第一篇：水彩游戏的说课稿
说教材
本课为浙版小学美术第二册第2课——《水彩游戏》。
儿童的生活离不开游戏，不管是“丢手帕”、“老鹰捉小鸡”，还是简单的兔子舞，都能释放他们的纯真和快乐。水彩游戏以色彩的流动变化、水色交融，让儿童充满想象和向往，更能激起他们的创造力。当随意的滴、淌、染、吹造就一幅幅意想不到的杰作时，孩子们的想象之窗也被打开了，染出万花筒，吹成百草园，滴出太阳雨，淌出千千万万朵美丽的火花，使我们看到了他们赋予作品的稚拙却深刻的情感。水彩游戏对培养儿童色彩的敏锐感知力、调控力与想象力有较大的作用，而这些能力也是孩子们以后学习新知、参与社会、创建事业所必不可少的要素之一。
本课以《水彩游戏》为题，通过水彩的不同技法和工具材料的运用，表现各种不同的色彩搭配形成的效果，新奇有趣，极富想象力。教材选择了红、黄、蓝，三原色组成的学生作品，目的是让学生进一步认识各种不同的色彩名称，感受色彩游戏的魅力。教材还选择了滴、淌、染、吹这些水彩画技法，更让学生在基础学习水彩技法的同时创造出新的水彩玩法，激发学生学习水彩画的兴趣，同时还让学生进行适当地联想、想象、添画，使学生在不知不觉中学会了知识，锻炼了能力，增强了创新意识，提高了审美情趣。
说教学目标
1.了解滴、淌、吹、染这些不同水彩技法产生的效果。
2.初步学习运用滴、淌、吹、染这些不同水彩技法创作一幅有主题的水彩画。
3.培养学生敢于创作，勇于创新的精神。
说教学重点难点
重点：学习水彩游戏的各种玩法。
难点：运用多种形式的水彩技法创作一幅有主题的水彩画。
说教学法
突出学生的主体地位，遵循学生自主尝试，体验感悟的指导思想进行教学。
首先，通过纸筒人带来的礼物导入，这样的导入既符合学生的年龄特点又激起了他们的学习兴趣。接着，以学生的自主尝试与探究进行美术体验并在原有的基础上进行发明创造，使活动更近一步。然后，根据对比得出添画的方法，有意的让学生对作品进行主题性的创作。最后，以“水彩游戏，放飞创想”的展板形式进行展示，不光是展示了学生本课的创作，更重要的是展示着学生体验的一种感受，每幅作品都是有思想有生命的，这样的活动也显得更有意义。
说教学程序
一、猜测技法，激发兴趣
1.出示四幅水彩作品，学生观察并猜测其表现方法。
2.尝试用四种方法进行水彩游戏，教师小结水彩技法。
3.揭题《水彩游戏》。
二、尝试游戏，探究技法
1.学生自主尝试水彩游戏。
2.学生发明新的水彩玩法。
三、欣赏作品，引出添画
1.欣赏大师作品，对比得出添画。
2.学生帮教师进行添画联想。
3.学生交流添画设想。
四、水彩游戏，放飞创想
学生进行水彩游戏，教师巡回指导。
五、作品展示，自主评价
请学生谈谈创作方法，画面表达的情景以及表达的个人情感。
六、拓展延伸，获得提升
欣赏不同工具，不同方法表现的水彩作品，拓展学生的水彩表现形式。
第二篇：水彩静物
版画系基础课教学讲义
课程名称：水彩静物 授课年级：一年级
授课时间：2005.11.29——2006.1.6 授课时数：112学时 授课教师：薛守田
一、课题设置、时间安排与作业量
课题：水彩静物
授课时间：2005.11.29——2006.1.6 第一、二周：水彩静物速写
第三 —— 七周：水彩静物
二、总体教学要求与教学目的
一年级水彩静物教学目的初步了解和掌握水彩画工具的特点及技法特征逐步对水彩画表现的基本性能有一个全面的实践和认识、加强对色彩构成和色彩关系的研究和实践、要求画面完整、色彩和谐，具有一定艺术形式版画。
三、教学讲义具体内容：
水彩静物画
静物画，最早出现于十七世纪初叶，欧洲意大利画家卡拉瓦索乔（CARAVAGGIO1573-1609）是最初出现的静物画家。此后至十七世纪以后，荷兰小画派发展了它，逐渐形成了一个独立的画种。静物画是水彩画中常用的题材，学习水彩画一般是从静物写生开始的。因为静物造型比较简单，形体静止不动，采光可控，因为较为稳定不易受季节气候变化影响。画者能偷窃的研究对象的行、色、质、空间和水彩技法。作为水彩画练习技巧来说，应注意两点：
一、始终强调重视培养和训练出学者的色彩感觉。
二、始终强调重视培养和训练初学者熟练掌握水彩画的工具，材料性能和水彩画的基本技 1 巧。因为这是水彩画的基础，可以为下一步学习风景、任务准备不可缺少的条件。
一、水彩画着色步骤
水彩画的形体塑造、色彩关系、空间层次都是由色彩在湿时或干后的相互重叠、连接而完成的。所以着色时需要根据景物的特点（如空间与质地的不同）来灵活制定一幅画的着色步骤。是采用先色光后形体的由浅到深的步骤，还是先深后浅，先远后近的步骤，或者是使用几上看包方法交互进行呢，都要有一个设想。同时还要考虑到天气条件。太热的天气，水分蒸发较快，宜于干后多次重叠；而润湿的季节，则易于趁湿进行连接与重叠。当然，在着色过程中，还可能发生各种预想不以的情况，需要及时调整。改变着色的方法与步骤。但这不意味着不需要制定着色的方法与步骤了。相反，由于画前有这样一个计划，才地掌握作画过程中的主动，才会使一幅画的形体与色彩由简到繁，由单纯到丰富，有序地成为一幅完整的作品。
二、室内色光的变化规律
室内写生因采光方向、角度的不同，便有侧、项、逆、平之分。再加上环境色彩的影响，物象上光色变化必然是很复杂的，但是，不管它是如何复杂总是有其规律可寻的。如果我们把物象的固有色、光源色和环境色作为不可分割的整体来观察和研究，就不难发现这些规律。我们的任务就是要认识和掌握它，用之于好物写生。归纳 2 起来，物象的色彩存在和变化 体上有下述几种：
（一）色彩冷暖变化规律
1、物象亮面色彩冷暖及色相，受光源色的冷暖与色相的影响。如果光源色的色光强，物象亮面的色彩冷暖就依光源色的色彩为转移，若光源色的色光弱，则物象的固有色的冷暖起主导作用。
2、物象暗面的色彩冷暖及色相，受环境色的冷暖与色相影响。如果环境色的色光强，物象的冷暖依环境色的色彩为转移，若环境色的色光弱，物象固有色的冷暖起主导作用。
3、物象的中间部分（中间调子，又称半调子），则是以固有色的冷暖和色相为主，同时又变光源包及环境色的影响，但不显著。
4、高光本身的色彩，主要看光源的强弱是而定，若光源包强，高光即光源包，同时还随着物体本身反光特性的强弱而不同。
5、明暗交界线部分的色彩冷暖及色调基本与暗部相同，只是在明度上更暗，色感更弱。
6、反光部分，属于暗面的组成部分，它的色彩变化与暗部基本相同，但在明度上较亮，受环境色的冷暖和色相的影响较暗部明显。
以上是室内色光变化的一般基本特点。而某些个别情况的出现，只能在一定条件之下才会发生，例如有一种室内色彩关系是亮面冷暗面暖，是由于吃天天空的冷色辐射，所以亮面就变冷了，而暗面变暖是受到环境色的影响。
（二）色彩强弱的变化规律
1、物体离光源近，受光面明度高，背光面明度低，形成对强烈的反差。反之物体离光源远，反差则小。
2、距视点近的物体感觉强，远的感觉则弱。
3、明度距离大体相同的物品，暖色系色强，冷色系色弱。
4、多种物品放在一起，其色相、黑白及冷暖对越大的越强，越小的越弱。
此外，色彩的空间透视变化规律，和上面所述大体相似：色彩纯度高的、暖色系的、冷暖及明暗对比强的感觉近，反之则感觉远些。
（三）侧光、迎光、顶光、平光（正面光）下物体色彩的变化规律
1、侧光：物象作感强，调子丰富，层次较多，亮面，半调子及暗面，反光等色彩变化明显，易于辨别。亮面受先原色的影响大，明度高低定于光源的强弱，色相既受光源色的影响，同时又呈现出固有色，除阳光直射外，一般怕冷。高光部则呈光源色，半调子部位，以固有色为主，同时受光源和环境色的影响，但不明显。明暗交界线（实为面），其色彩是固有色加深，同时受环境色的影响。反光部分受环境色的影响较大。从整体而言，亮部和暗部的色彩冷暖，总是呈现出相反的趋向。
2、逆光：逆光下的物品是主体深重，物象的外轮廓受光源的影响大，其色相色性主要反映光源色。有时外形呈剪影状，物体大面 4 积处于背光。色彩变化微弱而复杂，对比柔和，体感不强，其阴影形长而沉重，物体明暗关系就总体而言是上部暗下部亮。
3、顶光：光源来自物体的上方，如天窗射入的阳光或上方抽入的灯光，使物体朝上面的部位明度强，色彩的冷暖及色相受顶光光源色的影响，半调子部位的色彩以固有色为主，同时受光源及环境色的影响，但不明显，背光部分受环境色的影响大，因光源来自上方，水平面接受光源照射的面积大。因此，一般反光强烈，环境色影响明显。
4、平光：平光（亦称正面光）照射下的物体其轮廓清楚，体感不如例光下的物体强，但结构明确。色彩以固有色为，层次变化微弱，明暗、冷暖对比都不大，环境色主要来自背景的反射，反映在物体轮廓部位，但一般都不明显，画手光下的静物写生时，由于色彩变化较少，若不细心观察、精心处理，就容易使画面的色彩单调，特别是在物体之间色调、明度、冷暖区别细微的时候。更难找 色彩的变化，这时，我们就要采用比较的方法，概括起来就是：“明度相同从色相、冷暖上分；冷暖相同的从明度上分”。这样，就不难找出其微妙的差别写实风格的绘画，要求“真实”地表现物象。因此，画出物体的质感，就成为绘画不可缺少的要素，作为绘画练习的基本功来看，表现质感，也是很重要的技巧训练。表现物体的质感，是以其结构、光亮、重量、质地、肌理等多种因素的综合来体现的。不同质地的物体，如木、石、陶器、金属等等，对光的吸收和反射 5 具有不同的特点。由此而构成“质”的外表特征，给人以不同的视觉印象，因而产生了“触觉”的联想效果。这说明我们可以通过描绘物体对光的吸收来和反射状态来表现物体质地的光滑、粗糙或是软硬等等特点。物体的种类很多，为了阐述方便，可将物体质地的不同类型，概括为以下三种：
（1）表面坚硬、光滑，结构紧密的物品，如瓷器、电镀器皿、玻璃和金属物品等，它们都具有强烈的反射光的作用。这类物品上的明暗对比强烈，受光源色和环境色的影响很重。反光相互映照，色彩变化多端，亮部的最突出点（或面），受光后成垂直反射，产生出最有表情的辉点（或城面）。因而高光强烈，物体的固有色相对减弱。表现这类物品，重点是表现其亮部、高光和反光的色彩。要画得坚实，肯定有力。除反光部分和明暗交界线处，第一遍色可用水较多外，其余部分都不宜过多，高光部位可留白纸底，然后用肯定的笔触干净利落地扫上光源色，使之明确。如晴部色彩弱，可先着上固有色后，再轻轻地在相应的部位上画反映的环境色（也可以反过来先画环境色再画固定色），还可在固有色不干时，用含不多的湿笔，提擦去一部分周有色，这时环境色就会自然而生动地显示出来。
电镀和金属物品，亮部到暗部的色彩及明度的变化都很复杂，一般界线都较为清楚，有时呈现出明显的条状带，在表现时要注意，玻璃器皿是透明或半透明的。要注意表现其折光和透光，折光的存在，往往会呈现出反射出来的耀光现象。这种精光点有时很多，但 6 其明度不会完全一样，需要分别对待和处理。玻璃的透光性很强，光源色、环境色以及其他物体的形，均易透过玻璃看到，因此，在表现时要综合作整体表现，不可孤立地去画。
（2）表面粗糙、柔软、质地疏松的物品，如棉布、呢绒、毛制品及鸡冠花一类的花朵等。它们由于质地粗糙、柔软和疏松，因此反光不强，色彩过渡不明显，明暗和冷暖对比均不太大，受光源色及环境色的影响也小。固有色相对突出，高光不明显，没有强烈的辉点。画这类物品要着重其固有色，同时找出微弱的光源色和环境色的影响，加强明暗层次的处理，用笔含水量要适当大些，笔触要柔和生动，交接要自然，可多用湿画法，利用其沙化和水色扩张的效果。运笔宜轻，虚实结合。因高学不明显，可用先画上物体的色彩再用干净湿笔提擦，使之自然显现。
表现毛制品，要画出松软的感觉。可用虚笔处理，运用水色渗透及扩张的效果来表现，也可以适当采用枯笔或飞白，但不宜用之过多，画得太实，毛的表现应注意表现毛端的外形，但只要画出其概括的关系即可，不可一根一根地去勾，否则会流于极滞。布和呢绒的厚度是有区别的。指纹的表现很易于体现它们之间的质地不同。布的褶纹较薄，用笔可以肯定一点，行笔也可快一些，布的招纹明显而较长，轮廓也清楚。而呢绒则厚重，相纹较为圆浑，其明暗过渡也相里甚小，因而多用湿画法，调出亮、暗及中间色彩，以湿时连接的方法去画。待半干时提出亮部。
7（3）第三类，塑料、皮革、陶器及木制品等等。它们的反光特性属于中等程度，光源色，环境色和固有色均能呈现，表现这类物品要结合实际，采用与之相适应的技法。表现粗陶器之类的物品，可用沉淀法，有利于质的表现。
不同质地的物体，都有各自的肌理，如木纹、织纹、颗粒„„等等。在表现质感时要注意刻画，采用积色，沉淀等方法加以表现，有许多特殊法如食盐、油画棒、蜡笔、浆糊、海绵等恰当运用，对表现加强质感，是有着良好效果的。
有些静物充满了生命力，如蔬菜、瓜果、花卉等等。画这类物品时，应注意表一其生机，千万不要死板刻画，使其失去盎然情趣，用笔和色要生动自然，具有活力。
三、质感的表现和背景的处理
背景的处理：所谓背景，大致是包括写生台面和实物后面的衬布，墙面及某些天物。多数情况下指的是衬布而言。背景，是作为陪衬为静物主体服务的，亦如戏剧中的主角和配角，二者是不可或缺的有机地联系在一起，但又是有区别的。因此表现背景时，要认真研究主体与背景的关系，防止将二者等同或割裂开来对待。初学者在这方面常常出现两种倾向：一是不与主体比较、孤立地盯着背景画，结果将是只重视主体的认真描绘，而对背景则潦草从事，以致影响画面的整体效果而归于失败。因此，要坚持用全面观察，相互比较，整体表现的方法。注意表现其色相、明度、冷暖、虚实、8 前后的对比关系。必要时还要作一些适合艺术需要的加工。如果主体和背景二者关系过分谐调，就要强调它们之间原来不太明显的对比关系；如果二者对比过于强烈，就要注意表现统一使之谐调。
衬布作为静物的背景，往往由水平面（写生台面上的衬布）和垂直面（实物后面悬挂的衬布）组成。这两部分因有前后空间的距离，加之光源远近和角度的不同，就会产生变化。无论在透视、色相、明度、冷暖都不会一样，所以不能等同地去描绘，要画出变化了的关系。一般来说，前者明度高，色相清楚，后者明度低、色相较弱。如前者色暖，后者则较冷，反过来也是如此对比。至于水平面的上下、左右变化的关系，大体上也是这样。水平面与垂直面交界部位，对于画静物背景来说，是很重要的部位。它的色彩、明暗、结构等的变化极为复杂，同时还存在着主体静物的阴影，因此，既要表现出这些细微的差别。又不能画得过实，否则对处理空间距离是不利的。
画衬布，一般多用湿画法，丝绸褶纹有时可用于画法。如面积很大，要事先调好足够的角色量，有时也可以用三支笔分别调之受光、中间调子和暗部的颜色，有计划地衔接起来画。这是由于面积大，局部已干燥，再来调准每一种色彩会造成接色的困难。有经验的画家，往往根据衬布的皱纹、结构和画面的分割情况，将整个背景划分成几个区域，有计划地一个区域一个区域地进行。如果背景面积小，可先铺完整个衬布的大体色彩，然后逐渐加色调整完成。9 如气候干燥，可在着色前普遍用清水或淡色先涂一遍。这样也可以使还色较为从容地进行。
是先画背景后画主体静物还是相反？这个个问题不必绝对化。值得初学者注意的是。有些人常常把实物画得充分，报完整之后，才去画背景，这种方法并不妥善。因为先画主体物时，背景全是白纸，色彩无法对比，因而不易画准。一般说来，画那些色彩明亮浅淡的物体，如白色的鲜花时最好先画背景，把花的部位留白纸待背景画好之后，再用浅色画出白花，这样效果会好些。如果实物的色彩浓重而背景浅淡。当然也可先画实物后画背景。不过对初学者来说，最好还是将实物与背景交叉进行，画出一个总体的色调。然后，再分别进行深入刻画，不断调整两者之间的关系，直至最后完成。静物和衬布，一般多用淡淡颜色的，它较为适合以水彩表现。因此开始阶段尽可能画一些淡淡而又素净颜色的衬布，以后再画浓重色调和带有花纹的衬布为宜。
第三篇：水彩教学大纲
《水彩画》教学大纲
适用专业：三年制（专科）总学时：18 学分：1 编号：
一、课程性质与作用
水彩画的学习，使学生掌握一定的色彩理论知识和自然光色变化规律，熟悉水彩画及其工具材料的性能特点，使学生在绘画中将感性认识理论化、科学化，并运用正确的观察方法和表现技法，运用理论知识指导水彩表现技巧，提高学生水彩修养的创造性和水彩的思维能力。通过本课程的教学，解决造型艺术中诸多最为基本的问题，从而逐渐在技术和经验的获得中具备表现自然的能力，为独立地进行艺术创作做准备。通过静物写生或外出风景写生将色彩理论与水彩实践相结合。初步了解水彩艺术中“水”、“色”、“时间”三要素在作画过程中承担的重要作用；了解由水彩丰富的偶然因素所产生的水彩画独有的艺术魅力，并在此基础上学习优秀作品成熟的绘画理念，开拓眼界，提高个人艺术修养。
二、教学目标
水彩画教学的目的综合起来有以下几个方面：
1、了解色彩的艺术特点以及形象与色彩的相互关系。
2、掌握水彩画的特点和写生步骤与方法掌握工具及材料的应用。
3、正确地运用色彩观察方法，从整体出发，通过对比区别色彩倾向，表现出他们之间的色彩关系。在写生过程中逐步掌握色彩调配，色彩对比和谐调等规律。
4、掌握用色彩塑造形体，表现立体空间的方法。
5、通过写生了解水彩画的各种表现技法，掌握构图的基本原理，提高组织画面的能力。、6、认识画面整体关系的重要性，提高驾驭画面的能力。
7、具有对色彩的记忆、想象在创作中运用的能力。
（三）观察研究
摆在初学者面前头等重要的大事是培养正确的观察方法，在作画之前，先将静物之间的各种关系进行整体观察和分析，而整体观察应始终贯穿在整个作画过程之中，要从色彩诸因素的相互联系中观察色彩。从相互比较中找出色彩变化关系，在变化中找出主调色彩，要敏锐地捕捉色彩总的倾向，确定基调，然后再进一步分析研究局部的色彩关系。但又不能陷入局部孤立地观察色彩，还要回到整体以观察色彩。
（四）水彩画写生的方法和步骤
1、构图与画轮廓，构图应注意研究以下几个方面：
a、对对象的位置、结构、比例、形体特征要准确而肯定。b、物体、景物、人物的位置距离要有疏密、主次、远中近的变化。要注意视点的高低、角度与表现内容的情感联系。
2、铺大色调
3、大体塑造
4、深入刻画
5、整体调整
四、教学实施建议
（一）课时安排
《 水彩画 》课程于第三学期内开设。授课每周2学时，共9周，合计18学时。各章节教学内容的学时分配如下：
第一章 概述（2学时）
第一节 水彩画的概念及特征 第二节 水彩画的起源与发展
第二章 水彩画的工具和材料（1学时）
第一节 水彩画的工具 第二节 水彩画的材料及特性
第三章 水彩画技法（2学时）
第一节 基础技法 第二节 特殊技法
第四章 静物写生（13学时）
第一节 水彩写生的步骤与方法
人民美术出版社 中国建筑工业出版社
第四篇：水彩总结
水彩总结
在经过这几周的课程后，我更加深刻的感受到水彩的魅力，但同时也感觉到了自己有太多的不足，在造型上、色彩上、包括在构成上面的安排也是。老师在这几周的时间上也教会了我们很多，很尽心尽力的教我们，尽可能的让我们能学到更多。
第五篇：学习心得——水彩工作室学习心得
学习心得
水彩工作室学习简述
半天的学习与交流，让我感觉到学习非常重要，作为美术老师要不继更新自己的知识结构，与时俱进。感谢龙源意境小学蒋老师为我们提供这么好的学习机会，在此表示衷心的感谢！
通过欣赏老师水彩作品和蒋老师的讲座，老师们谈谈个人的感受，只有几位老师带了作品来交流，每一位老师都谈到了自己的想法和感受，我个人认为，一幅美术作品没有好和坏之分，是因为标准太多，思维方式不同，在加上个人品味不同，到致老师们各有各和见解，一幅绘画作品都是反映作者的想思和情感，表达作者自己内心对美追求，也是个人心灵的反映，同时也是作者追求的目标的方向，也是作者心灵的表达。感受美和欣赏美也反映欣赏者的水平和能力，从不同的角度和不同方式来说也反映鉴赏者的眼光与内心体验能力，在欣赏作品时往往每个鉴赏者都会有自己内在标准，或者是内心参照，以自身标准来衡量别人的作品的美与丑！显然差异会很大，一个没有体验创作作品过程的人，是不可以达到哪思想境界的，再说每个人创作追求的目的不同，怎么可能会有作者的哪种思想情感和境界呢？一幅作品反映的正是作者的思想情感表达。
通过蒋老师精彩讲座，反思以往自己的创作，以后的日子里要多加强绘画理论知识的学习，多学习多交流，不断提高个人创作修养和品味！在此，再次对蒋老师表示衷心的感谢！
徐晓广
2014年9月23日
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