学习国画作文

第一篇：学习国画作文

学国画

齐白石画的虾栩栩如生，徐悲鸿画的马奔放豪迈，这一幅幅意味悠远的国画，无一不让世人惊叹。国画使我感到神秘、欣喜，今年暑假，我迫不及待地报了国画班。

我刚进国画室，就有一种古色古香的感觉。整齐的宣纸，散发清香的墨汁，墙上一幅幅形象逼真的山水画，配上高雅的乐曲，使人受到美的熏陶。

我一坐下，唐老师就开始教我画线条。咦？我的线条怎么总在跳舞，那么歪歪扭扭？我发布了三次命令，可都没有成功，原来控墨那么难。但我也不是吃素的，经过几天的刻苦学习，我熟练地掌握了墨的粗细。唐老师又教我画树，树干分单钩和双钩，树枝分鹿角和蟹爪。记住了这些要领，我便轻松掌握了树的画法。

第十天，我就开始挑战自我。看着那些画，我不知所措，最后挑选了一张比较简单的——母鸡领小鸡图。开工了，我一会儿工笔细描，画出小鸡的细节；一会儿轻笔速写，画出母鸡的动态；一会儿浓妆淡抹，给图画添色。我左看右看，总感觉有点不对劲。经过唐老师的大笔一挥，效果好多了，给人一种栩栩如生，妙不可言的感觉。唐老师告诉我，国画是我国的瑰宝，讲究的是意境，不要求极像，而是神似。

“梅花香自苦寒来”，经过两个月的学习，我的水平有了很大提高。国画让我在淡淡的墨香里享受绘画的乐趣，让我在勤学苦练中享受成功的喜悦。

第二篇：学习国画的一般常识

学习国画的一般常识

一、中国画的概念中国画原来泛指中国绘画，是近代为区别明末传入的西画而出现的概念。较之西方绘画的造型方式和表现手法有明显的差异。它包括卷轴画、壁画、年画、版画等各种各样的门类；今作为中国的画种之一，指以中国独有的笔墨等工具材料按照中国传统长期创作、形成的绘画品种，在世界美术领域中自成独特体系。它是用毛笔、墨和中国画颜料在特制的宣纸或绢上作画，主要运用线条、墨色、色彩来表现，并与诗词、书法、篆刻相结合，达到“形神兼备”气韵生动的效果。它以悠久的历史和独树一帜的特点，集中代表了中国绘画传统及其在新时代的创新，是几千年的中国文化传统的具体体现，是东方绘画系的重要组成部分。

二、中国画的类别中国画不是一个符合艺术分类学的科学概念。按工具材料分：可以称为水墨画或彩墨画，与油画、水彩画、版画、水粉画并列。按使用的不同分：中国画作品可分别列入壁画、连环画、年画、插图之中等等。按绘画的对象分：有人物画、山水画、花鸟画（花卉、翎毛、草虫、走兽、鱼虾、瓜果、博古）三大科。按技法分：可以分为有工笔画、写意画和兼工代写画。工笔画工细秀丽，造型严谨，渲染细致，富于装饰效果。而写意画则技法简炼，造型概括，笔趣横生，有意到笔不到的效果。具体到表现绘画的对象又细分为：人物画可分：白描、工笔重彩、半工半写、写意、彩墨。山水画可分：界画、水墨、浅绛、小青绿、大青绿、金碧青绿等。花鸟画可分：白描、勾勒、勾填、没骨、点垛、勾花点叶等。

三、学习中国画所需的用具：

1、笔：笔有大中小号之分，也有软毫硬毫之别。初学时，大笔要准备大、小提斗笔各一支。大笔最好买兼鬃的。中等笔要准备一支大兰竹、一支大白云；小笔要准备一支叶筋或衣纹。新买来的毛笔要用清水发开，千万不能用热水泡。每次用完要及时涮干净，不能让残墨或色把笔毫胶住。

2、墨和砚：“一得阁墨汁”就可以了，使用方便。也可以在砚台上研墨，砚台最好是带盖的用毕盖严。若残墨太多已变质要及时洗去。

3、纸：写意画要用吸水性较强的纸，质量好的有生宣纸，价格低廉的有毛边纸、元书纸、防风纸。工笔画要用熟宣纸或绢。

4、画毡：用生宣纸作画一落墨就会洇透，在纸下面必须垫上毛毡。画毡可以用旧毛毯、旧呢子代替，以平而有绒为好，颜色最好浅一些。当然也可以报纸来垫上。

5、笔洗：作画要备洗涮笔的工具，最好用广口而光滑的。笔洗不要太小，水不要太深。太小不便清洗，水太深笔杆上残留水分流下来会影响调墨。

6、调色盘：调墨、配色，要备有三、四个大一点的白色盘子，最好不要用有花纹的盘子，用后要及时涮干净。

7、笔垫：废宣纸、废画可放在画案旁，作为吸水和试墨用。笔上多余水分可用笔垫吸一下，便于掌握水分多少。作画时手边还要有一块生宣纸，下笔水分过多，也可用它及时按压一下。

8、颜色：初学者可买一盒12色的中国画颜料。

四、学习中国画要把握它的一般特点要想简明地回答以上的问题并不容易。传统的中国画具有悠久的历史，适应中国的文化土壤而生根开花，在立意、构图、技法和程式化的表现诸方面，都具有自己的特点，这些特点，也正是目前国画理论家正在讨论总结的问题。这里试举数点。第一、中国画的构思——首重立意为先中国画创作，以立意为先，许多绘画理论家都首先强调这一点，不管是画山水、画人物、还是画花鸟。唐代张彦远在《历代名画记》中有一段关于“六法”的论述：“夫象物必在于形似，形似须全其骨气。骨气形似．皆本于大意而归乎用笔。”他认为立意在先．画中才能有变态、有奇意。宋代以画梅花著名的华光和尚，法号仲仁，传为华光著作的《画梅指迷》中，有一段“画梅全决”，开头就是“画梅全决，立意为先”。到了清代的方薰，著有《山静居画论》。在这里也强调了立意与作画之关系，他说：“作画必先立意以定位置，意奇则奇，意高则高，意远则远，意深则深，意古则古”。他认为平庸者作画必平庸，俗气者作画也俗气，因为缺乏画家最宝贵的“立意”，所以作品平庸。意人利文艺复兴时期的画家达·芬奇，也有近似的说法，他曾说：“一个画家应当描绘两件最主要的东西，人和人的思想意图。”这与我国晋代人物画家顾恺之所提出的“巧密于精思”是十分一致的。“意”是从哪里来的？一是画家对现实生活的丰富体察、创作经验的充分积累；另一点便是画家本人的修养，这样在创作之先，画什么，怎么画，在头脑中形成了成熟的构思。宋代画家文与可，别人称赞他“胸有成竹”，即在他没有落笔画竹之前，头脑中已经有了竹子的形象，在胸中、笔下跃跃欲出，这时便能落笔而就。“胸有成竹”遂成为我国赞誉善于计划安排事情的成语。在张彦远提出的“立意”之前，南朝时代的谢赫即有“创意”、“明意”之说。创意之画，不落陈套，用意精当，借景以生情，笔少而意多，在这一意义上讲作为一个画家，不仅要在平时注意练笔、锤炼个人的表现技巧，更为重要者，还要认真地加强“练意”之功。很多习画者，常常只是注意在练笔上下功夫，而忽略了“练意”，这是值得注意的。第二、中国画的造型规律——以线造型、以形传神中国画是以线造形的，通过线勾出轮廓、质感、体积来。德国的诗人歌德称美术有用光表现得神态活现的那种本领，说明西洋画用光为造型手段之一。但中国画主要是以线为造型之基础，这就使中西绘画在造型手段上有明显之分野，但这并非说西洋画完全排斥用线，而是说光可以作为绘画的主要语言而用于绘画的。法国的罗丹曾经强调过：“一根规定的线通贯着大宇宙”，是说造型艺术从宇宙如何分割出来的问题，也并非以此作为绘画的主要表现手段来看待。而中国画无论对山水的破线或是衣服的纹线，都积累了非常丰富的线型，巧妙地描绘着各种形象。“以形写神”是晋代画家顾恺之的一句名言，从而确立了中国艺术神高于形的美学观。它与纯以抽象性为高的近代欧洲美学观具很大的区别，即画人不仅仅于形似，还要升华到神似，画出人的精神面貌，不停止于外形之模拟，不拘泥于自然之真实，这一论见为艺术家建立起艺术应竭力追求之高度，在这一理论指导下，历代出现许多传神写照的佳作，成为指导绘画的一个重要准则。第三、中国画的构图法则—— 多点透视、计白当黑中国画既用焦点透视法，也用散点透视法，既有严守真实的画面空间和布白，也有打破真实按构图需要而平列的空间和布白，这样就使物象在画面出现时，可以按实物在画面上的艺术需要，伸长或缩短变化其形象，更换其位置。一株低于视平线的牡丹花．也可抬高于视平线之上，而取得透视的最佳效果。中国画在空白处尤其注意经营，常常借用书法上的计白当黑．即没有画面的部位要象有画面的部位一样作认真的推敲和处理。第四、中国画的色彩法则——随类赋彩、色彩相和南朝齐谢赫的著作《画品》的“六法论”中，所提的“随类赋彩”或“随类，赋彩是也”，可以理解为绘画的色彩与所画之物象相似。中国画的色彩，不拘泥于光源冷暖色调的局限，比较重视物体本身的固有色，而不去强调在特殊光线下的条件色。画那一件物品，就赋予那一件物品的基本色，达到色与物、色与线、色与墨、色与色的调和。第五、中国画的意境——情景相生、气韵生动中国画要求“笔与墨合、情与景合”。现实中无限丰富的景象，给画家以强烈的形象感染力。画家凭借着这种感受，激起描绘这些景象的激情，于是作品作为情景相生的复写而重现，使情景交融在一起。至于“气韵生动”，即是画家所创造的艺术境界，不同于一般的写生画，应成为富有生气，新鲜而活泼，有诗一般的韵味，使观者神往无穷。如果没有表现出如此生动、如此韵味丰富的内涵，当然，就不能给人以形象的感染力、视觉的冲击力等一些感受，而达不到中国画富有引人入胜的意境。第六、中国画的独特形式——诗书画印，相映成趣可以说只有中国画，才有题字盖印的做法，不仅文人画，可以显示其诗、书、画三绝之长，即是一般的画作，也总要题字盖印，这样才有传统艺术的浓厚风味。题字和诗句，可以提高或补充观者对作品的欣赏和理解，也丰富了构图的变化，起到互相衬映，互为显彰、点缀与平衡构图的多方面作用。中国画的工具和材料之性能，也决定着中国画的特色。中国画是运用绢和纸作画，特别是生宣纸的出现，更加发挥了笔趣和墨彩。宣纸的渗性，毛笔的尖锥，使得笔锋无穷变化，产生出奇妙的效果。同时形成了各种效法和描法，画法和笔法。

五、学习中国画要注意以下要领第一、注意从写生到写意国画在初学时以临摹作为入门的手段，逐渐地对物写生。再转而对物象写意，不仅粗笔的写意画是如此，就是细致的工笔画，也有其写意的成份。因为中国画在描绘物象时，不管是为工笔或为写意，其处理手法都带有写意性，不是简单复写一遍，而是要得其精而忘其粗，繁其所当繁，而简其所当简，对物象提炼加工的程度较高，不以光色外型的逼真为能事，着重于内在的认识。根据董其昌的记载，好多著名的山水画家，都是以真山水为稿本进行创作的，如“李思训写海外山，马远夏圭写钱塘山，赵吴兴写营雪山，黄子久写海虞山”。当后人看这些画幅时，感到他们既是在写生，又是在写意；既师法于自然，又不为自然现象所困。拿黄子久的《富春山居图》来看，作者取材于富春山，并不就是富春山的环境地理图，他表现的是黄子久理想化了的境界。由此说明古代画家对自然界各种物象是如何认识并表现出来，使真实物象变为艺术形象，并且逐渐使之规律化、程式化，同时可以看出他们丰富的表现技法。对照《芥子国画传》及其它画谱，再对照历代画家对这一程式的运用，读者便可以摸到从自然生态变为国画中的艺术形态，如何加工和概括的过程。从中也可理解到从写生到写意的处理加工手法，从技法上掌握中国画的造型特点。第二、注意突出主题明代汪珂玉在《珊瑚纲》中说：“古人作画，皆有深意，运思落笔，莫不各有所主”。“所主”也即是主题。主题突出，是艺术创作中的一个共性。一个主题思想形成了，便可决定用何题材去表现，再决定素材之选择，以至确定下作品的标题，采用什么样的表现方法，都要取决于主题表现的是什么。象唐代阎立本的名作《萧翼赚兰亭图》（传），这个故事的曲折情节很多，但阎立本选取的是萧翼的意在“有意、机诈和骗诱”和辩才的出于“无心、善良和受骗”两个典型情节，以突出画中的主题。主题突出在“赚”字上，其他的细节则盯以减略或概括，这是完全符合《法书要录》上对这一事实所作的记述。在国画创作中，发现了好的题材，并不等于都能突出主题。如只求人物之生动刻划，或求画面之丰富变化，或者平铺直叙，均不能算是突出主题。作者只有从国画艺术的特有规律和表现手法来考虑应该突出什么，要善于按国画形式概括题材，确定主题，把人物的刻划，细节的组织，都用来烘托主题，使观者从画面上就以不加解释的领会到作画者的意图何在。所以郭熙认为：“作画先命题为上品，无题便不成画”。主题明确了还应给作品取个最恰当的题名，大多数情况下还要题在画面之上。标题要言简意赅，寓有深意，也可以直接地揭示出主题，也可以暗示出主题的含意，以取得画龙点睛之妙。第三、注意积累素材艺术工作者都需要在生活中积累大量的素材。文学家使用的是文字，画家有时也用文字，但主要的是用画笔写生。在画家接触自然界的风景、花卉和人物时，要经常以速写为记录，把观察到的实物用画笔随时收集。象画家齐白石，对于各种小生物的生理结构，都有非常细致的观察和了解，这样做下去，也锻炼了美术工作者观察生活和造型的能力。鲁迅先生提到过，“作者必须天天到外面或室内练习速写，才有进步。到外面去速写，是最有益的”。从生活中记录下来的原始材料，如同开采到的矿石，也象是活水的源头，有无限的生动和丰富，比之于拍照片，抄画报得来的素材，亲切而深刻。在深入探索自然风光和人物的实践中，积累大量素材，同时构思新的画题，会引起无穷通思。要注意题材和体裁。题材不同于素材，素材是未经冶炼的矿石，题材则是从大量的素材中．经过淘沙冶炼找出的最适于表达某一主题的材料。如果对素材的选取不精，会使所要表达的内容，失去鲜明性和典型性。用一个通俗的比喻来解释体裁，好比是量体裁衣，根据不同的体型，来剪裁不同的款式。比如一面大的壁画制作，用一幅小的册页体裁就不适当。又如前面提到的《萧翼赚兰亭》，用人物画的体裁就比较好，而《长江万里图》，当然是用山水画的长卷形式为佳。而各种咏梅的诗意画，则用花卉惊现为贴切。在人物、山水、花卉诸种形式和体裁中又分有工笔、写意、重彩、水墨等等的不同。作者当确定画的主题之后，都应从内容出发，跟着就要考虑所要使用的体裁。诸如长幅还是短幅，是用大场面还是用特写之笔。

六、学习中国画要注重两个基本功第一、临摹。中国画在其形成过程中，有许多的传统表现手法，掌握这些方法，一个经常使用的办法，是临摹前人作品和老师的画稿。有相当造诣的国画大家，必须经数十年的临摹和体验，才感到对绘画有较充分的把握。第二、造化为师。生活中的丰富环境，是画家最活的画本，画家应在生活中不停地磨练自己，国画家常讲求以造化为师，只有从这个丰富的宝藏中，才能开发出艺术的瑰宝，得到自然界的启示，收集广泛的素材。两个基本功相辅而行，不可或缺，只临摹前人的稿本，日子长了，失去独自创造的能力，如果只靠写生的东西，则常常失去传统的笔致。在画家具有了很好的国画临摹基础之后，生活则是最重要的了。清代画家石涛说“笔非生活不神”，关在屋子里瞑思苦想不行，缺点在于离开自己亲自收集来的形象，对人物的性格、精神面貌全无所知，这种形象就会概念化。反之，你在生活中画下最熟悉的人物，一闭上眼，人的精神气质、音容笑貌、都会不呼自出，就会生动得多。就拿画人来说吧，工人和农民，虽然都是劳动者，而从个性和气质都不相同，这些就需要在生活中默默的研磨才能脱颖而出。画山水花鸟，也同样离不开实地旅行写生和体验。当然作为一个艺术工作者，除了笔墨和生活基础之外，对于人品道德的修养，尤其不可忽视。过去人们常讲的书如其人或者说画如其人，即指一个画家的人品和修养，常常自然流露于笔端。清，王星在《东庄论画》一书中说：“学画者先贵立品”。清，沈宗春在《齐舟学画编》中说：“笔格之高下，亦如人品”，“心画形而人之邪正分焉”。都足以说明，书画评论家，对画家的艺术水平高低之外，还要全面的分析画家人品道德，只有那品艺双馨的画家才值得人们学习和尊重。

七、学习中国画要做到从“心”开始要有热爱之心。要学画，就要首先热爱绘画，以此才能学好中国画；要有坚韧不拔之恒心。无论是什么时间、无论是什么条件都能坚持，无论是什么困难都能坚持，雷打不动、持之以恒，坚持数年、数十年必有好处；要有不耻下问的虚心。要潜心学习、虚心好学。向书本学、向实地学、向他人学。要有不达目的不罢休的信心和雄心。同时要去除私心、躁心和贪心，做到脑勤、耳勤、眼勤、手勤、腿勤，多实践、多分析、多研究，就一定能够不断地取得进步。

第三篇：国画学习感悟

国画学习感悟

南关小学 王树梅

中国画是植根中华民族土壤中的艺术，但是真正能看懂中国画的人还不是很多。我正是带着一种对中国画的好奇与探求心加入了潍城区教研室组织的国画学习，在王伟等老师的指导下，我们赏析了许多优秀的中国画作品，还学习了画工笔画。虽谈不上对中国传统文化精髓有了了解，但也在老师的熏陶下对中国画有了一些粗浅的认识、体会。

中国画按其使用材料和表现方法，可细分为水墨画、重彩、浅绛、工笔、写意、白描等；按其题材又有人物画、山水画、花鸟画等。中国画画幅形式较为多样，横向展开的有长卷、横披，纵向展开的有条幅、中堂，盈尺大小的有册页、斗方，画在扇面上面的有折扇、团扇等。

国画在古代一般称之为丹青，主要指的是画在绢、纸上并加以装裱的卷轴画。中国画历史悠久，远在2000多年前的战国时期就出现了画在丝织品上的绘画——帛画，这之前又有原始岩画和彩陶画。两汉和魏晋南北朝时期，社会由稳定统一到分裂的急剧变化，绘画形成以宗教绘画为主的局面，山水画、花鸟画亦在此时萌芽。隋唐时期社会高度繁荣，绘画也随之呈现出全面繁荣的局面。山水画、花鸟画已发展成熟，宗教画达到了顶峰，并出现了世俗化倾向。元、明、清三代水墨山水和写意花鸟得到突出发展，文人画成为中国画的主流，但其末流则走向因袭模仿。中国画自19世纪末以后在近百年引入西方

美术的表现形式与艺术观念19世纪以后，在政治、经济中心城市，汇聚了一大批画家，以上海为张大千等人；以北京为中心的北方画家群，如齐白石，以广州为中心的岭南画家群，如黄君璧等人。

在没有学习中国画之前，我一直以为中国画就是画画山，画画水，最重要的是在学习这门课之前，我根本就不懂中国画，或者说理解的很浅显。虽然说学习中国画这个课程仅仅只有几个月的时间，这短短几个月的时间让我来感受它、走进它、体会他，这让我的时间突然变得紧张起来。

我这个从来没有拿过毛笔的来画中国画，这叫我一开始就不知所措。幸好遇到了许多专业的老师，他们教我们画国画时要用意念来画，虽然说我现在还不能够体会到其中的真谛，但在我这段学习的过程中慢慢的我了解到原来中国画光靠认真仔细是不行的，而是要靠心神一起，就像王伟老师说的中国画里要有一种气，要有一种神韵在里面，画中国画就像在表达一个人的思想，反映着一个人的性格，表达着作者当时的一种心情。

中国画画到现在我感觉到，要想把中国画画好就必须要用心来画，要把你的思想融会贯通到画里，画的要磊磊落落，要潇洒，要浑然天成。画中国画是一种享受，我到现在才明白过来，不享受的状态下画中国画是画不好的。尽管我现在的状态还不是很好，还没能够领会中国画的精神，但是在这段时间的学习中我领悟到中国画确实是最伟大的艺术，它是在塑造有灵气的画面，画中的山山水水具有灵性，活灵活现，从中能体现出作者大气磅礴的豪迈与洒脱。

在中国画的学习上，虽然有时我不在状态，但是我会尽量把心情调节好后再继续进入状态，我认为不在状态的时候最好不要动笔，不然的话会越画越糟糕。中国画让我又一次找到了放松心情的良药，就如写毛笔字一样，虽然我没有写过毛笔字，但是我想应该一样吧。

学国画到最后我才慢慢懂得王伟老师课上所说的话，心神一致，屏气凝神，专注又不失洒脱，大气又不失凝滞。再画到某种程度的时候，就会在不知不觉中超脱自然，在笔墨之间把个人的情感个性在无形中流露出来，使个人与画浑然一体。但是在洒脱之余又要格外注意整幅画的笔墨布局以及视觉效果，我认为这是比较困难的。

总之，学了这门课，我受益匪浅，既陶冶了情操，又学习了新知识。

第四篇：孩子们学习国画的好处

孩子们学习国画的好处

国画的精粹不是通过一些简单的语言就能够描述出来的，这需要大家能够真实的体验才能够感受到它的精髓和博大精深，还能够真正的帮助大家陶冶情操，感受着国画渗透出来的深厚文学修养，对于孩子们的成长和学习都有很大的帮助，接下来我们就来看孩子们学习国画的好处。

上海国画培训介绍：孩子学习国画的好处： 好处一：接触传统

在现代化的社会当中，很多现代化的科技让大家眼花缭乱，孩子们更会接触不到古老的中国传统文化和国粹，所以学习国画可以让孩子们快速的接受中国的传统文化，并且对孩子们的身心以及自我修养有很大的帮助，还能够让孩子终身受益。

好处二：陶冶情操

学习国画最讲究的就是意境和内涵，能够表现出真正的真善美，能够快速的培养孩子们的气质，陶冶情操。

好处三：培训素养

国画能够培养孩子们的思维能力以及心理素质，因为国画一旦落笔是不能够更改的，这样可以有效的培养孩子们的判断能力，让孩子慢慢养成胆大心细，求真求实的性格。

好处四：思维增强

学习国画不仅需要耐心，还要让孩子们静下心来，国画的形象主要就是表现性的，能够很好的抒发出个人的情感，还概括了一些提炼的形象，能够真正展现出现实的升华和内心的表达，所以学习国画能够让孩子们具有一种更高层次的艺术思维方式。

好处五：热爱生活和自然 国画最重要的是深思，所以神韵非常重要，通常能够在生活和自然当中找到素材，不仅能够锻炼孩子们的眼力，而且国画都是站起来画的，所以能够避免孩子们近视，也会锻炼孩子们的臂力和耐力。

上面就是闵行国画培训对孩子学习国画的好处做出的相关介绍，所以学习国画不仅能够丰富大家的国学修养，继承传承几千年的文化瑰宝，发扬传统文化，还能够充实大家内在的修养，让大家沉寂在深厚的文化艺术传承当中。

第五篇：书法国画学习意义演讲

书法绘画教师的发言稿

各位来宾、各位亲朋好友大家好，我是美术和国画教师。常言道，生命的长度有限，而生命的宽度无限。大学毕业之后，从事书画教育工作已经十余年，如同爬山一样，一路走来，领略了不同高度的美。《易经》,“取法乎上,仅得其中;取法乎中,仅得其下.”学习书画，取法古文，才能得到更多的精华。像书法的教学，经过潜心学习篆、隶、行、草、楷书体，我们选择的教材为欧阳询所书的《九成宫醴泉铭碑》被后世喻为“天下第一楷书”或“天下第一正书”，享有“楷书之极则”的美誉，被历代书家奉为“欧体”的楷模。国画选择写意画。写意画被视为“中国画发展的高级阶段”

.中国的书法和绘画有共同之处，从表面来讲都是毛笔和墨做成的。从自身来讲都需要静下心去做，讲究心平气和，从而可以培养人的性格。学习书画其意义应该是“醉翁之意不在酒”，不在绘画技术本身。最能抒发人的情怀与性灵，而被许多书家奉为最高追求欧阳修曾说“古画画意不画形”，凸现了尚意不重形的追求；正是中国书画艺术的“神韵”高标，就是为了孩子的性格培养和创新。

瑞典的小学生三年级前几乎没有文化课，美国的小学生到二年级也还是大字不识一斗，他们大部分时间都拿来玩儿，拿来弄美术、音乐之类，文化课在整个小学阶段无足轻重。可是他们科技文化并不落后，瑞典是全世界人均发明专利最多的国家，是全球最富裕的地区之一，美国也是公认的科技文化经济强国。而我们，孩子还在娘胎里就受到竞争压力，整个青少年时期如临大敌；我们家长都那么期待，我们老师那么辛苦，我们孩子那么努力，结果我们的创新文化远落后与人。人家的教育显然侧重创造力的培养，而我们则侧重了现成技术的培训。其结果人家做设计师，我们做技术工人；人家做老板，我们做打工者。说我们沦为欧洲的打工者一点都不为过。事实上，他们创造力如此强大与重视美术教育是分不开的。人家并不是培养很多艺术家，而是要“借鸡生蛋”，通过创意教育的有效途径，让孩子更聪明，更健康，更有活力。也就是说孩子 学习书法有那些好处呢？

一、字是“门面”，一手好字，受益一生。去年广州某人才市场需招聘3000名毕业生，报名达3万人，第一项内容就是“填表和写简历”，仅通过写字，就淘汰了1/3。学生时期，可以提高学习成绩；毕业之后，可以提高找工作的概率；参加工作后，可以被领导重用。在竞争越来越激烈的当今社会，写得一手漂亮的字，无论是学习、工作，还是生活，都会给人留下好的印象，增强自信心。其次，中国书法给人以美的陶冶和享受。古往今来，书法艺术真是“引无数英雄竞折腰”啊。人们对于书法艺术的欣赏、喜欢，陶冶锤炼了中国人的审美情趣，！书法以抽象的笔墨线条给我们以震荡心灵的美感。第三，中国书法艺术不仅能给人以美的享受，还是养生保健的有效方法。医学专家研究结论表明，在可使人长寿的二十种职业中，书法名列榜首。从清末到新中国成立之前，当时人类平均年龄为40岁~62岁，著名书法家们平均寿命88岁；进入现代、当代，著名书法家们平均寿命已经超过90岁，例如齐白石、黄宾虹、何香凝、章士钊均享寿90岁以上，朱屺瞻、苏局仙、孙墨佛等更上了百岁高寿。

书法有养生的作用，这是不少学书法的人的共识。有人把这些作用总结成四句话：“洗笔调墨四体松，预想字形神思凝。神气贯注全息动，赏心悦目乐无穷。”所谓“洗笔调墨四体松”，是书法养生的第一阶段。在这一阶段，通过洗笔、调墨等预备动作，达到四体放松，疏通全身气血经络。“预想字形神思凝”，是书法养生的第二阶段。这就要思想集中，把意识调节到最佳状态。这样才能进入形象思维，就会顿觉心旷神怡，气力强健。“神气贯注全息动”，是书法养生的第三阶段。把神、气贯注于书法运动的全过程，关键要做到神领笔毫、气运于手，以此带动全身心的活动。这个阶段可以说是书法运动的最实质性的阶段。“赏心悦目乐无穷”，是书法养生的第四阶段。好的作品可以赏心悦目，令人乐在其中。学习书法，可以从自己的创造中得到满足感，心境也随之得到一种超然与净化，达到心绪舒畅。

“写字既有动又有静，是公司白领、机关干部,知识分子较为理想的养生之道。”张浩文说。书法是形象思维，由右脑主宰。白领、知识分子们白天工作处理问题多以左脑来进行逻辑思维。在业余时间练习书法，可以舒缓神经，左、右脑交替运用，交替休息，使到逻辑思维和形象思维能劳逸结合。练书法时，必须排除杂念，凝神静气，物我皆忘，通过科学的指法、臂法、腕法、身法有机地将点画输送到字的结构中。书写状态会激活大脑神经细胞，使全身血气通畅，手臂和腰部的肌肉得到扭转和锻炼，达到强身健体之功效。具体来说，书法的养生功效可以分为看不见的“静功”和看得见的“动功”两方面。练习书法要求全身心地投入，一心一意，排除杂念，平稳呼吸，意守丹田，将自身的感受，通过柔软的毛笔将刚劲有力的字写在纸上，这本身就是一种气功。练习书法时思想高度集中，甚至还可以达到忘我的境界，心情和思想都融入文字的意境当中，对眼前或身边发生的不愉快事情视而不见、听而不闻，从而进入既轻松又舒适的状态，没有了妄念和烦恼，精神获得享受，因而有益身心健康。倘若能持之以恒，还能达到意念集中，襟怀坦荡，身心愉悦的境界。此外，由于练习书法要使全身处于端坐或直立的状态，从头到脚保持正直，做到“头正、肩松、身直、臂开、足安”，这实际也就是练了“坐功”或“站桩功”，对神经衰弱、消化道疾病、冠心病，甚至对一些身体虚弱的慢性病人都有好处。而“动功”则表现在挥毫运腕时的身体运动。例如，按照书法中的“永字八法”，运笔时就需要频繁变换提、按、急、徐、左、右等运作，手指、手腕、手掌进行有规律的运动。一般来说，写寸楷以下的小字，重在运指。写五寸以上的字，即需悬腕。写大一点的字，更需悬肘。写特大的字，则需由肘而肩、而身、而步地运用全身之力。所以说，每天习字、作书，要不断转换动作和灵活运用指、腕、肘、肩、身等，实际上是在进行着一种轻柔而又有力度的有氧健身运动。

书法的养生治疗效果已在中西医学界得到确认。香港大学高尚仁教授曾经做过实验，发现人在写书法时“心脏搏动比一般休息状态时更慢，更有规律性”。书写者心灵进入持续安静的状态，对血压有积极的调节作用。从心理调节的角度，当人处于情绪激动的状态时，如果能坐下来写上数百字的楷书，一笔一画专心于点画之中，慢慢地写，不久就会觉得情绪安定，冷静平和；而当觉得情绪低落、郁结烦恼时，如果能练练行书、草书，任意挥洒至酣畅淋漓，情绪得到宣泄，则精神倍增、意气风发。

有人把人生不同阶段练习书法的好处比喻为：幼时习书如驯兽，青年习书如交友，中年习书如避暑，老来习书如进补。对于在事业、家庭双重压力下忙个不停的中年人来说，练习书法就如同“避暑”，可以让精神得到放松，身心得到锻炼。

书法是值得大力提倡和发扬的艺术，作为一个中国人，即使有很高的学历，有精通的电脑技能，但如果不能“手到擒来”“得心应手”地书写自己的民族文字，或者写得极其难看，那也是一种文化缺失，会被人认为没有文化底蕴与文化表现力。把书法当成电脑族生活的一部份，别让电脑失写症荒废了这一传统中华文化精粹！《康诰》曰：“如保赤子。”心诚求之，虽不中，不远矣。未有学养子而后嫁也。无论对人，还是对事，都要真诚对待。即便很多方面做得不足，但也不会太差，所以内心才可以坦然。在我这里学习的孩子，我会视如己出，以鼓励赞赏的方式让孩子得到提高，既提高了专业技能，也培养了孩子的情操。