高中美术绘画模块第一单元第一课教案

第一篇：高中美术绘画模块第一单元第一课教案

高中美术绘画模块第一单元第一课教案

教材：湘版 年级：高一

单元课时：第一单元：绘画中的形 第一课形——不需要翻译的世界语 第二课形的视觉印象 第三课形的空间及质感 共三课时。

课题：形——不需要翻译的世界语（第一课时）课型：综合

教学目标：

1、让学生了解图形、线的基本知识和主要功能。

2、尝试运用图形、线来表达自己的思想和情绪。

3、通过欣赏、练习培养学生正确的审美观和良好的审美情操。

教学重点与难点：重点：让学生理解图形、线的基本知识和主要功能。难点：让学生初步学会用图形、线来表达自己的思想和情绪。

教学准备：教师：教材、课件、示范用具及相关资料等。学生：教材、笔记本、绘画的纸张工具等。教学过程及内容： *欣赏导入：

利用课件展示典型的绘画作品。提问：绘画是靠什么来传达信息的？答：图形。对，今天我们一起来探讨一下“形”这问题。板书课题：形——不需要翻译的世界语 *讲授新课：

绘画，是人类造型活动的一种重要方式。人们经常根据自己对事物的理解、体验，借助绘画的形式来传达或获取信息，表达自身的心理感受和对世界的认识，从而达到相互交流的目的。远古时代如此，而今更是如此，大家称现在为“读图时代”。

一、会说话的图形

一般图形都有其特定的符号意义，它表示或隐喻某一事物的本质或含义。图形的大小、方向、位置、繁简和组合的变化妒能产生特定的含义，并包含有丰富的情感意味。

练习：你们看了西班牙的阿尔塔米拉原始洞穴壁画，觉得他们为什么而画？能谈谈自己的理由吗？

你们能尝试画一画，少女与和平的主题吗？

月光如轻纱般笼罩大地 天边飘过一朵白云 风呼啸着，闪电像剑一般刺穿黑幕似的乌云 故乡的荷塘 你们能选一段画画吗？具象、抽象不限。

二、线——来自心灵的感悟

绘画中的线在客观物象中是不存在的，它来自我们对自然事物的感受，心灵的体会。分析：结构转折所产生的体面分界，让我们感受到线。画家的思维活动的轨迹可以用线来表达。从雨点运行的轨迹中，我们感到了线。线可以表现我们对玻璃材质的综合印象。方向性让我们感到线。从动势中让我们想到线。

音律也具有运动的轨迹也可以让我们想到线。练习：除了上述的，你们还能想到哪些能用线来表达？ 不同形态和材质的线条（图例说明）。不同的感受（图例说明）。

练习：尝试用线的形式表达词义。分析不同的线给我们的不同感受。比较毕加索的《线描头像》和吴冠中的《春如线》，体验其中各自的情绪，然后模仿着画，看看能否画出自己的心情。

三、延伸意义的图形

许多形象，由于长期固定地表现某种事物而具有一种符号是的象征意义。练习：找找毕加索在《格尔尼卡》中画了哪些形象，它们的象征意义是什么？ *小结：

线是最重要的绘画语言之一，线可以构成图形，线可以表现轮廓，线可以表达思想等。让我们学会理解、欣赏和运用这门世界语吧！教后记： a

第二篇：高中美术 《印象主义绘画》教案

美术课《印象主义绘画》说课稿

教材分析：

印象主义绘画是19世纪60年代在法国出现的艺术流派。在西方近现代科学的启发下，他们对绘画的光线、色彩的表现进行了独到的探索，并为西方现代主义绘画的发生创造了条件。本课向学生介绍了印象主义绘画的许多作品，其中包括印象派，新印象派和后印象派的画。从欣赏中，使学生知道印象主义绘画探索的艺术原则和表现形式的独特风格，以及印象主义绘画尤其是后印象主义绘画在主观与客观艺术与自然的关系的革新及重大意义。

本课要讲清楚各个派系的画家、作品的名称、观念和形态的共同点和差异是什么？并重点分析画面色与光的千变万化的科学依据是什么？使学生听后感到多而不繁，杂而不乱，达到教学目的。教学目标：

了解印象主义绘画的艺术观念，及表现自然界瞬息万变的光色效果的艺术风格。提高对西方绘画作品的欣赏能力。感受印象主义绘画的形式美感。教学重点：

认识并了解西方印象主义绘画的艺术观念与风格。感受印象主义绘画色彩变化的形式美感。

教学难点：对西方印象主义绘画的艺术观念的理解。教学方法：欣赏法、讨论法、讲解法。学习方法：上网查资料法、总结法。

教学手段：为了更好的完成教学目标，采用现代教学媒体棗网络查找资料，实施创设情景，激发学习兴趣；主动探索，强化独立思考意识；点拨导思，激发学生自学能力。教学过程：

一、导入

继浪漫主义以后，在19世纪60年代，法国又出现了一个新的艺术流派，就是印象主义绘画。印象主义的画家们走出画室，直接面对自然进行绘画，他们热中于表现自然界瞬息万变的光色变化和对自然的直接感受。他们不象古典主义，浪漫主义和现实主义画家那样强调画面的故事情节和主题思想，而是受光学理论的启发，把所描绘的客观物象作为绘画研究的实验媒 体，探索和表现它们在自然光下所呈现的微妙色彩变化。使得画面在色彩上有一个崭新的面貌，为以后现代主义绘画奠定了基础，创造了条件。（实物投影欣赏不同画派的作品及网上查找有关印象主义绘画的资料，请学生分析他们之间的异同点，教师最后总结引出正题。）

二、讲授新课：

欣赏印象派画家莫奈和马奈的作品。

《日出•印象》是描绘日出时在晨雾笼罩中的港口景象。该画表现一种瞬间的视觉感受和活波生动的作画情绪，以往官方学院派艺术的那种呆板僵化的色调荡然无存，注重对光色效果的追求。

《酒吧侍女》色调明快而热烈。以上两幅作品先请同学谈欣赏后对该作品的感受是什么？最后教师总结。

总结：印象主义绘画的艺术风格是活波、生动、明快、热烈、注意光色的变化。

2、欣赏新印象主义画家修拉的作品《大碗岛的星期日下午》。教师介绍该画的背景及艺术风格和特点：该画描绘的是巴黎附近一个小岛上风和日丽的下午，人们在悠闲散步，垂钓，游玩的场面。画家采用笔触明确，色彩鲜明的点彩画法，在绘画艺术上注意纯粹形式的分析和探索，画面显得呆板而缺乏生气。小结：新印象主义，实际上是印象主义画派的一个分支，它流行于1880年以后的一段时间里。这一画派把印象主义绘画发展到了一个极端。他们主张绝对禁止在调色板上调和颜色，而只能以原色的小色点排列或交错在一起，让观众的眼睛自己去起调色作用，很像五彩缤纷的镶嵌画，有人称他们为“点彩派”。

3、欣赏后印象主义画家塞尚，凡高，高更的作品。

《静物：苹果与橘子》 该画中的各种物体，尽管没有像古典静物画中强调的那种真实的质感，但其坚实，硬挺而内在的形体结构给人以独特的感受。色彩单纯、响亮而饱和，在对比中又使画面富有明快的节奏感和韵六律。塞尚的这种理性分析与主观表现，引发了人们绘画观念上的变革。塞尚被20世纪的艺术家们称为“现代绘画之父”。

《向日葵》 这幅作品以包满而纯净的黄色调，展示了一个画家内心中似乎永远沸腾着的热情与活力，宣泄着画家对生命的尽情体验与永久的激动。凡高那种狂放不羁的风格对后来的野兽主义绘画产生了很大影响。

《塔希提妇女》 这幅画是后印象主义另一位画家高更的作品。画家以饱满而浓烈的色彩、宽大而又果断的笔触、稚拙而又粗矿的线条，将两位土著妇女平实而又厚重的表现出来。画面给人一种浓郁的土著生活气息，充满浑朴天真，神秘而久远的原始感。高更的作品具有主观化的自然情境。

小结：后印象主义画派，注重如何在绘画中强调表现画家的主观情感和内心世界，不在片面追求外光和色彩效果在画面上产生的真实感觉，而是具有更为主观化的感情因素和象征性的精神观念。这种观念的变革，具有划时代的意义。

第三篇：湘版高中美术鉴赏第一单元教案

湘版高中美术鉴赏第一单元教案 2010-03-16 09:26 什么是美术作品（第一课【第一单元 图像与眼睛】）教材分析：

教材内容主要包括三个层面：

1、审美观念是怎样形成的？

2、美术作品的基本含义。

3、美术鉴赏的重要意义。教学目标：

1、了解审美观念、形式法则的产生和一般规律，以及美术作品的社会约定性。

2、培养学生以审美的眼光去看待美术作品和日常生活的意识。教学的重点与难点：

1、美的观念和形式法则是如何产生的？

2、美术作品的基本内涵是什么？

3、如何从生活中发现美？ 教具与学具：

多媒体播放工具、实物投影仪、若干工艺美术品（如奇石、紫砂壶、茶杯等）教学过程：

第一环节 导入教学：

投影屏幕显示一个手拿雕版的男子形象，表情严肃。教师提问：同学们认识这个人吗？有谁知道他手里拿的是什么东西？你能从他的表情中看出他的内心活动吗？

（教师一连串提出三个问题，前两个问题估计学生无法回答，这跟学生接触的信息范围有关系。第三个问题应该能从容回答。前两个问题是悬念，第三个问题是树立学生的信心，为教师后面的总结埋下伏笔。它们的共同目标就是激发学生学习本课的兴趣。）按键，投影屏幕显示“夹缬最后传人---薛勋郎”

教师解释，薛勋郎是温州苍南人，夹缬的最后传人。他手里拿的就是制作夹缬的一块雕版。按键，1、夹缬是什么？

2、夹缬这种民间印花工艺主要流传于什么地方？

按键，投影屏幕显示答案：夹缬与蜡染、绞缬并称为古代三大印花技巧。早在秦汉时期，就有人在木板两面刻出花纹，再把麻、丝织物等夹在中间进行染色。在此基础上发展而成的夹缬印染工艺在唐代极为盛行。目前夹缬仅存在温州苍南山区。

夹缬能在苍南山区保留较完整与当地的习俗等有关。20世纪五六十年代，夹缬被面是温州地区婚嫁的必备之物，印染材料源自名贵药草，传说能为新婚夫妇带来吉祥。随着时代的变迁，这种风俗不再流行，夹缬工艺渐渐淡出历史。

按键，投影屏幕显示夹缬图案一幅，同时提问：图案中的美体现在哪里？（以高中学生的知识储备应该很容易回答出对称、对比等形式美法则，教师也可以把形式美五大法则概述一下，变化与统一、对比与和谐、比例与尺度、对称与均衡、节奏与韵律。）再提问：夹缬作品是美术作品吗？

学生回答讨论，教师总结：包含着形式美法则的物品都可以称为美术作品。许多产生之初强调实用功能的物品，随着时间的推移，使用功能的淡化，审美性反倒成了物品突出的特征。按键，举例：玉壶春瓶、秦汉瓦当、青铜器虎食人卣图片。教师可以引导学生分析图片中的作品的实用性和审美性。发挥学生的主观能动性，调动学生学习积极性。提问：同学们还能举出其他例子吗？ 第二环节解决重难点：

按键，提问：“美的观念是如何产生的？”同时出示实物一块奇石和紫砂壶一把。学生回答讨论，在这个问题上要给学生足够的时间表达自己的观点，往往是那些另类的甚至反面的观点才能更好的衬托出正确的观点，避免了简单的说教，易于学生接受。所以教师对于这个问题自己一定要弄清楚，才能正确引导学生。教师总结：1美不是凭空产生的，而是源于人们的生活实践。

2、美的观念与相应形式法则的产生是长期的历史积淀的结果。将美的观念与相应的形式法则运用于生产、生活乃至艺术创作中，就产生了美术作品。通常人们所说的严格意义上的“美术作品”是指劳动创造的精神产品，是通过艺术家的手的操作成为物质化的成型的产品。作品更多强调的是审美价值，同时具有实用性或者根本没有实用性。按键，显示文字“美术作品的种类繁多，按照绘画、雕塑、建筑、工艺美术以及其它种类的基本分类，我们共同欣赏以下图片资料。” 这样的安排主要使学生了解“美”无处不在，以及不同的美术门类表现出来的艺术特征的多样性，丰富性，同时感受到美术和生活的密切关系。本课在图片选择上尊重了本民族文化艺术，使学生先了解身边的、本民族的文化艺术，进而了解外国的乃至世界文化艺术，所以图片中没有外国文化艺术内容，而且常见的、普及的也很少选入，一些年代久远的、濒临失传的作为重点选入。

按键，举例：绘画类：山西永乐宫道教壁画、西藏宗教绘画形式—唐卡、民间年画—门神； 雕塑类：秦始皇陵站立俑、宗教木雕菩萨坐像、民间泥塑、唐代陶俑—仕女像、浮雕群像； 建筑类：皇家建筑—天坛、宗教建筑—西藏布达拉宫、民间建筑—福建土楼；

工艺美术类：商周时期文明的代表—青铜器、汉代青铜器—长信宫灯、瓷器巅峰时期的产物—粉彩瓷器、苗族少女头饰、蜡染、民间刺绣；

其他类别：皮影、竹编提篮、西藏宗教面具、细纹刻纸《红楼梦》、单色发绣《周恩来像》作者：孟永国；

按键，提问：“美术鉴赏的意义有哪些？”

学生回答讨论，教师总结

1、在我们生活中每时无处不在的，人们在长期的生产、生活中非常注重营造美的环境，所以我们要学会去认识这些美好的事物，才能更好的生活。

2、鉴赏美术作品可以培养我们的审美鉴赏能力，帮助我们丰富对美的认识，并且认识到形式美的法则。

第三环节作业布置 按键，请同学们课后调查自己的周围是否有特别的“美术作品”，请分析它的美体现在哪里，写一份详细的分析报告。

第四环节结束语

按键，生活中并不缺少美，而是缺少发现美的眼睛。－－罗丹（法国）

（在这段话下面插入了一张美食图片，看似毫不相干，其实用心良苦。因为教师可以利用图片进一步解释罗丹的话，加深学生的理解。教师可以说：比如下面这张美食图片的内容，对于没有美术修养的人来说，他就是一盘可以享受美味、填饱肚子的烧鸡。而一个有美术修养的人从中却可以发现很多的美，他不但得到了物质享受也得到了精神享受。）

图像与眼睛（第二课【第一单元 美术与眼睛】）教学材料分析 教学目标 了解美术作品中形式构成的基本要素，以及根据图像的特点而划分的三大类别：具象美术、意象美术、抽象美术；掌握这三种图像类型的特征。学习活动分析

本课的“活动建议”主要是让学生根据美术作品的图像特征来划分三种美术形态，即具象美术、意象美术和抽象美术。在教学过程中教师可以帮助学生归纳要比较的内容，并制成图表。图表的内容大致可以包括：

也可以从形象入手来理解三种美术形态的特点，把比较的重点放在人的形象上：

“思考与交流”实际上也是对比三种美术形态。只是，在“活动建议”中，相同的因素是人这个形象主题，我们可以看到，从具象到意象到抽象，人也慢慢变得不好辨认，最后完全认不出来了。而在“思考与交流”中，相同的因素是水果，左边是具象作品，苹果和葡萄都很容易辨认；中间是桃子，已经有些变形；右边的水果虽然也可以辨认，但画面强调的是它们的色彩和形体，实际上是在抽象语言的意义上来运用它们的。教师在教学过程中可以用这些活动来导入，让学生对这三类美术形式有一个感性的认识，在此基础上进行进一步的教学。教学基本思路

我们通常把美术作品所展现出来的各种形象称之为“图像”，但是这些图像并不全是对现实生活中各种事物的描摹，而是有着不同的特征。为了便于理解美术作品中的各种形象，人们根据作品中形象的特点，把他们划分为三种类别，即具象美术、意象美术以及抽象美术。在这三类作品中，相同种类的作品虽然表现的内容甚至所用的材料不一定相同，但是艺术家在创作时所遵循的观念大致相同。所以在教学中首先要帮助学生从形象的不同特点入手，对这三类作品有一个感性的认识，然后再逐步对每一类作品进行分析，让学生理解各类型作品的创作观念和审美机制。

很多没有受过专业训练的人在欣赏美术作品的时候，往往喜欢用“像不像某种事物”这种简单的方法来评价作品，把作品中的物象与现实世界中的物象一一“对号入座”，似乎不能对号入座的就不是好作品。这种看法有部分的道理，因为它涉及的只是具象美术这种类型。实际上，美术作品中的图像除了可以表现我们眼睛所见的事物之外，还可以表现我们的幻想、梦境乃至我们的内心感受。对于具象美术作品，教材分析了它与客观物象之间的关系。具象美术作品所表现的形象来自于现实世界，因此观众在观看的时候可以很清楚地了解艺术家要表现的内容，甚至那些没有经过欣赏训练的观众也可以看得懂。教材中列举了东西方的三件绘画作品来帮助学生理解具象美术作品。它们在人物神态、气氛渲染、衣服的质感或空间的暗示上都显得很真实，仿佛我们可以走进画面。在这里艺术家追求的就是“真实”。

意象美术作品虽然与现实世界有着某种潜在的联系，但是更主要的是艺术家把从现实世界中获得的形象进行了主观化的、情感化的处理，突破了我们经验世界中的物理定律，创造出一些只有在艺术世界中才能存在的图像。教材中对艺术家创作这类作品的时候所运用的方法作了简单的分析，如夸张、变形、重组，或者突出结构特点、改变客观物象的比例以及打破经验性的时空概念等等。教材第5页的作品都属于意象美术的类型。它们的共同特点是，虽然我们可以辨认出画面上的形象，但它们跟实际生活中的形象有一定距离，不太符合日常生活的逻辑。

抽象美术指的是完全不可辨认的图像。这类艺术作品来源于艺术家的主观世界，脱离了客观形象的束缚，而强调艺术家个人情感的表达。抽象艺术的衡量标准不是形象的准确与否，而是要看作品形式所体现出来的平衡、对比、旋律、节奏等因素是否让人感觉舒服。在这方面，有人认为抽象艺术与音乐有相通之处，要靠自己的感受才能领悟。

教材中列出的抽象作品可以分为两大类，一是书法作品，一是西方现代派的抽象画。书法之所以能够当作抽象美术作品来欣赏，是因为它根本没有可资对照的现实形象，不存在像不像的问题。在欣赏这类作品时，要注意的是纯粹形式方面的因素，如点画的粗细轻重、结体的疏密、线条的快慢节奏等。齐白石的篆刻刀法苍劲有力，布局又有“疏可走马，密不透风”的强烈对比效果。虽然我们可能不认识张旭的草书，但行云流水般的线条已经具有一种美感。抽象画分为热抽象和冷抽象两种，康定斯基的热抽象作品使人感到自由、毫无约束；蒙德里安的冷抽象则使人觉得很平静，因为它不是描写什么物理对象，所以我们可以专心地体会各块面之间巧妙的平衡。教学建议

本课的主要内容是美术作品的一种最基本的分类方法，即根据图像反映物象的不同特点而分成的具象美术、意象美术、抽象美术三种类型。这三类作品在形象特征方面差别比较明显，所以教师在教学过程中可以多结合图片实例，让学生自己去进行分类和体会。教师在教学过程中要注意：1．在教学过程中要突破传统美术鉴赏课程依赖“讲授法”教学的通用程式，可以通过小组活动的形式，让学生自己去研究不同美术类型的特点，并归纳出一定的欣赏方法。2．教师在学生认识的基础上加以适当的总结，但不宜过于理论化。3．对于意象美术与抽象美术这些学生比较难于理解的作品形式，教师在教学过程中要着重进行启发和引导，帮助学生打破那种以“像不像某事”来衡量作品的欣赏方法，使学生意识到美术除了可以表现我们眼睛所见的事物，还可以表现我们的幻想、梦境乃至我们的内心感受。而且，对于不同的美术作品，其评判标准、欣赏方法也不尽相同，不能一概而论。不过，如果学生对这类作品一时不能理解，教师也不要操之过急，关键是让学生能够熟练分类并懂得这些作品同样具有审美价值，从而拓展学生的艺术眼界。本课建议用1课时完成教学。教学资料

重屏会棋图（五代）周文矩

《重屏会棋图》是描写帝王闲居燕乐的纪实之作。据史籍记载，南唐中主个性缓和而从容，与诸兄弟之间，情分深厚，相处和睦，又谦和下士，礼遇大臣，处处表现出儒者风范，他的形象也因此为人们所乐道。从这幅画看，中主端坐正中观棋，面庞丰满，细目微须，仪态气度确实出类拔萃。其余三人为中主之弟。虽然现在这幅画据考为宋人摹本，原作亦未必为周文矩所绘，但此画出于高手，且必有所依据无疑。本图设色古雅，与人物衣冠和室内陈设的简朴相协调。人物情态刻画细致，衣纹线描皆细劲曲折而略带顿挫，符合周文矩的人物画风格。周文矩，句容（今江苏句容）人，生卒年不详，活动于南唐中主、后主时期，工画佛道、人物、车马、屋木、山水，尤精仕女。这幅画之所以被称为《重屏会棋图》，是因为弈棋人物背后画有一榻及屏风，榻上摆设壶等器具，屏风上的人物画描绘白居易《偶眠》诗意，而屏风画人物之后又画有一山水屏风，由此造成一画三重棗画中之画还有画的特殊效果，故名“重屏图”。《重屏会棋图》是五代时重要的肖像画作品。不但在人物写真方面达到很高造诣，而且在空间处理上也表现出严谨的法度。观者可以注意到，画中对第三维深度空间的表现，一律采用与画面水平方向成45°角的斜线表示。就以围棋盘为例，每边有十九格的正方形棋盘在画中转变成锐角为四十五度的菱形。这样的处理在画中已成为一种规范，看来宋代界画中典型的空间处理模式在五代已经出现了。

古诗四帖（唐）张旭

《古诗四帖》属于狂草。狂草的前身是“连绵草”或“今草”，早在汉代就非常盛行，但将这种书体的艺术表现力推向极致者，当是唐代的张旭。狂草具有强烈的动感，篇幅大小能够直接影响激情的自由表达。一般来说，用狂草这种书体进行创作，篇幅不宜过小，过小就难以发挥它的优势。张旭深谙此理，毅然抛却前人“尺牍”格局，而以巨幅长卷形式书之，大开大阖，擒纵自如，好似老将驰骋沙场所向披靡，更似海面飓风骤起波澜壮阔，最大限度地凸现了狂草之“狂”！《古诗四帖》在前人基础上的创新，还体现于它的线条构筑。前人的狂草线条多以平动、绞转笔法完成，节奏感并不明显，而到张旭笔下，狂草线条的完成又加进了提按笔法，使节奏感大大增强，这与唐代楷书进入高峰期有关，也与张旭本人同时兼擅楷书有关，因为唐人楷书笔法正是以提按为主要特征的。其次，它的线条多逆锋起笔、中锋推进、浓墨匀吐，时而重若崩石，时而轻如蝉翼，曲直相间，攲正互生，自始至终含蓄圆畅，保持着一股刚健奔放的艺术激情。其三，线条与线条间的穿插，或疏或密，或实或虚，或仰或覆，或承或启，虽满纸烟云、豪放激越，但仍能给人以入规中矩、有条不紊之感。《古诗四帖》是盛唐之音的产物，更是张旭浪漫主义创作方式的产物。张旭为人倜傥放逸，不修边幅，且嗜酒如命，与李白、贺知章等号为“酒中八仙”。他常常在醉中作书，有时甚至以头濡墨，可见其癫狂达到何种程度。

鲁班门下印（现代）齐白石

此印是齐白石的篆刻代表作之一。为白文汉印，更准确些说应该属于将军印的风格。一般汉印，以平方正直为主。将军印因为军中急用，仓促凿就，故称为“急就章”，所以每多敧斜之笔。此四字中带斜之笔，不下十余处。斜笔又忌单向，“门”字向右斜，“班”字中间则向左斜以求协调。因为急就凿成，只能用简练的刀法。这方印的确是用单刀刻成的，刀痕利落，其用刀的方向完全可以分辨出来。当平口两尖刀攻石时，同一刀痕，可以明显地分出两侧不同的形态。受刃面，自然是光洁平坦；入锋面因刀尖的造成明显的崩痕，因而显得凹凸斑驳。但这一路印风需要很好地把握火候，不然一味追求痛快，往往会显得含蓄的韵味不够。齐白石（1864－1957），原名纯芝，后改名璜，字濒生，号白石、寄萍老人等，湖南湘潭人。齐氏的生平，可作为苦学成长的典型。他出身清贫，幼年曾和王冕一样放过牛。后习木匠，这方印以及“大匠之门”等印，都是为纪念自己这一段生涯的。齐白石最可贵之处，在于对艺术执著的追求，他勇于创新，决不随俗俯仰。他的印初从浙派入手，也终于为印学辟一新境。如从工整与豪放、工笔与写意上言，他立志于后者，故其书、画、印、诗均以豪放为主格，纯任自然、天趣横溢。

泼墨仙人图（宋代）梁楷

《泼墨仙人图》描绘的是一个袒胸露乳、放浪形骸又笑容可掬的仙人形象。衣袍以高度概括的阔笔泼写而成，豪放简逸，不拘细节。毛笔侧置，顺着衣袍的走势疾速的泼墨，可以鲜明地让观者感受到作者作画时那不可抑制的激情直泄无遗的情形。整个画面用笔劲爽，水墨苍劲淋漓，以墨块为主，只在人物面部、胸部粗略地勾写。人物极其夸张变形，头部以一个奇怪的上大下小的楔形圈出，五官几乎要挤在下部的一条线上，额头显得特别大，比例全失，眼睛细小而且倒垂，鼻子扁阔漫无边际，神态极为滑稽诙谐。仙人那形骸放浪、与世无争的神情也因此被极其生动地刻画出来，这也是作者豪放不羁、超凡脱俗的自我写照。《泼墨仙人图》中人物放浪的形骸、夸张变形的造型、放逸简括的笔墨，都显示出梁楷对传统人物画的离经叛道，正是禅风兴盛的外部条件迎合了他豪放不羁的性格，最终导致其艺术风貌的变革。

荷石水禽图（清代）朱耷 此幅墨笔画湖石临塘，疏荷斜挂。两只水鸭或昂首仰望。或缩颈望立。意境空灵，余味无穷。荷叶画法奔放自如，墨色浓淡，富有层次。八大山人曾自云： “湖中新莲与西山宅边古松，皆吾静观而得神者。”可见其画荷是观察入微，静观悟对而以意象为之，信手拈来，妙趣自成。款署： “八大山人写”，押“八大山人”白文印。八大山人，即朱耷。朱耷(约1626一约l705)，明亡后落发为僧，法名传綮，号雪个、个山、驴、驴屋、掣颠等，江西南昌人。弃僧还俗后取号八大山人，以前的字、号一概不用。江西宁献王朱权的九世孙。明亡后，国破家亡之痛甚切，装痴扮傻，佯作哑子。性情孤僻，常借诗文书画排遣郁闷。其花鸟画极富个性，成就卓著。师法林良、徐渭、陈淳等写意花鸟画诸家，其花鸟画简练、夸张，大多缘物抒情，如画鸟、鱼，作 “白眼向人”状，以抒愤世之情，署款“八大山人”，连笔如“哭之笑之”，寓“哭笑不得”之意。他的绘画在当时影响不大，但对后世的影响极为深刻，“扬州八怪”、“海派”以及齐白石、张大千、潘天寿等均深受熏陶。

我们怎样运用自己的眼睛（第三课【第一单元 美术与眼睛】）学习任务]学习任务 教学目标

了解美术欣赏的基本思路，培养从多层面、多角度欣赏美术作品的意识；突破思维定势和惯常的欣赏态度，学会以一种开放的眼光来欣赏美术作品；能够比较熟练地运用美术欣赏的四种基本方法对作品的形式特征、社会含义、内在精神以及文化内涵进行具体分析和综合体验。学习活动分析

本课共设置了两个活动，教师可以根据学生的实际情况结合“思考与交流”来灵活安排。这两个活动的主要目标都是引导学生以一种开放、探索性的审美态度从美术作品中获取多方面的信息，并且在有效获取这些信息的基础上运用科学的方法对其进行分析，从而加深对美术作品的认识。通过这些活动，使学生突破粗略、简单化的欣赏习惯，或者仅仅能够复述作品的内容而缺乏对形式的理解和个人创见。

两个活动都是针对《蒙娜丽莎》这件作品而展开的。《蒙娜丽莎》是一件人们耳熟能详的作品，通过这件作品开展活动首先有助于提高学生的兴趣，不会使他们产生畏难情绪，便于学生理解教学的基本思路；其次，对这件艺术史上已经为人们所熟悉的作品的评述也很多，可以鼓励学生去查阅一些这方面的资料，培养他们以一种研究的态度来对待学习。此外，更重要的是，对于这件已经被反复讲述的作品，人们的头脑中已经形成了一些习惯性的认识，比如说“蒙娜丽莎非常美”，或者“蒙娜丽莎的微笑很动人”，这些表述已经成为这件作品的固定标签，把人们对蒙娜丽莎的认识给简单化、概念化了。甚至很多人不是在用眼睛欣赏蒙娜丽莎，而是用“耳朵”和“嘴巴”在欣赏这幅作品——以一种鹦鹉学舌的方法复述对于作品的评价。但这种态度显然不能算是真正的欣赏。事实上，蒙娜丽莎的美是有时代性、典型性的，而并不是永恒性、普遍性的。因此，一方面要鼓励学生丰富对这幅作品的认识，发现以前被忽略的细节，另一方面要鼓励学生提出对这幅作品的个人见解。第一个活动主要侧重于让学生从教材谈到的美术鉴赏的四种方式入手，有目的地从不同侧面对作品进行分析。在活动过程中，要注重“理解观察角度”——“观察”——“分析与研究”这几个环节有机的结合。比如在感悟式鉴赏方面可以引导学生从自己的生活经验出发，对这件作品有一个大致的观察，例如蒙娜丽莎脸上露出了淡淡的微笑，神态安详、动人等等。在形式鉴赏方面，可以引导学生观察作品的色彩，明暗关系（明暗渐隐法，或称“晕涂法”、“薄雾法”）、构图方式（金字塔形构图）、人物姿态（坐姿，双手交叠在腹部），背景的空间效果（左边的视点是平视，右边的是俯视）等等。还有达·芬奇是如何通过形象的刻画表现人物的内心世界的。而社会学鉴赏，则可以引导学生结合第二单元第三课《心灵的慰藉》与第四课《人间生活》来了解一些相关的知识，从而认识到这件划时代的作品是如何打破了中世纪呆板的人物形象的。此外，达·芬奇用一种现实主义的手法，较为准确地记录了当时一位商人妻子的形象，人物具有鲜明的时代特征，比如说蒙娜丽莎将眉毛剃掉了，而且额头的头发也被剃掉了一部分，显得发际线较高，额头较宽，这些都是当时妇女中比较流行的装扮。此外，达·芬奇为什么要花四年的时间来表现这个普通的妇女？他表达了一种什么观念？这件作品为什么获得了广泛的承认？这些问题可以结合前两种鉴赏方式所获得的信息来解答。最后，在比较式鉴赏方面，可以与教材中所列举的波提切利的作品相比较，结合“思考与交流”来完成。或者选一些同时代或不同时代的其他画家的肖像画来进行比较。第二个活动主要侧重于鼓励学生从一定的广度与深度上来理解作品。可以建议学生对某一个问题作深入的研究，比如从形式角度研究达·芬奇所运用的绘画技法、色彩效果、构图特点、坐姿等等，因为这些因素都是达·芬奇发明或者加以完善的，也可以结合教材第7页的图表从多个角度来理解作品。教学基本思路

人对事物的观察是受意识控制的，不同的观念会影响到观察的角度和观察的结果。美术鉴赏虽然是面对一幅艺术家已经完成的、甚至是在艺术史上被反复提及的作品，但是鉴赏的过程仍然是一个能动的、开放的过程。只有按照这种思路来欣赏艺术作品，才能使人摆脱泛泛而谈的陈词滥调，从而产生对美术作品丰富、深刻的认识和共鸣。本课的教学重点在于一方面帮助学生突破以往简单化、概念化的欣赏习惯，使他们意识到一幅作品所传达的信息是多方面的；另一方面给学生提供一种较为合理、科学的鉴赏途径，让他们能够比较熟练地从形式和社会学等角度理解作品的内在精神，以及通过比较的方法来全面认识一幅作品，养成良好的欣赏习惯。教学材料分析

教材内容主要包括两个层面：1．对美术作品的认识并不是千篇一律的，我们可以从不同的角度来欣赏，而不同的欣赏角度所获得的感受和认识是不同的；因此，对美术作品的认识并不是固定不变的，随着社会科学的发展和人类文明的进步，我们可以有更新的方式去解读作品的内涵。2．理解并掌握美术鉴赏的四种基本类型：①感悟式鉴赏；②形式鉴赏；③社会学式鉴赏；④比较式鉴赏。需要指出的是，这四种鉴赏方式之间有相互渗透的关系，而不是彼此对立的。[资料]教学资料

夜巡（荷兰）伦勃朗

伦勃朗（1606.7－1669.10）是荷兰莱顿一家磨坊主的儿子，父亲让他上大学，想使他成为法律家。由于天性爱好绘画，伦勃朗只上了六个月大学就休学了，进入一位崇尚意大利画风的、很有名声的同乡画家拉斯特曼的画室。功成名就之后，伦勃朗的第一批作品是画他父、兄、母、姐的肖像，其中以他的一幅戴金盔的兄长肖像最出色，显示出了画家新的探索成果：用光的明暗强烈对比手法，突出形象的主要部分，造成心理刻画的效果。这种画法使主题鲜明，尤其受光部分的质感极为强烈，画面的其余部分则很暗，欧洲的美术史家称之是“紫金色的黑暗”。不久，他的巨幅《杜普教授的解剖课》（1632年作）的集体肖像画，又确立了他的艺术声誉。这种带风俗性的集体肖像画，是时代的需要。在照相术未问世以前，资产阶级同业公会都喜欢悬挂这种画。可是，在17世纪40年代，他画的一幅《夜巡》（1642年），竟引起了一场对他极为不利的诉讼，给艺术家带来了悲惨的晚年。油画《夜巡》的事件经过是这样的：1640年，阿姆斯特丹射击手公会（荷兰市区一种保安武装，受商行雇佣，他们自己组成一个职业公会）请伦勃朗绘制一幅巡警生活的群像画，准备张挂在射击手同业公会的房间里。题目原来并不叫《夜巡》，伦勃朗在画上把这批射击手巡警处理成以班宁·柯克为中心，整个射击手连在白天要去执行一项紧急任务出发前的情景。画面涂上的一层亮油由于年久而呈现黄褐色，才被误认为是“夜景”。画家没有按照订货者的要求，细致地画出每一个人的肖像，而是有节奏地处理这些巡警们，使画面成为一幕富有戏剧性的整体：右侧击鼓者的神气，左边挑着旗帜的巡警形象，班宁·柯克正在与他的少尉威廉·凡·雷伦勃克谈着话；其余人物都被安排在中景和后景。有的在擦枪筒，有的在举长枪，大有当年荷兰人民进行解放斗争的那种阵势。可是由于明暗变化强烈，有的人就被处在暗影中。这样一幅富有战斗性的构图，由于每个人的形象的清楚程度不同，便引起了轩然大波。巡警们因为出同样的钱不能在画上有同等的地位向画家提出抗议。画幅遭订货者的拒绝。为了索回画金，公会把此事诉诸法庭，并对画家进行大肆攻击；加上伦勃朗曾以他的妻子莎士基亚的裸体为模特儿画过一些宗教题材的历史画，而遭到维护旧道德的人们的非议。伦勃朗很快蒙受事业上的严重挫折，从此，订画者疏远了他。不久画家妻子莎士基亚去世，虽经双重打击，画家没有动摇自己的创作道路，他遗世独立，不去迎合当时资产阶级的胃口。油画《夜巡》无论从艺术性或思想性上看，都是无可指责的。伦勃朗坚持不修改，是坚持他的艺术信念和为人民所敬仰的现实主义艺术原则。

莲池（法国）莫奈

19世纪90年代，莫奈在自家宅地的池塘中架设一座日本式小桥，池塘的周围种植垂柳和多种花卉；在池塘里则繁殖了睡莲。莫奈把整个身心都投在这个池塘和他的睡莲上面了，睡莲成了他晚年描绘的主题。此后27年里，他几乎再也没有离开过这个主题。1900年底，莫奈在丢朗－吕厄的画廊里初次展出他的《睡莲》连作，共13幅，年代标着从1899到1900年。画上的睡莲隐隐现现，浮在水面延绵不绝。那座日本式拱桥在他的画上已被覆盖着索藤；池岸的背景是一片翠绿。《池塘·睡莲》这一标题在九幅画上重复出现，看来有些单调，可是在每幅画上，形象却别有一番情趣。从1904年起，他画的池塘已不见那座日本式拱桥了，池内的睡莲也更加简练，整个画面只露出一点点池岸。有的画面连天空也不见了，但他把水画得很深沉。1909年5月，巴黎的公众又一次在丢朗－吕厄的画廊里看到他的48幅《睡莲》水景连作，人人为之拍手叫绝。1911年5月，一次非同小可的打击袭来，莫奈的第二个妻子爱丽丝死了；紧接着，在1912年7月，医生确诊他的右眼患有退化性白内障。从此，莫奈开始了他那悲剧性的生命斗争时期：他想以最大的毅力来画完《睡莲》，与即将到来的失明威胁相抗衡。他开始一连几个小时呆坐在这幢宁静的水上花园里，观察水面。1914年，他又计划在住所的东北角建造第三个画室，以便在那里架起高183厘米长366厘米的巨大画布。施工沿着池边进行，一直继续到1915年8月。虽然第一次世界大战的硝烟在离他的池塘仅40英里的地方弥漫着，75岁的莫奈也全然不顾。这些巨大的画幅整整花去他12个年头。不过，这次他不再把画面分割成单幅，而让它构成一个连续体。当宏大的《睡莲》连作安装在巴黎奥朗热利博物馆一间圆形厅内四壁时，无边无际的池水与莲叶在富有装饰情趣的环形油画中展现出来，环绕在观众的周围，使人顿生一种奇幻感。1924年，莫奈只得凭颜料管上的标字来区别颜色，作画时要把眼睛凑得很近。1926年12月5日正午，莫奈在吉维尼自己的寓所去世，享年84岁。临终前，他嘱咐把他的《睡莲》连作赠送给国家。由于《睡莲》油画环形连作的独特与宏伟，当它被安装在奥朗热利的椭圆形博物馆内时，人们把它称作“印象派的西斯庭教堂”。

蒙那·丽莎（意大利）达·芬奇 《蒙娜·丽莎》是达·芬奇最负盛名的肖像杰作，它成功地塑造了资本主义上升时期一位城市有产阶级的妇女形象。

第四篇：高中美术教案：高中二年级《二十世纪外国绘画》教案

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高中美术教案：高中二年级《二十世纪外国绘画》教案模板

一、引出课题：

由于受传统审美习惯的影响，我们常用“栩栩如生”这样的词汇来称赞我们认为的 好作品。(通过提问由同学再补充几个“栩栩如生”的近义词，如：惟妙惟肖、形象逼真、活灵活现……)但是，我们现在从画册上、展览中看到的许多外国现代绘画作品，其中包括世界级 艺术大师的作品，却再也不能用“栩栩如生”这个标准去衡量了，有的画得不象，有的让 人看不懂，这些作品还算不算优秀的艺术作品，应该怎样来欣赏，这就是本课要与同学 们一起讨论的课题--“标新立异的外国现代主义绘画”。(课题：“标新立异的艺术世界--外国现代主义绘画”)(翻开课本P42)

二、外国现代主义绘画简介：

西方现代主义绘画，是指西方国家从十九世纪末、二十世纪初发展起来的现代绘画 中的某些流派--野兽摄、立体派、未来派、达达派、表现派、超现实主义、抽象主义、波普艺术等的统称。

“现代主义”或“现代派”是和某种新的、非传统的、区别于过去的艺术思想联系在一起的。(投影以上的文字，加深印象。)现代主义的产生并不单是一种艺术现象，它也有一定的社会历史背景，有思想根源和 哲学基础。

(看课本P48，请同学朗读第二段)(教师概括讲述)(浏览外国现代主义绘画作品，介绍作品名称、流派、作者。通过提问，引导学生了解和认识各类作品的表现形式，由教师进行适当归纳。)艺术分三类：具象、象意、抽象。而外国现代主义绘画是以意象和抽象作为主要表现形式的。(提问：与传统购具象绘画相比较，同学们更习惯或容易接受哪一类作品，用一、二句话说明一下理由。出示传统和现代主义绘画作品)

三、要正确认识外国现代主义绘画

欣赏外国现代主义绘画，要有一个观念转变和适应的过程。

四、外国现代主义绘画的特征

(引导学生找外国现代主义绘画的特征)1．从再现客观世界转变为表现主观世界(P43有关文字处划横线)艺术家不再以画得与客观世界逼真肖似为能事，而是以描绘的对象为媒介，表现自己的情感、http://www.xiexiebang.com

意趣、意念、思想等主观世界为主，甚至包括潜意识、梦幻、梦境等，为此而将对象按照主观意图子以变形和抽象化处理。(作品配合)2．表现形式从具象到意象、抽象(作品配合)①客观物象并非是绘画艺术必不可少的因素；

②客观物象的描绘反而会损害绘画艺术，于是只有抽象的描绘才是最完美的艺术。投影：毕加索《牛的变形过程》

徐悲鸿刚到法国留学时，只欣赏古典主义写实的绘画作品，当学成回国前，已转向欣赏印象派或以后的现代主义画派了。

五、外国现代主义绘画的欣赏

(提问：你觉得应该怎样欣赏现代主义的绘画作品?以毕加家《三个音乐家》为例，进行适当讨论。)(每一排由一位同学发言，希望出现一些不同意见。)关键在于要学会用视觉艺术的语言来欣赏外国现代主义绘画。(放录像片《视觉艺术语言的构成》)(放投影片文字)“艺术所要表现的是人们对于生活的种种独特的感受，当我们面对一件艺术品的时 候，重要的并不在于去弄明白它描绘的是一件什么东西，而在于去体验作品历引起我们内心的感受是什么。”(请同学前后左右四人互相讨论，分析和欣赏课本中提供的图例，每小组推一位同学准备发言：①首先，哪一幅最能打动你，让你最感兴趣。②作者想表现什么，这幅面给你带来什么感受。)(教师根据学生的发言，穿插介绍作品和对作品的理解和感受，同时注意引导学生用视觉艺术的语言来谈感受，调节课堂气氛，及时发现讨论中的热点。)

六、课堂总结

我们初步和欣赏了外国现代主义绘画，了解到不能把象不象，看懂看不懂作为评价的标准，学习了用视觉艺术语言去分析作品，这还刚刚是开始，西方现代主义绘画中确实有消极、荒诞和艺术趣味不健康的东西。还要进一步学会鉴别和欣赏，开拓视野，逐步提高审美能力，真正地感受外国现代主义绘画的艺术魅力。

列宁说过：“一句话，那一切科学的(正确的，郑重的，不是荒唐的)抽象，都更深刻，更正确，更完全地反映着自然。”

来源：中师教育 www.xiexiebang.com

第五篇：高中美术 绘画艺术的特点教案

绘画艺术的特点

课 题

绘画艺术的特点(1)

教学目地

通过教学，让学生了解绘画的种类、绘画艺术的特点、中西方绘画的区别，从而提高学生欣赏绘画作品的能力。

重 点

1、绘画作品的艺术特点

2、中西方绘画作品的区别

难 点

中西方绘画作品的区别

教 法

讲授

教 学 内 容

【组织教学】组织纪律，稳定情绪。

【引入新课】

在通常情况下，我们一提到美术，人们往往首先想到的就是画画，这也是人们通常对美术的理解，虽然这样的理解太狭隘，太也从一个侧面反映了绘画做为一种艺术形式在整个美术领域里所占的比重是很大的。从今天开始，大家将一起在绘画艺术的海洋里面去感受和体味它给我们带来的独特的艺术享受。

【讲授新课】

一、什么是绘画？

绘画：是运用点、线、色彩、明暗、透视、构图等艺术手段，在平面上创造图象，反映现实和表达审美感受、思想情感的艺术。

强调：在平面上创造图象，作品形态是平面的，是绘画作品区别与其它艺术门类的根本区别。如：工艺美术，虽然也有平面的作品，但它的根本目的是为了实用而不同于绘画的创作目的；摄影艺术作品虽然也是平面形态的，但它是运用机械的技术性和暗室加工完成的记实性图象，而与画家自主表达审美感受、思想感情的绘画有着本质的区别。

二、绘画的分类：

1、按使用的工具和材料的不同分类：

<主要>中国画、油画、版画、水彩画、水粉画、素描、丙烯画、镶嵌画、磨漆画、拼贴画等。

2、按描绘的对象的不同分类：

人物画（宗教画、历史画、军事画、肖像画、风俗画、人体画等）、风景画、静物画、动物画等，中国画则习惯按传统分为：人物画、山水画、花鸟画三大画科。

3、按照绘画的形式和功用的不同分类：

壁画、单幅画、组画、连环画、年画、漫画、宣传画等。

三、绘画作品的艺术特点

1、在二维空间上创造三维空间

现实世界是一个运动着的三维空间，绘画如何能在二维空间既平面上，将现实的世界的物象的立体性、物象的空间关系表现出来，并给人以真实感受呢？这主要靠人对物体距离的 1

知觉线索和知觉经验来创造图像和构成画面。

物体立体感的创造，主要利用物象形体结构和明暗变化（三大面五大调）表现物体的凹凸，造成有距离的立体幻象。

表现物体间的距离和深远空间，主要利用以下五个因素：

l 物象的大小

l 遮挡关系

l 透视变化规律

如：P119《最后的晚餐》

l 色彩变化（空间透视现象）

明度——近处明度对比强，远处明度对比弱，色相——近处色相纯，远处物体的色相向冷色变化，倾向蓝灰色，色度——随着物体渐远，色彩的明度、纯度逐渐降低，近处色彩纯度对比强，远处色彩纯度对比弱，色彩逐渐趋同。

l 虚实变化（近实远虚）如：P61《洪流风雪》《开国大典》

<思考>请同学们分析P128《拾穗》中，运用了哪些空间处理方法？

2、再现性绘画描绘的精确性与表现性绘画展现主观世界的多方面性

绘画善于描绘，在照相术发明之前，绘画是唯一能在平面上再现形态的手段，这也就决定了再现性绘画描绘的精确性，可以达到乱真的地步。如P54《写生珍禽图局部》——中国传统工笔画。P122《贝尔坦肖像》——油画。

随着历史的进程，在我国的宋代和欧洲的18世纪，一些画家就提出了对绘画艺术新的理解。他们主张强调主观、个性、情感等自我再现和个人的审美理想的表达，开始不受传统约束和带有较在随意性地探索着表现主观世界。这也就出现了中国画中的写意画（如P56《鹌鹑图》“白眼向人”《兰竹图》）和西方绘画的诸派（印象派、立体派等《呐喊》《格尔尼卡》《内战的预感》）

3、不同画种的艺术美

不同画种，由于工具材料、制作方法、艺术技巧等的独特性，各自形成了不同的艺术趣味和形式美感。如：

中国画讲究诗书画印相结合，讲究笔墨气韵骨法，油画，版画、等不同的艺术美感。

4、构图是绘画的基础

构图斩成功与否，对作者来说，关系到能否表达构思和构成形式美感；对观赏者来说，能否受到绘画的感染和打动，也首先来看构图的形式和总体形象。把握、分析构图的能力，是体现鉴赏水平的重要方面。从欣赏角度应从四个方面理解和分析构图：

l 宾主关系明确，位置安排得当。

绘画作品上艺术形象的主次，误谓之宾主。画面应围绕主要形象形成构图中心，以使表现内容明确，令人一目了然。如在人物画中，以人物为主，肖像画中，以五官为主。

如P61《开国大典》，l 构图结构形式与内容的统一。

构图结构形式，一是指画幅形状，二是指画中形象组织布局的形式。

如P124《梅杜萨之筏》P125《自由引导人民》

l 色彩与表现内容的统一。

作为传递感情的手段，色彩往往胜于形状。色彩是最富有表现力的艺术语言。颜料的色彩，具有引起人不同的感觉的联想作用，从而能引起人的不同情感的产生。如：红色使人感觉到火热、兴奋、热情，产生紧张的情感；蓝色使人产生冰冷深远感，引起冷静、沉着的情感；黄色使人产生明快、光亮、活跃的情感；绿色使人感到舒畅、平和，但有时也使人产生 2

伤感等。

l 构图符合形式美法则。

绘画艺术语言合规律的构成，符合审美需要的外部形式结构，才能给人以形式美感。

法则：变化统一、对比调和、均衡稳定、节奏韵律等。

【课堂小结】

本节课让大家对绘画艺术的一些基本知识有了重新的认识，重点对绘画作品的艺术特点作了分析，希望大家能在经且的学习生活中，更好的把握绘画作品的艺术美感，提高自己的鉴赏水平。当然，由于中西方文化、地域的不同所产生的绘画作品也各有不同的艺术特点，我们将在下节课中给大家作详细的讲解。