莱蒙《钢琴练习曲》教学心得

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第一篇:莱蒙《钢琴练习曲》教学心得

莱蒙《钢琴练习曲》教学心得

“技术”是钢琴演奏的基本能力,既指演奏速度、力度等方面的手指机能指标,也包含音乐表达的内容。演奏技术的提高离不开从小的基本功培养,弹奏手指练习和练习曲便是必不可少的。从目前中国钢琴初学者的练习曲日来看,车尔尼的系列练习曲、布格缪勒的练习曲、杜维诺伊练习曲、莱蒙练习曲等都是经曲的基础教材。在这些教材当中,法国作曲家莱蒙(H,Lemoine,1786至1854年)所创作的作品37显得有些特别。

作品37共50首,由浅入深,与车尔尼教材相比,这部教材的音乐性更强、对节奏的运用更具多样性,注重左手的机能训练,强调多声部演奏能力的提高,对双手的训练更为平均、有效。

从训练内容上看,和其他练习曲教材所不同的是,除了手指跑动型作出以外,还有不少侧重于歌唱性训练的作品,如第18、21首;侧重于舞蹈性的练习曲,如第13、25首;以及多声部性质的练习曲,如第17、30首,这些练习曲鲜明的音乐形象使得莱蒙练习曲具有更丰富的音乐性。

面:节奏方面,作曲家通过对休止符、重音、弱起小节、切分、节奏交错等手段的灵活运用,使练习曲具有活泼、多变的节奏特点,为初级阶段教学的节奏训练提供了实用的练习。

在调性安排方面,除了初级阶段常用的二个升降以内的调性外,作曲家还特别注重在黑键上的练习,如第46、47首。其中第46首完全颠覆了当时传统思维中“

1、5指不弹黑键”的想法,在锻炼了弱指的同时,拓宽了学生对键盘的认识程度,可渭《莫什科夫斯基练习曲》第12首的简化版。此外,莱蒙是位很重视左右手协同发展的教育家,虽然每首练习曲的篇幅都不人,但很多作品中都对左手有专门的练习片段,这对于练习者以后的学习是很有帮助的。

俗话说“兴趣是最好的老师”,在笔者教学过程中,感觉他们在车尔尼练习曲和莱蒙练习曲的选择中更偏向于莱蒙,理由是莱蒙练习曲更好听。莱蒙把纯技术训练和音乐表达有机地融合在一起,改善了纯技术训练的枯燥性,提高了练习曲的音乐趣味性,因此学生弹奏时不易产生枯燥厌烦的情绪。

教授莱蒙练习曲可以从以下几个方面入手:

1、注重左手演奏能力的提高。

对于初学者来说,由于先天的原因,往往左手的演奏能力比右手逊色很多,这给钢琴学习和进步带来了很大的困难,所以要想让左手跟右手有同等的演奏能力,就非得多花点精力在左手的训练上,但纯粹的左手训练往往枯燥乏味,令学生失去学习的必趣。莱蒙练习曲中很多曲目都对左手有专门的练习片段,虽然不如车尔尼作品718的训练力度强,但是却因其篇幅合适,针对性强,有的还带有较强的音乐性,所以能够有效地提高左手演奏能力,并保持学生的积极性和主动性。其中音阶型曲目有第20、24、30首等,弱指训练型曲目有第31、32首等,双音型曲目有第42首,和弦型曲目有第28、35、49首等等。

例如三段体的第37首中,A段以左手十六分快速跑动为主,B段则换至右手表现为轻巧的跳音。左手上行的十六分音符跑动以两小节为单位,八度的大跳下行为收束,上行的音阶需要手腕的协调以加强乐句的方向性,下行的大跳则有利于肌肉的放松,照顾到手臂运动路线的合理性,使音乐进行具有张弛感和呼吸感。在这里,音阶进行不是简单的级进型,第l小节左手六音组从三度进行开始,第7小节更扩张为上行四度,因此在训练音阶的同时更对转位技术提出了更高的要求,同时,在第7、18小节出现的半音化进行,赋予音乐细微的色彩变化。

除此之外,乐曲不仅仅着重于左手机能的训练,还包含右手双音连奏、右手十六分音符断奏等更为丰富的练习内容,音乐表达也富有对比,如同初春的早晨,清风微拂,水面上波光粼粼,偶有小鸟在枝头轻跃歌唱,当第32至34小节的钟声敲响时,又是晴朗的一天了„„

又比如第42首是一首着重训练三度进行的练习曲,这在同级别练习曲杜维诺伊作品120和车尔尼作品599中都是极为少见的。虽然作品599的第46首中偶有类似的练习,但莱蒙将三度音阶进行作为练习曲的主要训练目标,并从右手衍生到左手,是前两本教材中所没有的。三度音阶练习要求有较强的手指独立性和手腕协调性,尤其对弱指有较高的训练意义。著名的肖邦《三度练习曲》(作品25,第6首)是此类练习的集大成者,在肖邦的笔下,技术早已退却了炫目的外衣,成为轻盈的溪水、春日的微风,传递着无拘无束的田园气息,也因此成为钢琴家成长道路上的必经之坎。从莱蒙练习曲出发,如果他们从小就能从中接触到类似的进行,熟悉“越指”的练习方法,增强手指的独立性和手腕协调性,“汇小溪而成江河”则不是遥不可及的事,当他们将来在更高的水准上接触到此类练习时,完美地诠释将不再是“不可能完成的任务”。

2、用形象的语言启发学生,使他们的艺术想象力在钢琴演奏中发挥积极的作用。

与车尔尼和杜维诺伊练习曲相比,莱蒙的许多练习曲具有更鲜明的形象性和表现性,学生可以从音乐中体会到不同的感情和色彩,使弹琴不再是纯粹的、枯燥的技术练习,而是把技术练习与音乐表达有机地联系起来。

莱蒙练习曲包含的音乐形象有圆舞曲风格(第25、26首),玛祖卡风格(第6首的后半段以及第38首)、田园风格(第21、30、39首)、如歌风格(第18、44首)、轻灵风格(第46、48首)、夜曲风格(第47首)、叙事风格(第9首)等等,大部分的作品内部都蕴含着性格的对比或转换,很少有单一的音乐形象一贯到底的情况。莱蒙练习曲的这一特点给教师构筑了一个新的平台,教师可以从启发学生入手,运用一些准确、适当的比喻,让学生展开想象的翅膀,调动全部的感觉器官,把握音乐的内容和形象。有想象,就会有追求,这也是一种内心听觉,这对学习无疑是大有裨益的,不仅能生动形象地说明问题,而且可以提高学生的学习兴趣。“想象越丰富,发掘音乐内涵深度的可能性越大”。

比如练习曲的第18首,与其说这是首练习左右手各手指主动和力量的练习曲,不如说这是整套练习曲中于罕见的优雅里略带伤感的乐曲,那时时萦绕在耳边的同音反复不禁让人想起肖邦《“雨滴”前奏曲》中那浅吟低唱的降A来。忧郁而柔和的旋律仿佛女孩怀着飘忽不定的心事,数着夜晚的星星„„所以,在弹奏时应安静、均匀,注意同音反复时以贴键为主,手指不必抬高,只需轻触琴键即可。弹奏旋律时要在指尖多灌注些力量,在弹奏前一音的同时,将下一要弹的手指放在琴键上到位,然后轻抬手指慢速按下,并在手腕移动的带动下,将指力顺畅地达至指尖。

再比如第29首,这是一首热烈而粗犷的民间舞曲。金秋时节,熊熊燃烧的篝火旁,劳动了一天的人们欢快地舞蹈着。开头的左手和弦应饱满有力,仿佛踩脚的声音,紧接着轻巧的跳音,与之构成对比。随着十六分音符的加入,情绪越来越高涨,“哔啪”的篝火、整齐的脚步和豪放的笑声响彻天空。

3、注意多声部演奏能力的训练和提高。

在钢琴教学中,多声部演奏能力是一个重要的课题,得心应手地演奏几个声部各自独立又浑然一体的复调乐曲是对掌握该类键盘乐器的基本要求。因为钢琴是多声部乐器,加强多声部演奏能力,能使音乐层次分明,性格多样,呈现出丰富多彩的表现力。因而,弹奏者必须具有多声部、多层次、立体化的音乐思维能力,具有清晰准确而又富有感染力地表达两个声部以上旋律线条的过硬功夫。

比如第30首,乐曲层次丰富,如涓涓盈流的溪水,蜿蜒荡漾,动似流光,止如明镜。第13、21至24小节的右手带支点音的旋律进行,要求学生的手指具有良好的声部控制能力,手掌可以向支点音一侧微微倾斜,然后通过手腕的轻微翻动演奏,使旋律连贯,声音浓厚,并在音量、音色上与非支点音有所区别,具有立体的美感。

又比如第17首,左手D音持续音如手摇风琴般的音响悠长而柔和,令人不禁联想起奥地利乡村小酒馆的恬静与悠闲,第17至22小节上两声部的模仿呼应有赖于音色的平均和声部的保持,左手G音的延续稳定而悠长,同时又要注意第三声部的“落滚”语气的表现,虽然只是短短几小节,却已有四个声部,让学生在初学阶段就接触多线条、多层次的作品,对增强学生的逻辑思维能力,训练学生对手指的控制能力,对心、脑、眼、手的互动能力大有裨益的。

4、与其他常用初级教材的比较。

(1)车尔尼系列练习曲

就练习曲的作用而言,其主要目的在于训练手指的独立灵活、有力与均衡,训练与手指活动相关部位即掌关节、腕关节、肘关节及肩关节等部位的密切配合和协调一致。通过大量不同类型的练习曲来掌握钢琴的弹奏技巧与表现能力,已经成为当代钢琴教学的必经之路。奥地利钢琴教育家车尔尼的练习曲,如作品599、849、299、740等对于训练手指的独立灵活、敏捷有力,弹奏效果的清晰均匀、优美纯净作用显著,适合于进一步弹奏古典作品,它在世界各国近两个世纪以来的钢琴教学中占有极为特殊的地位,然而,车尔尼钢琴练习曲的不足之处是:过分集中的机械训练和单调的重复训练容易降低学生的学习兴趣,大部分曲目属于主调音乐而缺乏多声部的思维与训练,缺少一定的音乐内涵,并且左手练习明显地少于右手练习(尤其初级阶段)。与之相比,《莱蒙练习曲》的优势在于其音乐风格多样,形象明晰,将技巧训练与音乐表达有机地融合在一起,改善了纯技术训练的枯燥,提高了练习曲的音乐趣味性,使学生弹奏时不易产生厌烦的情绪。

(2)布格缪勒《钢琴进阶练习曲25首》(作品100)

布格缪勒的创作风格在作曲手法上继承了古典传统,在情调上却带有浪漫色彩,因而既严谨又优美抒情。在练习曲的创作上他不仅考虑了技术训练的课题要求,还强调了音乐表现。这部练习曲集是一部具有音乐性的钢琴基本技术训练教材,集音乐性、趣味性和技巧性为一体,因而颇受人们的喜爱。他给每首曲子加了标题,来启发学生对音乐的理解和想象力,帮助学生理解音乐的内容与情感。织体简洁、结构紧凑、形象鲜明,使学生在练习较为枯燥的练习曲的同时增强了音乐情趣,在掌握弹奏技巧的同时也提高了音乐表现力。但是,布格缪勒的不足之处在于,其演奏难度较低,对技术的训练力度过于温和,且篇幅比较短小,适合于作为辅助教材与车尔尼《钢琴初级练习曲》(作品599)的后半部、杜维诺伊以及莱蒙《练习曲》配套使用。

(3)杜维诺伊《练习曲》(作品i20)

富有经验的钢琴教师在安排学生的练习曲教材时,常常使用法国作曲家杜维诺伊的这本练习曲,这套教材包括15首练习曲,篇幅适中,技术课题明确集中,包括音阶、琶音、半音阶、分解八度等等,对手指的独立性培养有很好的作用。既可作为穿插在车尔尼《钢琴演唱练习曲》(作品849)后阶段与车尔尼《钢琴快速练习曲》(作品299)开始时的辅助教材,也可以作为衔接单独使用。

但是和车尔尼练习曲一样,杜维诺伊练习曲音乐风格较为单一,比较强调技术的重要性而导致训练的集中和单调,对复调音乐和多声思维的训练内容较少,影响学生广泛熟悉不同风格流派。

(4)巴赫《初级钢琴曲集》

作为常用的复调练习初级教材,巴赫《初级钢琴曲集》曲调优美、节奏生动、手法简练,以二声部复调结构为主,是学习复调技术最好的初级教材,练习和弹奏这部曲集已成为训练复调弹奏能力必修的入门课程。通过此教材,可学到连奏、断奏、跳音、同音反复、波音、分解八度等各种奏法,还可以熟悉小步舞曲、波洛涅兹舞曲、加沃特舞曲、布列舞曲、萨拉班德舞曲等各种当时流行的舞曲形式,为以后学习巴赫的组曲做好准备。巴赫《初级钢琴曲集》体现了典型的巴洛克风格,声部均衡、节奏平稳、声部交织、强调对比、富有装饰。但正是其独具时代性的风格问题,不易于被年龄幼小的初学者所接受和理解,成为很多琴童学琴之路上的一个难题。

莱蒙《练习曲》所体现的多声部则不同,它更多地与优美线条相结合,凸显出节奏的交错、线条的复叠和音色的对比。简而言之,它所体现的不是巴洛克风格的“复调性”,“复调性”也从未作为其主要创作目标,而是由创作对象所引发的一种创作手段。因而,莱蒙《练习曲》中的“复调性”只在某首作品中片段地出现,为刻画某种音乐形象或强调某项技术练习而服务,体现的是一种广义的“多声部演奏思维”。由于它多样的风格与多声部思维结合在一起,使莱蒙《练习曲》更具趣味性,符合琴童的年龄特点和接受度。

5、结语

钢琴初学教材浩如烟海,由于时间限制,学生不可能学完所有的练习曲。莱蒙练习曲以其适中的篇幅、丰富的音乐性、风格的多样性、全面的技术性展现出独特的风貌。学习这样一套有效而有趣的教材,不但能够进一步巩固和强化训练目的,还能够增加技术训练的趣味性。笔者在教学过程中体会到,在布置学生练习曲作业、达到教学目标的同时,应该考虑到学生的心理特征、兴趣爱好和个人的实际能力,为他们所想,爱他们所爱。在快乐中练习技术,在动听的音乐中提高左右手的各种技能技巧,这无疑对教学双方都是有好处的,让学生在音乐中掌握技术,在技术中体验音乐,将能得到事半功倍的效果。

第二篇:钢琴练习曲进阶图范文

1.作品弹奏程度进阶图(从下往上,从易到难)

李斯特《超级练级曲》

李斯特(1811—1886)匈牙利作曲家、钢琴琴。12首《超级练级曲》对钢琴技术在超把八度扩张音程、快速华彩经过句,连续饱满的大和弦、各类双音、托卡塔式双手交叉、震音和颤音、刮键等加以较大的发展。

肖邦《练习曲》

肖邦(1810—1849)波兰作曲家钢琴演奏家。他的演奏风靡世界,几乎无人不知无人不晓。他的作品技术精高,练习曲几乎成为通向顶点的天梯,多少人为之倾洒心血,挥汗如雨。

莫什科夫斯基《钢琴技巧练习曲》作品72 莫利兹·莫什科夫斯基(1854—1925)波兰籍钢琴演奏家。《钢琴技巧练习曲》作品72,技术全面,技艺性强,织体丰富。是承接车尔尼作品740向肖邦练习曲过渡的桥梁。

车尔尼《钢琴练习50首》作品740 教程技巧性、流畅性、渐进性,将带来钢琴弹奏质量和程度的提高。同时也在积累和储备驾驭更高难的作品的弹奏能力。使无数酷爱钢琴弹奏的学生步入钢琴专业之门。

车尔尼《钢琴快速练习曲》作品299 无论在速度上、技术上、篇幅上都略高一筹。通过对其中各类型技术训练,使弹奏技术愈加成熟和全面。在弹奏时,建议要在连接上无障碍的前提下将速度提升,使技术真正千里马巩固和提高。

车尔尼《钢琴流畅练习曲》作品849 与车尔尼作品599相比,849的篇幅较长,速度较快,一些技术在599已做过铺垫。在弹奏时,要将每一首练习曲的奏法、重点、难点找出来,并用由慢到快的速度练习,提速时,要经过前一速度的“过关”检验,切忌急于提速、盲目求快的粗糙练习。

车尔尼《钢琴初步教程》作品599 卡尔·车尔尼(1791—1815)奥地利钢琴、作曲家、教育家。贝多芬的学生。突然的贡献是,作为提高钢琴弹奏技术最为实用的教程,599、849、299、740,至今仍被广泛使用。由于有弹奏拜厄《钢琴基础教程》的基础,建议在弹奏599时可以从19课左右开始。

拜厄《钢琴基础教程》

费迪南德·拜厄(1803—1863)德国作曲家、钢琴家。他的《钢琴基础教程》在启蒙阶段用得较多。以加强手型、手位、指法、触键、识谱、以及音阶、音型、音群等弹奏训练。无论在课程度的安排上,以及弹奏训练上都“尽可能做到循序渐进,是一种基础教程。

2.钢琴复调训练程度进阶图

《平均律键盘曲集》

巴赫《平均律键盘曲集》包含48首前奏曲与赋格曲,可谓钢琴复调技术的顶级。无论从音乐的线条、节奏、组织、音色、和声、调性、音程、织体以及搭建的技术都赋予了较高的层次和内涵。

巴赫《三部创意》(高级)《三部创意》是向钢琴专业发展的标志之一.在练习时通常可将“四声部”逐一弹奏,然后,再领依次将两个或三个声部分别合成。注意读谱的准确,作品的主题、对、对题、答题以及进出。由于声部线条的复合或藏匿,不必过于强调突出主题,可采用“不总是突出主题”的原则

巴赫《二部创意》(中级)巴赫《二部创意》是步入钢琴复调较高层次弹奏和钢琴考级的必弹作品。弹奏时仍保持指尖触键的控制及敏感性、灵活性、旋律线条的独立性、歌唱性。“把每只手分割成两个独立的单位”。特别注意对各声部间因需要而延留的音,要充分保留足够的时值。

巴赫《小前奏曲与赋格》(初级)

这是衔接初级小巴赫与中级巴赫《二部创意》的一本过渡性教材,是车尔尼等根据教学需要缺编的。练习时,同练“小巴赫”的教本一样,分声部练,“让两只手都会歌唱”。同时,注意指触的灵敏以及手掌、手腕、手臂动作的协调与柔顺。要加强大脑对手指触键的控制。(可选第一部分12首练习)

巴赫《初级钢琴曲集》(初级)《初级钢琴曲集》(又称小巴赫)是进入复调训练的第一站。练习时要注意两个声部的独立性,断、连分明,在左右手的进出时,分句抬手要把握准确。尤其是两手奏法不一致时,更要表达准确。在弹奏巴赫似断非断的跳音时(连线下的跳音),一定要与车尔尼的跳音有所区别。

复调训练

复调技术是钢琴弹奏技术训练中不可或缺的内容之一。也是提高钢琴弹奏技术的必经之路。通常多以巴赫作品为训练教本(还有亨德尔、斯卡拉帝等复调大师的作品)。在他创作的作品中,大都以复调及对位手法为主要特征。在训练时,要注意两只手分别独立地把不同的线条弹奏清楚,且每个线条都要赋予歌唱性。可尝试“弹唱不一”的特殊训练。即唱一个声部,弹另一个或两个声部。

复调音乐相关知识

所谓复调,是指旋律是多线条、多声部构成的。即若干个同时出现的旋律结合起来的一种多声部音乐;赋格曲是多声部结构的乐曲在五度上方模进并用复调发展主题;创意曲是复调乐曲的一种,有时相当于自由模仿结构的乐曲

3.钢琴小品程度的进阶图

其他钢琴作品推介

卡巴列夫斯基《儿童小曲集》、柯达依《钢琴学校》、巴赫《小型前奏曲》、柴科夫斯基《儿童钢琴曲集》、威尔《世界钢琴名曲220首》等。

柴科夫斯基《四季》

柴科夫斯基(1840—1893)俄国作业家、钢琴演奏家。他的《四季》风景如画、优美多情、趣味各异、语汇短小,旋律是发自内心的,节奏极不寻常。(如六月《船歌》、十一月《在马车上》等)可在弹车尔尼849、299时配用。

克勒《小奏鸣曲集》

这是与车尔尼849相匹配的乐曲。其中依次精选了库劳、可列门蒂、杜舍克、海顿、贝多芬等作品。在选练时,要注意对各自风格的比对,同时为进入更高一级的奏鸣曲弹奏做最好的铺垫。

布格缪勒《钢琴练习曲》(作品109号)

教材由精致的18首带有标题的小曲组成。坚作品100号在篇幅、技术以及弹奏等方面的延伸。其中,较为特殊的节拍、节奏和较快速的弹奏,将使弹奏水平一跳晋升。一些较为典型的曲目脍炙人口,如《珍珠》、《风的精灵》等。

布格缪勒《钢琴进阶25》(作品100号)

布格缪勒(1806—1874)德国作曲家、钢琴家。在教程进入拜厄后期和车尔尼599时,就可适宜地配弹。可根据教程的需要、弹奏的水平、须强化的技术、对不同手及手指的训练、学习的兴趣等情况,巧妙搭配。其中《阿拉伯风格曲》、《骑士》等至今较为广泛流传。舒曼《儿童钢琴曲集》

舒曼(1810—1856)德国作曲家、钢琴家。有“创作精致钢琴小品”的美誉。《儿童钢琴曲集》用一种更为精巧的方式如交叉的节奏、切分、错置的重音等使音乐的旋律活灵活现,十分适合对初学者思维的调剂。可根据现有程度选练。

巴托克《小宇宙》 巴托克(1881—1945)《小宇宙—153首循序渐进钢琴曲》共6卷。在钢琴弹奏的初级阶段可选用前两卷。第一卷36首,有较简单的双手齐奏和二部对位等;第二卷29首,有连音与跳音和多调号手指练习等,可做选用。

关于钢琴小品

在钢琴起步阶段,弹奏一定数量的可匹配的小型乐曲(小品)是增加趣味练习、调剂弹奏内容、提高弹奏表现力的最佳行径。随着弹奏技术的不断提高,弹奏教材不断的扩充,小品的程度也将逐步提升。

4.奏鸣曲程度进阶图

特备推介的钢琴奏鸣曲

钢琴奏鸣曲的后期创作不再“循规蹈矩”,数量也在逐步减少。如舒伯特12首钢琴奏鸣曲以其特有的创作手法,为钢琴奏鸣曲赋予了更新的浪漫与活力。肖邦一生仅创作了3首奏鸣曲。当然,在弹奏技术的设计上有相当的难度。以超技、炫技著称的李斯特,一生也仅创作1首奏鸣曲。

贝多芬的5首奏鸣曲

路德难希·范·贝多芬(1770—1827)德国作曲家、钢琴家。一生创作了32首奏鸣曲。其代表性的5首奏鸣曲:《悲怆》、《月光》、《暴风雨》、《热情》闻名遐迩,以令人惊叹和不落俗套的方式采用调性对比手法,用成块的和弦作为旋律性乐句,通过踏板使音响产生空前的动力。

莫扎特奏鸣曲

莫扎特(1756—1791)奥地利作曲家、钢琴家。19首奏鸣曲中,《初学者短小奏鸣曲》(K。545)会让任何年龄的学生愉快,《A大调奏鸣曲》(K。331)、《C大调奏鸣曲》(K330)等,流泻般的旋律出自他与生俱来的音乐天赋。

海顿钢琴奏鸣曲

海顿(1732—1809)奥地利钢琴家、作曲家。开创和发展了奏鸣曲式,创造出了一种纯粹的音乐,其调性的发展、乐句的平衡都经过精心的设计。其早期、中期、晚期都有着不同的升华。晚期的5首奏鸣曲,是最具技术性、独创性、戏剧性且风格成熟的作品。

克勒《小奏鸣曲集》

由克勒编著的《小奏鸣曲集》能为以后的弹奏打下良好的基础。此曲集有30首作品。其中难易程度按如下顺序排列的克勒小奏鸣曲集17首,即克列门蒂、库劳、莫扎特、杜舍克、海顿、贝多芬,另有回旋曲及其他作品13首。

关于小奏鸣曲

小奏鸣曲指短小紧凑的小奏鸣曲,是弹奏名曲和乐曲的基础,除有较丰富的内容、较全面的技术外,还能获得较深刻的奏鸣曲逻辑思维和结构组织的能力。弹奏前,要将曲式布局分析清楚,包括主、副部、连接部和结束部等,调式的变化、色彩的对比。在弹奏时,应强调并突出颗粒性、起伏性。

关于奏鸣曲

奏鸣曲,一般分为3个乐章:第一乐章是奏鸣曲式快板乐章;第二乐章速度较为缓慢,曲式不固定;第三乐章是终止乐章,多有总结性和回旋曲式。其中,奏鸣曲式第一乐章的曲式结构为呈示部、展开部和再现部。在弹奏鸣曲之前要弹奏一定数量的小奏鸣曲,再逐步向较大型奏鸣曲过渡。以全国音协的钢琴考级为例,每一个级别都要考查四项技能(四项都为必考项目,因此不存在练一首曲子可不可以考级的说法,此外曲目是专门指定的,只能从其中选择,不可逃避):

1.基本功:要求考查你的音阶、琶音的演奏能力,随着级别的升高,升降记号逐渐增加(10级考6升或6降)、音阶和琶音的速度也逐渐加快(10级音阶要求达到每分钟弹奏144个四分音符,即516个十六分音符,相当于每秒8.6个音),音阶和琶音的长度和难度姐会逐渐在增加,双手同向一个八度到最后得双手反向四个八度。

2.练习曲:是最能考验你的演奏水平的一项了,如果你是系统学习钢琴的话,完全可以跟就目前所学的练习曲程度来检验自己符合与哪一个级别。以下是上海音协的1—10级(每一级别高于全国音协一级,即上海的九级相当于全国的十级),你可以自己对照一下:

一级:拜厄全册学完

二级:车尔尼599前半册水平

三级:车尔尼599后半册水平

四级:车尔尼849全册学完

五级:车尔尼299前半册水平

六级:车尔尼299后半册水平

七级:克拉莫练习曲后半册水平或车尔尼740前半册水平

八级:车尔尼740后半册水平

九级:莫什科夫斯基练习曲或克列门第《名手之道》

十级:肖邦练习曲(OP10与OP25)

3.复调音乐:钢琴考级特别重视演奏多声部复调音乐的能力,复调音乐基本上是以巴赫的作品为主的,从巴赫的《小前奏曲与赋格》到他的二部、三部创意曲到最难的《十二平均律钢琴曲集》(基本上每首都是三、四个声部),所以复调演奏的基础一定得打好,这一项主要是考查你的双手控制力。

第三篇:01 哈农钢琴练习曲教学指导

弹钢琴的坐位、坐姿、手型、触键、指法和基本技术训练

(一)坐位、坐姿。很多人认为坐位不重要,只要音弹好了,怎么坐都无所谓。其实坐位很重要。正确的坐位可以使弹奏者便于对琴键的全面控制和驾驭,为双手双臂在键盘上自由活动提供最大程度的方便,是弹好钢琴的前提之一。

(1)我们要调整好坐位与钢琴之间的距离,上身坐直,将双手轻轻放置于键盘之上,上臂与前臂形成一个稍大于90度的角。坐得太近,胳膊会有“窝曲感”而坐得太远,会有“抻直感”,都会影响弹奏效果。

(2)找好中心点。我们可以将双脚直对踏板,双腿如果没有任何的左右偏斜,就是坐在中心点了,就能够控制全局。

(3)调整坐位的远近和高低。坐在钢琴前,将双臂在自然的情况下向前伸,然后放下,如果正好落在白键上,这个坐位的远近就合适。而肘部要水平或略高于键盘就合适。如果肘部高于键面,胳膊就会有吊着的感觉,如果低于键面,就会有手把着钢琴的感觉。

坐姿的准确,既是外在姿势的准确,也是内在感觉和精神状态的准确。在坐姿方面,我们要注意以下的问题:

(1)双脚踏实着地,放置于踏板之前,如踩踏板时需脚跟稳定着地,腿和脚都要有踏实感;(2)臀部只能做琴凳的一半,不能坐满琴凳,不然叠影响弹琴的行动。臀部的坐感应当是稳定当中又时刻配合着其他的动作;(3)腰要挺直,颈部也要保持可以自由活动的感觉,切勿僵硬。弹奏者可以上身略向前倾,使中心略向前,便于力量的传送。坐的姿势也要以自然端正有利于弹奏为原则。切忌过于僵硬或松懈。

(二)手型在弹奏过程中,最自然的手型往往就是最正确的手型。在弹奏过程当中不可能保持一种手型不变,太过强制性的手型,反而会造成手指的僵硬和缺乏灵活性。所谓自然的手型是自然垂于身体两侧,一点也不用力,这时的手型必然是

(1)掌关节稍稍拱起,不能平或下陷,当然也不能过高.否则都不是自然状态,弹奏不出集中结实和有变化的声音;(2)手指形成一个天然的弧线。不能伸直,一伸直就需要用力,也不能太过弯曲,这样会造成僵硬或紧张。(三)手指的触键和指法。手指的基本弹奏方法也就是手指触键的技巧。是指利用掌关节抬起手指在指型保持不变的基础上,向下弹去,触下琴键。在练习过程中要注意以下几个方面:

(1)注意手指的独立性和灵活性,每个手指都必须要有独立触键的能力,在独立的基础上发展灵活性,使手指能够胜任任何速度和音符的弹奏;(2)弹奏的力量:在弹下琴键的同时要达到一定的力度,而且要能够控制力度的大小。弹下速度越快,力度越大,速度越慢,力度相对就小;(3)均匀,练习基本功的目标是要让十指具有相同的能力。让十个手指在弹奏时能一样的均匀,灵活,有力量及富有弹性,例如弹奏《哈农基本练习》,它就是针对手指的基本练习。

(四)基本技术训练。音阶琶音的训练是否均匀对手指至关重要。最常见的问题是第一个音是压下去的,弹后面的音时手指也都没有提前做好触键准备。指端与键面过近,手腕弹一个音颠一下。再者,就是大指触键不够独立,在移位时依赖手腕。所以,无论多么不便,大指都要寻求独立触键的空间,而手腕要有意的配合手指,自如,灵活的为手指提供最佳触键的位置,通过练习,找到手腕合理的动作状态。

(1)音阶练习是一个循序渐进的过程,刚开始时要慢练,渐渐的就可加快速度。

(2)琶音练习是对手指灵敏度和活力的练习,它也是钢琴技术水平的标志之一。

弹钢琴指力训练——自然下落法

自然下落法属于“如何用力”的范畴,它的原理很简单:手指高抬后便具有了一定的势能,自然下落,敲击琴键就能发声,了解这一点是正确用力的前提.我们可以做一个实验,把整只手及前臂搁在桌子上,自然抬高手指击打桌面,你能听到“哒、哒”的声音。这个实验证明,手指高抬后,利用自身的力量而不需要附加上手腕或手臂的力量就能击键发声。

左图所示的手指全部高抬在空中,这容易造成手背肌肉紧张,右图所示的高抬指的姿势由于“顶手腕”,故而不能将手指的力量充分地传至键面,并且这种姿势会造成手腕上下抖动。

学习自然下落法可以使我们掌握独立使用指根关节的技巧,而下面将要介绍的手腕(或腕关节)控制法将告诉我们如何用手腕来控制力度。先让我们按下面的步骤进行一个简单的实验:

第一步:将手指充分抬高,体验一下手指此时的感觉。正常情况下,你会感觉到前臂肌肉的适度紧张。

第二步:下键并且逐渐加大敲击琴键的力度。这时你能明显地感觉到音量在随力度的变化而变化;与此同时,你会感到随着力度的逐渐加大,其余的手指与手腕会因反作用力而向上跳动。

这个简单的实验告诉我们,当手指下落时,不加控制的力度将导致不必要的手指位移和弹跳运动。

正确的状态应该是,不管用多大的力,你都必须保持其余的手指与手腕不会因为用力过大而向上飞跳;一旦出现反跳情况就说明下键时所用的力度太大了,此时你必须对力度加以控制才能确保弹奏动作的正确。那么我们靠什么来控制力度呢,难道靠手指自身来调节吗(有关手指的调节方法将在《学会“张弛有度”》一节中讲到)?正确的答案是:手腕。

手腕是一个有着很强的弹性以及灵活性的关节,通过长期的、持续的专业训练,我们完全可以达到这样一种境界:不管手指用多大的力气,手腕都能具有与之对应的、足够的支撑力,使手指在弹完之后不晃动或反弹。用通俗的话来说,即当手指的力度只有五十克时,那么手腕就只用五十克的力度来支撑;当手指所用的力度达到五百克时,手腕也能用五百克而不是五卜克或五千克的力度来抗衡。总之,通过合理运用腕关节,能将一切都协凋得恰到好处。

那么我们究竟应该怎样做呢?正确的方法是:指尖绷紧,硬(指尖)碰硬(琴键面)。你会觉得这时的音色较之指尖没绷紧前会有很大的变化,它比以前更明亮、更干净。手腕控制法的诀窍在于用力得当,这要求既不能用力过度(这样不会造成前臂肌肉的过度紧张),也不能不用力(这样的手腕状态不积极,支撑不力,还会上下晃动)。弹钢琴指力的训练——手腕控制法

学习自然下落法可以使我们掌握独立使用指根关节的技巧,而下面将要介绍的手腕(或腕关节)控制法将告诉我们如何用手腕来控制力度。先让我们按下面的步骤进行一个简单的实验:

第一步:将手指充分抬高,体验一下手指此时的感觉。正常情况下,你会感觉到前臂肌肉的适度紧张。

第二步:下键并且逐渐加大敲击琴键的力度。这时你能明显地感觉到音量在随力度的变化而变化;与此同时,你会感到随着力度的逐渐加大,其余的手指与手腕会因反作用力而向上跳动。

这个简单的实验告诉我们,当手指下落时,不加控制的力度将导致不必要的手指位移和弹跳运动。

正确的状态应该是,不管用多大的力,你都必须保持其余的手指与手腕不会因为用力过大而向上飞跳;一旦出现反跳情况就说明下键时所用的力度太大了,此时你必须对力度加以控制才能确保弹奏动作的正确。那么我们靠什么来控制力度呢,难道靠手指自身来调节吗(有关手指的调节方法将在《学会“张弛有度”》一节中讲到)?正确的答案是:手腕。

手腕是一个有着很强的弹性以及灵活性的关节,通过长期的、持续的专业训练,我们完全可以达到这样一种境界:不管手指用多大的力气,手腕都能具有与之对应的、足够的支撑力,使手指在弹完之后不晃动或反弹。用通俗的话来说,即当手指的力度只有五十克时,那么手腕就只用五十克的力度来支撑;当手指所用的力度达到五百克时,手腕也能用五百克而不是五卜克或五千克的力度来抗衡。总之,通过合理运用腕关节,能将一切都协凋得恰到好处。

那么我们究竟应该怎样做呢?正确的方法是:指尖绷紧,硬(指尖)碰硬(琴键面)。你会觉得这时的音色较之指尖没绷紧前会有很大的变化,它比以前更明亮、更干净。手腕控制法的诀窍在于用力得当,这要求既不能用力过度(这样不会造成前臂肌肉的过度紧张),也不能不用力(这样的手腕状态不积极,支撑不力,还会上下晃动)。

手指的调节方法,学会“张弛有度” 这里所谓的“张弛有度”,实质上是一种手指的调节方法。为什么说它足一种调节方法呢?我们都知道手指的抬高需要一定程度的紧张,然而你不可能总是让手指处于紧张状态,这是错误的。于是r解何时放松与怎样放松就显示出它的必要性与重要性来了。

我们知道,手指高抬和下键都是需要用力的,即紧张的,于是在弹完之后就应该在保持手型不变的基础上,把力气从指尖顺着手臂抽走,从而使手指从紧张状态恢复到松弛状态。懂得这个道理并不难,然而在教学实践中,仍有很多人不能准确地做到放松,以至于弹完之后还把力气夹在小臂上。解决这个问题有一个诀窍,即我们可以在弹完一个音之后,只用很少的力气让弹奏的手指压住琴键,让手腕带动手臂左右摇动(注意:此时决不能上下抖动或旋转),这样就能够强迫整只手立刻放松。

高抬指的弹奏如何正确地分配时间?

正如前面所说的,高抬指的弹奏包括两个基本动作——高抬与下键。而且两者之间的关系是:高抬足为了下键。当你完美地解决了高抬与下键的问题后,也许你会说:“啊!这样已经很好了。”但事实上这并不意味着你已经

完全掌握了高抬指的弹奏,因为一个新的问题出现了:在弹奏高抬指的时候,我们究竟应该如何正确地分配高抬与下键的时间比例呢?

也许没有什么比举例说明更有说服力的了——请进行下面的实验:在琴键上任意弹奏一个音,同时数四拍1 2 34 l l 2 3 41。数完了?好吧,那么正确的时间分配方案应该是:在第四拍高抬,在第一拍下键。

当我们弹熟这个节奏型之后就应该在这个节奏型的基础上有所提高,请进行第二个节奏型:l 2 344l 2 344。这次我们把第四拍分为两半,在后半拍高抬。很显然,高抬与下键之间的时间缩短了,而这同时也意味着你的肌肉反应速度也应该随之而加快。如果这种方法也练好了,那就练习更难的44(将最后一拍分成四等份)吧。

音乐是时间的艺术,对时间的控制最终将体现在对节奏的控制上。最后,请记住我的最终要求:快上快下,快紧快松。留给放松大量的时间,直到完全掌握手臂的肌肉运动,并能做到调节自如,这是大家对付复杂、快速节奏的制胜法宝。

掌握自然下落法是学习高抬指的第一步。

哈农第一首教学指导

这是哈农《钢琴练指法》的第一首曲子,训练的重点就是在第一章着重讲过的高抬指,大家严格按照前面所介绍的方法来练习就行了(参见谱例1)。用相邻的两个手指去弹奏每一小节中的一个三度音程,是整首曲子的技术难点所在;正如哈农自己所说,这是一个“左手第5、第4指上行及右手第5、第4指下行时,两指间张开”的练习。

以右手为例,当乐句上行时,如果用第5指与第4指分别弹奏c音与E音,这就要求第5指弹完c音后,为弹奏E音做好准备。所以正确的方法是:分别将第5指与第4指放在c、E的音位上,先用舒服的手位弹完第5指,然后平移手腕,将第4指挪至E音;在弹完E音后放掉第5指,将手恢复到舒服的手位,然后再继续弹奏下一个音。

一、在练习过程中需要特别注意的是:平移的是手腕,而不是指尖。

二、本条练习曲要以慢速弹奏,建议开始时60拍,分钟,熟练后可增至108拍,分钟。

三、练习时手指要注意高抬,而且要进行分手练习,这样才能达到训练的效果。

哈农练习曲第二首教学指导

这条曲子着重练习的是第3指与第4指(参见谱例2)。练习的时候可侧重练习第4指。弹奏时,建议大家先把存在于高音部分和低音部分中的难点挑出来,然后通过左手一小节,右手一小节的练习来减小难度。除此之外,如果隔开一个八度来同时练习,会更加容易弹一些。

除了针对第3、第4指的训练,这首曲子还同时练到了双手的交替弹奏。所以需要提醒大家的是,在左右手衔接的时候要特别注意,内心的节拍感不能摇晃。

哈农第三首教学指导

这条曲子练习的重点是第2、第3和第4指(参见谱例3)。其中第4指为弱指,练习时需多用点心。

在实际教学过程中,弱指较差的学生可以考虑用增加第4指与第5指的弹奏量的方法,来增强针对它们的训练频度和训练强度。这种有针对性的强化训练,将更加有利于提高弱指的弹奏能力。哈农钢琴练习曲第四首教学指导 这首练习曲训练的重点是第3、第4及第5指。除此之外,由于本首练习曲的旋律具有跌宕起伏的风格特点,因而本曲也同时适用于我们进行力度控制方面的训练(参见谱例4)。

总的来说有三点提示:

一、要有意识地加强弱指的训练,尽可能使其能够在力度、灵敏度等方面与其他的手指达到同等水平。

二、我们可以在每个小节都试着弹奏一个渐强或渐弱的效果,这样做能够增强学生对力度变化的感悟能力与控制能力。

三、弹奏时不仅仅只足要求手上做“<”或“>”,更重要的是,大脑要指挥前臂与手腕在上行时往前面走,也就是手臂、手腕要顺着前进方向倾斜,往前带领手指运动。这样不仅在听觉上有扬上去的感觉,而且音与音之间连接的缝隙特别小,听起来很连贯(注意:A为高点音,最强)。

还有一点需要补充说明一下,当弹到最后三个音的时候要逐次收下来,在听觉上要产生收回来的感觉。此外,在整个弹奏过程中,应该始终感觉到重心在移动。

重心的移动是一个我们必须始终强调的重要话题,因为它是决定我们能否快速弹奏的重要因素。它不但是快速弹奏的先决条件,更是必要条件,甚至可以说,如果没有重心的移动,你就不可能在将来做到又连又稳的快速弹奏。

哈农钢琴练习曲第五首教学指导

与上面几条练习曲不同,这首曲子轮流训练所有的手指(参见谱例5)。更重要的是,我们可以在弹奏这条曲子的时候增加落滚练习。

关于落滚

首先需要了解什么是落滚(请大家结合本节的图示进行理解)。落滚是一种弹奏技巧,由“落”和“滚”两种弹奏方法构成。

落滚中的“落”是指将整只手由上臂提至空中,开始下落时力气由上臂经前臂送至手腕,再经手腕竖直向下送至指尖的弹奏方法。

所谓“滚”指的是弹奏第二个音时,力气从手腕发出,然后带领前臂、上臂向上抡起来,动作的夸张程度由上臂的使用程度来决定。在回落时需要注意的是,手腕应由空中向下先行。

需要特别提醒大家注意的是:落滚的所有动作,都是由手腕开始,也是由手腕结束的。所以从本质上来说,落滚是一个完完全全的手腕动作。

我们进行落滚训练,主要是希望能够解决手腕与手臂的协调,手臂的肌肉紧张以及手腕僵硬的问题。当你成功地解决了这一切的时候,就可以确保上臂的力量能顺畅地送至指尖。另一方面,落滚的音乐效果听起来像人的呼吸。短乐句落滚的接连使用能形象地表现出那种一步三叹的情绪,很能揪住听众的心;而较长乐句的落滚则能带给人一种酣畅淋漓的抒情气息。

最后,从演奏的舞台效果上看,落滚在带给人音乐的同时,还带给人舞蹈般的艺术感受。这种柔美的姿势让人感觉演奏者的双手像是花丛中翻飞的蝴蝶,弹指间便将演奏者所诠释的音乐形象用一种非常直观的方式传递给了台下的欣赏者。

落滚的弹奏要诀

前面谈到了什么是落滚,那么我们应该如何弹好它呢?这里提供几个诀窍供大家参考。

首先是呼吸。正确的呼吸方法是:当上臂提至高空时吸气,上臂落下时呼气。然后是腰部动作的配合。弹奏落滚时,要求腰部在上臂升空时要拉直,上臂下落时往回缩。最后是头部动作的配合,上臂升空时要仰头、挺胸,上臂下落时则要含胸低头。

如果在实际弹奏中能将上面介绍的这几个诀窍存乎于心,并能做到协调一致,则更能表现出落滚动作的美妙。这能让演奏中的你和看你演奏的观众都觉得“很有感觉”。

哈农钢琴练习曲第五首教学指导

一、这是一首让每个手指都能得到“平衡发展”的曲子,所以在弹奏时要注意各手指问的平衡与协调。

二、在落滚过程中手腕是柔和、松弛的,是运动的主体,手指只是载体,而且手指不能有任何单独动作,这一点大家可以在图示中清楚的看到。

三、尽管手指没有单独、主动地运动,但是手臂、手腕的力量要全部送至指尖并由指尖传至键面。为了达到这个目的,大家要特别注意:你的手臂和手掌无论看起来足多么的柔软,下键的时候掌关节都不能“塌”,要保持基本手型不变。这里有一句常用来提醒学生的行话很能说明问题:房子要搭好!哈农钢琴练指法第六首教学指导

大家在弹完这首曲子的原型后,可以考虑把右手提高八度来弹。为什么要这样做呢?这是因为随着双手距离的增大,弹奏时所要兼顾的东西也会跟着多起来,于是练习的难度就自然而然增大了。等到大家把这条曲子练熟以后,还可以把双手的距离扩展至三个八度、四个八度,甚至五个八度。当然,这时的难度已经远远超出了原曲的要求,你完全可以根据自己的实际情况来设计出其他有针对性的训练。

在这个练习中需要强调的是,动作要集中在手腕上。即一切动作的起与止都要发源于手腕。

这种方法可以有效地训练双手对键盘的把握能力,经过严格的训练后,你会发现你对钢琴键盘的熟悉程度已经大人提高,双手控制的范围逐步扩大,再也不会出现那种上蹿下跳找不着“北”的感觉。

除了照着书上的要求练习外,本人特意在原曲的基础上新增了练习反手交叉的训练方法。对于很多学生来说,练好反手交叉是一个新的挑战。

哈农钢琴练指法第七首教学指导

这是一首非常重要的练习曲(参见谱例7).用哈农自己的话说,本曲“对第3指、第4指和第5指来说,是最为重要的练习”。

除了照着书上的要求练习外,本人特意在原曲的基础上新增了练习反手交叉的训练方法。对于很多学生来说,练好反手交叉是一个新的挑战。

这里向大家介绍两种反手弹奏方法。第一种是交叉弹奏法,弹奏时右手在上、左手在下,形成重叠交叉的状态,左手弹上面的八度,右手弹下面的八度(左右交换)。

第二种反手弹奏的方法是横跨弹奏法.这是一种专门训练交叉速度的弹法。开始练习时首先练右手,即右手在左手上来回横跨,第一小节比左手低八度.第二小节比左手高八度,来回反复地弹。练完右手后,再练习左手的横跨。当然你还可以同时进行双手交叉互换练习,即一个小节交叉,一个小节还原,再反手交叉,再还原,然后如此反复不间断地练习。

大家不管采用哪一种方法进行练习(当然,两种弹奏方法迟早都要掌握),都应该尽可能地弹得珠圆玉润。具体来说,就是要求把手横跨的时间尽可能缩短,动作尽可能平稳,紧贴着原地弹奏的另一只手线条起伏不要太大。

关于交叉弹奏法最后需要大家注意的是:在横跨之�笙录嗟牡谝桓鲆粢锰乇�“讲究”。问题的关键在于弹奏这个音的手指不能受前面快速运动的惯性影响,而将这个音弹得特别响,或音色方面与其他的音明显不同。这就要求我们不能弹得很仓促,要做到“急刹车、快启动”。这将为以后作品中出现的更为复杂的双手交叉弹奏打下一个扎实的基础。如果你能弹好这个练习,说明你的双手已经具有了灵敏的交叉能力,而你的大脑、手和眼睛也能配合得十分默契了。

哈农钢琴练指法第八首教学指导

同哈农第五首一样,这首曲子训练的是每一个手指,用哈农自己的话说,这首曲子“对所有的五指均非常重要”。与No.5不同的是,我们可以用这条曲子来进行移调的练习(参见谱例8)。很多学生一提到移调就头大,然而移调是一个无法回避的问题,尤其在歌曲伴奏中,移调属于家常便饭,所以移调对于我们来说是一种极为实用和必要的能力。我们应该尽快掌握移调的弹奏方法,早日清除这只拦路虎。

其实移调并不可怕,学过基础乐理的人对调一定会有这样的认识:调的变化是有规律可循的。而事实上移调弹奏也是有规律可循的。为了能尽快上手,建议大家在移调开始之前,可以先挑一些比较简单的音作为移调的预备训练。在此,我们只做双手相同的移调练习,这样就避免了一般移调时令人困惑的和声配置问题。在正式作移调训练时要注意,刚开始的时候不要选择那些太难的调(升、降号太多的调),也不要频繁地换调,可采用C-+D-+E-+F-+G这样相邻的升序或c_降B这样相邻的降序依次来练习。等到逐渐熟练后,再加入那些余下的、较难的调,如降D、降G等,而不要一上来就练习c_F或c_G。要知道如果二个调隔得太远,学生在移调时就容易发生混乱。另外.不要因为我们在一般弹伴奏时使用F或c调的频率较高.就认为这两个调容易弹,实际上在这里的训练主要是为了让学生寻找出一个移调的规律,所以我们不建议以大跳的方式来开始基础训练。

通常最令学生感到害怕的事往往是新的调刚刚上手,就被要求更改调号,于是你不得不在键盘上重新调整位置。虽然在理论上我们都同意这样一种说法——所有的移调在键盘上的弹奏距离都是相同的,但在实际操作中,手与脑在刚开始的时候通常是衔接不上的。因此这意味着平时我们需要加强衔接方面的训练,而不是把功夫花在背下所有的调上。一般来说,一个经常弹伴奏的人会产生手感,用行话讲就是“对键盘很熟悉”;这种情况同学英语有点类似,学英语的人如果经常用英语进行交流,时间一长自然就会产生语感,而死记硬背是不会产生语感的。

初学移调者最好从手位的训练开始,根据自己的实际情况,可以采用两个两个一组,或者五个五个一组的方式开始练习于位。具体的操作方法说起来很简单:在上琴之前先在脑子里想好升降号,上琴后马上先放好五个手指的位置,左右手在各自的黑白键上各就各位。刚开始的时候不要贪多,只要五个音就好了;要注意千万不要转弯,因为那样做的话两只手的指法又不同了,这只会给自己增加新问题而没有任何积极的意义。当我们能够迅速而准确地在各个调的五音范围内自由地进行弹奏时,就证明你已经熟练地掌握了各调的键盘位置,同时也证明你的手位以及大脑的判断能力达到了一个新的水准,这个时候便可以开始进一步完整地弹奏一整条哈农练习曲了。

现在还不要着急,虽然从表面上看我们花了一些时间在打基础,但是这样的效果一定会比直接上来胡乱移调要来得更有条理,起码我们省掉了烦躁时的困惑和得不偿失的改错时间。请调整好心态一步步来,毕竟万里长城不是一天就能建成的。

哈农钢琴练指法第九首教学指导

这是一首训练平衡能力的练习曲(参见谱例9)。弹奏本曲,每个手指都能得到有效的练习。其中第4指与第5指的伸张练习较其他三指显得更为突出。除了按照原版进行弹奏外,我们还可以通过增加附点音符的办法将其改造成一首训练节奏的练习曲。

学生应该从学琴的第一·课起就开始数拍子,并去了解各种拍子自身的强弱规律,和它所带来的节奏感。本节我们可以先从双手相同的节奏训练开始,由简入繁,这将有助于手指形成富有弹性的、均衡而灵敏的反应能力,同时还能培养学生形成正确的节奏感,从而有利于拍子的稳定。

首先,我们采用前长后短或者前短后长的附点节奏来进行练习,经过一定的训练后,就可以开始刻意地增加强弱的变化,体现出不同节奏的内在规律。

节奏赋予音乐源源不断的动力和生命力,这意味着在将来的演奏中,你一定会碰到千变万化的节奏。我们现在所进行的节奏训练只是一个必不可少的开端,之后我们还要不断地加强节奏与音乐的结合,根据音乐的内容来判断我们的弹奏究竟是按部就班、持续不变地进行,还是大量增加自由节奏的成份,无拘无束地弹奏。随着学习的进一步深入,最终我们一定会碰到两只手所弹的节奏不一致的情况,这对很多人来说将是一个终极挑战。要想自如地驾驭节奏——让眼波抒情地流动、让心火热地颤动、让双脚舞蹈般地跳动,那么,现在就让我们先从简单一致的节奏训练开始,伴随着节拍器机械而精准的滴答滴,嘴里高兴地数着一二一,快乐而循序渐进地达到完善自如的状态。哈农钢琴练指法NO.10教学指导

这首曲子主要练习的是旋律上行时左手的第3、第4指,以及旋律下行时右手的第3、第4指(参见谱例10)。如果你有时间,你还可以将本曲变为一个进行节奏训练的练习曲。

经过前面的练习,相信大家对附点音符的弹奏已经有了一个基本的了解。在本练习中,你可以试着在一小节之内分别弹奏两种不同节奏来进一步增强对节奏的把握能力。

关于Jazz

再次不经意地谈到了节奏,这回说说Jazz。

现在Jazz音乐被越来越多的人所接受,这意味着你终有一天会接触到一种不停切分的、有别于传统的音乐类型。对我们这个小太习惯于“强烈非正拍切分”的民族来说.这将是一个很有意思的全新的学习和尝试的机会。

我相信“节拍是音乐的灵魂”这句话对于演奏Jazz的人来说,绝不会是一句空谈;而jazz音乐的革命性不仅仅体现在数拍子的繁杂程度上,一些属于思想观念性的新东西也强烈冲击着每一个想玩玩爵士钢琴的演奏者。单从表现形式的选择上,你就面临着改变:究竟是选择长裙还是牛仔裤?是高贵的盘发还是披头散发?是优雅地讨好观众还是桀骜不驯地摇晃头颅等等„·不论每个人的想法和打箅是怎样的天差地别,都不是重点;所有这些,你都可以将其理解为“味道”或“感觉”之类的名堂,或许这就是Jazz的魅力所在吧。

现在回到正题上来,还有一点要提醒各位练习者:当我们在进行这一组节奏训练时,应该特别注意要保持双手的独立性,加强弱指的技术控制力,千万不要“赶”或“拖”拍子,也不能让你的某些手指出现“滚”、“溜”等不均匀的现象。总之,不论节奏是如何变幻花样,你都一定要双手“齐步走”。哈农钢琴练指法第十一首教学指导

这条练习曲是为第4指与第5指弹奏颤音而设置的预备练习(参见谱例11)。为了加强第4指与第5指的灵活度及协调性,我们可以在原曲的基础上加上附点节奏进行训练。

千万不要认为这是多此一举。判断一酋练习曲对自己有不有帮助,关键要看这首曲子是不是击中了你的“软肋”。第4和第5指的问题就是这样一个属于要时刻提醒大家注意的“软肋”,本节训练的口标就是要让我们的这两个问题手指尽可能像其他于指一样能够进行均匀而有力的弹奏。尤其是当你用这两个手指弹奏重复音的时候,一定要注意不能让这两个音“粘”在一起,还要尽量避免“溜”、“滑”、“滚”,或是弹得含糊不清。这就要求大家在练习的时候一定要抓紧手指的第一关节,只有这样才有可能指挥手指灵活、富有弹性地弹奏;指尖触键面小,卢音才会有颗粒感;换指动作的频率也会相应地提高。

既要适当增加它们的训练强度又要避免不当训练或过度训练所引起的肌肉过度紧张、疲劳等现象,我们要学会走走歇歇,一步一步由少至多。当我们适应这种增加一倍量的强度时,就可以把强度转换成耐力,也就是恢复原谱后的音符。这时不论是手指的弹性,还是换指的灵敏度,你都会感到游刃有余。

当然,有能力和有兴趣的人还可以作以此类推的尝试:或者加快速度,或者再增加音符。总之,怀着愉快的心情,白创各种变化体是一件很惬意的事,不妨在学习的过程中做个“吃螃蟹”的人。哈农钢琴练指法第十二首教学指导

这首练习曲是针对每个手指的练习。其巾第l指与第5指的练习属于伸张练习(参见谱例12)。如果你有时间的话,可以试着将本曲改编成一个三连音的练习。

我们可以将本首练习曲改造成一个训练三连音的曲子.节奏的重新划分具体可依下面介绍的方法进行:学生在进行二三连音训练时,可以使用节拍机,将四个音分为两拍.第一拍一个音,第二拍三个音;或反之。总的要求是,三连音必须要弹得均匀。

上面说的是拍子的训练,除此之外,大家一定很关心如何能弹快这首曲子。我们不妨来分析一下,其实这首曲子的特点也正好就是它的难点——第一个音和第二个音之间存在‘个五度距离,显然这就是影响我们快速弹奏的障碍所在。

那么我们应该如何来解决这个难题呢?答案很简单,我们在刚开始慢速度练习的时候,就要注意主动地使用手腕,让手腕成为我们前进道路上所遇沟壑上的桥梁。随着熟练程度的增加,你的手可以开始下意识地灵活移动,并且是稍稍提前一点拍子,作“提前准备”运动。用这样的训练方法,提高速度是很快的,同时也是比较顺利的。

哈农钢琴练指法第十三首教学指导

这是一首练习第3指、第4指以及第5指的曲子(参见谱例13)。在上一条练习中我们练过了三连音,对于三连音的节奏规律已经有了一个基本的了解。为了进一步提高手指的灵敏度,和对节拍进行准确分割的能力,我们可以采用如F的方法进行教学:要求学生在一个大拍里弹完四个音,其中第一个音占3,4拍,后三个音占1/4拍。要弹好这种节奏不大容易,需要我们用耳朵细心地倾听节拍机,并以精确的速度来正确地体现后三个音的时问比例。

记住:弹三连音时要想象你在跳华尔兹——一直在绕圆圈.而且没有一步可以拖拍子或者抢拍子。

哈农钢琴练指法第十四首教学指导 这首曲子主要训练的是第3指和第4指,你可以将其视为颤音弹奏的预备练习(参见谱例14)。

如果学生能按教学指导中提供的方法弹好哈农No 12与哈农No.13两条曲子,那么他的手指的灵敏度应该大大增强了。这时随着速度的加快,我们可以采用速度倍增的方式来推进每个手指的各种能力更加趋向独立与平均。我们可以采用第一小节维持原速,第二小节速度增加一倍的方法来练习。待熟练后,我们也可以把这种节奏放到同一小节内来进行弹奏。

进行这种速度强化训练的目的就是要使学生在弹奏颤音时很快卜手。认真加以练习,练习者最终会发现他的手指神奇般地具有了对付各种复杂情况的能力。

哈农钢琴练指法第十五首教学指导

与哈农No.12类似,这首练习曲针对的是全部五个手指的练习,两者不同的是本曲中第1指与第2指的练习属于伸张练习(参见谱例15)。

在这条曲子里我们进行两手的切分练习。我们可采用左手先于右手半拍的方式或与之相反的方式来进行训练。这样的训练能够加强两手的独立与协调能力。

待卜述切分练习弹熟后,我们还可以再加上强弱变化的洲练内容,即采用左手重、右手轻或反之的练习方法,弹出主次变化的效果。眼、耳、于只注意重的那只手,这种训练对我们以后在弹奏乐曲时处理声部的主次与平衡有很大帮助。哈农钢琴练指法第十六首教学指导

这首曲子训练的是第3、第4、第5指,其中第3、第5指的伸张练习是重点(参见谱例16)。

通过前面的手指训练,手指已经具备了一定的弹奏技能。为了让我们的手指得到更充分的训练,在下面的练习中可以考虑加入保留音的弹奏方法。这意味着从这一条练习开始,学生将要以较为艰深的弹奏方法进行练爿。

弹奏时,在用右手大拇指按住每一小节的头一个音的同时,弹奏其余的手指;当大拇指弹出琴声后,持续按键.但必须把力气松掉,其余手指轮流进行高抬指训练,直至下一小节。

哈农钢琴练指法第十七首教学指导 这是一条综合性比较强的练习曲,训练的重点包括第l指与第2指、第2指与第4指、第4指与第5指这三对手指之间的伸张(参见谱例17)。这条曲子的重要程度与难度系数都比较大.希望大家悉心把握。

在前面的练习里我们练过了大拇指的保留音,在这条练习中我们来练习第5指的保留音。练习的方法很简单,只需在弹奏时压住每一小节第五个音,便可使弱指得到更充分的锻炼,实践证明这足一种能够获得更高技巧的有效的训练手段。

大家需要注意的是,刚开始练习时,大家一定要采用慢速度,而且练习时问最好也不要持续太长,否则很容易造成肌肉的疲劳。哈农钢琴练指法第十八首教学指导

这首曲子训练的是每一个手指。在练熟原曲的基础上我们可以有针性对的进行按键训练(参见谱例18)。

在前两条练习曲中,我们分别练习了第l指与第5指的保留音,在这一节我们将针对第3指与第4指进行保留音的按键训练。

第3指与第4指的保留音按键方法基本上与前面所介绍的弹奏方法相似,不同的只是弹奏时我们按住的是每小节的第三个音与第四个音。

需要注意的足,随着按键难度的增大,必将造成手指肌肉更大的紧张度。所以我们要恰到好处地做到肌肉放松,既不能因为过分紧张而减弱了其余手指的独立性.也不能因为放松不当,导致按键的手指不能正常保留。哈农钢琴练指法第十九首教学指导

与哈农No 18类似.这首曲子训练的是我们的每一个手指(参见谱例19)。训练过保留音之后,我们可以采用这样的方法来进一步加强手指的按键能力:弹奏时按住其中的一个手指,其余手指每次击键后迅速抬起,以增加手指的运动难度,提高手指的运动效率。哈农钢琴练指法第二十首教学指导

这首练习曲着重训练的是第2指与第4指、第4指与第5指之间的伸张,以及第2、第3、第4指的弹奏(参见谱例20)。

我们可在这条曲子中对第4指进行强音练习。每弹到第4指时,做比别的手指更加强化的训练,即手指过度高抬使肌肉得到强化训练,以提高弱指的独立能力.平衡第4指与其他手指之间的差异。

本章小结

如标题所述,本章所要解决的问题就是手指的基本弹奏。在练习时,如果大家不仅做到了原谱所要求的各项技术动作,而且能够认真按照每节教学提示中所提供的各种附加方法去练习的话,将会有较快地提高。

希望大家在完全练熟第二章所列的二十条练习曲后,再开始第三章No 21——N043的练习。请相信哈农的话:“完全弹熟第一部分,是解决第二部分各种难点的钥匙。”

哈农钢琴练指法第二十一首教学指导

这是一首针对第3、第4、第5指的练习。练习时要注意,在每一小节第三拍E,右手做的是反向重复弹奏,而且所用的是相同的几个手指。从这首曲子开始,我们开始进行断奏训练(见谱例21)。认识断奏

在弹奏断奏之前,首先让我们来了解一下有关断奏的一些基本知识。

首先.什么是断奏呢?所谓断奏,指的是间断地、单个地、加重地弹奏每一个音(力量型)。

断奏有多种类型,根据发力点、运动肌肉、运动方向和下键高度的不同,我们可将断奏具体划分为这样几种类型:手指断奏(跳音)、手腕断奏(跳音)、肘部跳音(前臂断奏)、上臂跳音(上臂断奏)。不同类型的断奏在音效、速度、力度等方面均有着不同的表现。有关这些类型的具体训练方法,将在后面几节详加介绍,这里先介绍一下手指关节在弹奏断奏时所起的作用。

手指各关节在断奏时所起的作用是不同的,其中第一关节对弹奏的帮助最为明显,它相当于芭蕾舞中紧绷顶立的足尖,而手指第三关节(指根)到上臂就相当于跳芭蕾舞时的大腿与上身。手指各关节之间是既矛盾又协调的关系,必须加以足够的训练,才能使得手指各关节的配合达到灵活而且精确的程度。就像一个训练有素的芭蕾舞演员具有传神的形体语言表达能力一样,训练有素的手指亦具备“随心所欲的”弹奏能力。要掌握断奏的弹奏,得先r解两点:时值与弹法。关于时值,断奏在谱卜有三种写法,简单的说,依次为原时值的l/1/

4、3/4。这些指的是时值上的不同。

而断奏的弹法主要有三种。第一种弹法:在弹奏跳音

芭蕾舞演员身体各部分的配合与弹奏中的手指各关节之间的配台的确存在着某种相似之处:芭蕾舞演员全身的力量都集中在脚尖,所以小小的脚趾尖尽管承受全身的力量也必须顶住.同样,演奏者的手指也承受着来自上臂、腰、身体的力量,所以必须抓紧手指第二关节(千指内勾),才能很好地将来自全身的力量传达到琴键上(当然这需要科学的训练方法)。

时.通过手腕的运动来实现断音,手腕的运动方向为↑或↓。第一二种弹法:在弹奏顿音时,我们只用手指跳音来完成锐利、短促而更有弹性的声音效果。第三种弹法:非连音要求我们在弹奏时运用“按下”般弹奏的样式触键,然后柔软地往上走一个音,方向表现为↑ ↓。

大家在练习断奏时,要把握好“断奏”与“落滚”的区别(关于落滚,参见第二章的哈农No.5)。落滚是一个音下,然后带动另一个音上,两个动作为一个单位,由两个音来完成,音与音之间没有空隙,力量主要是↓;而非连音以单个音为单位,在各音的进行中留下很小的空隙。

当然,断奏与落滚在弹奏上也有相同的地方:两者都需要运用手腕来完成动作,而且都没有手指的独立动作。哈农钢琴练指法第二十二首教学指导

我们可运用手指跳音的方法来练习这条曲子(参见谱例22)。练习前我们先来了解一下什么是手指跳音。

手指跳音属于断奏的一种,我们通常把那种用手指的力量来进行弹奏,但是音与音之间是间断的弹奏方式称之为手指跳音。

手指跳音在弹法上类似于我们在第一章介绍过的高抬指。所不同的是,高抬指下键后必须按住琴键,用力方向为↓,而手指跳音与键盘接触的时间非常短暂,并在触键的瞬间立刻反弹回去,方向为↑↓,手指下键时力量必须集下指尖。熟练后可在手臂手腕固定不动的情况下于按键的瞬间加力,这样弹出来的音色是清脆而富于颗粒性的。

由此可知.为了获得理想的弹奏效果,我们还有必要加强对手指爆发力的训练。哈农钢琴练指法第二十三首教学指导

在弹奏前,先介绍一下顿音的动作要领。

把要弹奏的手指放在键面上,抓紧第一关节,手不离键,直接把力气送下去.当按键的力量在到达键盘底部的瞬间马上反弹回去,手指的运动方向竖直向上,整个过程中手腕几乎没有动作。

为了更好地领会顿音的动作要领,你可以把整个过程想象成一只运动巾的小青蛙——腿往下一蹲就弹起来了。但是要注意的是,手指的这个反弹运动绝不是靠前臂抬上去的。

对于这一点你可能有点不�笙肮撸栽诟湛剂废暗氖焙颍憧梢越刺姆较蛑苯�“推”向前,整个动作就像推擦过键面一般,直冲向琴板的斜前上方。待完全掌握这个动作后,再把反弹的方向调到竖直方向上。哈农钢琴练指法第二十四首教学指导

手腕断奏有两种弹法。第一种弹法:预先把手放在琴键上方约五厘米处,弹奏时先把手掌上抬,通过手腕重重地“啄”下去,这个过程与啄木鸟啄树干的情形颇有些类似。与手指断奏不同的是,手腕断奏发力关节为腕关节,方向朝下(从空中往下打),但要注意手臂不要额外加力,要靠手腕曲折时的自然重量感进行练习。

现在让我们来看看手腕断奏的第二种弹法。较之第一种弹法,第二种弹奏方法更依赖于手掌的上抬。即弹奏时在把音弹下去的同时,猛地用手腕的力量将手掌向上抬起。

现在谈谈两者之间的区别。第一种弹法下键后可以停在键面上休息,强调的是下落的状态,手腕的上抬是为了下一次下键。它给人的心理感受是稳定的、朝下的;音效上则形成一种灵敏度高、速度快、力景中等的效果。而第一种弹法在下键的同时要求迅速用手腕将手带离琴键,手在空中休息,所弹音的时值非常短,因而给人一种跳跃的、朝上的、刺激的感觉。哈农钢琴练指法第二十五首教学指导

我们可用前臂断奏来练习这条曲子(参见谱例25)。

前臂断奏是以肘关节作为支点及发力点的一种断奏类型。与前面介绍过的两种断奏类型不同的是,前臂断奏中,前臂与手是作为一个整体来运动的,手腕不单独动作,前臂肌肉的牵拉力提供动力。弹奏时,肘部不动,举起上臂.将前臂的自身重量集中到要弹的手指尖上.弹奏方向朝下。因为发力点偏后,动作稍慢,速度中等,力度较前几种断奏类型有所加大。

细心的读者会发现,我们运用的关节在后移,力度在加大。所以在练习的时候一定要注意,该运动的关节要主动地多运动,不应该动的关节,则要保持稳定的状态,随着“大部队”走就可以了。哈农钢琴练指法第二十六首教学指导

我们可用上臂断奏来弹奏这条曲子(参见谱例26)。

上臂断奏是以肩关节为发力点的一种断奏类型。从手到上臂,整只手为一个整体,无肘、腕动作,这与前臂断奏类似。弹奏时可根据上臂的长度调整琴凳位置(可适度后移)。举起上臂,靠上臂自身的重量落下。需要注意的是前臂的动作,它不能在手指快要触键时加力,形成加速度。

上臂断奏因其发力关节最靠后,动作幅度大,速度最慢,力量最大;上臂断奏对手指第一关节训练的强度最大,因此下键之前要抓紧手指的第一关节,以避免运动损伤:注意不要大运动量、高强度、长时间地持续练习,以免因过度疲劳而造成指关节的不必要的伤害。

断奏综述

练习No 2l—No.26属于“断奏集训”。坚持以科学而认真的态度进行训练.可以使参与训练的各个关节、各块肌肉具备一定的独立承重能力以及协调能力 此外,我们也应该发现这样一个规律:所运用的肌肉与关节越靠后,所产生的力量会越大,而速度会越慢。

哈农钢琴练指法第二十七首教学指导

练了这么长时间的断奏,大家是不是对高抬指的奏法又感到有点不�笙肮吡四�?不要紧,这一节我们来解决这个问题(参见谱例27)。

为了充分掌握高抬指(连)与断奏(断)的不同弹法.了解如何用不同的触键方法来产生不同的音色与音乐形象,以便能更充分地把握这两类风格相异的弹奏技巧,我们可以在弹奏这条曲目的时候,进行“一小节连、一小节断”的练习。

在这样一个一“断”一“连”的练习中,要努力做到力度与速度的协调。其实这个练习更多的是对你“一心二用”能力的训练:在整个过程中,手所扮演的只是执行者的角色,而大脑的充分运用才足弹好 “断”一“连”的关键。练好时所体现的整体效果应该是:弹法始终如一.速度很连贯,该断的地方很断。哈农钢琴练指法第二十八首教学指导

又是一首针对第3、第4、第5指的练习,希望弱指较差的学生要悉心练好本曲(参见谱例28)。

为了进一步巩固大家在前面练习中已经掌握的连奏、断奏技巧,在本节我们可以进行“左连右断”和“右连左断”的技巧训练。其中“连”的弹法可采用高抬指的弹法,而“断”的弹法则允许有多种选择,可以选择前面所介绍的任何一种断奏的方法来进行“断”的弹奏。例如:左手高抬时,右手采用手腕断奏;右手高抬时,左手采用上臂断奏。

这个练习所要达到的训练标准是:要让自己的每一个手指不论“连”还是“断”,都必须弹得灵活而且均匀。显然,这就要求手指必须具有相当的敏捷程度以及收放自如的能力。你已经做到了吗?先别急着肯定自己。其实你才达到了目标的一半.因为你还得确保你所做到的“灵活与均匀”是建立在一定力量的基础上的。

如果你想达到这样的标准,需要进行更加充分的、耐心的、细敛的训练。哈农钢琴练指法第二十九首教学指导

从这个练习起(参见谱例29),我们将开始进行颤音的弹奏训练。而本练习曲,可视为第1指至第5指在弹奏颤音前的热身练习。

颤音就是以一个全音或一个半音为单位的两个音不停地轮流重复地弹奏。

颤音的指法要根据演奏者手指长短的具体情况来加以调整。对大多数人来说,中指与无名指的差别要小于食指与中指,因此从理论上讲,用中指与无名指的组合来弹奏颤音,较之食指与中指的组合会更容易些,而实际上由于无名指是最弱指,因而反倒是食指与中指的组合最容易弹奏颤音了。一般来说,无名指、小指、大拇指都是不容易弹奏颤音的手指。为什么呢?先来看大拇指,它的活动关节是掌腕关节,它具自先天的横向运动优势;另外,大拇指不像其他手指那样常做上下挥动,而且支持大拇指运动的肌肉是五个手指中最大的,所有这些使得大拇指成为缺乏灵活性的力量型手指,弹奏颤音显然不是大拇指的强项。

无名指是所有手指中最软弱无力的手指,它的动作通常需要牵动或依附于其他手指;而纤弱的小指先天短小,支撑力较之其他几个手指最差,因此很容易以“躺着”的姿态来弹琴„„这些特点都使得它们不大容易弹好颤音。

总之,不论各个手指的生理条件如何,我们都应该学会用任意两个手指的组合来弹奏颤音,这就要求我们给弱指以更多的关注,并且对这三个手指进行严格、独立的长期训练,使其具有弹奏颤音的能力。哈农钢琴练指法第三十首教学指导

这是一首颤音练习曲,训练的重点是第l指与第2指第4指与第5指(参见谱例30)

哈农钢琴练指法第三十一首教学指导

这条曲子我们可以采用“扇形弹奏法”的方法来弹,因为作曲家的意思是要弹奏者充分突出;旋律声部的变化,减弱伴奏声部的音量。旋律声部的音色要明亮结实,而伴奏声部的音色要轻、薄,间隙要小。为了达到这样的效果,我们可以使用一种扇形的弹奏方法来准确而完美地表达作曲家的意图。

扇形弹奏法

举例说明,在这里我们的旋律是2345伴奏是1。在开始练习前,先提两个要求:首先要尽量减轻伴奏的音量,你可以将其作为背景音乐来理解;除此之外,弹奏时不要让音与音之间的连接特别明显。

现在我们可以分三个步骤开始进行“扇形弹奏法”的训练。第一个步骤是预备练习:将手静置于桌面,大拇指紧贴于桌面不动,并以其为轴心,翻起手腕,掌心向外,以整个手掌为单位向斜右下方拍下.形成类似抛物线的斜线运动,力量落在第5指上。

以右手练习为例.在训练过程中,为了避免右手大拇指过度紧张,可以用左手第2指与第3指按住右手的大拇指,然�笙却拥�5指开始试着从空中下落击键,将力气送至指尖。要注意的是,力气是通过右手手腕带动手掌转动所带来的。简单地说,整个过程使用的全是腕力,没有单独的于指动作(如图所示)。

当上述动作熟练后.便可以开始进行第二个步骤的练习:将手移到钢琴上,用大拇指按住一个琴键.然后像我们在预备训练中练习的那样依次循环用第5、第2、第3、第4指击键,进一步领会动作的连续性。当我们能正确而熟练地掌握力度,以及单个手指触键的准确性和各个手指间的连续性后.便可以开始第三阶段的训练了。

我们现在开始进行“扇形弹奏法”的最后一步,也是最关键的一步——放开大拇指。我们要学会在每一个旋律音完成后增加大拇指的伴奏音出现的频率.这就对大拇指的弹奏能力提出了更高的要求。

我们先来分析一下在大拇指弹奏的过程中,可能出现的几种错误情况,这将有助于我们尽快掌握这种弹奏技巧。第一种情况:由于这个音由大拇指来完成,所以一不注意就会使伴奏音量变大。音色变得过于厚重,与我们先前提出的要求相违背。第二种情况:大拇指的单独上下动作会导致相邻的伴奏音之间的间隙增大,从If『i造成r音与音之间断链。第三种情况:大拇指的上下运动会造成“八”字的形状,这样不但增加了大拇指的音量,还直接增加了多余的动作,从而减缓了弹奏的速度。

那么大拇指到底应该如何弹奏呢?将手水平置于琴键上,每个指头放在对应的位置上,像预备练习那样翻转手腕,用腕力打下第5指,待充分停留之后再次翻转手腕。在手腕翻转的过程中,手掌的重量自然地落在大拇指上,顺势用大拇指压下琴键。这样就一口气完成了旋律与伴奏两个部分内容的全部动作。

在弹奏过程中要注意以下三点:第一,手掌在空中时要保持自然于形,既不要用力伸直手指也不要抓紧手指,整只手处于放松状态。第二,要弹奏的那个手指在下键之前一定要抓紧第一关节,以确保力量被送达指尖。第三,在整个动作过程中不论手腕翻转向下或向上,包括大拇指在内的其他手指都应该是放松的,只有下键的指尖在下键时是抓紧的。哈农钢琴练指法第三十二首教学指导

大家都知道,进行音阶练习时最重要同时也是最困难的一个环节,就是正确移动大拇指,所以从No-32起,我们将训练大拇指从其他四个指头下移过.以便为将来的音阶练习做好准备。本条练习曲训练的是大拇指从第2指下穿过(参见谱例32)。

大拇指的用力方式与别的手指小大一样,它既能做垂直方向叉能做水平方向的运动。所以用大拇指弹奏时,需注意在音量与音色方面要尽量与相邻的手指弹出来的音接近。

本条我们训练的是大拇指从第2指下穿过。这个练习我们采用高抬指的练习方法,即当第2指按下键盘,大拇指应尽快钻到第2指下面,准确地放在下一个要弹的音上。因为这条曲子只需大拇指、第2指弹奏相邻的音,跨度很小,所以大拇指在键盘上水平左右移动时都只需用到大拇指自身的力量,手腕不要用过多的旋转来帮助大拇指。特别要注意的是,手腕只是静静地旋转,要避免手腕上下运动,否则多余的力施加在大拇指上将使弹出的音量过大。哈农钢琴练指法第三十三首教学指导

由于跨度的增加,在大拇指的平移过程中应增加手腕的使用。具体的弹奏方法是:当第3指按下琴键的一瞬间,大拇指要立刻转移至下一个要弹的位置,待大拇指按键的动作完成后则要马上放掉第3指;由十要确保弹奏的流畅性,所以第3指要立刻返回到原来的位置,以保持刚才的手位不变;接下来,当第3指一弹完便应立刻将大拇指移出,恢复正常的舒适手位后再进行第2指的弹奏

需要提醒大家的是:当第3指按下键盘的一瞬间,大拇指不要马上就钻到第3指下面,过早地做准备。这样会直接导致两个不好的结果:一方面会使大拇指的肌肉紧张,另一方面手位的转移将导致第3指的弹奏难度增加。因为这样做小仪不能提高弹奏的速度.反而会给弹奏增加新的困难..哈农钢琴练指法第三十四首教学指导

这条曲子我们要圳练大拇指从第4指下穿过的弹奏技巧。由于第4指是弱指.所以我们在此之前就要加强针对第4指的高抬训练。只有使之具备一定的弹奏能力之后,才有可能好本曲(参见谱例34)。

在练习过程中,大家要耐心地等第4指把力气完全松掉后,再将手腕与大拇指共同转移到要弹的位置上.适度高抬,然后弹下大拇指。

这里要做到两点:第一是转移的速度要快,第二:足这里手指要保持刚才的手位。然后再次细心体会第4指的高抬,放掉大拇指,再接着弹熟全曲。哈农钢琴练指法第三十五首教学指导

在本节中,我们将训练大拇指从第5指下穿过的弹奏技巧。用哈农自己的话说“这是一条最重要的练习”。这是因为大拇指要从第5指下穿过,其跨度是最大的,难度也是最大的(参见谱例35)。

当大拇指从第5指下穿过时,手腕旋转角度达到最大.这就大大增加了大拇指与手腕的协调难度。必须尽量保持肘部的稳定.千万不要靠抬高肘部来达到旋转的目的。

此外,由于第5指天生短小,因此留给大拇指钻过的空间较之其他四指也最为狭小;还由于第5指最纤弱,因而弹奏时手型很容易向第5指方向倾斜.导致手位变形,这些都足我们在弹奏大拇指从第5指下穿过时需要引起注意和尽量避免的。

大家可将本图与前面的图进行比较,注意观察手腕的变化。当大拇指从第5指下穿过时手腕的协助变得至关重要.另外,应注意保持手型,不能向第5指方向倾斜。

哈农钢琴练指法第三十六首教学指导

这是一条大拇指从其他手指下穿过的练习,如果把它作为第2、第4指的伸张练习会更恰当(参见谱例36)。

右手上行时,大拇指弹完后,第4指应立即带动别的手指,伴随着手腕的旋转运动向右平移三度音程。

弹奏时你会感到下行比上行更加难弹,如果是慢速弹奏还好对付,只要按前面介绍过的方法来弹就能很轻松地解决,关键是要解决好在快速弹奏时所碰到的问题。

这里提供一个快速弹奏的方法:在弹完C音、第2指弹完A音后,大拇指不必从第2指下完全出来,因为这样的话要等到第3、第4指弹完后大拇指才能再次冲进去,这对速度的影响比较大。所以在第2指弹完后,大拇指只需放在下一个所要弹的B音上准备就好了。这样做避免了产牛多余的动作,从而保证了弹奏的快速度。

哈农钢琴练指法第三十七首教学指导

在这首曲子里,我们将着重训练大拇指纵弹潜行与横向潜行的灵活度,以及大拇指纵向掸奏时(不带手腕动作)的独立运动能力和横向运行时与手腕密切协调的能力。在弹奏的时候一定要把这几件事情分得清清楚楚,弹得明明白白。

本练爿曲只有卜二个小节,弹奏时两只手只需分别按住第一小节中的那三个长音.并不要求在每个小节中弹出来。除此之外,大家还要注意当大拇指弹至B音时不要过多地使用肘部。

哈农钢琴练指法第三十八首教学指导

本节为开始音阶弹奏前的预备练习,务必达到熟练的程度(参见谱例38)音阶的弹奏是一项复杂的、多样化的,同时又需要身体各个部分进行高度协作配合的工作。只有在逐个地、精确地分析音阶弹奏的各项独立的分解动作,并且逐一协调好它们之后,才可能有连贯流畅的衔接。

前面我们已经进行了单个手指的高抬训练.学会了每一个手指弹奏时正确的用力方法。这条曲子是弹奏音阶的预备练习,前面我们所做的练习是学习单个手指的上F运动,当我们进行占阶练习时要学习把上下运动转化为横向运动,以使得运动方向与音阶方向保持一致。要学会把每个单一的音转化成一串音,需要我们从单个音的用力方式,转变成四个音为一个单位的音组(加入强弱,第一个音为强音)。

在第一章里,我们详述过慢速高抬指和中速高抬指的正确弹法;在本节,我们町以继续使用这种弹法。但光这样还不行,必须针对音阶的特点作一些研究分析。例如弹奏方向的问题,以及由于大拇指转弯所造成的将~Jk度分割成三个一组、四个一组的表现形式的问题。所有这些都需要我们的大拇指积极地配合转弯。而且由于双手手指弹法不同,我们应该首先进行单手慢练,直到分别把所有的指法练到了然于胸、得心应手的程度。

为了不至于混淆指法,建议在刚开始训练指法的时候,只朝一个方向进行(要么上行,要么下行)。

当两只手都已经掌握了上、下行方向的弹奏之后(这里指的是分手弹奏),可以适当加快弹奏的速度。当分手弹奏具有一定的速度时(中快速时),就可以开始进行慢速的合手练习。

在合手练习的初始阶段,建议从同向进行开始练起,当完全掌握同向进行的合手弹奏后,再开始练习另一方向的合于弹奏,最后再把两种不同方向合并在一起练。需要特别注意的是:这条曲子在同向进行时,每跨一个小节都会出现一个七度大跳.建议通过手的伸张来完成它;下半段反向进行时,左手跨小节的弹奏均为九度大跳,这对于手小的人来说是个难题。要快速、准确地完成大跳的弹奏,仅依靠手指的伸张是不够的,必须结合一些手腕的动作才能做到。哈农钢琴练指法第三十九首教学指导

在编排大小音阶的时候,一般都是按照关系大小调的体系来进行组合的,因此每一个大调都应有三个关系小凋,它们分别为自然小调、和声小调和旋律小调。在哈农《钢琴练指法》里,每一个大调后面都选了一个和声小调,一个旋律小调.但是现在我们通常只用到和声小调,因此在我们的注解中每一个大调只选用一个和声小调作为范例。

通常情况下,初学者应从c大调音阶开始练习。这是因为有以下几个原因:首先c大调音阶才不存在升降号,识谱方便;其次,键盘上每一个音的距离相等,没有上下黑键造成的位置移动,它的走向是一条直线,比较容易弹。

c大调音阶的指法是在音阶弹奏中最常用的,所以从开始练习时就一定要严格遵守指法。由于c大凋都在白键上弹奏,所以我们在弹奏过程中要尽量保持直线弹奏。

c大调之后,哈农《钢琴练指法》所给的音阶序列是由c大调向下数的一个五度序列:即F大调(一个降号)一降B大调(两个降号)_降E大调(三个降号)_降A大调(四个降号)一降D大调(五个降号)一降G(六个降号)。显然这是一个按降号的多少进行的下行五度的排列。降G大调(六个降号)后,是按B大调(五个升号)_E太调(四个升号)一A大调(三个升号)_D大调(两个升号)_G大调(一个升号)进行排列的。

但是在实际弹奏中,如果按照这样的调性排列进行音阶练习,很容易引起指法的混乱,所以刚开始学习音阶弹奏的人,最好能选择与c大调指法相同的调。

进行练习的总原则是:从易到难,逐步巩固。先弹好c大调.以及Lj c大调音阶指法相同的调,然后再有选择地进行其他调音阶的学习。此外,当我们弹奏含有黑键的音阶时,不要把它弹成进进出出的曲线,弹白键时要尽量靠近黑键的边沿,而弹黑键时则要尽量弹出来些.使弹奏的方向尽量接近直线。

从No.39起,我们正式进人十二大音阶和十二小音阶的弹奏。限于篇幅,这里只列出c大调的音阶谱例(参见谱例39)。

哈农钢琴练指法第四十首教学指导

本节是半音阶的弹奏训练(参见谱例40)。

半音阶的练习使用最多的手指是第1、第2和第3指,但由于大拇指相对其他几个手指要笨拙一些,所以在弹奏的时候很难与其他手指在音色方面达到和谐统一。这就要求你在练习的同时,还要仔细听辨各音的音量是否均匀,音色是否统一。

另外,哈农《钢琴练指法》还采用了两手隔开小三度、大六度、小六度,以及两手反向进行时隔开八度、小三度、大三度的练指方法。不要认为这是多此一举,事实上这些练习都是必要的,希望大家对原谱例中所标出的各种指法都予以严格的执行。

这里要向大家介绍一个小窍门:我们在弹奏的时候,可以将大拇指触键点稍稍向前靠一些,这样做以有效控制大拇指的力气,同时还能使弹奏的轨迹更加接近直线。

注意观察大拇指的触键点,它此时所在的位置比较靠近黑键。这是一种常用的弹奏技巧。

最后,哈农《钢琴练指法》选用了一种不管大拇指是否弹在黑键上,都统统一直往下进行的指法。这种方法能够取得很快的速度,但难度却是相对比较大的。哈农钢琴练指法第四十一首教学指导

弹好琶音的关键,在于要解决两个方面的问题:指法与弹法。指法的问题比较好解决,请参见下面提供的指法序列表:

弹法方面,首先要解决好跨度的弹奏。在琶音中,音与音之间是以三度或四度的间隔连续进行的,而音阶中各音的间隔不超过二度。显然.跨度的存在使得琶音比音阶更加难弹。

弹奏时,拇指转弯和移动的方法与No

36、No.37的一致。虽然琶音的跨度相应增大,但借助手腕与手臂的旋转运动.也能将琶音弹好。在此过程中要注意做到的是,大拇指一定要非常准确地放在要弹的琴键位置上(而不是旁边的位置),并充分放松,当大拇指弹下这个音时,手指带动手�笙蛐薪较蛩叫�(贴着键面),再充分伸张手指至下一位置。

要补充说明的是,当弹奏有黑键的琶音时,应该尽可能使白键的触键点靠近黑键。

当我们掌握大拇指的转弯弹法后,可以考虑加入以增强手指独立性为目的的高抬指练习。这可以有效地增加手腕与手臂之间的协调性,增强大拇指的潜行能力以及手位的熟练程度。当手指真正做到“灵巧有力”的程度时,可逐渐加快弹奏的速度。弹着弹着,你会发现如何正确地实现力气的转移和及时放松肌肉成了新的问题。这正是需要我们解决的第二个问题。

连续弹奏四个八度的琶音时.上臂也必须开始加入手腕与前臂的旋转动作,帮助手指更积极地转移。而且在转移过程中,整只手的重心转移要先于手指的转移。也就是说,一个手指下键后,手腕带动整只手迅速向前方移动,为即将弹的那个音创造舒适的手位,待准备就绪后,再挥动手指弹奏这个音。

随着速度的逐渐增快,手在弹奏过程中应该处于这样的运动状态:手指和腕、臂部分逐渐向后靠拢,一直到达肩关节带动的上臂。

除了前面所提的这些琶音的弹奏要诀外,弹奏时的“身法”也是非常重要的.也就是说,当我们在整个键盘上来回弹奏琶音时,应该使用腰部关节和肌肉来协助弹奏。总的要求是:腰的用力方向与手的前进方向要一致,并H腰要走在手的前面。这样做才能更加容易提高速度 例如琶音上行时,当手到达顶点后.腰应该立刻先折回.带领手臂进行琶音下行弹奏,如此,我们就能连贯自如、平稳流畅地弹奏琶音了。

左图为为弹奏琶音时的手型,中图为腰往右拉到顶点后的姿势,右图为恢复正常后的姿势。请记住:快速弹奏琶音时,腰永远要走在手的前面。

哈农钢琴练指法第四十二首教学指导

我们知道,在三和弦的基础上加人七度音后,就构成了七和弦。如果七和弦中的根音与七音为减七度音程的话,那么所构成的和弦就是一个减七和弦。

由于构成七和弦的各音在键盘上相距较远,造成了弹奏时手指的过分扩张(尤其是第3指和第4指),而这正是弹奏的难点所在。又由于黑白键的交替出现削弱了手指对键盘的控制能力,并对大拇指的转弯造成了很大的难度.所以练习时,必须很用心地注意每个动作的细节及动作之间的协调.每个手指弹完后要紧跟着肌肉快速放松,以及手腕前臂的前移,为弹下一个音做好准备。哈农钢琴练指法第四十三首教学指导

这条是属七和弦琶音的手指伸张练习,是上一条练习哈农钢琴练习曲N0.42的延续(参见谱例43)。

本曲难点部分的解决方法与上一条差不多,而且也同样需要在充分的单手练习之后再进行合手练习.当然也可根据各人的实际情况增加强弱练习。

可以用这样的方法进行训练:以四个音符为一组,把第一个占弹成强音。当舣手的技巧达到协调准确的程度后,就可以去掉强音,并适当加快速度,同时检查一下力度的使用是否均匀,手指的位置足否准确,以及肌肉的运用是否恰当_、合理。此外,为了巩固这些技巧,我们可以在现有练习的基础上再增加断奏、附点、反向等专项练习。

本章小结

我们在本章进行了音阶、琶音、和弦以及颤音的学习。在此过程中,特别加强了手指的独立性训练和一些基本节奏型的辅助训练。这些练习都足非常必要的,而且这些基本功的训练定要持之以恒,特别足对弱指的训练一定要加强。要做到弹得不能粘连,掌关节要活络而稳定。

此外,要格外注意legato的训练,让指尖感觉声音的颗粒性及音色的变化,要学会让力量在各指尖来回移动。

最后需要提醒大家的是,在刚开始弹一首曲子的时候,一定要慢练,要重视质量和效果,要善于独立思考,培养分析和解决问题的能力。

第四篇:钢琴教学心得

钢琴教学心得

钢琴教学是传授以及启发有关钢琴弹奏的基础知识和技能,引导学生理解音乐,感受音乐和表现音乐的过程。作为一名西大音乐专业的在职研究生新生,接受学习以来,深刻感觉到好的老师不但需要扎实的键盘功底,更重要的是钢琴教学方法的能力,下面谈谈本人的体会。

一、建立融洽的师生关系,培养老师和学生之间亲和力及信赖感

这样,学生就会有积极参与、渴望上课的意识。这时,你应该简略地向学生介绍钢琴的三个阶段的历史发展、钢琴构造的变化及拨弦、击弦古钢琴的发声原理,特别是现代钢琴不断完善的丰富的表现力和美妙动听的音色,告诉他们学习钢琴能开发智力、锻炼记忆力、丰富想像力、集中注意力、陶冶情操等多方面的好处,激发他们学习钢琴的兴趣。

二、重视教学氛围的建设,创造愉快和谐积极欢乐的教学气氛

以饱满热情的情绪去感染学生,使学生在充满情感的和谐气氛中轻松愉快地学习钢琴,引导他们从键盘图的理解记忆,到实际下指手指手型的练习,感受指尖的触觉,每一次关节的抬起、停顿,及时对错误的手型予以纠正,使学生逐步的习惯五指手位的练习,并掌握单音、连音及非连音的三种基本弹法。同时要充分体现以学生为主体,教师为主导的教学原则,当学生弹奏遇到困难时,教师要分析问题的症结所在,采取具有针对性的办法以解决。

三、留有适当的课后练习巩固教学内容

尽管弹奏钢琴、正确的坐姿、基本的手型这些入门知识较简单,教师照样要进行具体、生动,能为学生所接受、理解的讲解。如钢琴键盘图的标注记忆、钢琴节奏等,通过慢练、分手练习、分句分段练习、弱音强奏、强音弱奏,让学生铭记在脑子里,要求学生在练习时,时刻回忆老师的对重难点的分析、示范。这样不但会弹得相对准确,而且也能增强记忆能力。告诉学生正确、科学的练琴方法对以后的学习将起到良好的先导作用,切记不可随便弹弹就算练琴。

四、养成正确良好的学习习惯和方法,形成敏捷的思维能力,科学的方法提高学习的效率

对于钢琴学习来说,方法问题尤为重要。教师不但要教给学生正确、科学 1 的指法运用及思维方法,还要教会他们结合教材正确有效的课后练习方法,启发、指导学生掌握学习钢琴弹奏的规律,并通过适当的表情记号使学生在钢琴练习的过程中注重音乐性的培养,从而较快地进步和提高乐感。

以上是我自己对钢琴教学的一些认识。对于钢琴教学来讲,我还需要在日后的工作和学习中不断的提高,我坚信在以后的道路上,我可以做的更好,帮助更多的喜爱钢琴的学生更好的掌握钢琴弹奏的技艺!

第五篇:钢琴教学心得

钢琴教学心得

钢琴教学心得1

一、乐感培养是基础和关键

钢琴的演奏是听觉的专注、敏感,十个手指各自独立前提下的积极活动;这种双手不同动作及全身多种器官的配合运用,必须遵循有规律的、科学的、恒久性的训练,努力地去理解音乐、表现音乐,才能掌握钢琴的演奏技艺。

首先,乐感对于学习钢琴的学生来说是很重要的。那么,怎样培养和发展孩子的乐感呢?

在练习乐曲、音阶和练习曲的时候可以加入适当的表情。如音阶,用有力的断奏来表达一种威严、愤怒;用较慢的连奏来表示一种忧伤;用快速轻巧的指头弹奏来表示欢快随心所欲的情绪等等。这些都是训练孩子带着表情进行弹奏,展示自己表现才能的好办法;对练习曲和乐曲中的表情记号或力度记号做夸张性的弹奏和练习。正如李昕老师所讲的,比如说教授汤谱森《火车》一课,可以很形象的先告知孩子火车跑的声音,引起他的兴趣后,告诉他全音符、二分音符、四分音符的长短,然后火车是怎样由慢到快跑起来的,加入形象的说明孩子会对这一课很感兴趣,接下来就是如何弹奏了。

一般来说,再简单的乐曲或者练习曲,都有可能进行对比,至于对比是力度上,还是在音色或者情绪上,可以请教老师来进行要求;多听、多看、不放过任何表演的机会。要鼓励孩子在适当的场合进行表演,这样可以使孩子得到更好的锻炼,自信心会得到一定的提高。如教师示范、观摩音乐会、听音响资料等方式。通过音乐拨动学生的心弦,丰富学生的审美感知,得到美的享受,丰富自身情感。通过各种音响和“通感”作用引发学生的情感,使学生全身心地融于音乐作品中,直接强化学生的钢琴学习行为,从而达到良好的教学效果。

二、科学的方法提高学习的效率

1、兴趣法。钢琴弹奏即是以钢琴的音乐美为核心,以全身多种器官和肢体的协调配合、手指的独立运用为基础。由于钢琴音域宽广,和声效果丰富,共鸣体大,所以又是最理想的多声乐器;因此在学生弹奏钢琴之前,应向学生讲述钢琴弹奏的价值、作用极其特殊魅力。

2、示范、讲解法。是在钢琴教学中被普遍采用的有效方法之一。特别是在初学阶段更显重要,准确的示范弹奏,使学生对新乐曲或练习曲的性质、风格、技术类型和特点有一个初步的印象:优美的旋律、娴熟的技术,技巧还能提高学生兴趣。所以在此阶段中,教师应先作详细的准确的弹奏,然后再讲解弹奏要领,指出重点的技术困难之处,教给学生怎样克服技术困难的具体方法,最后根据旋律调式调性的转换和所表现的不同风格特点进行讲解,并选用适当的力度、速度做出示范,进行讲解。其顺序按左右手分别进行。使学生对所学乐曲、练习曲弹奏的技术、技巧有一个非常清楚的概念。

3、模仿法。钢琴的教与学实际上就是一种技术与技巧的模仿和掌握。所以在钢琴教学中,对于一些基础性的或较难掌握的弹奏技术,我会采用示范的形式与学生共同练习,这种教法可以使学生在肢体协调弹奏和较难掌握的技术方面建立起正确的感觉。这种既实际又直观的教学方法可以使学生在该阶段少走或不走弯路,准确的掌握弹奏技术和技巧。

4、分解法与完整法。根据乐曲或练习曲的特点,教学生学会分手、分句、分段、分声部练习,学会把乐曲或练习曲中的难点抽出来单练,这样把乐曲或练习曲进行分解进行一个局部的单独联系,或是在已弹好整体的前提下,对特殊技术难点集中力量,单独攻破;或对某一乐曲弹奏上进行精雕细刻;或对某一和声关系的细微变化、不同声部力度布局上的适当控制等耐心地分解练习等等。这样做既可以为合手练习铺平道路,还大大缩短了整首乐曲的练习时间,达到了事半功倍的效果。所以说这种方法在提高弹奏质量阶段是最有效的教法。

5、正误比较法。教师在正确示范的同时,还可以适时地选择典型的错误弹奏进行演示,目的在于让学生通过眼看、耳听、心想、脑记,对正确的弹奏与错误的弹奏进行比较,以提高学生的鉴别力和感知力。

6、衔接法。是遵循节奏的韵律,将几个局部的弹奏技巧连接起来,形成一条整体的、有机的、连贯的最佳弹奏状态。衔接法主要解决音与音、句与句、段与段之间的相互连接。把前一小节最后一个音与后一小节第一个音按拍子连续弹奏、反复练习,是提高整条曲子弹奏质量的有效方法。不少学生弹奏由各自反复的两段组成的乐曲时,都处理的太随意,不是衔接过紧,显得仓促,就是停顿过大,失去整体感。所以衔接法的正确运用可以避免弹奏中一些不该出现的错误发生。

7、音乐练习法。在第二阶段,切不可忽视音乐练习的方法。通过听所学曲子的旋律,有助于培养学生的节奏感和音乐感,还能激发学生内在情感的发现。教学过程首先要求学生听几编所学乐曲,使学生心中有歌,然后采用相应的触键方法,结合弹奏练习,也就是把如歌的旋律从心中转移到手指上。

三、讲解作品背景及作者的生平使学生对乐曲的把握更具表现力

在教学的过程中,尽可能多的介绍一些作者的生平,比如作者出生的年代,在什么情况下创作了该作品,其音乐表现的动机是什么,抒发一种什么样的感情,通过这样生动的描述使学生对该曲目产生一定的兴趣,另外,对把握乐曲的性质有很重要的作用。

以上是我自己这些年来对钢琴教学的一些浅谈。对于钢琴教学来讲,我还需要在日后的工作和学习中不断的提高。选择钢琴教学是我一生的追求,希望通过“专业的、快乐的教学方法”使每个孩子的音乐路越走越远。

钢琴教学心得2

从教来,接触过许多家长和琴童,我始终在寻找一种来自心灵对音乐得到滋养的“快乐教学法”。幸运的是我参加了中央音乐学院“全国钢琴音乐教师认证培训”的课程,从中真正感受到了应该如何培养一个快乐的孩子,快乐的钢琴家,快乐的艺术大师!

参加培训的每一天,都能够感受到“享受性”的授课。周海宏教授讲的“儿童音乐教学中的心理问题析解”,深刻剖析了儿童在学琴过程中的心理状况,如何使他们自觉练琴、如何享受音乐;李昕副教授讲授的“规范钢琴教学的重要性”,讲述了非常实用的钢琴弹演奏技巧;刘红妍老师讲授的“钢琴艺术史”,深入浅出的讲授了各个时期的音乐大师及历史背景;彭佳老师讲授的“复调作品”,深入分析了复调作品的弹法和调性把握;宁楠老师讲授的“音乐基础知识趣味教学法”,讲解了如何进行引导性的趣味教学方法。这使我从中收获了很多,下面我浅淡几点从中学习的感受和体会:

一、要培养正确的弹奏姿势和练琴方法

从小学会用科学的弹奏姿势弹琴,这样才能逐步体会到正确地运用身体的重量和力量来触键和发声,提高弹奏的准确性。

在练习方法上,我认为在刚开始学习一首新曲时需先慢练,逐渐在熟练的程度上加速,最后根据乐曲要求速度弹奏。慢练的目的在于要求学生能综合乐谱上的信息,教准确地弹奏,减少因能力不足而产生的弹错音,逐步培养视奏能力和听辨能力,巩固手型和基本技术。

二、建立师生感情,消除学生上课的紧张情绪

学生上钢琴课都是带着极大的好奇心,同时也带有一定的紧张情绪,担心自己弹不好,担心家长指责。因此,作为把孩子引进音乐大门的启蒙教师,就要帮助孩子消除紧张情绪,建立师生之间良好的感情,让孩子从心理接受老师的引导,培养他对弹钢琴的兴趣。

对于孩子,特别是胆小怕事的女孩,我主动地亲近她,鼓励她,在弹好一课后,予以表扬,使其对钢琴没有紧张的情绪,同时在弹琴的过程中也学会了放松。

三、合理安排好每一节课的内容

每次上课,在回课的基础上,重点解决重点和难点的问题,使孩子明白在这一课里出现的问题,到下一课中也同时能得到解决,遇到问题就解决掉。

同时,我适当地示范弹奏,增加学生对乐曲的感性认识,更明确地体会到弹奏要点。每次示范,速度要适当,力求准确、鲜明、吸引人。孩子模仿能力强,对示范的印象十分深,常常会出现教师无意之中让孩子把自己的习惯动作学了去,鼓励学生创造性地弹奏,勇于表现自己的个性特点。下课之前,用三言两语给学生小结一下,肯定他这节课的进步,指出努力方向。

四、因材施教,掌握进度

贯彻因材施教的基本原则,针对学生的特点进行有区别的教学。采取有效措施使每一位的学生都能得到充分的发展。一般说,不同兴趣爱好的学生学习钢琴的起点是不一样的,加上他们天生的音乐素质、生理条件、反应能力以及对音乐的悟性等方面的差异,用统一的教学模式肯定是行不通的,教师必须在兼顾普遍性的基础上更加注重特殊性,对每个学生具备什么样的条件,综合素质怎样,做到心中有数,才能迅速找到适合不同学生的教学之路。

对待注意力不集中的孩子,在教学中,可以采取多暗示、提醒、引导的方法,对待胆小、反应迟钝的学生要更加注意师生的情感交流与互动,激励他们积极参与思考,勇于表现自我,培养自信心;根据学生能力不同,在教材的选用、教学方法、教学进度等方面有的放矢,扬长避短。在达到练习手指目的的一首曲子里,可以选择一些孩子们耳熟能详的儿歌或者世界名曲,激发孩子的演奏欲望。

五、调节学生对音乐学习的积极性

现代心理学对情感的调节功能的揭示,为钢琴教学开辟了一条通过非智力因素改善促进智力因素发展的直接通道。正如前苏联教育家苏霍姆林斯基所说:“我一千次地确信:没有一条富有诗意的感情的和审美的清泉,就不可能有学生全面的智力发展”。学生在钢琴学习时的情绪兴奋性,即情绪的一般唤醒水平,应控制调节在适中的程度,以利于钢琴演奏技能的操作。在钢琴教学实践中,问题往往不是如何降低学生的情绪兴奋性,而是怎样提高它,以达到适中的程度。在这里,教师通过发挥情感调节功能来控制学生的情绪兴奋性,是一条极为有效的途径。

例如,在钢琴教学中,可时常采取讨论式的授课方式,这无疑是对“一对一”个别课的补充。这种课堂讨论可以用多种形式、多种内容进行:可以在教师的引导下,就钢琴学习的各种问题展开讨论,让学生去听应该用哪种声音或者触键更好的弹奏。它的优越之处在于,课堂情绪气氛愉快,形式活泼,内容丰富,视角广阔。学生可以敞开心扉无拘无束地谈自己的看法,还可以通过口头发言把自己平时的感悟体会总结成理性认识,更理智地指导练琴。

通过音乐拨动学生的心弦,丰富学生的审美感知,得到美的享受,丰富自身情感。通过各种音响和“通感”作用引发学生的情感,使学生全身心地融于音乐作品中,直接强化学生的钢琴学习行为,从而达到良好的教学效果。

以上是我对钢琴教学方面的一些浅谈,其实,在钢琴教学过程中,由这些功能所发挥的各种作用是相互联系、相互制约、相互影响、相互渗透的,从而构成了一个复杂的教学情感回路的动态网络。如何认识和利用这一网络,充分把握情感的教学功能,从而优化钢琴教学效果,切实提高钢琴教学质量,是一个融科学性、艺术性、教育性于一体的综合问题,从某种意义上说,代表了现代钢琴教学改革的一个重要方向,它需要我们不断地从理论上加以研究,从实践上加以探索。

钢琴教学心得3

一是培养学生学琴的兴趣。教师要设法在教学中启发学生的音乐想象力,唤起他们的音乐感受力,进而点燃他们的音乐表现欲,激活他们的音乐创造力,让他们通过学琴有所感,有所想,有所悟,有所为,从而在品味音乐和诠释音乐的过程中,体会到学琴的真正意义。

二是尊重差异,目标适度。学生的音乐天赋、心理发展、年龄、性格各不相同。教师要注意针对每个学生的特点,在教材的选用、教学的进度、授课的方式上灵活安排,设立切实可行的目标,既要做到增强学生达标的信心,又要让学生明白为成功必须作出的努力;既能照顾到学生的兴趣,又能保证学生学有所获;既能在练琴的过程中感觉到一定的压力,又能体会到付出后所带来的快乐。

三是善用激励,着眼发展。弹琴确实不是一件容易的事情,任何一个学生都希望自己练习的结果能获得教师的肯定和表扬,而这是学生最好的学习动力。因此,教师应善于捕捉学生身上的闪光点,对学生的每一个进步给予及时的肯定,并不断激励和鞭策学生朝着更高的目标迈进。

四是采用多种教学形式,丰富教学课堂。教师可以为学生选取一些四手联弹、双钢琴曲,让他们体会合奏的快乐;可以经常和学生一起欣赏优秀钢琴家的演奏录像、聆听钢琴大师的CD,提升学生对音乐的鉴赏力;还可以定期同学生和家长们进行交流,畅谈学生的学琴经验和心得,或者举办小型的音乐会和汇报会,让学生们体会舞台上的激情。

随着人们生活水平的提高,有钢琴的人家越来越多了,许多父母也开始让自己心爱的孩子学谈钢琴,学谈钢琴不仅丰富了生活,促进了身心健康,增加了音乐修养,还能从美好、高尚的音乐之中不知不觉的陶冶了性情。通过弹奏的训练,也能锻炼孩子克服困难的毅力及培养良好的学习习惯。由于弹琴必须要手指动、耳朵听、眼睛看、脑子想……,这就发挥了听觉、视觉、触觉等多种感官综合作用,刺激了脑细胞的发育,提高了孩子的观察力、理解力、听辨力、记忆力、想象力等等,使孩子的智力得到提高。面对如此多的孩子和家长,如何教孩子们正确的演奏钢琴是很重要。我翻阅了很多资料查到,通过弹奏的训练,能够锻炼孩子克服困难的毅力及培养良好的学习习惯。由于弹琴必须要手指动、耳朵听、眼睛看、脑子想……,这就发挥了听觉、视觉、触觉等多种感官综合作用,刺激了脑细胞的发育,提高了孩子的观察力、理解力、听辨力、记忆力、想象力等等,使孩子的智力得到提高。因此有人说学习音乐,练习弹钢琴能使孩子更聪明一些。使孩子可以通过学习钢琴受益一生.我以自己教学的经历,以及自己在不断学习中总结的一些经验和心得体会,总结出青少年钢琴当前三个比较突出的问题,第一个方面是青少年钢琴教学中儿童的心理,第二个方面是钢琴演奏时常见的问题以及解决方法,第三个方面是要根据儿童的区别来进行不同的钢琴上课方式。

首先来谈在青少年钢琴教学中儿童的心理,因为幼儿及青少年时期有其特殊的心理表现,所以钢琴教师必须熟悉儿童心理学与教育学 。只有这样,才能根据儿童心理特点搞好钢琴教学。

一、培养青少年音乐兴趣的重要性

爱因斯坦曾经说过:“我认为,对一切来说,只有热爱才是最好的老师,他远远超过责任感。”学习音乐也是如此,只有对音乐产生浓厚兴趣,才能孜孜不倦、持之以恒地去追求音乐的最高境界,教育心理学指出,兴趣对于人的学习、工作等一切活动都有明显的促进作用,它可以成为学习与工作的巨大动力,又可激发一个人的创造性才能。对于青少年来说,兴趣的培养则更显重要。因为幼儿及青少年时期心理发育尚不完全。缺乏意志力与责任感。虽然他们的好奇心很强,但如果不能及时将好奇心转化为对音乐的浓厚兴趣,久而久之必然对枯燥的指 法与音阶练习等产生厌烦情绪。有些家长和教师不注意对孩子兴趣爱好的培养,只是一味地逼迫孩子硬学,结果有的孩子不堪忍受而将钢琴砸烂堵也曾有所闻。儿童最容易接受生动活泼、感染力强和富有情趣的事物。为了开启幼儿学习音乐的兴趣大门,教学中应采取启发、诱导、激励的方法培养和加深幼儿对音乐的兴趣。比如幼儿喜欢形象思维,无论教识谱,还是教演奏,最好多用一些比喻方法。在弹奏标意性乐曲时,教师在范奏前最好用形象的语言或用童话故事的形式,将乐曲的内容、情境讲给孩子。另外家长也可有意识地多给孩子听磁带、唱片、或多让他们看一些有关钢琴方面的音乐会录像、观看实际演出等。幼儿多具爱表现、喜欢得到赞扬 的特点。家长、教师平日可采用打分、奖励等方式鼓励他们练琴。对于他们的点滴进步,也要充分肯定。经常举办一些小型音乐会,让孩子们互相观摩、互相找差距,既锻炼了表演能力,又能产生竞争意识。通过以上方法,幼儿会逐渐对学习音乐产生浓厚兴趣,并能自觉地完成教师布置的练习任务,成绩会明显提高。随着成绩的提高同时还会产生较强的自信心,会更加努力地学琴。

二、注意启发儿童的创造性思维

孩子学习音乐的目的不仅仅在于学习音乐本身,更重要的是通过学习音乐开发智力。通过学习音乐,可以使孩子的记忆、协调和集中注意的能力得到发展,为今后的学习和工作打下一个良好的素质基础。教育心理学认为,培养创造性思维能力是发展智力的核心。在钢琴教学中有意识地去启发儿童的创造性思维,不仅可以提高儿童对音乐的理解力,同时对儿童智力的发展十分有益。德国著名音乐教育家奥尔夫所创立的奥尔夫教学法 ,应用音乐教育心理学的原理充分培养人的创造性的一种充满活力的教学法。它充分调动了一个人的一切感觉器官来接触音乐,也就是充分感受,在此基础上再让学生充分进行表达。比如相同的一个节奏型或一段旋律, 可根据个人的不同感受演化成各种不同的动作表现,强调并鼓励哪怕是细微的与众不同之处。在幼儿钢琴教学中也是如此,如果只是死板地让学生按乐谱的要求去弹奏,必然扼杀了学生的创造力。教师应该用生动形象的语言帮助学生分析旋律所蕴含的情绪与思想,启发学生的创造性思维,丰富学生的想象,帮助学生建立音乐形象。通过准确的范奏,让学生

充分感受音乐的内涵,然后让学生根据自己的感受去弹奏,充分创造与发挥自己所感受的音乐形象。有的教师只注意了学生技艺的训练,而忽视了创造力的挖掘,忽视了音乐感、节奏感的培养。只有充分启发创造性思维,才能通过丰富想象充分理解音乐内涵,才能提高音乐感、节律感等音乐素质。 儿童钢琴考级比赛中所暴露的一些问题也说明了这一点,比如有许多考生在演奏技艺方面尚不错,但音乐感、节奏感极差,使乐曲显得空洞、枯燥、乏味,没有一丝活力。为了充分发挥幼儿的创造性思维,提高对音乐的理解力以及音乐感和节律感,作为教师本身也应充分发挥创造性思维,用一些直观、生动、形象的手段,充分 调动学生的感官,激发他们的创造性。例如可以制作一些形象的教具,以游戏的形式让学生自己去认识各种节奏谱。另外也可通过一些人的画面介绍音乐内容,使学生通过视觉配合听觉来感受音乐形象。反过来通过听音乐产生联想,让学生以音乐形象产生联想,让学生将其感受到的音乐形象画出来,也是启发学生创造性思维的 好办法。总之,让学生充分感受音乐再充分表现音乐,激发学生用创造性思维方法学习音乐,可以起到事半功倍的作用。

三、因材施教、循序渐进

青少年正处于生理与心理上的发育期,各年龄段间及同年龄段每个少儿之间都存在着很大的个性差异。一律用同一模式进行教学,很难收到理想的教学效果。因此在教学过程中根据每个幼儿的不同特点,因材施教、循序渐进也是不可忽视的一个方面。由于每个少儿在家庭环境、生活习惯、兴趣爱好及性格特征方面都有一定的差异。因此幼儿钢琴教师有必要了解每个幼儿的不同特点,这样才能作到“对症下药”、因势利导。比如有的男孩子脑子很聪明,但特别好动,上课时常不能集中注意力,有的女孩子自尊心特别强,非常敏感。教师略微批评她一下,便会哭闹不止。很显然对这样的孩子不能过分批评,然而也不能对其错误置之不理。每堂课对他们的点滴进步都要给予充分肯定,同时有计划地指出他们弹奏中的错误,且用非常温和的语气讲:此处如能弹 得更优美一些就好了。孩子们很乐于接受这种语气,很快就能纠正错误。有的家长看到比自己孩子后学的都已赶在前面,非常着急,不时训斥,甚至打骂和强制孩子练琴。有些教师也往往缺乏耐心,动辄对孩子严加训斥 ,甚至拿根小棍敲击孩子的小手。久而久之许多孩子不仅产生了逆反心理,厌恶学琴,更有甚者一听要上钢琴课,就会产生恐惧心理。这样的心理状态还怎能学好琴呢?对这样孩子只有耐心地启发和培养他们对音乐的兴趣,让他们轻轻松松地上好每一堂课,并能轻轻松松地完成布置的练习任务,增强他们的自信心。这样做同样也能使孩子们在学习钢琴中得到良好的艺术熏陶。

其次来谈幼儿钢琴演奏时常见的问题以及解决方法,儿童学琴从一开始就必须对手指弹奏进行正确、严格、系统的要求,把一些弹琴的“常见病”解决在萌芽状态之中,从而打好钢琴演奏技术的基础。这一点,无论对于专业学琴还是业余学琴同样重要。下面仅就儿童初学钢琴常常出现的弹奏错误,谈谈产生的原因及解决的具体方法。

一、瘪指:弹奏时手指第一关节塌陷,我们称之为“瘪指”或“折指”。这种手指凹状几乎是每一个学琴的儿童都可能出现的毛病。瘪指使手臂的力量不能通畅地到达指尖,造成手指、手腕、手臂的局部紧张、僵硬,使手指不灵活而直接影响速度与力度,影响发音与音质。

解决方法:①多加强断奏练习,即每弹奏一个音都采用手臂放松掉下来的动作,体会手臂重量是如何自然地从肩膀垂下来的。然后由手指第一关节在琴键上稳稳地“站住”,训练指关节支撑手臂重量的能力。②触键时手指各关节必须凸出,不能凹陷,手形保持握球状,指尖要有向里抠抓东西的感觉,逐渐增强指关节承受重量的能力。③“指尖站立”要意念在先,在手指触键前,思想准备要充分,注意力集中,慢慢地、一个音一个音地认真专心对待,持之以恒。这是克服瘪指的关键。相反,懒散、机械,任其“自然”地触键,就会一无所获,错误依旧。

二、拇指夹指:有些初学钢琴的儿童拇指紧紧地往里夹,拇指尖使劲向外翘,拇指不能自如地上下起落,而是靠压腕子来弹奏。造成拇指夹指的原因,是“虎口”处紧张地抽紧,使拇指僵硬地“躺”在琴键上,形成用拇指关节或整个拇指外侧笨重地往下“压”奏的错误弹法。这种弹奏势必造成拇指和手腕的紧张,出现不均匀的重音现象。同时,外翘的拇指尖经常会不由自主地“刮”着邻近的琴键,造成发音不干净。拇指夹指使整个手掌开度不够,难于弹奏音程距离远、跨度大的音与和弦。

解决方法:①纠正手型。“虎口”放松拉开,拇指掌关节(第二关节)作支点,第一、第二关节凸起,拇指尖向里弯曲呈弧形。②用拇指尖的外侧点状触键,正确地站立弹奏,而不应该用拇指关节甚至整个拇指侧面大面积地躺倒弹奏。③有意识地训练拇指做好向上抬起的预备动作,使拇指能够自如地、有所控制地弹奏,有效地解决十指音色统一、音量均衡的问题。

三、无名指不独立:无名指(4指)灵活程度先天地差于其他各指,它与小指、中指的肌肉互相牵连。4指弹奏时,如果过分强调它独立地高抬指,势必造成它的紧张,并连带其他各指乃至手腕、小臂、肘、肩等部位的紧张连锁反应,使4指与相邻音衔接时,出现音与音之间距离不等、力度不均匀的“瘸腿”现象。

解决方法:①在保持正确手型基础上,训练4指抬指时,可以允许相邻的手指自然地相随运动,让4指松弛自如地起落。如:弹下3指,抬起4指,小指可随4指、3指可随4指自由抬起。②多做3指与4指、小指与4指的连奏练习。通过训练,使相牵连的肌肉逐渐自由独立,使4指与相邻的手指连奏时,控制力增强,均匀、流畅地走动与跑动。

四、小指掌关节塌陷与僵立:大部分儿童都程度不同地出现小指像小棍儿一样躺倒在琴键上,或者为让其站立采取方法不当出现的另一极端现象——小指僵直地。拄在琴键上。

解决方法:①小指弹奏时,小指掌关节(第三关节)一定要鼓起,作为支点撑住整个手的重量。小指的第一、第二关节也要松弛自然凸出。任何一个关节的塌陷都会造成紧张、僵直。②纠正毛病时一定要慢练,静下心来,默念“鼓起、站住”的指令,反复练习,久而久之,就会收到事半功倍之效。

五、颠腕:经常会见到孩子们在作手指连音走动或跑动时,出现手腕一颠一颠的现象。让人感觉不是手指而是手腕在弹琴,这种弹法十分有害。由于腕部紧张,使手臂的重量向下输送时

被腕子截住,手在失去重心和力量来源后,就会显得软弱无力,被动、生硬地触键,而手腕却不得不代替手指疲于奔跑,造成小臂紧张、腕子笨重地上下颠动。这种错误的后果是指尖无力,声音发飘或僵硬,从而影响手指的力度、速度,长此以往造成手臂、手腕肌肉的紧张酸痛。

解决方法:①打好连奏基础。连奏如同手指在键盘上“走路”。一个手指弹下去支撑住以后立即放松,然后把手臂重量转移到下一个手指尖,在第二个手指弹奏的同时,前面的手指就可放开。指与指之间一定要交接清楚,如同接力赛跑,后来者不接住接力棒,前者一定不能撒手。②手腕放松。手腕是手臂与手指连接的桥梁,是手指完成各种弹奏技巧的“调节纽带”。这一关键部位的松弛与否直接影响到手臂与手指的松弛程度和灵活程度,进而影响到整首乐曲的流畅,因而手腕一定要柔软放松。③手指独立。让儿童手指独立连奏时,如果立刻不让手臂跟着动,他们往往手臂马上僵硬,手腕容易帮着颠,这样效果不好。可以先允许他们带一点儿手臂动作去连奏,但是,脑子一定要清楚,那就是连奏时,手指动作是主动的,而手臂、手腕是被动的。不能以手臂、手腕代替手指去弹奏。然后一步步地逐渐减少手臂的力量,逐渐加快连奏速度,直至达到手指独立自如地在琴键上跑动。

不论是专业学琴还是业余学琴的儿童,对待他们初学琴所出现的各种弹奏错误,决不能因其年龄小而放任姑息。要知道,任何弹奏毛病绝对不会随着年岁增加而自然消失;正相反,如果任凭错误弹奏方法反复加固定型,成为痼疾,就很难改正了。所以我认为这在教学当时是很重要的环节。

最后来谈一下如何根据儿童的区别来选择不同的钢琴上课方式。各个孩子由于年龄不一、生理条件又因人而异、学琴时间也有差别,所以对每个人的要求不可能完全一样,教师需要灵活对待。同时,要注意到随着弹奏力度及速度的增加,又会产生新问题,需要在新的起点上继续加强与弹奏有关的生理功能的锻炼。

一、个别课和集体课相结合的方式

钢琴教学一般都是个别上课,但对于年龄幼小的初学的、程度相仿的及弹四手联弹的学生,也可以配合一定的集体课。特别是初学认谱和刚刚开始弹琴的孩子,教师对他们每个人要讲的课差别不大,而几个还在在一起上课就容易消除拘束感,增加勇气,激发情绪,积极开动脑筋。他们争着举手回答问题,轮流上琴弹奏,一起玩音乐游戏,一起猜音乐谜语,轮流着当“小老师”去帮助别人……在活跃的课堂上气氛中使孩子们去掌握应有的知识。

二、个别课要动静结合的方式

“静”是指端端正正的坐在钢琴前弹琴,“动”是指离开钢琴在放大的五线谱表上摆摆音符,跟着教师练练听音,或听着音乐声走走步、拍拍手、敲敲打击乐器、唱唱歌等等,这样既运用了有意注意和无意注意的结合,又在一节课中对孩子进行了听音、节奏、认谱和弹奏的四种训练 。随着年龄的增大及程度的加深,逐渐可以增加“静”而减少“动”,而后过渡到以“静”代替“动”。

三、课堂安排要劳逸结合的方式

教师应当固定下课时间,一般不要超过四十五分钟为好。年龄较小的孩子若坐不住,上课中间还可以稍稍歇息一下喝口水、上上厕所或谈谈心,让孩子恢复恢复疲劳再接着上课。继续上课时,就不再说与上课无关的话及作与上课无关的事了。这样才能使孩子养成注意力集中的好习惯,知道学习不能随随便便、马马虎虎。一般来说,女孩子要比男孩子容易坐的住一些。教师要根据每个孩子注意力集中的时间去相应的逐步延长,如开始是十分钟更换一下上课形式或休息,逐渐延至十五分钟,二十分钟。即使是少数很能做的住的孩子,至多上一小时课也一定要休息并鼓励他去玩耍,以缓和脑力、视力、及肌肉的疲劳。

少儿正处于生长发育时期,生理条件与成人又很大差异:个子矮、手臂短、手小、手腕、手掌及手指的骨骼、关节及肌肉等比较软弱,力气有限。较大年龄的初学者在弹奏中所能作到的,对于孩子并不那么容易做到。如果在教学中忽视了幼儿生理条件,可能就会由于不恰当的教学方法,使学习受影响,甚至导致弹奏中的某些毛病。孩子的手臂短,如果弹奏时音域过宽,孩子的手够不大,比较吃力,就容易边弹边在座围上左右挪动,这样就容易影响弹奏的质量,并且妨碍了上半身对于弹奏的适应性。有的孩子为了能够谈到较远距离的琴键,身体下趴或歪扭、腰部塌陷、不自觉的把脚抬起来,这样就失去了人体在弹奏中的某些重要支撑点。因此弹奏中要照顾幼儿力所能及的音域范围,比如弹音阶,不要一下子弹四个八度,先弹一至两个八度就够了,年龄稍大一些,手臂长一些,手臂长一些的时候再弹三个八度、四个八度。如果乐曲的音域范围都在中高音区,不妨先把坐的位置移到中央C右边一些,反之就稍左一些孩子的手掌小、手指短,成人弹起来轻而易举的某些音程、双音、和弦等,孩子的一双小手就显得比较费力。因此,在弹奏中,最好选择方便于孩子弹奏的音程、双音、和弦等,或将不合适的简化省略,并以手指伸张和收缩的交替弹奏、远距离和近距离相结合的弹奏来取代于过多的、连续的手指伸张,以免肌肉紧张。有些乐谱的指法不一定都适合孩子,如完全照用,孩子容易发生困难,而产生紧张心理。最好根据孩子手的适应情况,将指法稍作修改,使之既方便于弹奏又利于音乐表现。有时,克服弹奏中的一个难点关键在于修改指法。最初弹奏时,不要过于要求孩子的音量。一双刚刚接触钢琴的小手,那样柔弱,他们还没有足够的力气,也不大知道如何正确的使用力气去弹琴,如果总是说:“声音太小了,大声点,用劲弹……”就容易导致孩子不择手段的去“弄响”琴键,不利于形成正确地弹琴姿势和培养弹琴的舒适感,而且这种不好听的声音被孩子的耳朵听惯了,也容易损害他的听觉。什么是恰当的音量呢?即孩子弹奏时不拘谨,手臂自然放松,手指下落在琴键上基本能站好,声音不压不飘,保持通畅,这就是孩子的自然音量。音量的增大依赖于弹奏方法的逐步掌握、与弹奏有关的生理功能的正确锻炼以及人体的生长发育等等。

以上就是我对少儿钢琴教学的一些心得体会,希望对青少年钢琴教育上做出一点贡献,也祝愿各位教师和家长培养出更多更好的全面发展的优秀人才!祝愿我们国家的音乐文化事业有更加光辉灿烂的前景!

钢琴教学心得4

摘要:一本适合孩子们音乐启蒙的教材,一个孩子喜欢的钢琴老师在孩子学琴的初级阶段起着至关重要的作用。因此在第一课一定要补充对应的乐理知识,不要让孩子们上来就学习键盘,如果对音节没有最初的概念,那么往往会阻碍孩子的钢琴学习未来!

关键词:钢琴启蒙教学;节奏;儿童;汤普森简易钢琴教程放松

一、钢琴教学国内形势

随着中国经济的发展和人民生活水平的提高,钢琴这一乐器在中国逐渐普及。学钢琴的人群年龄越来越小,因此一本适合孩子们音乐启蒙的教材,一个有丰富经验的老师在孩子学琴的初级阶段起着至关重要的作用,甚至将影响孩子一生对钢琴的理解和音乐前途。在启蒙时期,教材的选择会直接影响到孩子对于钢琴学习的兴趣以及基础能力的形成。根据我多年与孩子们的学习,了解到这一时期的孩子具有以下特点:首先,这一时期的儿童学习能力极强,但没有自制能力,他们能够专注上课练琴的时间较短,这一时期的儿童手指机能及关节的弹性都还未成形,这正是塑造孩子手型的黄金时期。钢琴上课是一对一的固定教学,因此不但要求音乐老师具有丰富的教学经验和扎实的钢琴功底,更需要掌握音乐教学和儿童心理学。不但要做良师,更要成为孩子们的“益友”!

二、《约翰汤普森简易钢琴教程》

这套教材在20xx年出版该教材彩色版的同时,与一家动漫设计公司的合作,同步推出了音像制品,他们依据乐谱中的卡通形象制成VCD产品,深受儿童及家长的喜爱,这套教材在钢琴启蒙教学中的使用范围相当广泛。

三、对教材的教学和理解

首先,这本教材是针对3至6岁的儿童学习钢琴时所使用的启蒙教材,乐曲大多短小生动书本以动画人物的形式生动形象使得整本书易于让儿童对乐曲产生学习兴趣,作为孩子的启蒙书籍不管是视觉效果上还是基础知识上都很全面生动。我以小汤第一本书的启蒙教学为例,讲解一下我所认为的启蒙注意要点:学琴是一个漫长的道路想让孩子长时间稳定的走下去。

启蒙老师在第一节课需要特别注意给孩子营造一个奇幻的音乐世界,去打开孩子的空间想象力。比如,在音乐的世界也有规则像我们生活中过马路要遵守交通规则,上课要遵守课堂纪律一样。从孩子们生活中所能接触到的事物慢慢引入钢琴的教学中。在第一课一定要补充对应的乐理知识,不要让孩子们上来就上键盘,对于音符的来历拍号都没有概念,这样往往会耽误孩子后来的教学进度。在小汤的第一页,就标注着钢琴键盘,紧接着就在下方写到“钢琴的键盘排列着白键和黑键,白键的音名是......“很多老师往往忽略了这一页直接让孩子上键盘告诉孩子,最中央的琴键就是中央C。这样会让孩子形成两个误区,1不知道C到底代表着什么意思,跟ABCD到底什么关系2最中间的琴键就是中央C。

小汤第一页第二句话就很清楚的写明白了,白键的音名是ABCDEFG,可以从ABCD歌入手,告诉孩子,钢琴有88个琴键但是只有7个名字,他们都是兄弟姐妹。两个黑键的左边那个白键的名字叫C,然后让孩子找出钢琴上所有的C,特别注意的是最右边的C,两个黑键的左边第一个白键是C,三个黑键右边第二个琴键也是C。让孩子随手按出来,不要刻意去强调手型,先让孩子放松下来,如果孩子放不开,老师可以适当引导,按出琴键,问孩子是否是C让孩子思考。在孩子找出所有C的时候,告诉他们,C我们唱做do,并且带领孩子在每个C上放一个小东西,让他自己找出最中间的C在哪里,让孩子记住这就是中间的C,我们叫做中央C。这作为本节课的第一个知识点。第二个重点,教孩子认识谱子和音符,高低音谱号,拍号等,准确找到中央C在五线谱的位置。在这个环节中相信有一点是每个老师都很头疼的,那就是音符的排列顺序怎么跟孩子准确的解释清楚。在这里老师都会用不同的方法或者图画告诉孩子,我在讲解这一环节的时候,我会拿着画笔,拿一张纸给孩子画五线谱,告诉他们黑色的就是线,线和线的中间,我们简称间或者中间都可以。

音符就是线,中间,线,中间这样排列的。一定要说的笼统一点,不要让孩子觉得有很大的距离感,或者不明白老师到底在讲什么。但是,我会强调一点,在剩下的空白中会有很多我们看不到的线,高音谱号和低音谱号是相互通的,这一点很多老师都忽略了,一定记得告诉孩子,为接下来中央C在五线谱的位置做铺垫。紧接着,相信大多数老师就开始教孩子认识音符,一般从全音符认起,然后开始慢慢引入中央C在五线谱的位置。在这一环节,我的方法可能不太一样。首先,包子一样的音符叫做全音符,有四拍。我会直接引入拍号,告诉孩子看最上面的数字,下面的数字不在第一节课给孩子进行讲解。紧接着,我会教孩子唱doremifaso,引入五线谱时,我会先让孩子记住mi的位置。五线谱最下面线上的音,画一个音符,是mi。之所这样教是因为我问过很多考完专业十级的孩子,你给我写一个中央C看看,很多孩子写出来就是圆圈加一横。对于小孩子,语言和文字的记忆永远比不上图画记忆,所以一定要告诉孩子,音符长这样O。

所以每次我教孩子中央C的时候我会故意把下面那条黑线画很长,让他们觉得,这就是一条线。在第一节课还要对孩子进行拍子的基础训练,我会让孩子站起来走路,平稳的走,快步的走,忽快忽慢的走,这样可以让孩子很容易就理解,什么是准确的拍子。这个很重要,很多孩子在初学的时候对除了四拍的其他拍子不敏感,对拍子的对与错没有明确的认识,就是老师大概是这么喊的,就照着老师的喊不知道为什么,不知道拍子有快慢,这对以后的教学会造成很大的不便。考级的孩子经常有的问题就是拍子不准,这个其实在第一节课就应该灌输给孩子,特别是小汤开始每个都要喊拍子。如果孩子天生节奏感不好,经我的经验发现,走路是最好纠正孩子拍子的方法。平时的生活中都要走路,让孩子在平时的生活中就去观察拍子,生活节奏,把音乐和现实生活联系到一起,反而他们会更容易接受。在第一节课的结尾,引入钢琴的基本手型。

我对于3至6岁的孩子手型,不会特别严格的要求,只要做到三点:1骨关节要突出2一指二指之间成圆弧3手腕要低。在这三点的基础上带领孩子上键盘,在第一课时完成双手大拇指的触键。注意,在第一课时我不会去教孩子抬手腕,我觉得弹琴,找到放松的姿态要比尽早的接触键盘更重要。所以在第一课时给孩子留作业时,我会送孩子俩个跟孩子的手的大小匹配的苹果,告诉孩子,每天都需要拿着两个苹果去进行甩手臂和画弧度,就是活动手腕的练习,每天都能做到,那么接下来,你就可以弹钢琴了。往往留这样的作业孩子的兴趣会很浓厚,甚至在接下来的谈话中他们都拿着苹果听我讲课,觉得很新奇好玩。这些都做到了,我觉得启蒙的第一课我就成功了,那么接下来为下节课正确的弹琴姿势做准备。

四、结语

以上就是我对孩子启蒙教学第一节课的一些经验和心德,启蒙老师很重要,这关系到孩子一生对于音乐的看法和态度。一本适合的教材,一个有耐心有水平的启蒙老师,两者相合便能给孩子一个宽阔的,有吸引力的音乐世界!

钢琴教学心得5

琴路漫漫,非常有幸的与钢琴结下情愿,并成为了童版很多小朋友的钢琴老师,今天静下心来想谈谈我这么多年来关于幼儿钢琴中从初级到高级普遍出现的一些话题,结合自己多年的钢琴教学实践,写写自己的心得体会,希望能与家长。老师们交流,商榷。

一:融洽的师生关系,是顺利进行钢琴教学的前提和保证

我有一个学生曾经告诉她妈妈,罗老师是她最崇拜的偶像,她要努力把钢琴弹好,还有一个小男孩写了一篇作文是我最喜欢的钢琴罗老师。其实举以上两个列子并不是趁机想自催宣传一把自己有多牛,而是激发了我很多的感想,我觉得钢琴老师首先应努力成为孩子的“朋友”————可以无话不说的知心朋友,然后才是“老师”————传道。授业。解惑的老师。因为幼儿的认知水平和理解能力都相当稚嫩,教师要主动的和孩子进行交流对话,所谓“亲其师,方能信其道”,先让孩子对教师的个性。风格等现有一定的了解,不急于直入教学主题,当师生之间产生了一定默契之后再过度道实质性的钢琴教学,通过教师亲切友好的谈话。讲解和富有表现力的钢琴弹奏等教学活动,在不知不觉中,使孩子对老师产生由衷的爱戴和敬佩之情,由此孩子便会心甘情愿的听从老师的教诲和学习钢琴弹奏知识

二:巧妙童趣的介绍钢琴这个庞大的玩具

钢琴对于3至5岁的小朋友来说俨然就是一个庞然大物,幼儿在看见钢琴的时候大脑里肯定有很多疑问:这个大家伙是干什么用的?它为什么会发出这么多大象老虎和小鸟的声音?我是否也能弹好听的乐曲呢?等等,针对幼儿的好奇心,通常我会当着孩子们的面把钢琴的顶盖轻轻掀开,让孩子们亲眼目睹“钢琴的内脏”,然后用他们的小手弹响钢琴,也可由老师即兴弹奏孩子熟悉的小儿歌,这时你会发现孩子们无比的兴奋和激动,原来钢琴是这样的,一些小疑问就自动解决了,孩子的兴趣也慢慢激发起来了,在幼儿对钢琴具有一定感性认识以后,教师就可以抓住机会进行正常的钢琴教学了。

三:斟酌教学语言,化解学习困惑

开始进入钢琴教学阶段了,你会发现由于幼儿的生理。心理尚处于初级阶段,对事物的分析。判断能力还很低,对于一些音乐知识,如读谱。节奏。节拍。手型等等各方面都会另一些幼儿费解,这时教师可以大胆引用幼儿日常生活中常见的事物及动作游戏来比拟。例如:高低音谱号,我会让孩子们自己去想象它像你在哪儿见过的东西?这时他们会说,高音谱号像棒棒糖和小蜗牛,低音谱号像耳朵。很多小孩在学到《玛丽有只小羔羊》的时候会特别的兴奋与激动,似乎在这首曲目里面找到了与他们共鸣的地方,这时教师可以根据这个标题给孩子讲解一个生动好玩的故事,彻底的燃烧起孩子想学的欲望,我记得我的这群孩子中的绝大多数就从这首小曲子爱上钢琴了。等等这些形象的比喻让孩子心领神会,轻松学习钢琴。

四:规范教学行为,提升教学理念

1:边弹边唱,提高视奏和读谱能力

“匈牙利著名教育家柯达伊强调:不先歌唱就开始学乐器的儿童,一生中注定没有音乐。前苏联钢琴教育家涅高兹也说过:学习任何一种乐器之前,学生———无论是幼童。少年。或成人,应当已经在内心掌握了一些音乐,也就是说,他们已经把一些音乐记在脑中,藏在心里,并且可以用自己的听觉听见它。”那我们教师每次指导孩子学习一首新曲时,先让学生认识五线谱,感受音乐的节拍特点。旋律走向及音乐情绪之后就开始尽可能的先让孩子大声反复地唱一段旋律,包括里面的休止符。这样做的结果不仅有利于培养幼儿的读谱。视奏能力,还可以让孩子较快地理解音乐,培养他们的音乐综合感觉。

2:耐心的示范,教师应当成为幼儿最直接和最好的榜样

示范法是钢琴教学的基本方法之一。因此老师应该认真耐心地进行弹奏示范,突出重点,并明确讲解弹奏要领及练习方法等。当教师进行示范演奏时,幼儿受老师潜移默化的影响,并通过不断模仿老师的弹奏动作。触键方法。音乐呼吸及表情处理等,获得钢琴表演的最直观和感性的经验。通过教师的示范引导,使学生将自己的钢琴表演和实际的音响感受结合起来,有助于发展学生的音乐想象力

五:老师、家长、孩子三维一体

在进入钢琴教学以后我想强调一下老师与家长的配合至观重要

l老师与家长:a通常我会在上完第一节课后留时间与琴童父母交流,这段时间可以说和上课同样重要,首先要告知家长每天给孩子养成非常好的练琴习惯,譬如:规定好每天几点开始练琴,对于年纪尚小的孩子最好分阶段练习,时间不宜过长,通常一阶段半小时即可,但在这短暂的时间内一定要高效率的练琴,把喝水。上厕所。吃东西等等这些小动作在弹琴之前先通通做好,然后认真练琴。(b):接下来要把本次上课的重点以及本周的训练要素告知家长,在家里,琴童父母就是孩子最好的陪练老师。(c):学琴路上,家长与孩子的互动非常重要,要知道孩子学琴路上总免不了风吹雨打,坎坎坷坷,这时如果我们琴爸琴妈们能多一些时间陪孩子在弹琴以后做一些小活动以增加他们学琴的兴趣。如:家庭音乐会。四手连弹。编唱小儿歌等等

六:重视手指练习的教学

1:规范音阶琶音的指法

音阶和琶音是钢琴基础教学中的基本内容,从一开始就要建立合理的指法习惯是手指练习的基本要求。我一般不要求学生看谱练,而是从讲解乐理知识入手,配合上听觉,让学生自己找,虽然开始可能慢些,但记忆深刻,不会弹一个忘一个,最后老师可以和孩子一起找出他们其中的一些指法规律

2:“预备”的重要性

在触键发音前手先到位“预备”好,是准确演奏的前提条件。具体的说,远距离的大跳要抽出来单独练习,准确先导,速度其后,从慢练开始,在手指触键发音前,手臂和手指先行到位。有的学生会在某个段落总是弹错音或碰错键,我会把发音前手指先预备到位的要求提出来,让他在错音前停下来,先把手指放到正确的位置。可以先用较慢的练习,手指找到正确的位置再弹下去,几个来回后,在发音正确的基础上加速练习,使学生建立正确的键盘感觉和肌肉习惯。

3:两手独立性的练习

培养两手的独立性是钢琴教学的一个重要课题。即使在一些很短小的乐曲中,也常常会有左手伴奏右手弹奏主旋律的段落,或是左手跳右手连。右手跳左手连的部分,学生常常会跟着一只手走,即:要么两手一样的轻响,要么两手都用一样的奏法。这时首先要告诉孩子两手分别做的不同的动作,分手慢速练习,然后才逐渐把两手放在一起弹奏,加强两手的机体协调性。最难的是要求学生左手轻一些或右手主旋律响一些,我的方法是弹旋律的手在钢琴上正常弹奏,而弹伴奏的手则只动手指不出声音的“无声法”来进行练习,使两手在用力和触键上拉开距离,便于体会两手的独立性,然后再逐渐缩小两手在音量上的差距,直到耳朵听到的音色令自己满意为止。

七:养成聆听的习惯,培养综合性的音乐感觉

耳朵是钢琴演奏者的监视器,也是学生独立练琴时最好的老师。拥有一双灵敏的,善于倾听的耳朵,能够倾听自己弹奏声音的对错。音的质量。音色以及节奏的对错等等,是每一个习琴着宝贵的财富。作为教师的我们不仅要教会孩子们正确的弹奏方法,更要帮助他们建立良好的声音概念,让孩子们知道自己在弹奏中的不足与差距,培养他们自我修行的技巧和能力,他们才会在练琴时进行弹奏动作的自我调整,向正确的方向靠拢。

1:培养学生多声部的听觉

在钢琴作品中除了旋律外,还有丰富的和声。复调。织体。钢琴中这种综合性。多声部层次的特点决定了学生必须具备“立体化”的多声部听觉。所以在钢琴教学的初级阶段,要指导学生学会听长音,听声部等,比如右手要保持四拍,而左手还在弹,可以要求孩子试试看是否还能听见上面的那个音,这时学生的听觉器官会进入一种准备状态,凝神细听,如果我们不提醒他们,他可能就听不见那个长音的保持。所以教师的任务就是不断地向学生发出信号,让他们注意聆听,并告诉他们听什么。怎么听,使他们的耳朵能够在整个弹奏过程中保持积极的状态,起到监督和指导弹奏的作用

2:培养学生的和声听觉

学生在弹奏中同时也要注意聆听和声的变化。因为音乐中和声的序进。色彩。紧张和松弛。游移与肯定,都对音乐的表情起至关重要的作用。比如在一段明亮的和声段落后,紧接着一个柔和色彩的和弦或者出现变化音和转调时,问问学生“这个音写成这样你觉得好不好听呀?”也可以在他弹奏新的和弦和段落前以感叹“真好听啊”来提醒学生注意和声的变化,学生就会逐渐有意识地体会到音乐色彩的变化,感受到音乐表情的细腻转换。

八:了解乐谱的意义有助于提高音乐表现力

1:乐谱所蕴藏的音乐密码

乐谱是体现作曲加乐思的载体。演奏者一个理解并遵循乐谱上的音符。休止。强弱。快慢等音乐标记,并通过这些标记去领会和表现音乐,我八这些音乐标记称为“音乐密码”。我们教师的责任就是帮助学生在学琴的初级阶段就培养他们科学。立体。全面的了解乐谱的意义,引导他们发现“音乐密码”,提高他们的学习能力和学习效率。

2:表现音乐从乐句做起

音乐的旋律总是在流动着的,乐句经过起句推动走向高点(高潮)收束结尾,这是音乐忽而语汇的基本方式。把这些乐句的结构表达清楚,像平时说话一样有语调。语气和呼吸,就能赋予音乐自然的生动性,使之“像说话一样”,我一般要求学生在新功课基本上可以完整弹奏时,就开始要求弹奏的乐句感,我让孩子们把音符串起来用说话的语气弹出像唱歌一样。比如有“落提”连线的两个音,我教孩子弹成“你好”“苹果”的语气语调。

钢琴教学心得6

作为一名钢琴老师,被家长问得最多的问题就是究竟要不要让我的小孩学钢琴?学着有用吗?孩子学琴为啥不像别的小孩那么有兴趣?学了那么久也不见起色?在这里,我也分享这几年钢琴教学所得到的一些经验。

学钢琴究竟对孩子成长有什么帮助?

很多家长都会问,现在升学钢琴也不加分了,究竟我为什么还要花这么多时间、精力和金钱在孩子学琴上呢?

如果你让孩子学琴的目的只是“短视”的升学加分,那学琴就真的“没那么重要”了。学钢琴可以培养孩子的理解能力,接受能力,想象力和创造性思维能力等多项能力,又可以培养孩子气质、智力、灵气等方面修养,等孩子长大后就可以发现与不学琴的同龄人的差异。我教学的孩子,在学业方面普遍都处于他们班级的上游,又因为有机会多参加全校全市的文艺演出等活动,在性格气质方面更受人喜爱。

开发左右大脑

专家发现,如果想培养出智力发达、头脑聪明的孩子,那就必须经常让他活动手指。因为手指的活动能够刺激大脑皮层中的运动中枢,进而促进全部智能的发展。钢琴的练习和演奏都是一种“生动的动态系统”,始终要求听觉的专注、敏感,十个手指在各自独立的前提下积极活动,双手不同动作及全身肢体都要协调配合。可以说,没有任何一个项目能像弹钢琴那样需要大脑协调起眼、耳、口、手、脚的同时参与。这种综合性的活动不仅会锻炼大脑的复杂性,而且能激发人的想像力、创造力。在这样生动的动态系统中持久锻炼,必然对孩子的生理、心理和思维的健康成长产生有益的影响。

钢琴学习拥有无穷精神宝藏

从最早的巴洛克时期的巴赫,到古典主义时期的贝多芬、莫扎特、海顿,再到浪漫主义时期的肖邦、舒曼,无数的音乐巨匠为钢琴写下了数不尽的钢琴独奏曲,这是一笔无价的、具有永恒魅力的精神财富。学习钢琴,就走进了这所完整的音乐学校,就可以亲身接触、直接领受这笔财富。实际上,在钢琴学习中学到的,将不只是钢琴,而是全面提高音乐的感受力、理解力和思维力。

提升气质,锻炼毅力

演奏钢琴需要相对熟练的技术、技巧。掌握技术、技巧需要有规律的、正确的、恒久的训练,这种训练需要毅力、耐力、信心和勇气。所以,钢琴学习对于培养孩子坚强的意志、顽强进取的品质以及踏实、严谨、科学的方法,都有很好的作用。我有一些学生,刚开始来的都是十分调皮,做事常常三分钟热度,既没有耐心也没有专注力。但是学琴1年之后,这些坏毛病都开始减少了,这就是钢琴在潜移默化中对人的积极影响。古人将“琴棋书画”定为必修课,“琴”首当其冲,所以,懂音乐、会弹琴,更能增加一份灵气。

著名教育家苏霍姆林斯基说:“音乐教育的主要目的不是培养音乐家,而是培养人。” 前苏联著名钢琴教育家、演奏家涅高兹教授曾表示,如果能由他决定的话,钢琴应当是每个学生的必修课。

所以我觉得,只要家里有条件,有意愿,就一定要送孩子去学音乐,而钢琴作为“乐器之王”也是能够最全面培养孩子素质的乐器。

学钢琴到底苦吗?枯燥吗?

学习不易,学钢琴更不易,这世上没有一样事情的成功只是靠着运气和随便就可以达到的。读书如此,学琴更是如此。如果你孩子的钢琴学习只是“三天打鱼,两天晒网”,一星期孩子只练琴一次;一听到孩子哭闹不想练琴就心软不练,那我劝你的孩子就不要继续学习了。

“学习的过程本身就是枯燥与痛苦的”,这句话我觉得没错,古人就说过“十年窗下无人问,一举成名天天下知”的古言。

钢琴就是练出来,每天都必须练琴,这是我对学生教导的基本要求。练习的本质就是一种大量重复的活动,而大量重复和枯燥自然脱不了干系。如何要让优美动人的音乐从指间下流淌出来?过程是及其艰辛的,没有捷径,只有时间堆砌才能出成果。当你发出噪音,不和谐音符(弦乐),或者单调的音阶,左右手分开一点点的边数谱子上的糖葫芦般一串的和弦又的发现自己忘记升fa的时候,我觉得你会百分之二百会觉得很枯燥。但就像爬山,爬着爬着就看见远处美丽的风景了,爬着爬着就看见山顶的霞光了,什么事情不都是要经历枯燥的过程最后才成功的么?

打败枯燥的办法是保持孩子的学琴兴趣

我觉得学习任何一样事物都要有一份热忱在,这样的兴趣会让你在面对学琴挫折和阻碍的时候还可以继续坚持下去。你也许会说,老师你说得很容易,我的孩子刚开始也对学钢琴充满热情,但是学着学着就没兴趣了,我也不知道该怎么才能再让她提起兴趣?

家长要了解学钢琴中孩子的一段一段枯燥期是怎么产生的?依我的教学经验:首先,随着学琴的进展、难度的加大,孩子开始更不上进度,完不成老师布置的作业,导致挫折感倍增;其次,大量无效率的练琴时间打磨了孩子的练琴兴趣;还有一点,许多家长自己并不懂得钢琴,所以当孩子出现练琴错误、消极练琴的时候,并没有从源头上解决孩子错误的原因,还是一贯的责骂,表示失望,甚至是出现打孩子的现象,这让孩子的练琴兴趣索然无味。

“ 学艺术,不是像学泥瓦匠一样学一门手艺,而是让这个人哪怕最孤独,最具挫折感的时候,活得有尊严,活得自己有乐趣。” 也与各位家长和琴童共勉,愿大家都能从钢琴学习中收获自己想要的结果。

钢琴教学心得7

一年又一年的乐器考级热,使琴童的数量越来越多。面对琴童稚嫩的小手和家长热切的目光,我由衷地感到高兴时,又觉得自己作为启蒙老师的压力很大。如何科学地把这些孩子领入音乐的殿堂,让钢琴真正成为孩子成长中的良师益友?在从事钢琴启蒙教育的教学实践中,我发现目前普遍存在以下两个问题。

一、盲目地追求“快”

浮躁的社会心态所造成家长对孩子的学琴求成心切,盲目追求考级。有的家长要求老师学一年就让孩子考三级,学两年考五级甚至更高。琴童家长相互询问“考几级了”,有的甚至相互攀比,似乎只看考的级数就判断谁的演奏水平高,哪位老师水平好。在这样的心理下钢琴的学生学习态度不踏实,产生了养成了一些错误的练琴习惯,如、有些学生学琴没多久就双手摸谱,于是有些调号的作用常常被忽视,随意更改指法,弹错了音也毫无知觉。不能做到慢弹精弹,毛毛糙糙了事,弹琴的时间不能保证,一周中“两天没练,三天少练,两天狂练”的情形时有发生。有些学生不去注意乐曲的风格,表情、速度、力度等等的要求,死记硬悲,破坏音乐的完整性和流畅性。

所以作为教师我觉得首先要让父母了解学琴的目的,学琴是为了用音乐来陶冶孩子的情操,不要盲目地追求考级,这样会造成孩子的基本功不扎实,拔苗助长、急功近利的思想反而有害孩子的身心发展。也有很多孩子因为专门应付考级而缺乏了对音乐的感受和理解,这种枯燥可想而知。耐心和家长沟通后,让他们在心理上对考级有一个正确的认识,把它当成一个锻炼现场演奏和交流的机会,让孩子大胆地展示自己。

其次,教师在指导时,教会他们规范识谱。对于初学者来说,要强调三个号,即谱号、调号和拍号。年龄小的孩子可以要求他们用铅笔自己圈画出来。根据学习程度教师要合理地渗透一些乐理知识,帮助学生积累。并适当地进行曲式分析,和声分析等,让学生对乐曲有一个整体的认识,掌握乐曲的特征,便于学生理解乐曲。还要讲解一般的指法规律,让学生明白指法的重要性,养成规范的读谱习惯。

在练习方法上,我认为在刚开始学习一首新曲时需先慢练,再加速度,最后根据乐曲要求速度弹奏。慢练的目的在于要求学生能综合乐谱上的信息,教准确地弹奏,减少因能力不足而产生的弹奏错误,逐步眼培养视奏能力和听辨能力,巩固手型和基本技术。但是往往在这样的要求下,有些学生在第一次回课时就会把曲子弹得慢腾腾,死气沉沉,几乎可以说除了音符和指法以外什么都没有。造成的原因是因为速度太慢会使乐曲性质脱节,在练习过程中只有单音印象,则形不成曲调,留不下深刻的旋律印象,因此总练不熟,影响进度,并造成思想不集中。所以不能为慢而慢,我要求学生上课时一定要把乐曲弹得有自己的想法,慢练是适当降慢速度,还应该弹出乐曲的感觉,否则这样的慢练是达不到练习目的的。

二、过度强调技术,忽略了培养对音乐的感受和表现

现在有很多年龄很小的孩子学琴,他们长得非常可爱,而且能够弹一些小曲,但当他们表演时却对乐曲无动于衷。有的孩子只是弹出一些干巴巴的音符,有的孩子是慢吞吞、口中念着“一、二、三、空”地弹一些他自己也觉得莫名其妙的东西,弹错了旋律时不知所措,有的则是每个音都“极认真”地完成把手指抬起来再放下去的任务,有的在弹琴时眼睛四处张望等等。这些都是没有音乐的表现,我认为这样的学习对于儿童来讲是痛苦的、很不利的。

反思我们的教学,孩子在初学时都是充满着对音乐的喜爱和幻想来的,由于我们在教学中的某些要求脱离了孩子身心发展的实际,不多久就造成了“三痛苦”的现象。即孩子学得痛苦,家长陪得痛苦,老师教得痛苦。有时候,我们过度强调了基本功技术和手型的要求,不要求音乐感觉,只要求手指能够站住,指尖有力,这样会让那些年龄小的孩子认为弹琴就是这样枯燥无味的一个个抬指。一旦形成,想要改变这种顽固的概念和习惯需要花费一些力气和时间。儿童的手指大都比较软,如不考虑这个基本的现实情况而强求“有力”必然会造成用手臂推,或靠其他部位帮助用力,甚至靠手指僵硬来达到“有力”的结果。这样的技术要求超出了儿童自然条件所能达到的水准,容易造成手臂和手腕紧张,手臂抖动,而实际的手指未能达到有力。还有些孩子只会机械地抬高手指,造成不能稍快地连弹几个音,就连弹短倚音,也只能弹成,扼杀了音乐的美感。还有的家长叫初学的学生在桌上练手指,而不是接触琴键,结果使一些学生逐渐失去了对音乐的喜爱,造成对弹钢琴丝毫不感到乐趣,只是傻弹。这是极可悲的现象,音乐本是美育的一部分,如此学习则产生了相反的效果。

当然,技术训练并非不重要,正确的方法要反复强练习,并力求使学生能更快掌握。一些纯技术的训练在学习过程中是不可缺少的环节,但不能忽略更重要的音乐方面。

比较好的方法是当儿童初次学习钢琴时,就使他生活在生动优美的音乐之中。教师应弹给他听一些熟悉而短小的旋律,例如、演奏常听的儿歌,和他一起随钢琴伴奏唱歌等形式都是易于儿童所接受的,让他们体会钢琴丰富的表现力,并使他听出钢琴可以发出许多不同的音色等等。可以让他们用手指按出不同音区的音色,在老师的帮助下试着弹一首简短的歌。告诉他们通过学习你也可以很快就能在钢琴上弹出自己喜爱的旋律(尽管他弹的可能是一首很短的旋律)。这样就能让孩子感觉到弹琴的目的就是要把乐曲弹得生动、得意、使听的人受到感染。在美好的音乐熏陶下,孩子才能懂得要想发出好听的声音就得手指站起来,就得支撑住手的重量,而不能趴在琴上。还可以用游戏的方式让孩子来做“勤快手指哥哥和懒惰手指弟弟”的比较,用手臂放松站好与不站起来所发出的声音比较,启发他们时要有明确的声音要求,再加上技术上的指点,示范弹出应有声音的方法。这样他们通过倾听和模仿,在练习时就有了追求的目标,防止了一味的枯燥练习。

在初学时就要求有乐曲性质、越剧、音乐起伏、声音变化等方面的要求。让学生懂得弹琴和说话、唱歌一样,有呼吸、语气、有句子的长短,无论是活泼、欢快,还是婉转、优美、如诗歌如歌的乐曲,都表现一定的内容,即使是简单的几个音也不是没有意思的。有的声音坚定有利,有的轻捷跳跃……乐句也有肯定及疑问等多种语气。当学生懂得这些以后,就会从他所弹奏的乐曲中找到这些感觉并尽力去表现出来。他们会主动把乐句弹得有内容、有表情乐句有走向,句尾有自然结束感,而绝不会弹成单个声音或把句尾弹成重音。他会懂得几个小乐句合成一个乐段后,就会与音乐向前展的要求,并这样去弹奏而产生整体感觉,把各种不同性质的乐曲都尽可能准确表达出来。例如、弹一首进行曲,如联想到队伍前进,当然就要弹的有精神,节奏鲜明,就不会慢吞吞,软弱无力的弹一些音符。又如弹一首摇篮曲,可以联想到静静的夜和母亲轻柔的歌声,从而努力去追求温柔、恬静的声音,而不是干涩、生硬、敲击的声音。若是弹一首圆舞曲,应当启发学生向导三拍子的舞曲,要能在所弹的乐声中起舞。如果学生在弹琴时思想中有生动的形象,动人的曲调,想的是表现音乐内,就能充分调动他们的主动性,使他们的学习过程中不再是枯燥无味,而是充满了音乐。即使是练习音阶也应该有具体要求。如声音饱满、均匀连贯而不生硬、刺耳、忽轻忽重等。总之要避免机械练习,毫无要求。

尽管有时由于初学,有些学生一时还掌握不好,达不到要求,但不要急于求成,只要沿着正确的道路前进,通过较长时间的磨练,加上学生的主动性和教师的耐心教诲,一定能学到技能,取得成果。

我想,许多孩子都是具有很好的乐感,对钢琴是充满兴趣和向往的,这颗心的种子是非常可贵的,作为他们的老师一定要尽心保护它们,发展它们,而不是扼杀。让我们用音乐来浇灌这些幼小的嫩芽,让美妙的音符真正在他们心中绽放。

钢琴教学心得8

20xx年1月参加了中央音乐学院钢琴高级师资培训班的学习后,更加感觉到作为老师不但需要扎实的键盘功底,更重要的是钢琴教学方法的能力,下面浅谈一下我在钢琴教学中根据不同阶段的特点在教法上的一点探索和尝试。

一、因材施教的教学理念

在教学中因材施教尤为重要。针对“白丁”学生,要从培养他们对钢琴音乐的兴趣人手,挑选一些大众熟悉的、容易接受、便于掌握的钢琴小品,如“雪绒花”、“十个印第安人”;对有一定音乐基础、音乐修养较好的学生,应选择一些音乐内涵丰富、富于哲理意蕴的乐曲,针对不同个性、气质的同学则采用不同的方法。比如灵气较足的学生,可选择一些严谨、庄重、表现坚定意志的古典作品,往往有助于发挥他们的优点。这类作品有,“土耳其进行曲”、“前奏曲”等。而对内秀而个性比较拘谨的同学,选择一些热情、奔放,具有某种戏剧性的乐曲,常常可以诱发他们克服自身怯懦的一面,而敢于自我表现。

除此之外还应该扩大学生的音乐视野,这可以通过钢琴课程的学习,尽可能多的使他们从钢琴这一角度去了解音乐史上各个不同时期、不同民族、不同国家的主要作曲家的代表性作品。并通过古典乐派到印象派、现代派等不同风格代表作品的演奏学习,由点到面,点面结合,帮助学生建立起带感性实践特征的风格“类型感”。

而在技术训练上面应该做到抓重点与难点的结合。由于学生的情况不同,其学习的方法和要求也不尽相同。但弹奏方法、基本标准和要求是一致的。必须抓住手指训练尤其是手指流畅性训练作为学生学琴的主要难点加以重点突破,并将其贯穿于整个学习全过程之中。

二、调节学生对音乐学习的积极性

现代心理学对情感的调节功能的揭示,为钢琴教学开辟了一条通过非智力因素改善促进智力因素发展的直接通道。正如前苏联教育家苏霍姆林斯基所说:“我一千次地确信:没有一条富有诗意的感情的和审美的清泉,就不可能有学生全面的智力发展”。学生在钢琴学习时的情绪兴奋性,即情绪的一般唤醒水平,应控制调节在适中的程度,以利于钢琴演奏技能的操作。在钢琴教学实践中,问题往往不是如何降低学生的情绪兴奋性,而是怎样提高它,以达到适中的程度。在这里,教师通过发挥情感调节功能来控制学生的情绪兴奋性,是一条极为有效的途径。例如,在钢琴教学中,可时常采取讨论式的授课方式,这无疑是对“一对一”个别课的补充。这种课堂讨论可以用多种形式、多种内容进行:可以在教师的引导下,就钢琴学习的各种问题展开讨论,让学生去听应该用哪种声音或者触键更好的弹奏。它的优越之处在于,课堂情绪气氛愉快,形式活泼,内容丰富,视角广阔。学生可以敞开心扉无拘无束的谈自己的看法,还可以通过口头发言把自己平时的感悟体会总结成理性认识,更理智地指导练琴。

通过音乐拨动学生的心弦,丰富学生的审美感知,得到美的享受,丰富自身情感。通过各种音响和“通感”作用引发学生的情感,使学生全身心地融于音乐作品中,直接强化学生的钢琴学习行为,从而达到良好的教学效果。

三、注重实际的应用

视奏能力是应该在学习了一阶段后具备的基本能力之一。视奏是在视觉指挥下,实现视觉、听觉、运动觉、乃至于指觉等多方面的生理感觉的瞬间协调与统合。这样一个复杂的在瞬间完成的整合过程,对学生的反应能力是一个极大的考验,随着乐曲的复杂程度的提高,这种“考验”就更加严峻。然而即便如此,这也还是最基本的一种能力的培养。在日常的教学过程中,应该多注重引导式的教学,而不能能老师一贯的教,学生跟着一直学,而这样的后果是,学生对老师总有一种依赖感,对老师没有教过的曲目无法弹奏,所以在培养学生的独立性方面还是应该以多视奏的教学比较好。

在实际运用当中,也不要只教练习曲、古典乐曲、中国乐曲,可以适当的教一些钢琴的即兴伴奏,使学生主动的学习一些自己喜欢的曲目,而老师需要教会学生一定的乐理、和声以及伴奏的肢体,分析歌曲或乐曲的调式调性,从而让学生明白一些即兴伴奏的方法,为选择恰当的和声、伴奏织体等提供依据。提高学生选配和声织体的能力,达到功能色彩与情感内容的统一,做到即兴伴奏能成为主旋律的有力衬托。

以上是我对钢琴教学方面的一些浅谈,其实,在钢琴教学过程中,由这些功能所发挥的各种作用是相互联系、相互制约、相互影响、相互渗透的,从而构成了一个复杂的教学情感回路的动态网络。如何认识和利用这一网络,充分把握情感的教学功能,从而优化钢琴教学效果,切实提高钢琴教学质量,是一个融科学性、艺术性、教育性于一体的综合问题,从某种意义上说,代表了现代钢琴教学改革的一个重要方向,它需要我们不断地从理论上加以研究,从实践上加以探索。

在实际教学过程中根据自己的经验,针对学生不同的情况制定相应的教学计划,因材施教灵活搭配教材,合理地掌握教学进度,使钢琴教学达到满意的效果。

以上只是我个人在钢琴教学中对教材合理使用与科学搭配的点滴心得与体会,仅是一已之见,还有待于在今后的教学中不断地改进和补充完善,也期望能得到专家和同行的指正。

钢琴教学心得9

20xx年是我收获最多的一年,也是幸运的一年,我走上了教师的岗位,从事了太阳光下最光辉的职业,工作上不断地总结,自我感觉有所提高。生活中有了一群活泼可爱的孩子陪伴,使我更加充实,回味起来,真是感谢上苍对我如此眷顾。

一、在教学上个人感悟:

在教学过程中,我不断的创新,寻找最适合中职生的教学方法和沟通、交流方式,我希望学生能够爱学习、爱弹琴、爱唱歌、爱跳舞、爱表现、爱老师、喜欢我。我通过实践得到了一定的收获,我认为要想让学生“学好”必须让学生“爱好”,让他们爱上我、爱上我的课。

1、树立自己的人格魅力,修炼自己的脾气,使学生想亲近你但是又敬畏你。

2、使自己有一把强有力的刷子,修炼自己的能力,让学生觉得你知思涌泉。

3、使自己的教学更有趣,打破传统的教学模式,寓教于乐,让学生乐中学、乐中练。

4、鼓励和激发学生的积极性,表扬和夸奖学生必不可少。

二、课堂上的教学:

为适应学生们年龄不断增加,阅历不断增加所带来的`新的挑战,我遵循因材思教、由易到难、循序渐进的教学方法。

1、将学生分为几大类,不同的学生用不同的教学方法,让每一个学生都能学有所成、学有所获。

2、公平对待每一位学生,采取帮扶教学方式,学习能力强、快的学生,带领其他相对落后同学一对一强化练习和帮教。

3、在弹奏乐曲时,强化教学重点、突破教学难点,重点反复强调,难点强化训练,通过训练学生双手的协调能力大大增加,对音乐的记忆里也都有了明显的进步,学习效率显著提高。

4、在演奏的过程中,让每一位学生都参与演奏中来,我尝试着让一台领奏的钢琴声音响起来,这样也保证了没有同学滥竽充数,也保证了正常的课堂教学秩序。

5、课堂练习时教师来回巡视检查,走到每位同学的面前进行单独讲解,课堂效率大大提高。

三、课后的教学工作:

我明白做一名优秀的教师,在课后是需要下苦工,费心思的。需要学习+探究+总结。

1、多问,多问问自己的同行,问教学方法,问教学中所出现的困难。

2、多听,听取老一辈的意见,听取教师好的方法,听他们的好点子,听他们上的课。

3、多沟通,多与学生交流与沟通,了解学生的掌握程度,把握学生的思想动态。

4、多反思,让学生畅所欲言,从学生所反应的问题中,反思自己的教学,明白自己的不足。

5、多交流,与老师们多交流,与教师们畅所欲言,在他们睿智的谈吐中,积累了很多教育教学的好想法,好点子。

四、自身收获方面

1、对“爱”的教育理念认识更加深刻,能够将这种理念贯穿到课堂上及课堂下,课堂中大加表扬学生的力度,课堂下与学生的交流得更多,师生感情进一步融洽,学生多把自己当成大朋友,每次上钢琴课之前孩子们都欢呼雀跃,作为教师更有种满足感,自己也将再接再厉,来年更上一个新的台阶。

2、不断调整自己教学手段和教育方法,确保因材施教,因人而异。让每一个学生都学有乐趣,学有所成。从内心喜欢钢琴是学生们学好钢琴的动力和前提,因此从自己本身入手,注重课堂每一个环节的精心设计,巧妙的运用精彩的小故事吸引学生,增加了学习的乐趣,增强了学生的记忆力,学生们能在快乐自主的前提下主动学习。乐曲的设置上更符合中职学生的心理特征,旋律动听优美,学生们接受速度快,对钢琴学习有浓厚的兴趣。

3、自身交流方面:通过与学生课后谈话交流、网上聊天及留言,与学生建立了良好的友谊,使我的生活更加充实,并有了成就感和满足感。

展望新学年,我充满了信心,坚信教学工作一定能更上一个新的台阶!乘着20xx年的沉甸甸的期望,再接再厉,继续努力!

钢琴教学心得10

在近七年的教育教学工作中,我认识到作为推动教育事业发展的主体—教师肩负着和神圣的历史使命,必须具有强烈的责任心和良好的师德素质。

现今社会中,有悖师德的现象屡禁不止,如教师急于求成,往往口不择言,伤害了学生的自尊,迟到就不让进教室,做错事就罚打扫除等变相体罚学生,认为将学生分为三六九等,优生笑脸相迎,差生横眉冷眼等等,这样肯定不利于学生的可持续发展。在推进素质教育倡导新教育理念的同时,要求教师提高自身素质,有良好的师德表现,我认为需作到以下几点:

1、深入细致地备好每一节课,熟悉教材,精心设计问题,力求把握重点难点,使课上内容简单易懂,同时自己制作或借鉴网上比较好的教学课件,把传统讲授教学模式个现代教学模式结合。

2、认真上好每一节课,一般第一次上总是感觉不太流畅,我及时从中获得经验,在下次上时更好的讲授好。同时课堂注重学生学习主动性的发挥,培养学生发散思维和创新意识,使其综合能力得到发展。

3、坚持听课,学习师傅和其他老师的教学经验,结合新课程历年,寻求适合自己的教学方法。

4、认真及时地批改作业,从中了解学生掌握知识的情况,从而有侧重的对其强调,扫除自己学习中的盲点,也为课堂效率的提高打下了良好的基础。

5、教育过程中,不体罚或变相体罚学生,要以情感人,让学生认识到自己的错误并改正不再犯,这一过程需一定的方法。

我作为一名新教师,在以后的教育教学过程中,我将努力积累经验,并积极听组内老教师的课,学习他们的教育教学方法,摸索出适合自己的教育教学方式。总之,我会努力成长,争取早日成为一名拥有高素质师德的新时代人民教师。

钢琴教学心得11

作为一名音乐教师,我在钢琴教学方面还是有着很大的特长的,钢琴教学是我最擅长的,在不断的教学中,我对钢琴教学有了自己比较客观的认识,我在总结自己的钢琴教学后,有如下心得体会:

一、讲解作品背景及作者的生平使学生对乐曲的把握更具表现力

在教学的过程中,尽可能多的介绍一些作者的生平,比如作者出生的年代,在什么情况下创作了该作品,其音乐表现的动机是什么,抒发一种什么样的感情,通过这样生动的描述使学生对该曲目产生一定的兴趣,另外,对把握乐曲的性质有很重要的作用。

二、乐感培养是基础和关键

钢琴的演奏是听觉的专注、敏感,十个手指各自独立前提下的积极活动;这种双手不同动作及全身多种器官的配合运用,必须遵循有规律的、科学的、恒久性的训练,努力地去理解音乐、表现音乐,才能掌握钢琴的演奏技艺。

首先,乐感对于学习钢琴的学生来说是很重要的。那么,怎样培养和发展孩子的乐感?

在练习乐曲、音阶和练习曲的时候可以加入适当的表情。如音阶,用有力的断奏来表达一种威严、愤怒;用较慢的连奏来表示一种忧伤;用快速轻巧的指头弹奏来表示欢快随心所欲的情绪等等。这些都是训练孩子带着表情进行弹奏,展示自己表现才能的好办法;对练习曲和乐曲中的表情记号或力度记号做夸张性的弹奏和练习。正如李昕老师所讲的,比如说教授汤谱森《火车》一课,可以很形象的先告知孩子火车跑的声音,引起他的兴趣后,告诉他全音符、二分音符、四分音符的长短,然后火车是怎样由慢到快跑起来的,加入形象的说明孩子会对这一课很感兴趣,接下来就是如何弹奏了。

一般来说,再简单的乐曲或者练习曲,都有可能进行对比,至于对比是力度上,还是在音色或者情绪上,可以请教老师来进行要求;多听、多看、不放过任何表演的机会。要鼓励孩子在适当的场合进行表演,这样可以使孩子得到更好的锻炼,自信心会得到一定的提高。如教师示范、观摩音乐会、听音响资料等方式。通过音乐拨动学生的心弦,丰富学生的审美感知,得到美的享受,丰富自身情感。通过各种音响和“通感”作用引发学生的情感,使学生全身心地融于音乐作品中,直接强化学生的钢琴学习行为,从而达到良好的教学效果。

三、科学的方法提高学习的效率

1、正误比较法。教师在正确示范的同时,还可以适时地选择典型的错误弹奏进行演示,目的在于让学生通过眼看、耳听、心想、脑记,对正确的弹奏与错误的弹奏进行比较,以提高学生的鉴别力和感知力。

2、衔接法。是遵循节奏的韵律,将几个局部的弹奏技巧连接起来,形成一条整体的、有机的、连贯的最佳弹奏状态。衔接法主要解决音与音、句与句、段与段之间的相互连接。把前一小节最后一个音与后一小节第一个音按拍子连续弹奏、反复练习,是提高整条曲子弹奏质量的有效方法。不少学生弹奏由各自反复的两段组成的乐曲时,都处理的太随意,不是衔接过紧,显得仓促,就是停顿过大,失去整体感。所以衔接法的正确运用可以避免弹奏中一些不该出现的错误发生。

3、音乐练习法。在第二阶段,切不可忽视音乐练习的方法。通过听所学曲子的旋律,有助于培养学生的节奏感和音乐感,还能激发学生内在情感的发现。教学过程首先要求学生听几编所学乐曲,使学生心中有歌,然后采用相应的触键方法,结合弹奏练习,也就是把如歌的旋律从心中转移到手指上。

4、兴趣法。钢琴弹奏即是以钢琴的音乐美为核心,以全身多种器官和肢体的协调配合、手指的独立运用为基础。由于钢琴音域宽广,和声效果丰富,共鸣体大,所以又是最理想的多声乐器;因此在学生弹奏钢琴之前,应向学生讲述钢琴弹奏的价值、作用极其特殊魅力。

5、示范、讲解法。是在钢琴教学中被普遍采用的有效方法之一。特别是在初学阶段更显重要,准确的示范弹奏,使学生对新乐曲或练习曲的性质、风格、技术类型和特点有一个初步的印象:优美的旋律、娴熟的技术,技巧还能提高学生兴趣。所以在此阶段中,教师应先作详细的准确的弹奏,然后再讲解弹奏要领,指出重点的技术困难之处,教给学生怎样克服技术困难的具体方法,最后根据旋律调式调性的转换和所表现的不同风格特点进行讲解,并选用适当的力度、速度做出示范,进行讲解。其顺序按左右手分别进行。使学生对所学乐曲、练习曲弹奏的技术、技巧有一个非常清楚的概念。

钢琴教学心得12

钢琴学习的过程中所花费的时间,是否有许多是被浪费掉的,这是一个需要认真研究和考虑的话题。

此话题的中心点就是要研究钢琴教学中选曲精炼、技巧科学、进度安排合理与否等等。

目前中国乃至世界钢琴教学的弊端就在于此。由此导致大批热爱钢琴的学生由于马拉松式的学习和弹奏一些枯燥无味、技巧不断重复的练习曲而半途而废。

一个优秀的钢琴教师,其优秀之处就在于他能在很大程度的根据学生需要,不断地创造、适应和调整他的教学方法。

初级训练如果科学、全面、牢固,学习过程中许多丢掉的时间就可以省下来。

发展学生的音乐听觉,让他们在弹奏中用耳朵来学习音乐,不是用手指来掌握技巧,这也是节省钢琴学习时间的一个途径。

节奏的训练不仅是在培养乐感,也是在培养技巧,这是演奏学习最优化的训练内容。

钢琴教学心得13

琴路漫漫,非常有幸的与钢琴结下情愿,并成为了童版很多小朋友的钢琴老师,今天静下心来想谈谈我这么多年来关于幼儿钢琴中从初级到高级普遍出现的一些话题,结合自己多年的钢琴教学实践,写写自己的心得体会,希望能与家长、老师们交流、商榷

一、融洽的师生关系

是顺利进行钢琴教学的前提和保证(这一点我觉得非常重要) “ 我有一个学生曾经告诉她妈妈,罗老师是她最崇拜的偶像,她要努力把钢琴弹好,还有一个小男孩写了一篇作文是我最喜欢的钢琴罗老师”其实举以上两个列子并不是趁机想自催宣传一把自己有多牛,而是激发了我很多的感想,我觉得钢琴老师首先应努力成为孩子的“朋友”可以无话不说的知心朋友,然后才是“老师”传道、授业、解惑的老师。因为幼儿的认知水平和理解能力都相当稚嫩,教师要主动的和孩子进行交流对话,所谓“亲其师,方能信其道”,先让孩子对教师的个性、风格等现有一定的了解,不急于直入教学主题,当师生之间产生了一定默契之后再过度道实质性的钢琴教学,通过教师亲切友好的谈话、讲解和富有表现力的钢琴弹奏等教学活动,在不知不觉中,使孩子对老师产生由衷的爱戴和敬佩之情,由此孩子便会心甘情愿的听从老师的教诲和学习钢琴弹奏知识

二、巧妙童趣的介绍钢琴这个庞大的玩具

钢琴对于3至5岁的小朋友来说俨然就是一个庞然大物,幼儿在看见钢琴的时候大脑里肯定有很多疑问、这个大家伙是干什么用的?它为什么会发出这么多大象老虎和小鸟的声音?我是否也能弹好听的乐曲呢?等等,针对幼儿的好奇心,通常我会当着孩子们的面把钢琴的顶盖轻轻掀开,让孩子们亲眼目睹“钢琴的内脏”,然后用他们的小手弹响钢琴,也可由老师即兴弹奏孩子熟悉的小儿歌,这时你会发现孩子们无比的兴奋和激动,原来钢琴是这样的,一些小疑问就自动解决了,孩子的兴趣也慢慢激发起来了,在幼儿对钢琴具有一定感性认识以后,教师就可以抓住机会进行正常的钢琴教学了。

三、斟酌教学语言,化解学习困惑

开始进入钢琴教学阶段了,你会发现由于幼儿的生理、心理尚处于初级阶段,对事物的分析、判断能力还很低,对于一些音乐知识,如读谱、节奏、节拍、手型等等各方面都会另一些幼儿费解,这时教师可以大胆引用幼儿日常生活中常见的事物及动作游戏来比拟。例如、高低音谱号,我会让孩子们自己去想象它像你在哪儿见过的东西?这时他们会说,高音谱号像棒棒糖和小蜗牛,低音谱号像耳朵。很多小孩在学到《玛丽有只小羔羊》的时候会特别的兴奋与激动,似乎在这首曲目里面找到了与他们共鸣的地方,这时教师可以根据这个标题给孩子讲解一个生动好玩的故事,彻底的燃烧起孩子想学的欲望,我记得我的这群孩子中的绝大多数就从这首小曲子爱上钢琴了。。。等等这些形象的比喻让孩子心领神会,轻松学习钢琴

四、规范教学行为,提升教学理念

1、边弹边唱,提高视奏和读谱能力

“ 匈牙利著名教育家柯达伊强调、不先歌唱就开始学乐器的儿童,一生中注定没有音乐。前苏联钢琴教育家涅高兹也说过、学习任何一种乐器之前,学生无论是幼童、少年、或成人,应当已经在内心掌握了一些音乐,也就是说,他们已经把一些音乐记在脑中,藏在心里,并且可以用自己的听觉听见它。”那我们教师每次指导孩子学习一首新曲时,先让学生认识五线谱,感受音乐的节拍特点、旋律走向及音乐情绪之后就开始尽可能的先让孩子大声反复地唱一段旋律,包括里面的休止符。这样做的结果不仅有利于培养幼儿的读谱、视奏能力,还可以让孩子较快地理解音乐,培养他们的音乐综合感觉。

2、耐心的示范,教师应当成为幼儿最直接和最好的榜样

示范法是钢琴教学的基本方法之一。因此老师应该认真耐心地进行弹奏示范,突出重点,并明确讲解弹奏要领及练习方法等。当教师进行示范演奏时,幼儿受老师潜移默化的影响,并通过不断模仿老师的弹奏动作、触键方法、音乐呼吸及表情处理等,获得钢琴表演的最直观和感性的经验。通过教师的示范引导,使学生将自己的钢琴表演和实际的音响感受结合起来,有助于发展学生的音乐想象力

五、老师、家长、孩子三维一体 在进入钢琴教学以后我想强调一下老师与家长的配合至观重要

l老师与家长、a通常我会在上完第一节课后留时间与琴童父母交流,这段时间可以说和上课同样重要,首先要告知家长每天给孩子养成非常好的练琴习惯,譬如、规定好每天几点开始练琴,对于年纪尚小的孩子最好分阶段练习,时间不宜过长,通常一阶段半小时即可,但在这短暂的时间内一定要高效率的练琴,把喝水、上厕所、吃东西等等这些小动作在弹琴之前先通通做好,然后认真练琴。(b)、接下来要把本次上课的重点以及本周的训练要素告知家长,在家里,琴童父母就是孩子最好的陪练老师。(c)、学琴路上,家长与孩子的互动非常重要,要知道孩子学琴路上总免不了风吹雨打,坎坎坷坷,这时如果我们琴爸琴妈们能多一些时间陪孩子在弹琴以后做一些小活动以增加他们学琴的兴趣。如、家庭音乐会、四手连弹、编唱小儿歌等等

六、重视手指练习的教学

1、规范音阶琶音的指法

音阶和琶音是钢琴基础教学中的基本内容,从一开始就要建立合理的指法习惯是手指练习的基本要求。我一般不要求学生看谱练,而是从讲解乐理知识入手,配合上听觉,让学生自己找,虽然开始可能慢些,但记忆深刻,不会弹一个忘一个,最后老师可以和孩子一起找出他们其中的一些指法规律

2、“预备”的重要性

在触键发音前手先到位“预备”好,是准确演奏的前提条件。具体的说,远距离的大跳要抽出来单独练习,准确先导,速度其后,从慢练开始,在手指触键发音前,手臂和手指先行到位。有的学生会在某个段落总是弹错音或碰错键,我会把发音前手指先预备到位的要求提出来,让他在错音前停下来,先把手指放到正确的位置。可以先用较慢的练习,手指找到正确的位置再弹下去,几个来回后,在发音正确的基础上加速练习,使学生建立正确的键盘感觉和肌肉习惯。

3、两手独立性的练习

培养两手的独立性是钢琴教学的一个重要课题。即使在一些很短小的乐曲中,也常常会有左手伴奏右手弹奏主旋律的段落,或是左手跳右手连、右手跳左手连的部分,学生常常会跟着一只手走,即、要么两手一样的轻响,要么两手都用一样的奏法、这时首先要告诉孩子两手分别做的不同的动作,分手慢速练习,然后才逐渐把两手放在一起弹奏,加强两手的机体协调性。最难的是要求学生左手轻一些或右手主旋律响一些,我的方法是弹旋律的手在钢琴上正常弹奏,而弹伴奏的手则只动手指不出声音的“无声法”来进行练习,使两手在用力和触键上拉开距离,便于体会两手的独立性,然后再逐渐缩小两手在音量上的差距,直到耳朵听到的音色令自己满意为止。

七、养成聆听的习惯,培养综合性的音乐感觉

耳朵是钢琴演奏者的监视器,也是学生独立练琴时最好的老师、拥有一双灵敏的,善于倾听的耳朵,能够倾听自己弹奏声音的对错、音的质量、音色以及节奏的对错等等,是每一个习琴着宝贵的财富。作为教师的我们不仅要教会孩子们正确的弹奏方法,更要帮助他们建立良好的声音概念,让孩子们知道自己在弹奏中的不足与差距,培养他们自我修行的技巧和能力,他们才会在练琴时进行弹奏动作的自我调整,向正确的方向靠拢。

1、培养学生多声部的听觉

在钢琴作品中除了旋律外,还有丰富的和声、复调、织体。钢琴中这种综合性、多声部层次的特点决定了学生必须具备“立体化”的多声部听觉、所以在钢琴教学的初级阶段,要指导学生学会听长音,听声部等,比如右手要保持四拍,而左手还在弹,可以要求孩子试试看是否还能听见上面的那个音,这时学生的听觉器官会进入一种准备状态,凝神细听,如果我们不提醒他们,他可能就听不见那个长音的保持。所以教师的任务就是不断地向学生发出信号,让他们注意聆听,并告诉他们听什么、怎么听,使他们的耳朵能够在整个弹奏过程中保持积极的状态,起到监督和指导弹奏的作用

2、培养学生的和声听觉

学生在弹奏中同时也要注意聆听和声的变化。因为音乐中和声的序进、色彩、紧张和松弛、游移与肯定,都对音乐的表情起至关重要的作用。比如在一段明亮的和声段落后,紧接着一个柔和色彩的和弦或者出现变化音和转调时,问问学生“这个音写成这样你觉得好不好听呀?”也可以在他弹奏新的和弦和段落前以感叹“真好听啊”来提醒学生注意和声的变化,学生就会逐渐有意识地体会到音乐色彩的变化,感受到音乐表情的细腻转换。

八、了解乐谱的意义有助于提高音乐表现力

1、乐谱所蕴藏的音乐密码

乐谱是体现作曲加乐思的载体。演奏者一个理解并遵循乐谱上的音符、休止、强弱、快慢等音乐标记,并通过这些标记去领会和表现音乐,我八这些音乐标记称为“音乐密码”、我们教师的责任就是帮助学生在学琴的初级阶段就培养他们科学、立体、全面的了解乐谱的意义,引导他们发现“音乐密码”,提高他们的学习能力和学习效率。

2、表现音乐从乐句做起

音乐的旋律总是在流动着的,乐句经过起句推动走向高点(高潮)收束结尾,这是音乐忽而语汇的基本方式。把这些乐句的结构表达清楚,像平时说话一样有语调、语气和呼吸,就能赋予音乐自然的生动性,使之“像说话一样”,我一般要求学生在新功课基本上可以完整弹奏时,就开始要求弹奏的乐句感,我让孩子们把音符串起来用说话的语气弹出像唱歌一样。比如有“落提”连线的两个音,我教孩子弹成“你好”“苹果”的语气语调。

钢琴教学心得14

高师钢琴共同课是一门既要重视实践培养,更要重视理论培养,既要重视技艺培养,更要重视能力培养。作为高师音乐教育。就是要培养出懂理论、有技能、会组织、能教能辅导的音乐师资人才。我们就是要通过钢琴共同课来达到这方面的要求。钢琴共同课的教学对象大多是成年学生,不但年龄参差不齐,而且音乐素质、钢琴弹奏基础、能力都有较大的差异。如何解决好教学中出现的困难和问题,更好地达到教学目的是值得深入探讨的。

一、教学观念的转变

高师钢琴教学不是培养钢琴独奏人才,而是培养从事各种类型,各种层次的音乐教育工作者,包括高师及中师钢琴教师、普通中学音乐教师、综合大学音乐教师、厂矿企业文化生活组织者等。这就要求学生,应有较高的文化素质与综合专业技能。因此,综合能力的训练是极其重要的。这并不要求我们的钢琴教学全是一个模子,而应尝试将钢琴教学法、钢琴伴奏等内容融入钢琴课内,并将思想品质与专业技能的综合提高作为开发学生潜能的重要因素,从而使钢琴课逐渐变为培养人才素质的一门钢琴教育学科,而不单是专业技能课。所以要增设共同课,以适应人才培养模式要求,在教学中要因材施教。这样教学内容的选择就显得至关重要。针对“白丁”学生,要从培养他们对钢琴音乐的兴趣人手,挑选一些大众熟悉的、容易接受、便于掌握的钢琴小品。如“雪绒花”、“快乐的女战士”,对有一定音乐基础、音乐修养较好的学生,应选择一些音乐内涵丰富、富于哲理意蕴的乐曲,针对不同个性、气质的同学则采用不同的方法。比如灵气较足,凭小聪明学习的学生,可选择一些严谨、庄重、表现坚定意志的古典作品,往往有助于发挥他们的优点。这类作品有,“土耳其进行曲”、“前奏曲”等。而对内秀而个性比较拘谨的同学,选择一些热情、奔放,具有某种戏剧性的教材,常常可以诱发他们克服自身怯懦的一面,而敢于自我表现。这类作品有,“冲动”“邀舞”等。

在弹奏曲目上的点面结合。为了扩大成年学生的音乐视野,通过钢琴副修课程的学习,尽可能多地使他们从钢琴这一角度去了解音乐史上各个不同时期、不同民族、不同国家的主要作曲家的代表性作品。并通过古典乐派到印象派、现代派等不同风格代表作品的演奏学习,由点到面,点面结合,帮助学生建立起带感性实践特征的风格“类型感”。可谓“一石三了”。

技术训练上的重点、难点结合。由于学生的情况不同,其学习的方法和要求也不仅相同。但弹奏方法、基本标准和要求是一致的。必须抓住手指训练尤其是手指流畅性训练作为成年学生学琴的主要难点加以重点突破,并将其贯穿于整个学习全过程之中。不能因为是钢琴副科学生就因此而降低标准,应该针对学生的不同情况选择相应的手指训练,通过基本练习,练习曲、各种学生喜爱的乐曲,来达到练习的要求。

精练与泛览的共济互动。在选择钢琴教学内容时一定要注意精心安排精练与泛览的内容,搭配适当,以期提高教学效果,起到事半功倍的作用。精练曲目难度系数要合理,其难度要和学生的演奏水平相当,学生一定要达到较完整、准确地表达乐曲的内容。通过精练上水平,并指导泛览。

泛览曲目的篇幅不宜过长,程度应低于演奏的能力,这样既可以加强视奏能力,扩大艺术视野,又可以巩固和消化精练成果,这二者不可或缺,相得益彰。

二、注重三个方面的培养

教材选择的最终目的,是为了学生音乐素质的提高。围绕着这一核心,我们要注重四个方面来培养:

要注重学生实际能力的培养。有灵活键盘的能力,对于成年学生来说应乐于使用这一音域宽广,表现力强的乐器来发展自己的音乐想象力和创造力。这正像多学一门外语,多一种语言工具一样。只有这样学生才有可能进行歌曲伴奏和教学法的实践与学习。歌曲伴奏是高师钢琴课的必修课。它是一门实践性极强的课程,学生必须通过与演唱者合作,才能提高伴奏的能力。在集体课中以相互唱、弹的方式,在有的学生开拓性强,毕业后因钢琴键盘应用能力强而很快打开工作局面。可有的学生钢琴水平始终还停留在入门阶段,自然就不可能从这门共同课中获得更多的收获。

视奏能力。视奏是在视觉指挥下,实现视觉、听觉、运动觉、乃至于指觉等多方面的生理感觉的瞬间协调与统合。这样一个复杂的在瞬间完成的整合过程,对学生的反应能力是一个极大的考验,随着乐曲的复杂程度的提高,这种“考验”就更加严峻。然而即便如此,这也还是最基本的一种能力的培养。

是对音乐的感悟能力。任何一门艺术离不开感悟,也就是我们通常所说的“悟性”往往有较大的天赋因素,但也与学生早期音乐环境的感染,浸润有关。钢琴共同课所面对的学生大多有过一定的音乐实践,这固然是好的,但也常常因此而放松这方面能力的继续提高。教师要有意识地组织欣赏课,启发学生对音乐进行探素、对比,从而学会发现具体音乐表现中的细微差异奥妙所在。让学生能够从音的轻重、长短、强弱关系中领悟到音乐作品的真知。经过一个阶段的学习,回过头来,发现学生在这方面有了明显的提高,这时教师内心的欣慰则往往是难以言传的。

突出教学内容的师范性。即兴伴奏能力的培养是高师钢琴课的重中之重,目前高师音乐专业增设了钢琴伴奏课,但由于是集体课,人数较多,学生得到的具体指导有限。于是,作为高师钢琴教学内容之一的伴奏教学在很长一段时间内只是钢琴个别教学的附加内容。并没有好好的重视起来。我们应该看到这些问题。并从以下几点人手:要全面的熟悉各种调式、调性的音阶、琶音及和弦。这对学生进行简谱即兴伴奏和转调弹奏极为重要。分析歌曲或乐曲的调式调性、为选择恰当的和声、伴奏织体等提供依据。提高学生选配和声织体能力,达到功能色彩与情感内容的统一,好的即兴伴奏能成为独唱或独奏的有力衬托。

总之,在以综合素质培养为目标的钢琴集体课中,要适时引导学生开展钢琴教学及钢琴演奏的研讨活动,让学生在学习期间养成学习、探索、研究、进取的习惯,为师范钢琴教学的改革与发展作出努力。

钢琴教学心得15

让孩子学习艺术课程是很多家长的选择,对于学习钢琴来说也是很多家长的不二之选,因为钢琴是乐器之王,学懂了钢琴其他乐器也会触类旁通,更是对音乐有更深的了解和掌握,可是现在钢琴培训班水平参差不齐,如果家长选不好学校那孩子学习钢琴就会误入歧途,到头来也会半途而废。学习钢琴应该怎样选择学校呢?

一是钢琴老师很重要。选择钢琴老师是孩子学习钢琴的最重要方面,一个好的老师可以让学习事半功倍,选择钢琴老师最首要的条件就是老师的水平如何。美乐美画钢琴老师都是专业学校本科以上毕业的,部分老师是在目前沧州高校任教的老师,高学历、高素质、高层次的老师保证了高水平的理论和教学方法。

二是先进的教学理念。有人说高水平的老师不等于有高水平的教学方法,是的,我也承认这种说法,但是美乐美画的老师在多年的教学中形成了自己的教学方法。首先我们参加了沧州市儿童艺术教育的课题研讨和研究,在一些刊物也发表了文章。其次美乐美画的部分老师有着5年的儿童教学经验,形成了自己的教育理念。

我们教学理念的不同之处在于以下几点:

一是以培养学习兴趣为先导。大家都知道兴趣是最好的老师,孩子能学好钢琴的前提是对钢琴有兴趣,在美乐美画我们有各种方法能让孩子对钢琴学习产生兴趣,这是我们的特长之处;

二是以规范指法为基础。学习钢琴,规范的指法和动作是基础,没有规范的指法和规范的动作,学习钢琴必然会走向歧途,当然规范的指法和动作,需要高水平老师的指导,一般老师没有这样的基础。

三是音乐理论的灌输。钢琴不是技能,是一种艺术的体现,能谈几首曲子也不会成为钢琴家,真正的钢琴学习者应该是钢琴技巧加音乐理论基础,这音乐理论基础也是建立在高水平老师的基础上,美乐美画非常重视学习中的理论灌输,让孩子从一开始就向着艺术家的方向靠拢。

四是杜绝其他无关活动。当前有的艺术培训学校忽略孩子基础的学习,而是单纯的教授一首曲子,看起来孩子能完整的弹奏一首曲子,好像看起来学习效果明显,其实这样的教学方式不利于孩子的艺术学习,因为孩子这时的基础指法、动作都不规范,而且往往孩子只会这一首曲子,其他相同类型或是难度的曲子对于孩子来说就是无从入手,也就是说根本不会。更是有的学校单纯让孩子学会一首曲子就千方百计的参加北京、青岛等大城市的名不见经传的所谓的比赛,而且是家长自费,孩子的比赛结果往往都是的奖而归,殊不知这样的比赛之所以能成行而且得奖,其中是有原因的,费用的猫腻就不说了,只是谁去谁得奖就是最大问题,其举办者的目的不言自明。这种做法对孩子的学习钢琴有百害无一利。美乐美画不会组织这样的无聊活动,在锻炼孩子的上台能力方面,美乐美画精心谋划了各种活动,今年暑期我们就策划了一次活动,我们拭目以待吧。那如何检验美乐美画的学生的学习效果呢,考级是一个方面,我们根据家长的期待,在孩子考学等重要考试中表现孩子的学习成果。

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