古典音乐推荐

第一篇：古典音乐推荐

巴赫：G弦上的咏叹调、勃兰登堡协奏曲

贝多芬：九首交响乐（当然三“英雄”、五“命运”、六“田园”最著名啦）、小提琴奏鸣曲“春天”“克鲁采”、D小调小提琴协奏曲（四大小提琴协奏曲之一）

莫扎特：第20、21、23、27钢琴协奏曲（20、21的第二乐章优美……唯美）、第40、41交响乐、弦乐小夜曲（共四个乐章，都很熟悉的）、D小调幻想曲、魔笛、费加罗的婚礼（序曲很好听）

维瓦尔第：小提琴协奏曲《四季》（其中《春》第一乐章最有名）

柴可夫斯基：第一钢琴协奏曲、天鹅湖（推荐：圆舞曲、四小天鹅）、胡桃夹子（推荐：花之圆舞曲、糖梅仙子之舞）、睡美人（推荐：玫瑰柔板）、第六交响曲“悲怆”（每个乐章都令人难忘）、钢琴套曲《四季》（“六月”船歌最经典）、如歌的行板、弦乐小夜曲

德彪西：夜曲、大海、牧神午后（根据象征派作家马拉美同名作改编）

小约翰·施特劳斯：蓝色多瑙河圆舞曲、蝙蝠序曲、春之声圆舞曲、维也纳森林故事圆舞曲、埃及进行曲、皇帝圆舞曲、电闪雷鸣波尔卡、南方的玫瑰圆舞曲、前进波尔卡、安锐波尔卡、拨弦波尔卡（与约瑟夫·施特劳斯共同创作）、吉卜塞男爵、晨报圆舞曲、维也纳糖果圆舞曲、维也纳气质圆舞曲、天佑皇帝约瑟夫一世万岁进行曲（有德国国歌片段）、游览列车波尔卡、享受生活圆舞曲、爆炸波尔卡、你和你圆舞曲、柠檬树花开何处圆舞曲、音乐美酒和女人圆舞曲、艺术家生涯圆舞曲、闲聊波尔卡、奥菲欧四对舞

舒曼：童年情景（第七首“梦幻曲”最经典，还有“竹马游戏”、“在火炉边”等）、狂欢节

舒伯特：A大调五重奏“鳟鱼”（第三乐章“幽默曲”最有名）、D小调第十四弦乐四重奏“死神与少女”

肖邦：19首夜曲（前三首最著名）、第一叙事曲、4首即兴曲、多首诙谐曲、多首圆舞曲、多首大圆舞曲（有名波兰舞曲、波罗乃兹）、升C小调幻想即兴曲、多首练习曲、第一第二钢琴协奏曲（第一协奏曲的第二乐章柔美至极，唯美）

李斯特：匈牙利狂想曲（第二、第六首较有名）、钟、爱之梦、献辞、E大调第一钢琴协奏曲（很特别，加入诙谐曲）、B小调钢琴奏鸣曲、旅行年代（欧贝曼山谷、埃斯特哈奇庄园的喷泉）

亨德尔：皇家烟火音乐、弥塞亚、D大调第五号大协奏曲、G小调第六号大协奏曲、C大调大协奏曲“亚历山大的盛宴”、水上音乐

海顿：创世纪（咏叹调与合唱）、107首交响曲、62首奏鸣曲（我也不记得多少部了）

柏辽兹：幻想交响曲（第二乐章四把竖琴绝无仅有）

门德尔松：仲夏夜之梦（有熟悉的婚礼进行曲）、E大调小提琴协奏曲（三个乐章都很有名，四大小提琴协奏曲之一）《以利亚》

勃拉姆斯：第一（又称“贝多芬第十交响曲”，第四乐章旋律模仿欢乐颂）、二、三、四交响曲

德沃夏克：第九交响曲“自新大陆”（第二乐章很著名、其他三个乐章也很熟悉）、斯拉夫舞曲

拉威尔：鹅妈妈组曲、波莱罗、茨冈

斯美塔那：我的祖国（第二乐章“伏尔塔瓦河”很有名）、被出卖的新娘

格里格：A小调钢琴协奏曲、培尔·金特组曲（较著名的有晨曲、阿尼特拉舞曲、在山神庙、索尔维格之歌）

西贝柳斯：芬兰颂、悲伤圆舞曲、小提琴协奏曲

拉赫马尼诺夫：帕格尼尼狂想曲（变奏18较著名）、第二钢琴协奏曲（第二乐章很美）

里姆斯基-科萨科夫：天方夜谭（小提琴主题伴随四个乐章）、西班牙随想曲

圣桑：动物狂欢节（其中“天鹅”最著名）

约瑟夫·施特劳斯：奥地利村燕圆舞曲、水彩画圆舞曲、无忧无虑快速波尔卡、小磨房波尔卡

老约翰·施特劳斯：拉德茨基进行曲、中国人加洛普

瓦格纳：漂泊的荷兰人（前奏曲）、罗恩格林（第一幕序曲）、纽伦堡的名歌手（序曲）、帕西法尔（序曲、圣星期五的奇迹）、汤豪舍（前奏曲）

马勒：第一进行曲、旅行者之歌（声乐套曲，古斯塔夫·马勒作词）

R斯特劳斯：查拉图斯特拉如是说 作品30（开头被选为一电影配乐）、唐璜 作品20、梯尔·艾伦斯皮格尔的恶作剧 作品28

法雅：爱情魔术师

布鲁克纳：第四交响曲（降E大调“浪漫”）

普罗科菲耶夫：罗密欧与朱丽叶（芭蕾舞剧选曲）

埃尔加：小提琴小品爱的致意（又称爱的礼赞）、威仪堂堂进行曲、新颖主题变奏曲“谜语”

霍尔斯特：行星组曲（“木星”乐章很著名的！熟悉的旋律在三分十五秒出现）

第二篇：古典音乐测试题

西方古典音乐知识测试题

1．圆舞曲也称“华尔兹”，是奥地利的一种民间舞曲，其动作优美，通常采用几拍子

A.二拍子 B.三拍子 C.四拍子 D.五拍子 2.在《动物狂欢节》中，作者以生动的手法，描写动物们在热闹的节日行列中，各种滑稽有趣的情形。其作者是 A.德国 舒曼 B.法国 圣·桑 C.奥地利 海顿 D.挪威 格里格 3.烟台保利大剧院于2010年5月上演了一部著名的芭蕾舞剧《胡桃夹子》，这是世界上最优秀的芭蕾舞剧之一。这位伟大的俄国作曲家以及他另外一部经典芭蕾舞剧是

A.柴可夫斯基 《天鹅湖》 B.斯特拉文斯基 《天鹅湖》 C.柴可夫斯基《黑桃皇后》 D.斯特拉文斯基《睡美人》 4.根据所给描述，判断他是哪位音乐家

①生于奥地利，维也纳古典乐派的代表人物之一

②是人类历史上极为罕见的音乐天才，有“音乐神童”的美誉 ③他一生创作了歌剧、交响乐、协奏曲、奏鸣曲、室内乐、宗教音乐和歌曲等作品；

④是歌曲《渴望春天》的作者。

A.亨德尔 B.贝多芬 C.莫扎特 D.舒伯特 5.门德尔松为德国浪漫乐派最具代表性的人物之一。他的《〈仲夏夜之梦〉序曲》为浪漫主义作曲家描绘神话仙境提供了先例。下面哪首歌曲也是他的作品

A．《回声》 B.《月夜》 C.《乘着歌声的翅膀》 D.《致音乐》 6.《卡门序曲》是法国作曲家比才创作的一首管弦乐曲，其结构是回旋曲式，用图式A+B+A+C+A+D+A„„表示。贝多芬创作的一首钢琴小品也是这种曲式，这首作品是

A．《月光》 B.《献给爱丽丝》 C.《热情》 D.《悲怆》 7.下列歌曲与其歌剧对应关系不正确的一组是 A.《猎人进行曲》——《自由射手》 B.《歌墟问答》——《刘三姐》

C.《斗牛士之歌》——《卡门》 D.《今夜无人入睡》——《茶花女》 8.印象主义音乐产生于十九世纪末，是音乐进入现代主义的开端。其创始人是 A.俄国 格林卡 B.法国 德彪西 C.奥地利 勋伯格 D.挪威 格里格

9.《C小调“革命”练习曲》充满了战斗性，深刻地反映了作曲家在华沙陷落、起义失败后的心情，体现出波兰人民不屈不挠的反抗精神。它的作者及称号是

A.肖邦 钢琴诗人 B.约翰·施特劳斯 圆舞曲之王 C.舒伯特 歌曲之王 D.B.B.King 蓝调之王 10.音乐的体裁门类很多，如进行曲、圆舞曲、协奏曲、交响曲，下列音乐作品与上面音乐体裁对应正确的是（）①《蓝色多瑙河》 ②《 命运 》 ③《梁山伯与祝英台 》 ④《拉德斯基进行曲》

A.①②③④ B.④①③② C.③④①② D.②③④①

第三篇：古典音乐赏析

懂得欣赏西方古典音乐也是很重要的。最容易进入古典音乐的殿堂就是官能欣赏，即满足于音乐的直觉感受，也就是说你觉得音乐旋律优美动听或者有一定的振罕力，给人以力量，振奋精神。你认为是好的声音、好的音乐不必考虑其他的内涵。如果有一套较好音响，你就更爱听，听得轻松听得舒服，时间长了你就很快进入古典音乐的殿堂。再一进步就是古典音乐情感的欣赏，也就是通过感受音乐的各要素，体验、理解音乐的情感，在欣赏过程中，对音乐的节奏、旋律和声、音色、力度、速度、调式、曲式、织体加以了解分析，节奏常被比喻为音乐的骨架，节奏是音乐中重拍弱拍的周期性，有规律的重复进行，基本的节奏所表现的音乐风格我们应该要了解，如慢

三、慢四一般表现抒情、优美，圆舞（快三）表活泼，进行曲表现有力量等;旋律也称曲调，高低起伏的音乐按一定的节奏有秩序地横向组织起来，我们在欣赏音乐的过程中思想一定要跟着旋律走，基本的感觉一定要找到，如水平进行时表现的是柔和和优美、宁静、级进和跳进时就是主题推向高潮，下行一般表现激烈转为平静;和声也称和弦的运用，一般欧洲古典音乐都是多声部的音乐，如果说旋律是横向进行，和声就是纵向进行的，如此以来，音乐就丰满起来，也有了气势;音乐力度、速度等这些要素我们可以适当学习一些音乐常识得以掌握，欧洲古典音乐作品的曲式、和声、织体是十分规范严谨的，我们可以运用这些知识去体验理解，再加自兴趣进入欧洲的古典音乐情感的欣赏也是不难实现的。

欣赏欧洲古典音乐最高层次是理智的欣赏，也就是说不仅体验、理解音乐的情感，还能对音乐作品的形式、内容、民族特征、社会价值和艺术价值等作出分析和评价。要想达到这个层次，我们必须了解欣赏欧洲古典音乐的三元素，即创作背景、演奏者的再创作;欣赏者自身的理解。欧洲古典的创作背景一般可分为四个时期：第一时期巴洛克时期，这个时期的代表人物有德国巴赫也称音乐之父，亨德尔也称清唱剧大师;意大利的维瓦尔弟等，这个时期的音乐风格旋律优美、柔和。第二时期是古典主义时期代表人物有海顿、莫扎特、贝多芬等，这个时期的音乐特征主题鲜明、有一定的冲突性。第三个时期是浪费主义和民族乐派，代表人物有德彪西舒曼、舒伯特、拉威尔、柴可夫斯基、斯美塔那、德沃夏克等，这个时期的音乐背景比较复杂，作曲形式多样化，音乐表现有些委婉、抽象，且有号召力，有鲜明的民族风格。第四个时期是近代主义乐派，代表人物有斯特莱文斯基、格什温、马勒等，作品特征和声配器丰富，旋律性不太强，内涵深，有的还带有爵士风味，这个时期的作品较难理解;欣赏者自身的理解是根据自身的文化层次对音乐的理解，音乐不同于其它学科，它反映的东西是比较模糊的，也比较抽象的，因此，可以充分发挥自己的想象力，例如，在欣赏柴可夫斯基《天鹅湖》的场景时，可以想象一群长着翅膀如少女在宁静的湖面上翩翩起舞、若影若现，也可想象一群天鹅在湖面上轻轻地、慢慢地游荡。总之发挥自己的想象，将三元素有机联系起来，多听著名作品，感觉是美的䌦??创造力，离科学的距离越来越近了。

学习欧洲古典音乐，理解古典音乐，欣赏欧洲古典音乐，将给我们的生活增添无限的乐趣。

特别喜欢肖邦的《幻想即兴曲》，第1次听我就立刻被这激腾飞越的曲调所征服。奔放激荡的曲调，溢满绚丽斑斓的色彩，深深触动我的灵魂，心像是打着旋飞荡，高歌，狂舞，如有一双洁白翅膀，我想展开双翅，在碧蓝的天空自由自在飞翔。爱，沐浴在这样感人的音调中，如炽热的火焰更加缤纷绚烂，光彩照人，宁愿在辉煌中粉身碎骨，随风而去。颗粒状的音符飞溅，如天使在跳舞。喷涌般的激情，恰似，汹涌澎湃的大海，一泻千里的江水，气势磅礴的瀑布。心有多深，溶的下这样荡气回肠起伏跌宕的天籁之音和燃烧的热情，心太小，盛不下，唯有思绪翻滚，跳荡，沸腾。梦中，这辉宏的曲调也早已将魂魄吞没。

肖邦，性格敏感细腻，忧郁多情，瘦弱的身体中，却蕴藏如此浩浩荡荡的能量与气魄。中间部分是如歌的行板，抒情、明朗、流畅的迷人旋律，在清澈如流水般的音型伴奏下，自然酣畅的倾泻，轻灵缥缈而悠远，像风中翻飞的白色纱帘，与前后热情的幻想色彩形成鲜明的对比。梦幻般的意境。轻柔的琴声，深情的倾诉，恬静的沉思，飘摇的思绪，清丽婉转，妩媚动人。小溪轻幽的拨动琴弦，紫罗兰在岸边娇柔的绽放，露珠玲珑的挂在叶尖，云雀婉转歌唱。情侣们，手牵手，双眸星辰点点，蜂蜜般香甜的阳光下，编织着玫瑰色爱情的花环。

华丽而富有诗意的曲调，演绎了人生最美妙的幻想与爱情，像是一场美丽的梦．在幻想中迷离，旁徨，沉醉．梦幻中，亦点燃希望与光明的火种，憧憬美好灿烂的未来。

霍夫曼曾说，“音乐是所有艺术中最富浪漫主义——几乎可以说是唯一的真正浪漫主义的艺术，因为它的唯一主题就是无限物。音乐向人类揭示了未知的王国，在这个世界中，人类抛弃所有明确的感情，沉浸在无法表达的渴望中。”

第四篇：古典音乐鉴赏

摘要：音乐是人类富有精神价值的文化艺术，它和人的生活情趣、审美情趣、语言、行为、人际关系紧紧相连。它是表达人们思想感情、反映现实生活的艺术，它是人们的精神粮食，在社会中是不可缺少的。作为音乐中的瑰宝，古典音乐也在人们的生活中充当了重要角色。它集聚了大师们的思想和灵魂，凝聚了他们的辛勤和汗水。倾听古典音乐，就像是在抚慰我们的灵魂。时代在前进，但历史留给我们的珍宝也不能丢失。因此现在的人们需要重温古典音乐，让古典音乐不会因时代的改变而被抛弃。

关键词：古典 音乐 问题 解决 办法

每当我聆听古典音乐时总是会随着曲子去想象，仿佛是自己的思想和大师的思想的碰撞。每一首古典音乐的曲子都有属于它自己的灵魂，静静地聆听它，你会创造出一个有一个的场景，场景之中随着曲调你的灵魂也仿佛受过洗礼一般。面对自己喜爱的古典音乐，又看着现代社会，内心总有一丝凉意，为的是我喜爱的古典音乐的立足之地。21世纪，随着时代步伐的前进，社会也在前进，同时音乐也随着前进发展。如今人们戴着耳机听着的是流行音乐，商店里放着的也是流行音乐，甚至走在街上人们口中哼这着的也是流行歌曲。那古典音乐的立足之地又在哪呢？古典音乐已经被那些时而高昂，时而舒缓的流行音乐排挤了。人们如果在发展中将这一宝贵的财富丢失了，那该是多大的损失。古典音乐不仅仅是一种娱乐消遣，更是一种精神修养的提升，因此作为新世纪人才我们应该去重温古典音乐，追求高的精神境界。面对现在古典音乐的现状我们得找到相应的对策，让古典也变为流行。一古典音乐的含义

古典音乐这一流传较广的词语有狭义和广义两层含义。狭义的古典音乐是指十八世纪后期至十九世纪初的欧洲古典主义时期的音乐．这是西方音乐史上一个特定时代的概念。广义的古典音乐是指受过专业训练的作曲家通过艺术构思创造出来的一种音乐类别，它还需要音乐家的“二度创作”，即：通过歌唱家、演奏家或指挥家在音乐会或歌剧舞台上的表演达到艺术传播的目的。所以，在古典音乐领域．作曲家是创作的主体，乐谱是承载艺术蕴含的“文本”，音乐表演是作品阐释的艺术结果，这种广义的古典音乐也被称为“严肃音乐”或“艺术音乐”。如果以西方音乐史来界定，通常是指巴洛克时期开始一直到20世纪早期的音乐。二古典音乐的历史沿革

中世纪（1450年前）

这一时期主要是罗马天主教会所保存的在教堂中广为演唱的单身歌曲集。大多用于两种礼拜仪式：一是弥撒，歌词为纪念基督最后晚餐及其献身事迹，这是教堂仪式的中心；二是日课，就是修道院每天咏唱的八课圣事，主要以诗篇为主。

巴洛克时期（约公元1600—1750）

这一时期的音乐是现代演奏会的先河。作曲家手下的巴洛克音乐带有显见的特性：华丽、复杂、藻饰、扭曲，着重于超现实和雄伟宏奇，这些特质都能彼此融会贯通。如果说文艺复兴时代(以及后来的古典时代)代表着井然的秩序和澄澈的表现，那么巴洛克时代（及后来的浪漫时代）就代表着骚动、不安和疑虑。四声部的和声，以及加上文字指示和弦的数字低音都产生与巴洛克时期。同时旧的教会调式消逝，大小调音阶系统和沿用至今的相关调性崛起。另外节奏思想也在这个时期萌芽。

古典主义时期（约公元1750—1820）

因为这一时期的三位代表性人物：海顿、莫扎特、贝多芬的生活与创作主要都在维也纳，因此又被称为“维也纳古典乐派”或“维也纳古典主义音乐”。此时期作家中，莫扎特的小夜曲，嬉游曲等都很有亲和力。海顿的第一、二号大提琴协奏曲也会是很适合入门者欣赏的曲目。至于贝多芬的作品有小提琴鸣奏曲《春》、钢琴奏鸣曲《悲怆》等

浪漫主义时期（约公元1820—1900）

这一时期的音乐更注重表达人的精神境界与主关感情，对自然景物的表现也越加突出，创作名族和名间音乐的利用更加重视与频繁。19世纪中后期出现了以振兴本名族音乐为己任的名族乐派。在音乐体裁上出现了新的乐器独奏体裁，如夜曲、即兴曲、叙事曲、谐谑曲、幻想曲和无词歌。三古典音乐的存在的问题

“在音乐世界如此火爆、闹腾、骚乱的今天，古典音乐犹如一潭死水。从CD销售量来看，在西方和日本只有8%的市场份额，其他地方更是少的可怜：音乐厅的听众们头发花白，数量不断减少。”这是伊凡.休伊特在《修补裂痕》中说的。通过我们的生活也不难发现这 一点，通常在宽敞的CD店中“古典音乐”总是被挤在最不起眼的边角里，然而人们接触更多的是流行音乐，人们追逐着自己崇尚的明星，满屋全是明星的照片，屋内放满了他们的专辑，争取着每个和明星见面的机会，争着取得明星的签名，甚至一次次花钱去看演唱会，这是源于很多人对流行音乐的热爱。从而流行音乐越来越流行，它在人们的社会占据着更大的区域。那古典音乐呢？为什么古典音乐被人们冷落着？为什么人们选择了流行音乐而不是古典音乐？

也许有的人会说我不是不喜欢古典音乐，而是觉得它太深奥，自己不容易懂，因此就不会静心去听，慢慢地也就不会去听了。是的，古典音乐是大师们心灵与肉体的结晶，它具有高深层的含义，也许正是由于它那高深的精神境界让我们远离它。因此有的人不敢接受，许多愿意尝试接受它的人却又不知道该如何去欣赏它。

另外，古典音乐的曲目和演奏形式都太单调，又都太强调严肃性，也许是因为古典音乐需要一个严肃的氛围，但音乐本身就有严肃性，那么再加上它的宣传方式，那不就加大了古典音乐和人们的距离。当作曲家的经典作品像出土文物一样被开发出来时，就会被众多乐团和指挥大师们翻来覆去地演奏了一百多年，纵然经典作品数量众多，但毕竟还是有限，当一部作品被大量乐团演奏了无数遍，当一部作品被听众欣赏了无数遍之后，需求的减少也就成了必然。然而和其相比流行音乐曲目风格不断变化，数目也无限制，表演形式也多变化，正迎合了人们的兴趣。还有如果想要获得一张古典音乐会的门票是多么的难，也因为其票额高让很多人在音乐会场前止步。

还有随着社会的进步，古典音乐也受着商业化浪潮的冲击，但由于其不论是内容还是形式都不能迎合商业化浪潮，它也不会有利益可图，因此在商业化浪潮面前它是力不从心的。但怎么能因此将古典音乐逼向绝路。在诺曼.莱布雷的《谁杀了古典音乐》中指责音乐明星利欲熏心，经纪公司幕后操作，唱片业主唯利是图，从而联手将古典音乐推向死路。

其次，人们对音乐的欣赏还停留在表面，只听旋律而不感受其他的，因此那些欢快旋律的，朗朗上口的流行音乐便成了人们的挚爱。总之从外在的表征观察，古典音乐听众的老龄化，市场份额缩小；就社会支撑而论，体制运转不畅，财政危机四伏；以内在机制来说，曲目普遍保守，新作缺乏冲击。

四解决问题的办法

在的古典音乐进入了转折关头，那么我们又该采取什么手段来保存我们宝贵的历史文化财富，我们该付出什么努力来拯救古典音乐。首先，就其本身而言古典音乐应该从宣传方式上减少它的严肃性从而缩短与人的距离。它可以用多样式的宣传方式来宣传，并且要用更加贴近大众的姿态来展示自己。另外，在拥有其本身的精髓的基础上，古典音乐应该努力与时代“合拍”，不仅仅与其他音乐进行沟通，而且也与当代的形式、技术、和生活发生联系。这样古典音乐也跟上时代的步伐，缩短和人们的距离。

其次，对于人们来说不仅仅要去聆听古典音乐，还应该从深层次上去品味，欣赏它，体味其内在的寓意。因此我们要加强古典音乐的欣赏的积极性，主动了解古典音乐，多听古典音乐，找出自己喜欢的类型，此外，自己除了在家聆听外还可以走进音乐会场感受真正的音乐盛宴。另外，对于青少年的古典音乐素养还要加强，在音乐教程中多加古典音乐曲目，在教授过程中要求学生明白基本的古典音乐知识点，学会聆听并自己对其内在的精华进行品味形成自己的思想。还应该从小培养儿童的古典音乐素养，这样日积月累对古典音乐进行正确的认识有很大帮助。

另外，在现在商业化浪潮的冲击之下，政府应该给予更大的支持。这样在便可以同那些古典乐迷一起保护这一文化。

让古典音乐重新焕发光彩不仅仅是乐音工作者的任务，每一个普通公民都有责任去拯救属于我们自己的灿烂文化。如今的社会繁华，喧闹，然而当耳朵里响着古典音乐时，闭上眼你会感受到一个纯净的世界，在这个世界里你会远离城市的喧嚣，烦恼，这就是古典音乐的魅力。古典音乐是心灵的音乐，因此我们要齐心协力将它带回现代生活，让它走进大众生活，让它重新绽放光芒。

参考文献：

《修补裂痕：音乐的现代性危机及后现代状况》(英)伊凡.休伊特著 孙红杰译 华东师范大学出版社

《谁杀死了古典音乐》（英）诺曼.莱布雷希特著 查修杰等译 《音乐鉴赏教程》（中）余甲方等 复旦大学出版社

第五篇：古典音乐知识

古典音乐知识

音乐有两类，一类是交响乐和轻管弦乐，另一类是舞蹈音乐、流行音乐和爵士音乐。

古典音乐往往指称严肃音乐，也指一些已得到公认的经典作品。

一般演奏人数在10人以内，演奏古典音乐均称室内乐。每一乐器各担任一个声部演奏时，两件乐器合奏的称二重奏，三件乐器合奏的称三重奏......八件乐器合奏的称八重奏，但以钢琴三重奏、弦乐四重奏及钢琴五重奏最盛行。编制在十人以上者，称为室内管弦乐。大规模的器乐演奏称为管弦乐，近代管弦乐团又称交响乐团和交响管弦乐团。古典交响乐团的编制在30人以上，有时可多达100人或150人。演奏轻音乐及爵士音乐的乐队，通称为小爵士乐队，一般人数较少，但轻音乐队也有超过30人以上编制的。现代伴舞乐队不使用弦乐器而单纯以铜管和木管乐器为主要旋律乐器，与维也纳圆舞曲乐队截然不同。

大型管弦乐团的配置，弦乐器的人数约占60％，木管乐器的人数约占15％，铜管乐器的人数约占15％，打击乐器的人数约占10％。通常左前边是小提琴，中音提琴在中间偏右，右前边是大提琴，最右是倍大提琴。弦乐器后面是木管乐器组，定音鼓在后排中心位置。大小军鼓、钹等其它打击乐器在定音鼓左侧。铜管乐器组在定音鼓右侧。竖琴、钢琴在左中部。

管弦乐团有4个主要的声部：

(1)弦乐器

小提琴、中提琴、大提琴、低音提琴(倍司)。

(2)木管乐器

长笛(横笛)、短笛、双簧管(英国管)、单簧管(竖笛、黑管)、低音管(大管、巴松管)。

(3)铜管乐器

小号、长号(拉管)、圆号(法国号)、大号。

(4)打击乐器

定音鼓、大鼓、小鼓、钹、三角铁、铃、铜锣、木琴、钢片琴等。

音乐的元素是音，作曲家不能像文字般明确表达感情，只能用声音的表现来引起人们的情绪。音乐的四个基本要素是节奏、旋律、和声及音色。节奏使人们联想起形体动作，旋律使人们联想起精神情绪。音乐以旋律的差别，节奏的快慢，声音的高低强弱，和声的变化，以及音色的不同等方法来表现其情感。比如以大调表示愉快、雄壮，小调表示悲哀、忧郁；紧张而短促的节奏表现奋发激怒，和缓而悠长的节奏表现婉转柔和，音高且强为热情，音低而弱为沉静；不协和音表示奋斗争执，协和音表示和平宁静；小号表现战争，双簧管表现田园等等。

怎样欣赏音乐？

每个人都根据自己不同的欣赏能力和爱好来倾听音乐。为便于分析，我们把对音乐的欣赏分成3个方面。

(1)美感

听音乐纯粹是对音乐的乐趣，只求悦耳，仅是知觉的欣赏，不需要任何形式的思考，任由音乐的感染力将自己带进一个幻想的境界。如干某件事时，将音响打开，心不在焉地沉浸在音乐中。这时单凭音乐的感染力就把人带到一种无意识然而又有魅力的心境中去。

美感在音乐中占有非常重要的位置，但不应让它占过多位置。即使在这个聆听音乐的初级阶段，也应采用更有意义的聆听方式。

(2)表达

所有音乐都有表达能力，音符后面总具有某种涵义，这种涵义构成作品的内容，能唤起情感，这是情感的欣赏。

(3)纯音乐

音乐除了令人愉快的音响和所表达的感情外，还存在于音符和对音符的处理之中。为了追随作曲家的思路，有意识地探求乐曲的结构、主题的变化及作曲家技巧的运用，这是理智的欣赏，也是欣赏音乐的高级阶段。

大多数听者并不能充分意，识到这第3方面。明智的聆听者必须准备加强自己对音乐素材及其发展情况的意识。他必须更有意识地聆听旋律、节奏、和声及音色。尤为重要的是，追随作曲家的思路，懂得一些音乐曲式的原理。

理想的聆听者是既能进入音乐又能超脱音乐的人，他一面品评音乐，一面欣赏音乐，不断加深对音乐的理解。

要对音乐加以理解，唯一的方法就是倾听，只有从头至尾地反复认真地倾听，直到熟悉，才能加深理解

当你听到一个旋律，能把它辨认出来时，你就具备了欣赏音乐的条件。若能听出不同演奏家演奏同一首曲子时表现方法的差别，并了解作曲家的想法，那你已经踏入欣赏音乐的大门。

音乐都有表达能力，从而具有某种涵义，但无法用语言说清楚，也没有必要去找恰当的言词来表达音乐的涵义。

音乐的表现方法大致可分为纯音乐(absolute music)和标题音乐(programme music)两类。以音乐本身为目的的音乐，称为纯音乐，它只以音和形式来构成，是与音乐本身以外任何事物无明确联系的音乐。绝大部分器乐曲，如交响曲和奏鸣曲即属此范畴。把文学、思想、绘画等内容以具体性的标题暗示的音乐，总称为标题音乐。

奏鸣曲(Sonata)是包含4个独立乐章的器乐大曲，各乐章都具有独立的结构与风格，由钢琴、小提琴、大提琴分别演奏。钢琴演奏时称钢琴奏鸣曲，小提琴演奏称小提琴奏鸣曲，大提琴演奏称大提琴奏鸣曲，室内乐所奏者、亦为奏鸣曲。

协牵曲(Concerto)是独奏乐器与管弦乐队以平等地位联合演奏的器乐大曲。协奏曲通常以小提琴、钢琴、大提琴或长笛为独奏乐器。

交响曲(Symphony)是由管弦乐联合演奏的奏鸣曲型器乐大曲，通常它分为4个乐章，音色之复杂、色彩之丰富为一切乐曲之冠。

组曲(Suite)是由若干短曲连为一体的管弦乐或钢琴套曲，其中各曲相对独立。

序曲(Overture)原指歌剧、清唱剧或戏剧配乐等开场前由管弦乐队演奏的器乐大曲，但近代有专为音乐会演奏而作的单乐章管弦乐序曲。

前奏曲(Prelude)多为短小的管弦乐曲，常用于大型乐曲及影剧的前奏。

间奏曲(Intermezzo)是戏剧或歌剧各幕之间演奏的音乐，具有暗示场面与转换听众气氛的作用，亦有独立形式的作品，它的形式比较自由，篇幅较为短小。

托卡塔(Toccata)是一种形式自由能展示各种华丽技巧的键盘乐曲。

小夜曲(Serenade)是一种于黄昏或夜晚在户外演奏的独唱或器乐曲，音乐情绪缠绵委婉。

夜曲(Nocturn)是一种格调高雅、充满浪漫色彩的乐曲，旋律富于歌唱性，往往有精致的装饰音，伴奏用琶音或和弦。它是小夜曲的一个分支。

即兴曲(1mpromptu)是一种即兴创作的器乐小品。

叙事曲(Ballade)原有叙述故事意味，是一种具抒情浪漫性格的器乐曲。

练习曲(Study)是用于提高器乐演奏技巧的乐曲。

诙谐曲(Scherzo)又称谐谑曲，是一种速度较快，节奏活跃明确，常出现突发性强弱对照的器乐曲。

幽默曲(Humoresque)潇洒而自由、具有幽默与幻想特点的曲目。

随想曲(Capriccio)作曲家凭幻想创作的乐曲的通称，是一种以自由形式表现出富于变化的乐曲。

狂想曲(Rhapsody)是作曲家为具英雄气概题材、民族题材或情辞并茂的题材而作的器乐曲。

幻想曲(Fantasia)是具有幻想和自由奔放特点的器乐曲，是一种含有浪漫色彩而无固定曲式的器乐短曲。

田园曲(Pastoral)曲调柔和，是模仿牧羊人所用的乐器发展而成的田园音乐。

船歌(Gondoliera)缓慢而摇荡的音乐，旋律优美流畅。

变奏曲(Variation)是根据某一主题为蓝本，运用各种不同方法陆续变化奏出的器乐曲

交响诗(Symphonicpoem)又称音诗，李斯特首创，通常表现诗情画意等文学性内容，只有一个乐章，结构上可自由发挥，音乐形式不限，是较交响曲要短得多的交响性作品。

进行曲(March)是用以伴随群体前进的音乐，多为四拍子，突出强拍。通常用管乐演奏，常用于军队，使行列整齐并鼓舞士气。还有婚礼、丧礼、凯旋庆祝等进行曲。

摇篮曲(Berceuse)亦称催眠曲，形式简单，速度徐缓，主旋律柔婉抒情，节奏摇荡，以模拟摇篮摆动的节奏使婴儿入睡。

圣咏曲(Chorus)原为德国民谣和基督教赞美歌，后变成器乐曲。

舞曲

分为6种。①圆舞曲(Waltz)也有译作华尔兹的，是一种每小节一个重拍的三拍子舞曲，兼具实用性与艺术性。其伴奏由低音的第一拍与高音和弦的第二、第三拍组成。主旋律流利舒展，和声和曲式结构简单明晰。②加沃特舞曲(Gavotte)，一种法国舞曲，2／2拍子充满活泼气氛。⑧小步舞曲(Minuet)，原为法国土风舞曲，中速3／4拍子，是速度徐缓、风格典雅的舞曲。④马祖卡舞曲(Mazurka)，一种中速到快速的三拍子的波兰民间舞曲，流行于农村。⑤波洛奈兹舞曲(Polonaise)，与马祖卡舞曲同为波兰的代表性舞曲，流行于贵族社会，在热烈的气氛中透着壮大华丽感，节奏为独特的三拍子，快慢适中，庄重的节奏始终如一。又译作波兰舞曲。⑥波尔卡舞曲(Polka)，19世纪盛行于波希米亚的快速二拍子舞曲。

嬉游曲(Divertimento)是一种轻松愉快的组曲。

浪漫曲(Romance)原为以传奇叙事诗为歌词的某些抒情歌曲、器乐曲。

序曲是最古老的器乐体裁之一，它对其他一些器乐体裁的发展，特别是交响曲和交响诗，起着很重要的作用。顾名思义，序曲可以比作一部作品的序言或绪论，它在音乐中最初是指歌剧、清唱剧、大合唱、舞剧或其他戏剧作品演出之前的一段前奏式的器乐曲，即主要是一种闹场性质的音乐。但是，这种早期的闹场音乐非常简单，实际上只是几声响亮的号声而已，相当于现今剧场演出之前的三遍铃声。最古老的民间市集戏台或木偶戏演出就是这样，甚至十七世纪初在意大利歌剧中，像蒙特威尔第(Monteverdi，1567-1643)的歌剧作品，有时也还是这样。

十七世纪末，开始出现两种不同范型的戏剧前奏——法国序曲和意大利序曲。所谓法国序曲，是法国民族歌剧的奠基者吕里Lul1y（1632—1687）所创立的。这种序曲从一段宏伟、壮严、缓慢，而且往往是进行曲式的引子开始,当中接上快速、活跃的一段音乐，多半用复调的风格写成，最后重复开头那段慢速度的音乐，或用慢速度的小步舞曲作为结束。法国的这种歌剧序曲具有“慢-快-慢”的结构。意大利序曲则相反，它也可以分成明显的三段，但是它的开头一段速度疾快、活跃而有力，当中则插入一段缓慢如歌的旋律，最后又是快速度的舞曲性段落，而且时常运用意大利民间的塔兰台拉舞曲或基格舞曲的节奏。这样，意大利序曲构成的是“快-慢-快”的结构。这种意大利的歌剧序曲主要是由意大利作曲家阿·斯卡拉蒂(A．Scarlatti，1660-1725)创立的,这种序曲可以说就是在一个世纪之后出现的多乐章交响曲的雏型。由于当时的法国歌剧主要用于波旁王朝的节日庆典，而意大利歌剧却拥有更广大的观众，因此很自然地，意大利歌剧序曲在风格和内容方面都不如法国序曲那般“雍容高贵”。不过，十七至十八世纪的这两种歌剧序曲，同歌剧本身的内容和情绪并没有深刻的联系。因为当时轻浮的观众在角色出台之前，总是忙于应酬他们的朋友，剧场秩序安静不下来，而作曲家也知道观众从不注意序曲的演奏，因此也不想在这方面多花功夫。这样一来，一首歌剧序曲多次被用于不同的歌剧，已经司空见惯，无论是作者或是听众，谁也不在意。

序曲作为一种艺术形式，成为戏剧中的重要组成部分，始于十八世纪下半叶。那时，德国歌剧作曲家格鲁克在进行歌剧改革时，曾为序曲定出一条划时代的准则—— 他在自己的歌剧《阿尔刻提斯》的绪言中写道：“我认为，序曲应该暗示出作品的主旨，为观众即将观赏的戏剧先在情绪上做好准备”。格鲁克的歌剧《伊菲革涅亚在奥利斯》序曲，就是当时这种歌剧序曲的优秀范例之一。由格鲁克始创的这种古曲歌剧序曲，直到十八世纪末才最后定型，基本上采用奏鸣曲形式的结构，莫扎特的歌剧序曲多半属于这一类。

歌剧序曲要同歌剧本身保持有机的联系，再简便不过的方法，就是直接摘用歌剧中同剧中发展关系最密切的片段或者最能体现歌剧主角的性格的旋律(如咏叹调等)作为主题。莫扎特的歌剧《唐-璜》序曲和格林卡的歌剧《鲁斯兰与柳德米拉》序曲，都是这方面的范例。但有的序曲同歌剧本身并没有主题上的联系，例如莫扎特的歌剧《费加罗的婚姻》序曲和罗西尼的歌剧《塞维勒的理发师》序曲等。

贝多芬的序曲在音乐史上具有非常重要的意义，他在序曲这种规模不大的体裁中，用朴实简洁和高度概括的音乐形象，表达出深刻的思想内容；他的戏剧序曲已经远远超过一般的“绪言”作用，而变成了整部戏剧作品的中心内容的集中体现。

然而，贝多芬的才华毕竟还是集中反映在交响曲方面，序曲的发展终于落到他的年轻的同时代人、德国浪漫主义歌剧之父——威柏身上。威柏的歌剧序曲无论是音乐主题，或者是情绪色彩，都同歌剧本身密切相关，成为一种精致的音画，把听者引入歌剧的情绪氛围之中。威柏的歌剧《自由射手》、《奥布朗》和《优兰蒂》序曲，都是这类作品中的杰作。

十九世纪上半叶是浪漫主义歌剧序曲的黄金时代，随后，序曲的影响便明显消退了。这方面有两个原因：第一，十九世纪下半叶有些作曲家，例如瓦格纳，认为歌剧本身已经足以说明戏剧故事的情节，序曲无须再涉及故事的内容，因此，许多作曲家倾向于压缩序曲的规模。宁愿改用前奏曲这种比较简短的体裁，只限于在幕前酝酿一种情绪；第二，当时抒情剧院的新观众，一般都是真心来看演出的，而且也有一定的欣赏能力，因此也没有必要用很响的音乐去延迟开幕的时刻。结果是：像十九世纪末意大利作曲家普契尼的歌剧《波希米亚人》，几乎只有几个小节的引子，便立即转入歌剧的第一幕。

除了歌剧序曲之外，十九世纪许多作曲家还热衷于创作一种并非起“序言”作用的新型序曲，这种序曲并不从属于任何戏剧作品，但它往往带有标题，同一定的诗意内容、如古典文学或民间创作的形象和情节以及民间生活的画面有联系。这种独立的标题性序曲叫做音乐会序曲，它的创始者是德国作曲家门德尔松，第一首专为音乐会演奏而写的这种序曲，便是他的《仲夏夜之梦》序曲。标题性音乐会序曲的数量很多，如门德尔松的《芬格尔的岩穴》序曲、格林卡的《西班牙序曲》、柴科夫斯基的《一八一二年》庄严序曲和《罗密欧与朱丽叶》幻想序曲等，这类序曲有的实际上是标题性交响曲或交响诗的一个变种。

在音乐的历史上，乐器分类法通常与配器法（Orchestration）紧密联系。乐器分类法不仅体现这人们的（民族的、人类的）生活习惯、民风家俗，更重要的是，它还体现着当时的、人类认识各个阶段的音乐生活内容、音乐形态、科学技术水平、生产力状况……我国古代乐器分类法中最重要的一种是“八音分类法”，即根据乐器制作的材料，将中国古代乐器分为八类。西周（约公元前11世纪——公元前771年）已出现。《国语´周语下´伶洲论乐》有述： “故乐器重者从细，轻者从大，是以金尚羽，石尚角，瓦丝尚宫（瓦即土、陶，指埙等），匏竹尚议，革木一声。”八音为金（如钟、铎）、石（如磬）、丝（如琴、瑟）、竹（如箫、篪）、匏（如笙、竽）、土（如埙、缶）、革（如鼗、建鼓）、木（如梆子、木鱼）八类。

民间音乐流传着另一种分法，将乐器大致分为：吹、拉、弹、打四类。如：吹（唢呐、箫）、拉（胡琴）、弹（三弦、琵琶）、打（扬琴、云锣）。西方音乐采用五个类别的一种分类法：

（1）木管：竖笛、长笛，用单簧或双簧（后来用金属制）的乐器，如双簧管、大管；

（2）铜管：金属制，最早是木制的，早期实物只能吹自然音阶甚至两个八度内的泛音列，如小号、圆号、大号；（3）打击乐：鼓、钹、响板；

（4）键盘：从最初自然音级的键盘到后来的扬可式四分音键盘（东方传统乐器没有与之相类的），如钢琴，羽管键琴、管风琴；

(5)弦乐器：丝弦从纺织物、羊肠、鲸须、钢到尼龙……如鲁特琴、小提琴、吉他、竖琴。库特´萨克斯（Kurt Sachs 1881——1959）和霍恩博斯特尔按照声学原理对不同时代和不同文化的乐器进行研究和分类，并于1914年（其年一战爆发）设计了一套术语，区分五大类乐器[后来被称为“萨克斯（乐器）分类法“]：

（1）体鸣乐器：用自然发音材料制成的乐器，如磬、三角铁

（2）膜鸣乐器：绷膜的乐器，如定音鼓、军鼓、腰鼓；

（3）气鸣乐器：包括无簧管振和使用自由震动的簧舌的乐器，如管风琴、笙；（4）弦鸣的乐器：用弦的乐器，如小提琴、三弦；

（5）电子乐器：分电子和电声的，如电子琴和电风琴。八音分法是历史上存在的一种分类法，现已不用。它体现了中国古代的科技水平，也体现了其时重工艺、重技术、轻理论和科学研究的社会状况（及其对人文形态的影响）。八音分法其实就是一种较为初级的工艺学的分法。因为中国历史上从未有过“科学”，有的只是工艺和技术，所以这种分类法也很遗憾地、根本未能体现和贯彻科学的原则。按照这种分法，铜鼓和编钟同属于金类，而陶铃和和铜铃分属于土和金类。因此于实际音乐演奏、组织、活动来说，八音分法亦未必实用。它只是体现了中国古代学者物以类聚的初步安排和企图整饬的意念。吹拉弹打活灵活现的体现了乐器的演奏方法。民间音乐通常是婚丧嫁娶或是自娱自乐之用，未有固定的乐队编制。参演人数和方式都较为灵活，通常一个人兼奏几样乐器。同操月琴的人，可能这一类的琵琶、阮……都会演奏。而且民间音乐乐器学习教授是师徒式的，带有强烈的手工作坊和手工艺的特色。吹拉弹打的分类是很容易理解而且符合手艺的特点的，类似于泥水匠和皮革匠的区别。所以在民间广为流传，占统治地位。

西方古典乐器分类法其实亦带有浓厚的手工艺的特点，也并不科学——例如现在的木管乐器全部用金属制成，而最初的铜管乐器是木制的，但木管和铜管的名称已经固定下来了——也并不体系化。它存在的理由是它背后有另一个体系化、理论化的法则：配器法，使得这种分类法有了它的实用价值和规律。配器法是为管弦乐队作曲的艺术，讲究乐器的音色、技术、性能和有效音域，以及乐器的组合、运用和总谱部署。根本上讲，配器法是以这种乐器分类法为出发点、依据和应用指导的，也使这种西方乐器分类法得到了有效的应用——这种应用虽然未必是严格科学意义的，但体现着科学的精神和理念。

所谓“萨克斯（乐器）分类法”其实也不是一种准乐器分类法。它只是萨克斯依据自己提出的五个术语（甚至不是概念）对乐器进行的分类，它虽然初步实现了体系化和结构化，却也未能完全准确、科学—— 实在因为，音乐所应用的声音材料之广泛、复杂、多样„„决定了用以产生这样声音的工具也日趋精细、趋于无穷的复杂化（包括演奏法）。我们的分类法永远在后面追赶，这是人类科学的骄傲，也是艺术之痒。乐器分类法一方面致力于严谨的科学体系，一方面又要对千变万化的音乐及音乐生活和实践进行有效地指导，实非一朝一夕可以促成。“萨克斯（乐器）分类法”是业已存在的最好的分类法，它是目前所有乐器分类法中最富科学精神和严谨态度的分类法，我们应当继续构筑这幢大厦、丰富它、完善它。这甚至需要几代人的努力，因为这个学科日益溶入越来越多的科学组分和技术含量，而且更重要的还有结构越来越复杂、内容越来越丰富、越来越活灵活现的现代和未来的音乐。