第一篇：写意花鸟画学习随想
姓名：王妞
学号：135169
写意花鸟画学习随想
摘要：通过杨佳焕的教学演示视频，了解花鸟画创作的构思立意，画面布局，构稿落墨以及着色点染等关键环节与创作特点。写意花鸟画技法的练习应该贯穿画者的艺术生涯，对技法的练习不应该仅仅停留在技法的层次，而应该倾注感情；
关键词：技法
意在笔先 应物象形 诗书画印
写意花鸟画注重“写生”——从实际生活中摄取对象，并加以艺术表现的优良传统。
花鸟“拟人化”——把花鸟的自然属性与人的品德相类比。比如“白眼向天”和“四君子画”。
写意花鸟画具有“借物喻人，托物言志”的精神内涵，注重“象征寓意，遗兴抒怀”。
写意花鸟画看似简单，却蕴涵着深刻的意味，在简短稀疏中，却包含了丰富的人生感悟。如何创作好写意花鸟画，似乎是一个教育学的问题，我们也完全可以做出规则，逐步学习。然而临摹容易，创新很难，一幅好的作品，读者不仅会被它的构图、色彩所吸引，而且可以真切地感受到画家当时作画的一种心情。由此这种强调主客观高度统一的艺术主张便成了中国画境界的核心价值，也使得画家处于更为自由、更加主动的境遇。
本文由此出发，视角不是放在画的技巧，而是希望通过对创作本身这一行为进行反思，进而达到建议的目的。
一、技法的练习
对于写意花鸟画创作来说，加强技法，尤其是基本技法的练习尤其重要。但是，我认为只有好的创意、好的意境，或者只有作者在情感上的超越，作品才能传神，才能称得上是好的作品。尤其是知名画家的人生经历，让我们受到很大的启发。花鸟画的写意重在突出画面所产生的意境，恰如其分的用笔与巧妙的布局，会让我们惊叹不已。在观赏一幅好的的画作时，我常常在用心意会：作者为何如此用笔？添一分如何？减一分又如何呢？但最终的结果是：作者纯熟的技法已经达到随心所欲的境地；而表达不尽如人意的画作时，因疏于技法练习而叹息。技法的纯熟是意境表达的前提，如同美味的蛋糕，最可口的蛋糕是由最具特色的食材与熟练的手法来完成的。当然，这些材料不一定是最昂贵、最稀缺的，但是熟练的技法必不可少。在技法的练习上我认为可以从以下两个方面进行。
1、临摹，这看似老套的学习方式应该贯穿于整个艺术生涯。
我认为，临摹不是像初学者简单地照搬，而是一种创作的过程。在对名作的临摹，应该是有“移情”的临摹，这种感情的注入是非常需要的。很多情况下是被读者“误解”的，但是不要小瞧这种“误解”，对于临摹者而言，本身就对画作有着有价值的“误解”，这也是在画者的不同人生阶段，对同一幅画有不同的领悟的原因。如此感情的注入，形成了对基本技法的重新诠释，也丰富了创作者的创作素材，形成了有价值性的临摹。
“意在笔先”不仅是中国画的特点，而且也是突出的优点，在花鸟画中则更具有典型性。“意”包括的内容十分广泛，一幅绘画创作的章法、取景、造型的准确传神与否，情景的交融、细节的描绘、意境的创造，都要在“意”的指引下才能完成。
“意在笔先”成为花鸟画千余年来所遵循的一条成功的创作原则和典型性的突出特征。
2、构图，确切的说是章法，章法作为其中的一个要素，其作用不可小看。因此认清构图及章法的内在联系是相当必要的，构图作为外来的绘画语言被运用与花鸟画中，这对于传统与现代绘画在形式方面是一种很大的突破，它的介入丰富了中国花鸟画的形式。绘画的构图，它本身没有一种固定的模式，讲求构图的目的在于使绘画作品能够更好的为人们的审美所接收和认可，产生一种和谐之美。
构图，为了表达某一主题思想，把生活中感受到的事物或不可能连在一起的事物，通过艺术的手段将其按照自己的想法连接起来，这就是构图。
二、作品的鉴赏 对于临摹而言，鉴赏名家作品是最好的提升方法。对作品的鉴赏，仁者见仁，智者见智。对于具体的画作而言，我们既要了解作品的纵横历史背景，还需要们深入挖掘内在的情感，这是欣赏作品最基本的知识。在欣赏名作时我们要试着去诠释这幅画让我感受到了什么？体现了什么？值得学习的精华在哪里？构图与布局怎么样？等等，多个角度地诠释名作。哲学诠释学大师伽达默尔曾经说过，作者原意不可理解。而在诠释学理论中提出“历史视域”的说法：由于作者乃至不同的读者之间存在时空以及知识背景的差异。所以在对作品进行解读时，实际上是自身与作者进行交流的一个过程。
三、意在笔先
中国花鸟画在长期的历史发展中，适应中国人的社会审美需要，形成了以写生为基础，以寓兴、写意为归依的传统。
中国花鸟画注重“写生”——从实际生活中摄取对象，并加以艺术表现的优良传统。
花鸟“拟人化”——把花鸟的自然属性与人的品德相类比。比如“白眼向天”和“四君子画”。
中国花鸟画具有“借物喻人，托物言志”的精神内涵，注重“象征寓意，遗兴抒怀”。
“意在笔先”是中国画共性化的创作方法，但在花鸟画中得到了突出的体现，这与花鸟画不朽稿、放笔直取的作画形式是密不可分的。
“意在笔先”不仅是中国画的特点，而且也是突出的优点，在花鸟画中则更具有典型性。“意”包括的内容十分广泛，一幅绘画创作的章法、取景、造型的准确传神与否，情景的交融、细节的描绘、意境的创造，都要在“意”的指引下才能完成。
“意在笔先”成为花鸟画千余年来所遵循的一条成功的创作原则和典型性的突出特征。
四、遗貌取神
齐白石对花鸟画的造型精辟的总结——不似为欺世，太似则媚俗，贵在似与不似之间。
应物象形 “应物象形”的所应之物，既有“物物之应”，也有“物我之应”，由于绘画的特性决定了“应物象形”的“物物之应”不可能像到与真实物象同等的程度。
遗貌取神
只有在表现过程中，积极地去作物象的内在本质——神韵上的追求，才能达到表现目的并回避绘画功能之不足。为了神韵的追求和表现，就要对其主要特征加以强调、夸张以使其突出。同时，对其外形上繁琐的细节、无关紧要处进行归纳、概括、舍弃。这就导致了内在神采上经过加以强调、夸张之后的“似”和外形上因归纳、概括、舍弃而导致的某些局部的“不似”，这个过程即被称之为“遗貌取神”。
五、计白当黑
花鸟画的空白，是形象的组成部分，它不仅衬托了主体，也使画家在创作过程中可以发挥最大的主动性，使被表现的对象达到最突出、最集中、最明确的艺术效果。花鸟画对空白的利用，即使墨与纸的黑白二色产生了强烈的对比，又使墨华的种种变化在白的衬托下发挥得淋漓尽致。
如果没有了空白作为水墨展示的依托，花鸟画笔线的视觉张力与水晕墨章的种种变化，势必混淆不清，中国画特有的笔墨韵律也将消失于无形。
六、书法入画
花鸟画的用笔来源于书法，这是形成中国画形式美的重要原因之一。中国画从初始以来与书法的关系一直亲如联袂，书法对中国画的发展有着深远的影响，这在其他画种中是绝无仅有的现象。
唐代张彦远在《历代名画记》中指出了中国画书画同源的特点。但当时对绘画中的用笔的认识，只是作为描绘物象的框架而与书法用笔有同构关系，绘画的笔法变化和书法用笔的内在联系还远未达到自觉的程度。把书法的点、线运动所体现出的“取会风骚之意”（唐·孙过庭）的深刻内涵直接引入绘画中，则是在元代文人画进一步发展之后出现的。
以书法入画，不仅对于花鸟画笔精墨妙的形成具有关键性的作用，而且因为其笔法形态稍离于形但却更重意象，可供想象品味的成分也随之增多，从而使笔墨具有了独立于物象之外的审美价值。
花鸟画以书法为基因的用笔，不仅仅限于描绘物象的形态，而且在用笔的过程中，倾注了作者的个性和思想感情，在笔精墨妙、功力深湛的同时蕴含着具有个性特征的特殊韵致。使笔墨既生动有致地表现了物象神态，又具有他人难以企及的内在特质；既极大地提升了画面基础元素的质量，又扩展了画面建构的稳定性与力度。
因此，以书法入画是写意花鸟画不可或缺的艺术建构，同时也形成了它所特有的艺术魅力。
七、诗书画印
诗书画印融为一体构成了花鸟画特有的形式美。
诗书画印与画中物象的相互配合，与笔墨、意境的相互生发，构成了一个完美的艺术整体。花鸟画融诗书画印于一炉，极大地增加了中国绘画在艺术性上的广度与深度。从而形成了中国绘画民族风格的又一特殊性，其包容性也成为中西绘画的一个重要区别。
诗书画印的结合，其作用往往有“点石成金”之妙。诗言志，画抒情，诗与画形有别而质相通。篆刻的金石特质与书法用笔一脉相承，印章的朱红与墨色相得益彰，不单在形式上完善了花鸟画的艺术构成，而且加强了缘物寄情的思想内涵。诗画合一，文画并茂，取长补短，使花鸟画的诗情画意具有了水乳交融般的情致。
诗书画印的结合还使花鸟画具有了一定的装饰性。而且对于作品的品评、考证、欣赏、研究都具有更直接的现实意义。
八、总结
通过杨佳焕的教学演示视频，观摩两节花鸟画实践创作，在杨老师的示范和讲解下进一步领会对于金鱼、喜鹊等传统花鸟绘画题材进行创作的基本过程和技法要领，尤其是在落笔前我们如何统筹安排构图、对所画对象的形态、笔墨、色彩等都要做到了然于胸。了解花鸟画创作的构思立意，画面布局，构稿落墨以及着色点染等关键环节与创作特点。
要想学好花鸟画，必须默默地付出，多功夫，多多学习。掌握正确的方法，对于写意花鸟画的练习具有基础意义。临摹与鉴赏是学习写意花鸟的必经之路；在我们学习工笔花鸟画的过程中，不仅要继承了中国国画工笔花鸟画的优秀因素，努力掌握熟练的艺术技巧，还要加强传统文化研究，注重理论基础知识方面的修养，具备的思想修养、文学修养和丰富的生活积累。
第二篇：写意花鸟画教案
《写意花鸟画》之小鸟
燕店中学 薛红芳
教学目标：能力目标：通过中国的传统绘画工具的使用，学习用中国画形式表现禽鸟的基本方法。并学会用基本的运笔、用墨、创作出一幅表现鸟的作品。
知识目标：通过对中国画的用笔用墨的练习，使学生了解中国画的笔墨技法与造型的关系，以及笔墨情趣在中国画中的审美作用。
情感目标：通过本课学习，激发学生热爱大自然的情趣，产生热爱中国传统绘画的情感。
教学重点：翎毛画法是花鸟画中飞禽的表现方法。
教学难点：如何培养学生掌握中国画的笔墨技法，笔墨与形体结构的关系和鸟的不同动态。
课业类别：造型、表现
教学准备：学生：毛笔、生宣纸（或高丽纸）、报纸（做垫纸用）一
张、用画颜料、墨、调色碟、水盅。
教师：毛笔、生宣纸、毛毡、画板、国画颜料、课件。
教学过程：组织教学：检查学生学习用具准备情况。
激情导入：艺术来源于生活，有服务与生活。正因为，有了艺术的装点才使我们得生活充满美好和情趣。下面请欣赏一些图片，看看艺术家眼中的生活是怎样的？（出示课件）学生欣赏感受说一说想法。
小结：看到齐白石老艺术家笔下那各式各样、生动鲜活的写意花鸟画小品，我们就会产生不言而喻的感叹：自然真有趣，生活真美！其实，我们也可以如此，下面我让猜一个谜语好不好，谜面是：日飞落树上，夜晚到庙堂。不要看我小，有心肺肝肠。（打一动物名）歇后语什么虽小，五脏俱全。还有麻雀鼓肚子——好大的气（出示课件）欣赏讨论：
1、你对麻雀还知道多少？（生活习性）
2、通过观察你还发现了什么?(学生回答外形特点)
3、让学生板演简笔画的麻雀。
小结：麻雀的形体简单又可爱，今天我们就用齐白石老人的写意方式来画一画麻雀。（板书课题、出示课件）
发展阶段：
一、引导发展、精讲点拨
写意花鸟画基础知识讲解。（定义、分类、表现方法、用笔用墨等）
A（形态特点）：麻雀是我们生活中常见的飞鸟。它头大、体小，头、背、尾呈褐色，背有黑斑点，颌下有一缕黑色坠羽，两侧一黑色颌斑，胸腹灰白，活泼可爱。在画麻雀之前，先要理解麻雀的头部和身子由两个蛋形组成，或者是一个枣形加蛋形组成，以此为基形，再添上尾和爪，便构成鸟的基本形态。这样画麻雀就方便多了。
B造型方法：采用“一点三线法”画展翅飞行的鸟，头部为一“点”，双翅和背部为“三线”背部代表身子的方向，双翅张开角度不同，就可以变出很多的动态来。
二、合作探究、讲练结合
俗话说“画有法，画无定法”下面来看一种画法。花鸟画翎毛画法是本课的重点，画鸟羽毛的方法有白描（在写意花鸟画里称勾勒法）和没骨法两种。
三、观看示范，学生练习
方法一:课件演示麻雀的画法步骤
1、头部：用大白云调赭墨（赭石+淡墨）点出头部，（画成椭圆形，不能有尖）。
2、背部和双翅：用笔由实到虚，最好出现飞白。
3、翅羽和尾羽：在赭墨中加一点墨画翅羽、尾羽，翅羽不可画平直，要保持两个弧线。
4、胸腹：用淡墨顺腮往下隔过翅画胸腹部。
5、点嘴、眼、斑点和爪。
方法二：出示课件，麻雀画法，学生边看边说步骤。方法三：国家一级画师何水法老师就是这样表现麻雀等飞鸟的。我也学一学何老师的画法：（教师边演示边讲解）
1．用赭墨点染出雀的头和背； 2．用较浓的墨画出嘴、眼和飞羽； 3．用淡墨画出胸腹；飞鸟腹部一笔完成。4．最后勾足。或用墨或用朱膘加胭脂
小结：在练习时多作不同角度、不同姿态的练习，还可以尝试画一画其它的鸟类，这样才能熟练的掌握鸟类的画法。四、课堂评价、展示交流
互评、自评、师评相结合。
五、课堂总结。（略）
六、课后延伸：
我国的地域辽阔，是世界上鸟的种类最多的地区，共有2000种鸟，其中有很多是独有种类、珍稀种类。让我们喜爱自然、热爱生命尽情挥洒笔墨去表现吧！
第三篇：写意花鸟画教案
《写意花鸟画—菊花》教学设计
教学目标
知识与技能目标：熟悉写意画的笔法、墨法，学习菊花的枝、花、叶的画法步骤，能进行花卉临摹练习。
过程与方法目标：通过笔墨体验、局部临摹、完整形象临摹等方式学习写意菊花的基本作画方法和步骤。
情感态度与价值观目标：通过动手实践，体会中国花鸟画审美特征和笔墨情趣，陶冶性情，提高对花鸟画的学习兴趣。学习菊花不畏严寒、清真高洁的优秀品格。
教学环境与准备
教学环境：教室
教师准备教具：绘画工具1套、范画4张、分步步骤图2张、空白生宣纸1张。学生准备学具：中国画画具。
教学过程 1.导入
师：播放幻灯片菊花图片和歌曲《菊花台》，孩子们，喜欢这首歌吗？知道歌曲的名字吗？
生：欣赏菊花图片和歌曲《菊花台》并回答问题：喜欢、歌曲名字《菊花台》。设计意图：通过歌曲和漂亮的菊花图片，激发学生学习的兴趣。
师：音乐人用菊花高尚的品质表达自己内心的情感，文人界赞赏菊花的诗歌你知道那些？
生：背诵有关菊花的诗歌。
师：不光音乐人、诗人喜欢借用菊花表达内心的情感，画家也喜欢用菊花来抒发自己的情感，接下来，我们先观察一下菊花。（过渡）
（一）观菊
请同学们看这组图片，虽然都是菊花，但是它们有哪些不同？ 生：单层、多层、短而宽、窄而长…… 师：菊花很美，也得有绿叶来配，再观察一下菊花的叶子是什么形状的？ 生：像手掌……
师：孩子们观察的很仔细，比喻的很形象。那么，我们用写意画法如何来表现菊花，从而表达我们内心的情怀呢？这节课我们就来学习“学画写意花卉——菊花”，多媒体出示课题。（导入新课）
设计意图：培养学生的观察能力，从而为后面的动手绘画做好铺垫。
2.讲授新课：
多媒体出示学习目标
知识目标：学习菊花的花、叶、枝的画法步骤。能力目标：能临摹写意菊花作品。
情感目标：体会中国花鸟画审美特征和笔墨情趣，陶冶性情。生：阅读学习目标。
设计意图：学生通过阅读学习目标，明确本课的学习任务。师：带着学习目标我们来品味菊花。（过渡）
（二）品菊
师：菊，别名秋菊，因在中国的农历九月开放，“九”与“久”同音，所以菊花有象征长久与长寿的意义；菊花迎风傲霜、丽而不媚，又象征着虚心清贞、人格高尚的品德而备受人们赞生：倾听，品味菊花的高尚情操。设计意图：让学生了解菊花不畏严寒、虚心清贞的魅力。
师：画家笔下的菊花又是怎样的呢？下面请同学们欣赏。（过渡）
（三）赏菊
多媒体出示写意名家的作品，师：学习画家的用笔、用墨、用色、构图等的方法。生：赏析写意名家的作品。出示教师范画，设计意图：拓宽学生的眼界，进一步了解学习用笔、用墨、用色、构图等的方法，突破本课重点。
师：这边是老师画的几幅画，请同学们欣赏一下，你想动手画吗？别着急，老师马上教你怎么画（过渡）。
（四）画菊
（1）画花。
师：老师先来示范一下菊花花头的画法，两笔画花瓣，可以从外向里，也可以从里向外画，花瓣如何穿插，注意花头的朝向。这是老师画的不同朝向的花头（出示菊花花瓣花头的画法范画），你来试试吧？
生：先看老师画菊花花瓣的作画过程，然后练习菊花花瓣的画法。设计意图：先局部临摹，反复练习，突破本课的难点。师：巡回检查一遍，及时表扬与纠正。（2）画叶和枝，勾叶筋。
师：请孩子们暂停一下，接下来看看叶子怎么画？三笔画叶子，为了表现叶子的不同形态，也可以两笔、一笔画叶子。画叶的时候，先用笔占清水，笔尖处占浓墨，侧锋运笔，叶片会出现不同层次，要注意运笔的方向和墨色的变化，还有叶子的组合排列，疏密变化。在等待叶片稍干点的过程中，老师先把枝画上。画枝的时候毛笔上的水分不要太多，行笔要快，注意枝叶的穿插。待叶子半干后再勾上叶筋，注意墨色的变化。接下来你来试试吧（出示菊花叶子的画法范画）。生：先看老师的画叶步骤，然后进行菊花叶子的画法练习。师：巡回检查一遍，及时表扬与纠正。
设计意图：先局部临摹，反复练习，突破本课的难点。（3）构图。
简单介绍三种比较典型的构图方式：下垂式、上插式、横倚式。设计意图：使学生了解比较典型的构图方式。(4)着色。
师：花瓣上色，用藤黄，笔尖略调赭石色。用浓墨点上花蕊。设计意图：使学生了解花瓣着色的步骤。（5）调整、落款、完成。
设计意图：使学生知道最后的整理环节和完整步骤。
3.小结：
师：大家一起总结作画步骤。生：总结作画步骤。
师：板书：花-叶-枝-筋-色-调-印，说明作画要求： 用墨——浓淡干湿的变化 用笔——中侧锋的变化 构图——合理
落款——工整、大小合适
设计意图：通过老师的示范，总结作画过程，理清作画步骤。
4.布置作业：
临摹或创作一幅写意菊花小品，教师巡回辅导（1）提示学生注意笔墨的浓淡、干湿变化。（2）提醒学生注意环境卫生，培养学生良好习惯。
设计意图：通过完整临摹或创作一幅写意菊花作品，学习写意菊花的基本作画方法和步骤，提高对花鸟画的学习兴趣。
（五）评菊
5.作业展评：
小组内进行评价，每组把两幅作品粘在黑板上，同学进行点评，提出优缺点和今后应注意的地方。
设计意图：提高学生的审美能力和评述能力。6.拓展：同学们，今天你学会了画写意菊花，其实，菊花与山石、花鸟的组合构图等，形式多样，正如菊花的造型多姿多彩，希望同学们有时间多临摹和创作，也希望同学们喜欢上写意菊花！
设计意图：鼓励学生利用课余时间多练习写意菊花，培养兴趣，陶冶情操。
板书设计：
第2课 学画写意花卉——菊花
一、作画步骤：
构图--花--叶--枝--筋--色--调--印
二、作画要求及注意事项：
构图合理，中锋用笔，水分的控制及墨色的变化
第四篇：写意花鸟画练习
学号： 20***258
湖 北 大 学
硕士研究生课程论文
论文题目： 写意花鸟教案
学科专业： 教育硕士 研究方向： 美术教育 所属院系： 艺术学院 年 级： 2013 级 导 师： 韩云清教授 研 究 生： 黄敏
填表时间： 2015年 8月 29 日
写意花鸟画练习
课 题: 写意花鸟画练习课 时: 1课时 课 型: 练习课 授课对象: 高中一年级 教材分析:
通过这堂课的学习使学生们对中国写意花鸟画的画法有一定的认识和掌握，对学生熟练掌握运笔运墨有很大的帮助。
教学目标：
1、知识和技能目标： 使学生了解中国写意花鸟画的一般画法
2、过程和方法目标： 熟练的掌握中国写意画的运笔用墨及用水。
3、情感态度和价值观目标：根据培养学生对艺术的感知，提高学生对中国写意花鸟画的认识，以及欣赏水平。
教学重点：
1、学会用笔方法与墨色变化
2、疏密组合与构图 教学难点：
引导学生自己去发掘中国写意花鸟画作品的意境，以及怎样运用笔墨。教学方法：
1、教法：讲授法，多媒体欣赏，示范法。
2、学法：观察法，练习法。
教具准备: 教科书、多媒体教学课件、毛笔、墨、宣纸。学具准备： 毛笔、墨、宣纸、教科书。
教学过程：
一、导入新课：（4分钟）
中国写意花鸟画是中国传统绘画艺术中的一个重要的组成部分，她在立意、造型、笔墨、色彩、构图及观察方法和表现手段上，具有很强的艺术个性。
笔墨变化是学习写意花鸟画时要重点研究的内容。笔墨变化又称笔墨情趣，主要是通过水与墨色的交融变化产生干湿、浓淡、虚实、疏密等不同效果，并结合用笔造型去表现物象，形成一种独特的绘画语言。
欣赏图片一张。
二、讲授新课：（20分钟）
（一）、水与墨色变化。
水是调和墨色产生变化的重要媒介。水分的多少，可以使墨色产生焦、浓、重、淡、清或干湿的变化。水分多，行笔就要快，要用不同的水分画出墨色的各种变化。
（二）、用笔方法与墨色变化。
在写意花鸟画中用笔的方法是非常重要的。行笔的快慢，中侧锋结合用笔，提案、顿挫、逆锋及拖笔的变化，可以使墨色产生干湿、浓淡、虚实、疏密的不同效果。特别是要掌握断笔组合及虚笔相接的技法规律，做到一笔转处具有数笔之意，完成塑造形象的任务。
以葫芦画法为例：
1、用笔腹吸水，笔锋调墨，中侧锋结合行笔画藤，穿插要有疏密。
2、用笔调藤黄色加入赭石色，侧锋画葫芦，要注意位置的错落，不要平行。
3、用笔调浓墨侧锋画叶子，一次性由深画到淡，中途不能调墨，若水少可再用笔腹吸水。
4、用浓墨中锋行笔画深色藤条，行笔要有节奏，穿插要有疏密，要概括，有取势，不能乱。
（三）、黑白灰组合与墨色变化。
在写意花鸟画的学习与创作中，能否恰当处理黑、白、灰的关系是非常重要的。它体现着作品中墨色变化的效果，影响着所表现物体的体积、空间和质感。实践证明，把黑白灰的概念应用于中国写意花鸟画，能充分体现墨分五色的效果。
（四）、笔触组合中虚实变化。
虚实是中国写意花鸟画处理空间关系的一种表现手段，虚实的概念常体现在巧妙地利用空白方面，所以才有“实处之妙，皆因虚处而生”的讲究。关于笔触组合中的虚实变化，并列、重叠及分离关系的组合规律，运用得好能使画面多矛盾、多层次、效果丰富。
以画竹子为例：观看画竹子的视频。
（五）、疏密组合与构图。疏密指画面形象在空间位置中的聚散、紧松的对立统一关系。疏密处理得当，画面就会充满变化与生机。
以画梅花为例：
梅花由五瓣花瓣组成，瓣与瓣之间的距离相等，瓣的大小一致，结构无疏密可谈。但是只要变化角度观察，瓣与瓣之间就出现大小及远近变化，同时形态改变，此时疏密变化也出现了。花的颜色与蕊的多少也会出现虚实变化。
①、画梅花可以采取先画花后画枝的方法，这样画容易把握枝在穿插时的疏密组合。②、画枝时可先画淡枝，再画浓枝，通过枝与花的疏密组合使画面的墨色有对比，层次有变化。
③、若先画枝干一定要先画淡墨，再画浓墨皴擦，使墨色有浓淡变化，不死板。④、在淡枝上点梅花，根据枝干的墨色调整花的疏密、大小。
⑤、再用浓墨依据花与淡枝干的疏密关系去穿插浓墨的小枝，连接结构、完善构图。一幅作品的构图是平面布局与空间层次相结合而产生的整体效果。包含的内容很多，既要把握布局、取势，又要注意墨色的变化、干湿的对比、虚实的层次及疏密的组合，这些因素都会影响画面构图的好坏。因此，对构图的研究是一个复杂的、长期不断的探索过程。
四、课堂总结：（5分钟）
一幅作品的构图是平面布局与空间层次相结合而产生的整体效果。包含的内容很多，既要把握布局、取势，又要注意墨色的变化、干湿的对比、虚实的层次及疏密的组合，这些因素都会影响画面构图的好坏。因此，对构图的研究是一个复杂的、长期不断的探索过程。
五、作业练习：（10分钟）
1、在书上选择自己一幅喜欢的花鸟画进行临摹。
课 题（板书设计）写意花鸟画练习
（一）、水与墨色变化。
（二）、用笔方法与墨色变化。
（三）、黑白灰组合与墨色变化。
（四）、笔触组合中虚实变化。
（五）、疏密组合与构图。
第五篇：中国写意花鸟画教案
中国写意花鸟画教案{一} 中国写意花鸟画教案
核心提示：第一节 花鸟画的简要概述
一、教学目的、要求通过对中国画三大画科之一花鸟画的说明，了解花鸟画涉及的范围，表现范畴，并且怎样通过花鸟画作为抒发和表达人意念的重要媒介，体会它带给人的精神生活
第一节 花鸟画的简要概述
一、教学目的、要求通过对中国画三大画科之一花鸟画的说明，了解花鸟画涉及的范围，表现范畴，并且怎样通过花鸟画作为抒发和表达人意念的重要媒介，体会它带给人的精神生活和文化生活的深厚情感。理解花鸟画家通过富于情感和生命的花鸟形象，来表达画家对自然界、客观实际，以及对社会的客观法则的体验和认识，来反映社会的情调和气氛。另外主要了解花鸟画的历史演变，按照中国美术史发展的脉略，注重学习它的形成，风格的演变，流派的生成等。再者了解文人水墨画带给花鸟画的生机以及文人画注重情感，重墨轻色和人格化的表现特点。最后应理解花鸟画在传统继承的基础上，具有极大创新性和创造性，注重极具强烈的自我意识的表现，了解近现代花鸟画名家在近现代所作出的伟大贡献。
二、教学内容（主要了解花鸟画的形成和发展）（1）花鸟形象比人物、山水出现要早，如在新石器时代的彩陶出现的花木鸟兽、虫鱼、龙凤等纹样。如长沙马王堆的帛画《人物夔凤图》等，当时还没有产生专门从事花鸟画创作的画家和理论，花鸟画也多是作为人物画的背景出现的。这些作品或是常有较多的装饰性，或是主要表现人物生活环境。（2）唐代经济繁荣，统治者生活奢侈豪华，社会习俗与审美观念都有新的要求（此期间出现不少花鸟画高手，如画鹤的薛稷，画马专家曹霸、韩干，还有如韦偃画龙，戴嵩画牛等）。（3）五代时期，出现了两位对后世影响极大的花鸟画家黄筌和徐熙，形成了“黄家宝贵，徐熙野逸”的两大流派，标志着花鸟画已进入成熟阶段。黄筌：西蜀宫廷画家，重视写生，专写宫中奇珍异石，珍禽异兽，风格富丽工巧。徐熙：南唐布衣，专画山野花鸟草虫，其画法“落墨为格，杂彩副之，迹与色不相隐映”。主张笔墨为主，设色为辅，墨迹与色彩互不相遮盖。徐黄二体的不同风格遂形成五代以后花鸟画工整和粗放的两种风貌。（4）进入北宋，因皇家画院独钟“黄家宝贵”之风，工笔花鸟画在此期间得到很大发展。直到北宋中叶，崔白、吴元瑜等创造了与黄家浓艳重彩大异其趣的“放笔墨以出胸意”的风格，才使宋初埋没多年的徐派画风得以光大。（宋徽宗赵结是北宋花鸟画的集大成者，使工笔花鸟画达到顶峰）。自此以后，工笔花鸟画便开始走向衰落，这与文人画出现不无关系。（5）宋代文人画的兴起，宋代文人画的标志是水墨梅竹成为独立的画科，其代表人物是文人画理论的倡导者文同、苏轼等。他们主张“不专与形似，而独得于象外”，崇尚笔墨、形式的意趣，强调寓意抒情。可以说水墨梅竹是文人画理论的实践。因此水墨梅竹一经出现，立即被士大夫掌握，作为感事抒情的艺术形式而迅速地发展起来。（6）到了元代，尖锐的民族矛盾和阶级矛盾是发展文人画的良好土壤，所以水墨梅竹风行一时。特别是画竹，名家之多，作品流派之广，是任何朝代无与伦比的。元赵孟頫标新立异，主张以书入画，他的“石如飞白木如籀，写竹还须八法通”的“书画同源”理论，为其后以水墨变化为主的写意花鸟画的发展注入了新鲜的血液。而元代倪瓒的“逸笔草草，不求形似，聊以写胸中逸气”的说法，更是将花鸟画推向写意的航道。同时，墨法已备，艺术技巧也达到了足以适应这种表现的要求。不再取悦于工丽，以清淡的水墨写意为主，是元代花鸟画的一个特点。（7）明清两代是中国写意画真正确立和大发展的时期。明代沈周的花鸟画强调笔精墨妙，擅用水墨淡色。继而有陈白阳在其水墨写意基础上以生宣纸作画，使水墨韵味产生了前所未有的艺术效果。徐青藤推波助澜，用笔更为奔放淋漓，“不求形似，但求生韵”，他的《杂花图卷》、《墨葡萄图》是其风格的代表，徐渭的大写意画风对清代的八大、石涛、杨州八怪及近代的赵之谦、吴昌硕，齐白石、潘天寿的影响极大。八大山人和石涛是中国绘画史上的重要画家。他们无论在笔墨、造型、章法，还是在画中立意，画外寄情等方面都是别出心裁的革新者。八大山人以他奇古的笔墨画出的“伤心鸟”、“瞪眼鱼”传达了他孤高、愤懑的情怀。他的《荷花小鸟》、《孔雀牡丹竹石图》可以说是体现他艺术观的代表作。石涛是一位诗文并茂、书画冠绝的画家。他的花鸟画脱尽窠臼，挥洒自如，寓豪放于潇洒之中；他的《画语录》盛传于世，集中表达了他的艺术思想；他的“画者从于心”、“无法之法乃为至法”的独到见解，对后世的花鸟画创作起到了发聋振聩的作用。受八大山人和石涛直接影响的画家是称为“杨州八怪”的金龙、黄慎、郑燮、李蝉、李方膺、汪士慎、高翔、罗骋等一批富有创造精神的画家，他们在继承优秀民族传统的基础上，摆脱种种束缚，不拘一格，大胆创新，留下了许多不朽的艺术珍品，成为清代花鸟画最为别致的创作。更值一提的是其中的郑板桥。他是杰出的画竹专家，他的思想情绪往往借他的兰竹作品和题画诗来渲泄。（8）清朝末年，“海上画派”的出现，顿时使嘉庆、道光以来花鸟画冷落的局面为之改变。这个画派起于赵之谦，盛行于任伯年，吴昌硕，别树一枳，放射异彩，对近代花鸟画的发展作出了较大的贡献。（9）近代画坛受其影响的画家的赵云壑、王一亭、诸乐
三、王个移、陈师曾、王梦白、陈半丁、齐白石、潘天寿、李苦禅、王雪涛等。他们不同程度地从吴昌硕艺术中吸取营养，同时发展各自特长，使得中国写意花鸟画出现了许多新的不同面貌。在西方文化思潮的冲击下，一批有志于中国画革新的画家，努力从西画中吸取营养，以表现新的时代精神。最早体现这种艺术思潮的是以高剑父为代表的岭南画派。他们的花鸟画吸收西画的造型方法、重写实，重渲染设色、有较强的质感，清新明快，怡情悦目。（10）同样，当代有成就，有创造性的花鸟画家，都十分重视生活，强调写生。无论是下笔奔放，造型夸张的刘海粟、朱屺瞻、崔子范，还是造型严谨，笔法工细的于非訚、陈之佛、郑乃珖等，由于作品中充满了新的生活情趣，反映了时代精神，均受到人民群众的普遍喜欢爱。
第二节 中国花鸟画分类及特点
一、教学目的、要求：通过本节知识，知其花鸟画的分类划分、理解花鸟画的特点，并能运用到学习花鸟画的过程中，提高对花鸟画的认识和理解能力，掌握花鸟画内在的哲学涵义和它独特的美学原理。
二、教学内容：
（一）中国花鸟画有两种分类法：（1）从画体分，花鸟画自五代“徐黄二体”分道以来，已形成了两种不同风格的表现形式。一是工整细致、严谨周密的工笔花鸟画；二是洗练概括、活泼粗放的写意花鸟画。写意花鸟画又分为大写意、小写意和工兼写三类。（2）从设色分，花鸟画又可分为白描、水墨及着色三类，着色又分为淡彩和重彩。所谓白描（也称线描），是用墨笔以线条勾勒表现对象，不敷任何颜色；所谓水墨，就是以墨当色，用浓淡不同的墨色完成画面效果的方法；所谓淡彩，就是在水墨的基础上施以透明的植物色，淡清典雅；所谓重彩，指设色浑厚浓重，艳丽夺目，所用颜料以不透明的矿物质颜料为主。此外还有一种不勾墨线而直接用色和墨点染作画的没骨花鸟画。
（三）中国花鸟画的特点，主要有以下几个方面。（1）追求神似所谓神，不仅仅指人的神气和性格，物同样有神气、有性格。画家在描绘一花一鸟、一草一木之时，不以形似为满足，追求的是对象之神，要紧紧抓住对象的内在的神韵气质，把它体现出来。至于对象外在的形和色，并不是完全不去追求，因为神是离不开形的，离开了形，就没有神，神是在形之中体现的。但是，在作花鸟画时，往往不受形的约束，在一定程度上从形和色的束缚中解脱出来，大胆地加以取舍和夸张，甚至于变形变色，借以达到追求神似的目的。这一点，在写意花鸟画中表现的尤为明显，正如唐张彦远所说：“以气韵求其画，则形似在其间”。只有在画中追求神似气韵，注重于神，神气表现出来了，形似也就在其中了。白石老人的一段话说得更为精彩：“太似媚世，不似为欺世，妙在似与不似之间。”这个“似与不似之间”就是指对象的神韵所在，也就构成了中国花鸟画的显著特点——把“形神兼备”作为绘画的最高境界。（2）注重意境一幅优秀的花鸟画并不是花鸟的单纯描绘，而是借助于花鸟的描绘，表现画家对自然、对生活的感受和意愿。被描绘的对象只是画家抒情达意的载体。当画家的思想感情和表现对象的神韵气氛交融在一起，通过特殊的构思和形象塑造，巧妙地反映在画面上，使画产生一种动人的境界。这就构成了意境。因此，画家在作画之前，首先要对描绘的对象有一定的感受和认识能力，在一张画的意境中，不仅要把一些事物和观念告诉给欣赏者，而且要把画家自己的思想感情传达给欣赏者。意境是花鸟画的灵魂，有了意境，作品才有感人的艺术魅力。（3）讲究笔墨花鸟画非常讲究用笔和用墨，而且用笔有笔法，用墨有墨法，甚至从画面中一笔一墨的巧拙来认定画家的艺术修养和功力。不理解这一点，便无法欣赏花鸟画，也不可能画好花鸟画。清代花鸟画家恽南田说“有笔有墨谓之画”。这是说，笔墨是花鸟画最重要的表现手段。无论形象的刻画，还是意境的渲染，离开了用笔和用墨，便不可能成其为中国画了。中国画之所以注重笔墨，跟书法有很大关系。以书法笔意为画，使中国画的线条既能造型，又可表意，还具有独立的审美价值。（4）随类赋彩 花鸟画对于色彩的运用，有其一定的特色。谢赫“六法”中的“随类赋彩”就是指根据对象的“类”来设色，不去描绘物体受光的影响而引起的色彩变化，也不去强调周围色彩的反射影响，而是着重描绘自然物象的固有色。所谓固有色就是指所画对象物本身的颜色。例如红花就是红色，绿叶就是绿色，不会变成别的颜色。中国画家还十分注重用色彩表达自己的感情以及色彩对人感情的感染力，因此并不拘于对象的自然色彩，而是按所表现的主题需要，对色彩进行主观的设计和创造。例如用墨或朱色来画竹画花鸟或其他事物，而不管自然界有没有这种颜色。这是中国画色彩区别于西洋画色彩的重要特点。花鸟画赋彩的另一个特点就是色彩的使用要谨慎，不轻用不乱用，有必要的地方才设色，并且一经设色之后，就不再随便涂改。设色也要有笔法。不论是点花还是厾叶，也不论是色淡还是色浓都同样要有笔法，而不能随意涂抹。这一特点是中国画的色彩观点及中国画所用的绢和宣纸的性质所决定的。
（四）处理时空的灵活性这里指的是花鸟画在章法布局上的“自由性”，它可以突破自然真实的限制，灵活地处理空间与时间的关系，其目的是充分的表现画家所追求的审美意境和美感形式。花鸟画的章法，多半是近景或中景，远景的很少。并且在同一画面上，大都采取俯平仰三结合的角度来处理花叶和鸟的位置。画家所站的位置和视点是不固定的，可以上下左右前后自由移动，突破了空间的约束。有时为了表现内容的需要，把时间不同的花鸟巧妙的置在同一画面上。如五代徐熙的《百花图卷》把四季的花卉错落有致地组织在同一张画幅上，不但在时间上，连空间的约束也同时突破了。花鸟画在经营位置的时候还往往把次要的背景完全剪裁掉，留有大块空白，使主体格外突出。
（五）诗书画印的结合中国画家在画完一幅画之后，还要在画面上题款、盖章，这件作品才算最后完成。题款，包括诗文和书法两种艺术。诗、书、画、印都是独立的艺术品种，把它们综合起来，发挥着各自的艺术品能，又互相配合，相得益彰，这是中华民族绘画形式上的传统特色。
第三节 中国花鸟画笔墨技法
一、教学目的和要求
1、通过示范使学生逐步掌握中国花鸟画的笔墨技法和在绘画中的运用。
2、突出笔墨技法在花鸟画当中的技法特点和重要地位。
3、在小品画和创作中能体现用笔和用墨的技法内涵。
（六）、教学内容：
（一）笔法笔法就是用笔之法。首先是执笔，正确的执笔方法应该是指实、掌虚、握笔略高为好。以拇指和实指捏住笔管（拇指向下倾斜，两指相对捏住笔管），再以小指贴在无名指内下侧，协助无名指推挡。这样笔管在手中既稳当又灵活。指实就是手指捏笔管要实在，掌虚就是掌心要空灵。在掌握执笔方法之后，还要懂得运腕方法应该是“腕平掌竖”。掌能竖起，腕才能平；腕平，肘才能自然悬起，腕才能够灵活运用。小画提腕，大画悬肘。一般作画运臂、运肘、运腕，只有极精微处可以运指。这虽属常识，但总关全局。初学者起手入门要以规矩之法，一旦养成坏习惯就难改了。用笔的内容包括“起笔”、“行笔”、“转折”、“收笔”四个方面。“起笔”是指笔画的开端，“收笔”是指笔划的结束，起笔和收笔是线条形成的关键。按照笔法要求，起笔要像书法揩书下笔那样，做到“竖笔横下，横笔竖下”，“欲左先右，欲上先下”的笔意，收笔要“无垂不缩，无往不收”，即勾线至尽处，应把笔收回，通常称为回笔。笔的运行造成各种线的动势，直接关系到线条的气质和绘画的气韵。因此，行笔的过程中是很讲究波折的，通常称“一波三折”。所谓“波”是指掌握用笔起伏的形成，“折”是指行笔运转的方向变化，“转”是指用笔的转换。行笔中，要使笔锋始终在笔线的中间，用力要均衡、沉着、有分量、压得实，线条才不至于飘浮；行笔要自然流畅，洒脱自如，这就要求在勾线时应胸有成竹、一气呵成，富有连贯性；行笔要富有节奏，富有弹性，笔画有轻重、缓急、起伏、顿挫的变化。总之，行笔要做到“快而不飘，重而不板，慢而不滞，松而不浮”，以追求自然流畅，生动灵变、沉稳有力的艺术效果。用笔要讲究笔法。花鸟画的笔法主要有中锋、侧锋、逆锋三种。由这三种运笔方法又变化出点、厾、皴、擦等多种技法。中国画历来推崇的中锋用笔，是指执笔端正，笔锋基本上在笔线的中间。这种线饱满、丰实、壮健、取其圆、厚、重，多用于表现结构和运动的主线。侧锋用笔，是使笔杆倾斜，甚至横卧，不但用笔锋，有时候也用笔身乃至根接触纸面，笔锋常偏向线的一边。这种用笔变化多，既可画出线又可画出面，具体表现力强、变化丰富生动的特点。逆锋用笔，是笔锋在前逆向而行，与通常用笔方向相反，既可画中锋笔线，也可画侧锋笔线。这种用笔由于笔锋在推进中由于遇到阻力散开，就有变化较丰富的飞白效果。这种笔法比较滞涩、泼辣，多数是结合其他用笔运用的。以上三种笔法，在做画过程中，经常是综合交替使用的。有的花鸟画在勾勒可以基本以使用中锋用笔，但是，单一使用侧锋或逆锋的还不多见。必须根据内容表现的需要，恰当地把多种笔锋运用结合起来，才富有表现力。由以上三种笔法变化出的点、厾两种笔法是写意花鸟画中常用的表现技法。点，在中国画里是相当重要的一种笔法。所谓点是用中锋把笔端从上往下落到纸上，点好后，笔就离开纸面，不要停留，一停就僵。花鸟画里的点法很多，有吻点、有卧点、戳点、捻点、散笔点等。吻点是用力较柔、用笔较缓的点法，适合于表现花、叶、鸟体；戳点是用力较猛、用笔较快的点法，适合于表现飞鸟的羽毛及有动感的花叶；卧点是使笔腹一侧接触纸面的点法，适合于表现较大些的体面；捻点和揉点是用笔点下后再捻动或揉动的点法，适合画梅、桃、杏、海棠、樱花这类小花瓣和小叶；散点用笔锋散开的点地适合于表现苔草之类的不定形状。无论何种点法都要结合书法的用笔方法进行运用。要使笔笔之间相互照应，连贯一气，笔断而意不断。厾，指运用大胆肯定而又准确的落笔，将墨色大块运行于纸上的方法，是写意花鸟画表现大面积墨色，产生恣肆酣畅效果的重要表现方法，且易产生墨、色、水的气韵，造就画面整体的气势。可以单独用墨或用色风写，亦可色墨混用厾写，适合于表现芭蕉、荷叶、石头、大花、大叶等形象。
（二）墨法就是用墨的技法。清沈宗骞说：“用墨之妙，在于以墨随笔”，说明用墨与用笔是分不开的，墨法是通过笔 法来完成的。用墨与用水的关系也很大，笔、墨、水三者的巧妙运用，才有“墨分五色”之说。即由于笔含水墨多少不同，墨色可以呈现出从浓到淡五个层次——焦、干、湿、浓、淡。这是大体的划分，实际运用起来，深浅的变化，还会更丰富。墨的运用宜在单纯中求复杂，在统一中求变化。一般以一种墨色为主，兼用其他，局部的变化不宜过大，大了就会“花”而“乱”，失去整体感。对用墨的要求：干墨不枯，须腴润、不焦枯；湿墨不滑，不能涣漫、无笔力；浓墨不浊，不能呆滞，要笔迹分明；淡墨不薄，要有厚度、见骨力。鸟画花常用的墨法有：浓墨法：墨中掺水少，色度较深，用以表现物象的阴暗面、凹陷处和近的物象。浓墨不可过量，过多容易板滞、不生动，所以用浓墨必须沉着洗练。淡墨法：墨中参水多，色度较浅，用以表现物体的向光面、凸出处和远处物象。淡墨容易产生软弱无神之弊，所以用淡墨要明净无渣，要“淡而不薄”。蘸墨法：用干净的湿笔尖蘸墨，使墨由笔尖向笔根自然渗开，形成由浓到淡的丰富色阶。这种墨法丰富而自然、富于韵律。破墨法：是指墨与墨重叠的方式，它是两种色度不同的墨、不同的水量的墨在尚未干时的重叠，渗化处既分明又模糊，具有一种丰富、浑厚、滋润的美，墨韵随之而生。常取的方式有浓淡互破、枯润互破、水墨互破等；形态上有点、线、皴、擦对面的破以及面对点、线、皴、擦的破。积墨法：是指一种湿墨对一种干墨的重叠。通常是指淡墨对浓墨的重叠，又有小面积的浓墨对淡墨的重叠。泼墨法：是泛指大墨量、大面积、大笔头的作品绘制方法。这种方法有一种自然感和和力度，有很大的自然性和随意性，容易出现既在情理之中又有意料之外的效果。泼墨之法难在于形的概括，难在于既不能混沌一片，又不能笔笔分明，既分明又朦胧，运用于追求情趣、感觉以及在造型上无需很严格的题材与物象。焦墨法：是指以浓墨渴笔来描绘自然物象的表现方法。因笔中水分极少，勾出线来有“毛”的感觉，另有一番效果。此外还有宿墨法、胶墨法等等，但是不论采取哪一种混合运用的墨法，都要注意墨色浓淡干湿的变化，以及墨自由渗透的特点，防止用墨的失宜和呆板。
第四节 中国花鸟画的学习方法
一、教学目的通过老师在课堂直接指导下学习花鸟画的同时，而大部分时间都是以学生自学的形式进行，因此，用什么样的方法进行学习，是学生最为关心的问题。传统的学习步骤是从临摹入手，因为临摹是学习传统的捷径，可以直接地吸取别人的经验和技巧，确实是一种行之有效的学习方法。但是临摹只是一种学习的手段，并不是学习的目的，同时更需要向生活学习，通过写生、默写、速写等其他手段，打好造型基础，把在临摹过程中学到的传统技法，经过消化变成自己从事创作的营养。
二、教学内容
（一）临摹临与摹是两个不同的概念。临是对着原作照样画下来的，摹是用透明纸蒙在原作上或在灯光拷贝台上把原作的形象直接描下来，后者比较容易，方法简便、速度快，适合临摹形象复杂的大画，形象也较准确，但是容易忽略对原作的研究和分析，不利于造型能力锻炼。初学者应多进行对临练习。因为对临要边观察边进行再创作，力求达到原作的形神效果，所以对临能发挥学习者的主观能动性，能锻炼其造型及构图能力，也就比摹写的收获大。开始临摹要先易后难，从小到大，由简到繁，由现代作品上溯到古人作品，逐步提高作业的难度。不要一开始就画很复杂的画，那样不仅一时不能取得好成绩，而且很容易丧失信心。临摹时，不要拿笔就画，必须对临本仔细研读，从画中的整体气势、意境、构图、造型、笔墨、着色的方法步骤等几个方面去揣摩、理解，所谓“观千剑而后识器，操千曲而后晓声”就是这个道理。对临本有一定的认识后，就可以动手试临。当然，刚刚起步时心中一般无底，认识并不等于实践，只有实践多了才会真有所“悟”。因此，要勤于动笔。中国的宣纸与笔墨有它特殊的性能，尤其是生宣纸，水墨落纸犹如脱缰野马，只有反复地实践才能自由地驾驭。“对临”到较为熟练时要试着“背临”，即在临摹的基础上，凭着记忆，默写出临本的部分或整体。背临能加强记忆力，能加深理解原作的技法和技巧。临摹应选择古今优秀的作品为范本，开始先选择自己喜爱的，并有高度成就的一种流派为主，以期达到“集各家所长，成一家之体”的目的，并使自己的见识和笔墨功夫得到进一步的提高和丰富。这样在以后的写生和创作中才能灵活运用，变化创新。
（二）写生通过临摹，基本上掌握花鸟画的一些规律和技法之后，就应该进行写生。只有通过写生才能进一步加深对技法的理解。写生是直接地面对形象描绘，可以深入细致地观察、分析、刻画对象，是学习花鸟画的主要途径和方法。在实际学习过程中，应该是临摹、写生相结合，临摹、写生交替进行。学习到一定程度时，则应该以写生和创作为主。写生前不要急于动笔，首先要仔细观察花鸟的生长结构和基本形态特征，弄清来龙去脉，然后开始勾画。开始写生要选择恰当的角度，以表现花鸟的优美姿态，不集中、不典型、良莠并存，所以在写生时要有选择地采集那些新鲜、生动、美丽的花鸟形象。写生的形式多种多样，可以进行局部特写，也可以进行全景式写生，还可以从一朵花的正、侧、背面等不同角度去画。在写生较为熟练后，就要同时进行组织加工，对于不美的、多余的，重复的花叶，要大胆地舍去，在合乎生长规律和符合构图美的原则下，应该允许“移花接木”——把其他植株上好看的花、叶吸收过来，重新进行构图，这样的写生在创作时用途更大。还要养成随时随地带着速写本的习惯，既可写生，也可以记录生活感受。但是真正生动感人的形象，常常要靠心记、默写。心记是中国画写生的一个重要特征，可以说没有心记，就不可能有活泼、生动的中国花鸟画。现在能够见到的绝大多数古代作品，都不是直接面对物象写生的，而是通过记忆，默背下来的。可见实地写生、观察、心记与默写都是熟悉生活、搜集素材、创造艺术形象的重要途径。
（三）创作画家的作品包含着习作和创作两大类。以上提到的临摹、写生、默写均属于习作范畴，侧重于对客观物象的直接描写，主要是解决绘画技能的训练。而创作并不拘泥于某个特定物象，是从更深层的表现画家主观情感的抒发，是“物我合一”的精神产物，同时也是对技能的验证和升华。开始创作可以多作一些小品练习。它对于笔墨技巧的锤炼，构图、造型能力的提高以及形象记忆能力的培养都是十分重要的。小品画的特点是小、趣、快、活。“小”是篇幅小，构图单纯，一花一石或几只小鸟都可以组成一幅作品，便于大量练笔；“趣”是小品画以审美功能为主，着重表现形式的情趣，意境的情趣、笔墨的情趣以及造型的情趣；“快”是完成一幅作品所需的时间短，有利于画面的反复加工，深化意境；“活”是小品画表现方法与形式十分灵活多样，完全可以按照画家个人的立意去自由表现，有利于探索最理想的表现形式。长期地、大量地进行小品画训练，才能真正掌握花鸟画的各种表现规律，才能不断提高表现能力，使自己在突出个性与创造性的追求中，逐步形成自己的艺术风格。这对于今后进行花鸟画创作和大幅作品创作是极其有益的。花鸟画创作是以独特的语言表达画家的思想与情感。随着社会的不断前进，画家应努力塑造出更多的新形象以表达新的观念、新的思想，画家不仅要掌握熟练的艺术技巧，还要有较高的思想修养、文学修养和丰富的生活积累，才能创造出意境深远的，富有时代精神的花鸟画来。
中国画绘画术语—国画篇 ◇国画
简称“国画”，我国传统造型艺术之一。在世界美术领域中自成体系。大致可分为；人物，山水、界画、花卉、瓜果、翎毛、走兽、虫鱼等画科；有工笔、写意、钩勒、设色、水墨等技法形式，设色又可分为金碧、大小青绿，没骨、泼彩、淡彩、浅绛等几种。主要运用线条和墨色的变化，以钩、皴、点、染，浓、淡、干、湿，阴、阳、向、背，虚、实、疏、密和留白等表现手法，来描绘物象与经营位置；取景布局，视野宽广，不拘泥于焦点透视。有壁画、屏幛、卷轴、册页、扇面等画幅形式，辅以传统的装裱工艺装璜之。人物画从晚周至汉魏、六朝渐趋成熟。山水、花卉、鸟兽画等至隋唐之际始独立形成画科。五代、两宋流派竞出，水墨画随之盛行，山水画蔚成大科。文人画在宋代已有发展，而至元代大兴，画风趋向写意；明清和近代续有发展，日益侧重达意畅神。在魏晋、南北朝、唐代和明清等时期，先后受到佛教艺术和西方绘画艺术的影响。中国画强调“外师造化，中得心源”，要求“意存笔先，画尽意在”，强调融化物我，创制意境，达到以形写神，形神兼备，气韵生动。由于书画同源，以及两者在达意抒情上都和骨法用笔、线条运行有着紧密的联结，因此绘画同书法、篆刻相互影响，形成了显著的艺术特征。作画之工具材料为我国特制的笔、墨、纸、砚和绢素。近现代的中国画在继承传统和吸收外来技法上，有所突破和发展。
◇丹青
我国古代绘画常用朱红色、青色，故称画为“丹青”。《汉书•；苏武传》：“竹帛所载，丹青所画。”杜甫《丹青引赠曹将军霸》：“丹青不知老将至，富贵于我如浮云。”民间称画工为“丹青师傅”。也泛指绘画艺术，如《晋书•；顾恺之传》：“尤善丹青。”
◇画工
指以绘画为终身职业的艺术工人。民间称“丹青师傅”。按社会地位来分有：民间画工、宫廷画工（汉代称“尚方画工”、“黄门画者”等）。从工种来分有：壁画工、漆画工、瓷画工、年画工、灯扇画工、雕刻画工等。画工画是民族绘画传统的重要组成部分。历代绘画从作者到作品，画工及其作品均占相当多数，但在封建社会中，一直受统治阶级歧视和抹煞。偶见于历代记载或传说中的画工，有：春秋战国鲁班，西汉毛延寿等，东汉卫改等，唐代宋法智（曾随王玄策到印度摹绘佛像）、宋文君（敦百九十六石窟壁画的创制者），北宋赵大亨，南宋箫照，元代马君祥与其长男马七等及朱好古门人、张遵礼（永乐宫壁画工）等，明代路洪、河忠等（酒泉文殊山石窟壁画工），清代张文辉、张太古、粱廷玉等。年画方面，有杨柳青的张聋子，戴立
三、高桐轩、杨续、阎文华等，桃花坞的跷老钱等。近代我国画工，大致分“京式”（北京地区）和“苏式”（苏州地区）两大类，京式彩画以装怖图案见长：苏式彩画，以绘制花鸟画为特长。所取题材，除山水、花鸟外，人物画多用民间流行戏曲故事及小说。授徒多采口传手教，手头积有粉本旧稿。能自制颜料。部分高手具有自行创稿的能力。
◇无声诗
亦称“有形诗”。绘画的一种别称。因画意和诗情相通，故有此称。北宋宋迪有《潇湘八景图》，人谓之“无声诗”，诗僧惠洪曾为《潇湘八景图》各赋以诗，自称“有声画”，以为对举。黄庭坚《次韵子瞻于由题憩寂图》：“李侯有句不肯吐，泼墨写作无声诗。”又张舜民《跋百之诗画》：“诗是无形画，画是有形诗。”
◇帛画
中国画的一种。指古代绘在丝织品上的图画。传世帛画年代最早的有湖南长沙出土战国楚墓帛画三幅：一幅四周绘有奇异的动植物图像，中写文字，多不可识，称“缯书”；次幅绘一长袖细腰女子，侧身合掌而立，上有搏斗的凤、龙；第三幅绘一高冠长袖的男子，侧身驾驭一巨龙，龙身若舟。建国后陆续发掘出土的西汉帛画有：1972年1月湖南长沙马王堆1号汉墓；1973年11月同一地区的3号汉墓；均为覆盖在内棺上的彩绘帛画，作“T”形，名为“非衣”。画面基本分三部分：天上、人间、地下各种景象。1976年5月山东临沂金雀山9号汉墓出土的为长方形旌幡，内容和上二图相同，只是“人间”部分比重增大。三图均属西汉初期作品。当时厚葬之风很盛，这些帛画即为随葬品。内容为古代神话传说；人物造型带有风俗画性质；写实和装钸工巧相结合，线描规整劲利，色彩绚烂谐调，显示当时有相当高的艺术水平，是我国绘画现实主义传统的发轫。后来的北魏司马金尤墓中漆画与东晋顾恺之的《女史箴图》卷，与之一脉相承。
◇漆画
绘画的一种。是用油漆所绘成的一种工艺性的装饰图画。商代已有漆器工艺，战国时这种工艺趋于发达。湖南、湖北、河南等地，有漆器出土。长沙阳楚墓出土的漆器，花纹工细，有的漆奁，描绘舞乐、狩猎情景，富有生趣，湖北云梦城关西部睡虎地出土漆器多件，纹样精致，线条流利，状态生动，其中漆盂一只是现存唯一的秦代漆绘作品。
◇木简画
中国画的一种。在居延（今内蒙古额济纳旗）发现“木简”汉书文字后，又在查科尔帖发现西汉“木板墨画”一枚，长17厘米，阔3厘米。一面画《佩剑武士图》；一面画《拱手官吏图》。墨线钩描，简洁流畅，与居延金关发现的《人马图》风格相同。1979年江苏邗江的胡场西汉墓出土“木板彩画”二枚，一枚长47厘米，阔28厘米，画《武士对谈图》；一枚长47厘米，阔44匣米，画《墓主人生活图》。人物肖像，形神兼备，色彩明快，笔法洗炼，“彩画”与“墨画”俱有简洁流畅的特点。西汉木板画的发现，为研究我国古代美术史提供了重要的实物印证。
◇凹凸画
绘画的一种。相传南朝梁张僧繇在金陵（今江苏南京）一乘寺用“天竺法”强调立体感效果的古印度画法，作品远望晕如凹凸，近视实平。又唐初尉迟乙僧，所画“功德、人物、花鸟皆是外国之物像，非中华之威仪”。其画亦加晕染，有阴影，立体感强，所以有“凹凸画派”之称。这类绘画作品，简称“凹凸画”。
◇帧画
佛教画的一种。画在单幅娟上，贴于墙壁，以后揭下，镶装边框，后加衬布，上置挂带，成为可以移挂、折叠的画幅。为壁画发展到卷轴画的过渡形式。敦煌石窟中，发现帧画很多。内容大都为佛像画及密宗坛场曼荼罗等。当时称“功德画”，便于佛教徙供奉、祈福、瞻拜之用。中晚唐时，日僧带来弘法大师《胎藏大曼荼罗》帧画七幅，僧宗叡有《正金轮佛顶母》帧画二幅，智证大师有《胎藏曼荼罗》帧画五幅等。敦煌石窟所出最佳者为宋初建隆《地藏菩萨像》单幅绢本，背托衬布。韩愈诗中提到“流水盘回山百转，生绡数幅垂中堂”；五代刘鳌诗句“六幅冰绡挂宰庭”等，皆指帧画。
◇水墨画
中国画的一种。指纯用水墨所作之画。基本要素有三：单纯性、象征性、自然性。相传始于唐代，成于五代，盛于宋元，明清及近代以来续有发展。以笔法为主导，充分发挥墨法的功能。“墨即是色”，指墨的浓淡变化就是色的层次变化，“墨分五彩”，指色彩缤纷可以用多层次的水墨色度代替之。北宋沈括《图画歌》云：“江南董源传巨然，淡墨轻岚为一体。”就是说的水墨画。唐宋人画山水多湿笔，出现“水晕墨章”之效，元人始用干笔，墨色更多变化，有“如兼五彩”的艺术效果。唐代王维对画体提出“水墨为上”，后人宗之。长期以来水墨画在中国绘画史上占着重要地位。
◇院体画
简称“院体”、“院画”，中国画的一种。一般指宋代翰林图画院及其后宫廷画家比较工致一路的绘画。亦有专指南宋画院作品，或泛指非宫廷画家而效法南宋画院风格之作。这类作品为迎合帝王宫廷需要，多以花鸟、山水，宫廷生活及宗教内容为题材，作画讲究法度，重视形神兼备，风格华丽细腻。因时代好尚和画家擅长有异，故画风不尽相同而各具特点。鲁迅说：“宋的院画，萎靡柔媚之处当舍，周密不苟之处是可取的。”（《且介亭杂文•；论“旧形式的采用”》）
◇文人画
亦称“士夫画”。中国画的一种。泛指中国封建社会中文人、士大夫所作之画。以别于民间画工和宫廷画院职业画家的绘画，北宋苏轼提出“士夫画”，明代董其昌称道“文人之画”，以唐代王维为其创始者，并目为南宗之祖（参见“南北宗”）。但旧时也往往借以抬高士大夫阶层的绘画艺术，鄙视民间画工及院体画家。唐代张彦远在《历代名画记》曾说：“自古善画者，莫非衣冠贵胄，逸士高人，非闾阎之所能为也。”此说影响甚久。近代陈衡恪则认为“文人画有四个要素：人品、学问、才情和思想，具此四者，乃能完善。”通常“文人画”多取材于山水、花鸟、梅兰竹菊和木石等，借以发抒“性灵”或个人抱负，间亦寓有对民族压迫或对腐朽政治的愤懑之情。他们标举“士气”、“逸品”，崇尚品藻，讲求笔墨情趣，脱略形似，强调神韵，很重视文学、书法修养和画中意境的缔造。姚茫父的《中国文人画之研究•；序》曾有很高的品评：“唐王右丞（维）援诗入画，然后趣由笔生，法随意转，言不必宫商而邱山皆韵，义不必比兴而草木成吟。”历代文人画对中国画的美学思想以及对水墨、写意画等技法的发展，都有相当大的影响。
◇士夫画
即“文人画”。
◇年画
中国画的一种。大都用于新年时张帖，装饰环境，含有祝福新年吉祥喜庆之意，故名。传统民间年画多用木板水印制作。主要产地有天津杨柳青、苏州桃花坞和山东潍坊等，上海有“月份牌”年画，其他还有四川、福建、山西、河北以至浙江等地。旧年画因画幅大小和加工多少而有不同称谓。整张大的叫“宫尖”，一纸三开的叫“三才”。加工多而细致的叫“画宫尖”、“画三才”。颜色上用金粉描画的叫“金宫尖”、“金三才”。六月以前的产品叫“青版”，七、八月以后的产品叫“秋版”。年画画面线条单纯、色彩鲜明、气氛热烈愉快，如春牛图、岁朝图、嘉穗图、戏婴图、合家欢、看花灯，胖娃娃等，并有以神仙、历史故事、戏剧人物作题材的。颇多作为门画张贴之用，夹杂着“神祗护宅”的观念，如“神荼郁垒”、““天官”、”秦琼敬德”等，体裁（或形式）有门画（独幅和对开）四屏条和横竖的单开独幅等。宋代已有关于年画的记载，目前见到最早的一幅木版年画是南宋刻印的《随朝窈窕呈倾国之芳容》。清代中期，尤见盛行。建国后，年画在传统的基绌上推陈出新，丰富多采，更为人民群众所喜爱。
◇宫尖
见“年画”。
◇三才
见“年画”。
◇连环画
绘画的一种。指用多幅画面连续叙述一个故事或事件的发展过程。实际上应称“连续画”。兴起于二十世纪初叶的上海。是根据文学作品故事，或取材于现实生活，编成简明的文字脚本，据此绘制多页生动的画幅而成。一般以线描为主，也有彩色等。中园古代的故事壁画（如敦煌壁画中的许多佛教故事）、故事画卷（如东晋顾恺之《女史箴图》，五代南唐顾闳中《韩熙载夜宴图》南宋李唐《晋文公复国图》，明人《胡笳十八拍图》等）及小说戏曲中的“全相”等，即具有连环画的性质。现代风行的连环画，俗称“小人书”或“小书”，也有将电影，戏剧等故事用掇影形式编成连环画的。
◇指头画
简称“指画”。中国画技法名。即特用指头、指甲和手掌蘸水墨或颜色在纸绢上作画，所成之画称“指头画”。清代方薰《山静居论画》：“指头画起于张璪，璪作画或用退笔，或以手摸绢素而成。”实则唐代张璪专以秃笔作画，偶以手指涂抹绢素而已。据可查考资料，指头画始于康熙间的高其佩，其侄孙高秉著有《指头画说》。高其佩亲承弟子有甘怀园、赵成穆、李世倬等，之后，工指头画有特殊成绩的画家有萨克达（字介文，女）、俞珽、觉罗西密.杨阿、瑛室等。乾隆、嘉庆以后，兼工指画者益见增多。现代潘天寿于指头画有很高成就，独具风格。
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