合唱艺术讲座

第一篇：合唱艺术讲座

合 唱 与 和 声

合 唱 与 和 声——《美声唱法与声乐艺术》

1.合唱艺术起源于15世纪前后的欧洲教堂，历经数百年的发展，现已跨入歌剧与音乐会的舞台，并开拓了一个新的艺术领域。合唱是人声和谐美的结晶，它不但具有人声交响的特征，在旋律上变化万千，而且更有复调美、节奏美、和声美以及各声部之间所形成的对比美。男低像大地，女低像小草；男高像天空，女高像白云。如此丰富独特并充满意境变化的声音组合，无疑会产生无可名状的感染力和震撼力。

2.完整的混声合唱，大多拥有八个声部，在音域上可扩展到四个八度甚至更多。这是其他任何形式的歌唱所达不到，也无法替代的。因此，合唱在人类音乐史上将始终是一束盛开的鲜花，也是一门像交响乐一样很深邃的艺术。

3.合唱作为一种声音和声艺术及表现形式，现已普遍形成了两种不同的风格或流派。一种继承教堂唱诗班的风格，要求声音空和通，直接在高位置上用半声、直声或假声进行训练，声音相对没有波动，和声音响纯净，易于协调，着重纯与美的表现，但声音缺乏自下而上、从前到后的张力，虽声部间音色变化不大却极具感染力；一种源于意大利歌剧唱法，要求声音纯和实，多通过美声的面罩或咽腔共鸣追求声音的表现，不同声部间音色对比层次清晰，声音丰满、结实，强弱分明，着重

力与美的结合，极具震撼力。

4.前者不苛求团员有良好的嗓音条件和声乐基础，只要有好的视唱和音准；而后者则极为重视良好的声乐训练基础和团员的个人嗓音条件。前者多为非职业团体所追求，而后者多为职业团体所采用。相对而言，要求直声和半声较易，要求力度和厚度较难，要求和谐统一的力度和厚度就更难。

5.前者在曲目的选择上多以宗教、古典的轻音乐和现代的室内音乐或爵士音乐为主，国内非职业团体则多以民歌为主；但真正具有职业水准的后者则不仅可以演唱前者的曲目，还可以演唱前者难以驾驭的“贝九”、“黄河”、“弥赛亚”等这样一些对声音要求较高的作品，而前者演唱这样的作品则会感到力不从心。

6.前者容易只追求和声和谐，而忽视了声音的表现；而后者容易只追求音色、音质和音量，而忽视了和谐这一合唱艺术的基本原则。是选择前者，还是选择后者或是两者折中，要看

合唱队/团整体的个人条件。美声功底好的可选择后者，缺乏美声基础或民歌嗓音多的团队可选择前者。这两种风格唱法除了在声音基础方面的不同之外，其它各方面基本都具有共性的要求和追求。

7.前者对指挥的声乐水平要求相对不高，而后者对指挥的声乐水平要求极高。许多国际一流合唱团的指挥曾经是学美声的，而中国的合唱指挥多由某一器乐专业改行，或是搞作曲的，或是音乐教师，即使是学声乐的，也多是学民族唱法或半民半美的，即使是学纯美声的，也大多只知往前唱或只知往后唱。所以，很少有指挥能分辨现代美声和传统美声的不同发声方法及字声结合点，能视作品要求去选择不同的唱法并现场示范，更很少有指挥认真研究过声乐理论，能讲解不同声音的训练方法。

8.指挥是团队的核心。不论什么风格的高水平合唱，对指挥的要求都是全方位的，技术、艺术、音乐、声乐、文学、历史、语言表达、形体、舞蹈、修养以及个人整体魅力等。一般而论，演唱水平主要取决于指挥水平，但真正高水平并具有全面艺术素养的指挥十分罕见。

9.好的钢伴如同半个指挥，可直接导致日常排练的效果以及演唱的成败。指挥、团员和钢伴三者的专业素质对任何高水平的合唱团都是相辅相成的，若分别对其重要性给出一个百分比，那应该是4/4/2。

10.指挥的手势和肢体语言是一个很难的艺术与技术的综合课题。如何能把对作品的理解及其艺术的内涵生动并恰到好处地表现并转化到手势和肢体上，如何能准确及时地向每个声部都发出手势，是合唱指挥的不断追求。

11.好的指挥手势清楚、轻柔、稳重、生动，手臂、手腕乃

至手指的动作收放及幅度都会运用的恰到好处。手之妙运，源于心之妙思。好的指挥周身流淌着音乐，甚至只看其背面的灵动，就足以使观众陶醉在合唱艺术的美妙旋律之中。12.“只有不好的指挥，没有不好的合唱团”，此话对指挥而言是不公平的。因为团员的声音条件和能力永远是第一性的，没有好的材料，再好的建筑师也建不出好楼房。在非职业的合唱团里，多数团员没有能力按照一个专业指挥的要求去做。只是相对而言，好的指挥可以使自身条件和专业素养差的合唱队在原有基础上，通过短时间训练有较大的进步，但一个合唱团的声音本质条件是难以改变。

13.合唱指挥只要不能根据曲目做出字声结合点是往前或往后安放的分别要求，音色与音质以及合声的真正统一就很难达到。当然即使指挥能够要求，也能分别做出示范，但是在目前中国一流的合唱团里，80%以上团员也难做到，而在国外的一流合唱团里，80%以上团员都能做到。这是因为发声方法和训练功底不同。

14.一般的合唱指挥，即使是往前唱也都不知如何去要求。他们一般要求往上唱，往头顶唱，虽然声音也能够松通，也容易达到和谐，但却缺乏具有良好音质和音色的高位声音。声音无密度和力度，送不出去，只有嗡响，而缺少鸣响。15.指挥要有能力控制并统一每个合唱队员不同的颤音波频，但也决不可一味地要求全体团员不论什么作品都出直声。直声只适合部分曲目，决不是全部。一个合唱团的风格在相当程度上是由团员的发声位置和团员的颤音波频决定的。16.指挥必须分声部，一个队员、两个、三个直至把全体队员的声音位置统一在一起，把颤音波频融在一起，直至分不出

张三李四的不同声音，这需要各声部团员相对稳定的站位，长期的声音磨合，也需要指挥耐心地去工作。非职业合唱在声音方面最突出的问题是，多数团员喉咙没有打开，没有统一的字声结合点，共鸣混浊，满口是音，而喉咙打开的团员又多缺少良好的声带闭合，以致整体缺乏应有的音质、音色和力度变

化。17.好的指挥能够仔细地展现每一乐句，甚至每一音符的收放、强弱，起伏跌宕都独具匠心，换气点（气口）设计准确，循环呼吸圆润连贯；好的指挥朴实自然、严谨热情、内涵丰富、形象生动，充满炽热的情感，有娴熟的指挥语汇，但从不炫技，技巧只是表达作品的手段；好的指挥能够要求每个合唱队员都有一个统一的用声及位置标准，力度与音色的控制恰到好处，能对不同声部的调配得心应手，能使声部走向自然生动，音乐的表现恰如其分。18.国内的许多指挥由于自身专业技能和学识修养的缺乏，他们往往一叶障目，唯我独尊，并自欺欺人地认为，在声音和音乐处理方面，只有感觉和风格不同，没有清规戒律。还有的宁可自己到外面去学习，也不愿请其他指挥或专家给自己的团员上课或排练。

19.好的指挥短时间就可解决各种作品的艺术及和声处理，但却难以用短时间解决腔体、力点、音色、强弱、声频以及共鸣的对比调整等等。解决这些问题必须借鉴美声系统的训练方法。

20.初级的合唱多喜欢玩弄声音共鸣和音量，高音控制力弱，没有“关闭”，“太海”，多成喊叫状，声部间没有清晰的音色层次对比，想以声震人，但声音却无穿透力，自己听着很大但观众听着却很小；成熟的合唱多追求音质、音色、声音控制，强弱对比、速度变化、统一的字声结合力点，谐和的共振峰，追求能充分展现声部间特定的不同声音形象，能根据作品风格和音乐形象运用不同的声音色彩，追求丰富的声音表现，收放自如、声部均衡清晰、音响干净、色调精致，抒情性与戏剧性兼备，能充分表现纯人声的力与美。

21.世界顶级的合唱团多是由美声或歌剧演员组成的职业团体。世界各地的国际合唱比赛多是由非职业团体参加的国际文化交流。2007年青岛首届国际合唱节，所邀请的一个韩国普通职业合唱团明确表示：“参加演出可以，但不参与比赛。”该团的声音幅度和控制能力，美妙和谐富有变化的音色和极具震撼力的和声共振及其多种风格的艺术表现，最终倾倒了参加比赛的所有团队。使他们领略了什么是天籁之声，什么是真正的合唱与和声艺术，明白了国际高水平合唱的先决条件究竟是什么。22.具有世界水平的职业合唱团在不到四千万人口的韩国竟然有15个，而且全部由政府出资，这在世界上也是罕见的，还有15个是半职业的，团员全部从歌剧专业毕业的大学生中挑选，最大年龄一般不超过40岁。所以，可以毫不夸张地说，韩国的合唱代表了国际合唱的顶级水平，特别是韩国的国家合唱团。而在有13亿人口的中国，政府出资的合唱团却寥寥无几。

23.独唱演员不适合参与合唱的观点很普遍，其实不然。只是独唱演员控制自己的声音使之融入和声，需要一个因人而异的时间过程。当然，这也与独唱演员的个人修养和指挥的现场要求有关，但若其他合唱队员的嗓音条件和声乐基础太差，则难以与之为伍。所以，团体和个人之间的相互选择与磨合十分重要，适合的才是好的。

24.假若全体队员都具有美声唱法的独唱演员水平（不包括民族唱法），都具有打造良好的腔体和嗓音条件，字声结合点都可以根据曲目风格和指挥要求，前后自如转换调整，强弱变化

驾轻就熟，那最终的声音效果必将是令人震撼的。世界顶级合唱团的大多数演员都可以独唱，新成立的中国大剧院合唱团，团员都是各专业院校尖子生，许多都具有一定的独唱能力。25.顶尖的歌剧演员或经过特别方法训练的美声歌手，真的难以适应合唱。若为和声，让他们收敛自己的声音或改变自己的唱法，那对自己的专业发展则是极其不利的。为此沈湘和王信纳两位美声大师分别有过被从教堂唱诗班和中央歌剧院合唱团“赶”出来的经历。

26.高水平的合唱团对团员年龄的要求十分严格，很难想象20多岁和50-60岁的声音能高度谐和统一地融在一起。这也是多数非职业合唱队/团达不到高水平的重要原因之一。20-30岁时的声音是有些青涩，融合度与圆熟度尚需修炼，但这时期的声音质感、新鲜、光泽，其密度与力度都不是50-60岁时的声音所能比及的，特别是女声，差别会更明显。27.不同队员由于个人条件和训练基础不同，其音量和共鸣自然有不少差距，但队员间音量的统一，相互听着唱，声音靠着唱十分重要。小音量的人在合唱音响要求大和强时会达不到整体要求，但他不会破坏整个音响，但音量大的队员，如不加以控制就会破坏周边团员的声音把握，就会扰乱整体和声。28.轻声、半声、抑制声或直声的方法训练，是合唱队员必备的技巧。许多作品或许多作品的部分乐章必须运用小音量的声音去描绘，弱声并不等于松弛的轻声，正相反，它要求声音更集中有力，因为弱声更有助于高位置声音的和谐统一。声部与声部之间，因作品需要在音量和强弱调节上常会有不同要求，这是指挥的作业和必修课。

29.不论什么唱法，只要字声能统一在相同的位置上，都会得到好的和声，即使是用通俗或流行唱法。由“超女”组成的小团队合唱，同样的年龄，同样的嗓音条件，同样的唱法，唱在同一个力点位置上，同样具有极好的感染力。

30.不论是用现代美声还是传统美声，只要方法统一，声音位置统一，一个训练有素的由三十人组成的美声合唱团队，会比一个由六十人甚至更多人组成的，但是没有受过良好美声训练的合唱队所发出的声音更具震撼力。

31.颤音，特别是微颤是合唱中保持声音统一平衡和协调的重要因素。没有很好的腔体打开和稳定统一的字声结合点就不会有和谐微颤的声波控制。在高水平的合唱团里，只要有一个人的声音颤幅波动与别人相差过大，这个人就很突出，就会使声部音响的声波和力度相互抵消，这个团的水平就打了折扣。合唱指挥家吴灵芬说：“一个合唱团的水平是以那个最差的人为尺度的。”

32.“听着唱”应是每个合唱队员的必修课，一定要听着两旁站立队员的速度、节奏、力度、强弱、音色、位置、收音甚至呼吸去唱，要各自不断调整自己的声音以达到相互统一和谐，在这基础上还要能够听到其它各声部的声音，这是合唱意识，这是个人修养，这是高水平合唱的基本保障。33.由于中外绝大多数的合唱团都缺乏良好的声音条件和专业的美声训练，所以他们大多选择往前唱，声音集中向上，追求直声效果。这样可以在一定程度上，避免因团员的声音条件、训练程度、喉咙状态及声带闭合等方面的差距，往后唱所造成的声音不统一。维也纳合唱团的声音总是与众不同，就在于他们自幼就把字声结合点放在咽腔。

34.合唱的吸气不同于独唱，不宜有声音，不宜让观众看出来，有声音的吸气，气息是吸不足的。合唱队员发声器官的状态，要永远像满弓待发，两头都到极端，这样才能一触即发的产生出作品所需要的饱满和或强或弱的声音。

35.合唱要求低声部的音质和音色向高声部贴靠，以使整体音响统一，因为元音在声音升高时，由于混声和关闭的需要，会向e和o音变形，而在中低声区一般不存在元音变形的问题。36.除音准之外，声音和谐的另一要素是声部均衡，是各声部间音量和音色的均衡。为此，各声部的人数和站位是不应按高矮的，不应有固定比例和标准，要根据队员嗓音条件和相互磨合的实际情况安排变化。

37.不同的作品有不同的主旋律声部，其它声部都是辅旋律。因此，在音量的掌握上都必须视主旋律声部而变化，其它声部只起烘托和伴唱及和声作用。主旋声部正因为是主旋律，所以它的音量与音色应当比较穿透些，但在高音时其穿透的要求就不需过于强调，因为高声部的地位已给了它较有利的条件，即使与其他声部的音量音色一样，也足以突显它的音响效果。

38.合唱的“起声”，即发音开始的一刹那，多用“激起”少用“舒起”。这两种“起音”的区别在于声带的闭合状态。“激起”时声带闭合的较紧，“舒起”时声带闭合的不太紧，因而部分气息全漏掉，音质会较暗并带有辅音h的音色，这样发出的声音听起来会散。起声前，口腔打开的状态一定要提前至少一拍做好，位置要提前想好，不可仓促慌忙地张嘴。

39.合唱的共鸣训练可多用哼鸣，但声音的集中点一定要高于鼻梁，要在其之上并尽可能把声音送到鼻梁之外。可找“半哼半唱”的发声状态，当这种状态稳定后，再逐渐把口张开一些并保持上下共鸣比例适当。

40.成功的合唱团有2个基本评判标准：一是有深厚的美声基础和良好的嗓音条件，什么作品都能驾驭；二是缺乏美声基础，嗓音条件不足，但和声训练有素并有鲜明的风格特点，如华师大的天空女声合唱团，她们几乎没有可以登台独唱的队员，甚至其领唱也远不能够出彩，但她们整体的声音造型统一、清纯独特。

41.合唱其震撼人心的艺术表现力和强烈的感染力，只有身临其境才能真正有所体验。合唱的最大特点是“和”，音和、声和、情和。音和指音高、音准、音韵、节奏、速度、力度；声和指各声部间发声方法、位置、音色、歌唱状态；情和指感情、气质、表情、姿势、呼吸、意境描绘等。42.合唱要达到和谐统一，首先要解决的共性问题是喉咙打开，这样才能气息深，位置高，声音竖，声音才能响而不燥，轻而不虚，高而不挤，低而不压；这样才能做到良好的声带闭合，产生纯净和直透心扉的音色。许多合唱团没有自知之明，作品选择不当，盲目图难图大，结果高音上不去就用假声替代，这就失去了声音应有的自然美，使人听起来很难受。43.多数合唱队员的声音只能强不会弱。究其原因，一是发音方法不正确，喉咙打开不够，腔体与声带的松与紧以及气息的调节没能掌握好；二是个人文化、文学及艺术修养不够，脑海里不能描述作品所需要的音乐形象。团员的文化修养对作品的理解十分重要，能否找到第一人称的感觉去唱，咬字与吐字的轻重语气能否符合作品的意境和音色逻辑，这直接影响到演唱的感染力和艺术效果，对任何一个作品都应有满腔的热情，但又必须十分冷静。

44.和声共振是合唱艺术追求的声音极致，但国内鲜有合唱团能够整体达到这种难以名状的声音境界，甚至也鲜有并排站立的两个团员之间能相互感受到这种妙不可言的共振和声，即

两个人发声方法相同，两个声音在同一音高位置上，音波声频达到高度一致，进而使声音能在体外，在耳朵的上方产生碰撞，发出一种特别的，只有两个人彼此才能听到独特的声音鸣响。所以，好的指挥会用同一个乐句音高的字声做标尺，逐声部，逐队员试量发声位置和音波频率，各声部选出最和谐的2-3人排靠在一起，同时要求声部其他团员的声音以此参照靠拢。吴灵芬教授的女儿，美国合唱指挥博士在青岛歌舞剧院合唱团排练时就曾这样要求过。试想若全团每个人之间，每个声部之间都能达到这样的和声共振，那么其音响效果必将是天籁般的，无可比拟的。

45.在合唱团里唱歌，既是追求和声艺术的过程又是被管制或自我控制的过程，全体队员都不得不掩盖自己的声音个性。这是压抑的、痛苦的，但从中获取的却是快乐。合唱讲究方法，但更注重个人修养，只要有一个人想突出自己，不知道控制，不知道听靠自己声部其他人的声音，不知道与其他声部寻求和谐平衡，就会毁掉整个团的音响效果。

46.合唱也是一种视觉艺术，观众虽然听不到每个人的声音，但却可以看到他们的声音。面部表情呆滞的、眼睛不拢神的、姿态不雅的，特别是由于发声方法不正确而导致口型嘬扭的都会直接破坏观众的审美。所以，口型的统一要求也是必不可少的。

47.声音和音准是合唱的两大支柱，也是两大难题。科学的发声方法不仅是合唱的基本功，也会使音准得到极大的改善，而良好的视唱和音准对声音色彩和质量的改善却没有什么作用。虽然合唱首先要听的是声音，但音准欠缺的声音则永远达不到合唱艺术所应有的基本要求。声音和音准兼备的合唱队无疑是一流的，但在我国二者兼备的却很少。

48.为什么国外的合唱团音准普遍好于国内的合唱团，原因之一是他们用五线谱。唱简谱的合唱队在音准方面永远会感到 先天不足，永远达不到真正高水平的合唱所应有的要求。但通过坚持用正确的美声方法加强声音训练，无疑会弥补缺陷，达到一箭双雕的效果。

49.对非职业合唱团来说，一般好的男高和女低较难找到，这需要“就地取材”，自行培养。号大的女高音可改女低，打开喉咙，接通胸声，多用真声，加强气息和胸腔共鸣，立刻就会得到女中的音色。小号的男低可改男高，加强声音调节，多用声带的边缘振动，多用半声寻找并保持高位置，减少胸腔共鸣，就可临时替代男高音。

50.许多合唱队人数不少，音量却不大，自己听着大，观众听着却不大，自己感到是在做弱声处理，而实际发出的却是虚散声，无论强弱音都不具应有的穿透力。这些不仅是声音概念问题，更是发声方法问题。好的声音近处听不大，远处听不小。51.国内多数非职业的合唱团，即使有声乐功底也多是在民族唱法或半民半美唱法基础上的。合唱追求共性，而用民族唱法却难以掩盖每个人不同的个性嗓音，难以达到和声共振。52.世界顶级的合唱盛事是每四年一次，由联合国下属的“国际合唱联盟”主办的合唱研讨会(symposium)。届时,将有从40个国家选拔出来的40个合唱团参加,并有10个大师级的指挥家带团现场教学演出，中国尚未主办过这样的合唱盛会。有专家评估，中国的整体合唱水平与世界水平相比落后了30年，以致中国著名合唱指挥家萧白先生在看到中日合唱水平的差距后，感慨万分，并发誓不再搞合唱。

53.中国合唱与世界高水平合唱差距如此之大的另一个原因，是其滞后的合唱作品。中国的合唱作曲家大多没有唱过合

唱，甚至没学过声乐，而国外的合唱作曲家大多从小就是在合唱队里长大的，但更重要的原因是发声方法和声音概念。亚洲最伟大的男高音吴文修认为：“合唱团获得和声之美的首要方法是先用声带后端小声唱母音，音色要尽可能暗些，不可唱亮，声音往后送，这样才能获得优美的具有感情浓度的合唱和声，成人和童声都是如此”。

54.室内合唱是独特人声管弦魅力的最佳体现，一般有24-36人组成，属室内乐范畴。在组织结构、艺术追求、声部搭配、曲目选择等方面，是当今世界合唱艺术的最高形式。它不仅要求作品精致、演唱精致，指挥细腻、钢琴伴奏有独立的艺术表现，要求团员在意念、情感和发声方法等方面高度谐和，还要求各声部线条清晰、透彻、平衡、追求带有字声共鸣小点的泛音共振，这是一种物理声响学的效果，绝不是人数多和音量大所能达到的。在2008年1月举办的中国首届室内合唱研讨会上，武汉音乐学院声乐系代表队独领风骚，展示了中国室内合唱的前景。

55.伦敦爱乐合唱团是由89人组成的大型合唱团，但却极少追求声强气壮，多保持室内乐式的柔和音响，清澈华丽，讲求纯声或直声，不用颤音，既有深沉又有欢腾，既有委婉又有

壮丽，声音丰富多变。56.当代合唱有往“视听双效”方向发展的趋势，在流行、现代及戏剧之间。不少国内外合唱团开始比拼特色，有的运用极富感染力的肢体语言和表情。爱尔兰凯尔特合唱团的天籁之声和质朴无华的表演已倾倒了世界各民族观众。中国的“国交”合唱团正在学习尝试，但这仅仅是大众合唱的一种表现形式，有条件的团队或女声小团队偶尔为之，可调情添味，若刻意追求，合唱就会变成歌舞或一种另类的表演形式，就会本末倒置，这

不仅会影响所应追求的声音表现，还会给人一种声音不足，动作补的感觉。真正国际一流的混声合唱团，一般不会尝试这样的变化，因为性别、年龄不同，又缺少专业舞蹈肢体训练的合唱队员难以动在一个和谐的节拍感觉上。特别是，当表现欲强弱不同的队员同台表演时，反差会更大。

57.为与世界接轨，中国音乐学院于2003年成立了全国第一个合唱指挥系。由长期致力于中外合唱艺术研究的吴灵芬教授任系主任，多种风格的声乐训练已成为他们的主要课程之一。不难想象一个由合唱指挥系学生组成的合唱队，又受过严格系统的发声训练，加之合唱指挥家吴灵芬教授多年的亲授调教，他们的和声会产生何种美妙的效果，他们踏上工作岗位后，又会为中国的合唱事业带来多少华彩生机。该系每年的本科招生名额只有5名，但2009年却只招了2名。不是因为无人报考或是录取门槛太高，而是多数考生文化素质较低，他们不读文学作品，缺少文化积淀，甚至不知道《罗密欧与朱丽叶》的故事。

58.中国大剧院於2009年冬季开始组建合唱团，全国300多名专业院校的优秀毕业生闻风而至，但最终合格的还不足20人。中央歌剧院招考合唱队员时，800多名报名者中，合格的竟不足30个人。报名者个个都有一流的嗓音条件，但真正得法的并不多。最不应该的是多数考生缺乏基本的专业知识，不能正确读出经典咏叹调的唱词，甚至不识五线谱，还有的男士不知这样的艺术殿堂应需何种艺术形象，竟然带着耳环，留着长发去应试。

59.我国的“青歌赛”自第十三届起首增合唱，虽令人欣喜，但却不无遗憾。我们与国际水平的差距再大都不可怕，可怕的是我们至今对这种源于西方的合唱，在声音和艺术上还没有形成一种相对统一的审美标准和概念定式。评委打分，大相径庭。如

此高雅的人声（和声）大赛，现场竟加用了电声。阵容大、嗓门高，广场歌咏般的表现仍被视为高分评判的尺度，而监审组里竟无人从事过合唱专业。“青歌赛”增加合唱是政治需要，还是艺术需要？是为提高民族素质，还是为振奋民族精神？若导向和观念不清，从评委选择到评判标准必将无的放矢。可喜的是这些问题在第十四届时已有改善。

60.自1980年举办第一届北京合唱节，1990年成立了有史以来的第一个全国性合唱组织——中国合唱协会，到2008年“青歌赛”加合唱，作为一种声音艺术和文化现象,中国的合唱方兴未艾，其发展速度之快已超乎想象。仅北京市就有三千多个合唱团，广东省有一万多个合唱团，但多由老年人和在校学生组成。虽极富群众性，但多受抗战和文革时期合唱题材与风格影响。而真正具有艺术性和国际水准的合唱团却为数极少。“和谐社会，合唱要先行”。时代在呼唤合唱，提高全民文化素质更需要合唱，只要有群山，就必定会有珠穆朗玛峰。

秦皇岛金音合唱团

吴天霖

编撰于2012.12.12.

第二篇：合唱艺术培训心得体会

合唱艺术培训心得体会

2012年10月20日我有幸参加了“管城区教育体育系统合唱艺术训练营培训活动”的讲座。此项活动由管城区教育局主办，请到了来自国家音乐机构的专家来给我们讲关于音乐艺术方面的知识。参加本次培训的有管城区各中小学幼儿园的领导班子、音乐教师和一部分班主任。我们学校领导对此事也特别重视，叮嘱我们一定要认真对待，积极参加。此次活动为期一天，主讲音乐知识，培训内容轻松而充实，使我受益匪浅，感触颇深现将自己的几点体会总结如下：

一、培训规格高

这次培训学习是我们管城区教育局近年来首次花重金聘请艺术类学科的专家为老师们培训，为此管城区教育局领导做了很多的努力，为了搞好培训活动，做了充足的准备。专门找了北京的艺术方面很有造诣的专家来讲座，培训中老师们都非常认真在听，认真做笔记，学习兴趣很高。

二、学习内容丰富

上午，我们听了由管城区老师们排练的两首大合唱，这个节目获得了很多的奖项：合唱金奖、指挥奖、钢琴伴奏奖。老师们听得非常认真。听合唱的过程中，老师们都很安静的细心倾听，参加比赛的老师们唱得非常好，一点不亚于专业歌手。之后，老师讲解合唱的分类，合唱是由两组元素组成：歌唱技术元素和音乐艺术元素。在座的老师记笔记也很详细，特别是年龄大的老教师学习兴致更高，我很受感动。通过讲解我懂得了所谓合唱的各种分类，懂得了如何教孩子更好的发出内心的声音，如何指导孩子正确歌唱。合唱播放完毕之后，教授与我们互动交流，充分体会到了音乐给人带来的力量和身心的陶冶。

下午，老师继续讲解与合唱有关的知识，之后讲了如果教孩子们合唱。老师还教会我们对待合唱要做到“三心二意”：平常心、自信心、全身心；“五个不”:不懈努力，加强个人综合实力；不遗余力，增强团队的演唱功力；不断实践，善于集思广益；不拘一格，合理创新演绎；不断总结，牢记艺无止境。此次讲座增添了我们对艺术的认知，对艺术的喜爱，增强了我们也可以唱得更好的信心和决

心。使我们懂得了要关注学生的素质教育，懂得了要从学生基本特点入手，注重过程与方法，重视价值观的培养，注重情感与技能的培养。

经过这一天的培训学习，我们聆听到专家精彩的讲座，观摩了获奖的同事们的合唱，也深刻地意识到肩上的责任和使命。作为新时代的教师，我愿意迎接各种挑战，不断充实完善自我，做一名称职的“灵魂工程师”，注重培养学生的艺术感，使他们在紧张的学习中也能品尝到轻松和愉悦，切实感受音乐的魅力。

第三篇：合唱艺术教学初探1

和谐的艺术

——中小学音乐课合唱教学研究

在人类音乐发展史上，合唱以其独具魅力的艺术形式为社会各界所接受，是普及性最强、参与面最广的高雅艺术品种之一。随着中小学艺术教育的发展，合唱教学成为中小学课外活动的主要形式之一，也是提高学生音乐素质的主要途径。广大中小学生也从合唱艺术实践中，真正感受到艺术的美、和谐的美、生活的美；感悟个人在艺术小舞台乃至社会大舞台中的角色位置；感悟个人对集体、对生活的责任，体现了艺术与人的特殊功能。

本学期我参加了北京是骨干教师艺术素养提升班的学习，主要是对合唱教学进行更深一步的学习和研讨，并且还参加了丰台一小合唱教学的观摩活动。通过观摩和亲自体验的过程中我在合唱教学中有了很大的收获，同时也提高了在课堂教学中合唱训练的水平。下面就谈一些自己的感受：

一、排练前的精心准备

1、合唱队队员的挑选

合唱对学生的要求较高，要在学生具备一定的识谱能力、听音能力与歌唱基本技能的基础上进行，所以，在我校合唱队中吸收合唱队成员要求有良好的声音、较宽的音域、音调准确、听辨能力较强，并对音乐感兴趣的学生。我则采用自愿报名和自选歌曲演唱考核的形式来召集人才，主要挑选了初中年级的学生为合唱队员。

2、作品的选择

学生都有比较繁重的学业，因此排练次数和时间均受到一定的限制，基本上是每周一次，每次1个小时。在此条件下选择篇幅以及难度合适的合唱作品就显得尤其重要。现在有很多地区倾向于旋律民族性较强的作品，我认为这种作品表现力较强，但合唱队的水平要求较高，在我校暂时还难以实施，因此，声部在三声部以内，旋律比较容易上口，音区跨度不是很大的作品是首选。歌词也很重要，对于衬词较多的歌曲，学生较容易掌握声音的位置与作品的情感，老师在选曲时多开口唱唱，尽可能选择结束字为元音的作品。另外考虑到合唱队队员接受的训练总跨度有限，不可能非常系统地由简单到繁学习，所以我尽量选择艺术性与实用性相结合的作品，既能提高学生的艺术审美能力和歌唱技巧，又能在比赛任务时从容应对。

3、充分的准备

指挥在合唱的排练中起到了至关重要的作用，不应该简单地理解为在合唱队前“打拍子、稳节奏”。所以指挥在选择了合唱作品之后，我会根据排练的时间和学生所能承受的难度合理安排每次排练的内容，指挥应在实施排练前熟悉各声部的旋律以及整体的和声音响效果，标出重点和难点，设计多个解决的办法以便在排练过程中实施，节约时间的同时也能达到理想的效果。有必要时还可以对曲谱做适当的修改简化，节约学生的识谱时间。

二、基本训练：

1、呼吸训练

正确的呼吸是合唱的基础。唱歌中的呼吸与我们平时生活中的呼吸是不太相同的。平时说话时人们气息较浅，声音传得也不会太远，但是唱歌时需要较长的气息支持，因此，歌唱时的呼吸是一项非常基础和重要的基本功。

（一）、呼与吸的训练要领 姿势：身体站直，自然放松，两肩放平，双手自然垂于身体两侧，双脚稍微分开，重心稍向前倾。保持一种积极向上的状态。

吸气：要感觉两肋涨满，才是吸气到位。吸气时不能耸肩、挺胸，不能把气只吸到胸部，一定要感觉腰部一周都扩张了才对。教师要反复做示范，还要逐个摸一摸学生的腰腹部，帮助他们找到气息的支点。呼气：要注意指导学生学会控制，先练习缓吸缓呼，然后是急吸缓呼，最后练急吸急呼。

练习：在正确的吸气之后缓缓地呼气，并均匀地数数，先从1数到10为一口气，之后循序渐进加强训练难度，如从1数到20、30等。为检验呼气是否均匀，呼气时发出“斯”的声音，也会使学生很有兴趣。

2、发声训练

歌唱教学的任务是培养学生具有唱歌的基本知识和技能，并通过歌曲的艺术形象感染和教育学生。为了提高学生表现歌曲的能力，进行唱歌的基本技能训练是必不可少的。但同时又要注意学生的年龄特点和接受能力，唱歌技能训练要循序渐进，不能操之过急，教师必须耐心而细致。为了让学生兴趣盎然的进行发声训练，可以借助笑、打喷嚏、打呵欠、吹纸条等形象夸张的训练，使学生在短时间内放松喉咙，下沉喉头，打通腔体，加强腰部力量，自然轻松地寻找眉心的亮点。这种训练“看不见，摸不着”，需要教师运用示范、动作、形象的语言等感性的方式，引导学生掌握正确的发声方法。

（一）作口型不出声

检查喉咙是否打开。在教学中可以让学生体会吸一口凉气的感觉。检查嘴巴是否打开。可以通过让学生用手指顺着左右耳垂的后面摁住，然后张开嘴，感觉这个地方能动，口腔就打开了。练习口腔打开非常重要。在练习时，要求学生笑肌提起（体会小猫在叫，胡子的两脚往上翘），眼睛亮亮的，眉毛弯弯的，头上要有顶着东西的感觉，整个面部呈微笑状态。

（二）辅助练习

（1）歌唱中的打呵欠：它有别于生活中的打呵欠。是积极的，腰围是膨胀紧张的。嘴巴要充分打开。

（2）短促有力的打呵欠：特点是急促、干脆、有爆发力，声音有震动感。

（3）保持的呵欠：全身的感觉是紧张的，声音不要太明亮，要集中，从高往低唱。可先短后长。

（4）笑声的练习

建立良好歌唱状态后，引导学生笑着动嘴巴。发断音：哈!哈!哈哈！位置要高。发声方法是获得最佳声音的基础，因此，必须要有计划、有目的的唱一些练习曲。小学生发声练习一般都要排在每节课的开头时间，不宜过长，而且要注意科学性、系统性，要少而精。

（三）统一歌唱的位置

（1）从说开始

即朗诵歌词时，要求学生用气息把每个字连起来，在高位置上说得字正腔圆，然后再在旋律上唱出来。

（2）想象远处喊人

此方法可以帮助学生找到高位置发声的感觉，然后用气息控制，带感情地朗诵歌词，引导学生咬、吐字时想象打呵欠，使口腔如同拱起的山洞，想象鼻子放大从而使形成声音穿到头腔的通道，也是获得高位置、求得真假声结合的捷径。

（3）别的辅助方法 启发学生歌唱时睁眼扬眉，在歌唱中精神饱满、面带微笑，进入歌唱最佳状态；启发学生用最兴奋的状态歌唱。（画笑脸来直观的表现）

（4）练习

※从弱声开始练起：首先要有饱满的气息支持，以巩固高位置的头声。如：ⅰ7 6 5 4 3 2 1-啊（呜）运用轻柔的下行音阶进行练习，不仅可以找到高位置的中、低音区，同时是克服“白声”的有效方法。通过反复训练，逐步把这种共鸣的感觉固定下来。

※哼鸣唱法：利用哼鸣容易获得比较高的位置；在哼鸣的基础上再进行各种母音的发声训练。在练声的过程中教师要切记，旋律和要训练的母音有一个要相对稳定，即：母音变化时，旋律不变，旋律变化时，母音不变。

常用的发声练习：

1=C 4/4 12 32 1-‖

嗯

此条练习要求气息均匀，共鸣位置高而统一。进行半音向上的练习，唱至1=G时改唱“呜”。

2.1=C 1 2 ︱ 3 4 ︱5 6 5 4 ︱3 2 1-‖

Miyi ya

miyi ya

miyi yaha haha ha 此条要求唱得连跳结合，miyi要把嘴撅起来唱，帮助更好地找到位置，ya要唱得短促，弹跳。

3.1=C 1234 5 0 ︱5671 2 0︱ 2176 5 0 ︱5432 1 0‖

Mi

ma

mi ma

mi

ma mi

ma 此条要求速度一致，音与音之间要有颗粒感、灵活、活泼。声音由小变大，要非常流畅。唱这种音阶上行时，要按花腔的技术去做，首先教师的示范要正确无误。

4.1=C 13 0 35 0……

此条练习要求，由小声开始渐渐变大，并把其憋住；第二个音要唱得有弹性、轻巧、集中。

5.1=C 1 3 5 3 1Ma 要求唱得连贯、饱满。气息深而均匀。

6.1=C 1 3 5 1 7 5 4 2 1---要求：让声音徐缓而出，犹如小溪流水流畅自如，不要有任何强弱变化，尽可能发出柔和的声音。

7.1=C 1 1.7 7.6 6.5 5.4 4.3 3.2 2.1 1.要求每句的重音都要夸张的歌唱；每句的呼吸都要短促、积极；咬字不能松，要绷紧，要有爆发力；教师要多次示范，学生需反复训练，逐渐达到要求。

3、音准训练

音乐是声音的艺术，它是依靠音乐的高低、长短、强弱和音色的对比变化，形成的音乐想象，并通过听觉器官来感受的一种艺术。其中音准是音乐表现的基础，尤为重要。如果没有准确的音高，音乐是无法正确表达乐意的。歌唱的音准，多声部的配合能力，敏锐的听觉训练等都和音程有着密切的联系。在班级合唱教学中，如何引导孩子们唱准是非常重要的。先唱好旋律音程是音准的基础。唱好音阶则是基础的基础。

练习曲： 1、1 2 1-| 2 3 2 – |3 4 3 –| 4 5 4 –| 5 6 5 –| 6 7 6 –| 7 1 7 – |1 2 1-||

2、以此类推，再作三度、四度、五度„„的练习。

●对于音程，仅仅在概念上理解是远远不够的，音程的感觉和掌握必须通过大量的歌唱、听觉训练来建立。

●音程的训练往往又是枯燥、单调的，因此，必须在教学中采用多种变化的方法，使学生乐于接受。

●不管是演唱或是聆听，随时都要强调学生对音程的想象。尽可能少用、不用乐器伴奏。

●教学中注意培养学生用手势表示音高的距离，帮助学生借助视觉感受音程的大小、唱准音调。

●为帮助学生唱好音准，还借助柯尔文手势来帮助学生找好音准。

三、歌曲的艺术处理

当合唱队队员对作品的音准、节奏等掌握无误的情况下，应对作品的表现进行处理，主要表现在速度、力度和情绪等。作品中会给出速度和力度要求，但作为业余团队，学生的歌唱基本功并不扎实，所以歌唱出现以下问题：慢速时段落气息走动困难，快速时段落又感觉气息沉不住，弱的音量常显得很虚，而强的音量又使得声音噪。因此，我认为作品中的速度、力度处理视学生的能力而为之，在保证整体声音统一的前提下，做适当速度、力度的变化，增加作品的起伏感。

合唱中各声部所处地位与功能不同，我认为均衡协调的基 础上，突出占主导地位的旋律。其它辅助性旋律相对地要弱一些。但各声部线条应当清楚。

通过自身的学习和观摩活动，我确实收益非浅，我会继续学习好的合唱方法，更深的探究适合我校学生的合唱方法，相信一定能使学生们的合唱水平有更大的提高。

第四篇：《合唱艺术鉴赏》总结感想

《合唱艺术鉴赏》总结感想

时间好快，一个学期的合唱艺术鉴赏课即将结束。记得有一句话说：“改变同成长一样，它是缓慢的，悄悄积淀的，我们走的越来越远之后，回过头来才会发现，那些点点滴滴给了我们什么，我们又得到什么。”我想用这句话来形容我在这科上的收获再贴切不过了。以前我常常会想：什么样的艺术作品或形式是好的？怎样去欣赏艺术？我们身边有很多好的艺术作品或者形式，例如音乐、美术、舞蹈等等。这些作品之所以能够成为千古流传的世界名作，自然它们是一些很好的艺术作品。对于有些好的艺术作品，你会很想去欣赏它，因为这作品能够给你带来一些感觉，但是我却无法去欣赏他们，领悟到它们的美，所以我觉得并不是每个人对每件好的艺术作品都能够欣赏得了。也就是说，如果一个人之前不知道某件艺术作品是世界名作，让他去看或者去听，他不一定见到每一个世界名作都能够感受到它是世界名作，也并不知道这作品好在哪里。

或者说，很多好的艺术作品，甚至是大多数好的艺术作品，并不是普通人能够欣赏得了的吧。

经过一个学期的学习了解，我对合唱的要素方面还是有所了解的，但是我却没有被她们歌声所打动，也就是说，我没有真正欣赏得了她们的合唱艺术。为什么会这样？我想一方面是我对合唱这种艺术形式不大感兴趣，另一方面是她们唱的歌曲也都不是我喜欢的歌曲。我觉得能够让一个人欣赏的作品，一方面，它应该是一件好的作品，另一方面，它的风格等能够被这个人喜欢和认同。

有人说，一件好的艺术作品应该是具有创新性的作品，也有人说，一件好的艺术作品应该是具有思想性的作品。我觉得，一件好的艺术作品，应该是能够让部分人看到或者听到它的时候，内心会产生各种各样的情绪、甚至共鸣的作品。

所以个人觉得作为一首合唱歌曲就需要可以引起大家共鸣的元素。就像《黄河大合唱》，给了我很大的感触。听了《黄河大合唱》，我觉得每一个华夏儿女都会心潮澎湃，热血沸腾！黄河是中华民族的母亲河，是中国人民不屈不挠永远压不跨打不倒的象征。重听《黄河大合唱》，更感受到了中华民族在困境中怒吼的力量。我不由得联想到中华民族精神。中国是一个有着五千多年灿烂文明的国家，我们伟大的民族是一个不屈不挠、历经磨难而自强不息的民族。鸦片战争以来，中华民族不甘忍受耻辱，前赴后继，用血肉长城驱逐了侵略者，谱写了一曲曲悲壮的战歌。

以上也只是我个人对合唱的看法，但是我相信也代表了部分人的看法。希望在以后的日子里，更好的欣赏我们的合唱艺术，了解更多关于合唱的知识。

我觉得有人说作品包含思想，其实并不是作品本身包含思想，思想是来自人的意识对客观事物的反映，不同的人看到同样的一件作品所产生的感受是不同的，所以我觉得说一件作品包含着什么样的思想是不科学的说法，你觉得这作品包含着什么样的思想，而很可能另一个人则觉得这作品包含着另外一种思想。

并且，每个人在不同的心境下对同样一件艺术作品产生的情绪是不同的，例如对于一件作品你心情愉快的时候看它或者听它，可能觉得这件作品很普通，而当你心情压抑的时候，却觉得这件作品很能够打动你的心。另外，正是因为不同的人看到同样一件作品的感受不同，所以往往一件作品不可能被所有的人觉得好，只能是一部分人

第五篇：巴洛克时期合唱艺术概述

摘要：本文围绕着巴洛克时期的合唱艺术展开论述，分别从音乐历史背景、风格类型及合唱作品代表人物三方面进行讨论。通过列举八个代表人物，丰富文章中单一理论与背景的叙述结构。简明地对巴洛克时期的合唱发展进行概述与梳理。

关键词：巴洛克；合唱

一、巴洛克时期音乐历史背景

巴洛克时期（1600-1750）的主要技术发展是数字低音技术，以及佛罗伦萨的声乐音乐与歌剧中的戏剧风格。此种技术的革新实际亡是当时的管风琴伴奏合顺形式之基础上的发展，或者是从缩略的草稿总谱、或者是以最低音声部的分谱的扩充而成。

这段时期的合唱团队规模通常比较小，其类型可分为两种：一种是教堂风格的演唱方式；另一种则是室内风格的演唱方式。

伴奏乐器声部的独立，为合唱音乐开拓了新的领域。合咱颂赞歌与代合唱部分的独唱颂赞歌形式相互交替，此种风格形式的最佳作曲家应属奥兰多·吉本斯与亨利·普塞尔。法国作曲家吕利的大经文歌作品，从段落式结构发展成乐章框架。

贾科莫·卡里西米首创清唱剧后，再次将清唱剧的理念扩大为音乐会规模，且通常是以零星的圣经故事为题材。乔治·弗里德里克·亨德尔创作的《弥赛亚》与《出埃及记》，将清唱剧形式发展至顶峰。

现代的合唱协会组织与上百人的合唱团体举办的大型合唱音乐会的想法，其来源乃是亨德尔的《查思多斯颂赞歌》，亨德尔在其《查思多斯颂赞歌》作品里，早已尝试了大型而多样化的演出团队的气势。然而，他的合唱团与乐队编制的比例仍旧与现代的有所区别；例如《加冕颂赞歌》作品的编制为40人的合咱团、160人的乐队。

路德教作曲家们则常常以一种众赞歌为基础，写出有乐队伴奏的康塔塔合唱作品，迪特里希·市克斯特胡德是此种形式的作曲家，而下一代作曲家将康培培按照教会年历，写成套曲结构形式。特里曼曾经为弗兰克夫市写了一部合唱康塔塔，约翰·塞巴斯蒂安·巴赫却为此种形式作出巨大贡献，著有大约两百多部康塔塔、经文歌、受难曲、弥撒作品与圣母颂作品。巴赫将康塔塔作品视为无伴奏的教堂音乐，而没有使用康塔塔这一名词。巴赫的合唱作品通常一个声部内由一名演唱者演唱；即四重唱形式，其中的合唱团声部则为伴唱性质。

二、巴洛克时期音乐风格类型

16世纪木期的合唱音乐在结构形式、织体与技术等方面发生急剧变化。急剧变化带来几十年的转型和不确定期，其中各种古老、保守传统风格与各种新的激进型创新风格同时并存。下面我们列出这几种风格：

保守传统的法兰克一弗莱芒果学派风格仍旧是巴洛克时期的典型代表，此种风格经过帕莱斯特里纳的调整后，继续发扬光大，产生了大量的教堂合唱作品成为当时的一种国际性教堂音乐风格。

新风格包括意大利地个海区域作曲家们所推祟的音乐本能风格，此种风格倾向于自然的旋律和直接的表现，反对法兰克一弗莱芒学派内部严谨“学究式”保守风格。他们认为对位形式影响了唱词的清晰度，影响对文字内容的理解。

另一种新风格是意大利人文主义所倡导的对古代文学和诗词的研究，主张强调非教堂诗词与音乐之间的关系，但是此种风格未能大功告成。直到1580年，意大利佛罗伦萨市一群贵族、诗人和音乐家合伙讨论新的审美原则，并提出新的理念，此种理念才对整个17世纪带来重大影响。

另一种所谓的新风格可追溯到16世纪末期的威尼斯实验性风格。威尼斯实验性风格的作曲家致力于创作双合唱团与复合唱团队的作品，此种类型的作品规模庞大，并且大部分都包括器乐与人声两种出素，以此构成对应式风格；即合奏与合唱团队之间形成对比，由此而产生协奏曲风格。因此，威尼斯实验性风格仪括四大要素：对应、大块、器乐与协奏曲原则。此种风格对17世纪带来巨大影响。

另一种新风格是蒙泰威尔第倡导的第二原则性风格，此种风格强调音乐服从于唱词的戏剧表现力，同时也给演唱带来技术难度。

三、巴洛克时期合唱作品代表人物

（一）约翰·赫曼·沙因

约翰·赫曼·沙因(l586一l 630)是德国早期巴洛克作曲家，出生于Grunhain，死于莱比锡。沙因是第一位将意大利风格技术引进德国的德国作曲家之一，也是这段时期技术颇为成熟的作曲家。沙因是第一位吸收单音声部音乐、协奏曲风格与数字低音等意大利巴洛克技术革新的德国作曲家之一，并旦有效地融进德国路德教背景。从未去过德国留学的沙因，却令人信服地掌握了意大利风格。他早期创作的协奏曲风格音乐似乎是建立在大洛多维科·维亚达纳创作的《教堂协奏曲一百首》(Cento conceti ecclesiastici)的模版上。

沙因著有同等数量的教堂合唱作品与世俗合唱作品，世俗合唱作品的唱词均是沙因自编，教堂合唱与世俗合唱除了在功能上区别外，两种作品类的风格也形成极其鲜明的对照。某些教堂合唱作品运用极其复杂的意大利牧歌技术，以此用于教堂的敬拜仪式，而另外数集世俗合唱作品则包括醉酒歌等非常简洁与幽默的风格。沙因的某些作品，其表现力度类似许茨的音乐。

（二）蒙泰威尔第

大部分蒙泰威尔第的作品均已失传，大约辛存有250部牧歌作品和声部歌曲、五集教堂合唱作品和20首教堂合唱小品。蒙泰威尔第的音乐风格根植于柏拉图的音乐理论；他认为音乐就是出唱词、各种声音与节奏的合成。柏拉图将唱词摆在首位；音乐则处在次要或辅助的地位。然而，蒙泰威尔第认为复调音乐形式均可以对兑柏拉图的理论，蒙泰威尔第并没有怀疑单音音乐的作用，运用传统的单音音乐技术是为了到达新的日的。

（三）亨利·杜蒙合唱作品

相对而言，法国教堂合唱音乐引进持续低音技术比较晚，第一位运用这种技术的法国人是亨利·杜蒙(Henri Dumont 1610—1684)。杜蒙大约在1652年创作的《圣乐经文歌》(Cantica sacra)作品，其中的声部组合为二声部至四声部带乐器伴奏。杜蒙担任皇家教堂音乐总监期间，将经文歌安插在为国王写的低级弥撒作品里。虽然此举均属无奈，但是这些经文歌作品却展尔出协奏曲风格的各种因素，例如乐器与人声结合的多种方式、短小精炼的动机、简短的乐句以及乐队间奏等等典型特征。

（四）亨利·许茨

作为德国音乐的重要人物，亨利·许茨在音乐风格发展史中占有特殊地位。许茨出生在德国的黑森，师从威尼斯的乔万尼·加布里埃利。

经文歌与清唱剧是济茨的两种主要作品种类，除了少数牧歌作品和非教堂作品外，许茨其他作品均都是为路德教堂而写。《大卫诗篇》是他的第一集十要作品，这部作品一共26首德语圣经诗篇配乐，其中有些作品为4个合唱团队编制，4个合唱团的声部数量多事21个。所有的作品都有持续低音伴奏。许茨为篇幅较长的圣经诗篇配乐的方式，乃是经文节式，例如诗篇第八篇中的一节或半节经文的配乐均按照下列程序：两个合唱团——第二合唱团——第一合唱团——两个合唱团——第二合唱团——第一合唱团等等。诗篇第121篇的配乐加上独唱，其程序为：女高音独唱——合唱——女中音独唱——合唱——男高音独唱——合唱——男低音独唱——合咱等等。许茨对人声色彩非常感兴趣，喜欢对应式的大规模合唱形式，显然是从加布埃利处学会了这两种威尼斯的风格技术。

（五）瓦西里·波利卡博维奇·季塔夫合唱作品

瓦西里·波利卡博维奇·季塔夫(Vasily Polikarpovich Titov l650—1715)是俄国作曲家，他是所谓的“莫斯科巴洛克风格”的于要人物之一。季塔夫至今仍旧鲜为人知，但是他在生前却非常有名，俄国革命前的音乐家与前苏联音乐学家对季塔夫的评价甚高。

季塔夫著有200多部教堂合唱作品，以及各种教堂礼拜合唱与合唱协奏曲。他的合唱作品包括三声部短小作品至十二声部或二十四声部的大规模合唱作品。俄罗斯圣咏对季塔夫的写作，产生巨大影响，他曾经写过一部完全以俄岁斯圣咏为基础的礼拜合唱作品。

季塔夫认为唱词是最重要的因素，因为唱词均己勾画出音乐的整体结构和旋律线条的形态，其结果就是绘词法的效果。季塔夫的音乐语言基本上是调性型，每个横向进行的旋律线条中，有很多装饰性的动机音型。季塔夫大型合唱作品的织体形态，乃是分组合唱团队的合一，而不是巴洛克时期的威尼斯对应风格。旋律动机变体是另一特点，即旋律线条中的微妙变化，均产生旋律各动机之间的相万衔接，这是俄罗斯圣咏的重要特点，也是复调民歌形式的传统。

（六）亨利·普塞尔

亨利·普塞尔(Henry Purcell l659—1695)是17世纪英国最为杰出的作曲家。普塞尔在其短暂的事业生涯中，写过一部名副其实的歌剧、5部或6部准歌剧、40多部戏剧配乐、大量的非教堂音乐作品、十几部器乐作品、60多部颂赞歌作品，以及大量的教堂音乐作品。普塞尔这部《感思赞》作品是英语唱词，大约写于1694年，是一部特别有趣的合唱作品。

英国在巴洛克晚期对教堂合唱音乐持世俗态度，认为合唱音乐主要是吸引一下朝臣们的娱乐活动。普塞尔接受此种肤浅的看法，但是他却通过高超的旋律技术和内在的表现力，创作出超凡脱俗的合唱作品。虽然普塞尔的教堂合唱音乐不够完美，但是他的大部分颂赞歌与感恩赞作品，却是那个年代第一流的合唱作品。

（七）乔治·弗里德里奇·亨德尔

18世纪初，亨德尔创作了一套为11首的颂赞歌作品。这11首颂赞歌作品标志着颂赞歌形式的发展最高峰。亨德尔是在查思多斯公爵教堂担任音乐总监职务时创作的这11首颂赞歌作品，作品的唱词均全部取自于圣经旧约诗篇书，每一部作品的表演形式为一或数个独唱、三声部至五声部合唱、弦乐队与持续低音(偶尔包括长笛、双簧管与小号)。这批查思多斯感恩赞作品是首批英语唱词作品，因此，除了有些唱词的语音语调在写法上有所缺陷外，其他各方面均展尔出亨德尔是一位大师级的作曲家。

（八）约翰·塞巴斯蒂安·巴赫

康塔塔：巴赫是康塔塔最为重要的作家，他著有300多部康塔塔作品，其中幸存下来的只有200首，200首中有180首是教堂康塔塔作品。

弥撒：巴赫在莱比锡市圣·托马斯大教堂与市政府教堂音乐部门担任主任职务期间，也就是1730一1737年这段时间里，创作了4部弥撤作品。这4部弥撤作品实际上是他的康塔塔作品中某些乐章的改编，因为他常常将自己以前写的作品编进新的作品里。然而，改编绝不是简单的调整或换词不换曲的一般性手法。巴赫将四声部合唱段落穿插进器乐间奏里，或者是将咏叹调改成四声部合唱，或者是将合唱部分加长或缩短，使之适合于新的唱词与表现力。对此，巴赫的每一次“改编”，都令人感到作品的焕然一新，改编后的配乐对唱词的表达也非常贴切。

受难曲：根据历史记载，巴赫创作了5部受难曲作品，其中只有两部均幸存下来，《马太受难咖(Passion according to St.Matthew BWV244)、《约翰受难曲》(Passion According to St．John BWV235)。《马太受难曲》仅仅幸存某些部分，初期的完整版本均已失传，很可能毁于第二次世界大战。《马太受难曲》部分乐曲写于1725年；1727年上演了这部作品的出版，巴赫后来几次改编，并分别于1729、1736与1740年代演出。

巴赫的所有受难曲作品均都有四声部和声化的众赞歌旋律，《哦！圣洁受伤的头》是一首有名的受难曲众赞歌，这首简单的四声部和声化乐曲原作是哈斯勒写的一首世俗德国艺术歌曲．巴赫在其《马太受难曲》中重复运用了5次。

《马太受难曲》的表演形式均为两个合唱团、独唱组、两个同样编制的管弦乐队、两架管风琴。这是一部庞大的作品，其演出时间长达约4个小时。《马太受难曲》是一部有戏剧表现力的作品，它在许多方面颇像歌剧。

清唱剧：1734—1735年，巴赫创作了3部多乐章作品，并是将这几部作品标题为《圣诞节清唱剧》(Oratorium tempore nativitatis Christi BWV248)。然而，这几部作品实际上是他在模仿早期写的康塔塔，他仅仅增加了一些新的音乐材料而己。由于这几郎作品的唱词均出自于圣经新约福音书信内容，因此，这几部作品乃是路德教堂历史见证剧形式与天主教堂受欢曲形式的混合体。