艺术哲学读书笔记

第一篇：艺术哲学读书笔记

《艺术哲学》读书笔记

由于对西方艺术了解不多，很多细节具体事实并不能很好记住，所以有关例证的那三编印象不深，倒是第一编和第五编的理论令我印象深刻些。首先是第一编，主要论述艺术品的本质。对此，丹纳的出发点在于，认定一件艺术品不是孤立的，在于找出艺术品所从属的，并且能解释艺术品的总体。因此他从艺术品追溯到艺术家的风格，再到艺术流派。而艺术流派的形成无疑来自于它所属的风俗习惯、时代精神。而对可以被称为时代精神的事物，丹纳也做了解释，即“某个时代大多数人的思想感情”。因此，要了解艺术品、艺术家、一群艺术家（艺术流派），就必须正确设想他们所属时代的精神和风俗概况。“不但这个或那个大师的生平，便是每个大的艺术宗派的历史，也证明模仿活生生的模型和密切注视现实的必要。一切宗派，我认为没有例外，都是在忘掉正确的模仿，抛弃活的模型的时候衰落的。” 因此丹纳举出很多具体的例子来说明模仿的重要性，甚至在这一节结尾得出“整个艺术就在于正确与完全的模仿” 的结论。

然而读到这里我不得不发问，艺术确实源于生活回归于生活，但艺术也有颠覆生活超越时代的可能，比如卡夫卡的小说，梵高的绘画，都是不符合、或者说超越、颠覆它们所属时代的大多数人思想情感的趋向的。那么绝对模仿是不是艺术的目的呢？我提出了与丹纳接下来提及的同样的质疑，“倘是这样，那么绝对正确的模仿必定产生最美的作品。然而事实并不如此。” 丹纳依旧是举出丰富而有力的例子来论证，进而说明艺术的目的应当是“力求形似的是对象的某些东西而非全部”。因此，艺术品的本质在于“把一个对象的某些基本特征、至少是重要的特征，表现得越占主导地位越好，越明显越好”。“艺术品的目的就是要把这个特征表现得彰明较著；而艺术所要担负这个任务，是因为现实不能胜任。在现实界，特征不过居于主要地位；艺术却要使特征支配一切。特征在现实生活中固然把实物加工，但是不充分。特征的行动受着牵制，受着别的因素阻碍，不能深入事物之内留下一个充分深刻充分分明的印记。人感觉到这个缺陷，才发明艺术加以弥补。” 由此，丹纳最终对艺术品的目的得出了完善的结论：“艺术品的目的是表现某个主要的或突出的特征，也就是某个重要的观念，比实际的事物表现得更清楚更完全；为了做到这一点，艺术品必须是由许多互相关联的部分组成的一个总体，而各个部分的关系是经过有计划的改变的。在雕塑，绘画，诗歌三种模仿的艺术中，那些总体是与实物相符的。”

接下来，丹纳要讨论艺术品的产生。从前文就可以看出，他认为艺术品的产生取决于时代精神和周围的风俗。他的结论主要来源于两种证据：以经验为证，以推理为证。他在第一编的篇末引用的歌德的话，就很好的说明了这个观点：“不论你们的头脑和心灵多么广阔，都应当装满你们的时代的思想感情”。因此，由这种观点出发，丹纳开始分别讲述了意大利文艺复兴期的绘画，尼德兰的绘画，希腊的雕塑。他细致而生动讲述，正如他自己所说，将它们看作显著的例子，“使我能够在你们面前应用这条规律，证实这条规律。”这个规律便是“作品与环境必然完全符合”。然而对于丹纳所举例子的论述，傅雷先生在译者序中的一段话很客观的点出了他的局限所在：“……他虽则竭力挖掘精神文化的构成因素，但所揭露的时代与环境，只限于思想感情，道德宗教，政治法律，风俗人情，总之是一切属于上层建筑的东西。他没有直接触到社会的基础，他考察了人类生活的各个方面，却忽略了或是不够强调最基本的一面——经济生活。《艺术哲学》尽管材料如此丰富，论证如此详尽，仍不免予人以不全面的感觉，原因就在于此。古代的希腊，中世纪的欧洲，十五世纪的意大利，十六世纪的佛兰德斯，十七世纪的荷兰，上层建筑与社会基础的关系在这部书里没有说明。作者所提到的繁荣与衰落只描绘了社会的表面现象，他还认为这些现象只是政治、法律、宗教和民族性的混合产物；他完全没有认识社会的基本动力是在于生产力和生产关系。”

在漫长的三编“显著的例子”之后，丹纳继续阐释他的美学，谈及“艺术的理想”。首先说明，什么是艺术的理想。前文已经提过，艺术品的目的是表现基本的或显著的特征，比实物表现得更

完全更清楚。“艺术家对基本特征先构成一个观念，然后按照观念改变实物。经由这样改变的物就„与艺术家的观念相符‟，就是说成为„理想的‟了。”可见艺术家根据他的观念把事物加以改变而再现出来，事物就从现实的变为理想。“他体会到并区别出事物的主要特征，有系统的更动各个部分原有的关系，使特征更显著更居于主要地位，这就是艺术按照自己的观念改变事物。”然而，什么是好的艺术品，怎样给艺术分等级，评价它们的价值?这就涉及到对艺术的判断标准问题。丹纳在这一编的第二节中作出了如此论述：“……后世所下的最后判断，可以用判断的过程证明判断的可靠。先是与艺术家同时的人联合起来予以评价，这个意见就很有分量，因为有多少不同的气质，不同的教育，不同的思想感情共同参与；每个人在趣味方面的缺陷由别人的不同趣味加以补足；许多成见在互相冲突之下获得平衡；这种连续而相互的补充逐渐使最后的建议更接近事实。然后开启另一个时代，带来新的思想感情；以后再来一个时代；每个时代都把悬案重新审查；每个时代都根据各自的观点审查；倘若有所修正，便是彻底的修正，倘若加以证实，便是有力的证实。等到作品经过一个又一个的法庭而得到同样的评语，等到散处在几百年的裁判都下了同样的判决，那么这个判决大概是可靠的了；因为不高明的作品不可能使许多大相悬殊的意见归于一致。” 这段论述，初看貌似很有道理，但细一思考，从我个人角度看来，便有了些许质疑：首先，从“与艺术家同时的人”来说，他们共处一个时代，按照丹纳前文的观点，他们个人的价值观以及他们的作品所蕴含的思想，都是民俗习惯与时代精神共同促成的。那么同一时代的人必定有相近的价值观，同一时代的作品思想也大致有相通之处。这其中拥有不同思维，乃至颠覆当时时代潮流的人毕竟是少数，而这“少数”在“互相冲突”之中很难得到中和，大部分时候的结果是被“多数”所湮灭（好比政治上的“多数人的暴政”），一个时代的趣味缺陷在这个时代中未必能够“加以补足”，各种各样的成见相互冲突的结果也未必是“平衡”，但的确，无可置否的是，强烈的少数观点会对主流声音造成一定的冲击，并引发更多的人思考，对“开启另一个时代”是有促进作用的。另外，从“每个时代”的角度看，“每个时代都根据各自的观点审查；倘若有所修正，便是彻底的修正，倘若加以证实，便是有力的证实。”这却是无可厚非，但是“等到散处在几百年的裁判都下了同样的判决”，这个判决也未必是可靠的。因为，这个“几百年”到底是几个百年呢？到底要过确切的多少时间，确切的几番修正，得到结论才能被认为是定论呢？我们今年可能看到某些艺术品、艺术家已得到了定论，但谁能保证我们今天的结论不会被后人修正、乃至颠覆呢？这样的例子不必多举——我们对于前人的结论修正的还不够多吗？如果认为我们今天的一切都还不是定论，那么什么时候才有定论呢？还是沿用丹纳的观点，每一个时代的时代精神和民俗习惯都有与前代大相径庭的地方，每个时代人的价值观也会有诸多差异，那么审美眼光和评判标准可能就完全不同，我们认为美的也许下一个百年就是丑的，这是很正常的。那么如此推断，便陷入了无穷，即我们的结论下一代能够修正、推翻，那下一代还能被下下一代修正，那么下下一代也可以继续被修正被推翻……无穷无尽，永远没有定论，永远。

所以，我认为，艺术本身就不该有定论，每个人都可以有自己的看法，每个人都有自己的分析角度，欣赏思维。而对丹纳来说，他认为“艺术品的目的是使一个显著的特征居于支配一切的地位”，因此，他所认为的对艺术的判断规则即是：“一件作品越接近这个目的越完善；换句话说，作品把我们提出的条件完成得越正确越完全，占的地位就越高。”这条件是什么呢？丹纳也清晰的列出：“我们的条件有两个，就是特征必须是最显著的，并且是最有支配作用的。” 继而丹纳论述了“特征的重要程度”，用以说明作品的重要程度取决于特征的重要程度。然后论及“特征的有益程度”，仍然同上文论述的部分相当，先从精神生活，再提文学作品，继而是肉体生活，最后是造型艺术。得出的结论便是：要在自然界中观察特征的重要与益处，得到现实与艺术的高度协调。本书到此已近尾声，但丹纳显然不甘心于此，最后的部分又说到“效果集中的程度”：“特征本身已经考察过了，现在要考察特征移植到艺术品中以后的情形。特征不但需要具备最大的价值，还得在艺术品中尽可能的支配一切。唯有这样，特征才能完全放出光彩，轮廓完全突出；也唯有这样，特征在艺术品中才比实物更显著。”而要做到这一点，就“必须作品的各个部分通力合作，表现特征。” 因此，丹纳在此提出“集中的程度决定作品的地位；所以衡量艺术品的价值，在以上两个尺度 之外还有第三个尺度。” 接下来，便又是一番精神生活、文学、人体、造型艺术的举例，并且最后还是通过举例证明了上述规律 决定了艺术史上的各个阶段，由此说明这个规则的普遍性，至此，全书结束。

正如丹纳在序文中所说：“我们很容易认为艺术品的产生是由于兴之所至，既无规则，亦无理由，全是碰巧的，不可预料的，随意的；的确，艺术家创作的时候只凭他个人的幻想，群众赞许的时候也只凭一时的兴趣；艺术家的创造和群众的同情都是自发的，自由的，表面上和一阵风一样变化莫测。虽然如此，艺术的制作与欣赏也像风一样有许多确切的条件和固定的规律：揭露这些条件和规律应当是有益的。” 在我看来，通过这本书，他给予了我们这些有益的东西，他的目的达到了。但我们也应该看到他所作的研究局限所在。傅雷先生对此作了比较辩证且全面的分析：“有人批评他只采用有利于他理论的材料，抛弃一切抵触的材料。这是事实，而在一个建立某种学说的人尤其难于避免。要把正反双方的史实全部考虑到，把所有的例外和变格都解释清楚，决不是一个学者所能办到的，而有待于几个世代的人的努力，或者把研究的题目与范围缩减到最小限度，也许能少犯一些这一类的错误。”“……但丹纳至少已经走了第一步，用他的话来说，已经做了第一个实验，使后人知道将来的工作应当从哪几点上着手，他的经验有哪些部分可以接受，有哪些缺点需要改正。”

参考资料：

丹纳.艺术哲学[M].傅雷译,天津：天津社会科学院出版社，2007

第二篇：《艺术哲学》读书笔记

《艺术哲学》读书笔记

王 龙 一般而论，我们在实物中感到兴趣而要求艺术家摘录和表现的，无非是实物内部外部的逻辑，换句话说，是事物的结构，组织与配合。艺术家改变各个部分的关系，一定是像同一方向改变，而且是有意改变的，目的在于使对象的某一个“主要特征”，也就是艺术家对那个对象所抱的主要观念，显得特别清楚。……这特征便是哲学家所说的事物的“本质”，所以他们说艺术的目的是表现事物的本质。

艺术家必须是生性孤独、好沉思、爱正义的人，是个慷慨豪放、容易激动的人，流落在萎靡与腐化的群众之间，周围尽是欺诈与压迫，专制与不义，自由与乡土都受到摧残，连自己的生命也受到威胁，觉得活着不过是苟延残喘，既不甘屈服，只有整个儿逃避在艺术中间。

文明过度的特点是观念越来越强，形象越来越弱。……日常的精神活动从此变为纯粹的推理。所谓精神状态是指一个人的观念的种类、数量、性质。……但人身上还有比观念更重要的东西，就是他的结构，也就是他的性格，换句话说是他天生的本能，基本的嗜好，感觉的幅度，精力的强弱，总之是他内部动力的大小和方向。

在“意大利文艺复兴时期的绘画”一章，丹纳谈到了很

多当时意大利仇杀、下毒、暗杀的资料，这对了解《罗密欧与朱丽叶》故事的背景很有帮助。（十五世纪的意大利）理论家中最深刻的一个是马基雅维里，他是个了不起的人物，还是正派的爱国的人，有很高的天才，写了一部书叫做《论霸主》，说明奸诈和凶恶是正当的，至少是许可的。说得更正确些，他既没有许可，也没有辩护，他无所谓义愤，把良心问题搁在一边：他只用学者和洞达人情世故的专家身份来分析，解释；他提供材料，加上按语；古代生活的所有这些特点，都出于一个原因：就是非常平衡而简单的心灵。没有一组才能与倾向是损害了另一些才能与倾向而发展的，心灵没有居于主要地位，不曾因为发挥了任何特殊的作用而变质。……少受过度文明的奴役，因此他更接近于本色的人。

所有这些对立地情形，归结起来只是一种全新地不假思索地文化和一种煞费经营而混乱的文化的对立。希腊人方法少，工具少，制造工业的器械少，社会的机构少，学来的字眼少，输入的观念少。遗产和行李比较单薄，更易掌握；发育是一条直线的，一个系统的，精神上没有骚乱，没有不调和的成份，因此机能的活动更自由，人生观更健全，心灵与理智受到的折磨、疲劳，改头换面的变化，都比较少：这是他们生活的主要特点，也就反映在他们的艺术中间。

第三篇：丹纳艺术哲学读书笔记

《艺术哲学》读书笔记

丹纳(1828—1893)，丹纳是法国著名的哲学家 文艺理论家和史学家，历史文化学派的奠基者和领袖人物，被称为“批评家心目中的拿破仑”，他的《艺术哲学》对 19世纪的文艺研究产生了深远的影响。丹纳的主要文论著作有《拉·封丹及寓言诗》(1854)、《英国文学史》(1864—1869)、意大利游记》(1864—1866)、《艺术哲学》(1865—1869)等。另外关于哲学和历史，丹纳也多有著述。《艺术哲学》一书是丹纳在巴黎美术学校讲课时讲稿的辑录，包括文艺复兴时期意大利绘画。尼德兰绘画和希腊雕塑。也是丹纳最重要的文艺理论著作，集中体现了他的文艺理论思想。《艺术哲学》是傅雷于 1958—1959 年译出，并撰写了译者序，在《艺术哲学》中，丹纳分析了大量史实，对一些典型的文学现象进行了深入的探讨，书中列举了古希腊以及欧洲中世纪、文艺复兴时期的意大利、16 世纪的法国、17 世纪荷兰的艺术文艺史实，并加以分析比较，科学地揭示了文学艺术与种族、环境、时代这三个要素的紧密关系。

《艺术哲学》是一部关于艺术，历史及人类文化的巨著，采用的不是一般教科书的形式，而是以渊博精深之见解指出艺术发展的主要潮流。全书分成五大编，分别第一编是艺术品的本质及产生，第二编是意大利文艺复兴期的绘画，第三编是尼德兰的绘画，第四编是希腊的雕塑，第五编是艺术中德理想。其中第一编是对艺术品的起点性和总体特征做的第一个概括综述，而最后一编，则是丹纳自己美学思想的一个阐述。丹纳认为，艺术作品是一种社会现象。艺术作品属于一个总体。第一属于艺术家的全部作品这个总体。第二艺术家及其全部作品又属于一个比艺术更大的艺术宗派或艺术家家族。第三艺术家家族还包括在一个更大的总体之内。这就是在它周围而趣味和它一致的社会。艺术作品从属于一个总体，这个总体有三个层次，这三个层次逐层扩大包含。对艺术作品的研究必须从社会这个最大的总体出发，最终实现对艺术作品自身的研究。

在《艺术哲学》中，丹纳分析了大量史实，对一些典型的文学现象进行了深入的探讨，书中列举了古希腊以及欧洲中世纪、文艺复兴时期的意大利、16 世纪的法国、17 世纪荷兰的艺术文艺史实，并加以分析比较，科学地揭示了文学艺术与种族、环境、时代这三个要素的紧密关系。

丹纳的种族指的是种族特性，它来源于天生的遗传性，是一个种族区别于其他种族的独有特性，这是一种不会随着时代环境的发展变化而改变的原始印记。“我们所谓的种族，是指天生的和遗传的那些倾向，人带着它们来到这个世界上，而且它们通常更和身体的气质与结构所含的明显差别相结合。这些倾向因民族的不同而不同。”对于种族形成的原因，他更多地强调地理环境和自然气候。他认为种族的特征是由自然环境造就起来的，而种族的特征又体现在民族的精神文化上，成为民族精神文化原始动力的一个部分。

丹纳的所谓环境，既指地理、气候等自然环境，也指社会文化观念、思潮制度等社会环境。丹纳坚持整体的联系的观念，反对孤立地看待和分析事物。他认为一件艺术作品是从属于作者的全部作品的，艺术家本身也是隶属于某种艺术宗派或艺术家家族的。而艺术宗派则属于它周围趣味和与它相一致的社会。丹纳以希腊

悲剧的消亡为例，来说明社会环境变化对文学艺术发展所带来的显著影响。他说希腊悲剧的黄金时代，即埃斯库罗斯、索福克勒斯、欧里庇得斯的作品诞生的时代，正是希腊人战胜波斯人的时代，小小的共和城邦以极大的努力获得独立，在光明的世界中取得了领袖地位。而到了民主风气消亡与马其顿的入侵使希腊受到异族统治的时代，希腊的民族独立和精神元气一起丧失，悲剧也随之衰弱。

丹纳所谓的时代，内容较为广泛，包括精神文化、社会制度、政治经济状况等，这些因素影响当时的时代精神和风俗习惯，形成一个时代独有的“精神的气候”。丹纳首先从生物学的立场出发，认为气候和自然条件影响着物种的繁衍和生长，在荒僻的山峰上、怪石嶙峋的山脊上、陡峭的隘坡上，由于自然条件的恶劣，只有坚韧的松树可以生长。

在种族、环境、时代三个因素中，种族因素是内部根源，环境是外部压力，时代则是后天的推动力量，正是这三者的相互作用，影响和制约着包括文学艺术在内的精神文化的发展及其走向。丹纳关于构成精神文化三要素的理论明显受到前人的诸多影响。18 世纪前期启蒙思想家孟德斯鸠主张以人类社会和客观环境去探讨决定政治法律的因素；19 世纪初法国女作家史达尔夫人认为风俗环境、气候等自然条件决定着文学艺术的发展，自然环境与时代精神决定了文学艺术的发展方向，文艺是“民族精神”的产物。而在丹纳这里，关于文学艺术发展的种族、环境、时代三要素学说发展成为一个严密完整的理论体系，他的划分虽然有些含糊不清，但基本覆盖了影响文学艺术发展的主要因素，初步地揭示了文学艺术与外部世界的复杂关系。

丹纳以他渊博的知识和深厚的艺术修养，展示了一幅幅生动的不同时代的生活画面，并层层推进，论证充分，得出了令人信服的结论。从丹纳极力推崇的希腊雕塑中，我们可以看到他对于平衡而简单的心灵的向往。他认为在希腊文明中，人的精神和肉体是同等重要不可分离的，他们的生活朴素单纯而更接近自，所以创作出辉煌灿烂的艺术。而对于现代人过分追求灵魂和头脑，忽视了身体的发展，野心不断膨胀，造成了心灵与肉体的失衡，从而在艺术趣味方面片面追求刺激的情况，丹纳给予了含蓄的批评。他的艺术观念对于人的全面发展、对于“人”本身的重视，无疑也能给我们以深刻启示。

第四篇：哲学读书笔记

文艺与群众

文艺从群众中来，必须到群众中去。通俗地说，文化艺术由普通人创造，亦必须回到普通人中去充当积极的角色。这是一个我过去二十年不曾思考过的观点，但它确实是一个真理。

文艺为什么是从群众中来的呢？马克思主义者回答：人类的一切文化，包括艺术与文学，都是群众的劳动所创造的。确实，人类劳动创造了艺术。手本是劳动的器官，恩格斯却证明了手同样是劳动后进化的产物。正是有了劳动，我们的手才可以创造出各种各样的艺术作品，绘画、雕塑、诗歌、散文、戏剧、音乐……这一切的艺术形式无一例外来自群众的辛勤劳动。正是由于劳动，由于日益复杂的新的工作，人的手才达到了这种熟练的程度，以致它仿佛凭着魔力似的产生了毕加索的绘画，罗丹的思考者以及贝多芬的音乐。

鲁迅如是说：

我们的祖先的原始人，原是连话都不会说的，为了共同劳作。必须发表意见，才渐渐地练出复杂的声音来，假如那时大家抬木头，都觉得吃力了，却想不到发表，其中有一个叫道“杭育杭育”，那么，这就是创作；大家也要佩服，应用的，这就等于出版；倘若用什么记号留存下来，这就是文学：他应当是作家，也就是文学家，就是“杭育杭育派”。①

先生用最简单朴素的语言向大家解释了文学为什么来源于群众，来源于群众的劳动。

猿猴为了生存学会了使用木器、石器，学会了劳动，然后学会了

直立行走，从而逐步进化为人类。有了劳动才造就了人类，因为有了各种各样的劳动才造就了人类的思维，才学会思考，学会了发明创造，才有了美的感受。难道这一切都不足以说明文艺产生于人类的劳动吗？

那艺术与人类的发展之史又是怎样的呢？

人类一开始的原始社会，尽管当时的人类并不知道什么是艺术，但却在不知不觉中创作了各种各样的艺术作品。司母戊鼎、四羊方尊、结绳记事、仓颉造字、甲骨文、希腊神话……

原始社会的后来出现了社会分工，社会生产力飞速发展，然而艺术就此与劳动人民脱节了。社会分工出现的利弊，孰大孰小，我难以定论。马克思说：

由于分工，艺术天才完全集中在个别人身上，因而广大群众的艺术天才受到压抑。②

劳动用机器代替了手工劳动，同时却把一部分劳动者抛回野蛮的劳动，而使另一部分劳动者变为机器。劳动生产了智慧，却注定了劳动者的愚钝痴呆。③

有了社会分工后出现了专门的画家、雕塑家、音乐家、作家，就此，文学音乐画画离开了普通的劳动人民。众多的文艺形式成了常人难以企及的东西，即使他们企及了也无法感受到那种的感觉。

文艺需要得到解放，得到解救。文艺本是从群众中来的，必须到群众中去。

现在，艺术不再被专家学者束之高阁，民工作家、平民歌手频频

出现，苏珊大妈、旭日阳刚就是其中代表。如今的文艺已经初步走进群众，尽管也许是快餐艺术，或是民间艺术，但毕竟和群众的距离更近了。

文艺永远属于最广大的人民群众。

① 《鲁迅全集》，一九九三年版，第七十五页

② 《马恩列斯论文艺》，人民出版社，一九八零年版，第二十六页 ③ 《一八八四年经济学哲学手稿》，人民出版社，一九八三年版，第四十六页

第五篇：艺术哲学读后感

艺术哲学 读后感

K100940713 周志远

上了艺术哲学这门课后，我有很深刻的感受。这本书之所以能被介绍到国内来，是由于其作者是以近似唯物主义的观点来阐述其哲学思想的，对时代和经济对美学思想的影响十分强调，不同于黑格尔与谢林德国唯心主义的美学思想体系过于强调抽象的哲学逻辑，因此更容易被中国人所理解。

书的最大亮点在于,它把艺术史研讨与美学研讨联合为一体,提供了在以后搞艺术的详细实际环境,而不是像普通哲学一样的广泛纪律。艺术也是一个构成,发展,繁荣,衰落的过程,建筑计划应该跟当地的文化,环境,时代,种族,信仰,资金,技术,形体的大小等互相吻合,到达一种无机的团体,这才叫艺术美.他还提出了怎样鉴定艺术作品的的代价,艺术作品再现种族、环境和时代特性的程度及结果。一共有三条:特性的紧张程度;特性的无益程度;结果的集中程度。

作者运用具体事例说明抽象概念的能力早已被世界学术界公认，他讲述条理明晰、充满形象、富有热情，把艺术（美术）中难缠的问题清楚、明确的讲个通透，被称为逻辑家兼诗人。重点分析美学与艺术哲学的理性特征，努力使讲授建立在准科学的基础之上而非感觉和兴趣的基础之上，借鉴有效之法于美术教学中。在黑格尔的哲学思想。作者认为一切事物的发生、发展、演变、消灭都有规律可寻。艺术研

究的过程就是“从事实出发，不从主义出发，不是提出教训，而是提出规律，证明规律”、“我唯一的责任是罗列事实，说明在这些事实面前艺术是如何产生”。科学而严谨的治学方式奠定了戴维斯在艺术史学研究领域的地位。艺术研究就处在了一个复杂而立体的多维空间中，一切贯穿于艺术、自然、人文的主要特征和因果逻辑都有了一个必然的联系，这样就建构了一个和谐共生论、进化论的研究平台。他说：“我的方法的出发点是在于认定一件艺术品不是孤立的，在于找出艺术品所从属的，并且能解释艺术品的总体”，“由此我们可以定下一条规矩，要了解一件艺术品、一个艺术家、一群艺术家，必须正确的设想他们所属的时代精神和风俗概况，这是决定一切的基本原因”。

本书讲授的进程通篇都是由各个主要特征之间的网络关系与因果关系构建的。书中强调：发现和控制主要特征是人类的高级形态，是人类区别于动物的值得尊敬的才能。科学与艺术这对人类进程的双翼表现的也是主要特征，科学以定义和公式表现，艺术以审美与情感表现。上完这门课，感觉是一次彻底的洗脑过程。