欣赏西方古典音乐有感

第一篇：欣赏西方古典音乐有感

最早接触西方古典音乐是小时候的音乐课上学习贝多芬的《欢乐颂》，那时候就对西方古典音乐产生了好感，由于母亲是音乐教师，因此接触音乐的机会也比较多。直到现在也依然保存着几首比较喜欢的曲子，随时拿来听一听，会让人感觉心情愉悦。

欧典古典音乐的创作背景一般可分为四个时期，第一个时期便是巴洛克时期，这个时期最著名的代表人物就是巴赫，也被称之为音乐之父，是我最喜欢的音乐家之一。这一时期的音乐风格旋律优美，柔和，这也是我喜欢它的重要原因。

第一次听到巴赫的《G大调小步舞曲》是在听fall in love的《一千零一夜》的间奏。那一小段音符的回旋清新自然轻盈让人真的想跟着它跳一支小步舞。这首曲子是巴赫题献给自己贤内助安娜·玛格达雷纳的作品。安娜是巴赫的第二任妻子是一位典型的贤妻良母除了照料好一家人的衣食起居外她还经常帮巴赫抄写谱子而且水准一流。巴赫出于对安娜的感激和爱意先后在1722和1725年创作出两卷曲集送给妻子。后来两卷曲子被合并，并且去除了其中的声乐演唱部分成为了《为安娜·玛格达雷纳.巴赫而作的古钢琴小曲集》。小曲集一共有45首，其中第26首《G大调小步舞曲》便是此曲比较通俗但是却自然有一股纯净的味道。原来小步舞曲是用于西方宫廷舞蹈的充满了奢侈浮华的意味，曾听过陈慧琳的《lover's concerto》便是改编自此曲。很喜欢她轻轻淡淡的唱法一改宫廷乐曲的浮华，用最纯净简单的声音将小步舞曲娓娓道来让人感觉心情愉悦畅快。从此以后我遍喜欢上了巴赫的作品，将巴赫的作品都一一听过，也开始听同一时期的其他音乐家的作品，诸如德国音乐家亨德尔，以及英国音乐家普塞尔的作品。不过最喜欢的还是巴赫的作品。

其实在现在这个快节奏的时代，很少有人会静下心来去感受经典的音乐，充斥在我们周身的是那些不到一年便被人遗忘了的流行乐。我想如果真正静下心来欣赏的话，西方古典音乐会带给我一种脱俗、清新的感觉，对我们自身修养的提高有很大帮助。

第二篇：浅谈对西方古典音乐的欣赏

西方古典音乐发展与赏析论文 土木建筑学院 土木工程

201001020204 董硕

浅谈对西方古典音乐的欣赏

摘要：在音乐中，有魔鬼的诱惑，有上帝的昭示，有人类的挣扎。音乐是一个宇宙，音乐中有一切。莫扎特的音乐风格优美、秀丽、典雅、热情，听后是使人能产生心旷神怡的感觉；贝多芬的音乐集中体现了他那个时代人民的痛苦和欢乐、斗争和胜利。因此贝多芬的音乐作品重视激励着人们，鼓舞着人们的气质，即使在现在也使人们感到亲切和鼓舞；肖邦的音乐风格处处透露着优雅、细腻、精致，色彩性的和声处理的很有独特性，使人陷入一种无法自拔的浪漫。关键词：西方古典音乐 大学生 影响

音乐，始于词尽之处。——圣桑

音乐，是人生的艺术。——施特劳斯 音乐，是思维者的声音。——雨果

古典音乐虽然被称为高雅音乐，离我们这个时代较为遥远，但是它能流传下来，就说明它是经典的，有意义的。古典音乐常常陪伴在我们身边：世界杯开幕式演出郎朗的演奏、F1颁奖仪式的背景音乐《卡门》、北京残奥会盲人演奏的《c小调幻想即兴曲》，甚至是《猫和老鼠》中的《匈牙利狂想曲》、根据尼采作品创作的《查拉图斯特拉如是说》也被运用于《2001太空漫游》„„还有流行歌曲借用古典旋律:SHE的《不想长大》、Hayley Westminster的《never say goodbye》等等。其实古典音乐并不晦涩难懂，每个人都可以有自己对作品的看法。每个人都可以在古典音乐的领域找到属于自己的地方。

一 欧洲古典音乐的发展时期

欧洲古典音乐伴随着历史阶段的发展和变革，形成了与当时社会氛围相适应的各类音乐艺术形式和各种风格流派。它的创作背景一般可分为四个时期，所包括的内容与形式广泛多样，作品与史料丰富详实。它所承载的异域的人文风情，给听者以启发、震撼、感动。了解和欣赏欧洲古典音乐会使我们当代大学生的人文艺术修养更上一层楼。

欧典古典音乐的创作背景一般可分为四个时期：第一时期——巴洛克时期，这个时期代表人物有德国巴赫也称音乐之父，亨德尔也称清唱剧大师，意大利的维瓦尔第等，这个时期的音乐风格旋律优美，柔和。第二时期——古典主义时期代表人物有海顿、莫扎特、贝多芬等，这个时期的音乐特征主题特点鲜明，有一定的冲突性。第三时期是浪漫主义和民族乐派，代表人物有得彪西、舒曼、舒伯特、拉威尔、柴可夫斯基等，这个时期的音乐背景比较复杂，作曲形式多样，音乐表现有些委婉抽象，且有号召力，有鲜明的民族风格。第四个时期——近代主义乐派，代表人物有斯特莱温斯基、马勒等，作品特征和声配器丰富，旋律性不太强，内涵深，有的还带有爵士风味，这个时期的作品较难理解。欣赏者自身的理解是根据自身的文化层次对音乐的理解，音乐不同于其他科学，它反应的东西是比较模糊的，也比较抽象的，因此，可以充分发挥自己的想象力，例如，在欣赏柴可夫斯基《天鹅湖》的场景时，可以想象一群长着翅膀如少女在宁静的湖面上翩翩起舞，若隐若现，也可想象一群天鹅在湖面上轻轻地，慢慢地游荡。总之发挥自己的想象，将三元素有机联系起来，多听著名作品，感觉是美的东西就去欣赏，思考，就会进入欧洲古典音乐欣赏最高层次。

二 西方古典音乐对人文修养的影响

古典音乐的发展普及是一个民族，一个城市的文明化程度的标志。欧洲古典音乐是西方文明中极为重要的一部分。欧洲古典音乐难于欣赏，成为一种阳春白雪的高雅文化。其实，古典音乐中有许多脍炙人口的音乐作品、片段，在我们生活中为人们所喜闻乐见。霍夫曼曾说，“音乐是所有艺术中最富浪漫主义——几乎可以说是唯一的真正浪漫主义艺术，因为它的唯一主题就是无限物。音乐向人类揭示了未知的王国，在这个世界中，人类抛弃所有明确的感情，沉浸在无法表达的渴望中。”

我在这里要说的并不是现在的流行音乐，而是在世界，特别是在欧洲产生过巨大影响的欧洲古典音乐。它之所以经典，是因为它会使我们的心灵得到净化，思想得到升华。“古典”一词源自拉丁文，原是典范、即奉古希腊（或罗马）为典范而加以模仿的意思。人们有时把严肃音乐或艺术性音乐统统称为古典音乐，以同所谓“流行”音乐或娱乐性音乐相区别。“古典”的这一广义解释，把历史时期和风格全然撇开，因此，本来是属于不同时期和不同风格的音乐作品，例如，巴赫、贝多芬、柴可夫斯基以至于斯特拉文斯基的作品，都可以称为古典音乐。作为大学生，在素质教育大潮之中，如果想使自己的人文修养更上一层楼的话，欣赏欧洲古典音乐便是不可缺少的一课。

欧洲古典音乐，主要是欧洲音乐有千百年的历史，它伴随着欧洲各个历史阶段的发展和变革，形成了与当时社会氛围相适应得各类音乐艺术形式和各种风格流派。它所包括的内容与形式之广，作品与史料之多，远非一本教材或一门课程可以概括。欧洲古典音乐也是全世界人民的财富，是我们学习和掌握音乐文化知识的一股源泉。

三 浅谈欣赏西方古典音乐

广义的欧洲古典音乐是指那些从西方中世纪开始至今的，在欧洲主流文化背景下创作的音乐，主要因其复杂多样的创作技术和所能承载的厚重内涵而有别于通俗音乐和民间音乐。

许多人认为欣赏音乐，首先要先了解乐曲的时代背景、作者生平、音乐结构（和声、伴奏、配器）。我认为音乐的产生非常自然，是出自感性、本性和天性的东西，它出自人类第一声喊叫。欣赏音乐、走进音乐，首先要感受音乐，感受音乐带来的感动和心灵的共鸣，然后才能理解音乐、表述音乐。音乐包含了艺术和思想等在内的丰富内涵。要对音乐所表达的内容含义进行深入的体味和得到完美的艺术享受，就必须从“感情”欣赏上升到“理智”欣赏，从“感觉”上升到“感受”。①熟悉音乐语言：音乐语言依靠它特有的各种表现手段，包括旋律、节奏、音色、力度、等要素构成了音乐形象。听者要对不同的要素具有一定的敏锐的感受和理解能力，良好的分辨和记忆能力。不同的作品都有自己的主体及主题变化发展的手法，听者应努力培养自己具有依靠听觉去感受器乐化主体的能力。而培养这种能力离不开对音乐语言的熟悉。②掌握乐曲曲式结构形式：曲式是音乐在长期发展过程中形成的一套典型的结构方式。正是这种形式决定了主题呈示，重复，发展变化或再现的基本规律。了解和掌握它，才能进一步体味音乐作品的内容所体现的整体及形式美。

③了解音乐流派和风格：听者必须对作曲者所处时代、环境、经历、遭遇、身世等等有所了解，同时还要了解他写作此曲时的动机、以及乐曲的基本内容（最好也了解一些音乐形式和手法等）。如此，在听音乐时，听者就能随着乐曲感情的起伏变幻，而在内心得到一种讯号，随着乐曲之乐而乐，悲而悲，愤而愤，并转化成哲理概念。

④把握准确的欣赏方法：音乐在精不在多，而且要分层次和整体相结合。首先，面对一部作品，最好采取分章分段和完整聆听行相结合的方法。感情上，我们要熟悉它，跟踪音乐的信息；理性上，作品文字介绍或讲解能够帮助我们加深理解。其次，分层次听，可以感受旋律、伴奏、织体的进行等。最后，整体综合欣赏，感受整体的立体感，由表及里，由此及彼，逐步深入。

⑤现场聆听音乐会：听现场演奏可以使人感受音乐，使人置身其中，在无言中体会音乐的魅力，对于提升个人音乐素养起到潜移默化的作用。

四 介绍西方古典音乐代表人物，代表作

巴洛克时期的代表人物有：巴赫、维瓦尔第和亨德尔。

巴赫：《马太受难曲》、《b小调弥撒》、《法国组曲》、《英国组曲》。

维瓦尔第：小提琴协奏曲《四季》、歌剧《奥托尼在维拉》。

亨德尔：歌剧《阿尔米拉》、歌剧《里纳尔多》、《水上音乐》、清唱剧《弥赛亚》。

古典主义代表人物：海顿、莫扎特、贝多芬。

海顿：《告别交响曲》、《惊愕交响曲》、《始终交响曲》、《伦敦交响曲》。

莫扎特：《朱庇特交响曲》、歌剧《费加罗的婚礼》。

贝多芬：《英雄交响曲》、《田园交响曲》、《命运交响曲》、《爱格蒙特》序曲。

浪漫乐派代表人物：门德尔松、舒伯特、舒曼、罗西尼、肖邦、柴可夫斯基、普契尼、理查施特劳斯。

门德尔松：《仲夏夜之梦》、《赫布里底群岛》、《e小调小提琴协奏曲》。

舒伯特：：《小夜曲》、《未完成交响曲》、《 C大调交响曲》、《鳟鱼》五重奏。

舒曼：《蝴蝶》、《狂欢节》、《交响练习曲》、《幻想曲集》。

罗西尼：《塞尔维亚的理发师》、《威廉·退尔》。

肖邦：《革命练习曲》、《b小调谐谑曲》、《第一叙事曲》、《降A 大调波兰舞曲》。柴可夫斯基:交响曲《b小调第六交响曲》，芭蕾舞剧《天鹅湖》、《睡美人》、《胡桃夹子》，歌剧《叶甫盖尼·奥涅金》、《黑桃皇后》，管弦乐《1812序曲》。

普契尼：《图兰朵》、《蝴蝶夫人》。

理查施特劳斯：歌剧《莎乐美》、《玫瑰骑士》、《爱列克特拉》，交响诗《唐璜》、《堂吉诃德》、《查拉图斯特拉如是说》。

当代大学生可以说是面临着一个比我们本身想象的更复杂的社会，而在这样纷繁复杂的社会当中我们要学会洁身自好，而西方古典音乐正是可以带给我一种脱俗、清新的感觉，对我自身的素质的提高有很大帮助。

第三篇：浅谈如何欣赏中国古典音乐

中国古典音乐是中国传统音乐的集大成者，是中华民族流传千年以来音乐的精华所在。在五千年漫长的历史进程中，中国的文明史展现了灿烂辉煌的一页，中国是世界上最早的文明古国之一，音乐也同样源远流长。从春秋时期开始，华夏大地百家争鸣的浪潮碰撞出璀璨的火花，中国音乐也迎来黎明的曙光。之后的中国古典音乐的发展，更是开创了一个又一个的音乐高峰，经典音乐更是层出不穷。中国古典音乐犹如一棵古老而常青的参天大树，以其源远流长和多彩多姿屹立于世界音乐艺术之林。它反映了中华民族以音乐修身养性的精神，体现了中华民族的意志、道德、文化和追求。中国音乐过去的辉煌成就，曾震撼了无数世人。稽康善古琴，《广陵散》、《梅花三弄》慷慨激昂。从那时起，音乐成为了知识分子阶层日常不可缺少的生活。中国古典音乐与诗人所创作的诗词歌赋一样，诚可谓“阳春白雪”。而这一切，都是思想体系形成一定高度的产物。

一 中国古代的乐器

中国古代的乐器，相传在公元前三千年伏羲氏创造了琴与瑟，比埃及发明弦乐器要早一千年；公元前2500年颛顼时期造出了鼓；女娲氏时发明了笙、簧、管、箫、笛等乐器。而到了夏、商、周时期，则为三代盛行铸钟，尤以周代为最，且分为特钟和编钟两种；周代非常重视音乐的社会功能，发明的乐器也多，如馨、搏、竽；秦代主要是造筝。从西域，沿着丝绸之路传来的乐器有：琵琶、箜篌、羌笛、胡笳等。据统计，中国的民族乐器多达1000余种，共分为拉弦乐器、弹拨乐器、吹奏乐器和打击乐器等四大类，具有风格各异、演奏形式 多样的特点。如江南丝竹、广东音乐、河北吹歌、西安鼓乐、舟山锣鼓、新疆十二木卡姆和西藏弦子等。举世闻名的敦煌莫高窟壁画《唐代伎乐人乐舞图》真实展示了1000多年前庞大的宫廷乐演奏的情景。

二 古典音乐乐器音色

古人在演奏乐器时特别讲究氛围，必定先焚香沐浴，净心调神，这与佛教文化似出一源，体现了中国乐器的深邃性和高贵不可亵渎性。中国的古乐器是透过感官直达心底，在心灵深处回旋、激荡、屡屡不绝，余味无穷。

中国乐器的音色历来注重个性化，强调不可替代性。凡是在历史上被淘汰或没有得到长久传承或普遍使用的乐器，大都是因为其音色与其他乐器相似。如瑟因其音色与筝和箜篌相近而几乎绝迹，排箫因其与洞箫相近而失传多时。因而好的乐器都有各自的品性特征。

三 中国古典音乐的主要特点

1.旋律与和声：

中国古典音乐虽然很早已经掌握七声音阶，但一直偏好比较和谐的五声音阶，重点在五声中发展音乐，同时将中心放在追求旋律、节奏变化，轻视和声的作用。中国古典音乐好像是用线条画出的中国画，如果没有轮廓（旋律）则不成其为音乐，但和声是可有可无的。2.场面与气势：

中国古典音乐似感情流露，委婉缠绵、细水长流，很多是独奏或者“琴瑟合奏”“琴箫合奏”，场面不大，让欣赏者仔细品味、得以慧悟，如同知己之间的交流、密闺之中的私话。3.听觉与领会：

中国古典音乐是心灵的艺术，讲究天人合一，你中有我我中有你，似有混沌不清的感觉，感到不好懂，但静心凝听股股韵味幽然而来，透过感官直达心底，在心灵深处回旋、激荡，微妙含蓄、意味深长而难以言达。

不难理解，中国的古典音乐犹如中国的茶，它的味道、意境是那样的幽玄，内涵是那样的博大精深；它与其他音乐都有所不同，是在舒缓中隐含着激情，是在平淡中深透着真挚„„

四 中国古代文化与古典音乐的关系

中国古代的记谱方法是用宫商角子羽这些文字来记谱的，包括诗经楚辞乐府唐诗宋词元曲都是有谱的，在儒家文化统治的时代，艺人一直处在三教九流的最底层，所以那些中国古典的个种艺术形式都只是用一种文学的形式流传下来。这样的历史背景直接导致中国古典音乐与中国的诗词歌赋有千丝万缕的关系，而且许多古典音乐的意境只是存在于某一特定的自然境界和生活场景中，也正是这种独特性，才影响了经典古典音乐的独创力和影响力。因此中国古代文学与古典音乐的融合成为中国古典音乐发展的一个特征。如白居易的《琵琶行》，杜甫的《清明》，刘禹锡的《竹枝歌》，柳永的《蝶恋花》，王维的《阳关曲》《陇头吟》，秦观的《鹊桥仙》等。其中有的作为民歌在民间长期流传，有的则被琴家所吸收，以琴歌形式被保存了下来。

五 欣赏中国古典音乐名曲，仔细品赏音乐表达的感情及意境 对优美的音乐作品，任何文字的诠释都是苍白无力的，文字难以完全具体地表达或描述音乐那丰富多彩的内涵。因此，要深入理解音乐那美妙的意境，必须细心、反复地听辨旋律，体味其中奥妙，唤起我们对某种情绪、某些画面、某个生活片断或者是有关故事的理解和联想。当古琴、古筝、笛子、二胡、琵琶、大鼓等民族乐器演奏的乐曲自你的音箱流泻而出的一刹那间，你可以清楚地感到，在空气中流动的是：山、水、落叶、冬雪„„那是千古的生命里的一份说不出、道不尽的感觉，那是你从未领略过的中国古典音乐之美„„

《十面埋伏》是中华古典音乐的精华部分，传统琵琶曲之一，描写公元前202年楚汉战争在垓下最后决战的情景。汉军用十面埋伏的阵法击败楚军。项羽自刎于乌江，刘邦取得胜利。是一部以历史背景为创作原材料的古典名曲，全曲分十三个段落，三个部分，环环相扣，气息相通，整首曲子宛如天成，气势滂沱，紧张处飞鸟禁声，游鱼沉底，杀气腾腾。《十面埋伏》是琵琶曲中的精华，领悟了《十面埋伏》的全部，琵琶曲中的种种玄机也就昭然若揭了。而当你明白了琵琶，领悟了琵琶，那么你也将站在琵琶拨动的弦间窥见音乐最深处的奥秘，音乐的灵魂是不分彼此的。胡琴和横笛不同的只是地域和音色，而它们承载都是演奏者最动心、最动听的灵魂声音„„而且领悟了《十面埋伏》中的意境就不难领悟《平沙落雁》中的“秋高气爽，风静沙平，云程万里，天际飞鸣”，当然也就可以领悟《高山流水》中知音难觅人生无欢的悲伤。

音乐是最富情感的艺术，对音乐的情感体验不仅来源于音乐的音 响，也来源于与音乐相关的文化和具体的形象。《春江花月夜》是一首琵琶古典音乐，其中蕴含着丰富的文化内涵，除音乐因素外，乐曲还渗透一下及方面的文化知识：《春江花月夜》是根据琵琶古曲《夕阳箫鼓》改编而成的，具有中国古典音乐美的特征，标题借用唐代诗人白居易《琵琶行》中“春江花朝秋月，往往取酒还独倾”的诗句，具有古诗典雅的神韵，《春江花月夜》的音乐优美,清新，很容易使人联想起唐代同名诗中“潾潾碧波千万里，何处春江无明月”的诗句，好似一幅清新，淡雅的山水画卷。它的审美意境同中国的山水画有着异曲同工之妙，如石涛的《秋江面景》等，可以丰富音乐的想象。欣赏不同乐器演奏的《春江花月夜》，如电子琴，管弦乐合奏，民乐合奏，使我们可以获得不同的审美感受。音乐与诗歌的意境相辅相成，增强了对音乐的审美感受。

《夕阳萧鼓》 这是一首抒情写意的文曲，旋律优美流畅，在演奏中运用了各种琵琶技法。在曲式上，用扩展、收缩、局部增减和高低音区的变换等手法展开全曲。此曲流传甚广，是琵琶古曲中的代表作品之一。乐谱最早于1875年的抄本。1925年前后，上海大同乐社根据此曲改编成丝竹乐曲《春江花月夜》，它犹如一幅长卷画面，把丰姿多彩的情景联合在一起，通过动与静、远与近、情与景的结合，使整个乐曲富有层次，高潮突出，音乐所表达的诗情画意引人入胜。

《渔樵问答》是一首流传了几百年的古琴名曲，反映的是一种隐逸之士对渔樵生活的向往，希望摆脱俗尘凡事的羁绊。音乐形象生动，精确。乐曲通过渔樵在青山绿水间自得其乐的情趣，表达出对追逐名利者的鄙弃。

乐曲采用渔民和樵夫对话的方式，题材集中精炼，以上升的曲调表示问句，以下降的曲调表示答句，曲调飘逸潇洒，描绘出渔樵在青山绿水中悠然自得的神态。乐曲中时而出现伐木或摇橹的声响，使人形象地联想起渔樵生活的情景。

古琴曲《胡笳十八拍》是根据汉代以来流传的同名叙事诗而创作的琴曲，是我国音乐史上一首杰出的古典名曲。原诗作者一说为蔡文姬，但《后汉书·蔡琰传》中未见记载，故难以定论。其音乐为唐人传谱。

全曲共十八段，运用宫、徵、羽三种调式，音乐的对比与发展层次分明，分两大层次，前十来拍主要倾述作者身在胡地时对故乡的思恋；后一层次则抒发出作者惜别稚子的隐痛与悲怨。乐曲以十分感人的乐调诉说了蔡琰一生的悲惨遭遇，反映了战乱给人民带来的深重灾难，抒写了主人公对祖国、对故土的深沉思念及骨肉离别的痛苦感情。被郭沫若称道为“是一首自屈原《离骚》以来最值得欣赏的长篇抒情诗”。

中国传统音乐中，同名异曲、异曲同名的现象很多，乐曲各个版本的历史渊源与流变往往需要艰苦的考证。比如，《汉宫秋月》就有琵琶曲、二胡曲、古筝曲、江南丝竹等不同版本。

此曲由一种乐器曲谱演变成不同谱本，且运用各自的艺术手段再创造，以塑造不同的音乐形象，这是民间器乐在流传中常见的情况。乐曲表现了古代宫女哀怨悲愁的情绪及一种无可奈何、寂寥清冷的生命意境。

《阳春白雪》原是春秋战国时期楚国的两首高深的歌曲名，即《阳春》和《白雪》，是由楚国著名歌舞家莫愁女（姓庐，名莫愁。郢州石城，今湖北钟祥人）在屈原、宋玉的帮助下传唱开来的，至今已有两千多年的历史。

现存琴谱中的《阳春》和《白雪》是两首器乐曲，相传这是春秋时期晋国的师旷或齐国的刘涓子所作，乐曲产生的年代没有确切的史料可以说明。唐代显庆二年（657年）吕才曾依琴中旧曲配以歌词。《神奇秘谱》在解题中说：“《阳春》取万物知春，和风淡荡之意；《白雪》取凛然清洁，雪竹琳琅之音。”后来泛指高深的、不通俗的文学艺术。周六5,6节

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第四篇：西方古典音乐鉴赏（共）

西方古典音乐鉴赏

摘要：音乐是一个宇宙，音乐中有一切。莫扎特的音乐风格优美、秀丽、典雅、热情，听后是使人能产生心旷神怡的感觉；贝多芬的音乐集中体现了他那个时代人民的痛苦和欢乐、斗争和胜利。因此贝多芬的音乐作品重视激励着人们，鼓舞着人们的气质，即使在现在也使人们感到亲切和鼓舞；肖邦的音乐风格处处透露着优雅、细腻、精致，色彩性的和声处理的很有独特性，使人陷入一种无法自拔的浪漫。

关键词：西方古典音乐海顿莫扎特贝多芬肖邦

霍夫曼曾说过“音乐是所有艺术中最富浪漫主义——几乎可以说是唯一的真正浪漫主义的艺术，因为它的唯一主题就是无限物。音乐向人类揭示了未知的王国，在这个世界中，人类抛弃所有明确的感情沉浸在无法表达的渴望中。”

音乐在日常生活中时刻伴随我们，音乐已经不知不觉成为我们生活的一部分，很难想象没有音乐的日子是什么样的。绝大多数人偏爱于流行音乐，它时尚、动感、充满现代的活力与气息。但是提到古典音乐会想起一个现在很少提的概念—严肃。容易让人产生误会，会认为是比较刻板、沉重的音乐。大多数人认为像这类的古典音乐，年代悠久，离我们的时代好遥远。比起古典音乐，青年人更喜欢听流行音乐。一直以来我也是抱着这种思想，以前我只关注流行音乐，偶尔在电视上看到交响音乐会，听到古典音乐只是匆匆扫过，只是觉得气势很磅礴，场面很壮观而已。对古典音乐只是些感性认识、比较肤浅。

可是这学期，我上了古典音乐赏析的选修课，我开始真正接触到古典音乐，深入了解欣赏并剖析。抱着欣赏与学习的态度，通过每节课欣赏古典音乐，我渐渐对古典音乐产生了浓厚的兴趣与强烈的情感。我发现古典音乐与我之前感觉的完全不一样，它是完美、优秀、经典的。要真正听懂古典必须具备一定的音乐理论知识和西方历史背景知识。这样才能更理性更深刻的认识，所获得的审美感受也会更高一个层次。音乐能陶冶人的性情，当你真正沉浸在音乐中时，你会忘掉世俗中一切繁杂的事，尽情的畅游在音乐中!学会欣赏音乐便走出了欣赏美的关键一步，因此学习欣赏音乐是很重要的！在古典音乐鉴赏这门课程的学习中我学到了很多东西。

古典音乐的发展主要分为以下4个时期：

1、文艺复兴时期。这个时期的作品我们接触得相对很少。

2、巴洛克时期。大概从1600年到1750年左右。此时期的音乐大多整齐优美，充满活力。活跃而不断反复的的节奏、精致且装饰音很多的旋律也是其重要特征。多旋律交织的复调音乐在巴洛克时期也占很大的分量。

3、古典主义时期。古典主义时期的音乐指的是大约1755至1825年这五十年间、以海顿、莫扎特、贝多芬为主要代表的音乐家们所作的音乐。古典主义时期的一个伟大成就就是出现了真正意义上的交响曲——它是由海顿奠定了基本结构，并通过莫扎特、贝多芬这些天才的创作走进了巅峰时期的。

4、浪漫主义时期。从贝多芬之后，西方古典音乐就进入了浪漫主义时期。浪漫主义音乐家们要么更侧重于个人情感的抒发，要么着迷于表达文学作品中强烈的戏剧性。他们不停地打破古典

主义的条条框框，只是为了能让人们更易为自己表达的独特内容而感动。很多音乐的旋律性大大加强，和声的处理也是变化多端，所以这些音乐大都有了更为细腻的情感色彩的变化。交响诗、更为自由的钢琴曲是浪漫主义时期的产物，同时古典主义时期就已经很完善的交响曲又得到了进一步的发展，出现了不少宏伟之作。

有人说：建筑是凝固的音乐，音乐是流动的建筑。音乐是人类灵魂的艺术表现，从古典音乐中寻找精神寄托。在古典音乐赏析的课上，我对著名作曲家有了更深层次的了解，如“交响乐之父”海顿、“乐圣”贝多芬、“音乐神童”莫扎特、“歌曲之王”舒伯特、“钢琴诗人”肖邦、“圆舞曲之王”约翰·施特劳斯等等。对于著名的古典音乐更是欣赏至极、如约翰·施特劳斯《蓝色多瑙河》、维瓦尔蒂《四季》、贝多芬《第五交响曲“命运”》、比才《卡门》、莫扎特《g小调 四十号交响曲》、巴赫《小步舞曲》、门德尔松《婚礼进行曲》、肖邦《E大调 练习曲“离别曲”OP.10》等等。然而海顿、莫扎特、贝多芬这三位古典主义音乐大给我留下了最为深刻的印象。

巴赫（1685~1750），最伟大的德国作曲家之一，他把前人发展起来的主要风格、形式和传统概括地加以研究并汇集在一起，使之更加丰富多彩。巴赫的音乐作品可以说是汗牛充栋，他把复调音乐推向了后世无人能够超越的、完美的顶峰。巴赫的音乐有不少都充满了沉思冥想的意味，当然也不乏生机勃勃、激动人心者。

从音乐审美的角度来说第一位大师是海顿，它是交响音乐的泰斗。他的音乐典雅、华丽、结构方整、旋律流畅很少有戏剧性冲突，可以使人飘飘欲仙、悠悠欲睡。交响乐和弦乐四重奏之父的美誉，对海顿来说是当之无愧的。是他奠定了古典乐派的形式和风格，并使其发扬光大。在他创作的黄金期，对音乐的形式与语法的掌握已是炉火纯青，乐曲风格精致、曲思丰富，似乎具有无穷无尽的想象力

海顿在交响乐上的贡献是巨大的，柴可夫斯基说：“海顿是交响乐创作的锁链中一个不可缺少的、牢固的环节。没有他也就没有莫扎特、贝多芬了。”尽管他不如莫扎特、贝多芬那样辉煌，但他的改革具有重大的时代意义是维也纳音乐真正的奠基者。莫扎特、贝多芬无比辉煌的器乐成就都是建立在他的基础上发展完善的。

第二位大师是“音乐神童”莫扎特。他的音乐则甜美、活跃，富于歌唱性和古典美、突出对比性和层次感，像清泉潺潺似流水滔滔。莫扎特一生的曲风大约可以分为三个时期。早期以1770年为界，此时作品中可以看到前古典乐派和意大利古典乐派的强烈影响。中期以1786年30岁为界，此时作品富有典雅的嘉兰特风格和海姆乐派样式的投影。30岁以后的略偏向巴洛克样式，并以此在古典的乐型之外植入更深远的意境。莫扎特的音乐细腻、华贵、含蓄、典雅，风格明朗、旋律优美、结构严谨，具有强烈的古典色彩和超然物外的特点。伟大的音乐天才往往各有千秋，而莫扎特的音乐创作则完美地体现了歌德的一句名言即“艺术就是自然，自然就是艺术”。艺术的端庄与艺术的完美在形式、内容互异的作品中得到统一，这正是莫

扎特的才华所在。

第三位大师贝多芬，他的音乐则升华为美中有“奋”、乐中有“哲”、激情洋溢、形象鲜明、矛盾纷呈、英雄气势撼人，如同熊熊烈焰无比辉煌。音乐家大多注意形式与情感的结合，贝多芬《命运》与《合唱》交响曲中把音乐审美中的表现派与形式派的融合推到了极致。贝多芬被后人评为“集古典派之大成，开浪漫派之先河”的作曲家，可以看出在音乐创作从古典走向浪漫的进程中，贝多芬是一块里程碑。贝多芬一生与苦难命运搏斗,对人生的感触极深,因此在作品中融入了不少前人不曾想象的感情,处处充满自信.总结；音乐由人创作自然表达的是人的情感，音乐的欣赏是要在欣赏音乐的过程中体味创作者的情感，从而达到人与音乐的共鸣。古典音乐让人心旷神怡。。伴随着社会的发展与进步，音乐在人们的日常生活中扮演着越来越重要的角色，成为生活的调和剂。在日常生活中我们可以深刻的感受到音乐的意义所在。在情绪低落时适合听激情澎湃的音乐，如交响曲与进行曲；在心情烦躁的时候，轻音乐是不错的选择，能让人平静下来，认真的思索。

参考文献：

【1】 罗曼·罗兰.《古代音乐家》

第五篇：西方古典音乐鉴赏论文。cpp

内容摘要：音乐在我们的生活中无处不在无所不能，它可以提高我们的节操，升华我们的灵魂。让我们生活在一个美妙的动听的世界，随时随刻的满足我们的精神世界。让我每时每刻都能体会到音符的美妙。而西方古典音乐更是音乐的精品，更能让我们的精神和灵魂都能的到放松。对艺术作品风格的把握，离不开对其形式要素的考察。海顿、莫扎特所在的维也纳古典乐派时期是一个思想变革和社会发展的重要历史阶段。通过对两人所处的时代背景、作品的艺术风格和必需的技术规范的考察，以及对他们一些共同特点的分析和研究，可以形成对古典乐派艺术风格的基本认识，为音乐风格概念的形成和钢琴技术要领的掌握打下良好的基础。

关键词：古典主义 风格 海顿 莫扎特 西方音乐

当钢琴弹奏水平达到一定程度时,准确把握和理解作品的艺术风格的问题便凸显出来。这是每一位琴者理解音乐必不可少的重要素质和基本能力。周光仁先生曾说过：“为了更好地理解音乐作品,就必须对音乐风格有深入、正确的把握„„音乐风格把握的错误,在某种程度上比弹错音还严重。”任何一个演奏者如果不能对其弹奏的作品风格作出正确的把握,就谈不上对音乐作品有深刻的理解。因此, 风格的把握在诠释钢琴作品中的重要地位是不言而喻的。以海顿、莫扎特为代表的维也纳古典乐派占据了钢琴发展史中的重要地位,而钢琴作品也是两人创作的重要领域。本文正是从两人钢琴作品中的共同特点

来探讨这一时期，他们对钢琴作品风格的把握。

一、古典主义音乐的一般特点

“古典的”即为“classic”，在古代文法学家笔下是指“最优秀的”“经典的”之意。而在中国，我们译为“古代的”和“典范的”两层意思。在这里我们所说的“古典主义时期”，只是狭义地指18世纪中下叶，在维也纳形成的以海顿、莫扎特、贝多芬为代表的德、奥音乐。这一时期，由于受法国大革命的巨大冲击和启蒙主义“返回自然”思想的影响，要求音乐质朴化和平民化，音乐特征慢慢地完善成熟，其音乐特点主要如下：

1．主调音乐代替了复调音乐。尽管古典音乐在巴洛克时期孕育并且带有巴洛克时代的印迹，但在这一时期“以旋律与和声背景”为主体的主调音乐仍然占据了主要地位。

2．和声进一步发展，由“主——下属——属——主”建立起来的功能和声及其调性关系体系成为音乐结构骨架。和声语汇更加丰富，大胆采用了离调、转调手法，使旋律更富于表现力，更加立体。

3．受法国大革命和“启蒙思想”的影响，这一时期的音乐逐渐摆脱了宗教内容，取而代之的是以“人”为中心的人文主义内容。“人”取代“神”成为音乐作品的主角。

4．音乐结构形式发生变化。这一时期，奏鸣曲代替了古组曲、二部性古奏鸣曲、托卡他等曲式，形成了结构清晰严谨、织体细致、音乐语言平易近人等特点。同时，这一时期，变奏曲也被广泛运用。

二、海顿、莫扎特的钢琴作品风格

海顿和莫扎特的大部分键盘作品被认为是为钢琴而非羽管键琴而写的。虽然当时的钢琴声音音质比现代钢琴更加轻薄，但它的延音踏板以及强弱方面细微的变化对古典风格的形成是必不可少的因素。

在约瑟夫·海顿（1732—1809）的整个音乐创作中，键盘作品并不是他创作 的主体。海顿把主要精力放在了交响乐及弦乐四重奏的创作上。但不管怎么说，海顿却预示着莫扎特风格的成熟。海顿的钢琴作品初听时并不像莫扎特作品那样迷人，反而有些冗长、粗暴，有时甚至有些野性。莫扎特钢琴作品中的声音因素在海顿作品中几乎找不到。海顿不十分关心钢琴上的歌唱性，而是更致力于纯正的表情。他的钢琴作品中有一种朴实的热情，并有着无比的幽默感。他并不热衷于炫技。和莫扎特相比，莫扎特用很多的“Aallegro”，而海顿更愿意选择“allegro moderato”，甚至“moderato”。

莫扎特（1756—1791），一位坠入人间的音乐精灵。他的精巧、典雅、纯净、澄澈，在欢乐中隐含淡淡哀愁的钢琴音乐，使他在钢琴艺术发展史上独树一帜。他的形式感和对称感似乎与生俱来，而且那种适度的均衡与他来自直觉和灵感的技艺紧密结合在一起。他的钢琴

作品很少追求激情表现或炫技因素，而是忠实于更为亲切和家庭式的奏鸣曲。除去个别较简易的乐曲外，莫扎特的作品几乎无难易可言，每一首都需要极透明的音质、典雅的情趣、准确的分寸、严密的控制、敏感的指触、均匀的走动等，因而都很难演奏得天衣无缝、完美无缺。

我们知道，一切艺术风格的把握，都离不开对其形式要素的考察。因此，通过以上对海顿、莫扎特的了解，我们可以粗略地把握一些古典主义风格的要素。

三、演奏古典作品所需要注意的几个问题

达到古典主义风格的要求、在技术环节上的完善，需要正确处理以下几个方面的关系。

1.速度和力度

在弹奏古典钢琴作品时，正确的速度和力度是极其重要的，随意地变化速度和力度，都不符合古典作品的音乐风格。正确地把握和知道速度究竟多快是弹奏古典钢琴作品所必需的。古典时期的演奏速度比巴洛克时期有了很大的提高，速度向两头扩张。这一时期的快板乐章比巴洛克时期快得多，而且表现力深刻的慢板乐章往往更慢。海顿和莫扎特从不为他们的作品标上速度记号，现在版本上所标记的速度记号都是后来人加上去的。但我们在演奏他们的作品时也应该有个速度的定量，根据当时的时代背景和我们对这一时期音乐的了解，我们

一般把它定量为：快板（allegr48—50左右。总之，要充分保持稳定、统一的速度，绝对不能时快时慢。

而在力度的表现上，由于“槌子琴”的出现，音量较过去增大了，可以用不同的触键来表现渐强渐弱等变化了，因而音乐表现力较巴洛克时期更为丰富。虽然这一时期钢琴制造上有所发展，但还远不如现今钢琴音色丰富、洪亮，声音也不能像现在的钢琴延续得那么长，因此，其力度比现代钢琴整整低了一个等级。由此看出，在演奏古典时期作品时，现代钢琴演奏最大音量也仅仅相当于“mf”，最轻音量则相当于“ppp”。到贝多芬时期，钢琴制造和钢琴演奏又有了一定发展，力度幅度增大。因此在演奏这一时期作品时，我们可以有所变化，但应考虑当时的特点，把握好限度与分寸，弹出尽量符合当时时代背景的音乐。

2．触键与音色

古典时期的钢琴发音明亮、颗粒清脆，是我们的现代钢琴很难做到的。莫扎特钢琴作品声音灵巧而华丽，而海顿有时比莫扎特更富朝气，更具幽默感。因而可以看出，弹奏古典作品要达到我们想要的音色，就要通过均匀清晰的颗粒、活跃的节奏、流畅的气息的途径来实现古典主义特有的高贵气质。而良好的音色的实现是通过触键来完成的，因此，通过海顿、莫扎特我们可以看出弹奏古典作品应遵循以下原则：

①弹奏古典作品时，触键应以指尖，尤其是第一关节为主要部位，下键时，指尖要轻，触键要快，指尖在发音后一定要轻轻支撑住，而力量则应立即松开。不能用臂力压迫键盘，必须控制好声音的“点”。

②弹奏出的音色应明亮而圆润，演奏者要控制好自己的肌肉，通过手臂“松”而不“懈”的力量，弹奏出富于明快、透明、纯净的音色。

③音阶的走句应干净，流畅。用手指奏出富有弹性的音。指尖动作越小越好，其触键速度在单位距离内应该较快，弹奏出颗粒清楚、以“nonlegato”为主的音。

④在手腕配合下，弹奏出有“呼吸”的乐句。钢琴演奏就像声乐演唱一样，都是有“呼吸”的。演奏者通过力量的“上抬”和“下沉”，来实现乐句起伏中形成的“气息”，并根据演奏者本人对乐句的理解来决定使用连奏还是断奏，通过演奏者的手腕、手臂来调节乐句，使声音和谐、统一，弹奏出美妙细腻的乐句。

3．装饰音的弹奏

装饰音一直是个比较复杂的问题。周广仁先生曾指出过：在装饰音记号统一以前，我们很难认定统一的标准。而且，在实际弹奏中，对同一个装饰音，每一位演奏者又有不同的弹法。再者，随着钢琴演奏的发展，后人编撰前人乐谱的版本日益增多，给我们研究这个问题带来了更多的纷扰。古典主义时期的装饰音基本继承了巴赫的传统，以下只是对装饰音的一些一般规律进行的探讨。

①颤音（tr）或回音（∽）。颤音的数量较为自由，不像巴洛克时代的那样严谨，速度和数量由演奏者根据对乐曲的理解而决定。这

里需要指出的是在海顿、莫扎特时期，所有奏法都从标明的主要音符上方二度开始，而到贝多芬时期，则演变成从原音开始。

②长倚音一般具有留音效果，甚至弹奏效果是将音符时值对分。如则应弹奏为。这在莫扎特K283第一乐章，K311第一乐章，海顿的HOBXVI37第三乐章中都能遇到。

③回音应包括在主要音符时值内。装饰音的第一个音应弹在拍子上。如贝多芬的OP.49第一乐章中回音的弹奏。但有时，回音也从拍子后开始弹奏，这就要看演奏者具体的喜好而定。

另外，贝多芬的装饰音略微复杂，如半颤音、分解和弦或琶音、短倚音、长倚音等。我们不可能用某种规范加以限定，只有演奏者根据音乐的时代背景和自身的喜好同时参考大师们的演奏来弹奏。

4．踏板的运用

18世纪后30年，有不少钢琴被装备了一个膝部杠杆，近似于现代钢琴的制音器踏板。踏板就是这一时期发展起来的。在海顿、莫扎特时期，键盘作品基本上都是为古钢琴而作，由于古钢琴与现代钢琴结构完全不一样，因此，据考察，他们的作品中没有踏板使用的标记。但这并不等于演奏他们的作品时不需要使用踏板，所以很多演奏者在弹奏他们的作品时感到迷茫，他们不知道，在任何风格中，右踏板最重要的作用之一是给予更多的共鸣和音色。这一点对古典乐派作品同样适用。因此，演奏者应始终记住：在使用踏板时首先讲究织体的清晰度，句法和奏法绝对不能含糊不清。即使要使用踏板，也要尽量保

持音的清晰，使听者觉察不出来。其次，在有长时值音符的慢速、歌唱性段落中，右踏板不能踩得过深，在这里使用踏板的功能主要应帮助避免声音发干，使整个乐句有一个很好的过渡、连接，起到润色的作用；最后，句法、连线和所有其他奏法应保持清楚，包括休止符都不能用得模糊不清。踏板的运用不能影响以上所述的划分。

随着时代的进步，钢琴制造业的发展为演奏者的踏板运用提供了基础，左踏板的出现也增强了作品的表现力。在这种背景下，演奏贝多芬作品，运用踏板自然比海顿、莫扎特多得多，复杂得多。但不管是演奏贝多芬还是海顿、莫扎特的作品，我们应始终记住古典时期使用踏板的总原则就是：增强乐句的连贯性，使音响获得更丰富饱满的效果。

四、结语

综上所述，通过对海顿、莫扎特钢琴演奏风格的研究以及对弹奏技术的分析，我们可以看出，维也纳古典乐派时期的钢琴作品的弹奏风格所需要把握的分寸，在于内在的深刻和外表的含蓄、有节制的统一。演奏不同时期、不同流派的钢琴作品需要有符合这个流派音乐的演奏风格。钢琴300年演奏艺术的发展过程表明，风格作为一种音乐文化趣味和形式要素、一种演奏中必不可少的认知概念和外显形态,是反映作品思想主题、精神内涵、情绪情感和审美趣味的重要因素，是每一位演奏者在弹奏实践中不能忽视的。我们只有将作品与艺术流

派的共性相结合，深、挖掘作品内涵，准确把握和理解作品的艺术风格，同时，不断提高自身音乐修养和弹奏的技能技巧，才能为培养良好的音乐审美能力及所衍生的各个方面打下坚实的基础。

参考文献：

[1]赵晓生《钢琴演奏之道》

[2]黄莹《风格的研究——钢琴教学中一个值得重视的问题》（《钢琴艺术》）

[3]罗曼·罗兰《古代音乐家》《当代音乐家》

[4]修海林、李吉提 《西方音乐的历史与审美》

[5]郑兴三《论莫扎特钢琴曲的演奏风格》（《厦门大学学报》）