谈器官——数字定位式声乐教学法

第一篇：谈器官——数字定位式声乐教学法

内容摘要：

内容摘要 ：伴随着 中国 音乐 教育 改革的进行，倡导教育者创新教学方法，声乐教学方法的创新给声乐教育者和学习者开辟了一个崭新的天地，丰富了声乐教学体系，提高了声乐学习的质量。“器官——数字定位式声乐教学法”是一种值得推敲且 科学 有效的声乐教学方法，在声乐教学实践中发挥着重要的作用。

内容摘要 ：伴随着 中国 音乐 教育 改革的进行，倡导教育者创新教学方法，声乐教学方法的创新给声乐教育者和学习者开辟了一个崭新的天地，丰富了声乐教学体系，提高了声乐学习的质量。“器官——数字定位式声乐教学法”是一种值得推敲且 科学 有效的声乐教学方法，在声乐教学实践中发挥着重要的作用。

关 键 词 ：器官 数字 声乐教学法

在声乐 艺术 高度发达的今天，从事声乐教育事业的教育者都在极力地寻求更好的声乐教学方法和方式，以便于更好地适应时代的需求。声乐艺术不同于其他的艺术，如器乐演奏、舞蹈、作曲等。声乐演唱是以人体为乐器来歌唱表现的艺术形式，其教学始终围绕着声音来进行，声音是无形的、转瞬即逝的。由于歌唱器官内部在歌唱运动中有限的可视性和不可视性，歌唱动作是看不见，摸不着的，失误率较大。在声乐教学过程中，学生学习演唱的途径往往是通过教师示范歌唱，学生听觉分析，模仿练习，寻找正确科学的发声方法，最终获得具有艺术性的各种歌唱技能；而学生的学习方式多是盲目机械的，从而多了一种当局者迷的感受，甚至许多声乐学者学习到高级阶段，仍然还处于含糊状态。所以要做到使学习者都能够清楚、准确、充满理解地进行声乐学习，实是一件不易之事。鉴于歌唱学习训练的特殊性，如何依据声乐教学的一般 规律，进行针对性教学，成为获得发声技能的关键。为了解决这一问题，笔者在多年的声乐演唱和教学实践中，在先进的声乐教学理念指导下，通过不断的探索和反复的实践，总结 出了一种适应性最广、针对性较强并且科学有效的新型声乐教学方法：器官——数字定位式声乐教学法。

器官——数字定位式声乐教学法弥补了传统“三种教法”（模仿式、教材式、器官式）的不足之处，以生理器官为依据，借鉴西洋声乐艺术教学的先进经验，正确理解科学的发声机理，运用行之有效的训练手段，通过一系列独有的发声训练，让学生彻底抛弃了声乐学习的懵懂状态，进入一种理性的思维状态，充分利用自己的发声器官，从一种盲目的发声学习状态 自然 过渡到一种科学正确的发声状态中去，避免了传统教学方法带来的弊端，最终塑造出各种饱满、优美、动听的声音。这种新型的声乐教学法，极大地丰富了声乐理论的内容，是声乐教学的一次改革。在各种教学方法大量涌现的今天，器官——数字定位式声乐教学法以其科学、系统的教学特点，不断完善，不断 发展。目前，这种新型的教学方法在实践中，已取得了显著的教学成果，使得一些高等院校的声乐专业学生、专业声乐学习者以及声乐爱好者等群体都受益匪浅。那么到底什么是器官——数字定位式声乐教学法呢？

器官——数字定位式声乐教学法是在正确理解科学的发声机理的前提下，采用器官教学与数字定位教学相结合的方式，运用“器官数字定位图”课堂教学的同时，重点掌握四种获得歌唱技巧的技术要素——“如何准备”“如何做动作”“意念”“声音形象”，将理论知识与歌唱中要运用的技术技巧巧妙地融为一体，从而使演唱者在学习时获得充分的生理和心理准备，使歌唱中的动作更准确，因此降低了歌唱动作的失误率，并在循序渐进的训练过程中，较快地掌握声乐发声的技术技巧的一种高效率、高质量的教学方法，它是生物力学、声运学与控制学的综合体现。它的最大特点就是具有“数字定位性”。摆脱了声乐教学过程中学生“看不见，摸不到”的模糊感觉状态，更重要的是它将声乐学习过程“形象化”了，使整个发声过程变得清晰可见。通过训练最大限度地挖掘出了学生的声音潜质，使他们明确了声音的概念，树立了歌唱的信心，正确理解了科学发声的机理，体会到了器官数字定位式声乐教学法带来的便利。

从宏观上说，器官——数字定位式声乐教学法的内容，可以概括为两个部分：一是数字定位图内容（器官数字定位图）的理解。二是歌唱技巧四大要素的掌握。这两部分是相得益彰的关系。从微观上说，每一个“数字定点”中都蕴含着生理成分和技术成分的共同协调，这就存在着各种更细致的发声练习：深呼吸练习、开喉咙练习、哼鸣练习（大气力哼鸣、喉咙稳定的高音假声哼鸣、打开额窦口哼鸣、打开蝶窦口哼鸣等）、泛音（高泛音）等训练内容。只有将这些技术技巧熟练掌握，才能更加合理地运用发声器官，体现了器官数字定位式声乐教学法的理念。整个教学法是这种宏观和微观的统一。下面将从宏观的角度阐释器官——数字定位式声乐教学法的理论原理。

一、“器官数字定位图”的形成体现了数字定位的内涵和意义

人的整体发声器官就是一件乐器，一件能用不同声音表现音乐的奇妙乐器。人要做到能正确、科学的发声并利用好这件乐器表现音乐艺术，了解发声器官生理结构和发声原理是前提，是基础。人的发声器官大体由喉咙、声带、胸腔、喉腔、咽腔、口腔、鼻腔、头腔构成。在这些腔体中还存在着鼻前腔、鼻上腔、鼻后腔（后咽壁）、额窦、额窦口、蝶窦、蝶窦口、硬腭、软腭等生理成分，这些生理成分都发挥着不可估量的作用。如果在没有系统的声乐理论学习的前提条件下，想让学生在学习声乐的过程中，记住器官位置的同时又加入各种技术技巧是很困难的。器官数字定位图的发明，是将各种发声器官按照其相互的作用关系定位到几个关键的“点”上，使演唱者和学习者在发声时一目了然，及时准确地调动各种器官进行准备和动作，产生各种声音效果，调用的“点”不同，发出的声音也会各不相同。图示的应用，使视觉、听觉、动觉等共同合作，协调动作，潜移默化地将歌唱的发生机理和技术技巧糅合在一起，使原本抽象枯燥的声乐学习变得形象生动、看得见，摸得着。

下文将结合“器官数字定位图”，来了解教学法中“数字定位”的内涵，它包括数字定点的解释和各定点之间的关系两个方面。

这张“器官数字定位图”可以帮助我们更好地理解此教学法的“数字定位性”。

第二篇：声乐教学法

声乐教学法

歌唱发声练习教案

班级：13音乐学1班

姓名：蔡蓓瑜

学号：130501017

一、发声练习目的和要求：

1、目的：将歌唱演唱中对声音所需求的各种技术环节，通过有规律、有步骤的练习

2、要求：首先了解和熟记歌唱发声器官的生理部位及其功能，掌握发声的基本原理，全面理解其精神实质，通过反复的练声及歌唱消化

二、发声练习步骤：

第一阶段：中声区训练为基础 小字一组d—小字二组降e 第二阶段：在中声区训练基础上，适当扩展音域过渡声区

第三阶段：高音区巩固两个阶段基础和加强音量音高的训练，高位置头腔共鸣

三、发声练习的起音：

1、激起音，吸气完后胸腔保持不变，声带闭合，训练跳音、顿音

2、软起音，比“激起音”柔和，发出的声音比较平稳，舒展（高位置练习）

3、舒起音，先出气后发音，想叹气一样，声音过于僵硬的毛病，通俗唱法使用较多，较口语化，起音音量不要过强

四、发声练习曲

1、“哼鸣”基本练习，练“m”，这音容易

2、母音的练习，如a.e.i.o.u等单母音，不同母音的走向要求呼吸的感觉也不尽相同，要求平稳呼吸

3、连音练习

连贯优美，将音域相对拉宽，气息连贯性及稳定性，字要清晰

注意:连音练习换母音时嘴巴保持张开只有嘴型的变化，声未停，口不变

4、跳音练习（断音练习）

均匀、紧凑、颗粒性，横膈膜灵活，声音挂好，促而时断时续的声响

注意：跳音练气息具有爆发性

5、结合字声练习，字正腔圆《花非花》《送别》

五、练声注意事项

1、训练时间不宜过长，30分钟以内

2、高音没有能力唱，切勿练习，唱满意的音

3、练唱新鲜感，精神集中

4、多用慢的、短的乐句练习

第三篇：声乐教学法

浅谈歌曲的情感表达

摘要：歌唱艺术主要是情感的表达，而情感 表达要从情感特征，声音的要求，和对歌曲本身的理解。关键词：演唱，情感，表达

一、歌唱是表达情感的艺术

（一）歌唱的本质是人们情感的表达

音乐是人类情感体验的表现能够以其独特的表现手法触摸到人们心灵深处的情感需求与体验。在声乐演唱中优美动听的声音是为了表现内心的情感体验，再好的声音，如不能将歌曲情感表现出来，会令听者索然无味，更谈不上感染人。歌唱艺术是以人声来表达思想感情反映现实生活的。在歌唱艺术中，情感表达是十分重要的，只有充分理解声乐作品，准确地运用各种表现手段，才能深刻地反映作品的内容和情感。对于初学者来说，往往容易仅从音乐与文学的角度进行探索，而忽视了情感对于音乐文学创作的影响。音乐性也好，文学性也罢，它们最终的归宿还是表“情”，在这一点上，都有样的共识——没有情感是不能唱好任何一首歌曲的，情感是声乐演唱的基础。在一首歌曲中没有注入情感，那将是空洞的，完全无感染力的，就好像没有灵魂的躯壳。在歌唱中，声乐的艺术魅力与美感效果，取决于声乐的情感表现，声情并茂，以声传情，正是以情作为声的体现基础的。有了优美的歌喉与清晰的咬字、吐字的完美结合，以及声乐语调造型的艺术处理技巧，而缺乏感情的准确依据与生动的表述，同样不可能完成声乐艺术的创造任务。声乐演唱中的思想感情，虽然籍助于歌词语言与音乐曲调共同体现的，然而掌握歌曲的具体内容与情感的细微变化，主要还在于对歌词语言的理解、体验和感受，通过歌词语言的深入分析、正是声乐艺术表情达意的关键。首先，对于歌词含义的挖掘要深，俗话说“声为情役，腔为情设”，或荡人胸怀，心旷神怡，然而要做到“不唱无情之曲，不为无情之唱”，就必须做到“未成曲调先有情”，为此，深入挖掘词意，也就成了表现歌曲思想感情与揭示歌曲主题的关键所在。一首歌曲的感情体验，一般是从歌的局部分析理解入手，到歌曲整体概括掌握，既有感性的形象认识，又有理性的逻辑综合，并在反复艺术时间中加深认识而不断完善。有了理解才能有感受，有了感受才能有感而发，有感而唱，以情动人。一般的艺术歌曲我们分析理解其基本内容与主题思想是不难的。而中外的古典艺术歌曲，如果不弄通其词句与意义，只是按照字音与旋律变化漫无主次的去唱，只闻声鸣音转，而不知所云所唱何事何情，这种无情之曲是决不会打动人的。比如说《阳关三叠》这首古曲，它是根据唐代诗人王维的一首诗谱写成的一首琴歌，这首歌虽然原词只有短短的四句“渭城朝雨浥轻尘，客舍青青柳色新。劝君更尽一杯酒，西出阳关无故人。”要弄通理解它的含义就必须逐字逐句进行分析。这是作者送友人去边关服役的送别歌，清晨细雨蒙蒙，春色杨柳青青，景的点染增添了依依惜别的深情。“尽一杯”把对友人的嘱托尽心倾注而出，待你出关之后再没有故交挚友与之相随相伴了这首歌的情感非常的丰富，深刻的表达出了当时离别时浓厚的不舍之情。设身处地的想象，演唱时加入情感才能更好地诠释出这首歌的灵魂，达到真情真意的感人效果。

（二）歌唱表达情感的特点

歌唱是最清楚、最直接表达人类情感的艺术。就拿歌唱与器乐音乐相比，器乐本身是没有感情的，它的情感是通过演奏者弹奏而赋予的，听众听到的是纯音乐。歌曲有歌词，通过歌唱者对歌词歌曲的演唱，表达情感。最朴实地表达人类情感的艺术。感人的歌曲能打动人心，欢快的歌曲能渲染喜乐气氛。每首歌曲是歌词都是来源于与自己的现实生活，通过现实的感受而把它写成一首歌曲。比如说奥运会，作者用歌词表达出了内心对于奥运来临的那种喜悦、高兴以及团结和振奋人心的心情，都真挚、朴实的表达了出来。此外，在演唱中，对于感情的表现一定要细腻，追求情感表现细腻而真实的演唱，一定不会放松歌曲的一字一声的情感体验和处理，以增强“主旋律”的表现色彩，而局部的致处理，不仅不应影响整体的体现，而且还能发挥深化主题的作用。，而且也是以声传情，声情并茂的艺术创造基础。归根究底对于乐曲情感的体验和表达，还是歌者的综合素质和文化功底所致。没有良好的音乐素质和文化修养的歌者，都不可能深刻而明白地表现歌曲。所以，学唱歌的同时，大家应该多学点其他方面的知识。例如对于文学，美术知识的掌握甚至是其他社会学科和人文学科知识的了解。多读一些经典名著，让大师们的思想进入你的脑海，不断丰富自己的人生体验，不断探索自己的人生追求，不断寻找自己的生命真谛。多一些理想，多一点精神，相信只有这样的歌者，才能够赋予歌唱以新的生命力。情感表现是可以激发与培养的。

二、声乐演唱中情感表达的重要性

（一）情感是歌唱的灵魂，是歌唱的最终目的

情感在演唱中是非常重要的，它是歌唱的灵魂所在处。当你唱一首歌的时候，重要的是感情而不是你的音色，就算你音色再怎么好但是缺乏感情因素在里面的话，一样的表现不出歌唱的最终目的。歌唱者用优美动人的歌声表达人们思想感情的一门艺术。歌唱艺术是歌唱家把体验到或者想象出的愉快、欢乐、忧郁、失望、爽朗、灰心等感情互相转换，通过洗练的语言、动听的歌喉以及优美的旋律音调把作品中待定的情感抒发出来，使听众被这些情感所感染，让听众也像歌唱者或作家一样体验到这些情感。“情感是人对客观事物态度的体验，是人的需要是否获得满足的反映。人在认识世界、改造世界的过程中，对周围现实、对象和现象持有不同的态度，产生了各种各样的内心体验。”情感，是艺术心理的基本要素。

（二）影响歌唱情感表达的因素

在歌唱演唱中，情感与呼吸、音色和共鸣等歌唱技巧方面的因素有着及其重要的关系。优美的声音是表达情感的基础，两者相互制约完成完美的演唱。在优美音色的前下要有良好的起音，才能获得轻松柔和、明亮圆润的声音。而要完成良好的起音，一定要正确呼吸，后头稳定、思想集中、心理上做好充分准备，声带积极闭合。每位歌唱者一定要充分理解和运用气息发声和气息控制的方法歌唱。强调呼吸要求“用气息托住声音”，肯定了胸腹式呼吸法，提出用调整呼吸状态来调整歌唱状态的观点。对于共鸣来说，要达到音色统一动人富有穿透力，共鸣的位置必须相对稳定、准确。演唱者在演唱时投入情感要根据歌词的内容来下定义，先看唱的那首歌是表达怎样的思想感情，表达怎样的一种情干融入怎样的感情才是完美的。

三、声乐演唱中的情感表达 在声乐教学中，歌曲演唱是声乐课堂中最核心部分，要学好一首歌，首要必须具备良好的嗓音条件和声乐技巧以及一定的文化音乐修养，更重要的是学生对所演唱作品的内涵有更深刻的理解再经演唱处理处才能达到更好的艺术效果。声乐教学中学生所具备的声乐技巧是须要经过长时间的训练才能够完成的。歌曲的技巧是指与发声有关的全部声乐技能的统称学生为了准确地表达声乐作品，既要对发声技巧做长期训练又要具有揭示与表现作品内涵的能力，歌曲处理是歌曲演唱的前奏，只有全面的对歌曲进行分析处理，才能使演唱声情并茂歌声优美动听,表现出生动感人的艺术魅力。现就歌曲处理从以下几个方面进行分析。

（一）对歌曲中歌词的分析

歌曲处理中对歌词的分析是很重要的，通过歌词我们可以理解作品的思想内容弄清作者的创作意图，歌曲的艺术魅力包括旋律和歌词，歌曲中的歌词像诗歌或散文一样，它是具有一定的韵律的，我们在演唱每一首歌曲前，应对它的行腔和抑扬顿挫进行一番研究，合理地安排各种强弱变化，使演唱有起伏，字词清晰分明,以利于歌曲的表现。如学生在演唱歌剧《江姐》中的《红梅赞》时，如果不去分析歌词的内涵，而仅仅从字面上理解赞颂红梅的品格，就无法表现作品的真正内涵，只有教师对学生进行正确指导，使学生明确作品的真正含义是通过对红梅的赞美宋歌颂革命者对革命的忠贞，傲对反动派以及对革命必胜的信心。只有这样学生才能够对歌曲进行正确处理。唱曲是根据字音而发声，发声则根据感情而表意，上

面说到的“声为情役、腔为情设”就是这个意思。一曲终了，或撩人情思、余味无穷，或感人肺腑、激情澎湃———然而要做到“不唱无情之曲，不为无情之唱”就必须做到“未成曲调先有情”。为此，深入挖掘词意，也就成了表现歌曲思想情感与揭示歌曲主题的首要一环了。

一首歌曲的感情体验，一般从歌的局部分析理解入手，到歌曲整体概括掌握，既有感性的形象认识，又有理性的逻辑综合，并在反复的艺术实践中加深认识而不断完善的。有了理解才能感受，有了感受才能有感而发，有感而唱，以情动人。例如《玫瑰三愿》（龚七词，黄自曲）的第一段“玫瑰花，烂开的碧栏杆下”歌词所塑造的是开放在碧栏杆下的一丛小小的玫瑰花形象，娇弱、美丽、柔顺，有善良的愿望，但又缺乏自卫能力，演唱时，就应以稍慢的速度，中弱的力度，比较延绵而清晰的声音和爱抚的、同情的、怜惜的语调来演唱它。一首独唱曲还常常在几个乐段中陆续展现出不同的客观环境，所以演唱抓住这些不同的环境特点来给予不同的演唱处理，常常能贴切地表达出作品所塑造的人物形象及其感情状态。

例如《黄水谣》中“黄水奔流向东方，河流万里长，水又急，浪又高，奔腾叫啸如虎狼”。

应该用较强的声音唱得起伏有力,而河水奔流的动态感要鲜明地体现在节奏的强弱交替和起伏翻腾的旋律上。“自从鬼子来，百姓遭了殃”演唱速度宜突然放慢，低沉有力，吐字咬字咬牙切齿，力度变化幅度大，旋律要唱得延绵、连贯,充满凄凉、悲愤之情。

（二）把握好歌曲的曲调

首先，要从感性上去把握。看作品曲子的时候，用你的感觉抓住这首歌想表达的情感，慢慢的去把握住他所想表达的情感的内涵。其次，要从理性上去把握。“通过分析旋律线条和伴奏类型、曲式等来找到歌曲的曲调特征，了解曲作者的创作手法、表现意境，来达到对音乐情感内涵的理解。”例如《铁蹄下的歌女》的头两句“我们到处卖唱。我们到处献舞”在这两个“处”字上都加上了装饰音，给原本已经沉重的旋律线带来了突然更为痛苦的曲折，歌唱者应该首先抓住这两次的曲折来充分表达歌女们的痛苦心情和对黑暗社会的质询。声音本身是没有感情的，只是表达感情的一种工具，感情是人的思想与人交流沟通的高级表达形式，只有把声音和情感结合起来，才能完整的表达人的思想感情，进而能引起共鸣！声音是由思想来控制的，唱歌要着重歌曲的含义和表情，演唱者要给与歌曲以生命的活力。俗话说，“心里有的，嘴上才能有”，要“未曾开口先有情”。欣赏者在听好的歌曲的时候，那是在感觉一种有个性、有创造性的音乐倾诉，听那些著名歌唱家演唱那些经典的歌曲，一遍两遍乃至多边却总还是听不腻。这是因为，演唱者已经把他从歌曲中感受到的东西，忠实的、用心的诉说给他的听众了。因此说，演唱时个人的情绪和歌曲的情绪必须是一致的。

（三）融入歌唱者有个性的歌唱 对于同一首歌，由于演唱者有自己的喜爱和个性特点，由于每个演唱者在审美意识、观点、情趣、习惯、能力方面是不尽相同的，因而形成了在感受、反映、理解和好恶上的区别。

（四）把握作品的感情色彩 歌曲情感就是歌曲的基本情绪，演唱者必须通过对作品的内容进行深入研究，从而决定用什么样的方式来表达歌曲的“喜、怒、哀、乐”之情。歌唱是要表现一定的情感和内容，要想打动听众，必须以情带声。有的演唱者由于只片面追求，虽然声音有一定的强度和亮度，但缺少真情，声音也就苍白无力的，一定要理解歌曲所要表达的内容和情感，如果演唱者只是像背书一样地将歌唱完，怎么能够动人呢?但是，表达歌曲的感情过于夸张，其结果事于愿违，同样打动不了听众。每一首歌都有表现其不同的情感，如歌颂祖国、英雄为主题的歌曲，表现的是赞美、崇敬、深情、庄严、亲切、真诚等，对人或旧社会进行控诉的歌曲，表现的情感则是悲愤、仇恨、沉重、压抑等。描写孩子们愉快生活的歌曲，表现的情感则是轻松、活泼等等。通过深入研究歌曲的词意，把握歌曲的情感，才能有助于歌曲内容的表达和形象的刻画。

第四篇：三维声乐教学法

声乐三维教学法

作者简介：张昕毅（柳州职业技术学院音乐系系,广西 柳州545005）

作者通讯地址：广西柳州市荣军路柳州职业技术学(南校区)音乐系（545005）

联系人：张昕毅

联系电话：***.e-mail: zhangxy1105@sina.com.cn 摘要：三维声乐教学法，是指一个完整的教学过程，是由课堂（有录音设备的教室）讲授、学生演唱和反馈演唱等三个相互联系、相互制约、相互影响的教学层面构成的一个有机整体。通过实施三维教学法，可以在有播放器的情况下的任何时间里重新聆听自己演唱的整首歌曲或歌曲片段使得学生可以能够及时地聆听到自己的演唱并对自己演唱的效果有一个客观的评价。

关键词: 三维 声乐教学 第三人称 录音

一维，只有长度

二维，平面世界，只有长宽，三维，立体世界，长宽高。

三维，长宽高——立体世界，我们肉眼亲身感想到看到的世界。客观存在的现实空间就是三维空间，具有长、宽、高三种具体度量。数学、物理等学科中引进的多维空间概念,，是在三维空间基本上所作的科学抽象。

一维是线，二维是面，三维是静态空间。

把以上理论对应到声乐教学中，那么相对应的声乐教学模式就是：

一维（线），我（演唱者本人）——自身演唱（没旁人听）。二维（平面面），你我——老师教，学生学（老师听，学生模仿但听不到自己真实的声音）。

三维（立体空间），你我他（学生以第三人称“他”的身份通过播放录音，听到自己的声音）——老师教，学生学，自身听。在这里“我”和“他”实际上是同一个人。

我们传统的声乐教学（没有录音）可称之为“二维声乐教学”，把运用录音进行声乐教学的教学称之为“三维声乐教学”。三维声乐教学是二维声乐教学的升级版。三维声乐教学由于运用了现代科技手段作为教学的一部分，它是与时俱进的，因此，理论上三维声乐教学更具有先进性和时代感。

传统的二维声乐教学是“一对一”的单独授课方式，学生所接受的知识和经验基本上都是老师的口传身教，老师把他从他的老师那里学到的方法模具一样的套用在自己的学生身上，形成一种作坊式的师徒关系，这样知识的单一与变化就相对显得非常的单薄。而且受到一种人际关系与社会关系的制约，学生不敢随意拜师，老师不敢随意授徒，严重的影响和制约了声乐教学的发展和进步。学生认识自己的歌唱行为这一过程在以往的教学中，往往要经历一个相当长的一个过程，一节课（更多的课时）下来，多数学生还是在云里雾里一样，对自己歌唱的声音缺乏正确的认识，这样的学习方式效率就很低了，不但如此，在学习中还容易走弯路甚至走错路，并且学习者还并不知道。

三维声乐教学法，是指一个完整的教学过程，是由课堂（有录音设备的教室）讲授、学生演唱和反馈演唱等三个相互联系、相互制约、相互影响的教学层面构成的一个有机整体，它要求充分调动教师和学生两个方面的积极性，利用一切可以利用的现代教学设备、录音、录像资料和歌曲伴奏音源等，将由声乐教师讲解教材和示范的简单活动让位于形式多样、内容丰富的立体式教学活动，使得学生可以能够及时地聆听到自己的演唱并对自己演唱的效果有一个客观的评价。三维声乐教学法是一种行之有效的能充分发挥教师主导作用、学生主体地位的方法。其核心思想是自主、合作、创新，是对传统教学的改革和超越。通过实施三维教学法，使课堂富有活力，充满生机，通过录音，可以在有播放器的情况下的任何时间里重新聆听自己演唱的整首歌曲或歌曲片段

三维声乐教学的教学环节：

1、练声（传统方法）

俗话说“未曾出声先练气”，“欲善唱其歌，必先调其气”，可见练气对唱歌的重要。练气的方法有多种，主要有：

憋气（量化起来，男学生要达到一分半钟/次以上，女学生要达到一分钟/次以上方可。）

吸气，吸气前把废气放掉，这时肚子自然凹下，吸气时肚子自然还原（注意，口、鼻自然打开），这是自然呼气法。这个方法的好处是自然、方便，而不用分神自己用了哪个吸气方法（多种教科书上都说有三种吸气方法——腹式吸气——胸腹式吸气——胸式吸气）。

呼气，这时请阅读着做一个呼气自测。。。讲起呼气，很多人就会想到用嘴呼气，不错，嘴时呼气的最后一个关口，也仅仅是一个通道而已，但我们在呼气时要使气息能为唱歌所用，就必须要用腹部的对抗力（对抗的焦点在中脘穴）来控制呼气，这样方才可以解放嘴部和下巴的肌肉群，这时，如果嘴部要动的话，也是被动的动。另外也有一个呼吸的问题长期困扰着初学者，那就是腹部在演唱中，到底是吸气胀还是呼气胀，其实，演唱中，吸气呼气都应该是胀的，只有换气时有凹下的动作（一瞬间）。

演唱练声曲，练声曲的使用老师可根据学生的特点来选用。

2、演唱（录音——也可先练唱，后录音），演唱中要注意： 1）声线的走向要控制好； 2）感情要生动符合歌曲的风格；

3）歌唱的咬字与吐字，字头字尾要唱得短，字腹要唱得长； 4）歌曲的强弱要处理得当； 5）演唱中要有一定的肢体语言。

3、反馈（学生通过播放录音，马上可以听到自己的演唱）

几乎每一个人，在第一次听到自己的录音后很都会觉得不像自己的声音，怪录音设备不保真，其实，这声音才确确实实是你的原声。因为，当人歌唱的时候，声音会沿着两条不同的渠道传播，一条是通过空气传播，这个传播途径上的声音会让其他人听到，另一条是通过头骨传播，这个传播途径上的声音只会让本人听到，而且其中还搀杂着发声时口腔、鼻腔、脑腔鸣的混响，正由于自己听自己的声音和旁人听自己的声音是不同的，这才显得“三维声乐教学”的重要！“三维声乐教学”中的第三维由于客观的反映了客观实在，而不带一丝感情色彩，因此它具有很强的权威性和说服力！在三维声乐教学中，通过微格教学手段，使学生能以第三者的身份来看自己，从而能够更客观的认识自己的歌唱行为。教学行为的及时的反馈，使得学生认识自己已不是什么难事，于是学生对自己的歌唱行为得到了一个正确客观的认识，老师在教学中所指出的学生的毛病也有很好的物证，演唱中的错误得到及时改正，学生学习的效率得到明显提高。

4、自评

自评的过程是一个认真的反思过程，通过录音反馈，对自己的演唱进行扬弃，增强了演唱者的信心和激情，对再次演唱充满了期待。

5、教师点评

就是教师对学生演唱的优点或不足进行点评，对学生的演唱提出建设性修改意见。

6、再录音

以上教学过程可以循环，从而达到——实践——认识——再实践——再认识，而每一次循环都达到一个新的高度的认识过程。经过录音的学生，不但在演唱心理、演唱经验积累、演唱应变能力、演唱的听辩能力尤其是对麦克的驾驭能力以及争取就业的能力都会得到极大的提升！

参考文献：

《高师声乐教学中多媒体运用的重要性》 温 静 《谈互联网与 网络 多媒体在声乐教学中的应用》 孙瑶 《数字环境下三维设计的教学探索》陈晓群 《三维作文教学模式”与教师角色的转变》赖李真 《教育：创新能力与三维教学法》付接文

第五篇：声乐教学法

连云港市师范高等专科学校

题 目：院 系：班 级：学 号：姓 名：

声乐教学法论文

《浅谈歌唱中声区的统一》 音乐系 音乐教育（2）班 刘海侠

2012年12月19日

09

0908013219

声乐教学法

——浅谈歌唱中声区的统一

【摘要】 所谓声区不统一，就是指三个声区的声音音色和音量不一样。例如三个声区的发声方法如果不一样，就可能造成声音的位置不一样，从而导致音色上的不统一。在声区统一方面要求做到的歌唱方法的统一、声音位置的统一以及音色的统一等等，是相对而言的。高中低三个声区无论在技术上还是在音色上都是有一定差异的，否则就没有高中低之分了。所以只要做到各声区的声音相对统一，才符合歌唱的原则。【关键词】 声区统一；音色；声区

掌握好发声机能和共鸣调节方法，充分发挥它们的作用，使各声区做到统一，是获得美好声音的基础。学习美声唱法的人，常常把声区分为三个，即低声区、中声区和高声区。在声区的划分上，我们常把自然声区称为中声区，这个声区的音域一般不超过八度，声音的技巧也很少，大多数人都能很轻松地唱出声音，但这个声区的训练在技术上占有很重要的地位，所以也被视为基础声区。初学者总是从这一声区开始训练，然后逐渐向上经过换声区进入高声区，向下进入低声区，因此在中声区打好基础，有利于扩展音域和统一声区。相对而言，中声区在技术上比较容易掌握，歌唱者在技术上出现困难多数实在高声区和低声区，而且这两个声区容易出现与中声区的声音不统一现象。意大利著名歌剧艺术大师、男高音歌唱家吉诺·贝基先生曾说过：“声音的位置和音色要上下保持一致，不能一个声区一种唱法，三个声区三种唱法，否则便不是完美的歌唱。”

导致声区不统一现象的原因，有的是由于技术方面的原因造成的，就是说，歌唱者在技术尚不成熟时，可能导致声区不统一；有的则是因为概念上的错误造成的。经过多年的声乐学习，在实践中得到一些经验和体会，现总结如下，以帮助各声区的声音的大统一。

一、低声区的训练

在声乐演唱中比较普通存在着这样一个问题，即大都重视中声区，尤其是唱好高声区，而往往忽视低声区的练习，其实唱好低音在歌唱中占有很重要的地位，否则你的歌唱在技术上是不全面不完善的。那么，如何才能唱好低音呢？

（1）低音是也需要面罩共鸣，避免空、宽、浓、闷的低音。低声区的演唱要圆润，要有胸腔共鸣，但也要有高位置，高音演唱时声音在面罩里很响、很亮，唱低音时也要有这种效果，但要柔和多了。

（2）低音区的胸腔共鸣是喉咙完全打开的必然结果。我的老师曾这样说过：唱低音时你只要考虑一点，即好像手推你喉咙的两臂，而且发音部位要靠下，这样有助于喉咙的完全打开，从而获得充分的胸腔共鸣。

二、中声区的练习

中声区和低声区一样，都是歌唱的基础，也是人最自如，并且富于色彩的声声区。中声区的练习似乎是最简单的，但我们千万不要被这种错误的思想所诱导，中声区虽然很接近于人的自然音色，但它是歌唱的基础，只有基础打的牢固，才能更好的向上发展。有些初学者，一开始就高、中、低声区全音域练习，一般说来，这样的做法是不好的，就好比那些走路都走不好的人，就强行让他跑肯定会摔跤的。练好中声区要有认真、耐心和实事求是的精神，不可能有丝毫好高骛远的想法，这往往是初学者不易做到的。扎扎实实练好中声区，才有可能使歌唱初学者按照正确的方法扩展音域，否则将给以后的学习带来许多困难。

三、高声区的练习

每个人在学习歌唱时，唱到高声区都会遇到困难，即或有些人的发声器官先天具备优越条件，唱歌十分方便，也得通过学习，掌握正确的发声方法与技能，才能唱得完美。在如何唱好高音问题上归纳以下几方面：

（1）唱高音之前必须做好充分准备。包括两方面的问题，一是在头脑中必须树立正确的声音形象，二是在唱高音前，发声器官的各部位，如横膈膜的支持、喉结的位置和面罩共鸣等，都要做好积极歌唱的准备。

（2）声音的动作与音高正好是相反的。贝基先生曾说过：“唱高音别用外在的力量硬往上冲，而是用内在的力量，一是喉结两侧的肌肉将喉结往下拉；二是横膈膜有力地控制呼吸；三是头别往后伸，也别仰头，而应略低头。”如果在唱高音是不加喉结向下的力量，喉结很有可能被气息推上去，即使喉结上移，哪怕是很小的上移，都会对声音有很大影响，因此喉位很重要。唱高音时一方面声音位置往上，达到面罩共鸣焦点，另一方面人体应有往下坐的感觉，感到一种力量向下往胸腔，一直到横膈膜上。关于唱高音时的感觉，除以上这些外，还有其它说法，如唱高音时要像鼻子往里吸气；唱高音时好像有东西掉下去一样；唱高音时感觉声音是往里吞，而不是往外吐，甚至感觉像吞到胃里一样等等，这些观点都是正确的。

（3）高音最需要面罩共鸣。我们可以用哼鸣和鼻音去寻找面罩共鸣，或用擤鼻涕的感觉也是正确的，另外唱高音时，嘴不易张的过大，会导致声音散、位置低。另一个问题就是好多人都喜欢声音洪亮的高音，这样虽好，但在技术不成熟时，不易把声音唱的过响，这是很不好的，应该用八分的劲演唱，自己感觉到声音小了，想针尖一样，避免喊叫的成分。

（4）一定要有足够的自信心。唱高音的确不是一件容易事，但如果对它缺乏信心，那么，将永远不能成功。有的人每唱到高音时就特别紧张，担心自己唱不上去或唱破；有的人甚至连胸部和双肩都僵了，这完全是精神上的问题，而不是技术上的问题，如果你真的很紧张，可以在演唱中不要过多的考虑要唱高音了，只要考虑激情，要冲破不自信的牢笼，这样会唱出连自己都意想不到的效果，也就是常说的“以情带声”的道理。

如果解决了高音问题，每当唱高音时，就会觉得很舒服，如同休息一样，声音得到了解放，感到很自由，会感到豁然开朗。

这些道理说起来容易，但做起来并不一定能一帆风顺，使声音统一起来是很复杂的技术问题，需要有很好的耐心和毅力，只要方法适当，经过长期的训练和学习是可以达到的，当然是因人而异的，可能有的人在比较短的时间内就做到了，而有的人则需要很长时间。由于每个人的发声习惯不同，有的真声多一些，有的假声多一些，有的声区经常接触，有的则几乎没有开发过，这就造成了声区和真假声能力的不平衡。声乐学习就是要加强训练和发展较弱的或还未开发的声区和机能，使两者逐渐趋于平衡。

中声区是高声区的基础，是突破换声区并进而统一各声区的出发点。因此，我们平时要特别中声区的练习，只有将基础声区的声音训练得轻松、流畅、自如时，再逐步扩展音域，使声音逐渐过渡，达到声区的统一。意大利美声学派教学的代表人物蓝培尔蒂主张：“初学声乐时，先建立一个悦耳动听的中声区”例如对女高音，先把e2唱好，就是在同样的气息支持下，把e2固定后反复练习，就能比较容易地向高声区扩展。他认为：“用头声唱过渡音是连接声区和消除裂缝的有效方法，实践证明这确实是十分有效的。”

最后，在声区统一方面要求做到的歌唱方法的统一、声音位置的统一以及音色的统一等等，是相对而言的。高中低三个声区无论在技术上还是在音色上都是有一定差异的，否则就没有高中低之分了。例如声音的位置，即面罩共鸣的感觉，相对而言就没有高声区那么明显，但不能因此就认为高声区与低声区的声音不统一。所以只要做到各声区的声音相对统一，才符合歌唱的原则。参考文献：

［1］谈美声歌唱艺术.西藏人民出版社.[2]沈湘声乐教学艺术.华乐出版社.[3]威廉·赖特.当代歌王帕瓦洛蒂.黎汝译.中国文联出版社.[4]黄伯春译.著名歌唱家谈精湛歌唱.[5]声乐教程.人民音乐出版社.