曲，在结构形式、和声、配器等方面追求清晰、单纯、严格的逻辑性和均衡和谐，形成古典乐派的典型风格。《降E大调第39交响曲》明快，富有诗意；《g小调第40交响曲》在抒情的音流中流露出一股悲凉；《C大调第41交响曲》宏伟壮观。这三部交响曲被归于古典主义最杰出交响曲之列。③在室内作品中以献给海顿的六首弦乐四重奏比较著名，舒展性地旋律与多层次的复调手法相结合，高水平地巩固了主调音乐的主导地位。

④在钢琴协奏曲方面，他运用古典音乐形式原则，对巴洛克三乐章协奏曲进行了发展，将双呈示部以及华彩乐段的结构固定下来，确立了古典协奏曲的形式原则。

名词解释：

1．奥加农：是圣咏的一种即兴演唱方式，即在演唱同时唱两个不同声部。

2．布艮第乐派：15世纪文艺复兴音乐中最重要的艺术家是来自欧洲北方的作曲家。他们大

都集中在布艮第地区活动，所以被音乐史学家们成为布艮第乐派。

3．法国尚松：16世纪20年代，法国作曲家发展了一种具有鲜明特性的从词到曲都是典型法国风格的歌谣曲，他们被称为“法国尚松”或“巴黎尚松”。

4．清唱剧：是17世纪产生的一种大型声乐体裁。以抒情性或戏剧性叙事诗为基础，由宣叙调、咏叹调、二重唱以及合唱组成。规模较小，常以序曲开始，合唱结束。

5．经文歌：带着一种中世纪普遍具有的装饰热情诞生的音乐体裁，产生有必然性，填有歌词的替换克劳苏拉，实现了从礼仪音乐到具有世俗音乐特征的转变。"

第三篇：西方音乐文化

西方音乐文化

〃音乐：

1、音乐是声音的艺术

2、音乐是时间的艺术

3、音乐是表现的艺术

4、音乐是再创造的艺术

〃音乐构成的基本要素：乐音，音程，节奏，力度，速度，音色

〃西方音乐的形式组织方式：旋律，和声，复调，织体，配器，曲式 古代音乐 中世纪的音乐

〃教会音乐的统一与规范：

格里高利圣咏是西欧中世纪重要的文化财富之一，是欧洲复调产生之前艺术性最高的、保存至今的唯一宗教圣咏。〃格里高利圣咏的基本特征：

是男生用拉丁文唱的单声部旋律，无伴奏。由自然音阶构成，没有固定节奏，律动自由。音乐客观、平静、安详。在单纯和简朴的基础上以洗练的技法来表现超越世俗感官的精神世界。

〃中世纪后期艺术风格的转变：

“哥特式”教堂的兴建；宗教思想有了一定的人性化的转变；音乐上复调音乐渐渐走进了教会音乐的视野。

〃复调音乐的产生及发展：奥尔加农、第斯康特、康都克特、经文歌 〃中世纪音乐文化的特点：

一、教会对中世纪音乐的特点影响极为直接。一方面，教会的思想在文化和社会生活中占据统治地位。另一方面，教会的体制、思想又从另一方面为音乐传统的沿革和发展提供了强有力的支持和推动，教会是中世纪文化的垄断者。

二、复调音乐的诞生，是中世纪音乐最大的跨越性特征之一。复调音乐的产生和发展同记谱法的完善（尤其是节奏记谱）、键盘乐器的发明密不可分。这两样发明使得音乐艺术由即兴创作向作曲创作过渡。

三、作曲家的诞生。个人的创造力 巴洛克音乐（17世纪）

源于葡萄牙语barrocco,意思为奇形怪状的珍珠。通常把1600年（歌剧的诞生）到1750年（JS巴赫的去世）称为巴洛克音乐时期。

〃巴洛克音乐的基本特点：情绪一致；节奏型具有持续性；旋律的连贯统一；力度层次的一致性；模仿性的复调织体；和弦的地位日趋重要；声乐体裁演唱技巧复杂

〃歌剧：是一种将音乐（包括声乐和器乐）、戏剧、文学、舞蹈、舞台美术等融为一体的综合性艺术，通常由咏叹调、宣叙调、重唱、合唱、序曲、间奏曲、舞蹈场面等组成（有时也用说白和朗诵)。早在古希腊的戏剧中，就有合唱队的伴唱，有些朗诵甚至也以歌唱的形式出现；中世纪以宗教故事为题材，宣扬宗教观点的神迹剧等亦香火缭绕，持续不断。但真正称得上“音乐的戏剧”的近代西洋歌剧，却是16世纪末、17世纪初，随着文艺复兴时期音乐文化的世俗化而应运产生的。

〃器乐的繁荣：维尔瓦第《四季》《荣耀经》《圣母颂歌》 巴赫——现代音乐之父。《勃兰登堡协奏曲》、《b小调弥撒曲》、《平均律钢琴曲集》、以及大量的教堂音乐和器乐曲而著称 亨德尔《弥赛亚》《水上音乐》《皇家焰火音乐》 古典主义音乐（18世纪）：崇尚理性，侧重于表现形式和技巧，注重形式的纯洁和明晰和结构的严谨。作品中的感情表达服从于形式的完美。〃“古典主义”音乐：指18世纪下半叶至19世纪初，形成于维也纳的一种乐派，也称“维也纳古典乐派”。（海顿、莫扎特、贝多芬）

崇尚理性，音乐语言的逻辑性强、结构严谨，以及主调和声风格的美学特征 〃交响曲：“Symphony”是一种管弦乐队演奏的包含多个乐章的大型套曲。在意大利歌剧序曲的基础上发展起来。

〃奏鸣曲式：呈示部、展开部、再现部、尾声 调性的对比，主题的对比

〃古典主义音乐的代表人物：

海顿 交响曲和弦乐四重奏之父，并且是钢琴协奏曲的钢琴三重奏的开创者《创世纪》《惊愕》

莫扎特 《费加罗的婚礼》《唐璜》《魔笛》（歌剧）贝多芬 9部交响曲、32首钢琴奏鸣曲，《费黛里奥》——歌剧，D大调小提琴协奏曲

〃贝多芬音乐中的浪漫主义因素：自我意识，个人主义，严肃性和思考性，道德感化作用

〃浪漫主义音乐基本观念：侧重于音乐中的情感、诗意；个性，个人主义观念；民族风格；各门艺术交融；自然界；社会伦理作用

〃民族乐派：19世纪中叶起，继德奥等国兴起浪漫主义音乐之后，在东、北欧一些国家，出现了一批致力于振兴本民族音乐的作曲家，作品以反映本民族历史和人民生活为题材，具有强烈的爱国主义精神和深厚的民族感情，同时大量运用民族民间素材，具有鲜明的民族风格，这些作曲家被称为民族乐派作曲家。代表人物：捷克的斯美塔纳〃德沃扎克、挪威的格里格、芬兰的西贝柳斯、俄国的格林卡 20世纪音乐

〃20世纪现代艺术的主要文化特征：非西方文化和思想的广泛影响；新技术催生了很多新的艺术思潮和新的艺术观念；艺术表现了工业化以来人类的异化和精神危机，艺术传统主题和价值被消解，突出不同艺术观念和形式语言的探索；艺术以前所未有的开放态度面对人类的情爱和内心精神领域；美国文化强有力的影响了20世纪艺术的发展 爵士乐

〃两个重要源头：布鲁斯，拉格泰姆

〃布鲁斯（blues)（蓝调起源于过去美国黑人奴隶的灵魂乐、赞美歌、劳动歌曲、叫喊和圣歌。）是一种基于五声音阶的声乐和乐器音乐，它的另一个特点是其特殊的和声。布鲁斯是南北战争后，在黑人民间产生的一种演唱形式，它与黑人的种植园歌曲（劳动时集体合唱的无伴奏歌曲）有着一脉相承的关系。布鲁斯起源于过去美国黑人奴隶的圣歌、赞美歌、劳动歌曲、叫喊和颂歌。布鲁斯中使用的“蓝调之音”和启应的演唱方式都显示了它的西非来源。

第四篇：西方音乐鉴赏

一、比较巴赫与亨德尔的音乐风格：

@巴赫被誉为“近代音乐之父”，最大的成功是创立了平均律和对位法。1.巴赫以创作宗教音乐为主，而亨德尔的音乐以宫廷内的世俗音乐为主。2.巴赫的音乐庄严，追求逻辑和理性，亨德尔的音乐注重辉煌与华美。3.巴赫音乐复调性强，亨德尔则更倾向于主调。

4.巴赫一生没有出过德国，在世的时候并没有取得很耀眼的荣誉和名声，并且生活相对艰难。亨德尔则是历游欧洲各国，在皇家工作，是宫廷大乐师。在当年，贝多芬评价亨德尔说：“所有大师中无可企及的大师”,“亨德尔是有史以来最伟大的作曲家,我愿意在他的墓前脱帽下跪。”。亨德尔出身于中产阶级，并在中产阶级首先获得权势的地方供职。他宫廷歌剧转向神剧象征着社会的巨大转变，他以此成为新的中产阶级文化的一位建筑师和现代公众弥撒曲的创造者。和巴赫一样，他立于欧洲音乐的主流，将法国、意大利、英国、德国的因素吸收到他的艺术中。巴赫和他作为晚期巴洛克代表人物互相补充。巴赫的艺术是内省的；亨德尔是个外向好动的人，巴赫在管风琴阁楼中作狂想曲；亨德尔是个庭臣，巴赫是个一丝不苟的艺术家，他使其所接触的每一种形式趋于完美；亨德尔写歌剧总是一挥而就，是一位杰出的即席作曲家。巴赫是一位精雕细刻的大师；亨德尔创作起来笔触挥洒自如。巴赫以神秘的眼光注视着未来的世界；亨德尔赞美这个世界的壮丽和权利。两个人都受伦理的理想鼓舞。但巴赫是一位路德教徒，亨德尔却是一个启蒙主义者，他的道德观念不受教条的束缚。

他们以及拉摩和维瓦尔蒂在他们那个时代都取得巨大成功和享有享有巨大成功和盛名；他们凭借着技巧、笃诚和富于想象的内涵来写音乐，这些音乐至今仍具有重要意义。他们都处于同时代的对位风格与主调风格矛盾取得和解的时期。都擅长于创作器乐和声乐作品，他们都知道音乐思想的新趋向，虽然没有一个在他自己的音乐中进行了深思熟虑的革命，他们都在晚期巴洛克已确立的形式和风格范围中创作，他们的创作力主要在于以一种独特的最佳途径来从事这些公认的事情。巴赫除了歌剧之外，将晚期巴洛克音乐的所有形式都作了成功的尝试。亨德尔则优于歌剧创作。亨德尔最大的贡献是在巴洛克因素之外创造出一种新型的歌剧。

@ 巴赫音乐特色是复调，这是他不变的因素，无论是创意曲还是平均律赋格都给后人留下了重大的意义，影响了德国音乐文化甚至是世界300年。

亨德尔则多样化一些，变奏，咏叹。宗教形式的清唱剧的开端到歌剧，管弦乐的延伸发展，让更多的人知道了亨德尔，《弥赛亚》中的《哈利路亚》流传最为广泛。处于同一时期，甚至是同一年出生，一个是有名的巴赫音乐家族。一个是小城镇家庭，但却有着不同的经历。

巴赫一生的主要功绩：第一，把音乐从宗教附属品的位置上解放了出来，使之平民化。音乐不总是歌颂上帝，也歌唱平凡的生命。第二，他把复调音乐发展成主调音乐，大大丰富了音乐的表现力。第三，他确立了键盘乐器十二平均律原则。第四，除了声乐作品外，巴赫奠定了现代西洋音乐几乎所有作品样式的体例基础。因此巴赫被后世尊称为“西方音乐之父”。

亨德尔一生的主要功绩：他一生近60年的音乐生涯中，在德、英、意三国乃至全欧洲都获得了巨大的声誉；他的作品熔德国严谨的对位法、意大利的独唱艺术和英国的合唱传统于一炉，成为世界音乐史上的瑰宝。他同巴赫、维瓦尔第一起，为辉煌的巴洛克时代画上了一个圆满在巴洛克音乐里。

能和巴赫并肩的大概只有亨德尔。相比巴赫身后的寂寞，亨德尔却在他生前就享有了崇高的声誉和富足的生活。亨德尔一生最伟大的成就在于他创作了大量的歌剧与神剧，其崇高壮丽、表情生动、富有创新精神和感染力的艺术特点在这些作品中达到了极高的境地。亨德尔的清唱剧质朴感人，把高度的艺术性和虔诚的宗教信仰融入了一个个音符之中。

@ 巴赫（巴哈）（1685~1750），最伟大的德国作曲家之一，以创作《勃兰登堡协奏曲》、《b小调弥撒曲》、《平均律钢琴曲集》、以及大量的教堂音乐和器乐曲而著称。他把前人发展起来的主要风格、形式和传统概括地加以研究并汇集在一起，使之更加丰富多彩。

巴赫是所有著名作曲家中水平最高的艺术家。他谙熟他的时代的所有音乐形式，并对其中任何一种都能运用自如，达到了炉火纯青的地步。例如他对旋律组合法（同时演奏两种或两种以上不同曲调的方法）在艺术上的精通程度堪称前无古人，后无来者。此外，他的管弦乐作品逻辑性强，变幻多样，主题贴切感人，旋律丰富多姿，因此他愈加倍受赞颂。亨德尔是清唱剧之父

亨德尔从30年代开始创作清唱剧。他的清唱剧使用英文歌词，由英国人演唱，是一种为英国观众而写的新型作品，但上演之初并不成功，只是经过了十多年时间，才受到普遍的欢迎，亨德尔在英国也获得了极高的声誉。亨德尔的曲风雄伟、崇高，所创作的清唱剧是戏剧性的英雄史诗华，而是翻译作赞美主。）的句号。

二、说出海顿,莫扎特,贝多芬在交响乐发展历史上各自的地位及各自的贡献有那些？

海顿：奥地利

莫扎特：奥地利

贝多芬：德国

路德维希·凡·贝多芬（1770-1827），德国最伟大的音乐家之一。出身于德国波恩的平民家庭，很早就显露了音乐上的才能，八岁开始登台演出。1792年到维也纳深造，艺术上进步飞快。贝多芬信仰共和，崇尚英雄，创作了有大量充满时代气息的优秀作品，如：交响曲《英雄》、《命运》；序曲《哀格蒙特》；钢琴奏鸣曲《悲怆》、《月光》、《暴风雨》、《热情》等等。一生坎坷，没有建立家庭。二十六岁时开始耳聋，晚年全聋，只能通过谈话册与人交谈。但孤寂的生活并没有使他沉默和隐退，在一切进步思想都遭禁止的封建复辟年代里，依然坚守“自由、平等”的政治信念，通过言论和作品，为共和理想奋臂呐喊，写下不朽名作《第九交响曲》。他的作品受十八世纪启蒙运动和德国狂飙突进运动的影响，个性鲜明，较前人有了很大的发展。在音乐表现上，他几乎涉及当时所有的音乐体裁；大大提高了钢琴的表现力，使之获得交响性的戏剧效果；又使交响曲成为直接反映社会变革的重要音乐形式。贝多芬集古典音乐的大成，同时开辟了浪漫时期音乐的道路，对世界音乐的发展有着举足轻重的作用，被尊称为“乐圣”。贝多芬一生只有九部交响乐。他的九部交响曲的风格发展恰好体现了他走向成熟的成长过程，是他革命精神的完美体现。贝多芬的交响曲以表现革命斗争的英雄为中心，这在当时最能激动人心。他的创作的构思之宽广，形象之宏伟，感情之深邃，对比之鲜明，都使他偏重于采用并扩充奏鸣曲形式；同时，他创作的形象丰富多样，运用在他的每一部作品中的奏鸣曲形式又各有其特点。他对奏鸣曲形式的处理，在音调和形象上都达到了内在的统一——他不仅在一个乐章的范围内使各个主题形成相互间的统一，而且在整个套曲的不同乐章中也是这样。例如，《第三交响曲》第一乐章第一主题的英雄性号角式的音调，也在其他乐章中出现，《第五交响曲》第一乐章的第一主题甚至起了主导动机的作用。他还把歌剧创作的戏剧性手法应用到他的交响乐创作中去，使交响曲成为一种深具戏剧性的器乐体裁；他把交响曲中原来的小步舞曲乐章改为诙谐曲，扩大了表现力的范围。

交响乐也是莫扎特创作中的重要部分。他最有代表性的交响曲是他最后的三部，即降E大调、g小调和C大调交响曲。其中《降E大调第三十九交响曲》明朗愉快、充满诗意；《g小调第四十交响曲》富有戏剧性，有海顿式的乐观主义情绪，但在技法上又完全不同于海顿，被称为莫扎特的“英雄”交响曲；《C大调第四十一交响曲》（通常被称为《朱彼特》）宏伟豪迈、东观向上，预示了贝多芬的英雄性的交响曲的出现。莫扎特的交响曲（尤其是最后三首），是贝多芬之前的全部交响曲创作的最高成就。他的突出贡献在于各乐章之间的主题之间的对比性。

总的来说，莫扎特的创作成就遍及各个领域。它们反映了十八世纪末，处在被压迫地位的德奥知识分子摆脱封建专制主义的羁绊，对美好社会和光明、正义、人的尊严的追求。他的音乐风格具有诚挚、细腻、通俗、优雅、轻灵、流丽的特征，大都充满了乐观主义的情绪，反映了上升时期的德奥资产阶级向上的精神状态，在维也纳后期的创作中，也出现了悲剧性、戏剧性的风格，对社会矛盾的反映更趋深刻。莫扎特的音乐细腻、华贵、含蓄、典雅，风格明朗，旋律优美，结构严谨，具有强烈的古典色彩和超然物外的特点。

从音乐史的角度而言，能同海顿相提并论的并不多。他确立了古典奏鸣曲式的结构，交响曲的规范，新时期的清唱剧，室内乐形式……将罗可可时期的审美情趣和作曲方式更明确地典范化进而开创了古典主义的巅峰时代。他最伟大贡献是把交响乐固定为四个乐章的形式，并在配器上形成一整套完整的交响乐队编制，为现代交响乐的发展奠定了基础。为此海顿有“交响乐之父”的美称，为后经莫扎特、贝多芬等人开花结果的古曲乐派，奠定了牢固的基础。

规矩的和声和转调，自然音阶的旋律写作，分散和弦基础上的动机与主题，均匀对称的乐句和平衡的曲式，这些是大部分海顿作品的特征，也是古典时期中庸限制的审美典范。

三、贝多芬的交响乐有哪几部及他的人文精神和音乐个性？

一、C大调《第一交响曲》

二、D大调《第二交响曲》也被阿贝称作“英雄的谎言”

三、降E大调《英雄》

四、降B大调《第四交响曲》

五、C小调《命运》

六、F大调《田园》

七、A大调《第七交响曲》

八、F大调《第八交响曲》

九、d小调《合唱》也称作《欢乐颂》,因为阿贝将《欢乐颂》用合唱的形式写进了《第九交响曲》的第四乐章。即：九部交响曲：

一、继承先师传统——第一交响曲

二、摆脱死亡的阴影——第二交响曲

三、属于英雄的时代强音——第三“英雄”交响曲

四、青春的礼赞、生命的高歌——第四交响曲

五、冲破命运的枷锁——第五“命运”交响曲

六、回到大自然——第六“田园”交响曲

七、疯狂的交响舞蹈——第七交响曲

八、快乐应该属于音乐——第八交响曲

九、经久不衰的欢乐颂歌——第九“合唱”交响曲

|音乐个性：贝多芬的交响曲大大扩展了音乐艺术的表现力。

节奏：节奏有时不按小节节拍，出现切分音，弱起，强弱对比强烈，这些都是贝多芬在节奏上的创新，不再严格遵守严整的节奏，而是随音乐的要求而相对自由。

歌唱性的管弦乐：贝多芬有着出色的旋律天分和技巧，善于创作如歌般的旋律。他丰富的配器也大大提高了管弦乐队的表现力。

和声技巧的革新：贝多芬的交响曲中使用了不协和和弦，和非常规的和弦进行，强烈的戏剧性对比也是古典主义的规范中不可想象的。

慢乐章的位置变化(No.9)，消失(No.5,7)。第9交响曲2，3乐章位置倒置，慢乐章变成了第3乐章；第5，7交响曲没有原来严格意义的慢乐章，只有小快板速度的第2乐章，旋律线延长而类似于慢乐章。

突破了奏鸣曲式的限制。主部副部的对比鲜明；发展部规模变大，可以占到整个乐章的1/3以上，在发展部当中出现了呈示部中没有的因素；引子介入乐章，出现在发展部和再现部当中，甚至参与发展部的发展；尾声很长。

配器的变化：新的乐器的使用以及交响乐队的规模变大。

乐圣贝多芬集古典大成、开浪漫先河。资产阶级革命的先进社会思想，成为他

创作的思想核心，贝多芬是第一位把音乐艺术和人类命运结合在一起的音乐家。他热爱大自然，热爱生活，喜欢听农村乐师们奏乐，并将此体现在创作之中。

欧洲古典主义作曲家音乐中的民族民间因素，是他们的启蒙意识对现实生活的一种自然流露。是他们接近现实生活“到民间去”、“回到自然去”的美学思想的具体表现。体现了资产阶级上升时期的时代精神：反抗封建束缚，坚定乐观、勇于奋斗的民主精神和深刻的人道主义精神，高度完美和谐。因此可以说古典主义音乐

中的民族民间特征是一般性的，并没有其他别的意义，是启蒙意识和民主精神的自然流露与反映。

三、浪漫乐派音乐深深植根于各自民族音乐传统基础之上。

人文精神：.在波澜壮阔的世界音乐史上，贝多芬无疑是一个最响亮、最伟大的名字，即使在整个世界文明史上，他也是少数几个罕见的伟大人物之一。而贝多芬之所以伟大，不仅仅在于其超凡入圣的音乐才能，更在于他崇高的精神和人格力量，他已经成为人类激情与力量的化身，成为人类以顽强的意志同命运进行不屈不挠抗争的象征。

贝多芬的童年是不幸的，罗曼罗兰笔下的不朽形象——约翰克里斯朵夫的少年时代就是完全以贝多芬为原型而创作的。不幸的童年生活对贝多芬的性格产生了重大的影响，并且在他的心理上和精神上留下了永远无法弥合的创伤，使他养成了孤僻的性格和紧张思索的习惯。但是早年的苦难生活没有把他压垮，反而在他心里激起了一种神圣而崇高的情感，一种对生命、对宇宙宗教般的深刻体验。伟大的音乐在他的心灵里深深扎下了根，灵魂深处的某种东西开始骚动起来了。苦难塑造了贝多芬反抗的性格、倔强的意志以及那雄伟的力量，而这些是他一生都在表达的音乐主题。贝多芬说：“我不是靠一篇论文一举成名的，从儿时起，我就努力理解历代贤哲们的思想，为的是使自己博学起来。艺术家应为推进人类文化做出贡献，否则就是一种耻辱。”他几乎没有业余爱好，似乎做的每一件事情都是为了充实完善自己，使他的一生都处在一个不断的学习，不断成熟的过程中。

贝多芬是自信的，他的心里充满了对于成功的渴望；他知道自己的意志所在，相信自己的力量。真正的天才是不会甘于平庸的，他必将在自己的创造中获得不朽的生命。正当贝多芬的事业蒸蒸日上的时候，厄运突然降临到他的身上。耳疾对于一位音乐家来说几乎是毁灭性的，犹如画家双眼失明一样。贝多芬在精神上遭受到巨大的摧残，他一度想要自杀。然而对艺术的追求和对生活的热爱使他度过了精神危机，苦难使他的音乐创作得到升华。他说：“我要扼住命运的咽喉，它休想使我完全屈服。只要有机会，我就要反抗命运。只要我做一天上帝最不幸的造物，我就要反抗一天。”此时，他创作的《命运交响曲》把英雄人物的这种内心斗争，战胜自我、克服困难直至最后取得胜利的思想的复杂过程全面地展现出来。如果说《英雄》是贝多芬交响乐创作的一座丰碑，那么，《命运》无疑是交响群山中的又一座巅峰。贝多芬是一位精神的英雄，是“心”的领袖，是生活的绝对强者。他的音乐如此惊世骇俗，如此博大精深，让生命的伟大意义超越个体，穿越时空，而臻于无限。实际上，《命运交响曲》的音乐发展的全过程是和在贝多芬的许多其他作品中可以看到的方向是和谐一致的。简单的说，这个方向大致是从黑暗走向光明，从苦难和斗争上升到欢乐和胜利。贝多芬的交响曲构思的伟大之处在于：他的争取自由、欢乐和胜利不是为了个人的这一感情的抒发，而是把它看作是为全人类争取的权利。

第五篇：西方音乐简史

1.475年至1450年--中世纪

中世纪（即从475年西罗马帝国灭亡，欧洲封建社会建立开始，至文艺复兴以前的一段“黑暗”时代）欧洲意识形态领域和一切艺术的是基督教。那时唯一合法的、正统的音乐形式是起源于四、五世纪的圣咏（chant），包括占主导地位的格里高利圣咏和更古老的安布罗西圣咏（后者至今仍在米兰的教堂中使用）。这种纯粹宗教用途的音乐只限于在教堂中由唱诗班演唱，没有乐器伴奏，是纯粹的单音音乐（不分声部，大家都唱一样的旋律），分为利底亚、弗里几亚等四种调式及其变格调式。一开始欧洲还没有合适的记谱法，只能采取口耳相传的方法记录流传音乐文献。后来最早的记谱法“纽姆谱”发展出来，但只能用简单的线条暗示音的长短高低。总的来说，中世纪欧洲音乐除了宗教音乐与其它艺术一样遭到压制，但在虔诚的宗教信仰激励下音乐家们（那时都是教士）创造了不少优秀的圣咏精品，难怪前几年有一张圣咏唱片（由西班牙一个修道院的修士演唱）在Bill Board排行榜上名列前茅数月之久。单声的声咏后来开始在旋律线下方四度加上平行的旋律线，形成了最早的和声。

2.1450年至1600年--文艺复兴 十四、十五世纪罗马教庭在与世俗君主的政治斗争中多次被挫败，威信与势开始衰落；同时欧洲一些地区如意大利日益繁荣的贸易和手工业造就了最早的产阶级和金融贵族，城市经济的发展产生了大批的市民。他们迫切要求有为自服务的艺术形式，反对教会的束缚，宣扬以人而不是以神为本的人文主义，在文学、建筑、美术也包括音乐 域里展开了轰轰烈烈的文艺复兴运动。

音乐史上的文艺复兴起始于1450年左右。那时一批有才华的音乐家云集在勃艮第（相当于今天法国北部、比利时一代）宫廷，显示出一派歌乐升平的气象，被称为“法兰德斯乐派”。此时音乐家们主要使用一些日益改进的弦乐器如诗琴，音乐内容开始涉及世俗生活，记谱已经使用点线组合的形式，称的上是今天五线谱的鼻祖，到十六世纪中后期开始使用四线、五线谱记谱，教会调式逐步解体，大-小调体系逐渐形成。

宗教音乐也继续发展。一个重大事件是马丁·路德的宗教改革，宣扬人人皆可凭借虔诚信仰与上帝相通。路德创造了众赞歌这一群众化的音乐形式，由教徒在礼拜仪式上自行演唱。同时，罗马教庭为了对抗宗教改革，力图强化圣咏在宗教音乐中的统治地位。帕莱斯特里那发展了织体复杂的多声部圣咏，把这一体裁推向了发展的高峰。

??在16世纪后期，中世纪的调式音乐逐渐进化成以大小调为基础的调性音乐；人文主义者也发出了“与对位法战斗”的呼喊，单声音乐随著古希腊和罗马衰亡而消失1000年后再次回到了历史舞台上。

3.1600年至1750年--巴罗克时代

巴罗克时代是欧洲音乐大发展的时代。在这150年的历程中，歌剧、协奏曲、奏鸣曲等题材相继被创造发展出来。感兴趣的读者可以参阅精华区在下的拙作《巴罗克实况》，在此不加赘述。.1750年至1827年--古典时期

1750年巴赫逝世后欧洲复调（即由多个并行发展的旋律线交织成复杂的织体作曲手法）后继无人，早在此二十年前欧洲乐风就转向简洁实用的主调（即旋律+和弦的作曲手法）。

在这个时代大显身手的是维也纳古典乐派的三位大师：海顿（交响乐之父）、莫 扎特（音乐神童）、贝多芬（乐圣）。在欧洲启蒙运动和大革命的洗礼中，欧洲音乐的主题从延续近千年对神的虔诚转移到对理性的崇尚上来，使得古典时期的作品具有丰富的哲理内涵。

5.1827年至19世纪末--浪漫主义时期

1827年贝多芬的逝世结束了严谨的古典主义时期。此时的欧洲文化正经受浪主义潮流的洗礼。这一时期的作曲家把作曲作为抒发自我感情的手段，作品中现出他们内心中丰富复杂的感情。这一时期还涌现出一大批演奏家，如帕格尼、李斯特等，多以辉煌的炫技手法给人以强烈的审美冲击。十九世纪中后期随欧洲民族主义思潮的抬头，一些民族国家开始有了用自己民族音乐语言进行创的音乐家如芬兰的西贝柳斯、挪威的格里格、俄罗斯的强力集团等，可称之为族乐派。

6.19世纪末至20世纪初--印象主义潮流

音乐上的印象主义与绘画上的印象派或有相通之处--都十分注重色彩(尽管音色彩和颜料的色彩不同)和外界景象在艺术家本人心中的印象。德彪西和拉威尔此派的代表人物。

7.20世纪--多元化的发展趋势

20世纪西方音乐发展方向多元化。影响较大的有本世纪初勋伯格的十二音体和斯特拉文斯基的新古典主义等。勋伯格的十二音作曲法彻底废弃了统治欧洲 音乐近400年的调性体系，十二个音有同等重要的地位，这一体系为他的弟子贝尔格所继承。斯特拉文斯基的新古典主义崇尚复调和对位法，在调性方面采用多调，并不象勋伯格的无调性走的那样远。

20世纪特别是战后西方音乐发展流派众多，如无声音乐、噪声音乐、微分音乐等，电子合成器等新的技术手段更为标新立异的音乐家们提供了新的武器。西方音乐发展潮流日益多元化，不象以前可以冠以“xx时代”。

也许叙述过去的一千年音乐的发展容易，预测这一千年音乐的发展趋势确实困难。人类的听觉艺术--音乐将何去何从？我们所能做的，不仅只有在有生之年拭目以待，也许我们的某种思潮，会将音乐的潮流引向一个新的地方„„