中外建筑史问答27道题答案

第一篇：中外建筑史问答27道题答案

1.古埃及金字塔的形制从何演变而来？经历了怎么的发展变化？

2.描述古埃及建筑艺术的总体特征

①硕大无比②建筑材料主要是石头③秩序感强烈④几何学在艺术上的应用⑤持续性和固定性

3.简述埃及石造建筑在工程技术上的伟大成绩以及对世界建筑的主

要

贡

献

4.亚述与巴比伦的建筑装饰各有什么特点？

5.古波斯的建筑与装饰综合了哪些地区的传统因素？具有怎么样的象征意义。

6.什么是柱式？请说明三种希腊古典柱式的结构与装饰特征，以及基本的象征意义

柱式:是西方古典建筑中由圆柱与柱上楣组成的完整结构。圆柱分为柱头、柱身、柱础；柱上楣分为上楣、中楣、下楣。

多立克柱式:浑厚而庄重，圆柱没有柱础，直接立于主机平台上；柱身开有20道垂直凹槽，凹槽之间的交接处十分锐利；柱头十分简单，由四分之一圆凸线脚和其上的方形柱顶板组成；在圆凸线脚下有三圈束带线脚，构成了柱颈。

爱奥尼亚柱式:通常坚在一个基座上，柱高是其直径的8—9倍。柱身有24条凹槽，柱头有一对向下弯卷的涡卷饰，富有曲线美，外形比较纤细秀美。

科林斯柱式：是爱奥尼亚柱式的变体，比例比爱奥尼亚柱更为纤细，柱头以毛茛叶纹装饰，叶层叠交错环绕，并以卷须花蕾夹杂其间。豪华富贵，装饰性很强。含义：柱式具有拟人化的含义，雄伟敦重的多立克柱式是男性的象征，优雅美丽的爱奥尼亚柱式代表了女性美，科林斯柱式则代表了苗条的少女形象。

7.结合希腊古典神庙的实例，简述希腊建筑关于比例与和谐的观念

希腊神庙的建造建立在一套数学比例的基础之上，关键是“模数”也就是圆柱底部的直径或半径。柱高、柱距乃至整座建筑的尺寸均取决于这一模数，从而确保部分与整体、部分与部分之间具有正确的比例关系，体现了希腊哲学思想中所表达的和谐的观念。比如：神庙的基座和柱上楣长长的水平线，如果是笔直的话，就会使人产生中部下陷的错觉，所以在实际建造中要将中部稍稍向上隆起；除中央的以外，都稍稍向内倾斜，角落上的圆柱双倍地向内倾斜，这样可避免整个神庙产生向四边散开的错觉。希腊神庙虽然体量巨大，但给人的感觉却非常和谐优雅。在数百年漫长的神庙建筑史上，希腊人致力于研究和调整修正传统图式，纠正视错觉带来的偏差，以致到了古典阶段，神庙建筑在比例与和谐方面大道一种无可挑剔的完美境地。

8.罗马建筑在表现形式和建筑技术方面有哪些创新? 首先，在视觉形式方面，罗马建筑将希腊柱式与拱券结构结合起来，创造出了一种新的视觉图式，丰富了古典建筑语言。其次，罗马人利用混凝土材料与拱券相结合的新的构造技术，创造出了拱顶与圆顶体系，从而构建起宏大的室内空间，同时也使得建筑物更为坚固持久，施工周期大为缩短。

第三，罗马建筑类型大量增加，公共设施齐全，城市整体功能加强，满足了人口众多的公民社会各方面的需求。

9.以圆形竞技场和罗马万神庙为例，说明罗马建筑的艺术特点和工程技术成就。

艺术特点：在圆形竞技场立面上，采取了将拱券与柱式相结合的单元作横向重复的手法，构成了建筑物巨大的立面，同时以柱式来划分楼层，从上倒下分别是多立克、爱奥尼亚、科林斯柱式，这种柱式节奏，破除了单调感，形成了微妙的节奏。

万神庙室内比例十分谐调，因为圆顶的直径正好与地面到圆眼窗的高度相等。站在大开窗下方环顾四周，可以清晰地看到三个层次：底层是由科林斯圆柱与壁柱划分，其叙事相间的节奏消除了圆形墙壁的承重感；中间一层是相交替的装饰；第三层便是巨大的圆顶高高升起，穹隆上以藻井装饰，创造出一种虚幻玄妙的透视感。为减轻圆顶重量，每一层都采用了不同的材料。整个室内浑然一体。成就：将罗马建筑将希腊柱式与拱券结构完美结合起来，创造出了一种新的视觉图式，丰富了古典建筑语言；利用混凝土材料与拱券相结合的新的构造技术，创造出了拱顶与圆顶体系。

10.以圆形竞技场和罗马万神庙为例，说明罗马建筑的艺术特点和工程技术成就

11.哥特建筑起源于何时何地？它的起源具有怎样的时代背景

起源于20世纪的法国，由罗曼式建筑发展而来。

时代背景：手工业和商业发展，城市为摆脱封建领主进行解放运动，教堂成为城市富强的纪念碑，不再是纯粹的宗教建筑，成为城市公共活动中心，追求世俗、感性美。

12.哥特式建筑的主要特征是什么？在结构上有什么革新？

其主要特征为极具东方色彩的尖券、尖型肋骨拱顶、大坡度两坡屋面和教堂中的 钟楼、飞扶壁、束住、花棂窗等。建筑形式往往充满了纤细、高耸和

神秘的意境。结构上的革新：⑴使用骨架券作为拱顶的承重构件，减轻了拱顶的意境⑵使用独立的飞券作为传递屋顶侧推力的结构构件⑶将圆券十字拱等全部改用二圆心的尖券和尖拱，减轻了侧推力，增加了逻辑性很强的结构线条

13法国哥特式的发展经历了哪几个阶段？有哪些代表作品？

14.为什么说意大利文艺复兴是西方建筑史上的伟大转折点？

首先，从建筑艺术的保护人来说，除传统的教会和王室外，出现了新兴资产阶级显贵和佣兵队长这两个特殊的阶层，他们与皇权及教会相互利用，攫取了城邦与地区的统治权。虽然这些新兴权贵艺术趣味并不高尚，但他们复兴古罗马权力的雄心却与人文主义者出入的场所，以及新艺术观念的温床和实验场。其次，从建筑类型来说，除了传统的教会建筑外，世俗建筑开始占有越来越重要的地位，像育婴院、大医院这样的慈善机构，市政厅、图书馆这样的公共设施，以及地方王宫的宫廷、教会高层人士以及皇家的宫殿、别墅、苗囿建筑，大量兴建起来，古典建筑语言和建筑观念借助于这些当代建筑而得以复活。再次，从建筑师的本体来说，文艺复兴也经历了从先前的石匠师傅向现代建筑设计师的转变。由于建筑构成了人们生活的环境和景观，它与绘画雕刻相比，和社会生活的关系更为密切，所以建筑师开始有了更加明确的社会责任感和使命感。菲拉雷特理想城的蓝图，开创了建筑师关注社会进步和人类生存方式的传统，这一传统后来一直延续至今。最后，对于建筑史也是最重要的，是古典建筑语言的全面恢复与发展。五种古典柱式完整体系的确立为后来学院古典主义奠定了基础。从此以后直到19世纪，柱式成为西方建筑理论的主流与精华所在。

15.意大利文艺复兴建筑与古希腊罗马建筑的关系如何？

意大利文艺复兴建筑扬弃了中世纪时期的哥特式建筑风格而在宗教和世俗建筑上重新采用古希腊罗马时期的柱式构图要素，运用古典柱式，半圆形拱券，厚空墙，圆形或椭圆形水平方向的厚檐等造型因素来创建。如阿尔伯蒂将古罗马凯旋门的异教母题运用于基督教堂的立面上，这也是有史以来的第一次，他在曼图亚创建了文艺复兴时期第一座希腊十字教堂圣塞巴斯蒂亚诺教堂，他的作品更接近于古罗马的精神气质，但又不为古人说局限。

16.意大利早期和盛期文艺复兴建筑的主要代表人物和主要作品分别有哪些？

17.意大利文艺复兴建筑理论方面有哪些重要的代表作家和作品？如何为理解文艺复兴时期建筑理论与建筑实践的关系？

代表作家和作品：阿尔伯蒂《论建筑》、菲拉雷特《论建筑》、塞利奥《塞利奥建筑与透视学著作全集》、维尼奥拉《建筑的五种样式规范》、帕拉第奥《建筑四书》 关系：

第一.建筑实践是建筑理论的源泉。第二.建筑实践是检验建筑理论的标杆。第三.建筑实践与建筑理论的联系不能割裂。第四.建筑实践与建筑理论互补

18意大利以外的欧洲各国接受文艺复兴新风格影响的情况分别是怎样的？各自经历了怎样的发展阶段，具有什么样的特点？ 这道题搜索意大利文艺复兴建筑

百科里

自己看着总结吧

19.古典主义建筑的特点及代表作评述

20.法国古典主义园林艺术

21.意大利中世纪广场和法国古典主义广场比较

22.与早期相比，中世纪盛期阶段的伊斯兰建筑在建筑语言和形制方面有哪些新的发展和变化？

早期伊斯兰建筑，尤其是清真寺的一些基本要素和形制继续被沿用，同时原先具有结构功能的构建，此事向纯装饰要素演化，并表现出日渐精美的倾向，其中最具特色的是蜂窝拱和伊旺，蜂窝拱原先是为了填补内角拱下方的空间所设计的，它本身就是小型的内角拱，后来逐步发展为清真寺或后宫廷建筑所有内凹区域的一簇簇具有立体感的繁花装饰。其次是伊旺被广泛采用，最初是与房屋前厅相连的朴素简单的拱卷式建筑入口，现在不但用于建筑群的入口处，也出现在庭院的立面上。

23.举例说明中世纪盛期阶段清真寺建筑在伊朗、中亚、土耳其和印度的建筑特色以及本地传统的关系

中亚布哈拉陵庙形状来源于拜火教，形似方形珠宝盒，中央圆顶覆盖，四角有圆柱，表面完全由砖块构成，偶有赤陶构件。纹样来源于鳊蓝工艺，奢华的构建违背了本地穆斯林简单安葬的规定。

伊朗卡布斯陵墓，为圆塔，塔身扶垛做成三角状，内部空心，上下贯通，简洁的几何体设计以及撼人的气势誉为伊朗第一座伟大的伊斯兰建筑。

土耳其高塔三台清真寺四角各一塔，其上三层露台，表明奥斯曼建筑趋向成熟。印度库瓦特.阿尔伊斯兰清真寺，庞大无比，列柱大厅环绕庭院，东南角耸立一高塔。采用现代的建筑构件，细节有很多当地特征，整体构图和精神气质上体现鲜明的伊斯兰特色，不太讲究营造室内空间，在意室外的巨大体量。

 以泰姬陵为例，简述印度莫卧儿王朝的建筑成就

25.印度教神庙起源于何时?有什么样的类型?与古代印度佛教建筑的关

系

如

何

？26.朝鲜与日本的佛教建筑与中国原型相比，主要区别何在？

27.日本传统建筑与外来建筑因素的融合发生在何时？其代表作

品

是

什

么？

第二篇：《中外建筑史》说课稿

《中外建筑史》说课稿

各位老师好！

我要进行说课的课程是《中外建筑史》，中的“中国古代宫殿”章节，我将通过一下五个方面进行说课，分别是：教材分析、教学目标分析、教学重难点分析、教学方法分析和教学过程分析。

首先，分析教材

“中国古代宫殿”是设计专业“十二五”规划教材、刘然老师主编的《中外建筑史》中中国部分的第二个章节内容。在此之前，学生已经粗阔地学习了中国古代建筑的发展概况，为过渡到本章节的学习起到铺垫作用。纵观中国建筑发展史，宫殿建筑是我国古代最重要的建筑规模宏大，格局严禁，凸显王权尊严，标志着严格的等级制度。

接下来，分析教学目标

教学目标必须科学、简明，突出重点，切合学生实际，体现全面性、综合性和发展性，以此我制定了以下教学目标：

1、知识与技能：在掌握古代宫殿建筑形式背景的前提下，帮助学生认识中国古代建筑发展的四个阶段，总结宫殿建筑的布局特征。

2、过程与方法：本章节教学希望学生能真正掌握中国宫殿建筑设计的特点，根据学生的自身实际情况掌握学习建筑史的方法：分析当时的历史背景、宗教倾向性及等级制度等因素对建筑的影响，进而整理分析、归类综合得出清晰的知识脉络。

3、情感态度与价值观：通过此次课程学习增加学生对中国传统建筑的认同感，提升民族自豪感。使环境艺术设计专业学生从中学习到一些设计方法运用到今后的设计中。

接下来，对本章的重难点进行分析

1.重点：掌握中国古代宫殿建筑发展的四个阶段及不同阶段中的代表性宫殿建筑。

2、难点：认识故宫在空间布局上的艺术特色。

为了讲清教材的重难点，使学生能够达到本章节设定的教学目标，我再从教学方法上谈谈

《中外建筑史》是一门扩展学生建筑设计知识面、培养学生掌握建筑设计能力的重要学科。因此在教学过程中，不仅要学生“知其然”，还要“知其所以然”。

根据教学目标的要求，同时结合教材和学生的年龄知识程度等特点，在教法上本节课主要采用讲授法和讨论法两种教学方法，同时采用直观性教学、启发性教学方法相结合。

本章节内容具有一定的理论性，因此要采用讲授法，但讲授理论性偏强的内容容易枯燥乏味，因此插入直观性教学法，通过图片和视频结合讲解，通过直观的图片，激发学生的学习兴趣，活跃课堂气氛，促进学生对知识的掌握。同时针对学生提出的问题计划采用讨论法，培养学生的主观能动性。

最后来说一下教学过程

为了让学生对本节内容有更深入的学习，我注重突出重点，最大程度做到条理清晰，紧凑合理。课堂上注重互动、交流，调动学生参与课堂的积极性、主动性。因此我设置以下教学过程：

1、上课开始2~3分钟温故上节课知识导入新棵

回顾上节课学过的中国古代都城在选址方面主要考虑哪些因素？

通过播放咸阳宫的介绍视频，导入新课，激发学生学习本课程的兴趣，引导学生快速投入学习中。

2、讲授新课（35分钟）突出教材重点，结合教材和图片依次讲解茅茨土阶阶段、高台宫室阶段、前殿和宫苑结合阶段、纵向布置阶段的特点及代表性建筑，把中国古代宫殿的布局形式和等级制度相联系。

3、课堂小结（2~3分钟），把本次课堂传授的知识尽快的转化为学生自己的知识，通过重点梳理、难点疏导，简单扼要的呈现课堂小结，是学生再一次清晰的掌握古代宫殿发展的知识脉络。

4、课后作业;以古代任何一个时期的宫殿为例，分析其设计特点。同时引导学生预习下节课内容。

我的说课完毕，谢谢老师！

第三篇：中外建筑史复习

《中外建筑史》

1、试举出我国民居的三种具体实际类型。清代屋顶色彩等级最高的是？色，清代皇家建筑彩画主要？我国的古代佛塔一般可分为哪五种基本类型。河南开封佑国寺塔，在我国现存最早

（）代表了16世纪意大利建筑、结构、和施工的最高成就，是意大利文艺复兴建筑最伟大的纪念碑。比萨大教堂由教堂和()以及()组成，三座建筑的外墙均以白色和红色的大理石砌成。二战后建筑设计的主要思潮有：（）、（）等。按照屋顶的形式来划分中国古代建筑物等级，下列哪一组符合由高到的？塔；福建？寺两座石塔是我国规模最大的石塔。明清北京紫禁城的正门是？，屋顶属于？。底的等级顺序？ 以下柱式中哪一种源自古罗马的?（）我国宋代建筑的国家“标准和规

说出河南两处商代遗址？包豪斯校舍的设计师是？流水别墅的设计师是？马赛公寓的设计师范”是指：（）是？西欧的哥特式建筑内部空间狭长高耸有？的升腾之势，外部以？立面为主入口。伯拉孟特设计的？是文艺复兴时期

第四篇：中外建筑史小结

《中外建筑简史》小结

《中外建筑简史》是环境艺术设计专业的基础理论课。这门课使学生了解掌握中外建筑的样式风格，建筑的施工工艺，以及不同地区不同民族建筑的审美需求。从而开阔学生的视野，树立正确的环境艺术设计思想，为本专业设计奠定理论基础。并让学生树立正确的审美观念，培养高雅的审美品位，提高人文素养，了解和吸收优秀艺术精华，运用于以后的设计之中。

但是对于这门专业理论课，学生的兴趣普遍不是很高，认识不到理论知识对于本专业的重要性；加上史论课内容比较枯燥，这就给教学带来一定的困难，所以在备课的过程中，就比较注意以下几点： 1.为了结合本专业的特点，本课侧重建筑风格的讲解。另外，针对建筑发展规律的内容，以及现代建筑思想的形成都要进一步进行阐述，这也是学习建筑史的重点。

2.由于建筑样式只能通过图片去认识，不是很直观，达不到身临其境的效果，这就给教学带来难度。所以在教学上采用多媒体多角度全方位的教学方法进行讲解以加深印象，比如使用多媒体设备教学，给学生播放相关视频。同时结合实际情况和地方资源，灵活的进行教学考察，提高教学效果。

3.在讲古代史时，多与现代设计相结合，古代文化如何体现在现代设计当中，为现代设计服务，从而起到举一反三的效果。4.上海交通大学出版社出版的《中外建筑简史》是为环境艺术设计专业学生编撰的专业基础课程教材，知识系统简明、结构明析、图文并茂。但不足的地方是重点不够突出、知识点较少，如果完全按照课本内容，学生就得不到足够的信息量。这就需要在课本外补充大量的知识点，需要注意的是注意尺寸的把握，不能加入太多的内容。

5.在上课的过程中，在每一个知识点讲解之前，可以联系一两点与本知识相关却比较有意思的内容，如某建筑的时代背景、主人的生平、建筑师的简介、包括发生在这个建筑的历史故事等，先提高学生的兴趣，也使学生印象深刻。

第五篇：中外工艺美术史答案

1简述古希腊古典时期代表的雕塑家及其作品，并就其中某一作品谈谈自己的理解

是希腊古典时期着名的雕刻，题材来自希腊神话。古希腊时期，人们修建了大量的神庙，为神歌功颂德。所有这些神庙中以帕特农神庙（Parthenon）最为出色。帕特农神庙的装饰雕刻是菲狄亚斯在其艺术的鼎盛时期主持创作的，神庙的装饰浮雕规模很大，虽然不是都出自菲狄亚斯一人之手，但他是这些雕刻的总设计师，因此从这些雕塑中可以明显的看到菲狄亚斯的艺术风格《命运三女神》是帕特农神庙的东面人字形山墙上全部雕像中的一组雕像残片。三位女神是克罗索、克拉西斯和阿特罗波斯。她们的任务是纺制人间的命运之线，同时按次序剪断生命之线。她们是宙斯的御前顾问西米斯的女儿。人们从三女神的姿态神情中看到的不是神，而是人间姐妹之间亲密动人之情，从坐躺姿态中隐现出各人的个性气质。现存的这三个女神的雕像，头部和四肢都已失去，但那健美的身躯，恬静而潇洒的姿态，仍给人以极其优美的形象。尤其是三女神的衣服的处理，希腊式薄衫穿在三神的身上，纤细而又繁复的湿衣褶，随着人体的结构而起伏，女性人体的优美轮廓生动地展现出来。使得这些雕像不像是由冰冷的大理石雕凿而成，而是有血有肉活生生的人。

《命运三女神》原来位于帕提农神庙的东山墙，虽然头部都已受到了损坏，但仍然生动地展示了希腊古典时期雕刻艺术所达到的高超的艺术水准，令人叹为观止。三位女神坐着的姿势，是随着墙的三角形趋势而变化的，她们都穿着质地很薄的希腊式宽大长袍，衣褶纤细而又繁复，随着人体的结构起伏，极其生动地体现了鲜明的女性人体曲线，女神们身形优美、饱满而丰腴，使人切实地感受到孕育在她们体内的无限生机和活力。那似乎正在随着呼吸而微微起伏的、富有弹性的身体，让每一个看到这一组雕塑的人都几乎忘记了她们是冷冰冰的大理石，她们是那样的真实、那样的亲切、那样的令人崇敬。

古希腊雕刻十分重视形象的整体不可分割性，人体各部分都充分发挥出造型特性，力求表现形象的内在生命。所以尽管形体残缺，但每一个部分都蕴含着生命不息的精神，就是说，雕像的残片也是有生命的活物，观赏者可以通过可视部分的动作姿态联想残缺的部分，从而获得完美的审美感受。

雕刻家运用高超的雕刻语言，真实而细腻地刻画了透过女神衣褶隐现出来的丰满、柔美的肉体。雕刻采用不同的曲线变化造型：坐立女神，松软的连衣裙由于肉体的起伏而形成横竖疏密的变化，丰满的酥胸和乳峰处上平下褶，束腰向下揉褶繁复，从整体看疏密变化有致；躺卧女神，袒胸露出圆浑柔软的肌肤，身体的动势显出优美的体形和波浪式的衣纹曲线疏密节奏的流动，既平稳又柔和。用诗人海涅的话来说，希腊雕像上的衣纹是身体动势的多音反响。

作为雅典卫城重建和雕刻的艺术三女神的塑造体现了菲狄亚斯的艺术风格

结合作品谈谈你对卡拉瓦乔艺术风格的理解

16世纪末至17世纪初，与样式主义艺术和学院派艺术相对立的是现实主义。这个时期的最主要的代表人物是卡拉瓦乔，是他将现实主义艺术推向了一个新的阶段，以至影响了整个欧洲。卡拉瓦乔的艺术充满鲜明的民主主义思想。这与意大利当时动荡的社会环境有关。虽然卡拉瓦乔是个长期被遗忘的人物，他仅仅在本世纪初才日益引起美术史家的重视，然而他的艺术不但使人看到了17世纪意大利美术的多元性和斗争性，而且显示了他独特的艺术魅力，对后世的艺术家包括伦勃朗和委拉斯贵支等人，都起了不可低估的作用。《丘比特的胜利》（作于1598）是卡拉瓦乔的早期作品，画面中丘比特的形体显得极为真实。形态自然逼真，很是清新动人，画面洋溢着一种贴近生活的亲切感。卡拉瓦乔尽力用他所撑握的技法来突出画中人物，尤其是明暗法的运用，更为画面增色不少。有人称卡拉瓦乔所画的是“粗野的自然人”，说缺乏美的理想化。然而这也正是卡拉瓦乔艺术的独特之处。他在生活上不能合群，因为他的没有地位而常遭人攻击和嘲弄，他就奋起反抗，这种生活处境也造就了他那种桀傲不训的现实主义风格。《逃往埃及路上的休息》是卡拉瓦乔的代表作。文艺复兴是人类对现实充满理想的时代，而17世纪是理想开始破灭、人们产生怀疑和批判的时代，卡拉瓦乔的艺术作品中就表现出这种怀疑和批判。此画取材于《圣经》，表现圣母玛利亚和约瑟带着刚降生的基督，为了躲避犹太希律王的屠杀逃往埃及路上的情景。此画风格朴实，有一种卡拉瓦乔早期作品的宁静柔和。画中的圣约瑟看起来象是一位普通劳动者，面孔饱经风霜，前额布满皱纹，卡拉瓦乔善于把这种批判精神贯穿在他的作品中。敢于怀疑在圣经上被认为是天经地义的事，不但不美化画中人物，反而用现实生活中下层人物形象来表现圣徒们和圣母，实在是现实主义绘画的开创者之一。他抛弃了绘画中的一些“崇高风格”、装饰因素和理想化，以其明确率真的“粗野的风格画”宣告现实主义的到来《基督的下葬》是卡拉瓦乔作品中有巴洛克风格倾向的作品之一，强调动感，人物形态（如后面双手举起的女人）夸张。画中人物结构严谨，特别是耶稣的裸体和前面老人的双腿，饱满有力。另外，画中六个人紧紧集中于画的中央，具有雕塑般的整体感。此画的卡拉瓦乔风格是人物身上明亮的光线和背景的深暗。卡氏是最早探索光影语言的画，它反对学院派僵化的教条和巴洛克美术夸张的浮华；追求朴素、清新、直接面对自然的表现方式；以单纯、强烈的明暗，严谨、结实的轮廓，以前所未有的朴实无华的作风为15--16世纪文艺复兴时期的人文主义绘画向17世纪现实主义绘画的转型起到了关键而重要的作用，对同时代的西班牙、法国、荷兰以及19世纪的现实主义美术思潮都有着深远影响。

结合自己喜欢的作品谈谈对米开朗基罗艺术的理解

米开朗基罗是意大利文艺复兴时期伟大的绘画家、雕塑家、建筑师和诗人，文艺复兴时期雕塑艺术最高峰的代表。与拉斐尔和达芬奇并称为文艺复兴后三杰。1496年，米开朗基罗创作了第一批代表作《酒神巴库斯》和《哀悼基督》等。用了四年时间完成了举世闻名的《大卫》，主要作品:《日》、《夜》、《晨》、《暮》、《末日的审判》、《大卫》。《大卫》是文艺复兴人文主义思想的具体体现，它对人体的赞美，表面上看是对古希腊艺术的“复兴”，实质上表示着人们已从黑暗的中世纪桎梏中解脱出来，充分认识到了人在改造世界中的巨大力量。米开朗基罗在雕刻过程中注入了巨大的热情，塑造出来的不仅仅是一尊雕像，而是思想解放运动在艺术上得到表达的象征。作为一个时代雕塑艺术作品的最高境界，《大卫》将永远在艺术史中放射着不尽的光辉。米开朗基罗家热爱祖国和自由，曾经亲身参加过保卫家乡的战斗；斗争的失败使他感到失望，从而在艺术创作中，倾注其痛苦和寻找自己的理想。《大卫雕像》创造出的英雄形象，表达了当时全体意大利人民的渴望：渴望出现这样强有力的人物拯救祖国、领导人民脱离苦海 前人在塑造大卫时，常采用他取胜时的情景，米开朗基罗独具匠心，塑造了一个怒目而视，准备战斗的全裸青年。大卫左手扶着肩上的投石机，右手下垂握着圆石块，扭头向左前方搜索敌人，表现了大卫即将战斗的紧张情绪和坚强意志。雕塑家在人物结构上进行了深思熟虑的艺术夸张处理：把头部的比例加大，下肢放长，手和脚的关节都较大，以加强英雄的形象效果。但各部分的解剖结构仍然是精确得无懈可击。《大卫》雕像被视为黄金比例美男子，具有体格雄伟、体态优雅、肌肉壮硕、雍容高贵的美感，尤其是卷发和脸容被刻画的十分完美。这座雕像被推崇为古典艺术品的典范，也是雕刻艺术的不朽之作。米开朗基罗代表了欧洲文艺复兴时期雕塑艺术的最高峰，他创作的人物雕像雄伟健壮，气魄宏大，充满了无穷的力量。他的大量作品显示了写实基础上非同寻常的理想加工，成为整个时代的典型象征。他的艺术创作受到很深的人文主义思想和宗教改革运动的影响。米开朗基罗的艺术不同于达·芬奇的充满科学的精神和哲理的思考，而是在艺术作品中倾注了自己满腔悲剧性的激情。这种悲剧性是以宏伟壮丽的形式表现出来的，他所塑造的英雄既是理想的象征又是现实的反映。这些都使他的艺术创作成为西方美术史上一座难以逾越的高峰。

结合几位印象派代表艺术家及其作品谈谈你对印象派艺术的理解

。印象派绘画是西方绘画史上划时代的艺术流派，19世纪七八十年代达到了它的鼎盛时期，其影响遍及欧洲，并逐渐传播到世界各地，但它在法国取得了最为辉煌的艺术成就。19世纪后半叶到20世纪初，法国涌现出一大批印象派艺术大师，他们创作出大量至今仍令人耳熟能详的经典巨制

印象派艺术在欧洲是一个很重要的流派。从社会背景看，整个19世纪的法国历史进程影响着欧洲，从艺术发展看，19世纪欧洲的艺术同样是在法国影响下展开的。物理学对光色的分析促进了绘画色彩的变革，艺术家运用光学原理来进行创作，可以说印象派最大的成功就在于光和色彩学上的发明和创造。过去的油画主要是褐色调、灰色调的，现在的油画变得明亮了，色彩灿烂，色调也丰富了。印象派以前的画家主要在室内画画，在室外画的是素描和速写。所以画里没有室外光的表现。而现在印象派画家将画架支到了室外，捕捉瞬间变化的光线，这样就引起绘画上的一系列变革。印象派绘画是西方绘画史上划时代的艺术流派，19世纪七八十年代达到了它的鼎盛时期，在法国取得了最为辉煌的艺术成就。19世纪后半叶到20世纪初，法国涌现出一大批印象派艺术大师，代表作品马奈--《 草地上的午餐》《 吹笛少年》 莫奈-《日出·印象》《睡莲》《鲁昂大教堂》 雷诺阿--《红磨坊的舞会》 梵高--《向日葵》《星月夜》《鸢尾花》等。塞尚--《埃斯泰克的海湾》《静物苹果篮子》。印象派是19世纪中叶欧洲艺术从现实主义向现代主义过渡的重要阶段，印象派画家以创新的姿态登上法国画坛，其锋芒针对陈陈相因的古典画派和矫揉造作的浪漫主义。印象派画家吸收了写实主义绘画的营养，在绘画中开始对室外自然光的研究和表现。在印象派之后，塞尚、高更和凡·高都认为绘画不能仅仅像印象主义那样去模仿自然光中的客观世界，而应该更多地表现画家对客观事物的主观感受。此后，现代主义的艺术潮流层出不穷，世界艺术形式的大变革开始。作为一种美术思潮，印象主义绘画在世界美术史上具有重要地位，它推动了以后美术技法的革新与观念的转变，对欧美、日本乃至中国的画家产生过或大或小的影响。印象主义作为一种美术思潮,在美术史上具有重要地位,具有承上启下的作用.它否认艺术创作中想象力的作用,排除叙事性的文学内容,使绘画语言得以充分发挥,适应了当时社会需求,推动了以后美术技法的革新与观念的转变,对欧美 日本乃至中国的画家产生一定影响.为形式主义和抽象主义开导了先河.列出你所知道的凡高的作品，结合其中的一些谈谈凡高的艺术成就

《向日葵》《邮递员鲁兰》《 咖啡馆夜市 》《包扎着耳朵的自画像》《星夜》《梵高在阿尔勒卧室》等《向日葵》是梵高的代表作, 也是他在最痛苦的煎熬中所倾心绘制的最充满光明的精神追求的作品．浓重跳跃的金黄色似乎带着燃烧的激情, 粗犷奔放的笔触表露着对美好生活理想的渴求。画家像闪烁着熊熊的火焰,满怀炽热的激情令运动感的和仿佛旋转不停的笔触是那样粗厚有力,色彩的对比也是单纯强烈的。然而,在这种粗厚和单纯中却又充满了智慧和灵气。观者在观看此画时,心灵为之震颤,激情也喷薄而出,无不跃跃欲试,共同融入到凡高丰富的主观感情中去。《星夜》是一幅既亲近又茫远的风景画，山谷里的小村庄，在尖顶教堂的保护之下安然栖息；宇宙里所有的恒星和行星在“最后的审判”中旋转着、爆发着。这不是对人，而是对太阳系的最后审判。这件作品是在圣雷米疗养院画的，他的神经第二次崩溃之后，就住进了这座疗养院。在神志清醒而充满了情感的时候，他就不停地作画。色彩主要是蓝和紫罗兰，同时有规律地跳动着星星发光的黄色。前景中深绿和棕色的白杨树，意味着包围了这个世界的茫茫之夜。梵高是谨慎而求面面俱到的完美主义艺术家，神经质的个性使他在艺术上的追求日臻完善，梵高的油画决不是表现了这个画家的不理智状态，他所记录下的一切是自身的写照，也是他心灵的真诚倾诉，正是一个如饥如渴地在用绘画表达自己内在精神状态的形象记录，是伟大的心灵艺术。（2）凡高的艺术是伟大的,然而在他生前并未得到社会的承认。他作品中所包含着深刻的悲剧意识,其强烈的个性和在形式上的独特追求,远远走在时代的前面,的确难以被当时的人们所接受。他以环境来抓住对象,他重新改变现实，以达到实实在在的真实，促成了表现主义的诞生。在人们对他的误解最深的时候，正是他对自己的创作最有信心的时候。因此才留下了永远的艺术著作。他直接影响了法国的野兽主义,德国的表现主义,以至于20世纪初出现的抒情抽象肖像。梵高继承了肖像画的伟大传统，这在他那一代的艺术家里鲜见的。它如实地表现出疯人凝视的可怕和紧张的眼神。梵高的艺术在本世纪确实有它特殊的作用，他那近乎神秘的狂热与歇斯底里式的创作热情，给现代美术以很大的启迪。1.论述隋唐时期山水画的艺术成就

山水画在中国绘画史上占有特殊的地位，但它是出现较迟的画科。山水画在汉代开始萌芽，到了魏、晋、南北朝，才有了迅速的发展，而且成为独立的画科。六朝时，山水画的技法仍是很简单。隋代山水技法上已有长足进展，六朝山水的缺点已不存在了。展子虔的《游春图》就是最早的山水画,是经过历代皇家贵族及其他收藏家辗转珍藏而保存下来的艺术珍品。它处于自出现山水题材以来一直是青绿着色的不成熟的青绿山水画，向成熟的李思训父子的金碧山水画转化的关键地位。因此，它在山水画发展中具有承前启后的特殊作用。

隋代的山水画比南北朝时期作为背景的山水“群峰之势、若全饰犀节，或水不容泛、或人大于山，率皆附以树石，映带其地列植之状，则若伸臂布指”的面貌有很大改变，各种不同景象的形态及其相互间的关系，在画面里都得到了较好的处理。人这里表映出当时观察与认识自然景象的能力和表现技巧都比之前有了极大的提高。

唐代山水画已进入成熟时期，是我国封建社会发展的全盛时期，这一时期的文化艺术得到了空前而蓬勃的发展。虽然早期山水画还残留着从人物故事分离出来的痕迹，在表现技巧上也多继承前人青绿工细的体制，但着眼点已明显的集中在道释和历史故事，而且着意于表现山水的秀丽和春日的明媚，表现山川景致及寄寓的情思，表达了当时士大夫追求山水意趣。因而有各种风格竞相出现的繁荣局面。总的说来，唐代山水画开创了两大流派：一派是青绿山水，李思训和他的儿子李昭道直接继承和发展了展子虔一系列的山水画，借鉴和丰富了前人小青绿设色法，开创了 青绿为质，金碧为纹 的 金碧山水 画先声，形成我国山水画中独具特色的青绿山水画派另一派是水墨山水，这是唐代兴起的山水画的变法。另一派的始创是吴道子，但他的主要精力毕竟在人物画方面，所以张璪成为 南宗山水 的代表，王维则被奉为南宗画的始祖 王维向 国朝第一 的李思训学过画，他的画不但青绿着色匀衡有层次，且笔法精细，有 刻画 之痕王维又学过吴道子，他曾把吴道子在大同殿上的壁画，在绢上画成一卷，称为 小簇.《唐朝名画录》说： 王维……其画山水松石，踪似吴生，而风致标格特出。王维的山水画，对后世的影响很大，被画家们奉为 南画之祖，在我国美术史上占有相当重要的位置。

隋唐至五代是我国传统山水画从独立分科向成熟发展的一个重要时期,主要有精勾重彩“金碧辉煌”的青绿山水画;有墨分五色“水墨酣畅”的水墨山水画, 隋唐，五代美术取得了辉煌的成就为宋代法度森严,百代标称的山水画奠定了坚实的基础

论述扬州八怪的艺术特色

扬州八怪”以怪著称，系因他们的艺术风貌背离了当时统治者所推崇的“正统”画派。清代的正统画派包括以“四王”为首的山水画派和以恽寿平为代表的花鸟画派，他们受明末董其昌等文人画风的影响，讲求恪守古法，到了后期更是缺乏生气和个性。

扬州八怪”在艺术观上最突出的是重视个性表现。他们提倡风格独创，主张“自立门户”,他们公然宣布，自己的作品是为了卖钱谋取生活，撕破了过去文人画家把绘画创作视为“雅事”的面纱。在作品的题材上，他们一方面继承了文人画的传统，把梅、兰、竹、菊、松、石作为主要描写对象，以此来表现画家清高、孤傲、绝俗外，另一方面他们还运用象征、比拟、隐喻等手法，通过题写诗文，赋予作品以深刻的社会内容和独特的思想表现形式。在笔墨上，他们不受约束，纵横驰骋，直抒胸臆。由于他们的作品和当时流行的含蓄典雅的花鸟画风相违背，所以常受到评论家猛烈批评，被称之为“怪”。尽管“扬州八怪”的艺术当时只流行于扬州及其邻近的地区，但是它在继承发展中国传统水墨写意画上产生了深远影响。“扬州八怪”一生的志趣大都融汇在诗文书画之中，绝不粉饰太平。他们用诗画反映民间疾苦、发泄内心的积愤和苦闷、表达自己对美好理想的追求和向往。在封建制度极端残酷又大兴文字狱的时代，他们却敢于与众不同，标新立异。邓拓在咏清代著名画家郑板桥时曾写道“歌吹扬州惹怪名，兰香竹影伴书声”。“扬州八怪”主要以泼墨写意花鸟画为主，诗、书、画、印融会贯通，丰富了绘画的表现形式，并以金石书法入画，崇尚恣肆雄强的磅礴气势和朴茂奇崛之美，在艺术面貌上开一代新风，具有划时代的意义。他们的艺术大都取材花鸟，以写意为主要表现方式。在创作中重视个性，力求创新，不同程度地突破传统美学规范，带有某些反传统的意义，作品具有较强的主观色彩。但在当时，他们并不能够被完全理解，甚至被视为左道旁门，而受到“非议”。但正是他们开创了画坛上新的局面，为花鸟画的发展拓宽了道路。

2.比较清初四僧和清初四王的不同之处

清初四僧是指原济（石涛）、朱耷（八大山人）、髡残（石溪）、渐江（弘仁）。前两人是明宗室后裔，后两人是明代遗民，4人均抱有强烈的民族意识。他们借画抒写身世之感和抑郁之气，寄托对故国山川的炽热之情。艺术上主张“借古开今”，反对陈陈相因，重视生活感受，强调独抒性灵。他们冲破当时画坛摹古的樊篱，标新立异，创造出奇肆豪放、磊落昂扬、不守绳墨、独具风采的画风，振兴了当时画坛，也予后世以深远的影响。是清初最富有创造性的画家其特点：石涛之画，奇肆超逸；八大山人之画，简略精练；髡残之画，苍古淳雅；渐江之画，高简幽疏。他们的画风对后来的“扬州八怪”以及近代的吴昌硕、齐白石等大画家都有较大的影响。

清四王”指清朝初期的四位著名画家：王时敏、王鉴、王原祁和王翚。他们在艺术思想上的共同特点是仿古，把宋元名家的笔法视为最高标准，这种思想因受到皇帝的认可和提倡，因此被尊为“正宗”。“四王”以山水画为主，各自画风略有区别，又以师承关系，分为“娄东”与“虞山”两派，影响了后代三百余年

四王受了董其昌的影响 追求模古仿古 把更好地运用古人的笔墨当作最高追求 他们把古人画中的景物搬前挪后 达到古人画中的完美境界 他们在研究古人笔墨上的确达到一定水平在发展干笔渴墨方面也丰富了文人画的表现方式 但他们一味模古 大大桎梏了文人画的发展 四王坚持笔墨必守古法，每作必有出处和由来并以此为正宗。四僧则在继承前人笔墨基础上，主张发展，更强调贴近生活。

“四僧与四王之间的最大区别，在于不囿古法而敢于创造新法，笔墨却并未抛弃古法。尤其在国画美学理论和技法（皴法）基础上，仍然坚持了国画传承，属于先继承再创造，与现今流行的“国画改造”“创新”有着本质区别，不能成为抛弃国画传统美学理论和技法基础的理由或范例。

四王”和“四僧”是宋、元以来文人画发展的两个分支，虽然处于同一个时代，但由于地位和境遇不同，使他们的绘画有着鲜明的不同风格特色。从总体上看，“四王”生活安定，其作品多表现出冲淡和平的意境，性格不鲜明，技法上则过于强调笔墨神韵，固守前人成法。“四僧”的生活颠沛流离，坎坷多折，故作品多表现不平之气，个性鲜明；他们也学习古人，但敢于突破古人成法，而取材直接来自自然，贴近生活，故作品中生机勃勃，充满活力。因此，对于今天的欣赏者来说，感觉到“四僧”离我们近，“四王”却离我们远！

分析徐渭的艺术特色及在美术史中的地位

徐渭中国明代晚期杰出的文学艺术家，列为中国古代十大名画家之一.出身于破落的士大夫家庭。他自幼博览群书所交往皆为正直的文人，徐渭与师友交游，学习绘画，思想上相互影响。徐渭才华横溢，诗文、戏曲、书法、绘画创作都有很高造诣。晚年居家穷困潦倒，靠卖画度日。徐渭生性高傲，行动狂放，蔑视虚伪的礼法，坎坷的人生经历更加强了他愤世嫉俗的性格，满腔悲愤往往通过艺术创作倾诉出来。徐渭绘画，既有一定的师承，又能突破前规以适抒发已性。他的人物画受宋代梁疯子的减笔划影响，概括洗炼，造型生动；山水画受沈周、文征明等影响；花鸟画在林良、陈淳等人的写意画基础上又向前推进了一步。画史上把他与陈淳并称为“青藤”、“白阳”，并把他视为大写意画派的创始人。

徐渭是一位具有创新精神的艺术家。他极力反对摹古，力斥文坛的复古风气，文学上大胆创造的追求同样运用到绘画创作当中，建立了自己鲜明的绘画风格。徐渭擅长水墨大写意花卉，发展了文人画以笔墨抒情写意的传统，一改吴派花鸟画自然秀润、恬静优雅的格调，形成乱头粗服、大胆泼辣、豪放雄健的画风，画作结合题诗和苍劲奔放的书法，表现画家倔强不驯的个性。他的代表作有《杂花图卷》、《墨葡萄图》、《荷蟹图》、《榴实图》等。《杂花图卷》长10．53米，画牡丹、石榴、荷花、南瓜、紫薇、葡萄、芭蕉、梅、竹等花果十余种，画家以草书人画、大刀阔斧、横涂竖抹，展现出气势豪放、不专注形似的艺术风貌。画家在题画诗中表露对社会现实和生平遭遇的不满。《墨葡萄图》以狂放泼辣的行笔和淋漓酣畅的水墨，画出枝叶低垂掩映的串串葡萄，画上方以奇倔的行草题诗：“半生落魄已成翁，独立书斋啸晚风。笔底明珠无处卖，闲抛闲掷野藤中”，是画家激愤心境的流露。《榴实图》以简约笔墨画出挂在枝上的石榴，题诗：“此系熟石榴，向日便开口，山深少人收，颗颗明珠走”，抒发自己怀才不遇，郁郁不得志的心情。《荷蟹图》以勾染巧妙结合的画法写出秋天的荷叶螃蟹，题诗：“兀然有物气豪粗，莫问年来珠有无，养就孤标人不识，时来黄甲独传胪”，嬉笑怒骂，借题发挥，倾泄对现实不满的愤懑之情。

明代写意花鸟画、尤其是徐渭的水墨大写意花鸟画对清代及近世都产生了巨大的影响。

流风余被，直至今日。