贡布里希《艺术的故事》读后感

第一篇：贡布里希《艺术的故事》读后感

《艺术的故事》读书心得

作者：贡布里希E.H.Gombrlch 翻译：雨芸

全书摘要

《艺术的故事》是一本关于艺术发展历程的书，概括了从最早的岩窟上的动物壁画到当今的实验艺术。贡布里希在导论中提到“世界上只有『艺术家』而没有『艺术』”，实际上人们是将艺术家的一切活动称之为艺术，艺术因时间和地点的不同，代表了各种有趣的事物。

其次每个人都有自己喜欢的艺术，自己对美的理解，大多数人都想在画中看到他们在现实生活中所喜爱的东西。对于这种喜爱漂亮事物的偏好，使人拒绝难引起共鸣的作品，而成为人欣赏的绊脚石。发现一幅画的美，并不仅在于题材之美。由于对审美和美的标准的差异，作者会将同样题材的不同作家之作品进行比较，分析他们创作中不同的风格与表现手法。不肯抛弃原来的习性与偏见，是欣赏艺术杰作的最大障碍。欣赏艺术品的方法是保持新生的心，抓住任一暗示和潜藏的和谐共鸣。

读书心得

看了导论的部分，增加了一些我对于艺术欣赏的认识和信心。对于初学者而言，欣赏艺术的困难在于喜欢看起来“逼真”的绘画，我们应该思考的艺术家是通过怎样的方法观察事物，才能证明一幅画画得是否“正确”。要设定艺术的规则是不可能的，只有感受和观察才会自有心得，拙劣的艺术家运用法规一事无成，优秀的大师打破法规，造就新的和谐。最重要的一点是，想要欣赏艺术，就应该保持一颗赤字之心，用崭新的眼光去观看作品，也许是不被从前的评论和规则所束缚。学习艺术史是磨砺我们观看的眼光，能够辨别微妙差异的一种方法。

在创作的技法上，希腊的艺术创作拥有伟大的觉醒。在西元前六世纪的瓶瓮，人物身体的表现已经有突破埃及式的画法，古老的法则被打破，开始有“缩小深度画法”（短缩法），这是艺术史上的里程碑。在巴特农神庙的石雕处理上，保留了埃及艺术的构图法以及几合式的构图法。到了一千年以后，文艺复兴时期义大利艺术家布伦内利齐才使用“透视法”，进一步改善了画面中的纵深感。达文西发明了“渐隐法”（sfumato），使人物的神态充满灵性，这也是蒙娜丽莎的微笑如此有吸引力的原因。

虽然这是一本站在西方艺术视角诉说艺术故事的书，但它对于东方艺术的描述也颇为动人。宗教给予东方艺术的冲击力，在回教国家，东方艺匠创造了精致的花纹装饰，精巧的图案与构思归功于穆罕默德。在中国的儒家思想影响下，艺术更多的是效法美德典范，顾恺之波浪式线条的画法流露出中国艺术特有的高贵雅致。佛教也带给中国艺术全新的艺术观念，让创作中多了一种寂静之美，水墨画大多是清澈的水、坚硬的石、傲然的山。好像画是提供给人在安静时刻沉思的材料。

在创作的风格上，欧洲的艺术在罗马帝国崩溃后经历了“黑暗时代”，数百年间没有任何一种清楚一致的风格脱颖而出。查理曼大帝（8世纪-9世纪）将罗马艺匠的技巧再度复兴起来。西元830年前后，一种新中世纪风格浮现出来。例如阮斯城所绘的福音书写者，他想刻画人物身上的敬畏与激动感。贡布里希概括：“埃及人描写他们的『知识』，希腊人刻画他们的『观察』，而中古时代的艺术家同时在画里表现他们的『感觉』。”

文艺复兴无疑是这本书的重点，贡布里希用了大量的篇幅讲述从十四世纪到十七世纪的这场重要的文化运动，从它的萌芽到发展到最后困境的突破。文艺复兴继承了希腊罗马的古文化，但却不是原样重现。十五世纪中叶德国的木刻与铜雕的艺术，传遍欧洲，这些版画成为欧洲艺术家学习彼此观念的媒介，如果没有图像的印制，就没有义大利文艺复兴风格的艺术在欧洲的胜利以及宗教改革。

第二篇：艺术的故事读后感

古代罗马和希腊的建筑特点

10级服装1班101101012李新茹 读了贡布里希.《艺术的故事》天下的征服者一章对古罗马希腊的建筑非常感兴趣，总结了其建筑的特点及典型建筑物

可以归纳出古希腊建筑的几大特点。

第三篇：《艺术的故事》读后感

古代罗马和希腊的建筑特点

读了贡布里希.《艺术的故事》天下的征服者一章对古罗马希腊的建筑非常感兴趣，总结了其建筑的特点及典型建筑物

可以归纳出古希腊建筑的几大特点。

第一特点是平面构成，中央是厅堂，大殿，周围是柱子，可统称为环柱式建筑。这样的造型结构，使得古希腊建筑更具艺术感。因为在阳光的照耀下，各建筑产生出丰富的光影效果和虚实变化，与其他封闭的建筑相比，阳光的照耀消除了封闭墙面的沉闷之感，加强了希腊建筑的雕刻艺术的特色。

第二特点是：柱式的定型。共有四种柱式： 1.多立克柱式，2.爱奥尼克柱式，3.科林斯式柱式，4.女郎雕像柱式。这四种柱式是在人们的摸索中慢慢形成的，后面的柱式总与前面柱式之间有一定的联系，有一定的进步意义。而贯穿四种柱式的则是永远不变的人体美与数的和谐。柱式的发展对古希腊建筑的结构起了决定性的作用，并且对后来的古罗马，欧洲的建筑风格产生了重大的影响。

第三特点是：建筑的双面披坡屋顶形成了建筑前后的山花墙装饰的特定的手法。古希腊建筑中有圆雕，高浮雕，浅浮雕等装饰手法，创造了独特的装饰艺术。

第四特点是：由平民进步的艺术趣味而产生的崇尚人体美与数的和谐。古希腊人崇尚人体美，无论是雕刻作品还是建筑，他们都认为人体的比例是最完美的。所以，古希腊建筑的比例与规范，其柱式的外在形体的风格完全一致，都以人为尺度，以人体美为其风格的根本依据，它们的造型可以说是人的风度、形态、容颜、举止美的艺术显现，而它们的比例与规范，则可以说是人体比例、结构规律的形象体现。所以，这些柱式都具有一种生气盎然的崇高美，因为，它们表现了人作为万物之灵的自豪与高贵。

第五特点是：建筑与装饰均雕刻化。希腊的建筑与希腊雕刻是紧紧结合在一起的。可以说，希腊建筑就是用石材雕刻出来的艺术品。从爱奥尼克柱式柱头上的旋涡，科林斯式柱式柱头上的由忍冬草叶片组成的花篮，到女郎雕像柱式上神态自如的少女，各神庙山墙檐口上的浮雕，都是精美的雕刻艺术。由此可见，雕刻是古希腊建筑的一个重要的组成部分，是雕刻创造了完美的古希腊建筑艺术，也正是因为雕刻，是希腊建筑显得更加神秘，高贵，完美和谐。古罗马建筑及其特点 古罗马建筑是古罗马人沿习亚平宁半岛上伊特鲁里亚人的建筑技术，继承古希腊建筑成就，在建筑形制、技术和艺术方面广泛创新的一种建筑风格。古罗马建筑一般以厚实的砖石墙、半圆形拱券、逐层挑出的门框装饰和交叉拱顶结构为主要特点。典型建筑 泰比里厄斯凯旋门罗马的建筑创作中，大概再没有比凯旋门给人的印象更为持久的了。罗马人在意大利、法国、北非和亚洲到处建立凯旋门，遍布帝国。希腊建筑一般都是由相同的单元组成，甚至圆形大剧场也不例外。但是凯旋门却用柱式做界框并突出了中央的巨大入口，两侧辅以比较狭窄的入口。这种安排用在建筑结构中，很像是音乐中使用的和弦。

圆形竞技赛场典型的罗马建筑，引起后世的高度赞美。它基本上是实用性的建筑结构，有三层拱，一层压一层地承载着巨大圆形剧场内部的座席。但是在那些拱的前面，罗马建筑师放上了一种希腊形式的屏面。事实上，希腊神庙所用的三种建筑风格，他都用上了。底层是多立安风格的变形——甚至还保留了间板和三槽板；第二层是爱奥尼亚式，第三层和第四层是科林斯式半柱。罗马结构跟希腊形式或“柱式”的这一相互结合，对后来的建筑师有巨大的影响。如果我们在自己的城市里四处看看，很容易看到受这种影响的建筑。

万神庙 罗马人逐渐对起拱技艺十分精通。那些建筑物中最奇妙的一座就是即万神庙。万神庙内部是一个巨大的圆厅，有拱状屋顶，顶部有一个圆形开口，从开口可以看到天空。此外没有别的窗户，但是整个大厅可以从上面接收充足而均匀的光线。在我知道的建筑物中，几乎没有一个能像它这样，给人这么沉静的和谐印象。里面完全没有沉闷的感觉。

罗马的图拉真纪功柱罗马人着眼于准确地表现全部细节和清晰的叙事，以使后人对有神奇的深刻印象、罗马人也想宣扬自己的胜利，报道战事的经过，所以竖立了一根巨大的石柱，上面我们可以看到罗马军队集粮，征战，获胜的场面，希腊艺术几百年来的技法和成就都被用到了这些战功记事作品中。

我们发现以上三例建筑具有多处共同点，这其实也是古罗马建筑的普遍特征。

拱券 拱券技术是罗马建筑最大的特色、最大的成就，是它对欧洲建筑最大的贡献。罗马建筑典型的布局方法、空间组合、艺术形式和风格以及某些建筑的功能和规模等等，都同拱券结构有血肉的联系。正是出色的拱券技术才使罗马无比宏伟壮丽的建筑有了实现的可能，使罗马建筑那种空前大胆的创造精神有了物质的根据。火山灰混凝土的使用。火山灰混凝土的使用。大大促进古罗马拱券结构发展的是良好的天然混凝土。古罗马混凝土所用的活性材料是一种天然火山灰，它相当于当今的水泥，水化拌匀之后再凝固起来，耐压的强度很高。这种混凝土中加入不同的骨料，可以制成不同强度和容量的混凝土，以便用于不同的位置。浇注混凝土需要模板，拱券和穹顶木板做模板，墙体则用砖石做模板，而且事后并不拆掉，所以使得墙体很厚。柱式 古希腊建筑中的三种柱式均被罗马人所继承，其中科林斯柱式得到最广泛的运用。此外，罗马人还发展了两种新的立柱：一是托斯卡柱，它与古罗马建筑里的多立克柱相似，不同点在于柱身上没有凹槽，而且多了个柱础（更加简洁实用）；另一个是组合柱式，就是在科林斯式的柱头上再加一对爱奥尼克式的涡旋（变华丽为奢华）。为了适应多层或高大建筑的需要，罗马人还在柱子的使用方面做出了2项重大发明：一个是叠柱法（大斗兽场），按楼层自下而上分别采用多立克柱式，爱奥尼克柱式，科林斯柱式，如果还有第四层，则用科林斯壁柱；另一个叫巨柱式，以一种巨大的柱式贯穿二层或三层建筑。

个人感悟

作者说艺术的故事是“各种传统不断迂回，不断改变的故事”每一件作品在这故事中都既回顾过去又导向未来，作者既不是简单地罗列史实，而是描述了一系列的 “问题情境”他认为艺术的发展是在艺术家不断解决由社会和艺术传统自身所提出的问题过程中形成的。

读完了这么厚厚的一本书，看了上万言的东西，露出的却只是冰山一角。越学习就发现自己的无知,我看到了自己的严重不足，整个人不像以前那么浮躁了，也学会了从不同的角度去看问题······

第四篇：艺术的故事读后感

艺术的故事读后感

-----被一本书一下拉近了和艺术的距离

拿着书的时候一惊，比我想象中厚很多。这个本书，能让我们细细的品味世界艺术的发展以及作品所给我们带来的故事。虽然这本书是西方人写的，亚洲部分略少，不过，至少贡布里希的作品还是非常的有价值的，让我进入已艺术的世界，一起品味艺术的故事。该书被誉为“艺术史中的圣经”，算是一部经典著作了。

对于非艺术专业的学生来说，只有看过才能理解这本书“是艺术史中的圣经”地位的由来。喜欢贡布里希的叙事方式..比教科书来的有趣多了。把它放在床头每晚多两页就像小时候大人给你讲故事一样。这本书不同于我曾学习的什么“十二五”高等教育计划用书，那完全是一本由枯燥的历史堆砌起来的书，读起来难免觉得口燥舌干，而且唯物史观立场鲜明，对于一些艺术品的评价也是基于民族精神，历史意义等层面，这种看待艺术的方式正是贡布里希所厌恶的，但是相信教材毕竟是教材，他要考虑到“标准答案”的拟定。读完《艺术的故事》前言已经有“三观全毁”的惊艳感受了，才知道面对一件艺术品我们应该去寻找什么，感受什么，应该摒弃什么，或许你能从一副画中看到另一个世界，但这个世界也许只存在于自己一个人的心里。本书概括地叙述了从最早的洞窟绘画到当今的实验艺术的发展历程，以阐明艺术史是“各种传统不断迂回、不断改变的历史，每一件作品在这历史中都既回顾过去又导向未来。

这里的图片中很多我看过真迹，而且那些难得一见的艺术珍品在现场看因为角度的问题很难能完整的欣赏，而书中的图是完整的，值得我们去拜读。读过这本书之后我至少有一个收获，就是即便是个非艺术生，也可以在任何场合与任何人公开谈艺术了。在大学期间读了这本书,感对觉眼界和思想有一定的开阔程度,当可以购买时,就毫不犹得买了一本,也算完成自己的心愿。按历史时间来讲述所有你能想到的有关艺术的故事，雕刻、绘画、建筑等等，我个人觉得这本书很适合每天都读，一辈子都可以拿来翻翻，里面对艺术的观点客观而且很有深度。

它用通俗易懂的语言让我们了解艺术的故事、不懂艺术的增加涵养、懂艺术的从不同面再次分析我们曾经赏析过的画面。

在我到今天为止的阅读过程中，有三本书是无论如何都绝不愿意错过的，它们分别是罗素的西方哲学史，曼昆的经济学原理，和贡布里希的艺术的故事。

虽然真的这样一本正经的把这三本没什么联系的书排列在一起让我觉得自己有点傻气。但对一个，算不上聪明，又懒，又缺乏基础（听起来好可怜）的人来说，它们中的每一本都是可以在翻开的瞬间为你带来一个崭新世界的奇迹魔法。这么说或许不太准确，应该是，给你原本已经熟悉到有点腻味的世界狠狠的凿开一个新深度。

大概是名称的原故，一提起什么什么的故事，在我们的印象中，似乎都是给那些对某方面有兴趣了解而不要深入研究的业余爱好者提供的入门书籍。这或许也就降低了他在中国专业美院的价值，然而他的确是非常好的书。

首先，他关注的不是政治经济如何变迁，虽然这是艺术家生活的时代背景，作者只是掠过，除非这种背景真正成了影响艺术发展的重大事件，如法国大革命对艺术家的影响。他所关注的是艺术家在不同时期所需要面对的问题，以及艺术家们为这些问题而探索的解决之道。如说道意大利文艺三杰对乔托和马萨乔在用透视法表现人物立体效果时却显得僵硬的问题作出了各自的探索。而且，对于某个艺术家或流派尽量的抛弃偏见，进行客观的描述。这比把艺术史当作进步的历史观念或者先入为主的把艺术的最高真理看作是反映现实的唯物史观从而厚此薄彼的人要更像是个学者。比方李春的艺术史对于被认作是“现实主义”画家的格列柯、卡拉瓦乔等人作了专题进行介绍，而把普桑和洛兰放在一节。后来才知道贡布利希的艺术史观影响了整个20世纪。

对于一个没有接受过任何专业美术教育却又喜欢美术想学习美术的人来说，这本书就像是个引路人一般为你打开艺术世界的一扇晦涩难懂的门。通过这扇门，不仅对欧洲的艺术发展脉络有了一个初步的完整了解也对于以前对于原本看不懂的艺术作品有了一种新的认识。真正认真看完这本书后再也不会面对着印象主义表示完全看不懂，不会对表现主义觉得欣赏无能，不会对立体主义产生这是什么鬼的论调。更重要的是当再次回顾那些远古先民的艺术作品时，会突然发现原来他们其实已经掌握了艺术的很多精华的东西，他们的艺术是那么的纯碎与原始。艺术不单单再只是真实的反应自然这么简单的肤浅理解而是开始明白人类情感和人们所知的表现力量。这些认识对于艺术生或者对受过一定艺术教育的人来说算不上是什么新认识，但对于完全没有受过艺术教育的人来说却是正视艺术的各种形式的良好开始。

这本书对于我的艺术观来说让我明白了所有的艺术都并非是完全的革新的而是一种不断承袭并创新的过程。同时书中关于艺术是不断提出新问题然后不断解决新问题的观点表示非常受用。

我深知我对视觉和听觉艺术的真实感受远远偏离标准答案，就好像初中时永远做不对的英语完形填空。如今我花了小十年终于培养出对英语阅读的掌控力、却仍然不明白在艺术方面、所谓美丑的评价标准，这其中似乎并无逻辑可言——我实在是看不出蒙娜丽莎的微笑有什么神秘的、也不明白为什么名作都热衷于画一堆人围着耶稣，直到读完这本书。

一位学者认为：《艺术的故事》也是给成年人读的。他说：“贡布里希创作了一部相对简短的艺术的故事，故事蕴含的原理补罅了细节方面的匮乏。他对艺术史的主要贡献是对方法的修正，对伦理的、科学的乃至形而上学的种种联系给予了更为细致的审视。与勤恳地厘订目录和编年相比，他试图从艺术史中挖掘出更多的东西，揭示出更为广阔的框架、功能和内涵。他将艺术史浓缩为一个故事，然而这却是一个为所有人讲的故事，一个关于所有人的故事。”

更多的是图片，多亏了这么多的彩色配图（我甚至觉得很多配图不够大，建筑也缺乏细节图片），加上作者对艺术态度的取舍，对艺术家、作品的理解，通通也内嵌于文中的每一句话，我才初次感受到，离艺术家和艺术作品本身距离的缩减。

作者提到：“妙趣横生地谈论艺术并不是什么难事，因为评论家使用的词语已经泛滥无归，毫无精确性了。” 真是心声，充满了各种专业术语，标签，一知半解，完全抛弃艺术作品而不顾，只会摆架子的艺术赏析，真的只会让我离“艺术”二字，望而生怯，越来越远。

能碰到这么一本好书，开心。他说：“我想帮助读者打开眼界，不想帮助读者解放唇舌。但是，用崭新的眼光去观看一幅画，大胆地到画中去寻幽探胜却是远为困难而又远为有益的工作。人们在这种探险旅行中，可能带回什么收获来，则是无法预料的。” 的确，打开眼界，作者真的做到了，但是“用崭新的眼光去观看一幅画，大胆地到画中去寻幽探胜” 这件事，我想，这漫长的艺术探寻之旅，由这本书，才刚刚开始。

看过一些好的艺术品，但那时的喜欢和厌恶都是不明确的，体会的东西也只有简单的情感，我不知道什么是伟大，什么是渺小的，评价只是出于情绪。看这本书时有拨云见日的感觉。还有更多的是可惜没早些年看。贡布里希老师教给我的是一个全新的认识世界的方法。看书的时候觉得最方便最体贴的地方在于提供大量的插画，每讲到一幅作品就配上了一幅作品照片。书里刻意没有使用专业术语，文字也写得朴实精确好看，一点点也没有普通的艺术鉴赏文字里的泛滥的主观情感。这一点格外吸引我。

惭愧的是被价格吓到了，在网上下载的扫描版。以后会买上正版的。我觉得，这样的书最适合收藏不过了。收藏下来慢慢看，重温着看的时候感受到的美好情绪。

单从全书遍布的高质量插图这本书就值得被推荐。贡布里希在编写这书时，无法印刷在插图里的作品就不选用。这对作者有多挑战我是不知道，但对读者而言，所有拗口的名字，神秘的术语，瞬间几乎都变得平易近人起来。

最后，引用网上看到的很有共鸣的一段话。“于是当书中出现类似”雷诺兹的肖像画和委拉斯凯兹的直接布局相比就不那么自然，精心设计的味道要浓的多“这种话时，我们这类0基础读者就再不用向以往一样翻白眼了，而是只要按照指示翻两张书页，对比下两张插图，然后就可以心满意足的咂咂嘴，表示，恩，你说的很有道理，我们英雄所见略同。”

社会上有一个很讽刺的现象就是，当年越是伟大的创举就越是容易被后世无限的模仿，也就越是容易被我们习惯和以至于认为平淡无奇以至于熟视无睹。这真是对大师们最大的侮辱了。我觉得在评判艺术作品时，要直面我们的内心，询问这件作品是否真实的打动了自己，（而不是某种附庸风雅的潜意识）。

总之，被一本书一下拉近了和所谓艺术的距离。

第五篇：艺术的故事

一、艺术的定义

艺术是指用形象来反映现实但比现实有典型性的社会意识形态，包括文学、书法、绘画、雕塑、建筑、音乐、舞蹈、戏剧、电影、曲艺等。

艺术是语言重要补充方法，就像讲话中我们会用大声代表生气，用笑声代表开心，用手舞足蹈 代表焦急或者其他的心情来传递给对方。所以，每件艺术品都应该有他独特的诉求，这种诉求就是艺术的生命力。

1、特征

(1)形象把握与理性把握的统一

形象，即审美形象。在广义上包含审美的情境和意境，主要是指艺术活动中能引起人的思想或情感活动的生动、具体、可感的人物和事物形象。形象是艺术活动特有的存在方式，艺术作品作为人的精神生产的产品，依存于一定的物质载体，它必须是直观的、具体的，能为人的感官直接感知的感性存在。形象是构成艺术作品的基本阿袁（即陈忠远）《咏香诗》书法艺术阿袁（即陈忠远）《咏香诗》书法艺术要素，所以每个艺术形象都必须以个别具体的感性形式出现，把生活中的人、事、景、物的外部形态和内在特征真实地表现出来，有血有肉，有声有色，使人产生一种活灵活现的真实感。艺术形象又是艺术家认识体验生活的结果，是艺术家审美意识的结晶，因此艺术形象又具有艺术家审视、体验生活时把握到的鲜活性和具体性，通过人的视觉、听觉等感官能够感受、把握到艺术形象的色彩、线条、声音、动作，给人以闻其声，见其人，临其境的审美感受。

艺术形象贯穿于艺术活动的全过程。艺术家在创造的过程中始终离不开具体的形象。正如郑板桥画竹子，他观察、体验竹子的形象始于“园中之竹”、“眼中之竹”，艺术构思孕育了“胸中之竹”，而磨砚展纸倏作变相最后完成了“手中之竹”，可见竹子的形象自始至终伴随了画竹的全过程。艺术家不仅在创作过程中从不脱离生动具体的形象，其创造的成果艺术品，更须展现具体可感的艺术形象，并以其强烈的艺术感染力去打动每一个欣赏者。因此，艺术欣赏的过程也要通过对艺术形象的感情来引发对作品中情境、意境的体味。这足以说明形象贯穿了艺术活动的每个环节，形象性成为艺术区别于其它社会意识形态的最基本的特征，也是艺术反映社会生活的特殊形式，是创作主体对于客体对象瞬间领悟式的审美创造。它是感性的不是推理的，是体验的，而不是分析的。

同时，艺术形象的创造又不能离开理性，艺术中的形象是有意味的形象，是渗透了艺术家深刻理性思考的形象。它不是客观生活图景随意照搬，而是艺术家经过选择、加工并融入艺术家对人生理解，对社会事物的态度和理性认识的外化和彰显。鲁迅先生就曾说过:画家所画的，雕塑家所雕塑的“表面上是一张画、一个雕像，其实是他的思想和人格的表现。另外，艺术家从事创作活动中的理性思维，在把握时代氛围，遴选素材和题材，构思主题和情节，选择表现形式等方面均具有举足轻重的作用。艺术活动是形象把握与理性把握的有机统一。

(2)情感体验与逻辑认知的统一

艺术中的情感即审美的情感，是一种无功利的具有人类普遍性的情感。情感在艺术活动动机的生成，创造与接受过程中均是重要的因素之一。同时，情感又是艺术创作的基本的元素。艺术活动总是伴随着情感，这是欲望、兴趣、个性的具体的心理表现，也是对对象能否满足自身欲望的价值评判。俄国作家列夫·托尔斯泰就曾在他的《论艺术》中指出:文艺创作是艺术家“ 在自己的心里唤起曾一度体验过的感情并且在唤起这种感情之后，用动作、线条、色彩、声音及言词所表达的形象来传达出这种感情，使别人也能体验到同样的感情———这就是艺术活动。”情感主宰着艺术活动的整个过程，贯串在艺术创作的整个心理过程之中。艺术活动中的“感觉”，受到“享受”的欲望的支配，总是被对象的能引起自己愉快的色彩、声音所吸引;艺术活动中的“知觉”往往按照情感的需要去选择并加工对象，按照情感图式去选择与“判断”对象;艺术活动中的“想像”按照主体的情感要求的走向去创造合乎自己情感和目的的形象。艺术活动中的“理解”往往是一种个性化的体认与感悟，通过体悟获得对生命与人生意义的深切理解，它无疑是一种饱含着情感的活动。

艺术家的情感往往通过艺术形象得到充分的展现，艺术家反映生活，描绘艺术形象，绝不是冷漠的、无动于衷的，而是凝聚着他的思想情感、爱憎褒贬，渗透着他的审美情趣、审美理想。1937 年4 月，德国法西斯发动了40 多架飞机对西班牙巴斯克文化名城格尔尼卡进行狂轰滥炸，激起了绘画大师毕加索的强烈义愤，他在短短的一个月时间内就完成了那幅名垂画史的，伸张正义与控诉罪行的力作《格尔尼卡》。

当代著名作家巴金也曾说过:“我写《家》的时候，我仿佛在跟一些人一同受苦，一同在魔爪下面挣扎。我陪着那些可爱的年轻生命欢笑，也陪着他们哀哭，我一个字一个字地写下去，我好象在挖开我的记忆的坟墓，我又看见了使我的心头激动的一切。”正因为艺术家的心灵受到如此强烈的爱与憎烈火的熬煎，《家》才能使 一代又一代的读者受到感动。情感不仅在艺术创作中，而且在艺术欣赏中也有着十分重要的地位和作用，它使人在欣赏艺术作品时感到兴奋、满足，甚至陶醉。据说孔子在齐国听了《韶》乐后“，三月不知肉味”，完全沉醉在美妙的音乐之中了。唐代诗圣杜甫听了当时一位音乐家的演奏之后，禁不住发自肺腑地赞叹道:“此曲只应天上有，人间哪得几回闻?”8 这些描述足以说明艺术家的创作活动凝聚和渗透了巨大的威摄和震撼力。

在审美以及艺术创造和艺术欣赏活动中，情感不仅与形象联系在一起，也同认知联系在一起，是随着审美认知而产生的一种特殊的心理现象，其基础是审美认知。经过审美认知，及其复杂的思想活动，生活中的美才能被发现、被感悟。

一个思想空虚，缺乏对社会与人生具有深刻认识的人是难以产生丰富、强烈的审美情感的，因而也就不会成为优秀的艺术家和出色的欣赏者。在艺术活动中，情感与思想认知是交融在一起的。没有情感的说教不是艺术，没有思想的情感也不能产生艺术。真正的艺术活动是情感体验与逻辑认知的统一。

(3)审美活动与意识形态的统一

艺术的审美特性是区别于其他社会实践活动的根本标志。所谓审美特性，是指艺术作品所具有的美学品质和审美价值。艺术作品是艺术家审美理想的结晶，是美的创造的结果。它不仅以情动人，更以美感人，使人得到一种精神上的愉悦享受。艺术作品中的形象由于集中、浓缩了生活中的形象美，因此比生活中实际存在的事物的形象更具有形而上的审美特性。中国传统绘画中的梅花形象，往往老干虬枝，横斜逸出，凌寒傲霜、迎春怒放，体现了一种老树新花、青春勃发的审美内涵，使人产生比观赏生活中的梅花更丰富的美感。艺术作品表现生活中美的形象，使之更加突出完美，表现生活中的丑，同样可以化生活丑为艺术美。艺术家在作品中，通过对生活丑的嘲讽和鞭笞，充分暴露出其丑恶的本质，引起人们对丑的厌恶与鄙视，从而去消灭丑、根除丑用以激发起人们对美好事物的憧憬与向往，此时的生活丑也就具有了一定的美学意义与价值。譬如，以反腐倡廉为题材的艺术作品，通过对腐败现象的暴露和批判，充分揭示了社会腐朽现象对社会主义建设的危害性、并给世人以警示，同样达到了化腐朽为神奇的震撼力，使欣赏者获得了一种特殊的美感。

艺术不仅是一种审美的活动，具有审美特性，而且艺术仍属于上层建筑中的意识形态，具有意识形态性质。归根结底，艺术是人对世界的一种精神把握的方式，人们通过艺术达到对世界的认识，也包含着人对自己的认识。而且，艺术中的审美性是其最根本的本质属性，其意识形态特征则是隐藏在审美特性之中的，它使艺术的审美世界具有了更为广阔和深邃的内涵，因此，我们说艺术活动是审美活动与意识形态的统一。

2、类型

(1)绘画和雕塑

绘画和雕塑都主要运用形、色、质以及点、线、面、体等造型手段构成一定的艺术形象。前者是在二维平面上表现，后者则在三维空间中塑造，造型性是它们最重要的审美特征。

由于表现手段不同，绘画种类非常丰富，而写实与表现是两种最主要的方式。写实性绘画直接模仿自然和现实事物形象，多用逼真的手段达到特定的具象效果；表现性绘画侧重强调主观精神，多采取夸张、变形、象征、抽象等手法直接表达主体情感体验与审美需要，实现艺术形象的创造。例如，中国画的特色不仅在于其工具材料（毛笔、宣纸、墨色）有着很大的特殊性，更重要的，是它高度重视抒发主体的内在精神，强调“以形写神”、“神形兼备”，追求气韵、传神和意境，不是向着客观世界去研究形象的物质特性，而是为着心灵需要去触及绘画的形象性，含蓄、深沉地表现主体精神品质，由此形成中国画独特的审美意蕴。

雕塑对于艺术形象的塑造具有高度的概括性和象征性。它以物质实体性的形体，在三维空间中塑造可视、可触及立体的艺术形象，其审美特性是在空间中获得的，与雕塑有关的周围环境也是雕塑作品的有机组成部分。一般来讲，雕塑主要通过两种方式表达：一是清晰地呈现，二是含蓄的暗示。例如，现代主义雕塑便往往通过抽象与暗示来获得新颖的艺术效果。

(2)建筑

建筑是一种具有象征性的视觉艺术，它“一般只能用外在环境中的东西去暗示移植到它里面去的意义”，“创造出一种外在形状只能以象征方式去暗示意义的作品”。

建筑充分体现了功用和审美、技术与艺术的有机结合。尽管各种建筑的形式、用途各不相同，但它们总体上都体现了古罗马建筑学家维特鲁威(Vitruvius)所强调的“实用、坚固、美观”的原则，总是力图展现各种基本自然力的形式、人类的精神与智慧。也就是说，建筑在具备实用功能（可以供人居住等）的同时，有其一定的审美功能特性。它通过形体结构、空间组合、装饰手法等，形成有节奏的抽象形式美来激发人在观照过程中的审美联想，从而造成种种特定的审美体验。如中国古代宫殿的方正严谨、中轴对称，使人感觉整齐肃穆；哥特式教堂一层高似一层的尖顶、昂然高耸的塔楼，则令人有向上飞腾之感。北京的天坛、埃及的金字塔、法国的巴黎圣母院、澳大利亚的悉尼歌剧院等等，都以风格特异的抽象造型，给人以独特的审美感受和启迪。随

着当代人类对生态环境的自觉意识的日益提高，建筑与环境的和谐也越来越成为人类的迫切需求，蓝天、绿地、水面、林荫使人们对建筑的视觉审美扩展到了一个更大的范围。

建筑也是时代文化精神的一面镜子，犹如用石头写成的历史。雨果在《巴黎圣母院》里谈到大教堂时，就曾经指出：“这是一种时间体系。每一个时间的波浪都增加它的砂层，每一代人都堆积这些沉淀在这个建筑物上”。面对各式各样的建筑，人们不仅能够欣赏它的造型之美，而且可以从中认识和感受历史的风貌、时代的变迁、民族的精神和文化的创造。古希腊建筑的庄严与优美，哥特式建筑的挺拔高耸，洛可可建筑的华丽风格，现代建筑光滑平薄的立面，后现代建筑充满隐喻的变形、分裂、夸张的装饰，都相当准确地反映了各个历史阶段的时代文化精神面貌，反映出不同历史时期人们的审美趣味。

(3)书法

书法作为一门独特的中国艺术，是从实用升华而来的。它利用毛笔和宣纸的特殊性，通过汉字的点画线条，在字体造型的组合运动与人的情感之间建立起一种同构对应的审美关系，使一个个汉字仿佛具有了生命，体现出书法家的精神气质与审美追求。“中国的书法，是节奏化了的自然，表达着深一层的对生命形象的构思，成为反映生命的艺术。”

具体而言，书法的审美特征主要体现在：第一，姿态。草书和行书或轻盈、或敏捷、或矫健，隶书、楷书在安定稳重里透露着飞动流美，篆书分行布白圆润齐整、用笔流畅飞扬，它们各各具有造型姿态的美。在书法作品中，笔法墨法相兼相润，字型笔画自由多样，线条曲直回环运动，传达出各种姿态和气势，形成了一种变化无穷的艺术效果。而书法家自身人格的蕴藉，更使点画笔墨形成一种用笔之力、运笔之势，反映出生命的运动美。唐代书法家孙过庭曾经惊叹：“观夫悬针垂露之

东晋 王羲之《兰亭序》异，奔雷坠石之奇，鸿飞兽骇之资，鸾舞蛇惊之态，绝岸颓峰之势，临危据槁之形；或重若崩云，或轻如蝉翼；导之则泉注，顿之则山安；纤纤乎似初月之出天崖，落落乎犹众星之列河汉”。王羲之的《兰亭序》，便具有一种浑然天成、洗练含蓄的秀润之美，“字势雄强，如龙跳天门，虎卧凤阁”，达到了姿态美的高峰。

第二，表情。书法是一种心灵的写照。南齐书法家王僧虔认为：“书之妙道，神彩为上”。张怀瓘《书断》也说：“文则数言乃成其意，书则一字已见其心”。书法创造中，线条变化与空间构造表现出某种宽泛的情感境界，自由灵活地将书法家的内在气质和个人生命情调带入笔墨，使之成为一种人格与精神的映照。“喜怒哀乐，各有分数。喜则气和而字舒，怒则气粗而字险，哀则气郁而字敛，乐则气平而字丽。情有轻重，则字之敛舒险丽亦有深浅，变化无穷”。这种情感化的线条笔墨与鉴赏者之间产生情感对应效应，唤起相近的审美体验，使之得到美的陶冶、审美的享受。

第三，意境。意境创构是书法的最高境界。“中国古代的书家要想使‘字’也表现生命，成为反映生命的艺术，就须用他所具有的方法和工具在字里表现出一个生命体的骨、筋、肉、血的感觉来”。在笔画形式中，书法艺术无色而具绘画的灿烂，无声而有音乐的和谐。而意境深远的书法作品，必定体现出书法家特定的审美理想。唐代颜真卿在精神上追求“肃然巍然”的磅礴之境，他的书法端庄宽舒、刚健雄强，令人感觉酣畅淋漓、正气凛然。清人郑板桥天性自然，其“六分半书”也是那样真率与活泼。有形的字迹飞动中创造了一种形而上的神韵，使书法艺术超越有限形质而进入无限境界。“一点一画，意态纵横，偃亚中间，绰有余裕”。这种意境之美，是一切中国书法艺术的总体审美意向，也是书法艺术的灵魂。

3、流派

(1)原始艺术与现代艺术

原始艺术具有生硬性、纯真性、力感性和野性，这既是因为原始价值关系通常是低级、粗浅、简单、直接和本能的，又是因为当时人的认识能力非常有限，只能采用粗浅、简单、直接和机械的艺术形式来反映和描述周围存在的客观事物。

现代艺术具有高级性、细腻性、复杂性和理智性，这既是因为现代的价值关系通常是高级、深刻和复杂的，又是因为人们的认识能力不断提高，可以采用高级、深刻、复杂和辩证的艺术形式来反映和描述周围存在的客观事物。

(2)现实主义与浪漫主义

现实主义就是以事物的存在状态为基本视点，来观察和分析事物的运动与发展变化的规律；浪漫主义就是以事物的联系状态为基本视点，来分析观察和事物的运动与发展变化规律。这两者有着不同的侧重点：前者重视现实状态，后者重视联系状态。

现实主义通常着眼于事物的具体性和特殊性，只能认识具体的、个别的事物，不能认识抽象的、普遍的事物。浪漫主义通常着眼于事物的抽象性和普遍性，并对事物进行抽象和归纳处理，各种浪漫主义艺术形象具有一定程度的自主性和随意性，它撇开现实生活的具体形式、具体内容，而不受具体逻辑条件的约束，把一些粗俗的、低级的东西忽略掉，揭示人类心灵深处最深刻和最富暗示性的东西，使艺术创作变成一种创造性的冒险历程。

在原始社会，人的生存完全依赖于自然环境，人只能被动地适应世界，人的价值关系是简单而稳定的，只需要通过直观感觉就可以反映出来，这时最为有效的艺术方式就是以事物的存在状态为基本视点的现实主义。随着社会生产力的发展，人对于自然环境的直接依赖性逐渐减弱，人不仅能主动地适应世界，而且能积极地改造世界，人的价值关系发展成为复杂的、多变的价值关系，需要通过逻辑思维才能准确地反映出来，这时最为有效的艺术方式就是以事物的联系状态为基本视点的浪漫主义。

当社会处于快速发展状态时，人的价值关系也处于快速发展之中，这时浪漫艺术较为流行；当社会处于相对稳定状态时，人的价值关系也处于相对稳定之中，这时现实主义艺术较为流行。不过，艺术的发展与它所反映的价值关系的发展往往是不同步的，通常要滞后一段时间，因此艺术的思潮和流派通常要相对滞后于它所反映的价值关系的发展步伐。

(3)样式主义

早期文艺复兴和盛期的艺术家从自然观察和图案科学的仔细研究中发展了他们典型的风格。当样式主义在1520年（这年拉斐尔去世）成熟时，所有具象派的问题都已解决。一系列的知识重新被学习。样式主义艺术家将艺术看作是他们的老师而不是自然。一方面，文艺复兴时期的艺术家从自然中寻找自己的风格，另一方面，样式主义者首次寻找一种风格和一种方法。

就样式主义绘画而言，构图可以没有焦点，空间可以是模糊的，人物的特点是具有运动的弯曲和具有扭曲、夸张的扭转，肢体弹性伸长；一只手摆出奇异的姿势，而另一只手摆出优雅的姿势；一贯小而椭圆形的头。这种构成充满了色彩冲突，不像我们在盛期文艺复兴看到的平衡自然和丰富的颜色。样式主义的艺术作品旨在寻求不稳定和骚动，同样也有对包含挑逗意味倾向的寓言的偏好。

二、中国传统艺术

1、定义与简介

中国传统艺术最早起源于新石器时代，主要代表性艺术有书法、音乐、舞蹈和戏曲等。艺术的定义之一是，通过塑造形象以反映社会生活而比现实更有典型性的一种社会意识形态。而中国的传统艺术则是历代的中国画家，书法家，手工艺者，诗人，建筑师等在中国的历史长河中，通过他们对中国人、社会和环境的理解所呈现给我们的，反映中国社会历史生活的一幅文化长卷。

我国传统艺术的遗产极其丰富并且辉煌。绘画、书法、音乐、舞蹈、戏曲、园林、建筑、雕塑、工艺美术、传统美食、传统服饰等等，都有几千年的积累，都有伟大的创造，都透着五千年文明古国深厚的文化底蕴。这是中华民族的宝贵财富，也是全人类的宝贵财富。中国传统艺术以其浓郁的乡土气息、淳厚的艺术内涵和生动的历史痕迹，越来越受到世界人民的喜爱和欣赏，成为人类共同的文化“大餐”。

2、绘画

(1)历史渊源

中国绘画的历史最早可追溯到原始社会新石器时代的彩陶纹饰和岩画，原始绘画技巧虽幼稚，但已掌握了初步的造型能力，对动物、植物等动静形态亦能抓住主要特征，用以表达先民的信仰、愿望以及对于生活的美化装饰。

(2)先秦历史

先秦绘画己在一些古籍中有了记载，如周代宫、明堂、庙祠中的历史人物、战国漆器、青铜器纹饰，楚国出土帛画等，都己达到较高的水平。

秦汉王朝是中国早期历史建立的中央集权制大国，疆域辽阔，国势强盛，丝绸之路沟通着中外艺术交流，绘画艺术空前发展与繁荣。尤其是汉代盛行厚葬之风，其墓室壁画及画像砖画像石以及随葬帛画，生动塑造了现实、历史、神话人物形象，具有动态性、情节性在反映现实生活方面取得了重大成就。其画风往往气魄宏大，笔势流动，既有粗犷豪放，又有细密瑰丽，内容丰富博杂，形式多姿多彩。

魏晋南北朝时期战争频仍，民生疾苦，但是绘画仍取得了较大的发展，苦难给佛教提供了传播的土壤，佛教美术勃然兴起。如新疆克孜尔石窟，甘肃麦积山石窟，敦煌莫高窟都保存了大量的该时期壁画，艺术造诣极高。由于上层社会对绘事的爱好和参与，除了工匠，还涌现出一批有文化教养的上流社会知名画家，如顾恺之等。这一时期玄学流行，文人崇尚飘逸通脱，画史画论等著作开始出现，山水画、花鸟画开始萌芽，这个时期的绘画注重精神状态的刻画及气质的表现，以文学为题材的绘画日趋流行。

隋唐时国家统一，社会相对稳定，经济比较繁荣，对外交流活跃，给绘画艺术注入了新的机运，在人物画方面虽然佛教壁画中西域画风仍在流行，但吴道子、周昉等人具有鲜明中原画风的作品占了绝对优势，民族风格日益成熟，展子虔、李思训、王维、张缲等人的山水画、花鸟画己工整富丽，取得了较高的成就。

在中国，绘画的真实性在12世纪宋朝时已发展到高峰，尤以郭熙的《早春图》为写实主义的巅峰，以后就开始转向主观情趣的抒发，自王维被盛赞诗中有画，画中有诗後，文人画悠久的传统便延续至今。又自北宋後，中国绘画渐趋注重笔墨情趣的形式主义，举例而言文徵明的画即意不在山水的描绘而是藉由山水来堆砌各种运笔的手法。到15世纪的明朝末年，清朝初期时，画家已经开始向表现自我方向转化，不注重客观世界的描绘，而是，八大山人、扬州八怪、任伯年、吴昌硕等都有很强的自我风格，而不再计较再现自然的真实性。现代画家如齐白石、张大千等更体现出大家风范，他们画的不一定真实，但任何人也模仿不出他们画的精髓!(3)五代历史

五代两宋之后，中国绘画艺术进一步成熟完备一，出现了一个鼎盛时期，朝廷设置画院，扩充机构编制，延揽人才，并授以职衔，宫廷绘画盛极一时，文人学士亦把绘画视作雅事并提出了鲜明的审美标准，故画家辈出，佳作纷呈，而且在理论上和创作上亦形成了一套独的体系，其内容、形式、技法都出现了丰富精采、多头发展的繁荣局面。绘画发展至元、明、清，文人画获得了突出的发展。在题材上，山水画、花鸟画占据了绝对的地位。文人画强调抒发主观情绪，“不求形似”、“无求于世”，不趋附大众审美要求，借绘画以示高雅，表现闲情逸趣，倡导“师造化”、“法心源”，强调人品画品的统一，并且注重将笔墨情趣与诗、书、印有机融为一体，形成了独特的绘画样式，涌现了众多的杰出画家、画派，以及难以数计的优秀作品。

中国绘画是中国文化的重要组成部分，根植于民族文化土壤之中。它不单纯拘泥于外表形似，更强调神似。它以毛笔、水墨、宣纸为特殊材料，建构了独特的透视理论，大胆而自由地打破时空限制，具有高度的概括力与想象力，这种出色的技巧与手段，不仅使中国传统绘画独具艺术魄力，而且日益为世界现代艺术所借鉴吸收。

3、书法

中国的书法是一种独具特色的艺术门类，它不仅是表达观念的符号，更是表情达意的形态。

中国书法以毛笔、宣纸、墨和石砚为工具。书写者使用毛笔，蘸取在砚台中磨研适度的墨汁，在宣纸上书写。

中国书法起源于汉字，而象形则是汉字最基本、最重要的特征，它与绘画一样是以客观物象为依据生发出来的，因而中国书法与中国传统绘画有着一种血脉相通的联系。书法不仅统领中国绘画，使之在世界上具有悠久历史和广泛传播；同时，书法还与文学诗歌、与篆刻造型、与音乐舞蹈等中华民族姊妹文化有着无法斩断的亲密关系。书法不仅是一种表现性艺术，通过作品将书法家个人的生活感受、学识、修养、个性及情趣爱好等折射出来，即“字如其人”或“书为心画”；同时，书法还是一种实用性艺术，常被用于题辞、牌匾。

由此可见，书法实际上是一种综合性艺术，是更倾向于表现主观精神的艺术。数千年的悠久历史，使中国书法自甲骨文与金文开始，经过一系列演变，形成篆书、隶书、行书、楷书、草书等不同体式；出现了王羲之、王献之、欧阳询、颜真卿、柳公权、怀素、黄庭坚等众多杰出的书法家，形成不同流派，并在不同朝代各领风骚，将中国书法艺术发展至炉火纯青的艺术高度。

4、瓷器

中国真正的瓷器出现是在东汉时期（公元23－220年）。首先是在南方地区的浙江省开始出现的。浙江绍兴上虞县上浦小仙坛发现东汉晚期瓷窑址和青瓷等。瓷片质地细腻，釉面有光泽，胎釉结合紧密牢固。从显微照相可见，青瓷残片釉下已无残留石英。这种釉无论在外貌上，或是显微结构上，都已摆脱了原始青瓷的原始性。已符合真正的瓷器标准了。

东汉之后的三国两晋南北朝时期（公元220－581年）南方青瓷的生产，如浙江越窑等一直处于领先地位。在绍兴、余杭、吴兴等地也都设有窑场，形成独自的窑系。所谓窑系，是指某一著名窑场与附近或外省的一些窑场均生产某一种或几种相同类型的产品，这些窑场就构成一个窑系，以主要和最有影响的窑场命名。浙江是中国最早形成窑系的地区，其原因可能与这里是中国瓷器的发源地、制瓷业特别发达有关。

越窑生产青瓷与黑瓷，到西晋晚期也生产青釉褐斑瓷，即在器物的主要部位加上褐色点彩，以打破青瓷的单色格调。

三国时越窑的产品胎质坚硬细腻，呈浅灰色；釉汁纯净，以淡青色为主，黄或青黄色少见；器型有碗、碟、罐、壶、洗、盆、钵、盒、盘、耳杯、香炉唾壶、虎子、水盂、泡菜坛等日用瓷。西晋时又出现了了扁壶、鸡壶、烛台和辟邪等新产品。南朝时佛教盛行，瓷器上多以莲瓣或莲花作为装饰。从三国到隋统一前的数百年中，以越窑为代表的瓷器生产有了长足的发展。它的品种繁多，式样新颖，已深入到生活的各个领域。成为人们不可须臾离开的用具。

此外，在南方当时还有婺州窑、湘阴窑和丰城窑等著名窑址。

北方瓷器的出现要晚于南方，大致是从北魏晚期到隋（公元581－618年）统一前的近百年中发展起来的。北朝青瓷的器型有碗、盘、杯、罐、壶、瓶、盒等，多为日常用品，陈设品较少。莲瓣罐是北朝典型产品。它有三系、四系、六系和方系、圆系、条系的区别，均从肩至腹堆塑成肥硕的莲瓣，有六瓣或八瓣不等，底有圈足。最能代表北方青瓷生产水平的器物，是河北景县封氏墓出土的4件莲花尊。其体积最大的一件高约70厘米，口至肩部有三周贴花，饰飞天纹、宝相花纹、兽面纹和蟠龙纹。肩有六系，其下有六层堆塑上覆下仰莲瓣纹。

北方瓷器生产虽晚于南方数百年，但它一旦掌握了青瓷生产之后，便迅速改进生产技术，提高工艺水平，并结合北方的人文特点，导致了白瓷的出现。白瓷是由青瓷发展而来的，两者的区别仅在于胎、釉中含铁量的不同。瓷土含铁量少则胎呈白色，含铁量多则胎色较暗，呈灰、浅灰或深灰色。就瓷器本身的发展而言，是从单釉瓷向彩瓷发展的，无论是褐绿彩、白地黑花、青花、釉里红，还是斗彩、五彩、粉彩或珐琅彩，都是以白色为衬托，来展现各种色彩的艳丽与美妙的。所以，白瓷的产生，对瓷器的发展有及深远的影响，至唐代已形成“南青北白”的格局。

北齐武平六年（公元575年）范粹墓出土的10件白瓷器，是目前已知时代最早的白瓷器，有碗、杯、三系罐、四系罐、长颈瓶等。唐代（公元618－917年）南方的青瓷、北方的白瓷、三彩瓷；以及湖南长沙窑的复彩瓷均有较大的发展。

其中，长沙窑的瓷器在亚非13个国家、73个地点都有出土，说明它的影响遍及国内外。从其产品中的胡人雕塑、椰枣、棕榈纹样及书写阿拉伯文等方面来看，可能出现了专门为外销而生产的瓷器。

宋代（公元960－1279年）在唐代的基础之上，出现了“定、汝、官、哥、均”五大名窑并称于世的现象。

元代（公元1279－1368年）是中国瓷器生产承前启后的转折时期，在很多方面都有创新和发展。元世祖忽必烈至元十五年（公元1278年），元帝国在江西景德镇设立了“浮梁瓷局“，为景德镇瓷业生产的发展创造了有利条件，并为其在明清两代成为全国制瓷业中心和饮誉世界的“瓷都”打下了坚实的基础。元代景德镇在制瓷工艺上有了新的突破，最为突出的则是青花和釉里红的烧制。

青花瓷一般指的是由钴料作为呈色剂在胎上作画，然后罩以透明釉、经高温一次烧成，呈白地蓝花的釉下彩瓷。青花瓷充分体现了中国的民族特色，它一经在景德镇出现，就以极旺盛的生命力而迅速发展，成为生产的主流达数百年之久，并远销国内各地及亚、非诸国；釉里红是用铜红料作为呈色剂，在胎上绘以纹饰，在罩以透明釉，在高温还原气氛中烧成的呈釉下红彩的瓷器。釉里红的烧成难度大，成品率底，尤其是色纯正者少。釉里红呈色鲜艳，白地红花引人瞩目，极受人们的欢迎。

明（公元1368－1644年）清（公元1644－1911年）两代是中国瓷器生产最鼎盛时期，瓷器生产的数量和质量都达到了高峰。景德镇作为“瓷都”的确立，使景德镇窑统治明清两代瓷坛长达数百年，直至今日。当时，各种颜色釉瓷和彩绘瓷是景德镇制瓷水平的突出代表。

5、陶器

中国最早的陶器出现于新石器时代早期。大约在距今15000年左右，首先在中国南方可能已经开始制陶的试验，到距今9000年左右大致完成了陶器的发明和探索。1962年于江西万年县仙人洞遗址发现的圆底罐，其年代据放射性碳素测试为公元前6875±240年，为夹砂红陶，外表有绳纹。裴李岗文化（公元前5500～前4900年）中的陶器则多为泥质或夹砂红陶，亦有少量灰陶。在接下来的磁山文化（公元前5400年～前5100年）、大地湾文化（公元前5200年～前4800年）、仰韶文化、马家窑文化、大汶口文化、龙山文化可以看出古代中国人的制陶工艺不断发展，品质提高，种类增多。在中国，彩陶出现在公元前4000年左右。“半坡彩陶”为仰韶文化的一部分，在1953年首先于陕西西安市半坡村被发现，主要包含水壶及碗等。一开始它们上面纯粹为红色，但陶器上渐渐有独特的符号，称为半坡陶符，纹饰有动物纹、几何纹、编织纹等。此后在临近各省也发现了类似的陶器。在公元前2500年至2000年的龙山文化中，出现了黑陶，这是中国制陶工艺的一次高峰。在商朝，有理论认为是当时印欧语系的游牧民族带来陶轮的技术，令陶器量产化。在周朝，以陶轮制作的陶器会以更高温烧制，令其硬度增加，同时亦会使用绿色的釉料。秦朝的陶俑兵马俑成为当时最具代表性的陶器，而在此时陶器的描绘主题由动物转变为人。在汉朝，陶器的描绘主题由为佛教的传播而出现了佛的形象。到了唐朝，中国出现了白色的陶瓷，而同时亦出现了其他陶像，唐三彩成为当时艺术精华的代表。到了宋朝，因为瓷器技术开始成熟令中国的陶器的辉煌被瓷器完全盖过。此后中国的陶瓷器重点便落在瓷器上。然而明清的紫砂壶等陶器乃至近代的江苏宜兴、广东石湾的陶器工艺仍然有非常高的水准。

唐三彩特点

(1)造型 唐三彩的特点可以归纳为三个方面，首先是造型。从造型方面来讲，它的造型与一般的工艺品的造型不同，与其他时代出土的马也不同。

唐三彩的造型丰富多彩，一般可以分为动物、生活用具和人物三大类，而其中尤以动物居多。出土的唐三彩女立俑(现藏故宫博物院)三彩女立俑(现藏故宫博物院)三彩，从分类来看主要也是分为动物、器皿和人物三类，尤其以动物居多，这个可能和当时的时代背景有关，在我国古代马是人们重要的交通工具之一，战场上需要马，农民耕田需要马，交通运输也需要马，所以唐三彩出土的马比较多。其次就是骆驼也比较多，这可能和当时中外贸易有关，骆驼是长途跋涉的交通工具之一，且丝绸之路沿途需要骆驼作为交通工具。所以说，匠人们把它反映在工艺品上。而人物一般以宫廷侍女比较多，这个反映的就是当时的宫廷生活了。

马的造型比较肥硕，这个马的品种，据说是从当时西域那边进贡过来的，所以和我们看到的马的形状有点不大相同，马的臀部比较肥，颈部比较宽。唐马的造型特点，它是以静为主，但是静中带动，你们看到这是一匹静立的马。但是通过马的眼部的刻画，马的眼部是刻成三角形的，眼睛是圆睁的，然后马的耳朵是贴着的，它好像在静听或者听到有什么动静一样，通过这样的细部刻画来显示出来唐马的内在精神和内在的韵律，也可见匠人们高超的制作工艺了。

(2)釉色

唐三彩的另外一个特点就是釉色。作为一件器物上同时使用红绿白三种釉色，这在唐代本来就是首创，但是匠人们又巧妙地运用施釉的方法，红、绿、白三色，让它交错、间错地使用，然后在高温下经过高温烧制以后，釉色又浇融流溜形成独特的流窜工艺，出窑以后，三彩就变成了很多的色彩，它有原色、有复色、有兼色，人们能够看到的就是斑驳淋漓的多种彩色，这是唐三彩釉色的特点。

唐三彩器物形体圆润、饱满，与唐代艺术的丰满、健美、阔硕的特征是一致的。三彩人物和动物的比例适度，形态自然，线条流畅，生动活泼。在人物俑中，武士肌肉发达，怒目圆睁，剑拔弩张；女俑则高髻广袖，亭亭立玉，悠然娴雅，十分丰满。动物以马和骆驼为多。

(3)胎质

唐三彩胎质白中泛浅红、浅黄色。胎土细、实，含有矿物杂质。由于大多从墓中出土，历经千年时间，器物露胎处有风化现象；仿品多为瓷胎或以石膏为胎，胎质洁白、细腻，无风化现象。杂质少，叩之声音响亮，上手手感较重。

(4)产地

唐三彩的产地西安、洛阳、扬州是陆上和海上丝绸古道的联接点。在古丝绸之路上，唐代的交通工具唐三彩驼和外域商贩唐三彩驼和外域商贩主要是骆驼。可以想见，在沙漠中，人和骆驼艰难跋涉，相依为命，所以人和骆驼有一种亲密感。它那高大的形态和坚毅负重的神情，似乎还带着丝绸古道的万里风尘。

河南巩县三彩窑位于该县的大、小黄冶村，其距县城东约10公里，位于站街乡西南2.5公里的黄冶河两岸的台地上。它们前临一条长约11公里的河流，此河在当地分段命名，从发源地青龙山峡谷至水底河村的这一段叫寺河（因有唐代慈云寺遗址），上游从水底河村至白河村这一段叫白冶河（因唐代在此烧制白瓷），中游从白冶河村至大、黄冶村的这一段叫黄冶河（唐代烧三彩器以黄为主色），下游叫西洒河。

由于巩县南依青山支脉青龙山，北临滔滔不息的黄河，伊、洛两河东西贯穿县境，所以水陆交通非常方便，再加上黄冶河一带蕴藏着丰富的白色高岭土和大量的煤炭资源，这就为三彩器的烧制提供了物质基础，古人因地制宜，物尽其用，选择这一地点建立生产唐三彩的作坊、窑炉是很自然的，因而这一带也就成为唐代生产唐三彩的发源地，而且还是所发现的三彩产地中专门烧制三彩器的窑地。

(5)历史意义 唐三彩这一种工艺品的特点，它有中西文化的交流特点在里面，这个造型是鸡头器皿，从考证它当时是西域国家甚至中东国家的一种盛酒用的器皿，但在中原地区把它作为一种工艺品来制作，并且从人们的使用中可以看到当时中西文化的交流。

唐三彩是唐代陶器中的精华，在初唐、盛唐时达到高峰。安史之乱以后，随着唐王朝的逐步衰弱，由于瓷器的迅速发展，三彩器制作逐步衰退。后来又产生了“辽三彩”、“金三彩”、但在数量、质量以及艺术性方面，都远不及唐三彩。

三、西方艺术

1、历史

(1)史前

西方人最早的美术作品产生于旧石器时代晚期，即距今3万到1万多年之间。最杰出的原始绘画作品，发现于法国南部和西班牙北部地区的几十处洞窟中，其中最著名的是法国的拉斯科洞窟壁画和西班牙的阿尔塔米拉洞窟壁画。所绘形象皆为动物，手法写实，形象生动。迄今为止发现的原始雕刻大多为小型动物雕刻，少数人像雕刻中，裸体女性雕像占主要地位，这些女性雕像夸张女性的生理特点，突出表现女性的乳房、臀部、腹部、大腿等，体现出原始人对于母性和生殖的崇拜意识。在奥地利维也纳附近的维伦多夫出土的女性雕像被称为“维伦多夫的维纳斯”，是其中最著名的代表作。

(2)古代

西方习惯把新石器末期到中世纪称为古代，具体来说就是指公元前4000年（文字的出现）到公元476年（西罗马帝国灭亡）。主要包括美索不达米亚、埃及、希腊和罗马时期的美术。

美索不达米亚（即幼发拉底河和底格里斯河之间的地区，又称两河流域）的雕塑，如巴比伦王国的“汉漠拉比法典”浮雕，亚述王国那些表现战争和狩猎的紧张场面、手法极为写实、充满激烈动势的浮雕。

古埃及的庞大金字塔建筑，按照正面律程式雕刻的人像雕刻和神秘威严的狮身人面像。古希腊的自由民主创造了具有民主思想的建筑、雕刻和绘画作品，其中留存于世的不少健美而优雅的雕刻形象，如《掷铁饼者》、《米洛斯的维纳斯》等，尤其具有无穷的魅力。古罗马美术承继着古希腊的传统，但罗马人的美术更倾向于实用主义。规模巨大的科洛西姆竞技场和万神庙是古罗马建筑的杰出代表。而曾被维苏威火山灰掩埋达1700多年的庞贝壁画，则给我们展示了古罗马绘画的独特面貌。

(3)中世纪

中世纪是指公元5世纪（以公元476西罗马帝国崩溃作为标志）到15世纪（意大利文艺复兴的黎明），它标志着西方进入了基督教时代。受基督教制约，中世纪美术不注重客观世界的真实描写，而强调所谓精神世界的表现。建筑的高度发展是中世纪美术最伟大的成就。拜占廷教堂、罗马式教堂和哥特式教堂，各具艺术上的创造性。与宗教建筑相结合，雕刻、镶嵌画和壁画也取得了一定成就。

(4)14-18世纪

国际哥德风格（International Gothic）新古典主义-浪漫主义（18世纪）

(5)19世纪

现实主义·巴比松派·前拉斐尔派·学院艺术·印象派·后印象派·新印象派·Chromoluminarism · 点描派风格（Pointillism）·Cloisonnism·那比派风格（Les Nabis）·综合主义（Synthetism）· 象征主义·哈德逊河派（Hudson River School）(6)20世纪

现写实主义写实主义代艺术·立体主义·表现主义·抽象表现派·抽象艺术·Neue Künstlervereinigung München·蓝骑士（Der Blaue Reiter）·Die Brücke·达达主义·野兽派·新野兽派·新艺术运动·包豪斯·荷兰风格派运动·装饰艺术运动·普普艺术·未来主义·至上主义·超现实主义·色面派（Color Field）·极简主义·装置艺术·Lyrical Abstraction·后现代主义·概念艺术·地景艺术（Land art）·行为艺术·录影艺术（Video art）·新表现主义（Neo-expressionism）·Outsider Art·低眉艺术（Lowbrow）·New media art·年轻英国艺术家派（Young British Artists）·反概念主义·Systems art(7)21世纪

Relational art·Videogame art·哲学星座原型批判美学

2、影响

纵观20世纪的中国美术发展史，就是一部批判、继承本民族的传统艺术文化和吸收、借鉴现代西方艺术思潮的历史。在100多年的发展、变革中，中国的一些美术家在自身的美术创作活动中自觉不自觉地将西方美术作为自己艺术创造的一种对比和参照对象。尤其对一些坚持从传统艺术本身来求新、求变的中国画家，在保留中国画独特个性的同时，也自觉不自觉地采纳、吸收和鉴赏现代西方艺术的有益成分，来丰富自己的艺术语言，具体地讲，大致有三方面的内容。其一，在现代西方的非理性主义哲学影响下，彻底抛弃了古典艺术的理想主义色彩，从而转向对人类内心世界的表现。其实质就是，彻底否定古典主义，运用古拙、深沉的表现技巧来表现庄严神圣的宗教理念，从现实生活出发，从不同的方面，以新的视角，真实科学地描绘客观世界和艺术家身边的现实生活，以及表达自己的感性认识和理性认识。其二，注重形式，把“形式提高到独立地位”，作为艺术创作的基本语言。用新的技巧和形式展示了客观世界和人们的主观精神世界的丰富性，拓展了人们的审美领域。其三，积极吸收科学技术进步的优秀成果，大量吸收、运用人体解剖学、现代光学、化学、色彩学、构图学、透视学以及社会学、心理学等知识，创造了既有独特的艺术个性，又带有时代精神风貌的艺术作品。上述三个方面不仅对西方现代艺术的发展起到了积极的促进作用，而且对近、现代中国画的发展也产生了非常深远的影响，使中国画实现了从传统形态向现代形态的转变。

现代西方艺术思潮作为现代资本主义社会的一种文化现象，对当代中国美术产生的影响，一方面是西洋诸多画种的引进，丰富了我国美术创作的载体。另一方面，西洋画的引进也打破了中国画长期以来的封闭、静止、缓慢变化的格局。中国画源远流长，是中华民族悠久历史文化积淀的一种传统绘画形式，体现着中华民族的审美要求，深受广大人民的喜爱。但是，中国画发展自清代中叶以后，确实暴露出了许多弊端。一是脱离生活，“标榜门户、陈陈相因、固步自封”“近亲繁殖”。①二是排斥科学，不重视发展。虽然在明代宫中供奉西洋传教士画家的风习一直沿袭到清朝，但它并没有对传统中国画家产生根本性影响，传统中国画仍然沿袭、继承古人“随类赋彩”“墨分五色”，注重强调“物体的固有色”而发展着，直到今天，我们仍然没有系统的中国画色彩理论体系。三是形式的“程式化”，标志着中国画的成熟，同时它也是后人无法跨跃的障碍。正是在这种情况下，西方现代艺术注重科学、注重生活、注重形式多样化的创作思潮像一中国美术中国美术股清新的风吹过中国画坛，使中国画在观念上、表现技法上发生了根本性的变化。纵观100多年的历史，中国画吸收现代西方艺术的有益成分实现自身的转变，大致经历了三个阶段。

第一阶段，19世纪末至20世纪50年代（学习、普及西方绘画知识的时期）。虽然早在明朝时期，欧洲商人与传教士来华，在传播天主教和科学技术的同时，也带来了西方古典美术，打开了中国人的眼界，促进了中西美术的交流。但并未引起中国画家对这种“舶来品”的广泛注意。直到近代，许多有志之士，采取主动、积极的态度学习西方现代艺术。李叔同、高剑文、陈师曾、徐悲鸿等进步人士先后出国学习绘画。回国后，他们一方面兴办教育，普及西方现代艺术，另一方面积极主张“折中东西方”对传统绘画进行改造、创新。高剑文主张“在传统绘画的基础上吸收西洋绘画技法，效法日本画所走过的艺术道路，改革中国画”。以徐悲鸿、蒋兆和等一代宗师为代表，首先扛起现实主义旗帜，积极吸收西方绘画的素描、色彩知识以及人体结构知识，采用传统的笔墨，探索西洋画的塑型观念与中国画的笔墨语言相融合的方法，实现了贴近现实生活和面向人民大众的观念变化。山水画家黄宾虹大师在继承传统技法的基础上，吸收西方绘画知识，实现了由古代文人画的符号化、抽象化的高逸境界向大自然和人生回归的历史转变。花鸟画家潘天寿先生也认为：“对西洋画，搞中国画的不仅要精通本专业，还要学习外来的东西，这才是中国画家的态度。”因此，在他的画中仍然能感受到西画的影响。

第二阶段，中华人民共和国成立到1978年（巩固、改造阶段）。新中国的建立，使无数中华儿女壮志满怀，怀着极大的热情投身社会主义建设，艺术家们亦满怀豪情，积极地用自己手中的笔描绘着一切。但随着社会主义改造的基本完成，接下来的就是一个又一个的阶级斗争运动和史无前例的“文化大革命”。在这种特殊的文化背景下，中国画仍以自己特有的方式继续深化着对西方绘画的吸收、借鉴。具体表现在：

一、当时美术界在“二为”方针指引下，鲜明地举起了社会主义的现实主义旗帜，大批画家走向基层、走向农村、走向工厂，创作更加贴近生活，贴近人民大众的美术作品。

二、当时虽然彻底抵制着西方社会的腐蚀文化思想，但又由于前苏联的美术与西方绘画在表现材料、手法上属于同一个体系。所以，西方绘画的素描学、色彩学、透视学等科学知识在我国仍得到了强化、巩固。

三、彻底“与传统决裂”，要求中国画家，面对现代人的精神面貌和服饰（即短衣、短衫）特点，对传统“以线造型”进行改造，来表现、反映劳动人民的现实生活。创造出了一种“半工半简”的语体形态。人物画家叶浅予、黄胄、刘文西等一大批画家，仍然在探索中西结合，弱化了传统线条的独立性。山水画家李可染、傅抱石、白雪石等人的写生山水，大量吸收西洋画的写实造型并且充分发挥水墨的特性，创造出了当代山水画的主流。花鸟画方面，由于受政治的约束和花鸟画的自身限制，基本上没有明显的发展，像王雪涛、郭味蕖的“半工半简样式”与当时人物画的表现手法是相一致的。

第三阶段，1978年以来至今（变革、创新阶段）。党的十一届三中全会以来，我国实行改革开放的政策，建立社会主义市场经济体制，给整个社会带来了根本性的变化。尤其是文化的裂变，使得审美文化从其泛政治化倾向中摆脱出来，出现了多元的发展势头。作为优秀传统文化的中国画，则在这场裂变中，再一次陷入选择发展道路的困境之中：一方面它无法抵抗西方现代主义思潮的冲击；另一方面又不能从传统的精神中发展出新生命，因而在西潮与传统之间徘徊瞻顾、痛苦万分。一些青年画家喊出了“中国画穷途末路”的呼救声。②这呼声最终导致了一场前所未有的大争论。即“中国画走向何方？”在这场争论中，有的主张坚持现实主义，注重写实、塑造典型；有的主张绘画不要与政治沾边；有的主张打破所有旧模式，寻求无法之法；有的却主张“返祖”，召唤原始艺术；有的主张“纯绘画性”，形式大于一切；有的主张直觉、感知，排斥理性，如此等等。③这种思潮和现象，真可谓“仁者见仁、智者见智”，但笔者认为这场争论的根本原因是人们已经看到了现代西方艺术思潮的确有其先进的一面，却苦于吸收、借鉴之观念、意识模糊，而导致对中国画的反思。随着社会不断发展和中国画家们的不断努力，一些国画家们对西方艺术的吸收、借鉴意识逐渐清晰，行动更加坚定，加大了中国画与西方艺术融合的力度和速度。同时提倡传统与吸收西方绘画的斗争更为激烈，而且随着社会的发展，将继续斗争、融合下去。中国画正是在这种矛盾和斗争中，不断变革创新，不断完善发展，愈加焕发出它特有的魅力。

21世纪的中国画将如何发展，这是摆在我们面前必须思考的问题。对此，我们要用科学的态度和辩证思维的方法分析问题。马克思主义认为，经济基础决定上层建筑，上层建筑要与经济基础相适应。为此，我们应清醒地认识到建立社会主义市场经济新体制，就是以公有制为主，其他所有制形式为辅的体制，与此相适应的上层建筑（指绘画艺术领域）也将呈现出一主多辅的多样化趋势。所谓一主就是在内容方面强调时代精神和精神文明建设，在形式上提倡现实主义手法。所谓多辅指中国画家们在继承传统艺术有益成分的基础上，广泛吸收现代西方绘画的诸多流派的各种形式特点、表现手法来丰富自己的绘画语言，更好地反映社会各个阶层的审美要求。这“一主多辅”的格局也必将促使中国美术界在对待西方艺术的问题上，会有意无意进行吸收借鉴，从而实现中国画从传统形态向现代形态的彻底转变。

四、中西艺术的差异

1、中国传统艺术与西方古典艺术的差异及根源

总体来说，中国传统艺术是写意的--注重的是人与自然的关系，反映的大多是自然在人心里的感受。绘画多写意，音乐重感受，书法写胸臆，舞蹈讲合一；西方古典艺术是写实的--注重的是对自然的重现，反映的大多是自然的真实情况或运行理论。绘画多写实，音乐重和鸣，舞蹈表情绪。而这种区别与中西哲学的差异有关。中国的哲学思想是以中庸谦和为主，把天人合一，物我两忘推向极致；西方哲学主要是来源于希腊的数学和几何的逻辑思维，重视对事物的客观认识，概念化推理演绎剖析事物，推崇物我对立。所以，中国艺术以含蓄的手法来表现自己，西方艺术多以夸张的手法来表现自己。

中西方绘画之差异分析。东西方巨大的文化差异导致了以油画为代表的西方绘画和以水墨画为代表的中国绘画除在材料及工具的使用上的差异外，在创作方法和审美观念上也存在根本性的不同。西方绘画由于受到古希腊亚里士多德“摹仿说”的理论影响，故西方绘画一般重形似、重再现、重理性；而整中国画注重的是情感表现，注重“以形写神”，“气韵生动”。创作方法上西方绘画重写实、以块面塑造形体、强调焦点透视；中国绘画重写意、以线造型、追求打破时空界限的散点透视。此外，中国画讲究将诗、书、画、印有机地组合在一个画面上，从而形成中国画独特的内容美和形式美。

中国传统建筑与西方古典建筑之差异分析。中西建筑文化的不同，从根本上应理解为中西文化传统的不同。一般认为:中国文化重人，西方文化重物;中国文化重道德和艺术，西方文化重科学与宗教;中国文化重融合、统摄，讲究并存与一体性，西方文化重不同时代的独特精神，凸显各种流派的个性特质等等。中西丰富多彩的建筑文化所蕴涵的建筑特色、艺术形式、发展源流以及人文理念等差异或不同，都能从历代建筑物以及流传下来的建筑学著作中得到印证和反映。中国传统建筑的特色集中体现了人与自然和谐相处的“天人合一”的哲学思想。而西方古典建筑的特色则体现了人与自然对立的“人神合一”的宗教观念。这两种观念体现了各民族文化内涵和民族审美价值的差异，衍生出迥异的审美风格。西方从古希腊神庙建筑到古罗马拜占庭建筑、中世纪哥特式建筑再到文艺复兴建筑、巴洛克建筑、罗可可建筑、新古典主义建筑，进而到包豪斯开创的现代建筑以及目前正方兴未艾的后现代建筑无一不具有鲜明的时代性。通过对比，则显现出强烈的民族性。总的来说，中国传统建筑多以土木结构为主，侧重于空间的群体组合和序列转换，注重环境气氛的营造意境含，追求和谐统一，柔中带刚，表现出强烈的是世俗理性精神和政治伦理观念；西方建筑多采用石质材料，气势恢宏，注重造型和空间的变化对比，刚中带柔，带有浓郁、神秘的宗教气息。

中国传统音乐与西方古典音乐的宿命。音乐精神决定了音乐发展的方向。中国传统音乐精神的核心是“同天地之和”，贵意不贵曲，重神不重技；操演中，重心神会意，不以曲谱为意。中国音乐精神一天地境界为哲学背景，背景规定了它由先秦的乐教意识转向魏晋以来的非乐的音乐意识，从而导致了中国音乐自魏晋开始的式微；西方音乐精神以宇宙精神为哲学背景，这一背景暗示了它的近代主体性转向，从而激发了近代西方音乐以交响乐为主导的辉煌发展。两种音乐精神都以自己的哲学背景为归宿。通过音乐来表达自己的理想世界，是两种音乐共同的音乐动机。为了实现这一动机，两种音乐都经过了由表现情感到超越情感的转化。中国传统音乐的美学特征和内涵：

1、以意为重，乐不在管弦的音声；

2、意在弦外，得意在于与弦外天地相合；

3、至乐无乐，为乐之功当归于自我与天地生命的神奇化合。结果，中国传统音乐走向天地而式微，而几与沉没；西方音乐有客观宇宙转向主观宇宙，在交响乐的辉煌建筑中解体。音乐的道路竟只有这两条？未来音乐的形式有何在？这是中西艺术哲学共同的话题。

中西方雕塑、园林艺术的特点。西方雕塑的出现首先也是作为建筑艺术的装饰而出现的。中国古代陵墓雕塑是为死人服务的艺术，而西方大多的人像雕塑是为活人欣赏的艺术，显示了 二者在目的和功能上的不同。中国西汉霍去病墓前的大型石刻组雕以高度概括、凝练和典型化的艺术形象显示出精神饱满、气势磅礴的特点。这种偏于象征、表现、、写意、追求美和善统一的思维模式与西方注重再现、模仿、写实、追求美和真统一的思维模式也造成了中西传统雕塑中最大的差异。中国古代雕塑注重表现对象内在气质的特征，而西方传统雕塑注重对外在形体的精细研究，形成了中西雕塑意向造型与模拟造型两种不同的方式。比如说，具有鲜明民族性的中国风景式园林与西方规划式园林及阿拉伯园林林。中国园林强调曲径通幽、含蓄曲折、虚实相生、天人合一。西方园林则已几何规划园林，讲究开阔、宽敞、通透。这与西方重理性思考，重数理几何的科学性等文化情结有关，而阿拉伯的伊斯兰园林则完全以《古兰经》中四条河流为造园的理念。

2、中西方艺术之共性

首先，中西艺术都重技巧。但西方对技巧的是重视归于完美观念的：一方面竭力设计完美的形式，已达到最高的理想；另一方面采取一种客观科学的立场引入透视法、解剖学进行极尽真实的描绘，以给人最真实的幻象。中国之重技巧，却以主体和天地的生命感通为统帅，如庖丁解牛，“好乎道，近乎技”。西方艺术以技为道，技艺高超，被誉为“天才”；中国艺术以道化技，以技入自然为至上。其次，中西艺术都有“意在笔先”的追求。西方艺术的“意”，是一个形象的完整构思；中国艺术的“意”却是当下心神与天地神会。因此，西方艺术的创作是情景置于眼前，再借幻觉的技术把它描摹出来，创作过程是冷静的、精细审慎的、绵长的；中国艺术的创作是有形合于无形，创作过程是活跃的、大而化之的、即时的。象征性和寓意性是中西方雕塑共同拥有的艺术特色。同时，中西建筑的共同点就是两者都有非常鲜明的时代性和民族性。

3、中西方艺术发展之现状

当代中国艺术发展概况：中国当代艺术按不同时期可划分为三个阶段，即中华人民共和国成立后的17年（1949-1966）；文化大革命的十年（1966-1976）；文革结束后及改革开放以来的新时期（1979至今）。“17”年的艺术主要是表现出朴素的、蓬勃向上的社会主义现实主义精神，并具有革命的现实主义和浪漫主义相结合的特点；文革时期的美术带有狂热的红色政治色彩的伪现实主义和伪浪漫主义；而新时期的艺术展现出了开放型的具有中国特色社会主义美术的多元格局。进入21世纪后，物质力量的渐渐强大为艺术市场的形成提供了时代背景，艺术家的作品进入市场曾一度引起美术批评界激烈的争论。理论的争吵并没有找到当代艺术的出路，反倒是在逐渐推进的市场化实践中，利益化和非利益化的艺术作品都渐渐找到了适合自己的位置。让两者都健康地生存下来，也许才是中国艺术健康发展的最佳方式。

对于西方而言，即后现代艺术主义，大多说人认为其兴起于20世纪50年代。有人认为后现代主义是现代主义的继续与发展，而更多人认为它是对现代主义的反叛。抛弃审美走向文化观念，常常以锐利的锋芒直接介入各种社会问题的批判。后现代的各种艺术形态都充满了对古典主义艺术与现实主义艺术的颠覆，借艺术的衣钵来反艺术。这就是西方后现代艺术的基本情况。

无论中国还是西方，其建筑艺术发生的变化最为巨大。随着生产力和科学技术的发展，高速发展的社会不断地提供着不同的、先进的材料，这使得建筑鲜明的时代性得以体现。从木质结构到砖石结构，再到钢筋水泥结构，轻型钢板折叠使用，钢架和玻璃结合使用。新型的建筑材料使得当今世界各地各种当代建筑以令人炫目和震惊的姿态呈现在世人面前。重视文化传统，探求民族特色，激活本国特殊的文化价值等，已成为国际性建筑思潮之一，建筑风格进入了“各显神通”的时代，人文追求成为建筑新的价值衡量尺度。