第一篇:钢琴教学中钢琴二重奏的运用实践论文
摘要:钢琴二重奏是一种重要的钢琴演奏形式,在钢琴教学中融入钢琴二重奏教学内容,不仅有利于优化钢琴教学模式,激发学生学习兴趣,而且还有利于培养学生音乐素养,提高学生演奏技巧,增强学生团结协作精神。本文对钢琴教学中钢琴二重奏的运用价值和运用实践进行探讨,期望对提高钢琴教学效果有所帮助。
关键词:钢琴教学;钢琴二重奏;价值;实践
一、钢琴教学中钢琴二重奏的运用价值
(一)提高学生的练习兴趣
在钢琴教学中,学生长时间独自练习势必会感到枯燥、乏味,久而久之对练习产生厌烦心理,而运用钢琴二重奏能够有效改变这一现状,提高学生的练习兴趣。首先,钢琴二重奏可增加练习的多样性。两个学生在弹奏同一乐曲时,不同学生的触键方式和演奏方式均有所不同,能够赋予练习新鲜感。尤其在弹奏中出现双方意见分歧时,可以用两种不同的方式诠释作品,达到取长补短、历久常新的学习效果。其次,钢琴二重奏可增加练习的趣味性。钢琴二重奏拥有很多优秀的作品可供学生练习,使学生在合作练习中克服技术难关,并且钢琴二重奏所形成的新音响效果还能够让学生体验到声音的丰富多样,提高学生合作演奏的乐趣。
(二)提高学生对声音层次的把握力
钢琴二重奏能够提高学生在弹奏时对声音的感觉,合理控制声音的层次比例,训练学生敏锐的听觉。具体体现在以下三个方面:一是增强音量控制力。在大部分四手联弹作品中,通常由第一钢琴右手弹奏旋律,另外三只手弹奏伴奏声部,这时高音声部的旋律音符较少,易被下方声部掩盖,所以这三只手必须处于接近于无声但又能听清楚的程度。在这种情况下,学生要辨析声音音量的层次,通过细腻的触键,加强对音量的控制。二是增加音色变化。在一部分钢琴二重奏作品中,其作品是由交响乐或其他音乐形式改编而来,这就要求学生在弹奏时应当重视对不同乐器声音的模仿,赋予音色多变性。三是增强声部控制的理性。大部分学生在学习钢琴时往往只关注对弹奏技术的掌握,而忽视对弹奏本身的理性分析,如此一来只能听到优美的旋律,却听不到音乐中的和声织体,导致声部较为淡薄,缺乏层次感。但是通过钢琴二重奏可以弥补这一缺陷,尤其在练习多声部音乐作品时,更能体现钢琴二重奏的优势。
(三)提高学生弹奏的严谨性
在钢琴教学中,学生们经常会出现快速音符弹奏不够均匀,以及音符弹奏长度与乐谱不符的情况,他们忽视休止符的作用,而练习钢琴二重奏可以改善这一现状。如,在练习莫扎特D大调双钢琴奏鸣曲第三乐章时,若两位学生同时弹奏16分音符存在不均匀的情况,那么就会造成音乐混乱,所以教师要让两位学生慢练,用严谨的练习态度保证同样的触键方式才能弹好该段落。在钢琴二重奏练习的初期,学生很难做到弹奏一致,这就要求学生必须严格按照乐谱进行弹奏,不能掺杂个人的弹奏习惯,直到两人对乐谱演奏熟练后,再通过沟通协商增加适度的自由伸缩度,用自己的理解去诠释音乐作品,避免出现不符合乐谱的过分自由。此外,在钢琴二重奏练习中,两名学生要先各自单独弹奏给对方听,让对方了解自己的韵律,而后再找寻双方适合的变化幅度,从而有利于减少钢琴二重奏时出现韵律不和谐的现象。
(四)提升学生的音乐素养
在钢琴教学中引入钢琴二重奏练习,能够增强学生团结协作精神、审美能力、以及音乐表现力,对提升学生的音乐素养具有不可忽视的作用。首先,在培养团结协作精神方面,钢琴二重奏能够促使学生彼此之间达到精神上的沟通交流,积极主动地配合对方,控制好自己弹奏的力度和速度,才能共同完成弹奏作品,充分展现钢琴二重奏的音乐魅力。其次,在培养学生音乐审美能力方面,钢琴二重奏要求学生了解音乐的声部,演奏时保持高度的注意力,有助于增强学生的音乐听觉。同时,学生在演奏时还要融入丰富的想象力和情感,用更加准确的弹奏方式诠释音乐作品,提高学生对音乐的鉴赏力。再次,在培养学生音乐表现力方面,钢琴二重奏打破了传统的演奏形式,在弹奏技巧层面增加了难度,而这种技巧难度的增加恰恰有助于提升演奏者的艺术感染力,通过丰富且独具特色的演奏形式提升学生在演奏时的音乐表现力。
二、钢琴教学中钢琴二重奏的运用实践
(一)教学方法的运用
钢琴二重奏分为四手联奏和双钢琴两种演奏形式,在钢琴教学中广泛运用的四手联奏形式,在曲目和音域上有着诸多限制,降低了钢琴二重奏教学的灵活性。为此,钢琴教学应当转变这一教学现状,改进传统四手联奏的教学方式,并积极推广运用双钢琴教学方法,促进钢琴二重奏教学的深入开展。学校应为学生建设独立的双钢琴教室,布置多架钢琴满足学生练习需要。在练习钢琴二重奏时,合作者既可以由生生之间配对组成,也可以由师生之间配合组成,同时还可以构建起多人多台钢琴的教学模式,激发学生的学习兴趣,促使学生更加深入地理解和把握弹奏技巧,增强学生在配合弹奏时的默契程度,培养学生团结协作精神。此外,教师还要根据学生的基础水平适当调整教学方式,对于配合默契、技术水平较高的学生,让他们练习一些技巧难度较高的曲目,唤醒他们的求胜欲望,让他们在挑战难度中获取成功的喜悦;对于配合默契不足、基础较差的学生,教师可选取经过改编而降低难度的曲目让他们练习,树立他们的自信心,使其扎实掌握弹奏技巧。
(二)弹奏技术要点的运用
在开展钢琴二重奏教学时,必须重视弹奏技术要点的运用,要求学生保证合奏的齐整性,具体包括以下四个方面:一是触键协调一致。在二重奏练习中,教师要培养学生双方统一的节奏感、敏锐的听觉,确保乐句起止整齐、乐音清晰、衔接流畅,让合奏双方达到内心感应的高度契合。二是起始音合奏默契。在弹奏之前,双方应当约定好暗示方式,如将手放在琴键上,主奏者抬起手腕的瞬间双方一起触键。这就要求合作者必须仔细观察主奏者的手腕、肘部、手臂的细微动作,通过长时间的反复磨合,达到一定的默契程度。三是乐曲中部合奏的和谐统一。在钢琴二重奏练习时,双方必须认真分析乐曲旋律、节奏以及和声对位等方面的要点,充分理解乐曲的内涵,在此基础上使双方达到和谐统一的演奏配合。四是节奏的把控。演奏双方要全面掌握乐曲节奏的律动,准确弹奏每个音符,多加默契度练习,最终达到演奏速率、力度变化以及节拍律动的同步。
(三)音乐表现技巧的运用
钢琴二重奏的音乐表现技巧运用体现在以下三个方面:一是主奏与协奏。双钢琴组合演奏中,乐曲的主奏声部通常都是由第一钢琴进行演奏,而第二钢琴则主要负责协奏声部的演奏,由于演奏的过程中,两架钢琴在音区上不可避免地会存在交织与重叠的情况,所以,必须认真对待旋律的分配。双钢琴组合演奏时,演奏的双方既相互独立,又互相合作,他们之间的关系非常微妙。同时,两者又都必须服务于整体效果,在必要时需要通过淡化自我表现,合理地表现音乐。二是声部的和谐。双钢琴演奏与四手联弹能否达到应有效果的关键在于合奏时,要能听到对方的声部,这就要求演奏者要明确自己在声部中所承担的任务,而且还要具有一定的效果想象力,始终保持节拍的感觉。通过倾听,能够使彼此之间的配合更加默契,这样才能使乐曲的主旋律与伴奏音相互交织,从而达到声部的和谐。三是踏板的技巧。有的演奏者在进行钢琴合奏时,会习惯性踩上踏板,这样很容易扰乱音乐,为使乐曲能够达到最佳的效果,要求演奏者应掌握踏板的技巧,并对何时使用踏板做到心中有数。
三、结语
总而言之,钢琴二重奏是一种音乐表现力极强的钢琴演奏形式,在国际国内钢琴演奏与比赛中的地位日益突出。为此,在钢琴教学中要将钢琴二重奏纳入到课程体系中,不断改进和创新钢琴二重奏的教学方法,重视弹奏技术要点和音乐表现技巧的运用,从而培养学生音乐协调能力、审美能力、表现能力,全面提升学生的音乐素养,使学生始终保持对钢琴学习的兴趣,提高钢琴教学效果。
参考文献:
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第二篇:钢琴二重奏教学现状及应用论文
摘要:在社会经济快速发展的情况下,人们的生活水平不断提高,同时也推动了我国教育事业的发展,目前,国家提倡学生德、智、体、美、劳全面发展,近些年,许多高校对音体美学生的招生数量不断扩大,进一步加强艺体生人才的培养。在音乐教学中,钢琴教学是音乐教学的重要组成部分,而钢琴二重奏教学则是从钢琴教学中总结出来的演奏方法,所以对学生的钢琴演奏技术要求比较高,但由于在钢琴教学中能够取得较好的教学效果,因而被许多钢琴教师运用于教学中。为了进一步提高钢琴二重奏的教学质量,下面就当前高校钢琴二重奏教学现状进行分析,并对钢琴二重奏在钢琴教学中的应用进行深入研究,以此为高校钢琴教学提供有价值的参考。
关键词:钢琴;二重奏;钢琴教学;应用研究
在钢琴教学中,钢琴二重奏是一种比较传统的钢琴弹奏方式,其演奏具体分为四手联弹和双钢琴演奏两种,由于钢琴二重奏在弹奏时需要两个人同时弹奏,不仅需要演奏者之间有良好的默契度,而且对弹奏人员的钢琴技术要求也非常高。目前,许多高校在钢琴教学中普遍采用钢琴二重奏教学,在高校钢琴教学中具有较强的教学意义和教学价值,对学生的钢琴教学成长具有非常大的促进作用,因此,在钢琴教学中如何应用好钢琴二重奏教学成为许多高校钢琴教师重点研究的方面,本文就围绕钢琴二重奏在钢琴教学中的现状进行全面的分析研究。
一、钢琴二重奏概述
钢琴二重奏起源比较早,发展时间比较长,在十六世纪的欧洲出现,最早是以四联弹的形式出现的,也被越来越多的人熟识,其中最早被运用四手联弹演奏的曲目为《管风琴四手联弹诗曲》,并在钢琴二重奏中成为奠基性曲目。四手联弹的出现与当时钢琴教学有非常大的联系,对于钢琴初学者,由于钢琴弹奏功底差,而且学习期间也弹奏联系初学者的曲目,当时作曲家也针对钢琴初学者设置了单手演奏的乐曲,因此初学者进行单手演奏学习,而教师在教学期间使用双手指导弹奏,出现了三手联弹的现象。而四手联弹主要是演奏者无法对钢琴实施全面控制,因而借助另一名演奏者进行合作演奏,以此达到全面控制钢琴键盘的效果。在钢琴演奏方面,最著名的四手联弹演奏家是莫扎特,莫扎特不仅在音乐发展中起到非常大的促进作用,而且还对钢琴二重奏的发展发挥了巨大的作用,莫扎特的第一部音乐作品就是一首四手联弹曲,在当时莫扎特和他的妹妹一起完成,自莫扎特后,钢琴二重奏对音乐的发展产生了很大的影响,并被许多作曲家推崇运用,至今涌现了许多优秀的钢琴二重奏曲目。时至今日,音乐在人们的生活中依然占据非常重要的部分,而钢琴二重奏成为钢琴教学的重要组成部分。
二、钢琴二重奏在钢琴教学中的现状分析
钢琴二重奏在钢琴教学中占据非常重要的部分,追溯钢琴二重奏的发展历史,虽然钢琴二重奏的弹奏被人们熟识,也对钢琴演奏起到了很大的影响,但在钢琴教育教学中,直至二十世纪末教师在教学中才注意到了钢琴二重奏弹奏,并在钢琴教学中被广泛运用,同时许多钢琴教师在开始研究钢琴二重奏,但相关的研究文章却比较少,也没有相对成系统的研究体系,因此从整体而言,钢琴二重奏的教学体系还有待进一步的完善。虽然钢琴二重奏教学在高校钢琴研究中具有重要的促进作用,但在实际教学中却缺乏系统的教材,也没有构建系统完整的体系,并且在钢琴教学中,钢琴教师对钢琴二重奏教学的认识水平比较低,而且学校对钢琴二重奏教学的重视程度比较低,对高校钢琴二重奏教学没有提供良好的教学环境,钢琴教学设备也不充分,再加上钢琴二重奏的曲目比较有限,作品的难度也逐渐增加,教师在钢琴教学中安排学生合奏的机会越来越少,因而也无法系统开展全面的钢琴二重奏训练,阻碍了钢琴二重奏在钢琴教学中的发展。
三、钢琴二重奏在钢琴教学中的具体应用
(一)钢琴二重奏在钢琴教学方法上的具体应用
钢琴二重奏教学不仅需要二人同时演奏,而且还需要双钢琴演奏器材,但在钢琴教学期间却要全面考虑钢琴教学在我国的发展情况,由于我国的双钢琴起步比较晚,推广运用的困难比较大,因而在我国的全国高校钢琴教学中开展效果不是特别显著,此外,由于双钢琴教学对教学场地和教学环境、以及教学器材的要求比较高,因而高校要开展钢琴二重奏教学,不仅要选择钢琴技术优秀的学生实施两两配合研究,而且还要在钢琴琴房中设置多架双钢琴,并设置单独的双钢琴教室,定期为学生开展双钢琴教学,提高学生钢琴二重奏的演奏技能。当然,为了提高学生对钢琴二重奏学习的兴趣,钢琴教师在钢琴二重奏教学期间积极转变教学方法和教学形式,提高钢琴教学的灵活性,并且,教师在钢琴二重奏教学期间既要加强学生之间的交流沟通,提升双钢琴演奏的默契度,同时也要加强教师与学生之间的交流,对学生的学习情况充分掌握,进而构建多人多台钢琴重奏教学模式。
(二)钢琴二重奏在演奏技术方法方面的应用分析
在钢琴二重奏演奏技术方面主要讲究钢琴合奏的齐整性,首先,在触键盘方面要一致,即钢琴二重奏合奏的两人需要在同一时间接触键盘,进而达到触键音准的协调一致性,在钢琴学习中,音准是初学者必备的功课之一,如果初学者在把握触键音准协调之后,还要注意钢琴乐句起止的整齐性和乐音的清晰度,此外,还要在钢琴二重奏合奏期间要确保音乐呼吸的衔接流畅性,为此,教师在钢琴二重奏教学期间要培养学生的听觉能力和合奏者之间的内心感应力。其次,教师在钢琴二重奏教学期间还要注重合奏者之间的主次之分,并在钢琴演奏之前做好准备,不仅要有特定的暗号,而且还要有提示拍子,并在合奏练习过程中相互观察同伴的手腕、手臂等关键肢体动作,确保合奏者之间的音符达到同步,提高主次合奏的默契度。在表现技巧方面,教师在钢琴二重奏教学期间要注重三个方面,首先,合奏者要加强主奏与协奏之间的协调性,由于双钢琴分为主奏声部和协奏声部,在演奏期间,合奏者要以整体的演奏为主,让自我表现服务于整体钢琴曲目的演奏中。其次,在合奏期间还要注重钢琴各声部的和谐,在这方面需要合奏者善于倾听同伴的声部,并控制好自己的手指,让声音表现具有层次感。最后还要注重踏板的运用方法,运用踏板能够增加乐曲音色的协调性,因而在钢琴二重奏合奏之前要充分理解乐曲,并在合奏期间要用心感受,进而达到双钢琴合作的和谐统一性。
四、结语
在高校教育教学不断改革的同时,钢琴教学也同样取得了良好的发展,目前,钢琴教育工作者不断的探索研究,在钢琴教学期间积极引入钢琴二重奏教学,从整体上提高了学生的演奏水平,但为了提高钢琴二重奏教学的质量,需要高等院校加强钢琴二重奏教学的重视,为钢琴教学提供良好的教学环境,此外,教师也要加强钢琴教学和钢琴演奏技术方面的教学,从整体上提高钢琴二重奏教学水平。
参考文献:
[1]王明远.钢琴二重奏在钢琴教学中的应用[J].黄河之声,2016,15:16-17.[2]胡琼方.钢琴二重奏在钢琴教学中的应用思考[J].音乐时空,2016,06:134+133.[3]唐玲.钢琴二重奏在钢琴教学中的应用初探[J].赤峰学院学报(自然科学版),2014,14:237-239.
第三篇:钢琴教学中钢琴二重奏的运用分析与阐述
钢琴教学中钢琴二重奏的运用分析与阐述
摘要:尽管钢琴二重奏已经步入进我国乐器的教育领域,但是部分钢琴教师对这一演奏认识程度不深入,应用不得体。基于此现状,文章对钢琴二重奏发展历史与特征进行概,继而重点探究这一演奏方式在钢琴教学中具体应用的方面,同时阐述其应用价值,希望与同行一起分享,共同推进我国钢琴教学事业发展的进程。
关键词:钢琴教学;钢琴二重奏;四手联弹;双钢琴;运用
钢琴二重奏在钢琴教学中的运用所发挥的作用是不可比拟的,其能够大幅度的培养以及升华学生的综合素养。因此作为钢琴教师务必要增强对其重视程度,认识其不仅仅是一种钢琴表演形式,更是一种教学手段,那么教师在对学生进行弹奏技能教学之时,合理的应用特质化的弹奏特点使传统的钢琴教学方式发生变革与创新。
一、浅谈钢琴二重奏
(一)描述钢琴二重奏发展历程与应用的必要性
据文献记载中可以发现,四手联弹主要是通过三手联弹所发展起来的,其发展的速度明显快于双钢琴。欧洲作为钢琴二重奏的发源地,四手联弹被现代学者视为最早的起源形式。
四手联弹这一钢琴演奏方式之所以备受广大师生的亲睐,主要原因有以下两点:一是其与现阶段钢琴专业的教学需求相吻合,钢琴技能初学者因为被作曲者定义为单手演奏的角色,教师承担着合作者的角色,对存在弹奏难度的段句进行双手弹奏,那么这种三手联弹教学模式的启用不利于学生创造思维的培养与发挥,因此积极的导入钢二重奏这一教学模式是极为必要的;第二,在过去的钢琴教学中,弹奏者不具有对两个键盘同时掌控的能力。因此,学生在演奏钢琴曲目的过程中,如果只仅仅依靠一个演奏者的双手那么是绝对无法达到理想演奏效果的,所以钢琴教学在这种局势中必然会引入四手联弹和双钢琴这两种二重奏演奏的方式,同时合作机制的建立,有效的对另一个演奏者的手指加以应用,那么钢琴曲目演奏的目标就完美的达到了。
(二)解析钢琴二重奏的特征
概括的说,四手联弹与双钢琴演奏方式均是借助两个人合作的途径使钢琴曲目达到完成的目标,此时钢琴二重奏自身具备以下三方面的特征:
每一个演奏者都应该具备一定的合作能力,一是钢琴曲目合作的两个演奏者演奏双方承担着演奏不同声部的责任,每一演奏者自身具备一定表现能力的同时,合作的双方之间应该具有一定的默契程度,此时其之间的协调性也将会上升到一定的水平,这样才能顺利的完成这部钢琴曲目的演奏任务;二是钢琴二重奏在发展的过程中有着各式各样的体裁,为后代音乐家搭建了五彩斑斓的声部表现舞台,为音乐事业的长足发展奠定基石,这一钢琴演奏形式的在钢琴教学中引进与应用,使演奏者的四只手共同的参与进曲目演奏的整个进程中,双方在声部在转换与交流的进程中音色与音质更具清晰的特性;此外,钢琴二重奏在教学中的运用,在音乐高声的部分,所带来的震撼效应更上一层楼;再者,钢琴二重奏最突出的特征为其将众多交响曲与各类音乐有机打的整合在一起,在艺术形式分析的过程中,其原有的音乐作品形式与精神文化呈现出产程发展的局面,实现了艺术文化以及艺术价值的综合性发展,使音乐更加丰富多彩,让不同的人们更加容易接受,使之成为另一个经典。
2、钢琴教学中二重奏的运用
钢琴二重奏这一演奏形式在我国钢琴教学领域流行的时间相对短暂,国内对其研讨的成效也不显著,所以可以推测的是二重奏涉略的范畴也相对狭隘,内容规划也不具有完整性,此时一个系统性钢琴二重奏演奏体系的建设健全也就无从谈起了。而且,在一些钢琴课程专业教学中,受到一些传统文化的影响,缺少对钢琴演奏的重视性,再加上学生对钢琴曲目自主选择的机会不多,学习能力相对较弱,虽然教师会提供机会但是学生在曲目演奏中会对演奏内容存在缺陷性的认识,导致教学计划缺少,在这种教学氛围下,缺少硬件条件的支持,没有充足大量的练习,所选择的演奏曲目发生了相互脱节的现象,最后没有完美的呈现出来,为教育体系的革新造成制约。但是,在钢琴二重奏演奏方式分析中,其呈现出良性化的发展方向,因此,这种演奏方式在某种程度上为学生提供了创新性的发展空间。
3、钢琴教学中钢琴二重奏的实践运用
(一)教学方法方面
在目前的钢琴教学中,通过对二重奏演奏的研究四手联奏具有较高的实践应用性,但是又因为曲目与音域强存在众多的制约因素,此时钢琴二重奏教学的灵敏性相应的被折扣,所演奏的曲目不能完美的呈现出来。对于钢琴教育人员也让,在教学中需要树立创新性的意识,通过双钢琴教学方法的运用及分析,可以达到教学的实效性价值,因此,教育人员需要通过对教学方式的改良及创新,提升教学中的核心目标,明确双钢琴教学的基本方式,从而充分满足学生对钢琴演奏及练习中的基本需求,使学生积极参与到演奏活动之中,完善教育的创新理念,通过生生合作、师生配合教学方法的应用,调动其学生弹奏的兴致,协助他们对双钢琴这一钢琴二重奏演奏技巧有更加全面的认识与深刻的掌握;此外,多人多台钢琴这一教学模式的启用,强化了学生配合弹奏之时的默契度,为他们健康人格的塑造奠定基础。当然,教师在对钢琴二重奏进行应用之时,还可以参照学生的学习能力以及基础水平,将具有高难度的曲目安排给那些配合默契、技艺相对较高的学生,激发他们不断进取的欲望;对于底子薄弱、配合默契程度相对较差的学生布置一些经过创改、难度适中的曲目。总之,多元化教学方法能够使钢琴专业全体学生对钢琴二重奏技能有一定的掌握,达到了学有所得的目标。
(二)弹奏技术要点方面
教师在对钢琴二重奏开展教学工作之时,务必要提升对弹奏技术要点运用的重视程度,使学生在合奏的过程中始终坚持齐整性的原则,具体在以下四个方面体现出来:
一是触键应具有协调性和一致性。
学生在练习二重奏过程中应该着重注意节奏感,两位演奏者之间也应培养出默契,与此同时利用有效的手段强化他们的听觉能力,这样被弹奏的钢琴曲目起落有致且齐整、乐音乐色清晰透亮、乐句之间衔接更显流畅性与紧密性;此外,上述教学工作的落实使共同练习二重奏的学生达到了心灵互感的效果;二是起始音合奏的默契性。
在该种教学方式分析中,主要是通过对二重奏练习方式的整合分析,进行弹奏技术的完善。所以合作者应该认真的观察主奏者手腕、手臂微妙的变动以及具有敏锐的观察力,在长期的合作磨合过程中,起始音合作的默契程度显著的提升;三是曲目中部合奏的和谐性与统一性。
只要学生在对钢琴二重奏练习之时,合作双方对曲目的旋律、节奏以及声对位等技艺要点进行深度的分析,最终达到透彻领会钢琴曲目实质与内涵的目标,这样就能使曲目中部达到和谐性与统一性的合奏效果;四是二重奏节奏的把握与控制。
演奏双方对曲目节奏的律动应该全方位的、扎实的理解与掌握,这样各个音符的弹奏才具有精确性,与此同时增加默契度训练的时长,最终实现曲目演奏速率、力度变化幅度、节拍律动具有同步特征的目标。(三)音乐表现技巧方面
钢琴二重奏的音乐表现技巧大体上在以下三方面体现出来:
在双钢琴弹奏的过程中,两架钢琴在音区情况下产生交织和重叠现象是必然的。
一是主奏与协奏。
这是因为在两家琴同时演奏的过程中,一般主要旋律由第一钢琴来进行演奏,第二钢琴的主要任务是协奏声部的演奏,因此双钢琴弹奏者应该细致的做好旋律的配置工作。只有这样双钢琴双方在弹奏的过程中处于相对独立状态,同时又相互配合,可见他们之间的关系是玄妙的;演奏时要求演奏者不仅要把握好作品本身想要表达的情感意境,更要结合自身的技术以及巧妙的结合,将作品本身发展到淋漓尽致。此外,在弹奏的全过程中双方务必要为整体演奏的质量效劳,在特殊情况下借助强化自我面部表情,有效的将音乐内涵体现出来。二是声部的和谐。
钢琴二重奏在弹奏之时能够达到预期的效果,主要取决于合奏的过程中彼此是否能够听得到对方的声部,那么为了使双钢琴演奏与四手联弹达到理想的效果,弹奏者在事前就应该清楚自己在声部中所担任的“角色”,还应该具备一定的想象能力,以此途径去维持节拍的感觉。演奏者要掌握倾听的技巧,从而去增强与对方配合的默契程度,当上述内容一一落实以后,曲目的主旋律伴奏音两者交融,此时二重奏声部演奏达到和谐的效果;三是踏板的技巧。
因为有些二重奏弹奏者在参与合奏之时有踩踏板的习惯,这就使音色与音质等方面受到一定的干扰,那么为了使曲目在二重演奏达到良好的效果,演奏者应该掌握一些基本型的技巧,这样就不会盲目的对踏板进行使用。四、概述钢琴二重奏在钢琴教学中运用的价值
(一)培养学生音乐的综合素养
通过练习双钢琴与四指连弹可以提升学生的各种能力,可以提高学生对曲目和声的理解,手指对钢琴音色的控制能力,两位演奏者之间相互的默契程度。要求学生大幅度的增加练习时间,深入了解钢琴二重奏的深刻意义,领悟到其中的精髓并加以技巧,使得学生的音乐综合素养的得以提高。
(二)激发学生学习钢琴的主动性与积极性
相关研究证实,双钢琴以及四手联弹所彰显的艺术色彩比钢琴独奏更为浓烈,更有内涵性,表现力更为强劲,其将钢琴内外的潜能挖掘出来,那么钢琴二重奏教学方式在钢琴课堂中的引进与应用,将竞争性质的合作体制渗透进钢琴教学进程的同时,再使“一对一”传统教学模式发生转型,大幅度的调动了学生学琴练琴的主动性;此外,钢琴乐曲的多样性以及可供选择性也是调动学生兴致的一个要素,尤其是《挪威舞曲》、《土耳其进行曲》、《匈牙利舞曲》这些重奏钢琴作品,韵律优美独特,节奏生动活泼,曲目的情绪欢乐流畅,那么可以推测的是学生在对上述类型的钢琴曲目联系的兴致固然是高涨的。
(三)培养学生表演能力、合作以及协调能力
钢琴二重奏可以被视为一类具有合作色彩的艺术类型,培养的是学生之间的默契性,同时弹奏者自身应该具有一定的艺术修养,对艺术知识具有刻苦专研,认真学习的态度。两名学生在协作的过程中,取长补短、互通有无,音感好的学生对音感相对较差学生起到了辅佐与带动的作用。可以让学生在课后重点去欣赏学习优秀的钢琴二重奏作品,学习并贯穿其中的技巧与情感,再结合学生自身对曲目的理解,倾注自己的情感,使学生的表演能力得到有效的提高。通常情况下旋律会交替出现在两位演奏者之间,为学生创造了更多的乐句对话、音色模仿机会,此时音感相对较差的学生演奏歌唱性旋律钢琴作品的能力大跨度增强;因为节奏感鲜明的曲目在钢琴二重奏教学活动中也会时而出现的,那么感受能力相对不足的学生在相互配合的进程中会受到来自对方的感染、启迪与引导。在培养他们节奏感与韵律感方面发挥巨大的实效性,学生长期的训练四指连弹与双钢琴弹奏方式,在其个性发展以及人格的塑造等方面体现极大的应用价值,由此可见可以教学方式在钢琴课程中的一运用,使学生的对音乐的理解会更加提升,身心得到整体的发展与进步。
结束语:
由本文的论述可见,钢琴二重奏在钢琴教学中的运用所发挥的作用是不可比拟的,其能够大幅度的培养以及升华学生的综合素养。因此作为钢琴教师务必要增强对其重视程度,认识其不仅仅是一种钢琴表演形式,更是一种教学手段,那么教师在对学生进行弹奏技能教学之时,合理的应用特质化的弹奏特点使传统的钢琴教学方式发生变革与创新,为高素质钢琴专业人才的培养奠定基石的同时也推动了我国钢琴教学事业发展方面的重要力量!
参考文献:
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第四篇:色彩在钢琴教学中的运用论文
内容摘要:
钢琴演奏是高等师范院校的一门主要课程,同时,钢琴又是社会需求量最大的具有实用功能的一种乐器。如何进一步完善钢琴教学并提高学生钢琴演奏技能,是每一位钢琴教师的职责所在。
关 键 词:
色彩教学 钢琴演奏 立体感觉
学生在学习钢琴演奏过程中,由于受到内部与外部条件的影响,在演奏作品时往往追求大而响的声音,认为只有大而响的声音才是正确的,从而忽略了作品原本具有的风格和内涵。在高师钢琴教学课程中,钢琴演奏是一门主要课程,由于它在音乐教育中占有很重要的地位,笔者在色彩教学思想方面作了一些较深入的探索。
色彩教学的思想内涵
在现今的钢琴教学中,重技巧、轻音乐感觉的教学模式比比皆是。大多数情况下,学生拿到钢琴作业时,不是先去分析作品的创作背景、时代特色、音乐风格、作曲家的意图以及作品的和声、织体、曲式结构等一系列应当注意和研究的问题,而是急于完成作业,粗枝大叶、交差了事。这样一来,所完成的作业又有什么意义呢?也许有些作品如此弹奏不至于会破坏音乐作品的风格,而对于一些极富表现力的作品而言,如此弹奏则会破坏其作品的音乐风格。例如:根据我国古曲及传统乐曲改编的钢琴曲《夕阳箫鼓》,法国印象派作曲家德彪西的钢琴曲《月光》。这两首钢琴曲在音乐、色彩及诗情画意等方面有着异曲同工之妙。如果对上述音乐创作背景和它的文化内涵缺乏深入细致的体会,那就肯定弹奏不出乐曲的优美意境,弹奏不出乐曲的艺术色彩,因而乐曲的整体风格及其光彩之处便会遭到扭曲和破坏。
一般认为,色彩在美术领域中运用得较为广泛,而运用在音乐教学中则很少。实际上,音乐教学在许多方面是离不开美术的,古人云:“诗中有画,画中有诗”。“诗是有声画,画是无声诗。”诗、画、乐三者是相通的,音乐同样具有色彩美。那么音乐中的色彩到底是什么呢?让我们首先从美术色彩的三要素谈起。色彩是由多种颜色组成的,而任何颜色的组成都离不开色彩的色相、明度和纯度。在绘画中用光线来构成情调的重要方法是明暗调子。蓓蒂.L·施莱姆在其所著《绘画与光》这本书中指出:“如果我们用音乐世界中的乐器之王——钢琴来解释美术中色调的这个问题,那么,钢琴中的高音音域则相当于绘画中的亮色调,而钢琴中的低音音域则相当于绘画中的暗色调。当然,无论钢琴上的音阶还是色调中的层次都有属于中间的。”同样,钢琴在演奏作品时也应有明暗色彩上的变化。根据这种明暗色彩的理论,在音乐中表现明暗色彩的变化主要体现在力度与速度的变化及对比上。而将色彩学运用在音乐领域中的人物则是法国印象主义作曲家德彪西。德彪西在其作品中始终抓住了光线与色彩的瞬间感觉,将诗意、画面、乐思三者巧妙地结合在一起。
近年来,很多关于钢琴教学的文章都谈到在教学过程中要注重“音色、歌唱性”的弹奏方法,却忽略了色彩教学在钢琴教学中的运用。有时由于钢琴作品的风格及作曲家的创作意图的不同,因此便产生了不同性格的音乐作品。而色彩也同样具有各种各样的性格,例如:性格热烈的人喜欢红色,因为红色可以使人联想到太阳、火焰等,并给人以喜庆、热烈和吉祥的感受;性格开朗的人喜欢黄色,因为黄色给人以辉煌之感,并使人联想到黄金、阳光等;性格平和的人喜欢绿色,因为绿色给人以和平、安全之感,使人感觉到万事万物都充满了生机、青春和希望……因此,在钢琴教学中如果能够充分运用色彩教学,则会使学生加深记忆和理解,对正确演奏与处理钢琴作品将产生积极的影响。
色彩教学思想在钢琴教学中的具体体现
在我国古典音乐的宝库中,曾有这样一首曲目与印象主义音乐十分相似,这就是由黎英海根据一首琵琶曲《夕阳箫鼓》(又名《夕阳箫歌》、《浔阳琵琶》、《浔阳夜月》等)改编的钢琴曲《夕阳箫鼓》。《夕阳箫鼓》汲取了我国唐代诗人张若虚的诗歌《春江花月夜》中的美妙意境,融诗情、画意、哲理为一体,形象地刻画了夜色、月色、水色那美不胜收的美好景色。这首钢琴曲在保留原琵琶曲的风格基础上,运用了民族五声织体写法,四五度的空泛和声及琵琶、古筝等民族乐器演奏法的特点,以其优美而又空灵的音乐风格将我们带入一个纯净、美妙而又如诗如画的音乐世界里,以恬静的田园风光和深邃的诗歌意境,为我们展现了中国传统的美学思想。
在演奏这首作品时,教师应首先根据作品的内涵及中心思想给学生进行讲解。如在“引子”这一段,钢琴模拟江楼钟鼓,音乐的进行是在钢琴的低声区;而在力度上是一个mp的要求,由远而近、由弱到强逐渐过渡到钢琴的中声区、高声区。首先,主题的出现演奏了一段优美如歌、具有江南风格的主旋律,力度在mf—p之间,给人们展现出了一幅微波荡漾、轻风拂面、夕阳柔和、月上梢头的美好场景。其次,主题音调移高四度,自由模进使音乐有轻轻上升的动感,恰似月亮从江面上缓缓升起,流水荡漾,令人神采飞扬,神清气爽,给人一种登高远眺、联想无限之感。再次,钢琴再度模拟江楼钟鼓,顿挫有力的上行模进音型,力度、速度上的变化则给人以渔舟破水、浪花飞溅、掀起波澜、惊涛骇浪之感,并将音乐推向高潮。尾声的部分则给人以归舟远去、静寂无声之感。全曲令人回肠荡气,心旷神怡。此曲特别注意的是在演奏五声音阶的时候,由于此时的音符是模仿古筝的音色,因此要注意色彩的运用。这是一种光与影的运用,力度上的变化要具有强烈的对比性。因此,在演奏这首作品时要尽可能地将音乐中的力度与美术中的白色、绿色、银色、灰色等色彩的性格和以上这些色彩在作品中的感觉运用到作品的弹奏过程中,并正确把握这些色彩在作品中的音乐感觉。上述诸多因素的综合运用,将会产生不同的声响效果与色彩特征,由此也会形成不同的演奏风格并产生特殊的音响效果。
又如《月光》这首小曲,是德彪西在1890年开始写作的钢琴组曲《贝加摩组曲》中的一首,由《前奏曲》、《小步舞曲》、《月光》和《巴斯比舞曲》等四首小曲组成。这一组曲直到1905年才出版,前后历时15年,可见这一组曲的写作经过了相当长时间的推敲。这一组曲不但旋律优美,而且运用了色彩极其丰富的和声,表明了德彪西已逐渐走向他自己所创立的印象派,是德彪西那独特的个性逐渐进入成熟时期的过渡性作品。组曲的曲名则来源于德彪西在意大利留学时对意大利北部贝加摩地区风景的感受和留下的深刻印象。《月光》是《贝加摩组曲》的第三曲,很有表情的行板,9/8拍子。它是德彪西的钢琴作品中最为大众化的一首,美丽的旋律暗示了对月光的印象,较弱和弦的反复出现更加深了这一印象,而速度轻快的琶音描写了月光闪烁的皎洁色彩,令人仿佛置身于晴朗而幽静的深夜氛围之中。
印象派画家所要捕捉的是光与影之间的感觉,而德彪西就像这些画家一样,他以音乐捕捉事物的印象或情绪,并且是用最简捷的方式将一瞬间所产生的某个音乐念头记录下来。德彪西可以说是一位革命性的音乐家。他创新和声与旋律,在他的音乐中,色彩、音色与节奏的重要性绝对不亚于和声与旋律。德彪西认为:“音乐因其本性使然,绝不可能被局限于传统与固定的形式中,音乐是颜色与韵律的组合。”正由于他所具有的得天独厚的音乐天赋,他才能创造出有音乐色彩的音乐。这种能力大半是天生的,很难用后天的训练培养。
虽然德彪西没有专业的钢琴技巧,但他却创作了大量的钢琴曲。敏锐的音乐感觉帮助他弥补了一切技术上的缺憾,从他指尖上流泻出来的音乐、和声和色彩简直就是一首首清丽、高雅而又富于动感的优美诗篇。尤其是这首《月光》,更是将色彩与音乐结合得完美无瑕。这首作品取材于法国象征派诗人魏伦的一首同名诗,并将诗篇中几位舞者的艺术形象复活在音乐作品中。钢琴的高超演奏充分地表现出舞者在美丽而又柔和的月光之下轻盈舞蹈的艺术形象,同时又通过音乐的塑造让我们感受到了舞者的舞姿所表现出的一种奇异而又神秘的色彩。音乐在开始进入时给人以非常安谧和静寂之感,使我们从中能够感受到大自然给人们带来的和谐与宁静之美。
音乐从第15小节之后,逐渐增强了力度与律动感,而传统式的分解和弦则为乐曲奠定了稳定的基础,同时在主旋律声部的下方不断地运动着。这其中还有中间声部起着点缀作用的音程,而运用钟铃声的原理则使一些浮动着的柔和泛音能够产生出如水面波光闪烁的音响效果。这样就使这部作品在音乐上既具有统一的风格,也同时具有了丰富多彩的色彩上的对比。在音乐旋律的引导下,听觉形象逐渐转化为视觉形象,听觉与视觉相互沟通、相互作用,在人们面前展现出一幅诗情画意、音响丰满、月光如水的立体画面。
运用色彩教学思想充分调动学生的潜在能力
可以这样说,美术的色彩表现在颜色上的运用,而音乐中的色彩则表现在力度与速度的变化上。在以上这两首钢琴曲的教学过程中,如果教师能够抓住色彩教学的思想内涵,那么将会产生出很好的教学效果。
在艺术表现形式上,钢琴是一种极富表现力的乐器,对于演奏者来说,这种艺术形式又是一种极富创造力的表演艺术。这就要求教师在教学过程中牢牢抓住这一特性,有目的地将色彩教学贯穿始终。这样才能使钢琴教学寻找到新的突破点,并针对学生在学习钢琴过程中缺乏想象力、没有色彩感的缺陷,加强其训练的力度与强度,让他们习惯在看乐谱的时候就养成伴随着色彩和想象力来阅读作品的习惯,从而使他们逐渐形成用丰富的画面和丰富的想象来演奏作品的能力。
这是可以做到的,因为每个正常人都具有这种生理和心理的潜力。佛家常说:“六根(眼、耳、鼻、舌、身、意)互用”,所以能“耳中见色,眼里闻声”,“耳目互治,以度众难”。恩格斯在《自然辩证法》中早就指出:“触觉和视觉是如此地互相补充,以至我们往往可以根据某一物的外形来预言它在触觉上的性质。”触觉和视觉是如此,听觉和视觉以及其他感觉系统之间也是如此。它们之间相互作用,可以帮助人们度过“众难”——排除或减弱各种感觉系统之间的障碍和局限,获得对世间万物的整体认识。例如:失明的人从鼓风机的声音,可以“看见”炉中的熊熊烈火;失聪的人从音乐师的动作,可以“听”出乐声的高低起伏。其实这种感觉现象并不奇怪,因为人的各种感觉神经系统及其在大脑中的相应的区域,不是孤立的封闭系统,而是彼此独立而又相互联系的整体系统。它们在感知外界事物时可以相互贯通、相互补充、相互诱发。当一种感觉功能发生了困难,另一种感觉功能就可以在一定限度内助它一臂之力。很多的例子可以证明这一点,那就是生理和心理是有一定的活动规律的,而当刺激物对器官的感受作用形成一个复杂的过程之后,这其中就关系着生理和心理之间的相互作用及反射的活动。教师的责任则是帮助学生在学习的过程中掌握这个规律,引导学生在学习的过程中自觉并熟练地运用这个规律,并调动起学生的内在学习潜力,完成听觉与视觉、音响与色彩之间的整体呈现。
任何一种演奏形式和演奏习惯都是不断培养和通过自我努力不断完善的过程。在教学过程中教师要有的放矢地进行教学,避免空洞的说教;学生则必须积极主动地与教师配合,而不应该只将自己当成一个什么都不懂的小学生,更不应该将老师当成一个陪练者来完成视谱工作。在教与学的过程中,教师首先要对作品进行深入细致的研究,对作品中具有色彩表现的地方要进行丰富多彩的、富有感性的讲解。这样就可使学生在理性认识的基础上逐渐加强和丰富自己的想象力,在钢琴演奏中表现出色彩绚丽的艺术世界。
参考文献:
[1]蓓蒂.L·施莱姆著,郑录高编译《绘画与光》,天津人民美术出版社,1983年3月
[2]石家泉著《色彩在室内设计中的作用》,原载于《艺术教育》,2005年第3期
[3]弗兰克·道斯著《德彪西的钢琴音乐》,人民音乐出版社,1985年4月
[4]朱秋华编著《德彪西》,东方出版社,1997年1月
第五篇:钢琴论文
钢琴基本技术包括音阶、和弦、琶音、八度等技巧,也就是人们常说的“基本功”,是钢琴学习中最为重要的内容之一,但不少钢琴学习者都对这些内容缺乏认识或不感兴趣,没有予以高度重视,以致在钢琴学习中遇到越来越多的技术障碍。所以,只有当你正确认识学习基本技术的意义和作用,并用正确的方法进行练习,打好钢琴演奏的基本功,才能轻松愉快、得心应手地去弹奏各种高难度的艺术作品!
一、重要性
伟大的钢琴教育家卡尔·车尔尼有一句名言:如果你问我,怎样才能成为好的钢琴家,那么你告诉我,你练了多少音阶?!伟大的作曲家、举世瞩目的钢琴大师——拉赫玛尼诺夫也指出:出色的钢琴家,必须具有干净、快速、清晰、灵活的基本技巧,一针见血地高度概括了钢琴基本技术学习的重要性。
众所周知,精彩动人的音乐需要演奏者全身心投入的演奏,细腻地刻画音乐形象,而这一切往往需要出色的、辉煌的技巧,可以说,没有过硬的技巧,音乐表现就无从谈起!而基本技术包括了钢琴演奏中所遇到的几乎所有技术问题,渗透于几乎所有音乐作品的每一个句子当中!钢琴学习者必须用大量的时间进行基本技术的训练,尤其是在早期学习阶段进行系统的练习,对于手指、臂、腕等生理机能的潜力,将得到最好的发掘,为日后的进一步学习奠定极其坚实的基础!在你的钢琴学习生涯中,你在基本技术训练中的每一分努力,都将得到加倍的回报。打个比方:你在基本技巧训练中多花一小时的时间,你完全有可能在音乐作品的练习中节省两个小时以上的时间,却得到更好的效果。全国考级直至任何一个地方的考级都规定音阶、和弦、琶音等基本技术是必考项目,已经足以证明这些内容的重要性,但不少学生却几乎从来都不练或者很少进行基本技巧的练习,直至为了应付钢琴考级才匆匆忙忙练出必考的几个调的音阶。这一切所带来的后果则是“营养不良”、技术生疏、进步缓慢、学习效率极低!而不少令人感到“进步神速”的学生却在基本技术上暗下功夫,他们尝到苦练基本技巧所带来的甜头后,更进一步在这里下功夫,这种良性循环使他们达到了令人望尘莫及的成就。许许多多的钢琴家更是从小起直至整个演奏生涯当中从没停止过一天的基本技术的练习。在这一切证明之后,难道你还能怀疑钢琴基本技巧训练的重要性吗?!那么,到底需要多少时间进行这一训练呢?答案当然是越多越好。总之,在学生时代每天拿出你练琴时间的1/3进行基本技术训练绝不过分!
二、训练方法
1.慢练为主,结合变速练习
首先,不论哪种技巧,在初学阶段都必须用很慢的速度进行练习,这一点尤为重要!只有用很慢的速度,才能把每一个动作的细节准确地奏出,并且有足够的时间去注意指法等问题。慢练的重要性是怎么强调都不过分的。慢练是克服一切技术障碍最有效的方法;慢练犹如“放大镜”,把所有细节都扩大,让你真正体会到各个关节的动作,使动作简练,下键力度集中,并体会到触键的细微感觉,使每个音都充满“美”„„慢练需要极大的耐心,真正做到持之以恒地慢练,将让你受益终生,慢练是弹好钢琴的秘诀!慢练应贯穿于学习的全过程!
始终坚持以慢练为主,在掌握正确触键的基础上,能够把每一个音弹得均匀、清晰、集中之后,利用节拍器结合变速练习,快慢循环结合,把各种技巧弹得飞快而保持每个音的均匀、清晰,对于克服手指连续跑动的困难是十分有效的方法。
2.分手练
经常分手练习,可以使每个音都达到要求,学习效率更高。不但在练习的初级阶段要分手练,而且必须随时穿插分手练习。在初学阶段,分手练有利于提高准确性,如指法、下键的准确性等。尤其是许多初学者,左手总是处于被动的地位,一味地跟着右手走,在触键的力度、音色把握等方面起不到锻炼的作用。所以,经常进行分手练习,并特别注意倾听左手弹出的声音,改善触键,你会感到受益匪浅。
3.高抬指练习与贴键练习相结合
触键练习中,适度的高抬指练习是很重要的,这可以使手指第三关节积极运动,手指动作迅捷有力,以发出扎实、均匀的声音。然而,手指的真功夫不在于抬得高,而在于控制住每一个手指,使其依靠微小的精确动作,把每个音都弹得结实、集中而均匀。可以说,抬高的最终目的就是为了能不抬高(贴键)。因为在高难度的快速经过句中,手指是不可能高高抬起的,这时速度虽然很快,却要求每个音都保持清晰、干净、有颗粒性,这都是通过高抬指练习后才可能达到的结果。然而,并非所有的快速音符都需要很有力度的声音,有许多经过句就需要快速而又异常柔美的声音,这就需要通过持之以恒的贴键练习而达到目的。因此,可以说经常做贴键练习,训练手指第一关节,加强手指对键盘的控制能力,对于获得集中而圆润的“美”的音色是非常重要的!个别教师过分强调手指高高的抬起,使学生把注意力和力量都用在抬高手指上,而忽视了下键力度的集中,做了许多无用功。所以说,适当的抬高手指练习是必要的,但应把注意力更多地放在手指集中力量下键上,这样才能用最经济的手段、最节约的动作达到最好的声音效果!
三、触健与音色
有关触键原理及各种触键方法运用方面的问题,笔者在(如何创造“美”的音色)一文中已有较为详尽的阐释,因篇幅关系,笔者就不再重复,在这里重点谈谈触键方法中最为核心的问题——手腕的运用以及一些尤其重要而又在教学中极易出现偏差的触键问题:
手腕的运用是重量弹奏法中最为重要的课题!手腕是连接手指与手臂最直接的中转站,手腕运用得好,手臂甚至上半身的重量就能直接传递到手指、琴键,从而产生丰富多彩的音色,轻而易举地弹奏出铿锵有力的、柔和甜美而又饱满、富有穿透力的音色,同时也能轻松自如地弹奏各种快速经过句。手腕在钢琴演奏中的作用就如汽车的减震器,乘坐高级轿车和低档汽车,舒适性截然不同,而起决定性作用的首先当然是减震器,它带给你的不仅是舒适,还保证你的安全。可以说:不能正确的运用手腕,你的演奏就永远不可能达到钢琴演奏的巅峰!
1.在弹奏音阶、琶音、分解和弦时,应注意手腕上下与左右的运动。一般来说,弹奏一指(拇指)时,手腕总是处于比较低的位置,就如手臂自然落下时的高度;从二指(食指)过渡到五指(小指),手腕逐渐升高,整只手的重心向四五指转移,这时你就会感觉到手臂的重量很自然的从手指输送到琴键上,击发出饱满、圆润而迷人的声音!尤其在弹奏较宽的音程时,手的重心转移尤其显得重要!由于任何人的四五指都天生的较一、二、三指薄弱,所以在弹奏四五指时适当地抬高手腕有助于把手臂的重量更好地传送到指尖,使每个手指弹出的声音一样均匀、饱满、统一。
在钢琴普及教育中有两种极为常见的触键方面的错误:
a.手腕僵硬。个别教师片面要求学生的手腕平稳,完全限制手腕的上下运动,甚至使用极其古老而早已淘汰的方法,长期要求学生在手腕上面放一枚硬币进行弹奏而不允许掉下来,使学生的手臂、手腕愈发紧张,最后变得僵硬。这样的结果必将严重阻碍学生的进一步学习,他们将永远无法去演奏那些高难度的作品。
b.用手腕直接去“压”出声音。年纪小的学生手指力度较小,如果教师片面要求音量,却不能用正确的触键方法去弹奏,学生就用手腕去帮忙“压”出每一个音。我们经常看到一些学生弹琴时手腕不停地上下抖动,手指弹每一个音手腕都往下压,弹得很吃力,速度却始终上不去。
以上两种错误的触键方法都严重阻碍了学生的进步,需特别注意。只有放松、自如、优美而正确的手腕动作,才能使你把各种高深的技巧,不论怎样的速度和力度要求,均弹得轻松自如、精彩绝伦!
2.为了最终能够把音阶、琶音弹得飞快、均匀、连贯而清晰,除了掌握上述正确的触键方法之外,需注意三个诀窍:
a.弹奏音阶、琶音右手上行和左手下行时,应注意拇指的动作提前。即:拇指每次一弹完自己所属的琴键后,应迅速转移至最接近后面应由它弹奏的琴键上,而不是等其他手指弹完之后再突然跳至下一个琴键上;
b.弹奏音阶、琶音右手下行与左手上行时,应运用手腕的上下左右的动作使声音连贯,而并非利用大臂外甩的动作来帮助手指把音符连起来。在弹奏右手上行或左手下行时,大臂自然放松下垂,弹至最后一个音时,大臂略微外摆,利用横向动作带动,肘部略微提高(其幅度是大臂不必外甩而手指跨指时能顺利地把声音弹得连贯,同时大臂、肩膀不应感到疲劳),弹奏右手下行或左手上行;
c.注意手指的准备动作:一次性抬起(稍微抬起即可,不必高抬指),需要马上弹奏的手指,随时做好往下弹的准备,而不是每弹一个音抬起一个手指,影响弹奏速度(只有最经济的动作,才能创造出作品所需要的最快的速度)。利用手指的爆发力,加上手臂的重量(通过手腕动作传输到指尖),迅速下键(如锤子敲钉子般),即可弹出飞快而清晰的音符。
值得注意的是:弹奏半音阶有一定的特殊性,白键和黑键频繁的转换,要求手腕动作非常平稳,上下的动作比弹音阶、琶音等小得多,特别强调拇指更高的站起来,配合三指在黑键上的高度,以保证声音的统一和快速的演奏。即使如此,也应注意手腕是放松,而不是僵硬的!
3.弹奏强有力的和弦时,应注意用往前推的力量去弹。手指贴键,运用手臂本身的重量加上爆发力,通过手腕往上的动作,瞬间发力,使所有的力量毫无损失的集中到指尖,并在发力之后(几乎同时),迅速放松手腕和手臂,从而弹奏出强有力、声音集中而不刺耳的音色。尤其需要强调的是:不能使往下用力压手腕的方法来弹和弦,这样力量会集中到手腕的下方,而不是指尖,并导致小臂的紧张,这也是教学过程中经常见到的错误的触键方法。或许有些学生还会觉得疑惑:为什么应该用往前推的力量而不用往下压的力量去弹?事实上,意念中是往前推,但手指是自然弯曲的,力量到达弯曲的手指之后一转弯就变成往下的力量去击发琴键。运用这种触键方法(注意:手指贴键弹),能够弹奏出极具震撼力而不炸、不破、不刺耳的声音。而在弹奏较为轻巧的和弦时,手的架子仍应牢固,手指贴键,指尖有一种往后“抓”的感觉,弹出来的声音轻巧而又集中,不散、不虚,有生命力。
4在弹奏和弦及八度时同时需要特别强调的就是手型。在弹奏和弦及八度时往往需要较大的力度集中到指尖,这时就需要一个非常坚固的手型(架子)去支撑,否则再大的力量经过疲软的手型后不可能产生坚实、有力、集中的音色。因此,在弹奏和弦及八度时,应该创造一个牢固的“架子”,想象手里抓起一只名贵的碗,或想象自己的手就像老鹰的爪子或芭蕾舞演员的足尖绷紧一样坚固有力,同时,手臂就像老鹰的翅膀一样在空中自由的飞翔,或像芭蕾舞演员的身躯一样放松自如地画出优美的线条。手臂和手腕松紧结合,并且在必要时把手的重心偏向小指,创造出辉煌、震撼的和弦与八度技巧。
5.音色的控制:掌握正确触键方法的最终目标就是让钢琴产生良好的音色,不论任何技巧、任何力度的触键,都必须保持音色的“美”!不少人认为基本技术的训练主要是提高手指的速度和力度,只要能弹得很响就行,音色无所谓,这正是钢琴教学中一个很大的误区,而且这个误区相当严重,随处可见。他们丢掉了一个重要的原则:钢琴的音色应作到“强而不炸,弱而不虚”。钢琴技术中最难的不是速度和力度,而是音色。尤其是中国的钢琴教学,不少业余教师片面的、过分的强调高抬指练习,音色完全不考虑。表面上手指的功夫似乎练出来了,事实上,真正的功夫在声音的控制上,他们完全忘了。中国确实出了不少钢琴人才,毋庸置疑。在庞大的学琴队伍中,许多孩子能把高难度的作品弹得一个音不落,但能弹出好音色的孩子则不多。对比欧美国家,也许有不少孩子弹奏一首小曲都不是非常熟练,但他们却能发出你喜欢的声音,而且他们弹得很快乐,让你爰不释手——因为他们弹奏的是音乐,而不仅是键盘!
许多年纪很小的学生就能演奏不少钢琴家在舞台上演奏的难度很大的音乐会作品,那么他们和钢琴大师的区别在哪里呢?显而易见,最大的区别就在于对音乐的理解、表达和音色。音色,是音乐表达中最重要的手段,没有正确的、好的音色,音乐表现就无从谈起。钢琴技术包括的不仅是速度和力度,最重要的还包括对声音的控制能力!所以,在练习基本技巧时,必须用你的耳朵仔细倾听每一个音的音色,从此,美妙的琴声便伴随着你。
总而言之,钢琴基本技术的训练贯穿了钢琴艺术学习生涯的整个过程,对于最终钢琴演奏能否成功起着举足轻重的作用,每一位钢琴学习者都必须运用正确的学习方法、掌握正确的触键方法,持之以恒地坚持每天进行钢琴基本技术的练习,做到“十年如一日”,你一定会发现:一切努力都是值得的!