高二美术教案第34课

第一篇：高二美术教案第34课

高二美术教案

上课时间：2010年10月8-10月15日 课型：基础知识练习课 课题： 爱学习画国画

教学目的： 学习传统笔墨技法知识，及在造型中表现的艺术情趣，提高对民族绘画的认识并培养作画的基本功。

教学重点：笔墨造型中的笔情墨趣

教学难点：用笔用墨的方法和效果

教具：国画工具、示范用纸等

教学过程：

一、组织教学 检查学生工具，集中学生注意力。

二、讲授新课：

（一）导入： 现在生宣纸上，用大笔以浓淡不同，相互重叠渗化的点线面笔墨，信手表现几种不同的造型。以无声的语言，加上笔随意转的举动，把学生引入微妙的遐想和情思，趁机提问，“老师用什么工具材料画出来的？你们画过这种画吗？有什么体会？”

(二)用笔用墨技法及艺术情趣

1、用笔法（结合欣赏、演示与学生尝试）

①笔锋运用练习：中锋、侧锋

②笔触练习：点、线、面

2、用墨法：（结合欣赏、演示与练习）

①墨色：浓、淡、干、湿

②墨法：笔、墨、色、水相互交融的趣味 教师当堂演示用笔蘸墨、蘸色、色墨混合效果的试验以及在造型中的具体应用，树干、树枝及不同用笔形成的点线效果，采用随堂讲练结合的办法。

墨法主要包括：泼墨法、破墨法、积墨法 泼墨法：一般以大面积的浓淡墨色，采用写意手法，势如泼出，有的先以重墨落纸后，接着以水笔晕开找出形象再加点景；破墨法：应用广泛，但不论浓破淡还是淡破浓，均应把握趁湿接画；积墨法：主要是依据形象由浅到深层层积点，但要干后再接画第二遍，它在形象塑造方面更具特点。

三、作业要求：

1、墨色的浓淡与水分把握的关系

2、墨和色相互作用的效果 第一点作随堂练习，第二点是学生做练习的重点，并可作为本课的主要任务。当堂作业的练习，要提醒学生注意水分与浓淡掌握的情况，检查试笔纸和衬纸的运用的情况。

四、教学小结：

1、表扬笔墨效果，水分把握较好的学生，并展示习作，要求多在实践中体会。

2、布置下节课的学具准备。

第二篇：高二美术教案（xiexiebang推荐）

课题：文艺复兴时期的美术

班级：高二年纪

授课老师：陈璐璐

课时：1 时间：2009年10月25号

课型：欣赏、评述 教授方法：讲授法

学具：课本

教具：课本、多媒体课件

教学重点：了解文艺复兴三杰及其部分作品

教学难点：理解作品中人文主义精神、总结文艺复习三杰各自的特色

教学目标：（1）知识与技能：掌握文艺复兴三杰并了解他们的部分作品。清楚西方美术发展历

程以及文艺复兴美术的地位

（2）过程与方法：讲述与课件展示相结合、作品与时代背景相结合（3）情感态度价值观：感受作品中以人为本的精神 教学过程：

组织教学：上课，师生问好 导入新课：【图片】2008张笑脸

师：这张图片大家熟悉吧！2008年北京奥运会前夕我们从世界各地收集的2008张

脸。那今天呢我们来观赏一种“最神秘的微笑”。【图片】《蒙娜丽莎》

评论家认为，蒙娜丽莎的微笑可随着欣赏着的心境而变化，悲伤着看她，会觉的 她多愁善感，满腹心事。欢乐者看她又会觉得她含情脉脉，开朗豁达。有人说她 的微笑庄重而典雅，也有人认为她的微笑带有魅惑，还有人说她的微笑透有邪气，甚至有人对她的微笑百思不得其解，开枪结束了自己的生命。的确，这幅画有这 样的魅力，在作品中达芬奇恰到好处的把科学与艺术相结合，将女性的美与自然

结合，不仅歌颂了女性的自然美及生命的活力，更触及了人的灵魂，是人文主义 思想的典型代表，是肖像画中独一无二的杰作。这节课我们就来学习达芬奇、米 开朗琪罗、拉斐尔等画家为代表的文艺复兴时期的美术。

新课学习：

【多媒体课件】：古希腊古罗马美术—优美、典雅、理性、崇高

中世纪—“黑暗时代”美术作品开始宣扬基督教的神学思想和封建帝王的观念，为巩固贵族和教会的统治服务。

文艺复兴时期—资本主义萌芽和发展，带来人类思想解放，突破了中世纪的封闭，使世界和人的发现成为了可能，展现了无所不包的近代

精神，文艺复兴美术在恢复了古希腊古罗马时代的简明合理，均衡和谐的基础上更为理性化，创造了新的理想，新的美和新的绘

画形式。

那么这些创新体现在哪里呢？让我们来看一些作品

【多媒体课件】：《最后的晚餐》

这幅壁画取材于《圣经》新约全书犹大出卖耶稣的传说，作于米兰圣玛利

亚修道院餐厅的墙壁上。由于当时达芬奇运用自创的颜料不成功，加上餐厅油烟的侵蚀和战争的破坏，所以我们现在看到的作品不是很清楚。大家以前也看过这幅壁画，知道哪位是基督，哪位是犹大吗？

生：„„

师：嗯，在作品中达芬奇采取巧妙的表现手法，他把基督放到中间，把12个门徒分成四组，分别位于基督的两边，基督的头和伸出的双臂构成三角形，四组门徒分别构成四个三角形，这样既突出了基督的鉴定沉着，又便于门徒间的交流。于是当基督“你们中有一个人出卖了我！”话一出，便如晴天霹雳、举

坐大惊，每个人以不同的姿态表达了自己的或惊奇或惊惧或怀疑或表白之情这些都是人们很正常的反应。这一点也体现了人文主义的思想，体现出对人的挖掘和重视。同时，达芬奇让基督和众门徒暴露在明亮的光线下，只有一人被两名交头接耳的门徒挡住了光线，处在黑暗之中，他就是犹大，且他身姿后倾，躲避基督的目光，与众人向着基督的身姿形成鲜明对比。达芬奇在这鲜明的对比中巧妙的解释了犹大的背叛行径。

《最后的晚餐》绘制于1495—1498年，但达芬奇的准备是从1478年开始的，在20年时间里，他甚至深入无赖汉聚集的地方长达一年之久，为了准确把握人物的体型结构，他不顾教会的禁令，解剖了30具尸体，由此可见一个伟大艺术家的执着的探索精神和顽强的毅力。

通过上面的学习我们知道达芬奇是一位杰出的艺术大师，同时呢他也是科学家、发明家、音乐家、诗人等，这时期有一个人对他佩服的五体投地，这个人就是拉斐尔。

拉斐尔出生在一个文化发达的小公国，受父亲的温柔敦厚和老师们俏丽梦幻风格的影响，他的作品构图静雅平衡，看起来和谐秀美，最具代表性的是他的圣母像。

【多媒体课件】：《西斯廷圣母》

《椅中圣母》

《西斯廷圣母》中，圣母抱着圣子从云端缓缓走来，但她的表情严肃而痛苦。因为她知道儿子在不久后会被叛徒出卖而钉在十字架上，但她不得不

让耶稣降临世间来拯救人类。在她左下面西斯廷急切地恳求着圣母，右下方的圣修女因为不认痛苦的把头转向画外。整幅画面中只有前面的两个小天使是不知情者，他们的天真调皮与圣母的痛苦表情形成对比。这幅画像一首优美的颂歌，将圣母的端庄和世俗的爱融为一体。

《椅中圣母》同样是利用宗教题材表现人间至善至美的亲情。我们可以感受到拉斐尔笔下的圣母是一位美丽、善良的母亲的形象。这些充分表现了女性的美。尽情歌颂了母亲的伟大和尊严，体现了人道主义的精神魅力。后来拉斐尔受到教皇重视，艺术生涯十分辉煌，期间他创作了《雅典学院》等杰出作品。

在文艺复兴时期。达芬奇和拉斐尔已经是相当杰出的艺术大师了，受到世人很高的评价和赞扬，然而有一个人却不把他们放在眼里，觉得他们的艺术水平很低，这个人就是米开朗琪罗。那么他是真的很优秀还是盲目的狂妄自大呢？让我们从他的作品中见分晓。

【多媒体课件】： 《创世纪》

这幅位于西斯廷礼堂屋顶的壁画，长36.54米，宽13.14米，米开朗琪罗用了四年的时间完成，他作画期间从高高的支架上掉下来很多次，又因为长时间仰着头，他的健康受到了极大的损害，甚至在以后的岁月中，他看书工作都只能仰着头。

“创世纪”的题材来自基督教圣经中的《旧约》是基督教关于世界是如何创造的传说，米开朗琪罗用古典式建筑构件组成的边框将其分为三个画区。第一个画区是在相对的两面墙的每个窗户上方画出一个三角形的凹面，画的是耶稣的祖先。第二个区是三角形的拱肩处，这里被画成宝座，坐在上面的是预言家和女巫的形象，第三个画区是位于中央的被石柱隔开的九个开间，画面一次为《神分光暗》《创造日月草木》《创造水陆》《创造亚当》《创造夏娃》《诱惑与逐出乐园》《诺亚献祭》《洪水方舟》和《诺亚醉酒》，整个画面

共343个人物，且每个人物都是气吞山河的英雄巨人，他们绝大多数都比真人大许多，有的大两倍多。下面我们重点讲述其中的三个开间。

第一个开间是大家最常见的《上帝创造亚当》。其中亚当是一个健壮的青年，他浑身的肌肉显示出他的健康和成熟，蕴藏着强大的生命力，然而他却无力地躺在山坡上，这是因为他还缺少来在上帝的灵气。上帝在天使们的簇拥下，从遥远的天际飞来，在上帝刚刚看见亚当的时候，他就急切地伸出了胳膊，伸出了手指，恨不得马上将自己的灵气传给亚当。当看到了上帝，眼睛里充满了希望。他想站起来迎接上帝，然而他的一举一动，都显得那样力不从心，他手臂下垂着，无力抬起。作者刻画的两只手最吸音人的目光，给观众带来丰富的想象力，似乎那个伸直的手指和下垂的手指一接触，即刻就会有一股强大的力量由上帝传给亚当。

第二个开间是最具创新意识的一副。《诱惑与逐出乐园》中，米开朗琪罗把两个内容合并成一幅画，画面左边表现的是亚当、夏娃偷吃禁果，右边的内容是逐出乐园，智慧树便成了天堂与人间的分界线，大师以蛇、亚当的手臂构成了一个大门，再以左右两边画面人物朝不同的方向，表现了两位始祖由此门被赶出的寓意，构思巧妙，且在画面中，米开朗琪罗细致地刻画了亚当夏娃的痛苦和恐惧，大家可以看到，不管左边的夏娃还是右边的夏娃，都处在亚当的保护之下，歌颂了人的自然本质，反映了人性别的差异，体现了人文主义思想的进一步发展。

《大洪水》中作者从透视的笔法由远而近捕捉了四组镜头，前两组描绘人们带着从洪水中抢救出来的行李物品，逃到山坡上。母亲竭尽全力保护着自己的孩子，一个老人用尽全力解救一个昏迷的年轻人。在其中我们看到了伟大的母爱，歌颂了人们互助友爱、共求生存美好的社会道德。后两组镜头抨击了社会的阴暗面，在逃生的人群中也有自私卑鄙的人，他们不但不救助落水者，甚至把已经爬上船的人打下水。可以说，这正是作者向社会发出的道德呼吁。此画给予人们的启示，已大大超过了宗教范围。

纵观整幅壁画，在每个先知像的旁边或是承重拱券上，插花般的画有不同姿态的4个裸体青年，他们千姿百态、体魄健壮、神采飞扬，可谓精美绝伦，在他们身上完全没有了基督教的影子。也正因为如此，在他们身上，米开朗琪罗的人文主义的创造思想发挥到了极致。据说面对此画，达芬奇曾沉思不语，感到了自己的衰老。

这是米开朗琪罗的壁画，大家可以想象若身临其境仰头看这幅巨作，必定相当震撼，我们再来欣赏一副他的雕塑作品。

【课件】：《摩西》

极度夸张的粗壮体格，人物意志高度集中，体现了作为人的尊严。米开朗琪罗所塑造的英雄既是理想的象征又是现实的反映。正是在他的艺术里，文艺复兴时期的人文主义思想得到了全面而鲜明的表达。

师生共同总结处文艺复兴三杰的风格

【课件】：达芬奇—深邃含蓄

米开朗琪罗—气势宏伟、豪放、刚劲有力

拉斐尔—柔美、秀丽、静谧

这三个各有特色的艺术巨人从不同的角度，以不同的风格，将意大利人文主义的艺术创作推向了高峰。

在文艺复兴时期呢，还有一项伟大的发明，它在美术史上占有举足轻

重的地位，那就是扬凡艾克兄弟发明了油画颜料。

【多媒体课件】：《阿尔诺非尼夫妇像》

这幅作品色彩鲜艳，且可持久保存。

到此，我们已经对文艺复兴时期的艺术作了全面学习，现在来总结一下文艺复兴时期美术的成就：

（1）在题材上开始描绘世俗的人和人的现实生活（2）在表现手法上提倡面向自然，引进透视学和解剖学塑造艺术形象

（3）改革了油画材料和技法，提高了油画的艺术表现力（4）这一时期的美术家往往是集工匠、科学家、建筑家、画家、雕塑家于一身

总结：鉴古识今，继往开来，当我们打开文艺复兴这一页伟大的历史画卷时，时，也深知这个时期新创作的诸多辉煌的艺术品，深深感受到它浓

厚的人文主义思想，看到了艺术家执着探索的脚步。

第三篇：中国画线描 —— 高二美术教案

素描教案

素描（中国画线描）

目的：通过结构素描（或中国画线描）的训练，使学生掌握以线来造型的能力，逐步掌握中国画的造型的专业语言。

要求：经过六周的训练，使学生了解结构素描的要领，并使用这种语言用在造型方面，做到准确合理得当。

难点：学生由已掌握西画的素描基础，为线描为主的结构素描，在观察方法、表示方法方面均有较大区别，如何由明暗调子转化为以线为主的画法是主要难点。

过程：该学习节段计六周时间，第1周讲授素描概述，演示方法，第2周练习结构素描的写生，第3、4两周在写生对象方面加强变化，第5、6两周，进行速写练习（全身人物动态写生）。

方法：以讲授、演示、练习和课堂讨论相结合。

一、素描的发展及技法演变概述（2学时）

当今的美术创作和美术教育对素描含义的理解各有所见，但作为绘画艺术来说，素描是造型艺术的基础，这一观念在美术界已成为共识。在高等美术专业的基础教育中，起主导作用并作为各种造型艺术基础的依然是素描。

“素描”这一概念是西方绘画范畴的产物，是指绘画中的单色画，是运用点、线、面、明暗艺术处理形体结构的最基本的绘画。它是一种绘画形式，更是一门科学。

欧洲14、15世纪的美术创作多的壁画为主，造型富有装饰时，以线描绘形体为主，往往人物和背景脱节，16世纪意大利有了美术学院，出现了正式的课堂

素描美术教学。文艺复兴时期的达·芬奇，米开朗基罗，拉裴尔以及后来的提香，他们作品解剖准确，结构关系很好，到了17世纪素描已达到了完美的境界，如荷兰的伦布朗，西班牙的委拉斯贵支等一些著名肖像画家，他们根据人物的具体特点进行艺术创作，造型、比例结构准确，画面与环境的刻画浑然一体，统一和谐，真实感人。画面人物与环境空间的处理，光的运用已成达到理想的效果。17世纪的素描已经摆脱了14、15世纪的装饰效果，形体的光色之中尚有线的因素存在，人和背景的关系也更加统一和谐，从造型因素来讲，这时期的素描和我们现在的素描有许多共同之处，已经很成熟了。绘画艺术进入19世纪，由于光学，色彩学的产生和透视、解剖学的发展，这时期产生的印象派的素描具有色彩感，并加强了画面的外光虚实的关系。

中国素描艺术的发展主要是在新中国成立以后。当时我国的素

描教学引进了俄罗斯19世纪以后的契斯恰科夫素描教学体系，要求结构准确，整体感强，有体积感、色彩感、厚重感、虚实空间感强，讲究透视，解剖关系的正确，这种方法为我国培养了一大批的优秀艺术家。但也有负面的影响，那就是形式风格体裁内容的单一性。

从美术史上来看，西方素描在基本规律，基本造型及教学规律的要求方面大体是一致的。只是由于国家、背景、风景风俗文化，以及习惯不同，因此作品的呈现的面貌也就在所不同。德国从15世纪的丢勒的画开始就比较强调结构，颜色比较单纯，以质朴、真挚和鲜明的性格的描写为其特色，力求忠实于对象，追求自我的精神感受。素描结构严谨、笔法细致，线准确有力，形象性生动传神，人物刻画都具有鲜明的个性特征，法国的素描作品在自然而然的方法中产生，强调对比关系，重视人物情感和动势的描绘，线条优美轻重颤动的线条表现出音乐般的节奏感和装饰性，色调和谐透明，画面有一种理想与虚构的现象，而意大利的素描艺术结构和谐平衡，善于用明暗渲染塑造形象，善于表情和心理特征的描写，构图巧妙，刻画人物形象精确入微，素描手法灵活生动，有的轻快流畅，有的大胆，豪放，均以其自然、纯朴、与和谐引人入胜。

线描是一种最能直写胸臆，抒发情感和体现个性特色的表现方法，它简洁概括而又变化无穷。

具体说，线描在画面上呈现的线条不但能够描绘形象，而且还有着各种不同的美感，它在我们生活周围中的许多物象上随处随时可见，并且因物而异，千变万变，线条的运用和美感又因人而异，这包括了两个方面。一是画家因时代、地域、种族性格、气质、素养、年龄以至境遇上的不同，在线条运用的方法与效果也会不同，即使采用同一种方法进行描绘，其线条所体现出来的情味也不会如出一辙地雷同，足见线条之奇妙莫测了。二是被描绘的对象因时代，地域、种族、职业、性格、气质、素养、年龄、体魄、境遇以致兴趣爱好不同，就会形形色色、千差万别，而成为画家们无穷无尽的研究课题，所以线描这一艺术领域无疑是画家们可以纵情翱翔的天地。

中国画注重飞动姿态之节奏和韵律的表现，这内部的运动，就是用线纹来表达出的物的骨气（见宗白华著《美学散步》）其所追求的是“一种建筑的形线美，音乐的节奏美，舞蹈的姿态美。”而节奏美，姿态美有赖于形线美方能体现出来，形又须由线来表达，所以归根结蒂还须研究线条的美感，线的特性和线的规律，这正是中国绘画的一大特点。也是线描技法本身的研究核心，这一认识对于从事中国人物画和教学的人来说都是十分重要的。

今日高校的素描教学一般是通过临摹优秀素描作品和通过石膏写生（几何形、人物）；静物写生、头像写生、半身像写生、全身像写生、人体写生等几种形式来完成的，时间上分为长期素描和短期素描、方法上有临摹、写生默写、记忆等。素描是美术教学中的一门重要的课程，也是一名绘画工作者修身要学习和使用的一种绘画形式，学习素描艺术要具有顽强的精神，持之一恒的能力。

素描教学可分为再现性和表现性训练。再现性素描包含造型艺术应具备的一切基本规律，如透视、解剖、光影、空间、质感、量感。形式上有物理形态、数字基础结构关系、几何形式，把透视空间、光影和色阶、质感机理解剖和结构作为表现客观对象的要求。表现性素描是深入到物休内部分析理解物体，通过节奏感受，形态转换，主观处理，进而上升到一种精神领域，使物体本质得到表现。在低年级的素描学习中，通过主体对客体的介入在对客观对象分析的基础上，依据对象的客观原则逐步掌握透视、空间、质感、量感、明暗等规律，高年级的素描教学应强调表现性，学生在教师的指导下，善于从客观事物的外部表象中得到感受，然后经过理性分析，判断，唤起作画的情感，从而表现和提示客观事物的包含的深刻内容和内在本质，把一般人们看不到的东西表现出来。在素描训练时应逐步学会主动参与和取舍，面对模特时要有情感的投入和心灵的感应，不要简单地模拟和重复表现客观对象，应有感而发，以情取势，以神写形，用心灵去体验，感受对象特征和内在的心理活动，具体的强化艺术形象，抓住对象内在的韵律予以表现，赋予对象新的生命力。

在素描的学习中，对技法的掌握是相对容易做到的，因为技尖

画面上是具体的、可视的，通过实践可以掌握。而作为深层的思维活动，观察能力和审美感受是抽象的、不可见的，是不易具体传授的，只有通过一些特殊手段的训练才能使个人的感受能力得以提高。当然，在高年级的素描教学之中也不能因强调了表现性而忽视了对客观对象外在形体的塑造，对人物基本形体的了解和塑造是最基本的，也是最直接的表现形式。只有在充分了解了对象的基本形体后，才能在所认识的基础上进行夸张、变形，将自己的感受投射到作品中，这是从外到内的，从感性认识到理性认识的升华过程。

素描的学习训练应与现实的生活紧密相连。让学生的目光从画室转向大千世界，把课堂中的素描教学感受与外面的世界联系起来，让学生感受现实世界鲜活的生命力，从而跳出以往经验式的概念，寻找物象本身的特性。这样可以提高学生感受可视世界的兴趣，发掘生活的意义。教师要给学生提供大量的生活实践空间，逐步让他们把课堂作业与课外作业相联系，进而产生创作意向，使素描体现出自身的价值和意义。

当今的绘画艺术呈现出多元化趋势，对艺术风格和形式上的探索更加活跃多样，我国素描教学从理论上到实践都有待于同行们去进一步的发展和完善。

第四篇：中国画线描 —— 高二美术教案

中国画线描 —— 高二美术教案

中国画线描——高二美术教案

素描教案

素描（中国画线描）

目的：通过结构素描（或中国画线描）的训练，使学生掌握以线来造型的能力，逐步掌握中国画的造型的专业语言。

要求：经过六周的训练，使学生了解结构素描的要领，并使用这种语言用在造型方面，做到准确合理得当。

难点：学生由已掌握西画的素描基础，为线描为主的结构素描，在观察方法、表示方法方面均有较大区别，如何由明暗调子转化为以线为主的画法是主要难点。

过程：该学习节段计六周时间，第1周讲授素描概述，演示方法，第2周练习结构素描的写生，第3、4两周在写生对象方面加强变化，第5、6两周，进行速写练习（全身人物动态写生）。

方法：以讲授、演示、练习和课堂讨论相结合。

一、素描的发展及技法演变概述

（2学时）

当今的美术创作和美术教育对素描含义的理解各有所见，但作为绘画艺术来说，素描是造型艺术的基础，这一观念在美术界已成为共识。在高等美术专业的基础教育中，起主导作用并作为各种造型艺术基础的依然是素描。

“素描”这一概念是西方绘画范畴的产物，是指绘画中的单色画，是运用点、线、面、明暗艺术处理形体结构的最基本的绘画。它是一种绘画形式，更是一门科学。

欧洲14、15世纪的美术创作多的壁画为主，造型富有装饰时，以线描绘形体为主，往往人物和背景脱节，16世纪意大利有了美术学院，出现了正式的课堂

素描美术教学。文艺复兴时期的达·芬奇，米开朗基罗，拉裴尔以及后来的提香，他们作品解剖准确，结构关系很好，到了17世纪素描已达到了完美的境界，如荷兰的伦布朗，西班牙的委拉斯贵支等一些著名肖像画家，他们根据人物的具体特点进行艺术创作，造型、比例结构准确，画面与环境的刻画浑然一体，统一和谐，真实感人。画面人物与环境空间的处理，光的运用已成达到理想的效果。17世纪的素描已经摆脱了14、15世纪的装饰效果，形体的光色之中尚有线的因素存在，人和背景的关系也更加统一和谐，从造型因素来讲，这时期的素描和我们现在的素描有许多共同之处，已经很成熟了。绘画艺术进入19世纪，由于光学，色彩学的产生和透视、解剖学的发展，这时期产生的印象派的素描具有色彩感，并加强了画面的外光虚实的关系。

中国素描艺术的发展主要是在新中国成立以后。当时我国的素

描教学引进了俄罗斯19世纪以后的契斯恰科夫素描教学体系，要求结构准确，整体感强，有体积感、色彩感、厚重感、虚实空间感强，讲究透视，解剖关系的正确，这种方法为我国培养了一大批的优秀艺术家。但也有负面的影响，那就是形式风格体裁内容的单一性。

从美术史上来看，西方素描在基本规律，基本造型及教学规律的要求方面大体是一致的。只是由于国家、背景、风景风俗文化，以及习惯不同，因此作品的呈现的面貌也就在所不同。德国从15世纪的丢勒的画开始就比较强调结构，颜色比较单纯，以质朴、真挚和鲜明的性格的描写为其特色，力求忠实于对象，追求自我的精神感受。素描结构严谨、笔法细致，线准确有力，形象性生动传神，人物刻画都具有鲜明的个性特征，法国的素描作品在自然而然的方法中产生，强调对比关系，重视人物情感和动势的描绘，线条优美轻重颤动的线条表现出音乐般的节奏感和装饰性，色调和谐透明，画面有一种理想与虚构的现象，而意大利的素描艺术结构和谐平衡，善于用明暗渲染塑造形象，善于表情和心理特征的描写，构图巧妙，刻画人物形象精确入微，素描手法灵活生动，有的轻快流畅，有的大胆，豪放，均以其自然、纯朴、与和谐引人入胜。

中国的白描，实际上也是一种素描，它主要是运用单色线条来表现中国画家对物象的心理感受，重在形体本身的结构，着重研究由这些结构所造成的物象精神实质，在表现物象时，白描基本上排除从固定的兴源出发或条件色出发的西洋素描观察表现法，以笔墨放笔直取，形成了中国画以白描为造型基础的审美特色。

线描是一种最能直写胸臆，抒发情感和体现个性特色的表现方法，它简洁概括而又变化无穷。

具体说，线描在画面上呈现的线条不但能够描绘形象，而且还有着各种不同的美感，它在我们生活周围中的许多物象上随处随时可见，并且因物而异，千变万变，线条的运用和美感又因人而异，这包括了两个方面。一是画家因时代、地域、种族性格、气质、素养、年龄以至境遇上的不同，在线条运用的方法与效果也会不同，即使采用同一种方法进行描绘，其线条所体现出来的情味也不会如出一辙地雷同，足见线条之奇妙莫测了。二是被描绘的对象因时代，地域、种族、职业、性格、气质、素养、年龄、体魄、境遇以致兴趣爱好不同，就会形形色色、千差万别，而成为画家们无穷无尽的研究课题，所以线描这一艺术领域无疑是画家们可以纵情翱翔的天地。

中国画注重飞动姿态之节奏和韵律的表现，这内部的运动，就是用线纹来表达出的物的骨气（见宗白华著《美学散步》）其所追求的是“一种建筑的形线美，音乐的节奏美，舞蹈的姿态美。”而节奏美，姿态美有赖于形线美方能体现出来，形又须由线来表达，所以归根结蒂还须研究线条的美感，线的特性和线的规律，这正是中国绘画的一大特点。也是线描技法本身的研究核心，这一认识对于从事中国人物画和教学的人来说都是十分重要的。

今日高校的素描教学一般是通过临摹优秀素描作品和通过石膏写生（几何形、人物）；静物写生、头像写生、半身像写生、全身像写生、人体写生等几种形式来完成的，时间上分为长期素描和短期素描、方法上有临摹、写生默写、记忆等。素描是美术教学中的一门重要的课程，也是一名绘画工作者修身要学习和使用的一种绘画形式，学习素描艺术要具有顽强的精神，持之一恒的能力。

素描教学可分为再现性和表现性训练。再现性素描包含造型艺术应具备的一切基本规律，如透视、解剖、光影、空间、质感、量感。形式上有物理形态、数字基础结构关系、几何形式，把透视空间、光影和色阶、质感机理解剖和结构作为表现客观对象的要求。表现性素描是深入到物休内部分析理解物体，通过节奏感受，形态转换，主观处理，进而上升到一种精神领域，使物体本质得到表现。在低年级的素描学习中，通过主体对客体的介入在对客观对象分析的基础上，依据对象的客观原则逐步掌握透视、空间、质感、量感、明暗等规律，高年级的素描教学应强调表现性，学生在教师的指导下，善于从客观事物的外部表象中得到感受，然后经过理性分析，判断，唤起作画的情感，从而表现和提示客观事物的包含的深刻内容和内在本质，把一般人们看不到的东西表现出来。在素描训练时应逐步学会主动参与和取舍，面对模特时要有情感的投入和心灵的感应，不要简单地模拟和重复表现客观对象，应有感而发，以情取势，以神写形，用心灵去体验，感受对象特征和内在的心理活动，具体的强化艺术形象，抓住对象内在的韵律予以表现，赋予对象新的生命力。

在素描的学习中，对技法的掌握是相对容易做到的，因为技尖

画面上是具体的、可视的，通过实践可以掌握。而作为深层的思维活动，观察能力和审美感受是抽象的、不可见的，是不易具体传授的，只有通过一些特殊手段的训练才能使个人的感受能力得以提高。当然，在高年级的素描教学之中也不能因强调了表现性而忽视了对客观对象外在形体的塑造，对人物基本形体的了解和塑造是最基本的，也是最直接的表现形式。只有在充分了解了对象的基本形体后，才能在所认识的基础上进行夸张、变形，将自己的感受投射到作品中，这是从外到内的，从感性认识到理性认识的升华过程。

素描的学习训练应与现实的生活紧密相连。让学生的目光从画室转向大千世界，把课堂中的素描教学感受与外面的世界联系起来，让学生感受现实世界鲜活的生命力，从而跳出以往经验式的概念，寻找物象本身的特性。这样可以提高学生感受可视世界的兴趣，发掘生活的意义。教师要给学生提供大量的生活实践空间，逐步让他们把课堂作业与课外作业相联系，进而产生创作意向，使素描体现出自身的价值和意义。

当今的绘画艺术呈现出多元化趋势，对艺术风格和形式上的探索更加活跃多样，我国素描教学从理论上到实践都有待于同行们去进一步的发展和完善。

思考题：、当代中国绘画与素描的关系？

2、中国画是否需要西画素描？

第五篇：高二美术 第五课 古代人物画教案

广东省河源市龙川县第一中学高二美术 第五课 古代人物画教案

教学目的

通过讲解本课，使学生对中国古代人物画的艺术特色有一个全面的认识。在不断的提高学生鉴赏能力的同时，注意寓思想教育与审美教育之中，激发学生热爱祖国优秀传统文化的热情。

教学重点：

着重欣赏分析《泼墨仙人图》及《清明上河图》,精辟地讲述中国古代人物画的艺术特色,并将审美教育与思想教育融为一体.教学过程:

一、导入

二、讲授新课

1、古代人物画在表现形式上的主要特征：以线描和装饰的色彩塑造形象，注重人物精神刻画。

2、A、B、线描的发展过程

战国时期的线描只是表现了物象的轮廓如《龙凤人物图》。

魏晋南北朝时，随着文人画家的出现，其线描在体现造型功能的同时，还具备了更大的表现性，并参透出画家自身的审美追求。如东晋顾恺之的《女史图》。已能比较准确地运用绘画技巧表现出各种人物的身份和特征。

C、实。

3、欣赏分析《韩熙载夜宴图》 唐代时，其线描能根据不同物体质感，变化力度与速度，风格趋于稳练坚A概述此图的创作背景及艺术特色。

B以听琵琶曲一段为例，详细分析其在构图处理以及人物刻画等方面的艺术特色。提问：在这段画面中，作者是如何安排构图和人物的？为什么要这样安排？最后教师小结。

C对于后三个片段，采用略讲的方式进行。第三段画宴会间的休息场所，既符合生活的真实，也是整个画卷节奏的一个间歇。这样处理，使全卷有动有静，产生节奏感。第四段是听多人合奏，内容与第一段似有重复，但处理手法并不雷同。第一段是众人听一个人演奏，而第一段却是韩熙载在听好几个人集体演奏。特别值得注意的是，在这一段收尾出画了一对男女隔着屏风对话的情节，从而使画面很巧妙地过度到最后一段：送别。

D总结此画的艺术特色。（1）、构图

（2）、对韩熙载形象的刻画（3）、用线与用色

4、赏析《清明上河图》（1）、概述此画的时代背景（2）、欣赏全画

（3）、小结其艺术成就，特别是它在思想内涵和反映当时经济、文化等方面的文献价值。