古典主义代表人物及其作品

第一篇：古典主义代表人物及其作品

海顿生于1732年，于1809年去世，是“三巨头”中寿命最长的，慈祥和蔼的他被人称作“海顿爸爸”。在音乐创作领域，他被誉为“交响曲之父”，一生创作出过一百多部交响曲作品（有编号的就有104部），同时他还是弦乐四重奏这一曲式的缔造者。虽然它并不是三人中成就最高的，但对音乐发展史而言，却是绝对不容忽视的重要人物。

莫扎特，1756年-1791年。在他头上有太多光环，“神童”和“天使”是人们给予他最常用的两个代名词，而他更是音乐学界所公认的作曲天才。莫扎特一生创作了四十多部交响曲，最后5-6部被认为是具有极高艺术价值的杰作；而他的27首钢琴协奏曲，作为一个整体则是后人无法超越的极高境界；莫扎特的歌剧在当时更是具有极高的声望，并广受欢迎。然而这位音乐天才却在35岁那年因病早逝，即便如此，他所遗留下来的有编号的音乐作品也多达六百多部。

贝多芬，1770年-1827年，他被誉为“乐圣”。九部不朽的交响曲是贝多芬一生奋斗以及精神境界的写照，而他的许多器乐奏鸣曲、协奏曲、序曲、歌剧等更是一个革命时代的象征。有人说，贝多芬是半个古典主义者、半个浪漫主义者，这是不无道理的，他不能算作纯粹的古典主义者，贝多芬更像是古典乐派与浪漫乐派之间的一个过渡使者，一个音乐风格独特的大师。

音乐史书上称莫扎特为稀世之才，他英年早逝，却留下了那么丰富的作品。他的创作几乎涉及了音乐的所有领域，但他最重要的成就当推歌剧。他继承格鲁克歌剧改革的理想，而且更进了一步。与格鲁克不同的是，莫扎特主张“诗必服从音乐”。他的歌剧具有强烈的音乐感染力，旋律非常优美、流畅自然而深情，宣叙调也富于歌唱性。不同类型的音乐，将各种人物形象、性格塑造得鲜明而生动。重唱形式，被莫扎特作为安排戏剧性冲突和高潮的重要手段。序曲简练、个性化，在音乐的性质上与全剧有了更多的内在联系。这些重要的探索，使莫扎特在德国歌剧艺术的开拓史上立下了不朽业绩。其中以《费加罗的婚礼》、《唐璜》和《魔笛》最为杰出。

交响乐也是莫扎特创作中的重要部分。他最有代表性的交响曲是他最后的三部，即降E大调、g小调和C大调交响曲。其中《降E大调第三十九交响曲》明朗愉快、充满诗意；《g小调第四十交响曲》富有戏剧性，有海顿式的乐观主义情绪，但在技法上又完全不同于海顿，被称为莫扎特的“英雄”交响曲；《C大调第四十一交响曲》（通常被称为《朱彼特》）宏伟豪迈、东观向上，预示了贝多芬的英雄性的交响曲的出现。莫扎特的交响曲（尤其是最后三首），是贝多芬之前的全部交响曲创作的最高成就。他的突出贡献在于各乐章之间的主题之间的对比性。莫扎特一生中最后的两年是经济最困难的时期，他曾说道：“我的舌头已经尝到了死的滋味，我的创作还是乐观的。”1791年12月5日这位伟大而优雅的天才在维也纳的贫民窟里离开了这个让他多灾多难的世界。

当时妻子正患重病，家里没有一个零用钱，三十五岁的莫扎特就被埋葬在穷人的无名公墓里，没有一个亲属给他送葬，荒草隐蔽，雨露冲洗，让今天无数对他崇敬的后人欲祭无处。他为未能完成《安魂曲》而抱憾终生，但如今全世界都在赞美他的天才，他的灵魂真正可以安息了。

总的来说，莫扎特的创作成就遍及各个领域。它们反映了十八世纪末，处在被压迫地位的德奥知识分子摆脱封建专制主义的羁绊，对美好社会和光明、正义、人的尊严的追求。他的音乐风格具有诚挚、细腻、通俗、优雅、轻灵、流丽的特征，大都充满了乐观主义的情绪，反映了上升时期的德奥资产阶级向上的精神状态，在维也纳后期的创作中，也出现了悲剧性、戏剧性的风格，对社会矛盾的反映更趋深刻。

3、海顿Franz Joseph Haydn [1732.3.31-1809.5.31] 奥地利作曲家。生于乡村，6岁起接受音乐启蒙教育。8岁成为教堂唱诗班歌童，并学习文化、音乐知识。1758-1766年任伯爵宫廷乐长。此时创作了大量的音乐作品。1791、1794两次赴英国，指挥管弦乐队并创作乐曲。在伦敦获牛津大学名誉音乐博士。

海顿是维也纳古典乐派的代表人物之一。他的作品广博浩瀚，遍及声乐、器乐的各个领域。早期作品处于从巴洛克向古典风格的转换，此后大量的音乐实践，逐步形成了近代交响曲和四重奏曲的曲式、以弦乐四声部为基础的双管制管弦乐队体制。90年代后，他的创作达到了炉火纯青的境地。音乐结构严谨、节奏富于活力，具有典型的古典乐派的风格特征。海顿个人性格纯扑开朗、亲切幽默、生活气息浓郁。其主要作品有：交响曲108首，钢琴协奏曲、小提琴协奏曲2首、大提琴协奏曲2首、圆号协奏曲、带管轮擦提琴协奏曲5首、管风琴协奏曲8首、弦乐四重奏82首、钢琴三重奏30首、嬉游曲125首、弦乐三重奏56首、键盘乐奏鸣曲52首、变奏曲5首、歌剧20部、清唱剧6部、康塔塔8首、弥撒曲14首，还有大量的合唱曲、歌曲及歌曲改变曲等

贝多芬——乐圣，西方最伟大的音乐家，著名作品《英雄交响曲》《田园》《命运》等等 贝多芬是人类艺术上最伟大的创造者之一。他一方面有着卓 越的音乐天斌、炽热的叛逆气质和巨人般的坚强性格；另一方面 他那百折不挠的意志和对社会的责任感而产生的崇高思想，形成 他作为一个音乐家的特殊品质。他通过自己的创作，特别在他的九部交响曲中，反映了那个时代伟大的人民运动和最进步的思 想。他以时代和个人的命运为题，通过深刻的哲理和感人的艺术形象相结合，写出了一系列交响乐作品，表现了从斗争到胜利、从黑暗到光明、从苦难到快乐的资产阶级上升时期的精神历程，他的九首交响曲象珍珠一样永远闪闪发光。早在贝多芬在世时他就已被公认是具有世界意义的音乐家，他既是伟大的古典作曲家，又以浪漫派的先驱而载入史册。

交响乐之王一海顿(奥地利)海顿 1732年4月1日，维也维古典乐派的奠基人弗朗茨.约瑟夫.海顿出生于奥地利南方靠近匈牙利边境的风景秀丽的罗劳村。1809年5月1日逝世于维也纳。海顿是世界音乐史上影响巨大的重要作曲家。他是维也纳古典乐派的第一位代表人物，一位颇具创造精神的作曲家。

海顿对古典音乐的主要贡献是交响曲和四重奏，由于他对于交响曲体裁的形成和完善作出了巨大贡献，因此被人们称作“交响乐之父”。

海顿的性格善良，诚恳而质朴，是一个人道主义者。他的这些性格在音乐中得到了十分明显的体现。他还热心关怀青年音家，莫扎特、贝多芬等作曲家都曾向海顿求教，并且尊称他为“我们的父亲”。

海顿的音乐风格热情、典雅，充满了欢乐、幸福、和平的气氛。他的音乐就象优美的田园诗一样。他总是用这种笔调来歌颂大自，歌颂生活。在他的作品中，还经常可以感受到鲜明的奥地利民歌风格。海顿作品的另一个特点是具有巧妙的幽默感，乐曲中充满了愉快而别致的情趣。

海顿是一位多产的作曲家，作品涉及的范围也十分广泛，其中包括歌剧、神剧、清唱剧、交响曲、器乐协奏曲、弦乐四重奏以及其它室内乐作品。他最有代表性的作品有《惊愕交响曲》、《午别交响曲》、《时钟交响曲》、清唱剧《创世纪》和《皇帝四重奏》等。这些作品都与奥地利民间音乐保持着紧密的联系，深刻地反映出海顿纯朴、明朗、幽默和乐观主义音乐风格，并对后代音乐家的创作产生了巨大影响。海顿晚年两次访问伦敦都取得了巨大成功，并创作了《伦敦交响曲》。海顿一生取得了巨大成就，在世界音乐史上占有十分重要的地位。

古典主义时期（Classicl）（约公元1750—1820）因为这一时期的三位代表性人物：海顿，莫扎特，贝多芬的生活与创作主要都在维也纳，因此又被称为“维也纳古典乐派”或“维也纳古典主义音乐”。此时期作家中，莫扎特的小夜曲、嬉游曲等都很具亲和力。海顿的第一、二号大提琴协奏曲也会是很适合入门者欣赏的曲目。至于贝多芬的作品，轰轰烈烈的音响俯手可得，个人比较欣赏他的小提琴奏鸣曲《春》、钢琴奏鸣曲《悲怆》、《热情》、《月光》。

海顿开创了交响曲的新的主调音乐风格，并使复调手法在功能和声的基础上发展。他摈弃了古老复调中那种拘谨而神秘的性质，而代之以率真、生动的音乐语言；海顿完善了4个乐章的奏鸣交响套曲形式，使作品的4个乐章体现统一的艺术构思，表现生活的各个方面，海顿发展了奏鸣曲快板的结构，并往往采用从速度、调性等方面与主题形成强烈对比的引子，展开部获得显著发展，确立了以短小动机进行展开的发展原则，直接启发了贝多芬。

海顿的音乐之所以具有不朽的价值，因为它面向现实，面向人生，气息清新，朝气蓬勃，令人受到鼓舞；也因为它在作曲技术上奠定了欧洲古典时期的交响曲和室内乐的规范，从而形成了德奥音乐经久不衰的优良传统。

莫扎特的作品必须把握既含蓄、典雅，又玲珑剔透的音乐风格,.旋律性极强。莫扎特的作品主旋律往往是简单而极富歌唱性.在贝多芬的艺术中，钢琴曲占据了中心位置，他的32首奏鸣曲，无论是对业余的钢琴家还是对音乐会独奏家来说，都是曲目中不可缺少的一部分。它们被恰当地称为是钢琴家的“新约全书”（“旧约全书”是指巴赫的平均律钢琴曲集》）。力度的对比、爆炸性的重音、高低音区的对置、切分音以及强有力的渐强都是贝多芬钢琴风格的基本特征。他对主题变奏曲的爱好也很有特点，在这方面他是一个高明的建筑师，他运用无穷尽的思想把最简单的素材建造成高耸云天的大厦。当贝多芬想表达更加“强烈的情感”并在钢琴上开始采用新技巧时，其“炽热表达”的结果是琴槌的损坏和琴弦的断裂，贝多芬的一位抄写员这样描述道：“我经常把断了的琴弦扭下来，我来回忙活，拉出断弦，还要翻谱，我的工作比贝多芬要辛苦多了。”

贝多芬认为交响乐是向人类致词的理想手段，他的9部交响曲是有普遍感染力的精神戏剧。它们以席卷一切和激动的气势肯定了生活。在《第三交响曲（英雄）》中，贝多芬的风格成熟了。这个作品最初是题献给拿破仑的，他认为拿破仑是革命精神和人类自由的体现。当拿破仑称帝的消息传来时，贝多芬对他不报幻想了。被激怒的作曲家从刚刚完成的作品上撕下题有献词的一页，改写为“英雄交响曲，为纪念一个伟大的人物而作”。

以上比较的是各个音乐家的主要音乐风格，其在一身的创作中，音乐风格都是不断变化不断探索的。而且对于同一人的不同音乐作品，比如奏鸣曲，歌剧，等风格也有变化的。

都主张音乐艺术世界的美可以中和人生世界的矛盾,缓解矛盾,重建、创造宁静。海顿，莫扎特和贝多芬都把内心的平衡和宁静看得高于一切,甚至高于自己的生命。不同点应该是所处时代不同，所写出来的歌曲的意义不同，然后歌曲的感觉可能也有所不同

从音乐史的角度而言，能同海顿相提并论的并不多。他确立了古典奏鸣曲式的结构，交响曲的规范，新时期的清唱剧，室内乐形式„„将罗可可时期的审美情趣和作曲方式更明确地典范化进而开创了古典主义的巅峰时代。他最伟大贡献是把交响乐固定为四个乐章的形式，并在配器上形成一整套完整的交响乐队编制，为现代交响乐的发展奠定了基础。为此海顿有“交响乐之父”的美称，为后经莫扎特、贝多芬等人开花结果的古曲乐派，奠定了牢固的基础。规矩的和声和转调，自然音阶的旋律写作，分散和弦基础上的动机与主题，均匀对称的乐句和平衡的曲式，这些是大部分海顿作品的特征，也是古典时期中庸限制的审美典范。莫扎特的音乐细腻、华贵、含蓄、典雅，风格明朗，旋律优美，结构严谨，具有强烈的古典色彩和超然物外的特点。莫扎特短暂的一生共创作了四十一部交响曲，为交响曲的发展作出了重要的贡献。他六十年代的交响曲明显地受到J.S.巴赫的影响，都是些稚气幼嫩的作品。七十年代他在访问维也纳、米兰、慕尼黑、曼海姆、巴黎时，接触了当时欧洲最著名的交响乐团，从而使他进一步地了解和掌握了交响乐的特点。八十年代在维也纳是他交响乐创作的成熟时期。这些作品同海顿的四乐章套曲形式的古典范式一致，但第一乐章奏鸣曲式两主题的对比被大大加强，有时甚至同一主题的内部也有对比性的乐思，从而使主题的发挥更具戏剧性；另外，他还在整部曲子风格统一的前景下，突出了各乐章之间的对比，增加了作品的感染力，从而达到了更高的艺术境界。莫扎特的交响曲首先吸收了他歌剧富有表情的、如歌的曲调和其戏剧对比的因素；其次在以主调和声的基础上，广泛采用了复调手法；第三是旋律灵活,但不失宏大的气魄;第四是肌体透明,纯净而富有表情。贝多芬一生只有九部交响乐。但要论及贝多芬的作品风格，就一定得看看他的交响乐。交响乐是他的最高的创作成就。他的九部交响曲的风格发展恰好体现了他走向成熟的成长过程，是他革命精神的完美体现。贝多芬的交响曲以表现革命斗争的英雄为中心，这在当时最能激动人心。他的创作的构思之宽广，形象之宏伟，感情之深邃，对比之鲜明，都使他偏重于采用并扩充奏鸣曲形式；同时，他创作的形象丰富多样，运用在他的每一部作品中的奏鸣曲形式又各有其特点。他对奏鸣曲形式的处理，在音调和形象上都达到了内在的统一——他不仅在一个乐章的范围内使各个主题形成相互间的统一，而且在整个套曲的不同乐章中也是这样。例如，《第三交响曲》第一乐章第一主题的英雄性号角式的音调，也在其他乐章中出现，《第五交响曲》第一乐章的第一主题甚至起了主导动机的作用。他还把歌剧创作的戏剧性手法应用到他的交响乐创作中去，使交响曲成为一种深具戏剧性的器乐体裁；他把交响曲中原来的小步舞曲乐章改为诙谐曲，扩大了表现力的范围。小结：莫扎特和贝多芬在交响乐领域风格比较表现为： 1.曲式上：两者都采用奏鸣曲式，但贝多芬使之大大扩充发展，并且赋予了深刻的内涵。2.结构上：莫扎特采用的是海顿的古典式的三乐章或四乐章结构，小巧玲珑，规范精致。贝多芬保留了古典四乐章形式，但把第三乐章的“小步舞曲式”改为悲壮深刻的“诙谐曲”（名称上如此称呼而已，其实并不幽默诙谐）；首度创作了五乐章的《田园交响曲》，并赋予每个乐章一个小标题；音乐史上第一次在交响乐中引入人声（《合唱交响曲》）。3.配器上：莫扎特使用了十八世纪后半叶的交响乐队一般采用的双管编制，即长笛、双簧管、单簧管、大管、法国号和小号各两只（有时他连这样的乐队编制都没全部采用），这样的编制特点使音乐的音响格外纯净，透明而富有表情，如同使乐器发出人的声音一般。贝多芬的交响曲使用的乐队以完整的双管编制为基础。木管方面，本来在海顿和莫扎特的交响曲中还难得看到的单簧管已经确立了他的牢固地位，铜管乐器声部不用长号，由两个法国号和两个小号组成。他只是在个别交响曲中，才添加了短笛、低音大管和长号，在《第九（合唱）交响曲》中甚至用到四个长号。他很重视木管乐器，让它演奏十分重要的声部，他的《第一交响曲》已经明显表露出这个特点。值得注意的是：由于配器上的不同处理，他的《第一交响曲》和《第七交响曲》虽然都是双管编制，但其音响效果却迥然不同。4.精神内涵上：由于莫扎特的交响乐创作时间跨度较长，所以很难找出其中同一的精神线索。然而莫扎特的交响曲虽然有时具有一些悲剧性因素，但更多的是抒情歌唱，灵动活泼，调皮嬉戏。贝多芬则把英雄的主题放在他的交响曲中的首位，赋予他所表现的英雄以哲学家与战士的品格和思想家的头脑。他所塑造的英雄生活在人民中间，把为人民争取自由作为生活的目的，他为实现正义的事业而奋斗，他在同敌对势力的斗争中甚至牺牲了自己，直至赢得了斗争的胜利。贝多芬曾说过：“我们的时代需要精神健壮的人物。”因此，我们可以打这样一个比方：莫扎特是少年维特，贝多芬是埃格蒙特；莫扎特是调皮的苏珊娜，贝多芬则是勇敢的列奥诺拉；莫扎特是机智的费加罗，而贝多芬则是革命斗争的英雄

第二篇：古典主义音乐

古典主义时期的音乐

考点1：西方音乐古典主义时期的时间划分及文化特质

1、时间范围界定：（1）时间：将1750—1820年这70年的历史阶段称为西方音乐的古典主义时期。（2）概念的区分：在理解古典音乐的含义上要注意两种概念，一是泛指19世纪之前的传统音乐中为后世公认的优秀典范作品；二是特指1750—1820年古典主义时期曼海姆乐派、柏林乐派和维也纳古典乐派的创作成果。在西方音乐史上，古典音乐主要指后者。

2、社会文化特质：强调人性解放，崇尚英雄主义，追求人权平等。它反映了该时期“启蒙运动”和“狂飙突进运动”的思想实质：“自由、平等、博爱”，关注人的本性和情感。

二、简述古典主义时期音乐的整体风格特征？

1、音乐从教堂步入宫廷，并逐步走向社会，走向民众。

2、音乐创作不再以巴罗克时期的复调手法为主，采用的是主调音乐形式。加强了旋律与和声的对应，建立起“主—下属—属—主”的功能和声进行。

3、确立曲式分段式结构原则，旋律不再采用巴罗克时期延绵不断、扩充的音型，而是以短小对称的2、4小节（也有3、5、6小节）为基本单位形成方整型乐句结构。音乐呈现出优美、简单、均衡的特征。

4、主题动机式发展，以主题间的对比取代巴罗克时期单一主题的模进发展。

5、“通奏低音”被明确的乐器记谱取代，使作曲家对乐器音色的体验更明晰。

6、追求客观的美，描绘自然界中的人挣脱对教堂中的神、宫廷中的君主的依恋，拓宽了音乐的表现范围和表现力。

7、音乐的重心移到新型的器乐体裁——交响曲、协奏曲、奏鸣曲、四重奏上。这些变化对欧洲音乐的发展具有深远的影响。

三、简述古典主义时期宗教音乐的发展状况？

宗教音乐发展到18世纪时已经衰败，音乐从教堂、宫廷走向市民阶层，以往的宗教体裁音乐出现在世俗的舞台上。宗教音乐特有的音乐体裁，如弥撒曲、经文歌、清唱剧等与当时歌剧音乐的创作几乎没有多大区别，它越来越深地受到世俗音乐，特别是戏剧音乐的影响，因而只有少数人继承帕勒斯特里那的复调音乐创作传统。在意大利，主要的宗教音乐作曲家实际上也是歌剧作曲家；只有法国的宗教音乐与其他国家不同，一直保持自己的传统。

巴赫去世后，路德教会的音乐迅速衰退，当时的北德作曲家多采用半宗教半世俗的清唱剧形式进行创作。18世纪下半叶最突出的宗教音乐作曲家是埃曼纽尔·巴赫和K.H.劳恩，后者的受难康塔塔《耶稣之死》(Der Ted Jesu，1755)一直到19世纪末仍然十分流行。值得一提的是，18世纪末最著名的宗教音乐作品出自莫扎特和贝多芬之手。第一节?? 古典主义时期歌剧的发展

四、简述格鲁克和他的歌剧改革？

格鲁克（Christoph Willibald von Gluck，1714-1787），德国作曲家，对意大利正歌剧的成功改革确立了他在音乐史上的重要地位。他的代表作品有：歌剧《阿尔西斯特》（Alceste,1767）、《伊菲姬尼在奥利德》（Iphigénie? en? Aulide, 1774）、《奥菲欧与优丽狄茜》（Orfeo? ed? Euridice，1762）等。

18世纪中期，佩格莱西（Giovanni Battista Pergolesi，1710—1736）的作品《女仆做夫人》（La Serva padrona）在巴黎上演，引起了音乐史上著名的“喜歌剧之争”，即意大利音乐与法国音乐到底孰优孰劣的争论。由此，对意大利正歌剧进行改革的呼声日趋强烈。歌剧应该怎样改革？是继续走正歌剧的路，不放弃返始咏叹调，还是来一次革命？当时有很多理论家对此进行了阐述，而既能从理论上提出批评观，又能在歌剧创作中实施自己的改革方案的人，当属德国的格鲁克。他改变了意大利正歌剧发展的状况，对歌剧发展，尤其对德国后世歌剧的发展产生了重要影响。格鲁克的改革强调，戏剧内容与音乐表达之间要达到一个更为合理的状态，他的观点适应了18世纪以来启蒙运动所追求的审美情趣。其改革主张主要体现在《伊菲姬尼在奥利德》和《奥菲欧与优丽狄茜》两部歌剧中，具体反映在以下几个方面：

1、音乐服从诗和剧情的需要，戏剧内容的阐释是第一要素。

2、放弃返始咏叹调的表达，删除一些不必要的花腔段落，并用有伴奏的宣叙调代替“清唱宣叙调”，咏叹调与宣叙调差别不大。

3、歌剧序曲成为歌剧的一部分，参与表达歌剧的内涵。

4、管弦乐在歌剧中根据内容的需要烘托剧情的发展，而不仅仅处于伴奏的地位。

5、减少独唱部分，加强乐队及合唱团的作用，舞蹈中也去掉了与歌剧内容不符的哗众取宠的片断。?

五、简述喜歌剧的产生与发展？

18世纪20-30年代，在意大利正歌剧处于衰退状态时，出现了另一种歌剧形式——喜歌剧(opera buffa)。喜歌剧的最初形式是“幕间剧”(inter-mezzo)，它是在正歌剧两幕之间穿插演出，内容上与正歌剧没有联系，常以风趣、幽默的恶作剧形式进行表演的一种短小剧目，以取悦观众为目的，使观众在欣赏严肃的正歌剧的间隙中，情绪得到片刻放松。幕间剧通常演10-15分钟，有两个角色和一个小乐队，后来这种幕间剧脱离正歌剧，成为一种与正歌剧相对应的喜歌剧形式。

在歌剧历史中，对喜歌剧的产生与发展的考察，通常涉及意大利、法国、英国和德国四个国家的情况，从这四个国家在喜歌剧方面各自特征的表现，我们可以较清楚地看到喜歌剧最初发展的状况。

在意大利，喜歌剧以带有民歌因素的歌曲或分节歌形式的歌曲充当咏叹调，并采用干念宣叙调形式，它的突出贡献在于：使男低音走上舞台，并创造了“终曲合唱”形式。代表作品是佩格莱西于1733年创作的《女仆做夫人》，它是佩格莱西的正歌剧《高傲的囚徒》的幕间剧，1733年8月首演于那不勒斯。当时这部正歌剧反映平平，而其中的幕间剧却引起轰动，甚至成为里程碑式的作品，意大利喜歌剧也由此诞生。全剧共两幕8个段落，音乐包括1首意大利式序曲，5首相连的宣叙调、咏叹调及二重唱，其中乌贝托的音乐唱段成为喜歌剧男低音（basso buffs）的经典唱段。18世纪中叶之后，喜歌剧在形式上得到扩展，加入了严肃、伤感的情节，与正歌剧的风格比较相近。在法国, 喜歌剧被称为诙谐剧（opera comique），以巴黎喜歌剧院（Opera—Comique，Paris）的名字命名，它源于17世纪末法国集市上出现的一种以喜剧性的对话、流行的歌舞为主，掺杂着杂技、哑剧的表演形式。喜歌剧历史上的一个重要事件需在此提及：1752年意大利喜歌剧团访问巴黎，演出的《女仆做夫人》引起了西方音乐史上有名的“喜歌剧之争”。争论的焦点是提倡平民文化还是弘扬贵族文化，这场争论最后导致法国喜歌剧的诞生。法国喜歌剧以对话代替宣叙调，以副歌歌曲代替剧中的大合唱，用法语表演。代表作品是格雷特里（A－F－M.Gretry)于1784年创作的《狮心王理查》（Richard Coeur de Lion）。在英国，喜歌剧被称为民谣剧（ballad opera），是当时英国人文化生活的重要内容。它源于1728年在伦敦上演的由盖伊（John Gay）撰写脚本，佩普什（Johann Pepusch，1667-1752）作曲的《乞丐歌剧》（The Beggar's Opera）,该剧内容涉及当时伦敦街头罪犯猖獗的状况，带有政治讽刺的意味。英国民谣剧的表现手法不仅在形式上正面嘲讽了意大利歌剧，沉重打击了英国传统歌剧的创作，而且还在一定程度上迫使亨德尔不得不放弃传统歌剧的写作，转而从事清唱剧的写作。它以民歌、城市小调、流行舞曲为主，吸收了少量人们熟知的其他歌剧的咏叹调旋律，以对话代替宣叙调，用英语表演。代表作品即前面提到的《乞丐歌剧》。在德国，喜歌剧大约产生于18世纪中叶，它被称为歌唱剧(Singspiel)。Singspiel原指正歌剧，后指有对话的喜歌剧，它更多地模仿法国喜歌剧或英国民谣剧，以大段德语对白作为发展剧情的手段，咏叹调常用德国歌曲（lied）的旋律，有浓郁的民间特色，剧本多从英国的民谣剧移植过来。代表作品是希勒(J.A.Hiller,1728－1804)于1766年用德国歌曲的曲调为当时流行的英国民谣剧剧本重新配曲而成的《魔鬼出笼》（Der Teufel ist los），这使他成为德国歌唱剧的先行者。

喜歌剧在某种意义上是对正歌剧的反叛，它倡导启蒙主义思想，追求“自然”的艺术表现。歌剧内容不再着眼于神话、历史、英雄等题材，而是以现实生活中的场景和普通人的小事情为主，演员不穿古装，穿时装，大多使用本国语言，音乐强调本民族的音调。各国的喜歌剧均形成了各自的名称和形式。考点2：古典主义音乐特点

CLASSICAL MUSIC，中文翻译成“古典音乐”。有人认为“古典”给人的感觉有古董、古板的味道，故改称“经典音乐”。也有人根据牛津英文辞典里对古典的定义，in traditional and serious style，而称其为“严肃音乐”。于是，“古典音乐”又被戴上了“严肃”的帽子，让人更不敢靠近。但下此定义的人一定没有好好查字典，因为serious的第二条义项是这样给出定义的：(指书、音乐等）启发思考的，不仅为消遣的。因此我们知道原来古典音乐不同于流行音乐的地方是它内涵深刻，能发人深思，更能使人高尚，免于低俗。再来看一下朗文辞典对古典音乐的解释：music that people consider serious and that has been popular for a long time。可见，古典音乐是历经岁月考验，久盛不衰，为众人喜爱的音乐。古典音乐是一个独立的流派，艺术手法讲求洗练，追求理性地表达情感。

当我们听到巴赫、贝多芬、莫扎特、舒伯特的音乐时，它带给我们的不仅仅是优美的旋律，充满意趣的乐思，还有最真挚的情感，或宁静、典雅，或震撼、鼓舞，或欢喜、快乐，或悲伤、惆怅......说到欧洲古典音乐，我们不能不提到中世纪伊丽莎白时期，格里高利时期的音乐，其中，占主导地位的是宗教音乐！当时的人们对基督的信仰与崇拜，直接影响到了当时社会的政治与音乐，当时的音乐，只是纯粹的宗教用途，只限于在教堂中演唱，没有乐器，但是，却对今后的音乐发展起到了重要的作用！

到了1450年，欧洲音乐开始进入了文艺复兴时期，因为当时的欧洲政治的不稳定，教廷的威信与势力开始衰弱，资产阶级萌芽，为了适应当时社会的发展与人们的新思想，音乐开始宣扬以人为本的思想，所以在各个领域里都开始了文艺复兴运动，也就是在那时，欧洲传统的大小调式逐渐形成！

欧洲到了1600年开始，进入了一个大发展的时期——巴洛克时期，那时候不仅产生了象大家所熟知的巴赫，亨德尔等伟大的作曲家，歌剧，协奏曲，奏鸣曲等题材相继被创造发展出来。

当欧洲音乐进入古典时期后，也就是在1750年巴赫逝世后，欧洲复调后继无人，乐风转向简洁实用的主调，那时候，出现了三位音乐大师：“乐圣”贝多芬，“神童”莫扎特，以及“交响乐之父”之称的海顿！音乐的主题也从延续几个世纪的宗教音乐，逐渐变成富有丰富哲理内涵的古典音乐！

在1827年贝多芬逝世后，结束了严谨的古典主义时期。当时的欧洲正在接受浪漫主义的洗礼，当时的作曲家把作曲当作抒发内心情感的手段，对音乐的审美也有了进一步的发展，产生了炫技等音乐表现手法！如当时的帕格尼尼，李斯特等就是那时红极一时的演奏家！音乐表现，风格也日趋丰富，出现了一些以民族音乐语言进行创作的民族作曲家，如芬兰的西贝柳斯，挪威的格里格，俄罗斯的五人强力集团等，都是民族乐派的伟大作曲家～

时间进入19世纪，出现了以德彪西为首的印象派音乐！音乐表现极具色彩化，和当时的绘画风格有相同之处！

在浪漫主义后期，也就是欧洲调性体系发展到了最辉煌也是最后的时期，我不得不提到拉赫马尼诺夫，马勒等作曲家，他们把欧洲传统作曲法发展到了极致，当然也包括新的尝试，出现了象马勒第八交响曲《千人合唱》这样的宏大的作品。再者，就是斯特拉文斯基，他的新古典主义崇尚复调和对位法，采用多调性，为以后的传统作曲法到先锋音乐的过渡起到了至关重要的作用！

时间到了十九世纪末，二十世纪初，音乐又有了突破性的发展，以韦伯恩为开始的作曲家打破十二音作曲法，抛弃了近400年的欧洲调性体系，发明了十二音序列，之后无调性等音乐形式出现，如当时的勋伯格就是代表！在世界大战之后，科技更加发达，人们的思想也更加丰富，出现了电子音乐，以及国家间的文化交流不断融合，产生了更加丰富的音乐形式，更加多元化！在1945年后的音乐被称为先锋音乐，这时候的音乐已经动摇了人们对音乐的美的看法，也更加理论化，产生了象无声音乐，噪音，微分音等人们无法理解的音乐形式！

柴可夫斯基：

彼得·伊里奇·柴可夫斯基是俄罗斯伟大的音乐家，1840年5月7日出生在乌拉尔的伏特金斯，父亲是矿业工程师，十岁入法律学校。1859～1862年在司法部任职，同时勤奋学习音乐，尝试作曲，并成为新成立的彼得堡音乐学校的首届音乐学生。1862年辞去官职，投身音乐事业。1866年应鲁宾斯坦之邀到刚成立的莫斯科音乐学院任教，达十一年之久。这时，开始了他创作的第一个时期。他写下了许多早期名作，舞剧《天鹅湖》即在此间诞生。

1877年，柴可夫斯基的生活发生了重大转折。他当年结婚，快速仳离。这是他一生中最为痛苦的一年，他患上了严重的精神衰弱症。在这期间，柴可夫斯基结识了一位贵族遗孀枣梅克夫人。她非常喜爱柴可夫斯基的作品，从1877年开始每年给予柴可夫斯基以优厚的经济资助，由此使柴可夫斯基辞去音乐学院的教职，把精力全部投入创作。从1877年到去世的十多年间，是柴可夫斯基创作上获得辉煌成就的时期。他的第四、五、六交响曲以及标题交响曲《叶甫盖尼·奥涅金》、《黑桃皇后》，舞剧《睡美人》、《胡桃夹子》，以及《小提琴协奏曲》、《意大利随想曲》、《1812年序曲》等，都是这一时期的名曲。

柴可夫斯基的创作涉及题材范围极广，其中交响曲在他的创作中占有突出的地位。在这些交响曲中以《第六交响曲》（《悲怆》，1893）最为著名。这部悲剧性的交响曲是柴可夫斯基的全部交响曲中最反映创作个性及特点的作品。它以戏剧性的矛盾冲突及悲剧性的构思作为基调，在对美好生活的渴望与憧憬中，以悲剧性的结局预示出作者内心世界与现实的矛盾。

古典乐派是把巴罗克音乐之后、十八世纪至十九世纪二十年代古典风格为创作特点的音乐流派。它包括德奥的“曼海姆乐派”、“柏林乐派”、“早期维也纳乐派”、“盛期维也纳乐派”。

我们一般所说的古典乐派主要是指盛期的古典乐派——即由海顿、莫扎特、贝多芬为代表的维也纳古典乐派。

古典时期（十八世纪中期至十九世纪初）

主要钢琴作家：海顿，莫扎特，年轻的贝多芬和很年轻的舒伯特

主要风格：巴洛克音乐是繁华的，古典时期的音乐则更俭省，更含蓄，更干净清楚和更节制的。但有强烈的皇家和贵族气质，充满了理性的。非常清晰的对位：容易上口的旋律配上交响化的伴奏。古典风格音乐很重视清晰的曲式和明朗的和声结构，清楚的终结式。因受交响乐的影响，当时的钢琴音乐也很交响化，除了莫扎特的钢琴作品，它们更有歌剧的味道。

可以说，古典时期音乐没有那么多华丽的装饰，却是最美的旋律与最完美的和弦，干净的展现

考点6：维也纳古典乐派的风格特点

文艺复兴后在意大利兴起的主调形式的新音乐，以贵族社会为背景，在德意志和奥地利各地繁荣昌盛起来。?? 其初期有三个主要乐派：以音乐大师巴赫的次子卡·菲·埃·巴赫为中心的柏林乐派；以约翰·施塔密茨（Johann?Stamitz，1717-1757年）为中心的曼海姆乐派；以瓦根扎尔和蒙恩为中心的早期维也纳乐派。?? 歌剧虽然是古典派音乐中的重要部分，但从整体来看，古典派音乐的特色在于器乐方面，特别体现在奏鸣曲和交响曲形式的音乐上。曼海姆乐派的室内乐和交响乐不仅影响了维也纳乐派，而且对波恩时代的少年贝多芬也产生了直接的影响。??奏鸣曲是古典派音乐中极富代表性的形式，它的呈示部中有第一、第二主题的对比，中间出现发展部，然后是两个主题反复的再现部。曼海姆乐派当时已经具有了相当完整的奏鸣曲形式，他们还在交响乐中加入小步舞曲乐章。这个乐派的交响乐配器中，木管乐器也采用了双管编制。莫扎特在自己的交响乐中加用单簧管，也是受了曼海姆乐派的影响。?? 维也纳古典乐派以“交响乐之父”海顿、“音乐天才”莫扎特和“乐圣”贝多芬为代表的维也纳古典乐派，在音乐史上竖立了一座不朽的丰碑。这一乐派的主要特征是反映人类普遍的思想要求，他们追求美的观念、强调风格的高雅，给予人们乐观向上的进取精神。?? 浪漫主义乐派是继维也纳古典乐派后出现的一个新的流派，它产生在十九世纪初。这个时期艺术家的创作上则表现为对主观感情的崇尚，对自然的热爱和对未来的幻想。艺术表现形式也较以前有了新的变化，出现了浪漫主义思潮与风格的形成与发展。浪漫主义音乐与古典主义音乐所不同的是，它承袭古典乐派作曲家的传统，在此基础上也有了新的探索。如强调音乐要与诗歌、戏剧、绘画等音乐以外的其他艺术相结合，提倡一种综合艺术；提倡标题音乐；强调个人主观感觉的表现，作品常常带有自传的色彩；作品富于幻想性，描写大自然的作品很多，因为大自然很平静，没有矛盾，是理想的境界；重视戏剧，研究民族、民间的音乐文学，从中吸取营养，作品具有民族特色。在艺术形式和表现手法上，是继承古典乐派，但内容上却有很大的差异，夸张的手法也使用的特别多。在音乐形式上，它突破了古典音乐均衡完整的形式结构的限制，有更大的自由性。单乐章题材的器乐曲繁多，主要是器乐小品，如即兴曲、夜曲、练习曲、叙事曲、幻想曲、前奏曲、无词曲以及各种舞曲——玛祖卡、圆舞曲、波尔卡等。在众多的器乐小品中，钢琴小品居多。声乐的作品中出现了大量的艺术歌曲，并将诸多的声乐小品串联起来形成套曲，如舒柏特《美丽的磨坊女》、《冬之旅》，等，就是浪漫乐派创新的艺术题材。和声是表现浪漫主义色彩的重要工具，不谐和音的扩大和自由使用，7和弦和9和弦以及半音法和转调在乐曲里的经常出现，扩大了和声范围及表现功，增强了和声的色彩。作曲家创立了多乐章的标题交想曲和单乐章的标题交响诗，这是浪漫主义音乐的重要的形式。??? 浪漫注意音乐以它特有的强烈、自由、奔放的风格与古典主义音乐的严谨、典雅、端庄的风格形成了强烈的对比。如果贝多芬的音乐只是黑白电影或版画的话，那么浪漫乐派作品则像水彩画和五颜六色的油画。这一时期产生了两种不同的浪漫主义音乐流派。一种是以勃拉姆斯为主要代表的保守浪漫主义，另一种是积极浪漫主义。浪漫主义音乐时期也是欧洲音乐发展史上成果最为丰富的时期，它极大

历史老照片不能说的秘密慈禧军阀明末清初文革晚清

丰富和发展了古典主义音乐的优良传统，并有大胆的创新，这一时期的许多音乐珍品至今仍深受人们的喜爱和欢迎。??? 早期浪漫乐派的代表人物舒柏特的创作中心是艺术歌曲，艺术歌剧是诗歌和音乐的结合，这是浪漫乐派作曲家抒发诗情画意的理想领域。舒柏特选用的诗歌范围很广，有歌德、席勒等大诗人的诗，也有它的朋友朔贝尔的作品。他歌剧中的钢琴伴奏，不仅起了陪衬旋律的作用，也是创造特定意境的主要手段。舒柏特的歌曲被称为“艺术歌曲”，但许多歌剧中淳朴的音乐语言，常常接近于民歌，他的《野玫瑰》、《鳟鱼》、《菩提树》等歌曲，后来都成为广泛流传的民歌。民歌常用的分节歌的形式也是舒柏特歌曲创作的主要形式。??? 李斯特是中期浪漫乐派的代表人物，他出生在匈牙利，他的一生对音乐突出的贡献主要有两方面，一是丰富了钢琴技巧的表现力。??? 他的钢琴音乐不仅有诗情画意的小品，也有宏伟、辉煌的艺术效果和具有交响性的乐曲，他使钢琴音乐获得了管弦乐队般的效果，气势宏伟，热情磅礴。二是他首创了单乐章标题交响诗体裁。一生中他写了十三首交响诗，以《前奏曲》和《塔索》最为著名，这些交响诗具有叙事性、抒情性、描写性和戏剧性的特点。此外，在李斯特的作品中鲜明的匈牙利民族特色体现得尤为突出，如反映匈牙利民间生活的19首匈牙利狂想曲，其中第2、6、12、15首是经典之作。??? 理查施特劳斯是晚期浪漫乐派作曲家。作为一位作曲家，施特劳斯的贡献主要表现在交响诗方面，他完善了交响诗的结构形式，精心创作主导动机以及专门描写人物、地点、情景的音乐片断。他的管弦乐配器方面同样显露了卓越的才能，他的作品线条思绪极尽各种乐器之性能，使他的作品中一个极平常的动机或主题也能发出最迷人的光彩。施特劳斯的歌剧创作主要受瓦格那的“乐剧”的影响，作曲技巧虽然高超，但内容比较苍白，与瓦格那的作品相比较要单薄得多。他的作品有时象一篇充满绚丽辞藻的散文，但却在复述一个空洞无聊的内容。施特劳斯是由古典创作和浪漫主义音乐的杰出综合者，莫扎特的明澈，贝多芬的动荡，勃拉姆斯的结构感，瓦格那的英雄性，李斯特的标题音乐，激发了他的创作欲望。他对管弦乐队的熟练把握使他的作品发出迷人的光彩，但世纪末的文化特征，也充分体现在他的作品中，即唯美主义和颓废主义的倾向。他的创作和瓦格那一道预示了二十世纪音乐的来临。考点7：曼海姆乐派 1.曼海姆乐派定义

曼海姆乐派是早期古典时期最重要的音乐流派，由当时聚集在德国曼海姆（Mannheim）地区的艺术家们构成，他们成立了最早的交响乐团“曼海姆管弦乐队”，并在J.W.斯塔米茨（Stamitz,1717-1757）指导下，成为技术高超、素质优良、闻名全欧的交响乐团。J.W.斯塔米茨还使用渐强的方法，加强并丰富了音乐的表现力，因此“曼海姆管弦乐队”从客观上为交响曲的进一步发展奠定了不可或缺的基础。2.曼海姆乐派成就

曼海姆乐派(Mannheim School)简介

曼海姆乐派是18世纪在德国南部曼海姆形成的一个音乐流派。当时曼海姆宫廷的公爵特别热爱音乐，组建起欧洲最优秀的管弦乐队，使曼海姆成为当时德国重要的音乐文化中心。一批来自奥地利和波希米亚，以约翰·斯塔米茨（Johan Stamitz，1717-1757）为首的音乐家们一起创作、演出，对整个欧洲产生了很大的影响，他们被称为“曼海姆乐派”。2曼海姆乐派在音乐史上的贡献 主要有以下几个方面：

（1）在结构上，奠定了古典交响乐的基本结构布局，在意大利歌剧序曲快—慢—快结构的基础上加入了快速的第四乐章，形成了快板—行板—小步舞曲—快板终曲的交响乐套曲形式。（2）在演奏风格上，仔细安排乐队演奏力度上“渐强”、“渐弱”的情感幅度变化，在当时具有前瞻性。

（3）在创作上，以主调音乐风格为主，重视以小提琴为中心的旋律声部，加强了管乐器的色彩效果，废除了巴罗克时期乐队通奏低音的写法，开创性地采用总谱形式进行创作。

（4）在乐队编制上，形成了相当完整的交响乐队，1756年达到56人，成为当时欧洲最大、最优秀的管弦乐队。曼海姆音乐作品的特点

作品轻捷明快，主调音乐风格已完全确立，高声部音乐线条十分突出，乐队织体清澈透明，通奏低音已被谱写为明确的乐队各声部，羽管键琴演奏者的指挥作用已被手首席小提琴取代。挖掘出管弦乐队丰富的表现力，表现出它特有的力量和灵活多变的潜能。3德国的曼海姆乐派代表人物 德国的曼海姆乐派（其实有许多捷克的音乐家）在交响乐的发展中起过十分重要的作用。这个乐派的代表人物有： 约翰·施塔米茨（Johhan·Wenzel·Anton·Stamitz，1717年——1757年）和他的儿子卡尔·施塔米茨（Karl·Stamitz，1745年——1801年）里赫特尔（F·X·Richter，1709年——1789年）卡那比赫（Ch·Cannabich）

他们当时都在曼海姆选侯公理查·提沃多的乐队中工作。这支乐队以他们精湛的演奏水品而闻名。这支乐队演奏的时候特别强调力度的对比，特别在渐强和渐弱的使用上开创了先河。这些演奏时候的细节处理在之前的器乐作品中是不被重视的，但曼海姆乐派将它发扬了起来，显示了当时这些音乐家独特的美学见解。

曼海姆乐派开创了经典的四个乐章的交响乐结构，并大力促进了主调音乐的发展，另外在对作品中的音乐主题形象的展开与对比以及配器的色彩性上也作出了不少的尝试。

曼海姆乐派的影响远大，他们发展出了渐强与渐弱的音乐符号，将乐团编制由20人增至40多人，成了古典乐派的标准规格；第一小提琴手作为乐团首席的传统，也是由曼海姆乐派流传下来的；现今许多不朽的交响曲作品，也是曼海姆乐派将交响曲独立于歌剧之外。曼海姆乐派的音乐作品，以优美的旋律，活泼轻快的风格、鲜明的对比著称。也是第一次自觉地把力度作为重要的因素。

但是曼海姆乐派三乐章，四乐章的结构不定，配器色彩不够鲜明，展开主题动机不足，对比也不够强烈，内容不够深刻。考点8：柏林乐派的特征

柏林乐派（Berlin School)柏林乐派是18世纪下半叶在柏林形成的一个乐派，代表人物是C.P.E.巴赫(C.P.E.Bach，1714-1788)。这个乐派的特征主要反映在两个方面： 风格比较保守，音乐多采用对位手法，交响曲多为三个乐章。这个乐派的贡献在于强调交响乐中的情感表达，信奉“情感主义”，比曼海姆乐派的音乐更动情。它把奏鸣曲式中呈示部的两个主题真正分开，扩大了展开部的发展，奠定了近代奏鸣曲的基础。

考点9：古典主义时期室内乐及其生产与发展 室内乐的含义

原指西方贵族宫廷中由少数人演奏、演唱，为少数听众演出的音乐，它有别于当时的教堂音乐和戏剧音海报乐。现在指由一件或几件乐器演奏的小型器乐曲，主要指重奏曲和小型器乐合奏曲，区别于大型管弦乐。室内乐本应包括各种器乐独奏和声乐独唱，但现在，人们一般所说的室内乐常常是指由单件乐器担任独立声部的器乐重奏和声乐曲中的浪漫曲、带伴奏的重唱曲。

2.室内乐各个时期的发展状况

室内乐于17世纪晚期传至法国、德国、英国诸国，后来，在J.海顿的笔下得到高度发展。他总结前人经验，确立了弦乐四重奏的典型形式，并使之居于室内乐的主导地位。这一时期，莫扎特和贝多芬又有效地发挥了中提琴、大提琴的表现性能，使4个弦乐声部更显均衡。贝多芬还运用交响曲的某些手法,丰富了四重奏的音响色彩和表现力（如 《C大调弦乐四重奏》），并使钢琴与弦乐声部相结合的重奏形式得到进一步发展。F.舒伯特的室内乐则不仅具有戏剧性倾向,而且富于歌唱性特点（如《d小调四重奏》）。

18世纪末以后，随着市民阶级的兴起，演奏场地从宫廷走向音乐厅，听众人数渐趋增多。室内乐的概念已由专指重奏曲而扩大到包括独奏曲、独唱曲（限于少数乐器伴奏者）和重唱曲以及小型管弦乐合奏等在内的更广阔的范围。

此后的作曲家如勃拉姆斯、B.斯美塔纳、A.德沃扎克、L.亚纳切克、柴科夫斯基、C.德彪西等都曾致力于室内乐的创作，并有重要作品传世。20世纪，室内乐仍是作曲家所重视的一个创作领域，不少作品运用了现代作曲手法。

进入20世纪，传统的室内乐受到很大的挑战，主要反映在两个方面，一方面来自混合音色组合：由于电子合成音乐的产生，新作曲方法的应用，室内乐领域产生了广泛而不寻常的乐器组合，寻找新的音色组合，如斯托克豪森的《天狼星》（电子合成器、小号、低音单簧管、女高音和男低音）、亨策的《友谊》（单簧管、长号、大提琴、打击乐和钢琴）；另一方面来自人员编制：出现了室内交响曲（十几个人的编制），室内协奏曲，室内歌剧等室内乐体裁，如布里顿的《旋螺丝》要求有6或7位独唱者、木管乐器、弦乐四重奏加低音提琴、竖琴、打击乐器、钢琴、钢片琴等。

第三篇：古典主义时期教案

第五章

朴素中见崇高——古典主义时期

（1750——1820年）

一、教学内容

（一）时间范围界定

（二）社会文化特质

（三）音乐风格特征

（四）器乐的发展

（五）格鲁克的歌剧改革

（六）喜歌剧的兴起与发展

二、教学重点

（一）三种主要体裁：交响曲、奏鸣曲、协奏曲

（二）三个重要乐派：曼海姆乐派、柏林乐派、维也纳古典乐派

三、教学难点

（一）古典主义时期音乐特点

（二）格鲁克的歌剧改革

四、教学过程

（一）时间范围界定

1750-1820年，涵盖18世纪初至19世纪初的欧洲专业音乐创作风格。1早期古典主义时期1720—1760年左右 2晚期古典主义时期1760—18世纪末

（二）社会文化特质

重视真实地描写现实生活，具有深刻思想性，反映了“理性时代”和“启蒙时代”的思想实质，表现为民主精神、进步的伦理观念以及工业革命的发展。

（三）音乐风格特征 1早期古典主义时期：

（1）采用主调和声织体和简化旋律（华丽风格）：结构方整性，结构内部对比大，节奏轮廓清晰，和声语汇简化，和声节奏放慢

（2）洛可可风格：节奏复杂化，旋律装饰化

（3）变化：巴洛克时期的曲式结构被新的结构形式取代；主调音乐织体取代对位法；新的器乐媒介取代通奏低音

2晚期古典主义时期

（1）曲式结构：清楚的终止式，清晰明确的乐句划分，乐句长度缩短，一般为4小节一个乐句

（2）音乐织体：主调音乐织体，单旋律线，分解和弦音型的流行（3）旋律风格：旋律简洁，主体材料有雷同，多使用自然音阶

（4）和声运用：较多使用正三和弦，副三和弦，除属七和弦外其余较少适用（5）即兴演奏：即兴演奏逐渐消失，作曲家们更仔细写出音乐记号

（6）器乐体裁：确立古典交响乐形式，奏鸣曲规范化，协奏曲的确立，海顿对弦乐四重奏的贡献

（四）器乐的发展

1奏鸣曲：源于意大利文sonare，为鸣响之意。16世纪前就已存在，16世纪时泛指一切器乐曲，与声乐曲相对。一般有四个乐章。（1）第一乐章用奏鸣曲式，采用快速度标记Allegro（快板）

（2）第二乐章采用慢速度adagio(柔板)，lento(慢板)，调性在作品主调的下属或属调上，更强烈的抒情性，曲式结构是三段体(ABA)、回旋二段体（AABA）

（3）第三乐章一般被称为“小步舞曲”，调性与主调性相同，四三拍，速度为中快。（4）第四乐章使用主调调性，速度稍快，曲式结构多为回旋曲式与回旋奏鸣曲式。（5）代表人物：舒伯特，肖邦，舒曼，李斯特，勃拉姆斯等 2交响曲：源于巴洛克时期意大利歌剧序曲，18世纪上半叶作曲家们采用意大利歌剧序曲快—慢—快结构写管弦乐作品，并将其称为交响乐。（1）内容具有文学性，标题性

（2）曲式结构更自由，乐章数目不定（有一、二、五、六、七乐章组成的交响曲）（3）乐队编制庞大，音响华丽丰满，民族风格浓郁（4）代表人物：海顿，莫扎特，贝多芬

3协奏曲：源于巴洛克时期的大协奏曲，乐队协奏曲，独奏协奏曲，尤其受独奏协奏曲影响。（1）第一乐章快板，奏鸣曲式，双呈示部，第一呈示部由乐队演奏，第二呈示部由独奏乐器和乐队协同演奏，此外在再现部结束之前，还有独奏乐器演奏技巧的华彩段

（2）第二乐章慢板，趋势比较自由，通常采用三段式，音乐富有歌唱性。

（3）第三乐章急板，常用回旋曲式或奏鸣回旋曲式，富于华丽技巧，又是具有民族风格或舞蹈性的节日的狂欢气氛

（4）代表人物：海顿，莫扎特，贝多芬等

4室内乐：原指西方贵族宫廷中由少数人演奏，演唱，为少数观众演出的音乐，有别于教堂音乐与戏剧音乐。现指由一件或几件乐器演奏的小型器乐曲，主要指重奏曲和小型器乐合奏曲，区别于大型管弦乐

（五）三个重要乐派 1曼海姆乐派：18世纪在德国南部曼海姆形成的一个音乐流派。曼海姆乐派在音乐史上做出了重大的贡献。

（1）在结构上，奠定了古典交响乐的基本结构布局，在意大利歌剧序曲快—慢—快结构的基础上加入了快速的第四乐章，形成了快板—行板—小步舞曲—快板终曲的交响乐套曲形式。

（2）在演奏风格上，仔细安排乐队演奏力度上“渐强”、“渐弱”的情感幅度变化，在当时具有前瞻性。

（3）在创作上，以主调音乐风格为主，重视以小提琴为中心的旋律声部加强了管乐器的色彩效果，废除了巴罗克时期乐队通奏低音的写法，开创性地采用总谱形式进行创作。

（4）在乐队编制上，形成了相当完整的交响乐队，1756年达到56人，成为当时欧洲最大、最优秀的管弦乐队

2柏林乐派：18世纪下半叶在柏林形成的一个乐派

（1）风格比较保守，音乐多采用对位手法，交响曲多为三个乐章。（2）这个乐派的贡献在于强调交响乐中的情感表达，信奉“情感主义”，比曼海姆乐派的音乐更动情。它把奏鸣曲式中呈示部的两个主题真正分开，扩大了展开部的发展，奠定了近代奏鸣曲的基础。

3维也纳古典乐派：18世纪下半叶到19世纪20年代，随着“启蒙运动”的发展，在维也纳形成的乐派

（1）在音乐内容上，音乐作品受到当时启蒙运动思潮的影响，以讴歌人的精神和反映自然界的美为主旨。

（2）在音乐织体上，确立了主调音乐形式的主导地位，和声织体清晰，曲式结构分明。（3）在音乐体裁上，奠定了交响曲、四重奏、协奏曲、奏鸣曲等体裁形式，使之更完善、更规范。

（4）承袭了德奥音乐文化传统，以强烈的艺术感染力和高超的作曲技法，使古典主义音乐达到顶峰，对后世音乐产生了深远影响。

（六）格鲁克的歌剧改革 1格鲁克：德国作曲家，对意大利正歌剧成功改革确立了他在音乐史上的重要地位。代表作：《奥菲欧与尤丽迪茜》、《阿尔切斯特》、《帕里与海伦》，一生创作40余部歌剧。

2格鲁克的改革强调，戏剧内容与音乐表达之间要达到一个更为合理的状态，他的观点适应了18世纪以来的启蒙运动的审美情趣。其主张体现在《奥菲欧与尤丽迪茜》、《伊菲基尼在奥利德》主要反映以下几个方面：

（1）音乐服从诗和剧情的需要，戏剧内容的阐述是第一要素（2）放弃返始咏叹调的表达，删除一些不必要的花腔段落，并用有伴奏的宣叙调代替“清唱宣叙调”，咏叹调与宣叙调差别不大

（3）歌剧序曲成为歌剧的一部分，参与表达歌剧的内涵

（4）管弦乐在歌剧中根据内容的需要烘托剧情的发展，而不仅仅处于伴奏的地位

（5）减少独唱部分，加强乐队与合唱团的作用，舞蹈中也去掉了与歌剧内容不符的哗众取宠的片段

（七）喜歌剧的兴起与发展 1意大利喜歌剧

初为“幕间剧”，与正歌剧没有关系，创造“终曲合唱”形式，佩尔格莱西的《女仆作夫人》最具代表性，由此引发一场“趣歌剧论战” 2法国喜歌剧

集市剧 口语独白 重视重唱与乐队的作用，强调感情表达与音乐描绘题材与社会问题相关，具音乐性，后有悲剧和浪漫主义文学题材，用对白把独唱和合唱贯穿格，代表作有格鲁克的《不期而遇》、比才《卡门》 3英国民谣歌剧

与法国喜歌剧相似，对白用本国语言，通俗曲调，沉重打击正歌剧，代表作是《乞丐歌剧》 4德国歌唱剧

与意大利歌剧风格相似，题材有关土耳其或有东方色彩，有巫术、魔术表演，舞台机关布景，希勒为德国歌唱剧之父，代表作《问与答》《两个守财奴》，其他作家的代表作有《费加罗的婚礼》、《魔笛》等

5西班牙喜歌剧形式——萨苏埃拉

15—16世纪最流行，特点是叙事和抒情结合，题材多样，节奏接近舞曲，有多声部作品，后发展成为西班牙民族歌剧，18世纪中叶后被音乐喜剧取代。

五、实际要点

（一）音乐风格特征

（二）器乐的发展

（三）三大重要乐派

（四）格鲁克的格局改革

六、文化连接

（一）1792年

《纳书楹曲谱》成书，辑录昆曲、散曲等

（二）1814年

清代蒙古人荣斋编成《弦索备考》成书，收录了以弦乐器为主的合奏曲13首，用工尺谱记谱

（三）清代华秋萍的《琵琶谱》正式刊行，对后世琵琶记谱有很大影响

七、参考文献

（一）冯志平《西方音乐史与名作赏析》人民音乐出版社 上海音乐出版社

2006.8 P80—113

（二）汪洋

《西方音乐史》

第五编古典主义时期音乐

（一）概述

湖州师范学院校级精品课程

（三）西方音乐史讲稿及教案

http://

（四）百度文库

古典主义时期音乐的风格特征http://wenku.baidu.com/view/2a6595d5b14e852458fb57bc.html

八、学术思考题

（一）概述古典主义时期音乐的特点

答：

1、音乐从教堂步入宫廷，并逐步走向社会，走向民众。

2、音乐创作不再以巴罗克时期的复调手法为主，采用的是主调音乐形式，加强了旋律与和声的对应，建立起“主—下属—属—主”的功能和声进行。

3、确立曲式分段式结构原则，旋律不再采用巴罗克时期延绵不断、扩充的音型，而是以短小对称的2、4小节（也有3、5、6小节）为基本单位形成方整型乐句结构。音乐呈现出优美、简单、均衡的特征。

4、主题动机式发展，以主题间的对比取代巴罗克时期单一主题的模进发展。

5、“通奏低音”被明确的乐器记谱取代，使作曲家对乐器音色的体验更明晰。

6、追求客观的美，描绘自然界中的人挣脱对教堂中的神、宫廷中的君主的依恋，拓宽了音乐的表现范围和表现力。

7、音乐的重心移到新型的器乐体裁——交响曲、协奏曲、奏鸣曲、四重奏上。以上这些变化对欧洲音乐的发展都具有深远的影响。

（二）格鲁克的歌剧改革有何历史意义？

答：格鲁克的歌剧改革是一次有着划时代意义的音乐变革。从形式上说,他批判性地继续了意大利正歌剧的形式,并将其在自己手中达到完美和终结,可以说他赋予了这种已濒临死亡的艺术形式以新的生命。但就其作品所表现出的启蒙主义的思想内涵和严谨简单的音乐风格来看,他的歌剧是完全属于新时代,属于古典主义时期的杰作。

第四篇：古典主义时期音乐

古典主义时期音乐特点

本学期我选修了西方音乐鉴赏，我选者这门课是因为我非常喜欢欣赏一些动人的音乐，我从老师对西方音乐史的讲解中获得了一些知识和自己搜集的一些资料，对这个学期的学习进行一个总结。在这里我从西方音乐史中选择了古典主义时期具体来介绍一下这一时期音乐的风格特征。

古典主义时期主要是指西方音乐史1750年至1827年左右这70多年的历史阶段。

古典主义时期之前欧洲爆发了在思想文化领域内掀起的启蒙运动，它对当时的教会权威和封建制度采取怀疑或反对的态度，把“理性”推崇为思想和行动的基础，相信实用性实验知识的效用和相信普遍自然感觉的价值，提出“自由、平等、博爱”的口号。后来又经历了狂飙突进运动、德国资产阶级文学运动的洗礼，欧洲音乐的主题从延续近千年对神的虔诚转移到对理性的崇尚上来，使得古典时期的 作品开始具有丰富的哲理内涵。所以古典主义时期音乐的社会文化特质表现为强调人性解放，崇尚英雄主义，追求人权平等。

这一时期音乐的整体风格特征主要表现在一下七个方面：

1、音乐从教堂步入宫廷，并逐步走向社会，走向民众。

2、音乐创作不再以巴罗克时期的复调手法为主，采用的是主调音乐形式，加强了旋律与和声的对应，建立起“主—下属—属—主”的功能和声进行。

3、确立曲式分段式结构原则，旋律不再采用巴罗克时期延绵不断、扩充的音型，而是以短小对称的2、4小节（也有3、5、6小节）为基本单位形成方整型乐句结构。音乐呈现出优美、简单、均衡的特征。

4、主题动机式发展，以主题间的对比取代巴罗克时期单一主题的模进发展。

5、“通奏低音”被明确的乐器记谱取代，使作曲家对乐器音色的体验更明晰。

6、追求客观的美，描绘自然界中的人挣脱对教堂中的神、宫廷中的君主的依恋，拓宽了音乐的表现范围和表现力。

7、音乐的重心移到新型的器乐体裁——交响曲、协奏曲、奏鸣曲、四重奏上。以上这些变化对欧洲音乐的发展都具有深远的影响。

古典主义时期音乐的类型主要世俗化，专业化，定向化。在古典主义这一音乐时期不仅确立了主调音乐形式，还出现了三个重要的乐派曼海姆乐派、柏林乐派和维也纳古典乐派和许多优秀的音乐家。

曼海姆乐派是18世纪在德国南部曼海姆形成的一个音乐流派。曼海姆乐派在音乐史上做出了重大的贡献，主要有（1）在结构上，奠定了古典交响乐的基本结构布局，在意大利歌剧序曲快—慢—快结构的基础上加入了快速的第四乐章，形成了快板—行板—小步舞曲—快板终曲的交响乐套曲形式。（2）在演奏风格上，仔细安排乐队演奏力度上“渐强”、“渐弱”的情感幅度变化，在当时具有前瞻性。（3）在创作上，以主调音乐风格为主，重视以小提琴为中心的旋律声部，加强了管乐器的色彩效果，废除了巴洛克时期乐队通奏低音的写法，开创性地采用总谱形式进行创作。（4）在乐队编制上，形成了相当完整的交响乐队，1756年达到56人，成为当时欧洲最大、最优秀的管弦乐队。

莫扎特1756年1月27日出生于奥地利的萨尔斯堡一个宫廷乐师之家。他小时演奏，作曲，具有惊人的听觉和音乐记忆力，被称为神童。1772年，16岁的莫扎特终于结束了长达10年之久的漫游生活，回到自己的家乡萨尔斯堡，在大主教的宫廷乐队里担任首席乐师。在他不足36岁的一生里，却为人们创造出数量惊人的音乐瑰宝，其中包括：歌剧、交响曲、协奏曲、室内乐、宗教音乐等等。歌剧22部，以《费加罗的婚礼》、《唐.璜》、《魔笛》最为著名；交响曲41部，以第三十九、四十、四十一交响曲最为著名，钢琴协奏曲27部，以第二十、二十一、二十三、二十四、二十六、二十七钢琴协奏曲最为著名；小提琴协奏曲6部，以第四、第五小提琴协奏曲最为著名；室内乐、奏鸣曲、宗教音乐。莫扎特的音乐典雅秀丽，音乐语言平易近人，作品结构清晰严谨，“因而使乐思的最复杂的创作也看不出斧凿的痕迹。这种容易使人误解的简朴是真正隐藏了艺术的艺术”。莫扎特的创作有着广泛的情感范围，但令人困惑的不是其无限的表情特性，而是不同的音乐千变万化的合成，是诸种情绪之间无可名状的转换，是不易用语言描述的模棱性质。

贝多芬1770年12月17日生于德国的波恩，在这个莱茵河畔的城市里，贝多芬渡过了不太快乐的童年。他在4岁开始在严父的教导下学习音乐，父亲希望他能使家里的经济状况改善一些，在他22岁去世。1781年贝多芬遇到了他音乐道路上一位相当好导师——作曲家聂费，他从思想上到音乐上使贝多芬的艺术视野更为广阔。贝多贝多芬有三句箴言放在工作桌前，做为一生信仰的指引。

1、我是无所不在。

2、我是一切，现在如此，过去如此，未来亦复如此。

3、我们常需要名字来指出事物与事物的差别，他是一切，所以不需要有名字。贝多芬是一为打破古典形式的古典音乐家，更被普遍誉为是集古典主义之大成，开浪漫主义之先河的大师。贝多芬的不仅创作领域广泛，而且在各个领域中都创造了相当大的成就，比较突出的有9首交响曲、32首钢琴奏鸣曲、17首弦乐四重奏（书上写的是16首）、一部歌剧《菲岱里奥》和一部庄严弥撒曲。在器乐和声乐中他最大程度的发挥自身的创作能力，从作品的篇幅、音乐的张力到精神内涵及对古典主义音乐的继承和发展上都有了自己新的理解。在1824年夏到1826年11月间的两年内，贝多芬在身心遭受病痛、贫穷、孤独等极大的困苦情况下仍完成了许多著名的作品。是永远值得我们尊敬和铭记的伟大艺术家。

经过一个学期的学习，不仅增加了我对西方音乐史的了解，而且通过对几个西方音乐家的了解和对他们作品的欣赏，更大大燃烧了我对古典音乐等多种风格西方音乐的热爱，还培养了我对艺术的鉴赏力和情操，当然，我对于西方音乐的了解，最重要还是要好好谢谢 老师的讲解，老师的介绍再加上音乐家视频的观看和一些作品的欣赏，让我受益匪浅。

第五篇：古典主义、巴洛克教案

古典主义、巴洛克教案

一、导课。

1、古典主义的萌芽，发生在巴罗克时代的意大利。后来由于在维也纳出现了海顿、莫扎特和贝多芬三人，借此古典主义音乐便得以形成。因此，音乐方面的“古典乐派”实际上指的是“维也纳古典乐派”。古典主义艺术，首先发生在文艺领域中，它以恢复希腊、罗马的古典艺术为目的，注重形式上的匀称和谐调，主要放眼于追求客观的美。

二、授新课

1、古典主义音乐的代表人物

巴罗克（Baroque）风格

从年代上说，大体上从十六世纪末到1750年间的音乐，称为巴罗克音乐。巴罗克（Baroque）一词，原来的意思是形状不整的珍珠，最初是在建筑方面来表明一种艺术形式。文艺复兴时期的艺术是以希腊、罗马的形式美为第一性的，对之而言，巴罗克风格是一种全新的表现形式，也是后来兴起的洛可可（Rococo）艺术的前提。

巴罗克时代的欧洲音乐以德国、意大利和法国等几个国家为代表，音乐艺术在这一时期达到了前所未有的迅猛发展。巴罗克时代的德意志音乐，可以说以许茨、巴赫和亨德尔为代表。如果把中世纪以来的复调音乐比做金字塔，则他们的音乐就是塔顶，他们吸收了文艺复兴以来的意大利的新音乐，并开拓了一条新的道路。

亨德尔和巴赫的音乐作品，无论在集成传统音乐方面，还是在追随新思潮方面，都在音乐史上放着射着异彩。亨德尔的作品，多为歌剧和清唱剧音乐，在器乐作品中也含有强烈的声乐因素，这显然是受了意大利的影响；而巴赫的音乐，在声乐作品中也含有强烈的器乐因素，这预示了以后的古典主义时代的到来。

也可以说在音乐创作上不存在所谓“古典时期”，仅有“古典风格”。按照这种风格，海顿、莫扎特和贝多芬写出了他们的名作。

如果说这是杰出的典范，有一定的道理。但是这种风格并非仅仅出现于他们三人的作品中，这个时期的其他作曲家的创根基本上也是这种风格，也是按照这种传统。

在巴洛克时期和古典时期之间，还有一些短暂的过渡阶段。其中之一是洛可可（Rococo），就像音乐史学者给巴洛克取名一样，是按照其风格而取名的。这一名称原是艺术史学者们专门用来指十七世纪末十八世纪初法国的装饰性艺术的。这一时期的法国建筑中，巴洛克式的雄伟、严峻的风格分解或者柔化，成为类似贝壳制品（法语为rocaille）式的线条。由此发展出一种新颖的、绚丽的、优美的、富有想象的风格。像所有的法国文化及趣味一样，这种风格也迅速传遍欧洲，在德国南部及奥地利特别风行。如果说音乐和建筑等其他艺术的演变完全一样，那是不恰当的，但在音乐中我们也可以看到浓墨重彩让位于优美、纤细的精雕细琢，尤其在键盘乐中发挥得淋漓尽致，很多一流的作曲家写了极尽装饰能事的乐曲，著名的格可可风格的作曲家当数法国的库普兰，在德国采用这种风格的是巴赫的同时代人泰勒曼和马特松，意大利作曲家有D·斯卡拉蒂。在C.P.E.巴赫、海顿、莫扎特等人的作品中犹可见到洛可可风格的余韵。

维也纳古典乐派

以“交响乐之父”海顿、“音乐天才”莫扎特和“乐圣”贝多芬为代表的维也纳古典乐派，在音乐史上建立起一座不朽的丰碑。这一乐派的主要特征是反映人类普遍的思想要求、追求美的观念、强调风格的高雅，给予人们乐观向上的进取精神。

与海顿大致相同的时候,世上出现了堪称神童的莫扎特,由此维人的古典乐派立即增添了光彩.包括贝多芬在内的这三人,都不是出生于维也纳,却聚集在维也纳,这可能有其必然的道理.三人虽各自走着不同的道路,但互相影响、协力合作,终于结下了不解之缘.沃尔夫冈·阿马丢斯·莫扎特于1756年1月27日生于萨尔茨堡,他虽然比海顿年轻24岁,但海顿于27岁时才创作他的第一部交响乐,而莫扎特的第一交响曲却是八岁时的作品,他们的创作活动几乎是在同一时期开始的.莫扎特于1791年完结了一生,海顿却比他多活生活了十八年.更加有趣的是,莫扎特在年轻时尊敬海顿并向他学习,而在莫扎特死后海顿所作的交响乐中出现了莫扎特风格的优美性和歌唱性,反而受到了莫扎特的影响。莫扎特的音乐才能,其异乎寻常的早熟史无前例的.据说他在三岁时,每坐在钢琴之前,就特别对找出的三度程的和弦长时间欣然自得.他四岁开始学习钢琴时,短曲只需30分钟,稍长的乐曲也只用一小时就能熟记,而且能准确地弹奏出来.他五岁时开始作曲,最初的一曲是他父亲把他即兴的弹奏谱写出来的,但不久他就开始自己谱曲.现在克歇尔编目的第一号小步舞曲就是他五岁时的作品.下面，我们就一起来欣赏一下莫扎特的G大调弦乐小夜曲第一乐章。

在欣赏的同时介绍：

海顿生于1732年，于1809年去世，是“三巨头”中寿命最长的，慈祥和蔼的他被人称作“海顿爸爸”。在音乐创作领域，他被誉为“交响曲之父”，一生创作出过一百多部交响曲作品（有编号的就有104部），同时他还是弦乐四重奏这一曲式的缔造者。虽然它并不是三人中成就最高的，但对音乐发展史而言，却是绝对不容忽视的重要人物。

莫扎特，1756年-1791年。在他头上有太多光环，“神童”和“天使”是人们给予他最常用的两个代名词，而他更是音乐学界所公认的作曲天才。莫扎特一生创作了四十多部交响曲，最后5-6部被认为是具有极高艺术价值的杰作；而他的27首钢琴协奏曲，作为一个整体则是后人无法超越的极高境界；莫扎特的歌剧在当时更是具有极高的声望，并广受欢迎。然而这位音乐天才却在35岁那年因病早逝，即便如此，他所遗留下来的有编号的音乐作品也多达六百多部。

贝多芬，1770年-1827年，他被誉为“乐圣”。九部不朽的交响曲是贝多芬一生奋斗以及精神境界的写照，而他的许多器乐奏鸣曲、协奏曲、序曲、歌剧等更是一个革命时代的象征。有人说，贝多芬是半个古典主义者、半个浪漫主义者，这是不无道理的，他不能算作纯粹的古典主义者，贝多芬更像是古典乐派与浪漫乐派之间的一个过渡使者，一个音乐风格独特的大师。

海顿、莫扎特、贝多芬三人都在十八世纪八十年代到十九世纪二十年代在维也纳活动，他们之间互有影响。他们都是运用奏鸣曲形式的大师，写出了奏鸣曲、交响曲、四重奏这类体裁的不朽佳作；他们也都致力于主题的展开以及利用调性的配置来给抽象的形式注入细致微妙的表情。虽然三人都写过歌剧，但是真正在歌剧中留下了璀璨名篇的只有莫扎特，而且也确实没有称得上“古典主义”的歌剧风格存在。主要是这些大作曲家的器乐曲给了当时以及整个十九世纪以巨大影响。除了贝多芬后期的作品显得较为艰深外，这三人的作品都既深刻而又通俗易懂，这也促进了这一时期开始的音乐从此走向世界。巴赫和亨德尔的作品仍仅限于在中部德国及英国流传，而海顿的作品不仅在他受雇的贵族宅邸演奏，而且在维也纳、巴黎、伦敦都能听到；莫扎特以演奏家的身份漫游全欧，演奏他自己的作品；贝多芬的作品从1805年后也是在欧洲到处都能听到。

三、总结

请同学们在课后多欣赏一些古典主义音乐，丰富自己的音乐知识，今天的课程就到这里，同学们再见。