背谱方法在钢琴演奏中的重要性

第一篇：背谱方法在钢琴演奏中的重要性

背谱方法在钢琴演奏中的重要性

【摘 要】现在一些学生，在钢琴演奏中忽视了背谱的重要性，无意识间养成了边弹边看谱的习惯。本文结合前人的智慧，归纳综合正确的方法，来为广大演奏者提供正确的背谱方法。

【关键词】背谱方法 钢琴演奏 重要性

中图分类号：G4 文献标识码：A DOI：10.3969/j.issn.1672-0407.2017.22.004

据调查结果统计，钢琴专业学生们在背谱方面上遇到的问题有如下几个错误：

1.急于求成。一些学生在背谱时过于追求速度，甚至初学者想短时间内背会很多首曲子，导致在弹奏时会记错谱子，手指跟不上大脑的速度，很多段乐谱在脑子里混乱交杂，背着、背着就把正确的乐谱背错了，让背谱走向误区，这是错误的。

2.习惯看谱演奏。有同学反映，在弹奏中，习惯看谱演奏中会有如下问题。首先是眼睛盯着谱子，手指一旦出错，就回不到原地了，每次要回到段落头上才能再捡；其次是读谱能力很差，看着谱子会一时间反应不过来，导致弹奏时断断续续的，不能连成一段完整的曲子。

3.背谱中过度依赖肌肉记忆。肌肉记忆是把一首曲子背熟之后就不再背谱了，天天看谱弹，时间久了所有的音都模糊了，什么时候开始弹错都不知道，靠肌肉记忆可以短时间内完成的很好，但是当你上台时，一旦肌肉记忆在各种重复下已经形成错误的习惯的时候，就造成不可挽回的事故了。李云迪韩国演奏会的事故就是这类情形，俗称忘谱，这是钢琴弹奏中最怕遇到的。

那么应如何正确读谱呢？读谱是背谱的基础，它跟认字差不多，读的多了自然就熟了，所以平时要先注重培养读谱能力，在此基础上才能涉及到背谱。理想的读谱习惯应该是开始弹之前眼睛看第一个小节，手指弹第一个小节时眼睛看后面的小?，以此类推，为了达到这种水平，我们要先明确正确的读谱方法。

1.正确的读谱方法：（1）看准调号和节拍；（2）若对谱表音位不够熟悉，刚开始时可把音准和节拍分开，第一步要先把音符看准弹对，可用很慢的速度（弹出正确的音），同时指法也要准确；（3）在上一条基础上，专门练习节拍、拍子，校正任何拍子的错误。（4）在上面的基础上，专门注意将连线、乐句、跳音、非连奏等记号弹奏出来。注意，要注意避免因过度紧张而牵连出的一系列导致不良或错误的触键方式。

2.提高读谱能力：（1）保证每个音的位置、指法都准确无误，不管速度多慢、拍子多不准，认准下一个音之前手指在原有的音上不要动，何时认准何时弹。（花很长时间才弹对一个正确的音要比急忙弹出很多错音好得多得多。）（2）眼睛要走在前面；（3）准确的键盘位置感。首先座位前后左右高低要都合适，然后用心感觉、测定每次手指、手臂移动到合适位置的过程；（4）熟悉不同音符的距离与相应的不同音键距离的对应关系；（5）在慢速视奏时，尽可能不要打乱节拍时值的关系；（6）在左手是低音与和弦的结构时，要把两者当成一个整体（包括音响），感受动作的统一和连贯；（7）加强内心听觉的训练和理论知识的修养。这有利于纠正错音，熟悉音乐形式、结构的规律，增强对音符走向的预见性，从而提高读谱能力。

离开钢琴不看谱：这是一种心里默读乐谱的方法。试图在脑海中描绘乐思的进程，“此时无声胜有声”，背谱其实是一种科学方法，需要好好钻研才能得到正确的真理，接下来我们就来列举一些细的分析，发现演奏家们备受效益的几种记忆。

1.谱面记忆。在练习一首新的曲子时，要仔细分析谱面。首先看有没有相似的结构，有没有重复、变奏等等。然后，在心中形成大体的结构。形成结构后，就可以对着谱子开始弹奏了，除非视奏能力超强，一般人的第一遍往往是磕磕绊绊，完全无法做到流畅地演奏。这时候我们的记谱工作就要开始了。正确的初学记谱方法是左右手同时记忆，配合着记忆。先大体感受一下每个音的长短，然后，分析每个音的相对位置。以主旋律为基准，记忆和弦所对应的音符。每一首曲子，都有内在的规律。记忆谱子，实质上是用自己的方式理解这种内在规律的过程。记谱的第一遍完成，这时候，已经大体了解了曲子的架构，然后初步记忆了一些音的相对位置。之后要做的，就是按照之前分析出来的曲子结构，将一首完整的曲子分成很多小的部分。分类的标准可以按照旋律、节奏等等。然后，从第一个小部分开始，将节奏整体放慢，慢慢弹奏和记忆。每一个音都在脑子里过一遍，第一段记得差不多了，就进入下一段，然后练习下一段的时候，先无谱弹奏一遍第一段的内容，然后再顺着开始第二段。第二段差不多了，再无谱弹奏一、二段，练习第三段。这样，要不了几遍，记忆的速度就会越来越快，甚至有些部分一两遍就能记忆的差不多了。

2.听觉记忆。在演奏中，需要演奏者做到时刻听到自己的曲子，知道自己弹到哪里了，知道自己弹得是否正确，有时大脑不能做出立刻反应，这需要听觉来帮助自己做判断。对音乐声调的感受能力，在一场演出中至关重要，是演奏者把握进度和准确性的关键，毕竟钢琴要配合现场的其他音响和乐队，这不是一个人的随意演奏。

对每一个练习钢琴的学生来说，敏锐的听觉非常有用。利用视、听觉器官的功能，来强化记忆，提高记忆效率。比单一默背效果好得多。好的学生能够在听觉上敏感的察觉到音乐的曲调欺负的波动、运行、停顿、声调的演奏过程。

我们要做到在心中提前听到要奏出的音符，通过内在听觉来控制外在听觉，所以，正因为有内在听觉的存在，背谱方法也可以结合听觉记忆。用手指将听到的内在听觉中的声音演奏出来，背谱会事半功倍许多。

总的来说，首先要重视背谱的重要性，其次掌握好正确的、适合自己的方法加以应用。每一首曲子都有它的规律，找到规律后，再背就不难了。其次，要强调的一点是在开始练习新曲子的时候，如果这是必须要背或值得背的曲子，那么这几种记忆方法就要在那个时候开始运用了。不要把每一种方法单独割裂开始使用，这些方法是可以混在一起综合利用的，比如谱面记忆加上听觉记忆的效果一定会比单独使用谱面记忆的效果好很多。大脑记忆是一种能力，我们必须要有意识的用这种思维模式来背诵曲子，以养成一种练习的习惯。以上就是在背谱练习中总结出来的几种记忆方法。

第二篇：手腕在钢琴演奏中的重要性及功能

手腕在钢琴演奏中的重要性及功能

在钢琴弹奏中,腕是整个演奏器官的“弹簧”。手腕的这一重要位置使它在钢琴弹奏中起着承上启下的关键作用。手腕在钢琴弹奏中的重要性

在实际的钢琴演奏中,手腕处于十分重要的位置,它是连接指尖与手臂的桥梁,是手臂向指尖输送力量的必经之路。手腕是调节，缓冲整个演奏器官（上身、臂、下臂、手）施加到手指上去的力量和重量；手腕是帮助控制整个演奏的力度和乐句的“呼吸”；手腕要帮助和配合手指去适应键盘的位置；手腕起到稳固整个手和各个手指的“架子”的作用。因此，对不同的音乐表现的要求，手腕一定要有高度的适应性。

手腕具有灵活性、弹性，通过多训练可以产生很大的力量。苏联著名的钢琴教育家阿·尼古拉耶夫说：“我们必须记住，手指技术是完全要靠手腕灵活来决定的。”在我们平时练习手指独立性时，高抬手指是为了打开指掌关节，使手指有力触键，然而弹奏时要快速、清晰，就需要手腕的弹性及灵活来协调动作，只有手腕放松，手指的跑动才能灵活及持久。

手腕的灵活是弹奏准确的重要因素之一。首先头脑一定要清楚，读谱也要准确，然后再练琴时通过刻苦的练习获得准确的运动习惯动作。亨利·涅高兹说：“手在钢琴上最好的位置应该是最容易变化的位置。”手腕灵活才能迅速变换手的位置。五指的位置是最自如和容易准确弹奏的。手腕要根据音型，音乐的走向灵活移动，在弹奏中不断的微调，使手指总是处于五指的位置，这样我们在演奏时就能够弹奏的自如、准确。手腕在钢琴弹奏中的功能

手腕具有柔与刚两种功能。在乐曲中弹奏如歌的和弹性的音色时，手腕是柔韧的，而我们在弹奏强有力的声音时，手腕就是坚硬的。这种触键方法，手指尖端结实，利用手臂的冲击力来弹奏，手腕与手指起到了支撑作用，发出华丽、铿锵有力、粗犷的音色。对于手腕的这种功能在我们钢琴弹奏中的运用，常会发生两个方面的误解。有的以为手腕必须得完全放松但是这样就会变得疲软，有的以为手腕必须绝对坚挺又会导致僵硬。这两种误解都会在很大程度上影响乐曲的总体演奏水平；或由于过多的、不必要的手腕动作使所有的力量无法抵达指尖，而在松垮的手腕中“流失”；或由于过分的僵硬的手腕而使整个音色变得粗糙，猛烈而尖锐，失去钢琴音质所独具的即铿锵又柔和的美感。

手腕放松则成为防止这两种误解的解决关键.它也是获得重量弹奏的关键.手腕是连接手指与手臂的纽带,弹琴的力量要“通”要把手臂自然重量送到指尖,就要通过手腕这个“关”,如果手腕抬得过高或紧张,力量就停留在小臂上,时间稍长就会感觉到累.把手腕松弛放低一些,使力量自然的流通送到指尖.要声音通透,触键的最佳状态是手、指尖与键盘三点成垂直线。演奏时手在键盘上的位置是不断变化的，要获得良好的声音就要靠手腕来调整，使手保持最佳的触键状态。用赵晓生先生在《钢琴演奏之道》中阐述的阴阳两法加以说明：阴柔体现于顺活，阳刚体现于支撑，而欲达到阴中有阳，柔中蓄刚，则对于手腕在钢琴中尤其重要。

第三篇：钢琴演奏中音阶练习的重要性

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钢琴演奏中音阶练习的重要性

【摘要】音阶练习是钢琴演奏基本功训练的重要内容之一，音阶练习对于手指的平衡发展及控制运用能力具有十分重要的价值。本文就音阶的练习阶段、音阶的手型与动作及音阶的速度等方面进行了阐述。

【关键词】钢琴演奏；音阶练习

音阶练习是钢琴演奏基本功训练的重要内容之一。所谓音阶，就是将音乐所用的乐音按音高的顺序，依次排列起来，形成阶梯状的序列。不论演奏哪种风格、哪种时代的作品，都离不开大量的音阶，可以说西方音乐中的大部分古典音乐旋律都包含大量的音阶或音阶的某些形态，往往这也是技术的难点。如果我们具备了熟练、准确弹奏音阶的技术，就可以得心应手地弹奏乐曲中的这些难点。相反，没有扎实的弹奏音阶的基础，一旦在乐曲中遇到音阶式的进行，临时练习，就会延误正常的学习进度。音阶练习的主要作用在于提高钢琴演奏者的手指力量、跑动速度和整体协调性，使手指能力得以均衡发展，使练习者在演奏中能够弹奏出音质饱满、颗粒均匀、灵活快速的乐句和伴奏织体。所以音阶弹奏的水平也是学生技术水平的标志之一。要想练好音阶，一方面要有正确的态度，另一个方面还要有正确的练习方法。

一、音阶练习的阶段

音阶的弹奏一般是由慢到快、由短到长、由简到繁的练习过程，需要严格地遵循循序渐进的原则，每一步都要为下一步打好扎实的基础。音阶练习一般可分为以下几个阶段：

1、双手平行八度的同向、反向练习。在音阶上、下行中只有一次转指，这是音阶练习中最简单的启蒙练习。

2、单手两个八度的练习。其练习的重点是手型的固定和手指的抬动，着重练习大拇指的“转指”及手腕帮助调节的转动动作。

3、双手的两个八度练习。

4、双手三到四个八度的练习。这一阶段应注意抬高手指和动作的协调性。

在音阶的奏法上，我们可以将它分为三个级别：第一级，熟悉键盘、保持正确的手型与动作。第二级，力度练习。第三级，速度与灵活性。www.xiexiebang.com

第一级，熟悉键盘、保持正确的手型与动作。这适用于上述音阶练习的1至3阶段，在对音阶的基本音型和指法没有完全掌握的情况下，我们应该把更多的练习放在音弹对、指法正确上，保持良好的手型将手指抬起后用力弹到底。手指自然弯曲，大指略向内弯曲，第一、二、三指关节支撑良好不塌陷、手腕略底或等于第三关节，这是对于初学者最正确的手型。但在弹奏音阶时要想保持这一手型是很困难的，因为手指在抬的过程中，位置也在不断的变化。所以在初学期，抬高手指不用过早强调，换指练习的动作标准与敏捷也不用过多的强调，重点应该放在手腕的移动调节和手腕与转指的配合上，让手腕的水平动作代替因紧张而造成的上下颠簸。

第二级，力度练习。这适用于音阶练习的第4阶段，双手三到四个八度的练习。手指的独立性、灵活性是手指力量的体现，所以在这一时期可以练习音阶和以音阶为主要织体的练习曲。练习者要注意将手指抬高并用力弹下去，但也不是抬得越高越好，而是在保持手掌稳定的前提下尽可能的抬高，抬高手指的同时不能连手掌也跟着翻起，这是特别要注意的。抬指动作要根据不同手指选用不同的抬指方法，抬指时有两点是要特别注意的:第一，一个手指抬起时，另一个手指做好相应的准备，抬指时手指要保持一定的弯曲，不能伸平抬起。第二，快速有力的下键是抬手指的根本目的，所以在抬手指时手指要抬高，下键要快而有力，手指支撑要好而不能出现折指现象。

第三级，速度与灵活性。前两级是音阶技术水平的准备训练，而这一级的训练最终要达到的目的是音阶或音阶式织体的演奏要做到准确、快速、均匀。在这一级的训练中练习者要用最小的动作弹奏，手指抬起时只要稍微离键就可以，在转动过程中手指与手掌的动作越小越好，而手腕要根据音阶的走向而随之带动。手指力量的大小在这一级就起到了很重要的作用，手指力量充足可帮助弹奏者控制好手指，弹奏出快速、均匀、音色明亮的音阶。当然，手指力量不足弹奏音阶的效果就与前者截然相反。所以前两级的准备训练没有做好之前，要想把快速音阶织体弹好是很困难的。

二、音阶练习的手型与动作

在音阶练习中，要想弹奏出轻快、流利的音阶，手指触键的质量是十分重要 www.xiexiebang.com 的，每个手指都要有准备地集中发力，迅速下键，发音后手指立即放松，要时刻用心去体会指尖触键的感觉，用耳朵倾听奏出的声音质量。在听觉上要想象出均匀、整齐地一串音阶，用耳朵调整自己的触键动作。

弹奏音阶时手指应该很圆滑地依次相随，弹奏力度要尽可能一致。妨碍圆滑弹奏的首先是大指，大指能与其他四指协同动作后也能上下垂直运动，是大指面临的一个障碍。因为大指动作异常缓慢，没有其他各指那样灵活，它在手自然的条件下，有点“一人向隅，举桌布欢”的味道。也就是说，其他四指的动作都是朝着上下垂着运动的相同方向，这与弹琴的动作是一致的。只有大指不同，它动作的方向是朝左右水平方向自然运动。因此，音阶练习要想做到良好地衔接，均匀地弹奏，大指就要能灵活地将垂直与水平动作相结合。

音阶练习中快速均匀是很重要的，而音阶快速均匀的关键在于解决好大拇指的“转指”。不管是什么音阶，都是由一个三音组与一个四音组构成，而两组音都是由大指的转指连接起来的。如果没有良好的转指，就不能弹好一条普通的音阶。所以弹好音阶的前提就是大指的“转指”训练，其中哈农的第32-37条就是专门训练大指的“转指”练习，其他的钢琴技巧练习教材上也有专门训练大指的“转指”练习。我们在作大指“转指”练习之前，可以先进行徒手练习。首先分别训练大指的上下垂直运动与左右水平运动，然后在训练两种运动自然的结合起来。

在练习大指“转指”时我们需要注意两个问题：

1、大指“转弯”的动作要提前作好准备，也就是转指前一个音下键时立即作好转指的准备，不能要转指了才作准备。转指时，手掌要以最快的速度、简便地从一个位置移到另一个位置上。

2、在“转弯”练习中，转指前后弹奏的两个音用力要相同，发出的声音保持统一、均匀。有些学生在左手上行和右手下行大指转弯时，肘部不断地翻动，声音很不均匀，其主要问题是大指完全躺在键上，使后面的手指必须靠肘部提起才能转过来。弹奏音阶时，大指能站立起来，其他的手指在转指过程中就容易多了，肘部也不需要多余的动作，发出的声音也就能保持统一、均匀。

弹音阶时，除了转指，手指顺应键盘位置的高低变化也是很重要的。在自然大小调中，手的状态是最自然的，这时我们可以看到白键与黑键在位置上的差别。白键与黑键因高度不同，弹奏出的声音也会不均匀。很多人都不会注意这个问题，他们把水平的弹奏方式用在高低不同的黑白键上，就像一个没有经验的司机，只 www.xiexiebang.com

会向前冲，不会顺着路面开，坐在车上的人就会觉得颠簸不平。而有经验的司机会根据路面的情况掌握车的行进，车上的人就不会觉得路不平。所以，根据情况选择合适的方式弹奏，就可以得到平稳的结果。因此，在弹音阶时，除了转指，顺指也是很重要的。

音阶弹奏方法的原则是以手腕的调节和带动为动力、以手指的力量为根本、以手掌的支撑为保障。因此，弹奏音阶离不开大指的转指，而大指的转指又需要适度的手腕左右运动加以配合。大指向外推出，使整个手掌向外侧转时，须借助手腕必要的、恰当的水平运动。当音阶朝一个方向进行时，腕部不能改变自己的状态。大指与手腕作柔顺的水平运动的配合，是手掌转弯的关键。在弹快速音阶时，手臂也要控制好力量，带动手腕和手指水平运动。

三、音阶练习的速度

影响演奏效果的关键常常是演奏速度，速度过慢会失去音乐的线条感和丧失技术进行的顺势。速度过快，不仅会给演奏造成困难，而且还会让演奏者失去常态，影响演奏水平。玛格丽特.朗曾经说过：“一挥而就的快速音阶弹奏，是进入高级演奏艺术的绝妙台阶。”⑴所以，速度是音阶练习中很重要的问题。手指的快速弹奏是基于手腕作横向的牵引。在弹快速音阶或音阶式的乐句时，首先要控制好手臂的力量，然后带动手腕和手指横向移动，手腕要朝着乐句进行的方向倾斜，以便于迅速、平稳地变换手位。弹好快速音阶的前提是要把快速音阶的慢速练习练好，因为只有在慢速练习中分析出的弹奏音阶的各项单独动作才是正确的。快速音阶的慢速练习最好是在学习过程的中期。

慢练可以使学生在练习中养成运动神经的习惯反射和条件反射。所以，在慢速练习中就要要求手指的动作、触键的感觉、音乐的分句、音量的强弱变化都要以快速弹奏时保持一致，按照快速弹奏的要领去练习和体会。在音阶的慢速练习中，手指的挥动要与快速弹奏时的动作完全相对应，慢速时挥动的幅度可以大一点，随着速度的加快，手指挥动的幅度就要随之减小，手臂的力量也要尽量减小。慢速练习的速度虽慢，但在触键的一刹那，手指反应仍然是敏捷的，只是每个音之间的间隙大了，逐渐将间隙缩小，手指反应相同，速度也就加快了。慢速练习时要注意音色的要求及音响的强弱变化，不能只做机械性技术练习，要不然这样 www.xiexiebang.com 的练习不是徒劳也是事半功倍。当然，音阶练习也不能过慢。速度过慢会使每个音停留过长而形成一个个孤立的音，动作也会不连贯，而且还会失去音阶阶梯性的走向感。不论是什么样的音阶，都要有一个整体的感觉，具有动作的连贯性。只有在连贯性之中，才能体现出音的阶梯性的声音形象。当音阶练习已经达到一定速度的时候，要注意整个音阶上下行的句子感觉，使音阶充满音乐流动的感觉。

练习中速音阶应该要分手练习，因为中速音阶必须动作高度控制。演奏好中速音阶的前提就是熟练的掌握快速音阶。在练习中要逐渐提高中速音阶的速度，一直到中速音阶与快速音阶的界限完全消失。初学者是很难通过逐渐加快速度，从慢速音阶发展到快速音阶。那样必定要造成某些技巧上的错误，因为慢速音阶有很多的配合动作，要想把这些配合动作逐渐消除是很困难的。但是在中速音阶之前就开始学习快速音阶，就会从中学到一些很重要的技巧解决。

四、结语

音阶练习还可以采用更多更好的方法练习，如断奏、跳音、分调练、反向练习、高抬指的非连音和半连音等，运用这些方法练习可以从中获取一举多得的学习效益，即巩固提高了不同的弹奏方法，又为钢琴演奏积累了更多不同的表现手法。音阶练习也可以结合钢琴名作欣赏提高音阶的技术水平，用心灵促化音阶质量的提高。音阶练习是枯燥乏味的，短时间内难以见成效，这需要有足够的耐心和毅力，只有每天坚持练习，持之以恒才能熟练地掌握好弹奏音阶的技术，在演奏钢琴作品时才能以更完美的技巧演奏作品，更好地展示出作品想要表达的精神和意境。

注释：

（1）应诗真《钢琴教学法》人民音乐出版社，1990，第43页。参考文献：

［1］张佳林《钢琴演奏与伴奏技巧》中央音乐学院出版社，2004。［2］魏延格《钢琴学习指南答钢琴学习388问》人民音乐出版社，1997。［3］应诗真《钢琴教学法》人民音乐出版社，1990。［4］李嘉禄《钢琴表演艺术》人民音乐出版社，1993。www.xiexiebang.com

［5］约瑟夫.加特《钢琴演奏技巧》刁绍华、姜长斌译，人民音乐出版社，1983。

Analysis of Scale in Piano Performance

Practice

Abstract：Piano scale exercise is an important part of basic training, scale exercises for the fingers, and control the use of the balanced development of the ability of great value.This article on the scale of the exercise phase, the hand-type scale and the scale and speed of movement, etc.are described.Key words：Piano;scale exercise 6

第四篇：中国古典音乐在钢琴演奏中的美学研究

中国古典音乐在钢琴演奏中的美学研究

中国古典音乐通过钢琴演奏，能够更鲜明和灵活地被听众所接受，是一种全新艺术的展现，突破了用东方古典乐器所展现出的民族气息，赋予中国古典音乐一种全新美的韵味与魅力。

一、中国古典音乐的分析

（一）中国古典音乐的概念

中国古典音乐是众多音乐形式中的一种音乐类别。中国古代的音阶分为：宫、商、角、变微、徽、羽、变宫，称为七声音阶，就是现代音乐中的c、d、e、f、g、a、b。七声音阶通常以雅乐和燕乐作为主要载体。通常在宫廷的祭祀活动或者朝会仪礼中会采用雅乐。雅乐起源于我国周代，起初用于祭祀天地、祭祀祖先、宫廷朝会、军事大典等。燕乐指的是在中国隋唐时期到宋朝时期的宫廷宴请所用的歌舞音乐，具有很强的娱乐欣赏性，又称宴乐。宴乐由声乐、舞蹈、百戏、器乐等几种音乐形式组成，其中舞蹈、歌唱音乐在隋唐时期占有较为重要的地位。燕乐中的乐器有箜篌、方响、筚篥、羯鼓、琵琶、笙、笛等。

（二）中国古典音乐的特点

中国传统古典音乐通常具有抽象、深邃和虚幻的特点，可以使人体悟到真实的高山流水、山竹花鸟，随着缓缓的音乐应运而生，通过这种深邃的音乐可以将千古缠绵不绝的生命呼唤显现在人的眼前。那种说不清、道不尽的唯美感觉，就是中国古典音乐所崇尚的一种淡泊、典雅、含蓄、委婉之美，也是中国古典音乐独具之美。中国古典音乐注重的是心灵和心理上的感觉，就是通过音乐将生命的体验和领悟表现出来，最能体现的是中华上下五千年的生命意蕴。中国古典音乐，无论是在心灵上亦或是在感情上，所崇尚的都是一种同大自然的交织相应，显现的都是诗情画意般美的意境。

中国古典音乐注重对情感的反映，通过乐曲可以使听众得到一种主观上的感受，通过乐曲也能够展现出当时的社会意识形态及人类情感世界。中国古典音乐通过作曲者对情感的捕捉，再配上旋律、声调、词、曲等综合形式，把作品呈现出来。中国古典音乐可以通过旋律、声调、词曲等元素的变化展现作品的内涵意境所在。中国古典音乐具有极强的感染力，使听众在听觉和感官上得到一种自然美、人性美、社会美的意境感受。

二、钢琴演奏的分析

（一）钢琴乐器的表现力

钢琴是众多西方乐器中演奏的表现力最为丰富的乐器之一，素有乐器之王的美誉，演奏起来非常引人入胜。没有任何一种乐器，可以独自将宏大的气势表现得丰富多彩、绚丽辉煌。钢琴的音域很广，可以达到6到7个八度，通过力度由弱到强的变化，表现多彩的变化，足以同一支交响乐队相媲美，钢琴演奏者可以独自一人通过钢琴创造出一个完美的作品，塑造一场生动的画面。

（二）钢琴演奏的音色特点

在数以百计的音乐弹奏中，钢琴演奏具有其独特的美学效应和发音特色。钢琴具有独特的如歌般的清脆悦耳的灵透的音色，可以将演奏者的情感表达得淋漓尽致，对于钢琴的演奏，要求必须具有纯熟的弹奏技艺，加上演奏者对于音乐深层内涵的理解。钢琴演奏出的音色时而优美甜蜜，时而咆哮愤怒，时而微微细语，时而奔腾豪放，其音色的变化具有极为广阔的空间和延展性。钢琴所独具的音色之美，是其他乐器无法比拟和仿效的。

三、中国古典音乐同钢琴演奏结合所产生的美学效应

通过中国古典音乐同西方乐器钢琴的结合就产生了一种全新的音乐中国钢琴古典音乐。中国钢琴古典音乐同以往所说的单独钢琴音乐不同，同单独的中国古典音乐也不同，它是一种通过钢琴所演奏出的中国古典音乐，是一种全新的音乐艺术表现手法，是一种东西方的艺术相互结合所产生的结晶。中国古典钢琴音乐演奏具有极强的复杂性，演奏者除了要对音乐深入理解，还要在演奏时极为投入，把握和领会中国古典音乐真正的灵魂及内涵。只有把中国古典音乐与钢琴发音极为巧妙地结合在一起，才能够弹奏出极具中国神韵和静雅风格的中国古典钢琴音乐。

中国古典音乐同西方的音乐，在情感和意境表达、创作手法和表现形式上都有很大区别，中国古典音乐追求的是神韵意的传达和表现，音乐所要展现的是意境和内涵。通过与钢琴的结合，能够很好地弥补中国乐器所演绎的不足，更好地将中国古典音乐通过钢琴的音色表现出来，完美地展现出中国古典音乐的内涵。

（一）对于意境美的表达

钢琴具有极为立体化的音色，可以将中国古典乐曲的意境很好地诠释出来。在中国古典音乐作品中，无法找到纯粹的写实之物，大多是用来歌咏和抒情之作，无论是借景抒情还是借情叙景，都是一种在心理上的感情抒发。下面笔者以几首作品为例，对中国古典音乐用钢琴弹奏表达意境美做更深入的分析。

1.由王建中改编的现代钢琴曲代表作《梅花三弄》通过改编之后，使人们可以透过音乐感受到梅花的时而动态、时而静态的美，并且可以感受到通过傲骨之梅所创造出的意境，从而更加深刻地表达出作者高洁冷峻的情操。改编后的《梅花三弄》不仅再度发挥了原创的艺术之美，并且在原作旋律的基础上，更好地诠释了原作的精神内涵。

2.由陈培勋改编的现代钢琴曲之作《流水》，改编之后，使这首作品更加凸显出作品所要展现的流水之动态和人类同自然界之间相互依赖的意境。听众可以通过钢琴弹奏感受到作品所描绘的流水潺潺的小溪和波涛彭湃的江河，正是作曲者所要抒发的对祖国大好山河的热爱之情。

3.由黎英海改编的现代钢琴曲《阳关三叠》，通过改编之后，成为一首三段式结构的重奏曲。这首改编曲既保留了原作唐代琴歌的音乐特色，又加入了钢琴的特色，融入了一些不同类型的音色，使作品更加丰富，使人能够感觉到更多的层次感，作品改编后，非但没有失去古曲的特色，还增添了音乐的充实感，使旋律线条的音乐更能适应现代钢琴的演奏。

第五篇：浅析钢琴演奏中的“呼吸”

浅析钢琴演奏中的“呼吸”

摘要：作为生命之源的呼吸，在钢琴演奏中有着重要的作用和意义。著名钢琴教育家赵晓生教授说：“……没有呼吸，就没有乐句，没有结构，也就没有了生命．．．．．”。正确合理的呼吸有助于肌肉和心理放松，对提高和发挥演奏技巧有极其重要的作用。有呼吸的乐曲，它是有生命的；若演奏一首乐曲不注意呼吸问题，那么这首曲子就缺少了音乐的律动性和歌唱性，从而也失去了艺术感染力。关键词：钢琴演奏；呼吸；乐曲表达

作为生命之源的呼吸，在钢琴演奏中有着重要的作用和意义。正确合理的呼吸有助于肌肉和心理放松，对提高和发挥演奏技巧有极其重要的作用。有呼吸的乐曲，它是有生命的；若演奏一首乐曲不注意呼吸问题，那么这首曲子就缺少了音乐的律动性和歌唱性，从而也失去了艺术感染力。在钢琴演奏中，呼吸存在于两个方面，一方面是一般意义上的生理上的呼吸，可以说是“无意识”的呼吸，源于生命本能；另一方面是乐感的“呼吸”，一种人为的“有意识”的呼吸，它在表达作品、突出情感方面体现着独特的艺术价值。

一、“呼吸”在钢琴演奏中的重要作用

（一）正确合理的呼吸有助于消除演奏中的紧张情绪

在钢琴演奏中，身体各部保持松弛，避免紧张，是获得良好演奏效果的重要条件之一。钢琴演奏中的“心理紧张”，探其究竟是由于呼吸不当造成的，我们弹奏钢琴时，是通过肌肉活动来完成的，而肌肉活动又需要氧气，呼吸不正确时就会紧张、缺氧，造成肌肉发酸、手臂僵硬。缓慢、绵延的呼吸对于紧张情绪的缓解和肌肉的放松有着积极的作用，让我们在演奏中把气息放下来，气沉丹田，全神贯注的专注于音乐的发展而不是局限于紧张的心理情绪中，使音乐松弛、流动，充满意蕴和生命力。钢琴家享利·涅高兹在《论钢琴表演艺术》中说:“钢琴弹奏最困难的就是弹得很长久，很响亮，而又很快”。要做到久、响、快，放松是关键。如果演奏者在演奏中不能正确的呼吸，就会影响到放松，演奏也就不能顺畅地进行下去。因此，要做到放松，正确合理的呼吸是非常重要的。

（二）正确合理的呼吸有助于演奏中的音乐表现

呼吸运用的正确与否，对于演奏中的技艺表现、音乐情感表现、优美音色表现等都起着决定性的作用，它在准确表达音乐的风格方面也起着不可忽视的重要作用。我们常常只是强调用触键方式、情感处理和踏板运用来刻画作品的风格，而往往忽视了“呼吸”的作用。钢琴演奏中的呼吸，应根据乐曲的不同情绪、风格、句式而进行调整，以充分表达音乐的气息为目的。

如弹奏巴赫作品，要十分注重结构层次的均衡性、旋律线条的歌唱性和音乐表现的即兴性及装饰性处理。在演奏时强调以轻微简捷的手指弹奏和轻盈的手部动作为主，这就要求在气息上要做到有控制、有层次的呼吸，特别是多声部、多层次的气息、呼吸和分句。实际上掌握了巴赫作品多层次气息的处理，就等于掌握了一把开启巴赫音乐的钥匙。又如演奏浪漫主义钢琴诗人肖邦的作品，肖邦的音乐十分精致讲究，他的音乐要求触键优美匀称、深而有共鸣，音色变化细腻，踏板运用巧妙、富有丰富的色彩明暗对比。在气息运用上，也应该用有节制的呼吸，来表现他清纯、高贵甚至是含蓄的热情。但同时肖邦的音乐又极富歌唱性，在弹奏长气息的乐句时，其自然呼吸仍应以“悠句细缓深长”为基础。

在钢琴演奏中，针对不同的音乐作品作出不同的呼吸处理，是让音乐表现更加准确的重要手段。

（三）正确合理的呼吸有助于更好的塑造音乐形象

钢琴演奏是要通过演奏者运用各种技巧手段，把作曲家作品中所包含的深刻的内心活动、思想感情、特定的音乐形象和作曲家的心情等等，正确地、有创造性地表达出来。演奏者也是“二度创作者”。人体的呼吸与音乐的表现内涵、旋律句逗、触键力度的大小、触键力度的深浅等要素相互贯穿，在演奏作品时，要根据内容需要，选择合适的弹奏方法和呼吸方法，这样才能更好地塑造作品的音乐形象。

如要塑造华丽、伟大、强而有力等音乐形象时，呼吸应稳健沉着，腰部要有强有力的支持，身心激发出一种由外到内的张力，利用这样 的气息状态去凝聚指尖与键面的接触点和爆发点。拥有这种的呼吸，辉煌的乐音才能在豪放如风的力度中真正体现出来；反之，塑造一个抒情柔和的音乐形象，在演奏时则应让呼吸深而缓慢地随律动平稳进行，在一种平心静气的气息中，悠然刻画出婉约如水的音响色彩。使人完全沉醉在音乐的意境之中。

二、正确合理地把呼吸运用到演奏中

(一)充分理解乐曲内涵，合理划分乐句

演奏一首新的乐曲之前，不要急于上手弹奏，首先要认真分析整首曲子，了解乐曲包括作曲家的背景及内涵，像读文章一样，有抑扬顿挫。弄清楚乐曲中的旋律乐句，找到“气口”，合理划分乐句。最有效的方法是“歌唱旋律”，把旋律哼唱出来，这样，很自然的我们就会在“该停顿的地方”停顿下来。不过，还有一些钢琴作品，不是“方整性”的结构，如被休止符隔开的音、连续的跳音、顿音、以及远距离的音等，这就需要更深层次的研究，注意它们之间的运动趋势及在表情达意上的连贯性，细心体会，再加上反复的聆听感悟。正确的理解了乐曲，也就会合理的划分出乐句。

（二）呼吸要与音乐情感变化同步

呼吸在钢琴演奏中，要随着一首乐曲的情绪变化、感情发展而相应做出不同改变。在演奏钢琴作品时，随着音乐作品旋律的高低、力度的强弱、速度的急缓、节奏的疏密、情感的变化所表现出的紧张与松弛，我们自然而然地会为这些变化而吸气、呼气、闭气。

在演奏中，如果是“一个完全沉思性质的音乐片段，应该是在毫无神经激动的安静沉着的方式中被呼吸出来。如果我们顺着表情的顺序进行弹奏，从沉思般的安静到戏剧性的紧张高峰，我们的呼吸也一定随着感情的变化而逐渐加快。每一个音乐片段都有它一定的音乐表现内容，如果一个应该安静的音乐片段，却以一连串的短呼吸来表示，那将是矛盾的，因为短呼吸说明激动，同样，用缓慢的呼吸来形容戏剧性的紧张，也是不近人情的”。①因此，在演奏每部作品时，我们要根据作品的风格特点划分出乐句、乐段、乐节等,通过我们的呼吸 找出它的韵味,这样的演奏才能反映出作品更深层的意蕴。运用呼吸和下键动作的配合，演奏出作品内容所需要的声音，正确反映出作曲家个人的风格和时代风格。

（三）呼吸在配合钢琴演奏技巧中的运用

钢琴大师贝尔曼说，弹琴的人要有三个肺，也就是要有三个部位来呼吸，即嘴巴呼吸、双臂呼吸和手腕呼吸。嘴巴呼吸不单是一种生理意义上的呼吸，在很多时候，它可以帮助我们在演奏中从心理意识上做好呼吸的预备，给意识以“暗示”双臂呼吸；特别适合于那些篇幅较长、气息要求延绵的乐段，手臂的放松和调节给予音乐连贯性和流畅感；而手腕的呼吸是运用最普遍、也出现得最多的呼吸手段，如连线的划分，通过手腕力量的“上抬”和“下沉”也可以实现乐句起伏中形成的“气息”。

在钢琴演奏中许多技巧也需要有呼吸的配合来完成，比如在演奏强力度的和弦时，如果只靠手和臂的力量，往往达不到作品所需要的音响、力度效果。这时我们就要用气息的支持，气沉丹田，我们常常提到的“腰部力量”就是气息在支持，这股力量由背、肩、臂一直贯通到手指，加上了气息的力量就会感到手臂力量大大增加，演奏出的和弦也就有力而扎实。扩展到整个乐段的和弦，更需要有气息的力量加入，身体状态才会积极起来，从而达到演奏效果。例如李斯特《匈牙利狂想曲第十一首》的尾声部分，音乐雄壮有力，情绪高涨积极，节奏欢快迅速，呼吸在这段音乐演奏的运用要积极，但不能提气，还是要气息扎稳，才会有力量的支持。

还有一点应该注意，在演奏中要尊重作曲家的创作意图，理解乐曲的上的所有标记，注意正确运用呼吸来表现强弱层次的变化、表情术语的渲染等，从而得到丰富的声音色彩，增强乐曲的艺术感染力。另外，起拍时的呼吸，就相当于指挥中的“预示拍”，包含了乐曲的速度、情绪、力度等。在演奏起拍时的呼吸节奏要与所演奏的作品速度、情绪、力度保持一致，如果乐曲是以抒情慢板开始的，触键前的呼吸则要深而缓慢；如果是一个急促的快板，在下键前的一刹那要急吸一口气。起拍的呼吸，要根据全曲的风格而定。掌握科学的呼吸理论，并运用到自己的演奏中，有助于表达出音乐的真谛。

三、呼吸使钢琴演奏更完美

钢琴演奏是一门表演艺术，演奏的初衷是为了感染每位观众和听众，使他们与演奏者或演奏的作品产生共鸣，通常是情感的共鸣。让欣赏者体会到音乐中触及灵魂的境界。这就要求演奏者在表演中要饱含深情，感情真挚充沛。而所有情感的表达都需要有“呼吸”才能准确体现。

钢琴演奏中的呼吸富有弹性、韵律和节奏。欣赏者往往是通过旋律来感受音乐，演奏旋律时有了呼吸才能有意味，才能去打动听众，在钢琴演奏中，每一个音符的演奏我们都会触及到作者敏锐的内心世界，如果我们在演奏作品时都能调整呼吸、运用呼吸，细致体会作曲家的情感表达并细致表现每一个细节，我们才能准确地表现出作曲家的写作意图，听众才能准确地感受到作曲家与演奏者的内心情感的呼应。“呼吸”在钢琴演奏中的合理运用使演奏者与观者在心灵上融合在一起。每首音乐作品都反映了作曲家的心声和情感，作品的强、弱所表达的都是作者内心涌动的情感变化，钢琴演奏者通过演奏来传递作品的内涵和音乐的魅力、表现作品的的情感起伏，演奏过程中，我们的身体动作会随着呼与吸的动作而起伏，观众和听众就会随着我们的呼吸感受到音乐情绪的细微变化，并能够理解作曲家和演奏者的思想感情。我们在演奏中将优美的乐音享受传递给观众和听众时，让“呼吸”贯穿了整个演奏过程的始末，运用呼吸控制身体各部位的协调，更为完美地呈现作品所要表达的内涵，使作品由内而外地放射出生命力。同时使观众和听众感受到钢琴演奏带来的无穷魅力。

总结

呼吸对钢琴演奏的影响是不可忽视的。它与表演的身体动作紧密结合，有助于更好的表达乐曲的情感，使演奏显得丰满而更具张力。没有完美的呼吸，就不可能有高超的钢琴演奏表现力。呼吸在钢琴演奏中应当作为一项素质训练被重视起来，能够合理正确的把呼吸运用到钢琴演奏中，是一名钢琴演奏者应具备的基本素质。掌握好呼吸的 方法，需要我们在平时的演奏中认真体会，深入研究和探索。

注①;《从艺术方面谈谈学习弹奏钢琴》(英)哈受尔砖·鲍尔著。《音乐译文》1980年第五期。

参 考 文 献

{1} 赵晓生.走进音乐{M}.上海：上海音乐出版社，2000.{2} 沈致隆，齐东海.音乐文化与音乐人生{M}.北京：北京大学出版社，2007.{3} {苏}A·阿列克赛耶夫.钢琴演奏教学法{M}.谌国璋，程白珊,译.上海：上海音乐出版社，1989.{4} [俄]根纳季·齐平.演奏者与技术{M}.董茉莉，焦东健，译.北京:中央音乐学院出版社, 2005.{5} [美]弗兰克·道斯.德彪西的钢琴音乐{M}.克纹，译.北京:人民音乐出版社, 1985.In brief analysis piano performance's“ breath”

Abstract: As the source of life's breath, at a piano recital, play an important role and significance.Piano Professor Zhao Xiaosheng famous educator said: “......no breathing, there is no phrase, no structure, there would be no life.....”。Reasonable right of respiratory muscles and psychological help to relax, to improve and play musical skills and have an extremely important role.The music has to breathe, it is there is life;if playing a musical attention respiratory problem, it is the first song on the lack of rhythm of the music and singing, thereby also lost their artistic appeal.Keywords: Piano Recital;breathing;musical expression