国画花鸟的基本画法教学

第一篇：国画花鸟的基本画法教学

花卉的观察学习画花卉，除了要多观赏及临摹古今名画以外，还要对实际的花卉深入的观赏与写生，了解花的枯荣及霜晴雨露中的情态，兹从花朵叶与枝干等各部位简述其结构与生态.(一)花朵：花朵经常是画面的主题，一般花朵包括花瓣花蕊花托花萼梗等几部份，花瓣有单瓣与重瓣(复瓣)之分，花形有离瓣合瓣之别，牡丹蔷薇花等是离瓣的重瓣，梨花木棉花等是离瓣的单瓣，牵牛花百合花等是合瓣的单瓣，大部份的花卉都具有单瓣与重瓣的不同品种，譬如桃花芙蓉花水仙木槿梅花等，花蕊有长短多寡的区别，雌雄同株的花，大蕊小蕊都在一起，雌雄异株者仅有小蕊，或仅有大蕊，有的花蕊较明显，有的较隐密，都需仔细的观察，花萼亦因花的种类而异，如梅杏桃等五小瓣聚在一起，李梨垂丝海棠等五枚小瓣生长在一长柄上，玫瑰月季等萼尖长，山茶萼像鱼鳞等。

(二)叶：单叶植物从枝或茎长叶时，叶序有对生互生轮生丛生等，复叶植物有的成羽状掌状鸟足状，有的是二重复叶，形式更为复杂，必先了解其生长的规律，才不致在繁杂中发生错误，叶有叶柄与叶脉，形状有尖圆长短等不同的大小比例。

(三)茎枝：可分为木本草本藤本蔓本等，木本枝干挺硬，有些相当粗状，草本的茎大都较嫩，有的变成右旋或左旋的蔓延，有的还长有须状的攀缘茎。

花卉的写生

各种花卉在早晨或上午比较清新，生气勃勃，是写生的好时间，写生是为创作收集素材，如果是为了工笔画的需要，就必须作细致的描写，有时我们在画面上需要多朵花聚在一起，写生收集素材的时候，就要有正面的、反面的、侧面的、斜面的；有完整的花朵，也有被枝叶遮住一部分的花朵，既有小花蕾，也要有将绽的大花蕾。叶子也是如此，除了成叶外也要有嫩叶及嫩芽，并注意阴阳向背，大小穿插。枝干也要有主干、支干之分，以及在在画面上的姿态和疏密。以上这些都是我们在针对目的写生收集素材时，首先要注意到的问题。

虽然花鸟画不像山水画常有移动视点的表现法，通常视角比较稳定，但我们观察时可运用移动视点的方法，选取最美角度写生，并注意花、枝、叶的大小比例。画花朵可从花蕊花瓣入手，通常先画最完整、最前面的一瓣，再四外扩展，花瓣太复杂的可进行概括，要注意其造型美。画叶也是如此，除了注意叶序、结构之外，也要注意仰、垂、向背与疏密、前後叶的变化，最後画枝干，大干还要画出皮纹，如梅花的大干要苍老、皮纹要斜皴，小干要挺拔有力，桃干皮要横皴，松干皮要鳞皴，紫薇花干皮较光滑等不同种类的枝干特点。

花卉的写生，宜从折枝花卉开始，折取花叶易於入画的一枝，插於花瓶中详细观察，花蕊被遮盖的也可拨开，研究细部结构。对於简单的折枝熟悉後，可以选取整株花的一角来尝试或全株花的写生，由於枝叶复杂，须选择适当的角度，并做大幅度的删减或调整。总之花卉的写生并不是画植物的插图或说明图，需主观的取舍与美化，并强调意趣的表现。

鸟类的观察

禽鸟在中国画中又称为「翎毛」，可区分为水禽与山禽两大类，依其生活习性，又可分为涉禽、游禽、猛禽、攀禽、鸣禽、雉禽等类，各类的特微与习性如下：

（一）涉禽：栖於浅水中捕食鱼虾，它的嘴、颈、脚都很长。例如鹤、鹳、鹭鸶等。

（二）游禽：喜欢在水中游泳，嘴扁平，脚短，趾间有蹼，多捕食鱼虾和小虫。例如海鸥、野鸭、鸳鸯、雁、信天翁 等。

（三）猛禽：双翅强而有力，嘴形如勾，脚夷尖锐，性情猛悍，专门捕食小动物。例如鹰、鹫、鹗、隼等。

（四）攀禽：多数上嘴钩形，下嘴较短，足趾二前二後，能用夷攀抓在树干上。例如鹦鹉、啄木鸟等。

（五）鸣禽：喜欢鸣叫，一般小鸟多属此类。例如维、莺、画眉、伯劳、黄鹂、八哥等。

（六）雉禽：属於栖地类禽鸟，身体较大毛色美丽，尾长，嘴形与鸡类似，多生长於山林矮木丛中。例如雉鸡、锦鸡、长尾雉、孔雀等。禽鸟是卵生，故其身体（不包括头、颈、脚、尾等部位）呈蛋形。因生活环境与习性不同，其嘴、脚翅及尾也各有不同的比例与特微，一般而言，水禽（涉禽、游禽）大多嘴长而尾短，山禽（鸣禽、攀禽、雉禽）大多嘴短极尾长，嘴勾者食肉，细尖者食虫，嘴长者食熊虾，食壳者嘴粗而厚，成圆椎形。能长途飞行的鸟翅膀大都较长，且发达，水禽中多长颈者，以便迅速出击，啄夹鱼类。此外如头形、眼精的颜色及位置的高低，各有不同，也须把握其特微。

鸟类遍体生长羽毛，细密的绵羽有保温的作用，此外也有半绵羽，以及许多形状不清楚，层次繁多而叠列成一大片的感觉。另一种是羽片形状较清楚，如翼、尾的羽毛，皆有详细的名称，应仔细观察不同部位的羽毛形状及其叠列的关系，以求熟悉鸟类羽毛的组织与秩序。

此外尚须明白禽鸟的雌雄，禽与兽绝大部份都是雄的较美，少数雌雄的羽毛一样，但是雌鸟总比雄鸟略小，鸟的翼及尾，超左或超右是雌雄相反；雌鸟的右翼及右尾翼在上，雄鸟的左翼及左尾羽在上。鸟类的喜、怒、哀、惊，表现在翼、尾及姿态上，亦有不同。

鸟类的写生

鸟类除了结构复杂外，又活泼善动，要以真鸟直接写生，对初学者是一大挑战，刚开始不妨写生鸟类标本。画标本的优点是可以从各角度详细的观察细节，甚至重要羽毛的数目也可慢慢的数清楚，尤其是画工笔翎毛，标本的观察助益颇大。然而画标本的缺点是容易画出动态生硬呆板，甚至形状比例失真的作品。标本虽从真鸟剥制而成，但经人工填塞棉花於体内，容易变形，鸟的眼珠亦不依类别的不同而变化，通常装上统一的人工替品。张开的翼及脚都家铁丝支撑重量并维持形态，往往因为制作者疏於观察及技巧不足，而使关节变化失真，生硬挺直，或重心不稳，羽毛凌乱等缺点。初学者了解这些极可能发生的症状之後，不妨比较鸟类的参考书籍图片，或前往鸟店、动物园甚至野外观察，并可藉照相机的功能，凝固瞬间的动作，作为写生的辅助参考资料。

作过鸟类标本观察之後，即可尝试笼中鸟的写生。最好到鸟店选购一种平时熟悉而温 驯的小鸟，最好价格不要太高，又容易饲养者，作为写生的对象。首先要观察其各种动态，如踏枝、啄饮、搜翎、欲升、欲降、鸣啼、缩颈、飞翔..，等不同的动作，并将其特徵记忆下来。写生之前不妨仔细的观察，并发现它最常重复出现的动作，或持续最久的型态作为写生的选择，以铅笔或毛笔做速写，鸟的姿态改变时不妨依记忆修补，或等待其出现相同动态时，再迅速掌握，如做详细的描绘较费时，需耐心的画画停停，分几次描绘完毕，而创作时最好也能经常观察，才容易捕捉到禽鸟的神态。

笼中鸟的行为动作与在大自然中的秦鸟略有不同，就如同在监狱中的人和外面自由人的表情动作有别一样，为了表现『好鸟枝头亦朋友』的自然情趣，了解每一种鸟的生活环境与栖息之态，最好到山林野外做实地的观察，配合望远镜赏鸟更佳。每一种鸟的习性与姿态不尽相同。如燕子与鸽子是不站在树枝上的，鹤与鹭鸶是拳一足而睡，乌鸦与喜鹊的动态绝不相同若不仔细观察，张冠李戴，旧部合乎物态，物理与物情。此外鸟类栖宿或非翔时，头必迎风、如背著风、羽毛必定掀起来，这也应该注意到的现象。

速写时可先画出鸟的主要形体（蛋型）在根据头部的动态（如伸头、缩颈、扭转等）添加头部（头部大致也成蛋形），再添加翅、尾与足部。爪在平地时需踏的稳，在枝上需抓的紧。非翔实缩颈则展足，缩足则展颈，不可两者同时伸展。最重要得是身体要有重心，型态力求生动活泼，才能表现出生命力。

白描画法

白描画法是指以墨线描绘物体，不著颜色的画法。在人物、畜兽画方面也有白描画法，譬如两幅最早的战国楚墓出土的帛画，即以白描法表现，我国古代称之为「白画」，北宋的李公麟是这种画法的代表性人物。下图是寿平的「水仙图」，即以白描画法，洋溢著朴素而细致的水墨韵味。

白描画法以线条为主，也可渲染淡墨。画线条时，要使笔墨结合形相的特质，笔法的转折顿挫，线条的粗细浓淡，皆要以所表现对象的质感或特色为依归，譬如以较细较淡的线条画花瓣容易表现出其娇嫩柔软；以较稍粗稍浓的线条画叶与枝梗，较易表现其硬而厚的质感；以略乾且下笔、收笔皆虚的细线条画禽鸟的羽毛，较易表现羽毛蓬松而柔软的感觉。

中国画是线条的雄辩，尤其在白描画中，线条的优劣是一幅画成败的主要关键。白描画运笔宜以中锋为主，用笔的压度和速度要均匀，钩出的笔线要有「外柔内刚」的效果，力量要涵蓄在内，不宜显露於外；缺乏涵蓄的笔墨，不耐久看。锋芒过多、力量外露都容易表现出一种霸悍的气象，有时尚可减低某些花卉、禽鸟的美感，故白描画的线条要「寓刚建於婀娜中。

此外运笔的速度不宜太快，也不宜呆滞，务必要有「无往不回」之意，腕力气力一定要送到头，止笔向上提时，也不可轻率潦草。至於在花卉白描方面，依据吴学让教授提供的示范有三种主要的线条，一为起笔停笔（一字描），适於画叶梗、竹干等。二为钉头鼠尾描，适於画叶筋、叶片等。三为连续弧线描，适於画花瓣。下图是禽鸟的局部画法示范，画鸟的顺序是先画嘴的当中一长笔，再画上颚和下颚各一笔，再依次画眼圈、点眼、头额、背、翼、胸、腹、腿、爪、补尾。画细毛的线条落笔与收笔较轻，中段略粗，若落笔太重，不易表现出羽毛的质感。

双钩填彩画法

双钩填彩画法是用线条钩描物象後在填色的画法，又称钩勒填彩法或双钩设色法，是从白描的基础上染色彩而成。它的起源甚早，马王堆西汉墓出土的帛画，已见此种画法，五代画家黄筌是双钩填彩法的代表性画家，其线条纤细，赋色艳丽，是北宋院画花鸟画法的主流，另有江南的徐熙，也用双钩填彩法，但风格野逸，较注重线条的趣味及墨韵，後世的花鸟画 家，用笔多取法徐熙，用色取法黄筌，并兼取两家的神似逸韵。南宋吴柄的「竹雀图」，是以双钩填彩法表现的例子。

画双钩填彩法应选择熟纸（纸）或绢，先用墨线双钩白描後，准备两只羊毫笔作渲染，一只蘸色，一只沾清水，要先练习一手执两只笔，并能灵活交换。设色时颜色要淡，应多染几次，将花、叶内侧（或中央）的颜色以清水笔推染至边缘，清水笔内的含水量要适当，水太多会留有痕迹，太乾则渲染不开。渲染完後，如原来的墨线已经模糊不清，可用重色在重钩一次，钩一次，称为「勒」，同时也可从画纸背後托染，使画面的花叶颜色更加浓厚、均匀。花卉渲的方法有三：

（一）先 後染：先将花朵的颜色最淡的颜色 底（既平涂打底）再用其他颜色分染，通常白色、粉红色、浅黄色的可花先用白粉 底，在用浅绿、洋红、藤黄等色分染。叶子可先用草绿 底，再用花青分染。

（二）先染後 ：紫红色或深红色的花卉，可先用花青（或淡墨）自内侧向外分染後，再 红色，染叶也可先用花青（或淡墨）分染後，再 草绿。

（三）接染画法：譬如粉红色的荷花瓣，尖红，根部稍带淡绿色，可先用白粉 底再用洋红由尖向内分染，并立即用淡绿色由内向外分染，在水份未乾前接合。局部虫蚀的破叶，亦可用接染法。

於禽鸟的赋采法略有不同，下图为吴学让教授的示范，首先白描後以淡墨分染，然後以颜色第二次分染，乾後第三次铺色，接著第四次梳毛，第五次铺色 梳毛（丝毛）是化翎毛（或畜牲）所常用，为了强调羽毛松软而细密的感觉，梳羽毛法的原则是淡色羽毛用深色梳，深色羽毛用淡色梳。

没骨画法

没骨画法是不用墨线钩勒、直接以色彩绘画物像的画法。没骨画法相传为北宋徐崇嗣所创，此後画者极少，清初的恽寿平是复兴此画法的大师，影响近代甚大。下图为恽寿平的没骨画「秋花图」。

没骨画法也以使用熟纸较恰当，因不用墨线，故以留白的「水线」来曲分前後叶或花瓣与花瓣之间的关系，有以白当黑的味道。没骨画法也可细分为几种表现方式：

第一种较工细如双钩虿填彩法，只是略去双钩的墨线，靠色彩的层层加染而成。

第二种画法略为疏放稍带写意的笔意，直接以色彩点染，一次完成。第三种画法是先工整色，未乾前以其它类似的色彩点染局部，类似破墨因为使用熟纸，故产生半融合效果或略带斑驳的色彩变化。

一般而言，白描画法、双钩填彩画法与没骨画法机皆属於工笔画法的范畴，应注意其形态的完整与结构的清楚，初学者在画前可先钩一张同尺寸的速写稿，置於画纸下，则构图、形状有个依据，能专注色彩与运笔的趣味，无论以那一种发方法画花、叶，色彩皆要有浓淡的变化，一只笔沾清水，以便分染。亦可用「先後染」的方法，追情求更丰富的色彩变化，但设色不宜太浓艳，总以淡雅为尚。染完色彩，等待乾後再钩勒叶筋、丝花或加画花蕊，增补细部。

写意画法

写意画法是指用单纯而概括的笔墨来表现对象的精神意态，是不求形似求神似的画法。依据画史上的记载，唐朝吴道子所画的嘉陵江山水或王洽的泼墨，可能已具有写意的形态，传世的画迹中北宋苏轼、文同的墨竹，释仲仁的墨梅已经可以归入写意画法中，到了明末的徐渭，更以豪放笔墨，在宣纸上画出淋 痛快的大写意，如下图是徐渭所画的「牡丹蕉石图」。八大山人、扬州八怪及金石画派都给写意花鸟画拓展了不少的领域。

写意花鸟画法多以「点垛」或「点簇」的技法，可细分成钩花点叶法、小写意法、大写意法等数。画写意适宜选用生纸，可单独用墨色来画，亦可用数种颜色来画。笔内先含调好淡色，再礁深色於笔尖，也可先可先礁深色再蘸清水来画，每一笔都要有深浅的变化，使用生纸容易化开，才能产生乾、湿、浓、淡的不同效果。

吴学让教授以写意画法示范的紫藤，先以双钩画法了解其结构。用写意画法现紫藤花，先以羊毫笔沾白粉，笔尖蘸花青，再蘸洋红後以侧锋点垛，即画出有浓淡与色彩变化的花瓣，补小化瓣後，换草绿色画细梗、点花蒂，并以黄粉点花蕊。此外叶子的结构、叶序，穿藤法，亦应注意。

总之写意画法虽有所谓「意到笔不到」之说，形式简略或形象不精确都不需计较，然而要将写意画法画得好，仍须先在工笔画法中多下工夫，多观察写生，才能发挥笔简而意足的特点。

第二篇：国画写意人物画法教学

写意人物画大致可分为写意线描、写意着色、大写意3类。写意线描是写意人物画的重要基础专业课，也是可独立运用的表现形式。写意线描，着重进行写意型人物画的观察方法、表现方法的最初训练，主要学习用笔课题，同时也研究用墨问题。写意着色，是写意人物画最常见的也是最常用的形式，是在写意线描学习的基础上进一步进行笔墨方法的训练，但重点应放在用色（包括颜料的性能、用色的技巧与艺术，色墨混用与对比、协调等）课题上。

写意着色可从着色兼工带写入手，并逐渐放开用笔而进入一般着色意笔。着色方法也可先学淡彩着色再研究重彩的表现。大写意，是最大限度发挥写意人物画技法特性、相对难度较大的一种形式，一些传统的简笔、泼墨、泼彩、泼水等技法都可在大写意的大笔挥洒之中得到充分运用。

1。写意线描基础

线描，是写生常用的一种技法，也是最简便的方法。这是一种单以粗细不同，刚柔相间、曲直有别、疏密相对、虚实相衬的线条来刻划形象的技法，也是国画技法中最古的一种。从西安半坡彩陶上就可以看到多变的线描鱼纹了。拿这些生动的艺术形象和原始的鱼类化石来对照，可以说明这些鱼纹是具有现实主义和浪漫主义色彩的伟大创造。

用自然科学的观点讲，线是面的边界，独立的线是不存在的，既使细如蛛丝的线、在显微镜下也是圆柱体。由于物各有体，有体就有面，有面就有线的感觉存在。先民们就是从这个视觉实践中发现了线、创造了线描技法。

我们运用这种技法写生时，也要根据这个理论，从物体结构上找到线。这个线则是艺术的线，可粗可细，可宽可窄，既有造型的功能，也有抒情的功能，具有丰富的表现力，奠定了国画技术的基础。初学线描以折枝的大花头入手为好，用铅笔写生便于修改，再用墨线重勾定稿为好。用毛笔墨线重勾时，要注意用笔的变化，随花叶边缘的起伏而起伏，随其翻转而转折，随其结构安排笔的起讫，随其动势注意行笔的疾徐，随其不同质感注意用笔的轻重、顿挫。一般说，粗线宜于表现肥厚的东西，细线则有挺秀，质薄的感觉，直线坚，圆线柔，干笔枯，湿笔润，线的疏密也能表现出不同的空间，色彩感。一幅线描画稿，可以用匀称统一的线条，也可以用多种变化的线条构成。用墨方面也是一样，一幅白描画可用一致的墨色完成，也可浓浅兼施，求得多样统一。所有这些变化都由作者尊重感受自由调遣。熟练以后，顶好用墨笔直接写生，对象的形神、动势、质感等等，常常会启发我们运用笔墨的变化，创出新的技法，塑造出更生动的形象，这对写意画创作特别重要。

写生不同于照像，可以添枝加叶、移花接木、去芜存菁，使形象更加完美。初学者顶好是就地取材，进行取舍或增益，不要事后加工，以免减弱画稿的生动性。

2。临摹方法

半坡人创造了线描，我们也要不断地创造新技法。马克思说：“人们自己创造自己的历史，但他们这种创造并不是随心所欲，并不是由他们自己已选定的情况下进行的，是在那些已直接存在着的，既有的，从过去承继下来的情况下进行的。”为了创造社会主义时代的新国画，我们必须批判地继承已有的创造成果。继不继承，确实有文野、粗细、快慢、高低之分。

知识源于直接经验。临摹是化间接经验为直接经验的有效方法。临摹方法：一是对临，一是背临。对临主要用于工笔画、工笔画的工艺性强，可以笔笔求似。也可以用于写意画的学习，只须领略大意，不必笔笔求似，因为写意画中含有一定的偶然效果，既使原作者，重画原稿也不可能完全一样的。

背临的程序如下：

首先是选好临本。一种是就自己喜爱的画风，选自己仰慕的画家，特别喜爱的作品有利于自己画风的发展。一种是根据自己创作需要、丰富表现技法选择临本的。一种是为纠正自己的用笔习气选择临本的。不管是从哪个目标出发选择临本，都以笔迹清晰的原作为好，至少是质量较好的印本。

其次是读画。仔细观赏临本，领略画意。为此，也要阅读有关作者生平的材料，特别是与此画有关的评论。注意画面的题跋、款识、印章都有助于画意的理解。

三是技法分析。领略画意之后，详审技法特点，推敲画面效果是如何取得的，以及作画工序，先画什么，后画什么，何处起笔等。比如郑板桥学习徐青藤《雪竹图》所作分析：“纯以瘦笔破笔燥笔断笔为之，绝不类竹；然后以淡墨钩染而出，枝间叶上、罔非积雪，竹之合体，在隐跃间矣。”便是一个很好的范例。根据技法分析再来斟酌原作使用的器材，主要是：画本是纸是绢，是生纸还是熟纸；作画用笔类别、是硬毫、软毫，还是兼毫；再是用水的质量，是自然水，还是含胶的水。工具和材料是技法的物质基础，如果工具、材料不对头，就很难临得原作的效果，学到其中技法。斟酌好了以后，至少要画好质量近似的东西。

写意画创作要成竹在胸，临摹写意画则要成画在胸才能落墨。根据自己的需要，可以整幅通临全画，也可以局部节临。临摹完成后再对照原本校对一下，分析成败，总结经验。学时要求似，用时则要取长舍短，融汇于我。清人袁枚论诗说：“平居有古人而学力方深，落笔无古人而精神始出”。值得很好的玩味。3。写意画着色和大写意

写意着色除应继续写意线描研究用笔外，主要研究方向转向用墨、用色、色墨结合的课题之中。

中国画中的笔与墨是不可分割的一个整体中的两个方面。笔中有墨，墨中见笔，是传统画对笔墨的基本要求，各种用笔中都脱不开墨色的变化。变化而有韵味却是不易之事，它是随着实践与涵养的提高而提高的。有墨而无笔，则墨中无骨，而无骨之墨易烂易平，从而失去表现力与中国画特殊之笔力感。因此前面所讲到用笔问题实际上同时是离不开用墨课题的。写意着色人物画，尽管将主题转入用墨与用色，实际也是进一步研究用笔的过程。色与墨在艺术上有许多共同的要求，用墨如用色，墨分五彩，而用色需见笔，色中见骨，是用墨用色的传统要求。中国画在形式感上的重要特征是以线为主体的各种不同墨与色的笔触有机、和谐而有韵律感的组合。当然作为用色它还有其他多种艺术表现的要求，而现代写意人物画中对墨与色中见骨的概念又在扩大与延伸，如追求肌理效果等，更多地丰富与强化了墨与色的笔触感。

墨色大致有焦、重、浓、淡、清之分，有枯润之变，有破墨、积墨、泼墨、宿墨、胶墨之法。墨之韵味与节奏产生淡雅、沉厚、丰富、淋漓、滋润等各种不同艺术趣味，并以此表现物象的某些形体与质感，意境与情趣。用墨的诀窍是在变化中求统一，这变化可以是各种墨色之间的对比，也可以是墨色本身的韵律感、丰富感、肌理感，因而用墨一般有两种倾向，一是对比中求统一，另一是统一里求变化。前者追求丰富而鲜明，后者则应和谐而不单调。

墨法中最常用的是破墨法。由于生宣纸的渗化性与排斥性，水的含量以及落笔的先后不同，可使浓淡之墨在交融或重叠时产生复杂的艺术趣味。具体讲可分浓淡互破、枯润互破、水墨互破等，而这其间含水量、速度、落笔相隔之时间、纸性与墨质、笔类与笔型都起着不同程度的作用。如同样的含墨含水量，由于下笔速度快慢不同，会引起宣纸与笔接触的瞬间的长短，这样在宣纸上反映的浓淡及渗化度会因所吸的墨与水多少而不同。如果两笔之间相隔时间长短不一，也会因先落之笔痕干湿度以及渗化范围大小不一而与后落之笔的交融中产生不同效果。羊毫与狼毫因吸水放水量不一样，作破墨效果润枯度也不一样。鲜墨与宿墨、胶墨，用破墨法都会产生极不同的效果

鲜墨清醒华滋，宿墨古朴而浑厚，胶墨凝重而生涩。纸质优劣或渗化性不同，用同样之水分与墨色，效果也会大异。油烟墨、书画墨汁、松烟墨、墨胶以及广告墨色都会在宣纸上产生不同趣味，而这些不同性质的墨，会因不同质地的纸产生大相径庭的效果。因此墨法的掌握需要的是实践与个人经验的不断积累。

积墨法，山水画中用得较多。所谓积墨是指各种不同墨色、不同笔触的不断交错重叠而产生的特殊艺术效果，给人以浑朴、丰富、厚实之感。积累时每一层次的笔触的复叠，一般在前一层次的笔触干时才进行，而笔触的相叠必须既具形式感又能表现物象。积墨时，湿笔比渴笔更难，因为湿笔之积累，易臃肿呆俗，不易追求到苍郁淋漓的效果；而渴笔不但容易疏松灵秀，如有败笔时，也容易补救。渴笔之积累应防止松散纤弱。湿渴混积是最常用的技法，搞好了可出现浑、秀并呈之效果。积墨法在人物画中一般用在画毛发，粗质感的物件与衣着，老人的皮肤，以及表现某些对比及气氛中的特殊效果等。

宿墨之法。宿墨是因室温偏热，而使所研的新鲜之墨胶与墨发酵分离而成的，这种变质之墨可能在偶然中被画家发现其所能产生特殊艺术效果。宿墨因胶部分或全部发酵、墨粒游离引起沉淀，这样便会在宣纸上时凝时化，而且笔痕清晰，不易渗化或覆盖。宿墨不如鲜墨之墨色有光泽，但却乌黑而浓郁，作画时，往往因其各种笔痕不易相融重叠，以及部分未发酵之墨的偶发性的渗化而形成一种特有的奇趣，从而使宿墨法自成一格，并被历代画家所青睐。

泼墨法，是指随笔将多量的不匀之墨水挥泼于宣纸上的作画方法。这种挥泼而成的笔痕、水痕，有一种自然感与力度，但有很大的偶然性与随意性，是作者有意与无意的产物，容易出现既在情理之中又在意料之外的效果。泼墨法往往和大写意联系在一起，适用于追求情趣、感觉以及在造型上无需很严格的题材与物象。如画衣着宽松不定型的人物，画活动中或舞蹈中的简笔型人物，或画处在风、雨、雾、夜中的人物，都有利于泼墨法的发挥。

指墨法，是以手指为笔作画的一种特殊表现手法。早在唐代就有“以手摸素绢”作画的记载，但真正形成指墨法，是清代高其佩，他在前人基础上发展与完善了指墨的技法。指画实际是运用手指头、手指本身，甚至手掌部进行作画，一般地说，手部的凹凸与皮肤是贮水器，附在手部的墨水沿着手指不断流向指尖，利用手指指甲与指尖肉进行作画。指甲无需太长，半厘米左右足够了，太长容易使所画的痕迹单薄，甲与肉同时接触纸而容易产生较厚重之效果。五个手指可以分别运用，也可以连续运用，也可二、三指合起来使用，甚至手指各关节与手掌有时也可配合使用。为了蘸水方便，也可用小碟盛墨水，凑在手边，边蘸边运指。指画用纸不宜渗化度太大，应用豆浆纸、煮硾笺或者熟宣或相当渗化度型纸。

胶墨法，是指以参胶之墨作画的技法。参胶可先参和在墨中，使墨成重胶状，也可墨与胶随时边参边画。胶墨在宣纸上因胶与墨之间比水与墨之渗化困难并且容易产生不均匀，而我们正是利用这种特殊性能去表现某些新的感觉。胶墨画法自古有不少人运用，如任伯年、吴昌硕、蒲华都是用胶墨的能手。胶墨之痕在干后仍有新鲜而湿润之感，而且水所渗成的边圈包围透明的墨韵、墨块之效果，常为画家所利用。

墨法并非仅以上几种，新的墨法也在不断发现和试验，但有待于进一步完善与总结。

色，可以分为颜色与用色，在古代写意人物画中，用色居从属地位，水墨为上，水墨为主，用色特别是用重色的作品很少见。近代与现代的写意人物画用色开始增多。

中国画颜料，原先都是直接取自矿物与植物，朱砂、朱磦、赭石、石青、石绿、石黄等都以矿砂加工而成，花青、藤黄、胭脂等取用植物之汁加工而成。现代使用之颜料，已打破原先之框框，许多水彩色如群青、紫、洋红、曙红、铬黄、天蓝、大红、柠檬黄等等都成了经常借用之色，甚至部分水粉色也时而掺和用之。颜色中矿物之色与粉质色不易渗化，却极易沉淀，一般地说，植物质与非矿非粉之色渗化度大，也不易沉淀，可是真矿物之色有不易褪色之优点，而其他之色到一定年代画面便会褪色，难以长期保存。

写意人物画用色有原色、调合色、色墨三种。古代之绘画以原色为主，写意人物画也如此，而且以淡彩居多，现代写意人物画用色品种繁杂，手法也随之增多。原色与墨色之间有天然之联系，以墨为主的画面原色会显得单纯、醒目，有协调之感。而以原色为主的画面，墨色也会具清晰明亮之效果。现代的写意人物画，原色使用仍是人们研究的重要课题，特别是对民间美术、民间工艺美术中使用原色的研究和汲取，从而使现代写意人物画之原色色调比古代要丰富得多。

现代写意人物画注重画面的色彩调子，促进了对调合色使用的研究。如西方绘画，特别是水彩、水粉画的用色方式，现代工艺美术的色调处理，磨漆画的色彩感觉以及对自然界新的审美视角的追求等等，都是影响中国写意人物画的调合色使用的重要因素。但中国写意人物画调合色研究的基础重点应放在固有色的变化上，对光源色研究与利用不能作为重点。调合色应在表现丰富多彩固有色的变化上多下功夫，从色块的并置效果中求得大统一、小对比、丰富而协调的效果。

在古代作品中，用色一般不打破物象原来不同固有色之间的界限，在现代之作品中，有的仍沿用这种手法，但已开始按画面需要与作者的主观感受去概括与处理画面的色彩，或打破固有色之间的界限，或归并同类色甚至按气氛与表现的需要改变原有的色相等等。这些手法虽然超出固有色的色相与界限，但仍需以所表现物象为依藉，尊重特象的总体感受与印象，否则容易失去生活的浓度，并养成用色上类型化、概念的习惯。

色墨是中国写意画很有特色的一种表现手法。由于生宣纸有渗化性的特点，色、墨、水的互相渗融过程会形成无穷的极为丰富的色墨深浅层次，如果蘸墨技巧较高，水、色与墨又会在落笔前的毛笔笔端先形成丰富的层次，如果运笔时这种笔端的变化与宣纸的渗化度利用得当，便会产生只有中国写意画才具有的神奇效果。

色墨的混合使用，应该注意几点，一是墨与色在调色盘中不能过分地调搅，如果调搅过分均匀，画面上易形成呆板的效果，如果嫌调合太匀，可在落笔前再蘸水以造成笔端色墨的再次不匀均。二是含水之笔蘸墨与蘸色后可不在盘中再调和，即直接落笔在纸面上，边运笔边调和，同时也边表现，让色、墨与水在纸面上进行自然的交融，从而色与墨可保留各自原本的明亮度。三是通过不断实践，提高把握笔端色墨分量以及落笔后效果的能力，特别是落笔后从浓到淡的反复涂抹，从而使色墨的对比、层次、比例在运笔中产生由强到弱的丰富而自然的色墨之阶。四是白色与墨的混合使用会形成特殊的区别于淡的银灰色，如果与新鲜纯淡墨并置使用，会产生微妙的韵律感。色墨混用会增强色彩浑朴感，又会使墨色增添层次，并容易使画面减少火、俗之气。不过一幅画面不宜普遍使用色墨，这样容易花和碎。调合的色墨与不调合的色墨可结合使用，以便画面更耐看一些。近代历史上有许多色墨运用的高手，如吴昌硕与任颐、齐白石给我们提供了很多这方面的范作，有待于进一步继承与发展。

水的使用。画写意人物画离不开用水，笔、墨、色的特色的发挥很重要的因素便是用水，“墨非水不醒，醒则清而有神”，画面要有神韵，首先必须掌握用水技巧。用水涉及笔端含水多少，纸与笔的品类，用笔的速度及接触纸面的时间长短，用笔的力度与方式，还有水本身的不同性质等等。譬如，笔端含水量的多少，直接影响画面渗化的结果，而同样的含水量，在不同的用笔速度与力度情况下，又会产生不同的枯湿感。含同样水分的软毫与硬毫，因为软毫放水慢，而硬毫放水快，会产生不同的笔痕，而不同性能的纸质又会直接影响水分渗化度的大与小。同样的含水量又会因中、侧、卧、逆的不同用笔方式而产生不同效果。如中锋水顺流，侧锋与卧锋水不顺流，而逆锋又会因笔毛时紧时散而减少笔毛与纸接触面，使宣纸无法集中汲取笔端所含之水等等。而水本身的不同性质又会影响其与色与墨的调合效果，如清水、混水、矾水、胶水、酒水作为调合之用，或者单独使用都会产生不同的艺术趣味。清水是最常用的，前面提到的笔、墨、色的效果，指的是清水的作用。混水可使色泽稳重，矾水可使色墨之笔痕清晰，胶水可减缓渗化速度，使部分色墨似化非化，并保持湿润之感觉，酒水可加速渗化范围，也会使有的色与墨沉淀等。不同的水如果先入纸面都会在生宣纸上形成水晕与笔痕，而这种水痕产生排它性，使后敷之彩与墨无法将其全部覆盖。从而保留住隐现程度不一的痕迹以表现某些特殊的效果。大量的清水又可以部分地冲移未干之色与墨的痕迹，或直接冲渗入色墨之中产生新的水痕。

勾勒是中国画用笔的主要形式，勾勒表现的难度也最大。单线勾勒明确而暴露，因此比其他用笔形式更需精心设计和具有较深厚的功力，才可能使画面笔笔讲究，有力度、经看，笔与笔之间要有呼应，节奏，构成疏密有致，浓淡与枯温得当。改变传统线的用笔方式，追求新的形式趣味，追求总体上线的节奏感与造型的整体感。笔简而意繁。勾勒应尽量洗练，必要时勾勒可重新按需组合，精取大舍，甚至改变物象的原本形态。注意每一笔功力的体现，笔与笔之间的刚柔、曲直、浓淡的对比，互相之呼应与韵律，主体构成的用笔应尽量反复斟酌。以勾勒、皴擦、渗染等手法为主，画面可将扎实与虚松结合起来，并注意实而不板、松而意到的效果。

生活小品。尽管是即兴的随笔画，但平时必须大量积累有情趣的生活速写之素材，毛笔速写与其他速写均可，在这种速写的基础上进行小品构思，促使想象力的发挥。拖泥带水，边勾边涂抹，一气呵成，以期达到自如、生动而浑然一体的

艺术效果。充分利用宿墨湿中见笔、似渗非渗的性能，宿墨一般地说以湿笔易出效果，枯笔则特点不明显，因此凡以宿墨作画，可多用湿笔、饱和之笔。以疏松的枯笔为主的表现能给人以苍劲之感，枯而凝练是掌握枯笔的关键，利用枯笔所产生的飞白，作适当渲染，通过细心的收拾，使画产生松动而整体的效果。打破常规的线的组合方式，使点与线形成有机结合的格局，并改变线的肌理效果，但保持传统线的讲究功力的基本特点，以丰富线的艺术趣味，同时提高线的表现力。各种技法的结合使用，枯、湿、皴、擦、点、厾、渗、染的有机组合以更充分地表现物象，落笔前对线、点、面的安排，可有个大体的设想，以使画面整体自然、丰富。

采取总体统一而局部对比的手法。总体上笔法的统一，使主要支撑形体的用笔有足够的。强度，构成合理优美。局部的对比，可虚实相间，以突出主要的部位，各种局部的对比手法又都必须自然地融合于总体的统一格局之中。

第三篇：国画工笔人物画法

起稿：

首先用铅笔在图画纸上起稿，反复修改，定稿后用重墨勾出肯定的线，如果是临摹可用复印机放大，节省时间。

勾线：

把熟宣纸或绢蒙在底稿上开始过稿（勾线）。过稿一般先用铅笔淡淡描出，再用毛笔勾线，先用铅笔描可以修改完善底稿。我是直接用毛笔勾，不用铅笔，一是节省时间，二是觉得直接用毛笔勾更流畅自如。勾线的方法和书法一样，其关键在“起笔”“行笔”“收笔”，起笔逆入（有逆的意识即可）中锋运行（笔尖在线条的中间），收笔有回势，力量要均匀，不能虎头蛇尾。用笔中锋侧锋并用，侧锋不是偏锋，偏锋是笔病，侧锋是笔法。侧锋一般在转折时出现，随着转折的结束，侧锋又回到中锋。能转回到中锋的是侧锋，不能转回到中锋，一侧到底的是偏锋。侧锋可体现性情和韵致，全是中锋则缺少神韵变化，全是侧锋则扁软淡薄，要中侧锋并用。一般厚重的衣服用墨重，线条也粗，薄软的衣服用线淡些细些，面部最淡，用笔也要柔和。树石粗糙，可用枯笔。线的墨色变化不宜过大，否则容易乱。最好从始至终用一支笔，频繁换笔会影响气韵贯通。

染墨：

在上色前先用不同的墨渲染，比如：头发，桌椅，地面，树石等。墨染很重要，颜色要靠墨来生发，是国画的特点。但不能染够更不能染过。染墨强调层次感和韵味，韵味无法用语言说清，只有慢慢感悟。

着色：

在染过墨的地方继续用颜色渲染。这时就要提到国画颜色中最重要的两种颜色：花青，赭石。画山水的朋友常说：颜色嘛，花青赭石足矣！我们画工笔重彩当然不能只用这两种，只是说明花青赭石的重要。用赭石染桌椅树木，花青染绿色植物，花青墨染假山。还可用花青，赭石和墨进行一些烘染，比如在浅色白色旁进行烘染会使浅色白色更加突出。花青，赭石和墨的叠加会产生一种深沉高雅的色彩，是其他颜色无法取代的。

有了以上的基础后再分别使用：朱，黄，白，石青石绿等。选用那些，怎样搭配就看你了。

工笔用色强调反复叠加，淡淡的反复染最终达到浑厚沉稳华滋的效果。石色一般先要用水色打底，朱砂：胭脂或曙红打底，罩染朱砂，最后用曙红分染。石青石绿：花青或草绿打底。也可用赭石渲染打底再罩染石绿，不同色相的叠加使色彩的纯度降低，更深沉丰富，会产生很好的效果。

衣服画好后开始勾花纹，花纹不光是为了华丽装饰，也是调整色调的关键，不能忽视。

复勾：用较深的同类色沿着原来的墨线复勾一遍。可以使被覆盖的墨线清晰，也让色和线更协调。复勾后会改变原来的色彩感觉，所以要慎重。

勾金沥粉：金银黑白属于中性色，既不偏暖，也不偏冷，在哪里都适用。现在画店有现成的金色，加了胶，买回来就能使用。沥粉也称立粉，画仕女的环佩宝珠。用粉要饱满，画成后粉要凸出，用手能触摸到。

面部：曙红染脸颊，再用朱红（我一般用水粉朱红来代替朱膘，朱红比朱膘细腻纯净）染，朱红加赭石染暗部，朱红赭石加白统染面部，白提三白，土红加赭石复勾面部，中墨画眉眼，赭石加墨点瞳孔，墨加花青刻画眉眼，胭脂染嘴唇，朱红罩染，胭脂复勾。花青加墨罩染头发。

凡是较浓重的颜色在染到一定程度后就要用清水笔洗掉，再染再洗，，直到满意为止。整幅画在画到一个阶段后也要用清水笔整个刷一遍，让颜色之间衔接自然，也降低火气。反复多次后颜色吃进纸里，就沉着了。着色就像做豆腐脑洗面筋，一块面反复用水洗，把淀粉全部洗掉，只剩下精华。

其实在绘制过程中以上这些步骤是要多次重复的，也不一定按这个顺序，勾了染，染了勾，染完洗。洗了染，，完成后不满意就洗掉重来。只要纸没烂就接着画下去。不要怕失败，即便画烂了彻底失败了，你也从中得到了宝贵的经验，好多新的方法就是这样产生的。你只有深入到别人没深入到的地方，才会得到别人没有的东西。不凌绝顶，怎能一览众山小？初学者不敢深入，只在浅层游离，画的过于“文雅”不够狠！这样的作品漂浮甜腻肤浅。不要急于出成品，要深入“研究”，“研究”不是高手的专利，初学者同样可以研究，记得我小时候学画画总爱在人物的面部染些绿，觉得这样好，但没有人接受，自己也没有理论作注脚，说不出道理，只好作罢。现在画人物在肤色中加草绿或石绿已成时尚，被广泛使用。看来还是要坚持自己的做法，不要轻易放弃。

第四篇：精品国画花鸟欣赏 名家精品真迹难得一见

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我们常听说花鸟画，那么何为花鸟画?花鸟画是中国国画的其中一种，主要是以花卉、花鸟、鱼虫等为描绘对象的画，称之为花鸟画。花鸟画中的画法中有“工笔”、“写意”、“兼工带写”三种。工笔花鸟画即用浓、淡墨勾勒动象，再深浅分层次着色;写意花鸟画即用简练概括的手法绘写对象;介于工笔和写意之间的就称为兼工带写，形态逼真。又以使用水墨色彩上的差异，分为水墨花鸟画、泼墨花鸟画、设色花鸟画、白描花鸟画与没骨花鸟画。

国画花鸟画，中国画注重意境，其中花鸟画还讲究形式美，不局限与空间、时间的限制，重在体现人与自然中生命的和谐，同时借助于物，来表现流露出人的自然感情，传达美好寓意。花鸟画重在体现生活中的情趣，也对美好的事物进行托物言志，表情达意。国画花鸟画仔细欣赏、品味，寓意无穷。古往今来不乏有许多的花鸟画名家，他们佳作如林，重彩水墨，林泉花木，构图多样，色彩绚丽，争奇斗胜。今天就以王一容、李林宏、王建辉、郑鸿光四位为例，来一睹国之瑰宝——名家花鸟画精品。【工笔重彩传人王一容】王一容(原名王莉)，女，籍贯山东，现为文化部中艺卿云书画院画家，北京厚德豪书画院副院长，国家品牌战略委员会理事。被誉为“工笔重彩传人”。王一容家学渊源，以工写兼攻。曾游学于北京画院、中国花鸟画研修院，师法于俞致贞、金大钧先生亲授其工笔重彩画法。其作品，构图简洁，色彩明快，造型生动，空灵洒脱，清纯感人，堪称独树一帜。

国画大师王一容最新力作荔枝鱼九鱼图《红利有余》作品出自：易从网

“荔枝鱼”是中国传统文化中最为吉利的代表，荔枝形态优美，四季常绿，象征欣欣向荣;生命力强，可生长百年以上，长盛不衰;荔枝音同励志，是常见风水吉祥物。图中“鱼”的发音与“余”是同音，代表年年有余。“鲤”的发音与“利”相同，所以鲤鱼也用来象征生意中收益和盈利。这就是这幅王一容九鱼图《红利有余》名字的由来。

结婚送礼首选 王一容六尺横幅孔雀图《富贵呈祥》作品出自：易从网

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在中国，孔雀被视为优美、高贵和才华的体现。在傣族人民的心目中，孔雀是最善良、最聪明、最爱自由与和平的鸟，是吉祥幸福的象征。而且王一容老师笔下的孔雀图栩栩如生，图中孔雀光彩艳人，绚丽无缘。自背至尾，有五色 金翠闪闪发光的圆纹，相绕似铜钱，称之为眼圈，娉婷悦目，美不尽言。

王一容六尺横幅新品国画葡萄图《硕果累累》

葡萄枝蔓缠绕、颗粒饱满、晶莹剔透，一串一串沉甸甸的，一颗颗晶亮亮的。一团一团，挨挨挤挤，好不热闹，看着惹人喜爱，两只鸟儿停落葡萄枝头更是为画面增添了许多的生机。一副硕果累累的秋收图，此作品适宜悬挂在家中客厅中，风水寓意非常好。而葡萄本身又多籽，有着多子多福的美好寓意，同样适合结婚生子的礼品。

【实力派画家李林宏】李林宏，男，职业画家，出生于广西桂林，进修于广西师范大学美术学院。现为广西美术协会会员，桂林美术协会会员。李林宏绘画技巧精湛娴熟，笔法淋漓流畅，源自他的勤学苦练，以及他对中国画艺术的执着与痴迷。他重于思考、多生想法的性格也促成了作品的不断完善。其作品笔墨豪情激越，画面色彩斑斓，给人以高尚的艺术享受。

家居装饰画 李林宏国画梅花图《傲雪》作品出自：易从网 名家王一容手绘真迹：http://www.xiexiebang.com/huaniao/list-b247/ 易从字画官网：http://www.xiexiebang.com

【张大千再传弟子郑鸿光】郑鸿光为张大千再传弟子、钟质夫入室弟子、田世光入室弟子、中国“没骨画”传承人，青年时期师从张大千入室弟子著名花鸟画家钟质夫和田世光教授，学习宋元及现代名家所长，打下了坚实的工笔画及“没骨画”基础，尤以“没骨画”及“墨牡丹”见长。作品被台湾、香港、马来西亚、新加坡、韩国等画廊收藏。

张大千再传弟子郑鸿光国画牡丹《富贵花开春满园》作品出自：易从网

郑鸿光的牡丹虽然画法具像写实，但更加注重“夺造化而移情，遐想若登临览物之有所得也”的怡情作用。故而他的牡丹不仅光彩照人，而且意象清新，意境优美，可观可赏，可游可居，令人久看之下，俗虑俱涤，心清神宁。此作品可用于客厅挂什么画好，过节送礼，更有着较高的收藏价值。【国家一级美术师王建辉】王建辉现为河南省美术家协会会员，国家一级美术师，中国艺术书画院高级院士，河南书画协会会员，中国工笔画研究会会员，中国职业画家协会理事。多年来勤学苦练，形成了自己独特的绘画风格。2005年以来，在河南省博物馆、北京国际会展中心、中国美术馆以及日本、韩国、新加坡等国家和地区举办画展，作品先后被国内外藏家和我国党政机关及国家领导人收藏。人民日报、河南日报、中央电视台、河南电视台等十多家媒体，对王建辉先生做过专题报道，被誉为“中国虎王新秀”。

名家王一容手绘真迹：http://www.xiexiebang.com/huaniao/list-b247/ 易从字画官网：http://www.xiexiebang.com 王建辉新品花鸟画四条屏《事事如意》

此幅四条屏作品分别以不同的动植物等入画，姿态不一，造型各异，设色讲究，是如今家居比较流行的装饰挂画。此幅四条屏是王建辉老师的近期力作，分别以寓意吉祥的柿子、石榴、葡萄、寿桃、为刻画主题，形象生动的表达深深的祝福。画面整洁，构思精妙，让观赏者赏心悦目没有一点重复累赘之感。是家居必选装饰挂画亦是送亲朋好友的书画佳作!字画收藏未来充满潜力

随着人类历史的进步，高科技的广泛使用，历史性收藏品，如春秋时代的青铜器、唐宋鎏金佛，清朝官窑瓷器等等，这些东西慢慢的成为历史的遗迹。然而，艺术品的收藏更充满潜力，文人墨客笔下的花花鸟鸟栩栩如生，带给人更多的视觉享受，时而苍劲有力，时而温文儒雅，赏一幅画，品一幅字，从拍卖会的成交量看，往往字画更占优势。从中不难看出，未来艺术品的收藏价值会越来越受到更多收藏家、艺术家的青睐。当然和同行业很多公司相比，易从网更加有保证，所售的所有字画作品都是老师手绘原稿，拒绝任何赝品和印刷类字画，服务于广大的收藏爱好者。字画收藏既具有极高的艺术价值

大家都清楚艺术本身就无法用金钱去衡量，它属于精神文明的范畴，不会随着科学技术的进步而被淘汰。在当今科技发达的今天，精神文明建设相对比较匮乏，塘裕典藏目的在于让更多爱好收藏者认识艺术收藏，字画收藏。除了自身的艺术价值，字画收藏易保存，易打理，对环境的要求不高。

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第五篇：雷国艺花鸟作品《春风得意》国画赏析

本次参拍雷国艺画作《春风得意》

成功书画家网（记者 冯宜玉）6月30日报道，成功书画网（微）拍第二十八期预展已于昨日拉开序幕，中国美术家协会会员、周口市美术家协会副秘书长、项城画院院长、项城市美术家协会主席雷国艺先生花鸟画作品《春风得意》再次入选成功书画网（微）拍。

雷国艺先生的花鸟画作品多以“鸡”为题材，尽国画笔墨之能事，用艺术创作之想象，以清新淡雅风格，描绘了自然之生动，生活之情趣。此幅《春风得意》，任然以“家庭式”组合的鸡群为创作对象，层层渲染、穿插自然的笔墨，更加呈现了春风之中觅食、嬉戏的自然生灵勃勃生机。

雷国艺，2006年结业于中国美术家协会首届高研班。师从刘大为、王明明、梅启林、张立辰、王培东等，中国美术家协会会员，中国美术家协会培训中心特聘画家，周口市美术家协会副秘书长，项城画院院长、项城市美术家协会主席。