第一篇:斯坦伯格钢琴-世界领先的德国钢琴制造技术
斯坦伯格钢琴-世界领先的德国钢琴制造技术
低调的王者,世界领先的高端制造技术,斯坦伯格制造冲击中高端钢琴市场半壁江山!
十年磨一剑,长久以来默默低调地专注于钢琴音色美学研究,潜心高端钢琴制造的斯坦伯格钢琴公司,自2005年起频频强势出击,为的正是攻占中高端钢琴市场半壁江山的市场份额。
斯坦伯格钢琴公司技术副总裁Wolfgang von Goethe 沃尔夫冈·凡·歌德进一步解析,除“质量问题包换”的金牌承诺外,斯坦伯格一直实施的“音源和机芯三年免费服务”政策继续有效。至此,斯坦伯格钢琴公司成为全行业首家推出“三年免费服务,质量问题包换”标准的专业型企业。
斯坦伯格钢琴公司中国营销总部副总裁Howard霍华德认为此举将引发中高端钢琴市场新一轮的品质竞赛。斯坦伯格公司不断提升服务门槛,从中体现了斯坦伯格对于自身品牌、产品、服务 的多重自信;对消费者而言,购买斯坦伯格钢琴,不仅感受了德国传统钢琴制造技术的厚实与稳重、在体会德国制造先进技术带来的舒适体验的同时,也享受了斯坦伯格公司提供的后顾无忧 超值服务,最大限度地提升了斯坦伯格钢琴的品牌价值;对行业而言,斯坦伯格公司此次的金牌服务升级必将再次促进行业健康发展。
斯坦伯格钢琴公司技术副总裁Wolfgang von Goethe 沃尔夫冈·凡·歌德称,斯坦伯格之所以敢做出“三年免费服务,质量问题包换”的金牌承诺,是源于斯坦伯格对自身制造技术.声音美学研究 实力和产品性能质量的绝对自信。同时,这一承诺也是斯坦伯格保证每一个钢琴演奏者在高端音色表现力、引领行业顶尖水平升级的职责所在。据Wolfgang von Goethe 沃尔夫冈·凡·歌德介绍:过去10年,斯坦伯格公司在技术研发上的投入从来不设上限,从2003年起,斯坦伯格一直是钢琴行业高端人才引进.制造设备与技术研发投入资金最多的企业之一。此外,在钢琴质量控制环节,斯坦伯格制造标准之严苛早已得到众多专家级钢琴教授的公认:2005年,斯坦伯格A6和KU280推向市场以来,中国产区的斯坦伯格Sterinborgh钢琴不断受到世界级钢琴大师 Maksim Mrvica(马克西姆·姆尔维察).Paul Europe Leningrad(保罗欧格勒).Johan Schmidt(约翰-施密特).石叔诚.盛中国.濑田裕子.刘诗昆.(现代肖邦)秦川.盛原等众多专家教授的青睐;
市场人士分析,斯坦伯格公司此次出招还意在施展挤压战术推动行业洗牌。由于高端钢琴售后服务是新兴概念,缺乏明确的质量评价标准,普通消费者很难区分不同品牌和不同产品的优劣。所以,斯坦伯格公司高层认为,斯坦伯格公司此次承诺,将为消费者树立了一个直观可信的产品质量标准。具有过硬技术实力和产品质量的企业才能做出“三年免费服务”的承诺,并在这场升级战中胜出,而技术和产品质量不过关的企业,最终会成为“退潮后的裸泳者”。业内专家高先生表示,斯坦伯格做出“三年免费服务,质量问题包换”的金牌承诺,将使得我国钢琴行业整体水平迅速提高。
斯坦伯格钢琴-领跑行业的德国制造技术
音色:
声音表现力是高端钢琴制造最重要的核心技术;一直以来,斯坦伯格公司致力于钢琴声音表现力技术的研究:从独创的五音递进式拨音法,提高单位音色集中和声音表现力控制量;
到 独一无二的圈环形展音模式,全面提升钢琴音色的表现力。斯坦伯格在钢琴声音美学方面的核心技术领域,已跻身世界领先水平。
文摘: 国家级权威专业核心杂志《乐器》2007年 第10期
<关于德国斯坦伯格Sterinborgh品牌钢琴的数据摘要>:
据悉,斯坦伯格Sterinborgh钢琴品牌的立式钢琴中高端的产品—A60和A80钢琴于近期正式登陆内地钢琴市场。据乐器商家透露,斯坦伯格Sterinborgh新款钢琴在强劲的音色表现力度下中 一高一低音区三者之间的过渡采得非常平均,这点有利于欣赏者的舒适性。同时,A60和A80钢琴沿用了斯坦伯格Sterinborgh钢琴原厂的击弦机和码克/音源设计.
格式:PDF
页数:1 页
页码范围:1-4页
学科分类: 【工业技术】 > 轻工业、手工业 > 其他轻工业、手工业
> 乐器制造工业 > 西乐器 > 键盘、簧乐器
关 键 词:A80 A60 钢琴 舒适性 击弦机
来源期刊:《乐器》2007年 第10期
收录数据库:中文科技期刊数据库
演奏手感:
钢琴的演奏手感也是斯坦伯格公司钢琴技术研究部长期以来致力研究的课题。斯坦伯格公司技术部研究人员对钢琴码克响板材料进行研究分析,不断改进、提高和创智实验,坚持 使用原木材质的码克响板、提高击弦机实木部件的精确数据研究,在引进德国技术同时坚持独立开发的创新技术,使斯坦伯格钢琴的演奏手感舒适度和流畅演奏水平获得整体的大幅度提高。
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《Made In Sterinborgh 往事回顾》之注资和创智:
2008年,当世界级的金融危机袭来,斯坦伯格公司的中方机构敢于注入巨资收购德国斯坦伯格的实力和资本在于:斯坦伯格中国公司本身研发体系的完善和领先将推动2008年以后若干年斯坦伯格制造技术的飞速发展,斯坦伯格中国公司自信不会像有些公司一样反被外资品牌外资企业的沉重包袱所托累。
2008年5月,德国斯坦伯格公司(Sterinborgh GmbH.Germany)首次开放核心技术DE数据库,中方项目团队阅读了6596份文件。通过30多次专家会议,6次现场考察,5次管理层陈述,斯坦伯格中方收购团队开始从核心价值、核心技术方面真正了解斯坦伯格德国公司状况。针对德国公司起草的950多页的合同,进行了6900多处的修改标注。正是这个团队帮助中方机构在2008金融危机最严重时确定了斯坦伯格的估值,并能在随后发展中国家钢琴市场出现回暖迹象时提醒斯坦伯格中方管理层估价即将提高。
但是,斯坦伯格的未来仍将取决于自身的发展。作为专业的钢琴制造公司,产品决定了企业的兴衰成败,而支持产品的是其背后的技术传承、研发、制造、成本控制能力,这些领域突飞猛进的提升成为斯坦伯格近年来迅速上位的原动力,也是斯坦伯格公司敢于创新研究、强势出击高端钢琴市场的底气。
因为创新研究和强势崛起,斯坦伯格一夜之间成为世界钢琴制造业界的宠儿,对这家追求永无止境企业的探求后,“全球奢侈品研究”评论专员席莫林Schmeling发现:穿越创新和成功研发的鲜花和赞赏,斯坦伯格如何完成自身脱胎换骨的转变,更值得所有钢琴制造企业尤其是一些正在衰落的中高端品牌思考与借鉴。
最直观体现这种变化的是产品。早期的优势、创新的豪情,有些国产钢琴以超低价格成为搅动当时乐器市场的鲶鱼,不可否认,那时的中国制造几乎是价廉质次的代名词;同时也给市场带来了不小的冲击。幸运的是,依靠快速发展的市场庞大和复杂,斯坦伯格满足了不少中高端用户换代升级后的需求,完成了在钢琴制造业在中国扎根并坚定崛起的技术提升和产业积累。这种提升和积累更多体现在为生产制造、基地、品牌和管理方面打基础,现在的斯坦伯格已经在研发上已经是大大的有所作为了。
席莫林Schmeling明确指出:简单的收购、复制或模仿不太可能产生这种从里到外的彻底蜕变,R8和KA系列的出炉显示出斯坦伯格已经拥今非昔比的技术实力。
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《追随2008年的脚步 Sterinborgh 往事回顾》[综述 图片 论坛](配置 图库 口碑 论坛)] 斯坦伯格德国制造 & 斯坦伯格中国制造。
第二篇:德国钢琴教育特色
星海音乐学院 钢琴系,广东 广州 510500)
〔摘要〕 我在德国学习期间教了不同程度、不同年龄、不同国籍的学生,从他们身上看到了德国钢琴启蒙教育中的一些利与弊;在回国三年的教学中也接触到一些中国学生,他们当中所存在的问题,和在德国碰到的有很大的差别。本文简单介绍并分析德国教学法中的几个方面,希望我们能把中国好的一面与德国好的一面结合起来,创造出一种符合中国国情而又能使兴趣与规范并存的新的教学模式,为我国音乐的普及教育和素质教育创出一片新天地。
〔关键词〕钢琴启蒙教育;培养兴趣;放松;松紧结合;规范
〔中图分类号〕 G613.5:J624.1 〔文献标识码〕 B 〔文章编号〕 1008-7389(2002)02-0069-04
现在越来越多的孩子学习钢琴,同时也越来越多的老师教钢琴,因此对孩子的启蒙教育我认为是非常重要的。
1999年我回国任教,之前有10年时间在德国学习,其中8年时间我都在教不同程度、不同年龄以及不同国籍的学生,从他们身上我看到了德国教学法中的一些利与弊,现在与大家一起共同讨论一下,也希望为中国的幼儿钢琴启蒙教育找出一些新的动力。
同国内的孩子相比,德国的孩子要轻松得多,快乐得多,这跟民族传统和历史背景是有着密切联系的。在德国他们比较注重顺其自然,100个孩子中有一个出类拔萃的就很满足了。如果孩子没练好琴,家长就会直接告诉老师:“同孩子聊聊天就可以了,孩子这周没练琴。”这样家长很轻松,孩子也不会有太大的压力,可以说甚至有些是很懒惰的。而国内的孩子就完全不同了,中国的孩子都很聪明,也很勤奋,家长也很配合老师,很重视孩子的一举一动,自古到今那种望子成龙、望女成凤的思想一直潜意识地存在着,为了给孩子的前程铺路,有些家长就强制性地让自己的孩子学这个学那个,不管孩子的兴趣怎样,真正需要的是什么。这样家长和孩子的压力都很大。所以让孩子学钢琴首先要培养孩子的兴趣,以培养兴趣为出发点,让他们觉得钢琴是朋友而不是敌人,这样孩子坐在琴边就不会眼困,不会烦躁,就不会只盯着时钟而是真正地乐在其中了。可以说,培养孩子的兴趣和发掘孩子的创造力、发挥想象力,是德国钢琴启蒙教育最显著突出的特点之一。
如何培养兴趣,这不是一朝一夕的短期行为,需要较长时间并且要有耐心,有办法及各方面的配合才能成功。首先,德国的父母的心态是不会强迫孩子一下子就要学会弹这个弹那个,孩子的练琴时间也不会太长,大概有30分钟就够了,而且还分几次完成。因为孩子的注意力的集中只能维持在20分钟左右,就算他再有兴趣,时间过长也就慢慢变成没有兴趣,只是在应付,这样效果不大,浪费时间。作为老师在授课时用词很简单,生活化,很生动,甚至会手脚并用。比如在讲舞曲时,孩子在弹,老师可以在一旁跳,或干脆和孩子一起先跳一段,让孩子体会一下舞蹈的动作及它的节奏感,然后再在琴上弹,这样孩子会觉得原来弹琴是如此的简单好玩,这时他们的兴趣就会增加一分。
德国的教学中自愿学的较多,强迫学则几乎没有,他们对于一个初学者不会要求弹音阶、哈农、练习曲,但他们会从教材中让孩子明白音阶的组成,和声的概念,甚至要求孩子尝试着去即兴编配,自己寻找左手的和声,在上课时老师引导学生进行这些训练,或老师和学生一起来玩即兴伴奏,而那些曲子都是孩子喜爱并且又听过的,这样的钢琴课孩子很喜欢上,兴趣也就越来越浓了。因为教材用得好,而上课时老师可以和学生聊天、讲音乐家的故事,一起玩音乐游戏,最后只改下一些错音,这一堂就这样上完了,不会强迫学生做基本练习、抬手指等这一类无聊又无趣的东西,那学生自然就会感兴趣了。
在德国教学法中还有一点我觉得很有意思的是,当学生弹错时老师不可以直接地说出来,要用尽一切词汇、一切办法让学生自己知道他弹错了。这样的方法有两个好处:一是训练学生用自己的脑子、自己的耳朵独立地辨别错与对,培养他们自己独立练琴的能力;二是培养学生的自信心。老师不会打击学生的自信心,使学生有自卑的感觉。如果学生一弹错,老师马上就搬出一副像法官在判一个罪犯死刑一样的嘴脸来说:“你错了”,这时学生的积极性一下子就跑光了,自信也没了,开始自卑起来,这样长久下去,学生哪还会对学音乐有兴趣呢?
德国的启蒙教学中包含了大量的音乐理论知识,对于年龄小刚学钢琴的孩子也一样要求他们尽快地学会各种音乐理论,他们的钢琴课其实不是在学弹钢琴,而是通过钢琴这一个乐器来学音乐,钢琴只是一个工具而已。所以有很多入门的学生琴不一定弹得好,但音乐知识却比较丰富。在课上老师给学生的是以不同形式,比如讲故事、做游戏、提问题等等,使他们获得又有趣又有用的音乐知识,而真正坐在琴上弹的时间可能只是几分钟。当然,这样对老师的要求就高了,不仅会弹,更重要的是要求老师的知识要全面,要懂和声、乐理、即兴、儿童心理学等以及如何组织好一堂课的能力。所以德国把演奏专业和教育专业分得很清楚,在教育专业中学位越高,教学对象的年龄就越小,因为对越小的孩子老师的水平就要越高,知识就要更丰富。我认为老师、学生、家长三方面的心态要一致,不是强迫性地学习,而一切要从兴趣出发,通过授课的形式,用词、教材等几方面来激发出孩子的兴趣。
德国钢琴启蒙教育的第二个特点就是放松。谈到放松,我相信这一点中国与德国是相同的,在中国我们的老师也非常强调放松的问题,因为放松会直接影响到用力,用力又会影响到声音,音乐其实就是声音的艺术。我在德国听过很多德国小孩子演奏,他们并不一定弹得很优秀,程度不一定很深,你可以挑出很多毛病,在技术性、音乐性方面都存在很多问题,但是声音与风格却都显得比较舒服、自然,不会有太大的方向性问题。而中国的学生恰恰在这两方面都是欠缺的,甚至存在着方向性问题,而且并不重视它,只顾着练技术、练完整,没有将学音乐作为目的。我本人认为声音与风格应该是学习音乐的基础,一切学习音乐的手段都应先从声音与风格上入手才能不走弯路,才能正确地、简单自然地达到学习音乐的目的。但讲声音就要先讲放松,首先让学生体会真正完全的放松是怎样的,手臂完全松软的垂下,没有了生命力,像人睡着时的状态,这时才是真正的放松。往往这一阶段老师要帮助学生,将学生的手臂抬起再掉下,不让学生用力,让他只是感觉到手臂好像已不是他的了,一定让学生记住这种感觉。一开始可以不在钢琴上做,让学生离开钢琴站起来,两臂垂下,老师再帮他抬起掉落的手臂,让学生体会这种感觉。我发现学生离开钢琴会较放松,一坐到钢琴边就会紧张,这是因为他潜意识里认为钢琴是一部很难掌握的“机器”,他控制不了它,所以产生心理作用,自然就紧张起来了,做老师的就是要消除学生的这种心理,让学生感觉到用最自然、最放松的状态才能控制这部“机器”,才能让这部“机器”发出歌声,越紧张反而越学不了。当学生体会了这一阶段没有琴时真正放松的感觉,这时就可以进入第二阶段:坐到钢琴旁,让学生保持第一阶段感觉,老师帮他抬起手臂,然后放手,让手臂自然地掉到琴键上,无所谓多少只手指,什么手指,什么音,只要有声音发出就行,甚至用手掌掉到琴键上也行。这时老师可以问一问学生:“刚才弹琴时用了力吗?这个声音好听吗?弹琴是不是很简单呢?”这样学生会一下子感觉到原来这部“机器”并不可怕,自己那么快、那么简单就能弹出声音了,这时学生就会对学习钢琴增加了兴趣。你看,还是离不开兴趣这一点。
第二阶段一掌握马上就可以进入第三阶段:让学生自己把手臂抬起掉下发出声音,也是不管多少只手指、什么音。这时大家都会碰到一个问题,学生会问:“你让我手臂无力,那我如何抬得起手臂呢?”其实这个问题很简单,你让学生走一走路,你反问他:“你走路手臂时用了力吗?为什么没有用力你的手臂会动呢?”这是通过手臂与肩膀关节的惯性运动使手臂动起来的,并不是手臂本身肌肉用力的原因。通过这个走路的试验,学生的疑问就解除了。这时老师可以再用别的方法让学生进一步去体会,比如手臂抬起掉下就像抛东西的动作一样,当你随意地将一件物品抛掉后,你的手臂也就自然很快地掉下,这种感觉正好就是第三阶段所讲的。你不用抛,可以用扔、甩等动词,希望其中一个词可以让学生体会到这种抛起掉下的感觉,在这里大家一定发现我用了很多次“掉”这个字,因为掉的速度是很快而不需要用力的,我认为不用力,用自然的重量--手臂本身的重量掉到琴键上所发出的声音是好听的、有弹性的。所以这个“掉”字很重要,放松与不放松的区别也就在这个字上。因为一件物品掉下来是不受任何控制的,没有故意用力的,速度很快地落下,产生的声音是因为物品本身的重量。比如拿一支笔,一个火柴盒,一本谱子等等任何一件物品,让它掉在桌子上,所发出的声音一定不是你用力的、故意的,而是物品本身的重量。同样弹琴也应该是这样,才能称为放松。一旦你故意、有控制,也就是有力的了,这时就不会放松了。所以弹琴不能用落、放、飘、拍、打、敲这些动词,而要用“掉”。用词恰当可以让学生迅速领会,这点对于老师是很重要的。
第三阶段完成就进入最后一个阶段:松紧结合。这也是最困难的阶段,需要用长时间来学习的阶段,但这一阶段如果完成,学生也就具备了可以进入专业学习的条件。所谓松紧结合,也就是弹琴时手指至第三关节要时刻保持着“一级戒备”状态,而手腕至大臂却要保持放松状态,这两种状态在弹琴时是同时存在的。如何让学生弹琴时手指有力,手臂却无力呢?这也是最难办到的。
或者我们在这一阶段要用更多的试验、更多的办法,更多的说明才能使学生领会这一感受。办法一:让学生把手指勾住琴谱架。先用二指,然后三指依次轮流地使用一只手指勾住,之后摇动手臂,让手指勾紧,手臂却放松地晃动,就像玩单杠,两手抓住单杠,身体离地惯性地晃动,让学生明白手指虽然勾住了,有力的,但手臂是可以自由放松地动的。在谱架上试验完了,就在琴键上用同一感觉去做。办法二:结合勾谱架,再用圆规来做说明。勾住的手指就像圆规的针,要站立住,但又不能把纸弄破,同样手指勾住谱架不能掉下,但又不能过分用力以致将琴盖拍下来。这时手腕就像圆规的笔,来画一圈,笔在转但针不能动,手腕在转圈但手指不能掉下来。办法一与办法二的结合能使学生较快地体会这种前紧后松的感觉。办法三:让学生站起来,然后拿一个书包,有一定的重量,让学生用一只手指勾住书包的带子,有一定的重量,让学生用一只手指勾住书包的带子,而书包是离地的,学生的手臂是自然垂下的,这时学生能体会到手臂自然垂落的放松及手指勾住有重量的书包时的紧张。感受这两种状态的同时存在。办法四:老师用手指抓住学生的手指,准确的说只是手指与手指之间勾住,然后用力摇动手臂,手臂越柔软越好,摇得越快越好,这是在运动中寻找松驰,手臂不能僵硬、摇不动,但两边的手指又不能松,因为一松就会分开了。办法五;又一说明,把手指想象成衣架的钩子,手臂就像衣服,衣服是软的,风一吹衣服就会飘动起来。但衣架的钩子却要勾住绳子,不能让衣服连衣架一起被风吹走。办法六:让学生走到墙边,两只手按着墙,做站立状的掌上压。但只用指尖支撑,手掌不贴墙,像手指在琴键上一样。当身体的重量压到手指时,不要马上用力顶回来,保持一段时间,同时摇动一下肘子,看能不能够放松,而这时手指是撑住的。这样让学生体会全身的重量只是靠手指在支撑住,手臂、肘子都是放松的。这种办法同时可以体会到两种新的要求:一是手指的支撑力,支撑对于放松是很重要的,只有良好的支撑才能有放松,而支撑点是在第三关节;二是手型,不管什么样的手型,手的第三关节必须凸起,不能塌下。往往学生只顾着第一关节要立住,却忽略了第三关节,这是一个最大的错误。还有就是手腕支撑、脚支撑等,我在这里先不谈,以后有机会,我会专门谈一谈支撑这个问题。办法七:又一说明,把手臂比喻成水管,水管是用铁做的,但中间必须是空的,所谓放松不等于是软弱无力,则是空的意思。把重量和力量比喻成水,水通过水管流到了水龙头,水龙头就是指尖,要把水从水龙头流出去,也就是要把重量力量集中送到指尖然后弹到琴键上。水只是通过水管而已,并不保留在水管中,这一点很重要,力量绝对不能在手臂上,一定要全部送到指尖,手臂必须保持是“空”的。办法八:把手臂比喻成一条道路,手指比喻成前线的士兵,重量力量就是弹药粮食。“士兵”要时刻保持着一种紧张而敏捷的状态,但没有“弹药粮食”是没办法打仗的,所以需要有一条完全通畅的“道路”把弹药粮食运送到前线去,让“士兵”可以随时打仗。前方要紧张,后方要通畅,仍然是强调一个松紧结合。办法九:让学生把两脚绕住琴凳腿,离地,这时学生就失去了重心,然后两只手准备好,身体向琴一靠,那全身的重量都就靠两只手支撑在琴键上,这时学生能感觉到重量都在手掌上,有了这种感觉后再逐步把手掌变成五只手指尖。这样学生两脚离地,身体向前靠由五只手指支撑在琴键上,使钢琴发出声音。办法十:可以让学生站起来弹琴和蹲下来弹琴。站起来弹时学生的手臂是自然垂落的,是放松的,这样比较容易感觉到力量送到指尖的弹奏方法;蹲下来弹时因为琴比人高,学生必须把手指挂在键盘上弹奏,这时能感到手臂因地球吸引力往地下垂落,全靠手指挂住,不然就会整只手掉了下来。这样孩子会强烈感到手指挂住支撑住的重要性,绝对不能松懈,而臂却因地球引力松驰地向下垂吊,做到松紧结合。
前面我列举的10种办法可能只是体会最后阶段--松紧结合的一些皮毛而已,别的老师也能想出更多更好的办法。办法是人想出来的,只要抱住一个宗旨:解决放松问题,是幼儿启蒙教育的重要一课。
在德国,学生是不必强调抬手指的,这样学生更容易感到放松。中国的学生却要抬手指,甚至把手指呆在空中准备,增加了紧张度,就更加难放松了。德国的学生不用在抬手指、手指站立等问题上花费太多的时间,所以他们有大量的时间来学习其它知识,同时抬手指等这些技巧问题是很枯燥的,很花时间的,这会减少孩子学琴的兴趣。在德国的父母脑中并不是一定要孩子成为音乐家,只是想让孩子多一点爱好,多一点修养而已。中国的父母却是相反的。我本人并不喜欢德国的这种学习态度,兴趣固然要有,但玩的成份过重就显得没有责任心,也不容易树立恒心。所以在德国有很多孩子学习各类课程,但没有一门能学得好,学习时间长。反之,中国的学习态度却又太专、又太呆板,可能到最后孩子只会一门,别的却什么都不会,不能全面发展。往往在音乐的领域里并不是人人都能成才、成家的。精的这一门不能成家,别的又不会,那他们将来能做什么呢?我希望我们的父母要认真考虑这一问题。
我认为对于孩子最为讨厌的技巧训练是必不可少的,完全像德国那样采取玩的方式也是不行的。学一门学问一开始就要规范。不管将来搞不搞这一行,一开始学就要从最正确最自然的入手,不能随便、马虎,学错了再重来,只能是浪费时间。就像我比喻的,学基本功就像打地基一样,地基打得好,过几年后再盖房子也可以;地基打不好,马上盖好房子将来也会倒塌的。对业余学生,甚至肯定将来是不搞这一行的学生,我也会用最专业的要求来要求他,希望他通过对音乐规范和专业的学习来影响他其它专业的学习,将来若成为别的方面的专家,说不定其中会有音乐学习经历的功劳呢!
在强迫孩子练习哈农、音阶、练习曲等基本功时,不要忘记同时也要给孩子弹一些富有音乐性、旋律性、好听的曲子来激发他们的兴趣,来消解一下他们对技巧训练的抵触,甚至还可以作为诱饵,如果他们没练好基本功,那老师可以少布置一些他们爱弹的曲子,如果这周练得不错,那就可以多布置些,让孩子们感到只有当基本功练好才能去弹那些好听的曲子。
其实办法是死的,人是活的。一个优秀的教师可以将枯燥的基本功让孩子感到一点都不枯燥;一个差劲的教师却可以将一首美妙的曲子处理得一点味道也没有,像在弹手指练习一样。总之,老师应设法用最自然最生活化的方法去教导孩子,让孩子感到平常生活怎么样,弹琴就怎么样。在这里,我想引用安图尔.鲁宾斯坦的话:"艺术必须是素朴的,否则便不成其为艺术。为什么莫扎特写出来的音乐都那么素朴?要达到这一点是要经过艰苦工作的,然而又决不能叫人感觉到那种艰苦?quot;〔1〕所以为什么莫扎特、舒伯特的音乐那么的难弹,因为人们想得太多、太复杂了,返朴归真才是对音乐的忠诚。我们要让孩子从小、从一开始学琴就领会这一真理。一切都要素朴自然,声音要如此,动作要如此,演奏方法要如此,音乐更要如此!德国教学法中这一点是很重要的,也是德国启蒙教育中的第三个特点,很值得我们去学习。
以上所谈的德国钢琴启蒙教育的三个特点,是有机地结合在一起的,你中有我、我中有我,一环扣一环,从中体现出一种崭新的教育理念。我认为在德国启蒙教育中有很多好的东西值得我们去学习,我在这里只是简单地介绍了几个重要方面,我希望我们能把德国教育好的一面与中国教育好的一面结合起来,创造出一种符合中国国情而又能使兴趣与规范并存的新的教学模式,为我国音乐的普及教育和素质教育创造出一块新天地。参考文献:
〔1〕辛丰年.阿.鲁宾斯坦缤纷录〔M〕.上海:上海音乐出版社,2001.327.
第三篇:钢琴基本技术训练
钢琴基本技术包括音阶、和弦、琶音、八度等技巧,也就是人们常说的“基本功”,是钢琴学习中最为重要的内容之一,但不少钢琴学习者都对这些内容缺乏认识或不感兴趣,没有予以高度重视,以致在钢琴学习中遇到越来越多的技术障碍。所以,只有当你正确认识学习基本技术的意义和作用,并用正确的方法进行练习,打好钢琴演奏的基本功,才能轻松愉快、得心应手地去弹奏各种高难度的艺术作品!
一、重要性
伟大的钢琴教育家卡尔·车尔尼有一句名言:如果你问我,怎样才能成为好的钢琴家,那么你告诉我,你练了多少音阶?!伟大的作曲家、举世瞩目的钢琴大师——拉赫玛尼诺夫也指出:出色的钢琴家,必须具有干净、快速、清晰、灵活的基本技巧,一针见血地高度概括了钢琴基本技术学习的重要性。
众所周知,精彩动人的音乐需要演奏者全身心投入的演奏,细腻地刻画音乐形象,而这一切往往需要出色的、辉煌的技巧,可以说,没有过硬的技巧,音乐表现就无从谈起!而基本技术包括了钢琴演奏中所遇到的几乎所有技术问题,渗透于几乎所有音乐作品的每一个句子当中!钢琴学习者必须用大量的时间进行基本技术的训练,尤其是在早期学习阶段进行系统的练习,对于手指、臂、腕等生理机能的潜力,将得到最好的发掘,为日后的进一步学习奠定极其坚实的基础!在你的钢琴学习生涯中,你在基本技术训练中的每一分努力,都将得到加倍的回报。打个比方:你在基本技巧训练中多花一小时的时间,你完全有可能在音乐作品的练习中节省两个小时以上的时间,却得到更好的效果。全国考级直至任何一个地方的考级都规定音阶、和弦、琶音等基本技术是必考项目,已经足以证明这些内容的重要性,但不少学生却几乎从来都不练或者很少进行基本技巧的练习,直至为了应付钢琴考级才匆匆忙忙练出必考的几个调的音阶。这一切所带来的后果则是“营养不良”、技术生疏、进步缓慢、学习效率极低!而不少令人感到“进步神速”的学生却在基本技术上暗下功夫,他们尝到苦练基本技巧所带来的甜头后,更进一步在这里下功夫,这种良性循环使他们达到了令人望尘莫及的成就。许许多多的钢琴家更是从小起直至整个演奏生涯当中从没停止过一天的基本技术的练习。在这一切证明之后,难道你还能怀疑钢琴基本技巧训练的重要性吗?!那么,到底需要多少时间进行这一训练呢?答案当然是越多越好。总之,在学生时代每天拿出你练琴时间的1/3进行基本技术训练绝不过分!
二、训练方法
1.慢练为主,结合变速练习
首先,不论哪种技巧,在初学阶段都必须用很慢的速度进行练习,这一点尤为重要!只有用很慢的速度,才能把每一个动作的细节准确地奏出,并且有足够的时间去注意指法等问题。慢练的重要性是怎么强调都不过分的。慢练是克服一切技术障碍最有效的方法;慢练犹如“放大镜”,把所有细节都扩大,让你真正体会到各个关节的动作,使动作简练,下键力度集中,并体会到触键的细微感觉,使每个音都充满“美”„„慢练需要极大的耐心,真正做到持之以恒地慢练,将让你受益终生,慢练是弹好钢琴的秘诀!慢练应贯穿于学习的全过程!始终坚持以慢练为主,在掌握正确触键的基础上,能够把每一个音弹得均匀、清晰、集中之后,利用节拍器结合变速练习,快慢循环结合,把各种技巧弹得飞快而保持每个音的均匀、清晰,对于克服手指连续跑动的困难是十分有效的方法。2.分手练
经常分手练习,可以使每个音都达到要求,学习效率更高。不但在练习的初级阶段要分手练,而且必须随时穿插分手练习。在初学阶段,分手练有利于提高准确性,如指法、下键的准确性等。尤其是许多初学者,左手总是处于被动的地位,一味地跟着右手走,在触键的力度、音色把握等方面起不到锻炼的作用。所以,经常进行分手练习,并特别注意倾听左手弹出的声音,改善触键,你会感到受益匪浅。
3.高抬指练习与贴键练习相结合 触键练习中,适度的高抬指练习是很重要的,这可以使手指第三关节积极运动,手指动作迅捷有力,以发出扎实、均匀的声音。然而,手指的真功夫不在于抬得高,而在于控制住每一个手指,使其依靠微小的精确动作,把每个音都弹得结实、集中而均匀。可以说,抬高的最终目的就是为了能不抬高(贴键)。因为在高难度的快速经过句中,手指是不可能高高抬起的,这时速度虽然很快,却要求每个音都保持清晰、干净、有颗粒性,这都是通过高抬指练习后才可能达到的结果。然而,并非所有的快速音符都需要很有力度的声音,有许多经过句就需要快速而又异常柔美的声音,这就需要通过持之以恒的贴键练习而达到目的。因此,可以说经常做贴键练习,训练手指第一关节,加强手指对键盘的控制能力,对于获得集中而圆润的“美”的音色是非常重要的!个别教师过分强调手指高高的抬起,使学生把注意力和力量都用在抬高手指上,而忽视了下键力度的集中,做了许多无用功。所以说,适当的抬高手指练习是必要的,但应把注意力更多地放在手指集中力量下键上,这样才能用最经济的手段、最节约的动作达到最好的声音效果!
三、触健与音色
有关触键原理及各种触键方法运用方面的问题,笔者在(如何创造“美”的音色)一文中已有较为详尽的阐释,因篇幅关系,笔者就不再重复,在这里重点谈谈触键方法中最为核心的问题——手腕的运用以及一些尤其重要而又在教学中极易出现偏差的触键问题: 手腕的运用是重量弹奏法中最为重要的课题!手腕是连接手指与手臂最直接的中转站,手腕运用得好,手臂甚至上半身的重量就能直接传递到手指、琴键,从而产生丰富多彩的音色,轻而易举地弹奏出铿锵有力的、柔和甜美而又饱满、富有穿透力的音色,同时也能轻松自如地弹奏各种快速经过句。手腕在钢琴演奏中的作用就如汽车的减震器,乘坐高级轿车和低档汽车,舒适性截然不同,而起决定性作用的首先当然是减震器,它带给你的不仅是舒适,还保证你的安全。可以说:不能正确的运用手腕,你的演奏就永远不可能达到钢琴演奏的巅峰!1.在弹奏音阶、琶音、分解和弦时,应注意手腕上下与左右的运动。一般来说,弹奏一指(拇指)时,手腕总是处于比较低的位置,就如手臂自然落下时的高度;从二指(食指)过渡到五指(小指),手腕逐渐升高,整只手的重心向四五指转移,这时你就会感觉到手臂的重量很自然的从手指输送到琴键上,击发出饱满、圆润而迷人的声音!尤其在弹奏较宽的音程时,手的重心转移尤其显得重要!由于任何人的四五指都天生的较一、二、三指薄弱,所以在弹奏四五指时适当地抬高手腕有助于把手臂的重量更好地传送到指尖,使每个手指弹出的声音一样均匀、饱满、统一。
在钢琴普及教育中有两种极为常见的触键方面的错误: a.手腕僵硬。个别教师片面要求学生的手腕平稳,完全限制手腕的上下运动,甚至使用极其古老而早已淘汰的方法,长期要求学生在手腕上面放一枚硬币进行弹奏而不允许掉下来,使学生的手臂、手腕愈发紧张,最后变得僵硬。这样的结果必将严重阻碍学生的进一步学习,他们将永远无法去演奏那些高难度的作品。
b.用手腕直接去“压”出声音。年纪小的学生手指力度较小,如果教师片面要求音量,却不能用正确的触键方法去弹奏,学生就用手腕去帮忙“压”出每一个音。我们经常看到一些学生弹琴时手腕不停地上下抖动,手指弹每一个音手腕都往下压,弹得很吃力,速度却始终上不去。
以上两种错误的触键方法都严重阻碍了学生的进步,需特别注意。只有放松、自如、优美而正确的手腕动作,才能使你把各种高深的技巧,不论怎样的速度和力度要求,均弹得轻松自如、精彩绝伦!2.为了最终能够把音阶、琶音弹得飞快、均匀、连贯而清晰,除了掌握上述正确的触键方法之外,需注意三个诀窍: a.弹奏音阶、琶音右手上行和左手下行时,应注意拇指的动作提前。即:拇指每次一弹完自己所属的琴键后,应迅速转移至最接近后面应由它弹奏的琴键上,而不是等其他手指弹完之后再突然跳至下一个琴键上;b.弹奏音阶、琶音右手下行与左手上行时,应运用手腕的上下左右的动作使声音连贯,而并非利用大臂外甩的动作来帮助手指把音符连起来。在弹奏右手上行或左手下行时,大臂自然放松下垂,弹至最后一个音时,大臂略微外摆,利用横向动作带动,肘部略微提高(其幅度是大臂不必外甩而手指跨指时能顺利地把声音弹得连贯,同时大臂、肩膀不应感到疲劳),弹奏右手下行或左手上行;c.注意手指的准备动作:一次性抬起(稍微抬起即可,不必高抬指),需要马上弹奏的手指,随时做好往下弹的准备,而不是每弹一个音抬起一个手指,影响弹奏速度(只有最经济的动作,才能创造出作品所需要的最快的速度)。利用手指的爆发力,加上手臂的重量(通过手腕动作传输到指尖),迅速下键(如锤子敲钉子般),即可弹出飞快而清晰的音符。
值得注意的是:弹奏半音阶有一定的特殊性,白键和黑键频繁的转换,要求手腕动作非常平稳,上下的动作比弹音阶、琶音等小得多,特别强调拇指更高的站起来,配合三指在黑键上的高度,以保证声音的统一和快速的演奏。即使如此,也应注意手腕是放松,而不是僵硬的!3.弹奏强有力的和弦时,应注意用往前推的力量去弹。手指贴键,运用手臂本身的重量加上爆发力,通过手腕往上的动作,瞬间发力,使所有的力量毫无损失的集中到指尖,并在发力之后(几乎同时),迅速放松手腕和手臂,从而弹奏出强有力、声音集中而不刺耳的音色。尤其需要强调的是:不能使往下用力压手腕的方法来弹和弦,这样力量会集中到手腕的下方,而不是指尖,并导致小臂的紧张,这也是教学过程中经常见到的错误的触键方法。或许有些学生还会觉得疑惑:为什么应该用往前推的力量而不用往下压的力量去弹?事实上,意念中是往前推,但手指是自然弯曲的,力量到达弯曲的手指之后一转弯就变成往下的力量去击发琴键。运用这种触键方法(注意:手指贴键弹),能够弹奏出极具震撼力而不炸、不破、不刺耳的声音。而在弹奏较为轻巧的和弦时,手的架子仍应牢固,手指贴键,指尖有一种往后“抓”的感觉,弹出来的声音轻巧而又集中,不散、不虚,有生命力。
4在弹奏和弦及八度时同时需要特别强调的就是手型。在弹奏和弦及八度时往往需要较大的力度集中到指尖,这时就需要一个非常坚固的手型(架子)去支撑,否则再大的力量经过疲软的手型后不可能产生坚实、有力、集中的音色。因此,在弹奏和弦及八度时,应该创造一个牢固的“架子”,想象手里抓起一只名贵的碗,或想象自己的手就像老鹰的爪子或芭蕾舞演员的足尖绷紧一样坚固有力,同时,手臂就像老鹰的翅膀一样在空中自由的飞翔,或像芭蕾舞演员的身躯一样放松自如地画出优美的线条。手臂和手腕松紧结合,并且在必要时把手的重心偏向小指,创造出辉煌、震撼的和弦与八度技巧。
5.音色的控制:掌握正确触键方法的最终目标就是让钢琴产生良好的音色,不论任何技巧、任何力度的触键,都必须保持音色的“美”!不少人认为基本技术的训练主要是提高手指的速度和力度,只要能弹得很响就行,音色无所谓,这正是钢琴教学中一个很大的误区,而且这个误区相当严重,随处可见。他们丢掉了一个重要的原则:钢琴的音色应作到“强而不炸,弱而不虚”。钢琴技术中最难的不是速度和力度,而是音色。尤其是中国的钢琴教学,不少业余教师片面的、过分的强调高抬指练习,音色完全不考虑。表面上手指的功夫似乎练出来了,事实上,真正的功夫在声音的控制上,他们完全忘了。中国确实出了不少钢琴人才,毋庸置疑。在庞大的学琴队伍中,许多孩子能把高难度的作品弹得一个音不落,但能弹出好音色的孩子则不多。对比欧美国家,也许有不少孩子弹奏一首小曲都不是非常熟练,但他们却能发出你喜欢的声音,而且他们弹得很快乐,让你爰不释手——因为他们弹奏的是音乐,而不仅是键盘!许多年纪很小的学生就能演奏不少钢琴家在舞台上演奏的难度很大的音乐会作品,那么他们和钢琴大师的区别在哪里呢?显而易见,最大的区别就在于对音乐的理解、表达和音色。音色,是音乐表达中最重要的手段,没有正确的、好的音色,音乐表现就无从谈起。钢琴技术包括的不仅是速度和力度,最重要的还包括对声音的控制能力!所以,在练习基本技巧时,必须用你的耳朵仔细倾听每一个音的音色,从此,美妙的琴声便伴随着你。
总而言之,钢琴基本技术的训练贯穿了钢琴艺术学习生涯的整个过程,对于最终钢琴演奏能否成功起着举足轻重的作用,每一位钢琴学习者都必须运用正确的学习方法、掌握正确的触键方法,持之以恒地坚持每天进行钢琴基本技术的练习,做到“十年如一日”,你一定会发现:一切努力都是值得的!参考文献: [1]玛格丽特·朗《钢琴技巧练习》
[2]阿尔弗莱德·科尔托《钢琴技术的合理原则》 [3]哈农《钢琴练指法》
[4]约·霍夫曼《论钢琴演奏》
第四篇:德国音乐学院钢琴专业的培养模式
德国音乐学院钢琴专业的培养模式
德国专业音乐教育,由于音乐史上德奥音乐大师辈出及其深厚的音乐人文底蕴,一直在世界范围内享有盛誉,使得德国成了世界音乐学子的朝圣之地――德国各地音乐学院已经有越来越多的外国留学生,中国留学生的数量也在飞速增长。2001年至2005年笔者获得德国学术交流中心(DAAD)奖学金在法兰克福音乐与表演艺术学院攻读音乐教育学博士学位(钢琴教育方向),对德国音乐学院的钢琴专业培养模式有亲身经历,并怀着浓厚的兴趣收集相关文件资料进行了研究。本文谨以法兰克福音乐与表演艺术学院钢琴专业为例,介绍其三种不同的培养模式――它们在德国其他音乐学院都大同小异。或许能够给有志于到德国深造的钢琴学子一些信息,以及能够为我国音乐学院的钢琴专业建设提供一些启示。
德国很多音乐学院专业齐全,但不像我们设置很多的系,而是按照其共同性质划分几大专业范围(Fachbereich),例如法兰克福音乐与表演艺术学院所有专业分别归属于三个专业范围:(1)音乐表演;(2)作曲与音乐教育、音乐学;(3)舞蹈与戏剧。钢琴专业有三种不同的培养模式,全部设在第一专业范围“音乐表演”之内。它们在入学要求、课程设置以及就业出路等方面都各不相同,下面分别介绍。
1.钢琴演奏专业(Klavier)
主要培养职业钢琴家。高中毕业,年龄在25周岁以下者,通过专门的入学专业测试即可申请入学。标准学制为10个学期①,整个学习过程分为基础学习(Grundstudium)和主科学习(Hauptstudium)两个阶段:一般4个学期之后举行一次学习中期考试(Vordiplomortifung)。通过后进入主科学习,在第10个学期进行毕业考试(DiplomprÜfung),获得硕士文凭。主科毕业成绩特别优秀的,可以申请继续学习(Aufbaustudium)4个学期,毕业获得“音乐会考试文凭”(Konzertexamen)②。
入学考试要求:(1)钢琴演奏:4首不同风格的高难度的乐曲,要求完整地(包括奏鸣曲和组曲)背谱演奏,总演奏时间不低于40分钟;视奏总成绩在25分的总分内至少必须超过13;(2)视唱练耳:包括45分钟的听音笔试(听记一条单声部、一条两声部旋律、和弦听写)和10分钟的口试(音程、和弦的听辨,旋律听唱、视唱,节奏听辨模仿与视奏);(3)基本乐理:包括60分钟的笔试(音程、和弦、音阶,为旋律配多声部等)和10分钟的面试(和弦功能与曲式分析)。
学习内容:课程设置见下面表1。第2栏“学习学期范围”是推荐的一个大致的学习时间范围,学生实际上可以根据自己的时间和学习能力自主选择在哪一个学期学习该门课程。第3栏是必须总共参加几个学期的课程学习。所有课程中,只有钢琴演奏、作曲学、曲式学、作品分析、音乐史、视唱练耳等课程需要有考试成绩,作为通过中期考试和毕业考试的证明,其他课程只需要按规定的学期数参加听课,认可教师出具参加证明即可,而不规定必须考试。其中钢琴演奏作为主科不在每一个学期考试,而只在学习中期考试和毕业考试中进行。代替学期考试的是,每一个学生必须在学习期间至少在校内各种音乐会中公开登台钢琴独奏演出两次。
学习中期钢琴考试:1首高级练习曲,3首不同风格的高难度乐曲,总时间至少40分钟,要求全部完整地背谱演奏;钢琴视奏。
毕业钢琴考试:首先向考试委员会提供一份演奏曲目单,其中包括至少1套巴赫平均律中的前奏曲与赋格和另外1部巴罗克时期的大型作品(后者也可以用另外的两套巴赫平均律或一些斯卡拉蒂奏鸣曲代替)、2首练习曲(至少1首是肖邦练习曲)、古典奏鸣曲、浪漫派作品、印象派或新古典主义作品、1950年以后的现代作品、钢琴协奏曲、较大型的钢琴室内乐各1首/部。所有曲目必须是在本院未参加过考试的(招生入学考试除外)。曲目审查获得通过后将分两次考试:1场公开的钢琴演奏音乐会,曲目从所报演奏曲目单中自选,总时间50至80分钟;1场不公开的考试演奏,包括30分钟的钢琴演奏(曲目由考试委员会从未参加公开音乐会演奏的其他曲目中现场挑选指定)、1首现场学习演奏的新曲目(有3小时的准备时间)和视奏。
2.钢琴教育专业(Klavierpadagogik)
该培养方向归属于“器乐与声乐教育学”专业(Instrumental―und Gesangspädagogik,简称IGP),主要培养钢琴教师。高中毕业,年龄在25周岁以下者,通过专门的入学专业测试即可申请入学。标准学制8个学期,也分为基础学习和主科学习两个阶段(4+4),需要通过中期考试和毕业考试,获得硕士文凭(Diplom)。
入学考试内容包括三个方面:(1)钢琴演奏:4首风格不同的、具有相当程度的曲目,总演奏时间至少20分钟,加视奏;(2)选修乐器:原则上要求选修一种管弦乐器,演奏3首不同风格的简单乐曲,总时间10分钟内;(3)基本乐理和视唱练耳:基本与上述“钢琴演奏”专业相同。
表2中是从IGP整体培养计划中提炼出来的钢琴教育专业培养方案。“课程名称”栏目里列出的只是课程方向,例如“演奏实践”课程,包括歌曲即兴伴奏、即兴演奏、爵士和流行音乐、改编弹奏等;“作曲学”为分析并掌握各种典型音乐风格作品的特点;可能以风格流派或者作曲大师为单元逐步学习,所以有些课程要学习好几个学期。“学习证明”栏目的“考试证明”(Leistungsschein)表示该课程需要参加考试,“参加证明”(Teilnahmesschein)则可以只参加课程学习而选择不考试,教师出具参加学习证明即可。该栏目的两项之和等于“必修学期数”栏目的数字,代表该门课程总共必须修几个学期。其中“视唱练耳”课未规定学期数,但总共必须通过四个级别的考试,学生可以根据自己的实力选择上课或者直接参加考试。
学习中期钢琴考试:至少3首不同风格的高难度曲目,大型作品可以是其中的一个乐章,总演奏时间不低于25分钟;视奏。中期考试最迟必须在第4学期完成,以显示学生具备继续深入学习该专业的能力。申请参加中期考试必须出具参加了以下课程学习的证明:钢琴和选修器乐每学期一份证明,室内乐、演奏实践、音乐学、教学法各1学期,音乐与器乐教育学4学期,曲式学和音乐史各2学期,视唱练耳和作曲学各1学期。中期考试未通过者可以在1学期之后补考一次,补考仍不合格必须退学。
学生按照要求修完全部课程后,即可申请毕业考试,毕业考试可以申请按科目分期分批进行,或者申请在一个学期内全部完成。毕业考试钢琴演奏为4首完整的、不同风格的乐曲,其中1首必须是协奏曲或室内乐合 奏曲目,总演奏时间约50分钟,另加1首现场抽签指定的新曲目,有60分钟准备时间,然后是10分钟视奏。此外,递交一份毕业论文,论文的选题由考试委员会和学生谈话商定,从开题到完稿提交时间为6个月。
与“钢琴演奏”专业相比,钢琴教育专业在钢琴演奏要求上稍低,但增加了音乐教育学、钢琴教学法以及教学实践等课程,而且全部要求考试成绩,作为毕业条件之一。
3.钢琴室内乐、钢琴伴奏(艺术指导)专业(Aufbaustudiengang Klavierkammermusik und/oder Liedbegleitung)
主要培养音乐会合作演奏人才。报考者必须已经获得音乐学院钢琴演奏专业毕业文凭,所以称之为深造学习(Aufbaustudium)。标准学制为6个学期。学习者可以在第四个学期之后选择到底将钢琴室内乐、还是钢琴伴奏、或者两者都要作为毕业考试重点。毕业获得硕士文凭(Diplom)③。
入学考试:分为钢琴独奏和钢琴室内乐/钢琴伴奏两部分。前者包括3首不同风格的、高难度的作品,1首练习曲,总时间不少于40分钟,加钢琴视奏;后者包括与本院师生合作演奏1部钢琴室内乐的一个乐章,2首歌曲伴奏,曲目在考试前四周公布。
学习内容:表3是具体课程设置。由于这是深造学习,所以要求的必修课全部是演奏实践性的课程,而没有其他音乐理论课程。当然学生如果有兴趣,所有课程都是敞开可供学习的。此外,钢琴室内乐方向学生必须参加乐器演奏主科学生的课堂伴奏,钢琴艺术指导方向学生必须参加声乐主科的课堂伴奏以及学院合唱排练伴奏。
在一些其他音乐学院,该专业方向也如同钢琴演奏、钢琴教育一样作为常规硕士专业设置。例如莱比锡音乐学院称之为合奏专业,培养音乐会演奏的职业音乐家,标准学制为10个学期(4+6)。分为不同的重点方向,其课程设置也稍有不同:(1)钢琴室内乐方向,除主科外,学习古钢琴(Cembalo)、歌曲伴奏、即兴演奏、视奏、总谱弹奏、指挥、为其他乐器主科的课堂伴奏等;(2)钢琴艺术指导方向,除主科外,学习古钢琴(Cembalo)、室内乐合奏、即兴演奏、视奏、总谱弹奏、指挥、为声乐主科的课堂伴奏、嗓音训练、意大利语音、法语语音等,在主科学习阶段要参加一次戏剧排练演出实习。其他音乐基础课程为共同课程,例如作曲学、视唱练耳、音乐史、乐器学、曲式学、音乐分析等。在学习阶段学生可以申请双主科或者另外一门副科学习。
以上简要介绍了德国音乐学院钢琴专业的三个培养方向的基本情况。这些方向在我国音乐学院中实际上已基本存在,入学、毕业考试要求也大致相同,在课程设置上由于各学院师资力量的不同而有变化。其不同主要体现在:
(1)课程考试的灵活性。不是所有的课程都必须要考试,一些课程可以选择只参加学习而不考试,这样可大量节省学生的时间和精力,使其能够毫无畏惧地、尽可能地多听课,或钻研感兴趣的课程。尤其是主科钢琴演奏,在整个学习过程只有中期考试和毕业考试两次。而我们是每一个学期都要考试,学生常常为了准备考试曲日而花费几个月的时间,有的人甚至整个学期就为了准备考试的几首曲目,导致无暇、也无心学习其他乐曲,严重阻碍了学生广泛涉猎各种风格的作品、扩展音乐视野。
(2)学生学习的自主性。学生对自己的学习具有充分的自主选择权利,包括学习时间、学习内容都可以根据自己的需要而“量身定做”。这在某种程度上可以更好地因材施教,主要得益于其全学分弹性学制。而我国的现行模式是固定的四年制,所有课程按照教学计划固定在某一学期,学生必须按照规定的时间表来学习。
(3)课程内容的灵活性。一些重要课程要求学习多个学期,但并不一定非得具有连续性,而可以选择在不同的学期参加不同专题或由不同的教师主讲的课程的学习。例如“钢琴教学法”课程,至少有两位教师同时开课,都没有固定统一的教材,而只推荐参考文献,教师根据自己的研究成果和实践经验以专题的形式授课,其内容可能在各个学期轮流开设或不断补充,学生可以根据兴趣试听,然后选择听谁的课程和听哪一个专题。这样的好处,对于教师而言,体现了一种竞争性,可以形成以教学促进研究和以研究促进教学的良性循环;对于学生而言,不必硬去听自己不喜欢的某位教师的课程,由于教学内容常换常新。能够不停地接触到新的成果和观点,而不会局限于某一位教师、某一本固定教材的“一家之言”。
笔者认为,这些不同之处正是我们在学科建设和教学改革中值得学习和借鉴的。在当前越来越多的中国钢琴人才获得国际比赛奖项,显示了中国钢琴教育的丰硕成果的同时,愿我国的钢琴学科建设更加完善发达!
注释:
①德国高等学校教育实行弹性学制。标准学制只是最普通的学习时间,可以延长学习时间或者由于天赋和勤奋缩短学习时间。对于以前在其他学校学习过相关课程并通过考试的,可以出具课程成绩并申请减免学时测试,通过后即可缩短学期数。例如很多外国学生在本国内已经获得过本科学历和学士学位,在不转换专业的情况下可以出具文凭和成绩,申请测试,直接进入第二阶段的学习。
②德国高等教育实行毕业文凭与学位合为一体的制度。对于音乐专业而言,一般表演技能方向和作曲方向的大学毕业文凭为Diplom,音乐理论方面的文凭为Magister,两者在中国都被认定为硕士文凭及学位。以硕士为起点的继续深造(Aufbaustudium):表演专业一般4至6个学期,获得音乐会考试证书(Konzertexamen)或艺术家文凭,这是德国音乐表演专业的最高文凭;音乐教育学与音乐学理论研究年限不限,通过提交的博士论文答辩获得哲学博士学位(Dr.Phil.)。
③有的学校该深造专业的毕业获得“音乐会考试文凭”(Konzertexamen),同时该专业还作为如同钢琴演奏、钢琴教育一样的常规硕士专业设置,例如下文提到的莱比锡音乐学院。
第五篇:现代钢琴教学法的技术要求
现代钢琴教学法的技术要求 无论学什么都需要一定的方法,这一点我不说大家也知道。学钢琴究竟需要什么方法呢?翻看一下钢琴教法的书籍,各种各样的方法,有的甚至连手臂的X光照片都有,钢琴弹法的技术要求几乎上百条、上千条。可我们培养出几位优秀的钢琴家?反观十八世纪,那时,科学虽然没有像现在这样发达。但却出现了许多优秀的钢琴大师,如果说他们是天才,那么,为什么那个时期出现的天才那么多?这就涉及教育方法的问题。
实际上演奏钢琴有技术,也没有技术。这就看你以什么角度去看了。没技术,就是说没有针对手的技术。要说有技术,就是说只有针对人的技术。一个人弹琴技术的好坏,与乐谱没多大关系,与钢琴没多大关系,主要与弹琴的人有关系。因为弹琴需要的是手和手臂,所以现在的钢琴技术基本上就是训练手和手臂的技术。可是我们大家想一想,控制手和手臂的是什么?是人的大脑、思维、意识、神经、心理等等。如果我们只注意手和手臂的训练,是不是有些本末倒置?实际上我们还可以寻求更深的根源,什么东西可以影响思维、意识、心理呢?那就是人的性格、情绪和教育环境等因素。钢琴技术训练的根源是同人的性格、情绪和教育方式有一定的关系。
学习钢琴的训练总体可以分为:肢体(动作、神经)控制、情绪(性格)控制和思维意识(注意力、心理)控制三个方面。
一肢体控制: 弹奏的本身需要手指、手臂、身体等肢体进行一定的动作,弹奏动作的训练就是对这些肢体控制能力的训练。实际上弹琴所需要的动作,只要是正常人都可以不用经过训练就可以做到。连奏中的抬、落指的动作就像平时我们拿东西时张开手的动作,断奏的抬、落手动作就像平时我们懒懒的坐下时手的自然垂落,跳音的抬起动作就像是我们受惊吓急速抽回手的动作。唯一的差别是我们平时是无意之中做的,现在有意的做动作时会有一些不自然。在速度练习方面也是如此。我们在教学之中应该有明显的感受,学生越快练就越弹不快,反而由于快速的练习会使手变得很僵硬。即使速度能够快,大多也是连滚带爬、乱七八糟的。如果进行一定时间的慢速练习,反而可以取得前所未有的速度。其原因就是,在超过一定速度时,由于演奏者的心理因素,会造成一定的心理紧张,心理紧张的原因一方面有可能是由于不够熟练造成的,另一方面有可能是由于情绪和心理上的稳定性差造成的。这种紧张的情绪会造成肌肉的僵硬,使动作失去协调性。所以通过慢速练习可以使动作更协调,从而达到提高演奏速度的目的。(有关心理的问题,将在后面加以论述)我们要清楚的是,弹琴动作的训练,不是为了取得手指前所未有的动作幅度,也不是为了练习肌肉的收缩速度。肌肉的功能是具有动作的收缩能力,而收缩的速度取决于神经的反应速度,同肌肉没有多大的关系。所以,肢体的控制实际上就是通过神经系统的反应,来刺激肌肉进行运动。而反复练习的作用就是使肌肉具有动作的自然性、习惯性和记忆性,使你的肌肉能够完全真实地展现神经系统传递的信息。所以,肢体训练的基本原则就是:“有意的自然”。关于弹琴的动作,我们首先要明确的是,虽然乐谱上有各种各样的标记,但归纳起来就只有三类。一类是连奏,二类是断奏,三类是跳奏。连奏指音符之间有连线的弹奏方法。断奏指音符之间没有连线,也没有其他标记的弹奏方法。跳奏指音符之间没有连线,但有跳音、顿音标记的弹奏方法。乐谱上就只有这三种奏法。例如:倚音、波音等等的感情标记都可以归纳为连奏和断奏两种弹法,主要的分别就是音符之间的连线。相信只要认真分辨,很快就可以区分所有乐谱的弹法了。
下面我在介绍几个弹琴动作的要求: 1. 手型:先把手自然下垂,然后小心的保持手下垂时的形状并抬起来放在琴键上,这就是弹琴要求的手型。也就是说弹琴的手型就是要把手处于最随便、最自然的状态。而这时的手型,也符合手心空的、手腕平的、手指能立住的 1
手型要求,要注意的是,不要把五个手指分别放在五个琴键上。因为弹琴的状态就是保持自然的状态,在弹琴的过程中,无论多难的乐曲,多复杂的谱例、多大的跨度,都要看作是对自然状态的一种考验。演奏的主要任务就是要保持手的自然状态不变。如果学生的手比较大,放在琴键上自然就是五个琴键的位置,不用特别要求。如果学生的手比较小,而非要将手指分给五个琴键,就必然造成手的僵硬。结果是没开始弹琴手就已经先僵硬了,这等于是人为的给弹琴制造障碍。而且如果保持手的自然状态,就可以让手指随着重心的方向落键,就不存在重心移动的问题。实际上重心移动的本身就是要手找到最自然的状态......2. 断奏:在保持手腕、手型不变的状态下,将手从琴键上抬起,并匀速落下。断奏的弹奏要领关键是要保持手腕和手型的不变,尤其是手腕,要绝对保持稳定的状态。(动作中较易出现加速下落和落至琴键时突然减速的问题,这是由于心理紧张造成的。)
3. 连奏:在保持手腕、手型不变的状态下,只运动手掌关节,将手指抬起,并匀速落下。注意的是手指的关节是保持不动的。同时要格外之一手腕保持绝对稳定的状态。(连奏的落键也容易出现同断奏一样的问题)4. 跳奏:要领与断奏相同,只是动作相反。在手腕保持绝对稳定的状态下,弹奏琴键,并快速抬起。
二、情绪控制: 人是一种感情动物,所体现的就是无论是人类从事何种行为,都带有一定的情绪和情感色彩。情绪和情感在一定程度上会影响肢体的行为方式,在情绪和情感具体表现上的差异我们称之为性格的不同。大体上可分为内向和外向两种性格,而这两种性格在具体表现形式上存在着极大的差别。外向型性格的人,性格开朗大方,情感易于外露。在弹琴的表现上,动作偏大,容易用力。内向型性格的人,性格温和稳重,情感比较内敛。在弹琴的表现上,动作偏小,容易懒散。这仅仅是性格对弹琴的影响。同时影响弹琴的还有个人情绪的问题,人是生存在一个社会环境之中的,每个人每天都要面临各种各样的事情,有自己喜欢的,也有自己不喜欢的,于是各种各样的事情就产生了各种各样的情绪。遇到喜欢的就高兴,遇到不喜欢的就沉闷,这些情绪也直接影响弹琴的效果。无论是感情还是情绪,主要是通过两个方面在影响弹琴,一是弹琴的动作,另一个是音乐的表现。具体地说就是情绪和情感通过影响弹琴的动作变化,来影响了音乐的表现力。情绪的不稳定,会造成弹奏速度的不稳定和音量、音色的不平均,并且还会直接影响对乐曲内容和风格的正确演绎。那么如果稳定了弹琴的动作就等于控制了情感和情绪对弹琴的影响。
对于情感和情绪我们可以通过以下两种方式进行调整:
1. 通过对情绪和情感的调整达到使性格发生变化的作用。情绪和情感无论怎样变化,无非就是急躁、兴奋、激动或是懒散、低沉、麻木。在学琴的初期,可以通过慢速练习和大声数拍子来达到调整的作用,慢速练习的目的就是要稳定情绪,而大声数拍子的目的就是要提起精神,使人的状态兴奋起来。大声数拍子的要求不是大声,而是用兴奋的情绪来数拍子,只是在大声数拍子时人容易兴奋。在最初练习时要通过不停的调整来达到稳定情绪的状态。情绪过于兴奋就通过慢速来稳定情绪,情绪过于低沉就通过大声来提精神,最终的状态就是平和、稳重、积极、注意力集中。而且弹奏的音色同人的平和心态有一定的关系,人越静,声音越深远,越纯净,人越温和,声音越有共鸣。如果学生每天坚持这样的调整,经过一段时间后,不仅会稳定弹琴的状态,而且长期的练习还会对学生的性格产生较大的影响。
2. 通过对弹琴动作的控制达到稳定情绪和情感的作用。既然情绪和情感的变化直接影响弹琴动作变化,那么如果统一动作标准,无论何种情绪和情感,都是固定幅度的动作,不仅会统一演奏的声音,还会起到稳定情绪和情感的作用。动作标准指的就是把连奏、断奏、跳奏的动作固定化,抬落的高度要固定,抬落的速度也要固定,这需要一段时间进行比较艰苦的练习。
三、思维意识控制: 人的任何行为都是要通过大脑的思维意识来计划和实施的,高度集中的思维意识,可以产生强烈的兴趣和意志力,为其行为提供强大的心理支持。而不集中的思维意识,可以产生强烈的心理紧张情绪,会严重影响和削弱人的意志力。人不仅分为内向和外向的性格,还存在感性和理性之间的差别。而这两种人也是存在极大差别的。偏于理性的人,逻辑思维较强,肢体的控制能力较强,但感受能力较弱。偏于感性的人,情感较丰富,做事易情绪化,逻辑思维和肢体的控制能力较差。偏于理性的人由于肢体的控制能力较强,所以初学钢琴时认谱较快,动作也容易做标准,较容易入门,但学到一定时期涉及到音乐感受时就比较费力。而偏于感性的人由于肢体的控制能力较差,所以初学钢琴时认谱较慢,动作也极不容易做标准,学习的进度也比较慢。但学到一定时期涉及到音乐感受时就比较容易。思维意识的差别造成了人对感性和理性不同的偏向。而感性和理性对弹琴的主要影响就在于动作时注意力的集中和弹奏的精气神上。思维意识的问题对弹琴的影响是最明显的,注意力不集中就会使弹奏出的声音失去靓丽的色彩......下面就对注意力和精气神的内容分别进行阐述。
1. 通过对弹琴动作的训练达到使注意力集中的效果。实际上每个人都存在注意力不集中的现象,只是因为不太严重,没有形成严重的问题,使我们没有太关注。而事实上,严重的注意力不集中,会形成严重的病理状态,是造成许多心理疾病的主要原因。比如常见的《感觉统合失调症》、《多动症》等等,最初就是注意力不集中,记忆力比较差,在严重就是情绪控制能力差,长期的情绪控制能力差又会形成心理疾病,再严重就是失去注意力、情感、肢体的控制能力,形成较严重的精神病态。对注意力集中的训练是弹琴中最重要的内容。如何进行注意力集中的训练呢?人注意力不集中的现象主要会在其行为中体现出来,人的大脑就像是一个司令官一样,对人体所有器官的命令和所有器官之间的联系都是由大脑来完成的。我们所说的注意力集中就是指大脑对所有器官具有控制和管理的能力,而如果大脑对所有器官的控制和管理能力减弱就是我们所指的注意力不集中。比如眼睛看到一个东西,并希望手和鼻子去配合,就先把信息传给大脑,由大脑分配给相应的器官,这样由大脑控制的动作,不仅具有记忆能力,各器官的行为也是协调和同步的。如果大脑的控制能力减弱或者器官之间就没有经过大脑去协调动作,那么这个行为本身记忆效果就比较模糊,甚至是没有记忆。而且各器官的动作也不够协调,使不同步的在进行。在弹琴的动作中,需要参与的器官主要是手臂、眼睛、嘴(数拍子),如果这三个器官是同步的运动就可以使注意力集中,所以弹琴时要求,眼睛盯住手腕使其保持不动、嘴数拍子的同时手才能动。前面在谈到演奏动作时一再提到要保持手腕的稳定,手腕的稳定究竟有何作用呢?我们经常要求学生要注意力集中,要认真,要细心。可怎样才能认真和细心呢?实际上我们通过手腕稳定的训练,要达到两个目的,一是通过手腕的稳定来杜绝弹琴中用力砸琴的问题,二是通过手腕的稳定来寻求注意力集中的情绪状态。实际上注意力集中、认真和细心都是一种情绪状态,概括地说就是即小心又兴奋的状态。如果能够在弹琴的过程中始终保持手腕的稳定,就必须极其小心的、甚至是提心吊胆的去控制手腕的稳定,这就达到了寻求注意力集中一点的目的。当经过一定时间的练习使这种状态稳定后,弹琴时就不必保持手腕的稳定,只要能找到小心的注意力集中的状态就可以。
2. 通过对精气神的训练来减弱心理问题对弹琴的影响。人体的神经和肌肉是两个不同的系统,情绪的变化是通过神经系统来完成的,力量的变化是通过肌肉系统来完成的。两个系统不仅是各自独立的,而且是相互影响的。肌肉的紧张在一定程度上会造成神经系统的兴奋,而肌肉的松弛一定程度上会造成神经系统的放松。反过来,神经系统的兴奋也会造成肌肉一定程度的紧张,而神经系统的松懈一定程度上会造成肌肉的放松。在弹琴时紧张的肌肉会使弹出的音色尖利刺耳,而松弛的肌肉会使弹出的音色柔和。就像是用硬物敲击和用软物敲击时声音的差别一样。而且肌肉的紧张会造成弹奏速度和灵活度的下降,所以我们强调肌肉放松的目的就是为了取得柔和、优美、灵活和快速的声音。如果弹琴不用力,仅仅是依靠手臂的重量来取得的声音音量又会很小,至少失去了音乐的震撼力。从这个角度讲弹琴时必
须恰到好处的去用力。怎样才能恰到好处呢?既然神经系统和肌肉系统又相互的作用和影响,我们不妨从另一个角度去解决。我们可以通过神经系统的兴奋来造成对肌肉一定程度的影响,而这种兴奋也是弹琴所必需的。人越是注意力集中,就越能凝神贯注,精气神也就越强,神经系统也就越兴奋。而这时弹奏的力度就会随着神经系统的兴奋而逐渐加大,如果神经系统逐渐放松。弹奏的力度就会随着神经系统的放松而逐渐减小。
四、总论: 以上是我对钢琴训练内容的基本分析,另外,我在前面曾经提到过感情标记演奏法和真实音乐情感表现的问题,比如说渐强吧,就是某种情绪逐渐激烈的表示记号,如果我们只是在手上增加力度,音量是加大了,但情绪的变化却没有,造成了没有情感的弹琴,然后又让学生费力的去找音乐感,先不说这样找有多难,就即使是找到了,音乐感和演奏之间也是脱节的。目前几乎所有的学生都存在这个问题。许多出国参加比赛的学生,经常得到外国专家:“技术一流,情感不真实,缺少个性”的评论。所有的感情记号,都表达了作曲家一定的情感内容,我们不能仅从演奏方法上来划分,要明确其情感内容,并让学生直接的去通过情绪的变化来产生演奏的效果。在没有明确情感之前,只是按照连、断、跳的动作进行简单的划分,而不用特意去划分手指跳音、手腕跳音和手臂跳音的区别,当动作熟练和稳定和稳定后,就直接让学生以情绪的角度、以声音的角度来演奏,只要能够表达正确的情感,弹出正确的声音,其演奏方法一定是对的。关于手臂协调性的问题也是如此,如果演奏者的情感体验同乐曲是一致的,那么情感的变化自然就会带动演奏者作出相应的肢体动作,并且和音乐的语气是相吻合的。前面说了这么多的技术问题,好像很复杂。实际上概括起来就这么几点要求......