新古典主义美术[合集]

第一篇：新古典主义美术

西方美术流派

——新古典主义

体图音

林进富

2015-513 教学目标

1、知识与技能

了解和认知新古典主义画派的基本风格特点，理解它们在造型、用色、用笔等方面的不同之处。

2、过程与方法

通过作品的分析比较，达到能对绘画风格进行评述，并表达自己的见解的目的。

3、情感态度与价值观

通过对新古典主义相关知识的学习，增进对美术作品进行欣赏和了解的兴趣，激发懂得艺术、乐于学习艺术知识的热情。同时，学习新古典主义画派画家，在艺术上进行大胆创作和表现的精神。教学重点：

新古典主义画派的基本风格和特点。教学难点：

自主评述新古典主义艺术风格。教学过程

一、导入

教师：上课，同学们好；坐下 课件展示

聆听新古典音乐（女子十二坊），引导学生仔细观察四幅画的区别，试着概况它们各自的艺术特点。

师问题：你所看到的作品在艺术风格上有何不同？分别给你怎样的感受？ 学生回答，教师在学生回答的基础上进行引申。

二、讲授新课

（一）新古典主义产生原因

一方面起于对巴洛克（Baroque）和洛可可（Rococo）艺术的反动，另一方面则是希望以重振古希腊、古罗马的艺术为信念。新古典主义的艺术家刻意从风格与题材模仿古代艺术，并且知晓所模仿的内容为何

18世纪下半叶，法国资产阶级和封建贵族之间的矛盾日益尖锐，一场巨大的革命运动即将来临，渴求改变现状的法国民众对散发着没落贵族气息和华丽脂粉的“罗可可”艺术越发反感。他们都期待庄重严肃的新艺术风格作为宣传革命号召人民的有力武器希望艺术能够发挥培植人们的斗争勇气。资产阶级从古希腊，罗马的历史中找到适合他们作为行动典范的共和主义英雄题材，来为当时一触即发的的法国大革命服务。

18世纪中叶,德国美学家温克尔曼发表了《古代艺术史》一书大力宣传古代社会的纯洁，静穆，提倡古典美的艺术思想。他说：“艺术应追求高贵的单纯和静穆的伟大”

1748年,庞贝古城的发掘,使壮丽辉煌的古代艺术展现在人们面前，激起人们对古代文化的向往和崇拜在思想界，古典精神成了美的最高标准，法国因此掀起了一股学习研究古代艺术。

（二）新古典主义美术的特征 新古典主义美术以希腊，罗马的艺术为范本，主张以古罗马神话和英雄故事为题材。 强调市民英雄主义艺术表现方面

 强调理性秩序，忽视感情，个性的表达。 重视素描而忽视色彩的表现

 讲究艺术形式的严谨完整，体现一种庄严典雅的风格

（三）欣赏作品

1、欣赏《马拉之死》

1793年雅各宾党领袖马拉被右派暗杀，激起了革命者的极大愤怒，为了声讨敌人，大卫怀着无比悲愤的心情在马拉被害三个月后赶制作品《马拉之死》忠实的记录了这件历史悲剧《马拉之死》是大卫的传世名作，马拉是法国资产阶级革命时期雅各宾派的领导人之一。法国大革命期间，他撰写过很多抨击封建专制的文章，在当时人们心目中享有很高的威望。为了革命工作，他常常躲在地窖里，染上了湿疹。为此他每天得花几个小时躺在浴缸里，一边治疗，一边处理公务或进行写作。右翼保皇党分子夏洛蒂*柯黛以申请困难救济为名，潜入浴室，将其杀死在浴缸里。据说大卫在马拉被刺死的两小时后就赶到了现场，并被眼前的惨状所震惊。马拉的死使巴黎的人民无比悲愤，有个叫希尔的代表高呼大卫用他的话比为马拉报仇，三个月后，大卫的传世之作《马拉之死》诞生了。

这幅画构图单纯明确，也没有使用繁多的色彩，方柱形的木箱在画面上占着一定的位置，像纪念碑一样，起着稳定构图的作用。木箱上放着墨水，纸和笔，木箱正面有题字：A MARAT.DAVID（献给马拉。大卫），大卫有意将画面的上半部分处理的单纯、深暗，以突出下半部的客观写实表现。同时加强死者身体的下垂感和这一令人震惊愤慨的事件给人们带来的压抑憋闷及莫大的悲痛之感。画面的背景是暗淡和低沉的，光线集中在马拉身上，这这种明暗对比的手法，使马拉的形象具有了纪念碑雕刻的立体感，画面营造了一种肃穆宁静的气氛，通过仔细观赏，我们会发现整个画面色调是偏绿的，绿色是和平之色，是人们极其喜欢的颜色，这些简洁，严谨，明晰，理智的表现手法以及深入。具体，真实，再现的刻画，都反映了大卫对马拉的无比敬重与哀悼之情，同时，也反映了法国大革命期间，古典主义的盛行以及人们渴望追求一种世道所需要的理想英雄主义精神，《马拉之死》成为了大卫的传世的杰作，大卫用画笔唤起了人们单纯质朴的感情和坚贞的正义感，使马拉的形象永远活在人们的心中。

法国诗人波德莱尔曾经如此写道:“这是大卫最伟大的作品，看不到任何无价值的琐碎，有的只是令人惊讶的技法与芬芳扑鼻的崇高理想．大卫以很快的速度作出此画，混合表达了剧烈的苦痛与极端的温柔绘出一个飞舞在冰冷墙上凄凉气氛里如同棺材般浴盆中的灵魂”

2、安格尔的《泉》赏析

这幅画出自让•奥古斯特•多米尼克•安格尔，是在安格尔76岁时画的，安格尔是古典主义绘画的末代风流画家，吸收文艺复兴时期前辈大师的求实的技巧，使自己的素描技巧发挥到炉火纯青的境地。《泉》这幅画则反映了他对“精细的造型手段创造一种抽象的古典美典范的必要性”的认识。

安格尔并不是生硬地照搬古代大师的样式，他善于把握古典艺术的造型美，把这种古典美融化在自然之中。他从古典美中得到一种简炼而单纯的风格，始终以温克尔曼的“静穆的伟大，崇高的单纯”作为自己的原则。《泉》是安格尔影响力最大，最不朽，也最具代表性的作品，这幅画的主体虽然处于画面的中心，但是由于画面的富于变化使得整幅画有了一种独特的美。在色彩上以背景的深色调和主体得浅色调对比，但是并不强烈，而是有了一种过渡的美。在人物的个性体现上，把姑娘的面容与水罐那空无一物的“脸”放在一起加以比较，就更增加姑娘的面容的吸引力；画中盛水的罐子开着口让内部的水自由地流出，而姑娘的嘴和人体的会阴部却是紧紧闭合的，这是对处女所特有的那种拘谨而又开放的性格特征的强烈暗示。这幅画的主旋律就是表现这一性格特征。那紧紧夹在一起的双膝、与头部紧紧贴在一起的右手手臂以及那紧紧握住的双手都表现了处女的羞怯和拘谨，而这种羞怯又被整个身体的裸露抵消了。画中那个姑娘优美的身体曲线又与水罐里面流出来的直线性的水柱形成强烈的对照，这也很好地表现了姑娘的生命活力。

安格尔在裸女上所寄予的理想，是“永恒的美”这一抽象概念。究其实，乃在于寻求以线条、形体、色调相谐和的女性美的表现力。而《泉》，则进一步反映了画家对美的一种全新观念，那就是他深深觉得用精细的造型手段创造一种抽象的古典美典范的必要性。76岁高龄的安格尔，终于在这一幅《泉》上，把他心中长期积聚的抽象出来的古典美与具体的写实少女的美，找到了完美结合的形式。

（四）讨论：

试着从造型、色彩、构图、题材方面分析这幅作品。

1）题材：描绘现实斗争中的重大事件和英雄人物，紧密配合现实斗争，直接为资产阶级夺取政权和巩固政权服务，具有鲜明的现实主义倾向。因此，新古典主义又称革命古典主义。2）构图宏大，场面壮观，强调平稳性和完整性。

3）造型：人物形象精准如雕刻一般，轮廓立体分明，注重素描，突出对材质细节的表现。4）色调深沉厚重、富丽堂皇，给人和谐、宁静的感觉。

（五）练习：

欣赏《奥松威伯爵夫人像》（可略） 《大宫女》

 《里维埃小姐像》  《土耳其浴室》 试一试：

注重造型方面和轮廓，注重雕塑般的人物形象，其画风庄严、单纯、理性。色彩方面：较为优雅。构图方面：强调完整性。

主题方面：多选择重大历史或社会题材。

六、课后作业（拓展）

.你还知道新古典主义的其他画家吗？收集相关资料，为大家介绍他们的绘画作品。

七、板书设计（见上）

第二篇：新古典主义美术论文（范文）

新古典主义美术

——浮华浪潮后的返璞归真

钟婉仪

文学院

1005010138

摘要：新古典主义产生于18世纪中期，在19世纪上半期发展至顶峰。新古典主义一方面力求复兴古代审美，强烈追求古典式的宁静凝重和考古式的精确，尤其是古希腊罗马时代的庄严、肃穆、优美和典雅的艺术形式；罗可可艺术风格。创造了诗人人耳目一新的风格，古典主义艺术的发展历史和代表人物安格尔与沃特豪斯及相关作品进行论述。

关键词：新古典主义；艺术；安格尔；沃特豪斯；

一、古典主义兴起

随着洛可可艺术作为十八世纪的主流艺术随蓬巴杜夫人的死去而盛极渐衰，艺术家们对这种脱离宗题材单纯追求感官乐趣、代艺术。洛可可艺术退出历史舞台，被新古典主义艺术所代替。新古典主义，是对巴洛克和洛可可艺术的反动，刻意从风格与题材模仿古代艺术。而新古典主义又不同于排挤了抽象的、脱离现实的绝对美的概念和贫乏的、缺乏血肉的艺术形象。它虽以古代美为典范，但从现实生活中吸取营养，它尊重自然追求真实，表现出对古代文明的向往和怀旧感。新古典主义的绘画产生于法国大革命前夕，法国资产阶级推崇古典风格，推行古希腊、罗马的艺术语言、样式、题材、风格，是为其达到喻古讽今的目的。由于与法国大革命的密切关系，赋予了古典主义以新的内容，使得许多艺术家能够突破古典主义的程式束缚，创造出一些具有现实意义的作品，因而新古典主义又常被称为“革命的古典主义新古典主义绘画以文艺复兴时期的美学作为创作的指导思想，新古典主义美术的特征是：选择严峻的重大题材非感性的表现；在构图上强调完整性；在造型上重视素描和轮廓形象,而对色彩不够重视。新古典主义被和异国的热烈憧憬和官能性的倾向国一度也流行”本现代美术中,维安是法国最早的新古典主义画家复古希腊艺术的朴素、庄严。由于他的才能和个性的局限，他没能实现艺术上的根本变革。

19世纪法国绘画艺术取得了压倒一切的地位，受理性主义美学的影响，18”。

19世纪的学院派视为典范另一方面它又极力反对贵族社会所推崇的巴洛克和这时期的艺术成就在西方美术史上具有重要意义，风格绮丽繁复、以重振古希腊、(古代历史和现实的重大事件,也构成浪漫主义美术的先驱。在斯托拉时代的德”这一概念,他试图反对情欲的、过分雅致的艺术，力求恢 脱离现实的艺术产生不满，古罗马艺术为信念。17世纪盛行的古典主义，它),在艺术形式上,长期成为正统。但同时又由于它对远古,但内涵则异样。在埃及美术﹑现代建筑和日

本文就新

主张复兴古新古典主义，新古典主义的艺术家,强调理性而,注重雕塑般的人物是兴起于世纪的罗马，并迅速在欧美地区扩展的艺术运动。新古典主义艺术也常借用这一名称指某种追慕古典的美术样式。

二、安格尔——法国新古典主义画家

安格尔追求一种永恒的、纯粹的美。他对艺术形式进行了大量的深入研究，认为最美的线条是曲线，最美的形体是带圆弧形的形体。因为柔和的圆弧线在人的心理视觉上不受任何阻力，故能引起舒适的快感。安格尔提出“素描包含了色彩以外的一切”、“素描是真正的艺术”之说。他十分重视素描，较看轻色彩，在作品中着眼于线条和素描关系。他的油画突出表现在有严谨的素描关系和形体结构，笔法细腻，画面光润洁净，有令人惊叹的优雅效果。安格尔认真学习和继承传统的古典主义艺术，在素描、形体、线条等造型手段方面加以升华，成为古典主义艺术的集大成者。人们公认他的艺术是传统古典艺术的结晶和最高成就。

安格尔在女性裸体上找到了这种理想的典型，所以大量描绘圆润饱满富有曲线美的女裸体。他常常描绘各种浴女或东方情调背景下的女人体，这些人体有着润泽的肌肤，富于肉感的形体，带有较浓厚的异国情调。例如《泉》、《大宫女》、《土耳其浴室》等，在这些女性人体作品中寄予了他所有的古典理想美。

安格尔非常崇拜并极力维护古典主义艺术原则，追求严谨的构图，准确的造型，微妙的明暗变化，清晰的轮廓，精细的用笔等，但从他的大量作品中可以看到，其艺术实践同他所一心追寻的古典艺术原则并不完全一致。例如他在《土耳其浴室》、《大宫女》等作品中表现出对异国风情的好奇心与向往，对东方题材和中世纪传奇故事的极大兴趣。这实际上正是符合当时流行的一种浪漫主义的情调。他的作品还常常带有较多的个人色彩和不符合古典规范的夸张变形，如《大宫女》中拉长的脊背，可见安格尔所倡导的古典主义，由于时代的变通，已不可能同拉斐尔或普桑时代的古典艺术原则完全一致了。19世纪初的新古典主义不仅带有这个时代的印迹，而且带上了更多的艺术家个人风格的追求。

安格尔作品《大宫女》赏析

安格尔的艺术“清高绝俗，庄严肃穆”，这一切可以通过他的重要作品《大宫女》体现出来。画中，安格尔放弃了很多不必要的细节，在这幅画上，比例、色彩像数字一样按一种奇妙的秩序排列着，华丽而不失平和。故意拉长的身体，似乎体现了一种古希腊雕刻的肃穆庄严的美感。艺术并不是盲目地复制现实，而是对倾入全部感情的生活中绽放的精神之花的倾力表达。这是一种美感，不需要任何理由。齐白石说作画“妙在似与不似之间”，在形体脱开世俗的桎梏之后，精神才会完满。这也表现在他的很多绝妙的素描之中。比如他为小提琴家帕格尼尼画的一幅肖像，精简而不失气度，摒弃了日常光线在视觉中的假象，把阴影和调子减少到极至，内在的形体和神采才能辉映于方寸之间。

安格尔画的女体令人联想起文艺复兴以来西方的人体画传统，但是画中女子的打扮并不是一个典型的西方人，她包着土耳其头巾，手拿孔雀羽扇，就连衬景的绸缎也散发着异国的光彩。从题目中知道，这画的是奥斯曼帝国的宫女。在西方人的脑海里，妻妾成群的宫女是东方社会原始的标志，但同时她们又具有神秘的吸引力。安格尔毫不掩饰，甚至极力夸张女人体感官上的魅力，同时又极其冷静、富有克制力地将它表现出来，恰好为观众的视觉与欲望之间提供了适当的安置。

这幅画在巴黎展出时，引起了观众更大的抨击。人们说，作为达维特的学生，安格尔走得太远了。《大宫女》就严格的古典风格去要求，确实存在很多“越轨”之处，首先，背景上很强的蓝色和裸体肌肤的黄色，以及人体的明暗和粉红色调极不谐调，其次是前面所说的夸张了的形体，这个女裸体几乎成了变形美的一种试验，评论家德·凯拉特里曾说：“他的这位宫女的背部至少多了三节脊椎骨。”然而安格尔的学生说：“他可能是对的，可是这又怎么样呢？也许正因为这段秀长的腰部才使她如此柔和，能一下子慑服住观众。假如她的身体比例绝对地准确，那就很可能不这样诱人了”。安格尔的学生杜瓦尔为此曾竭力为他作辩解，他说：“我并不想说，安格尔先生是个浪漫主义者。但我也要肯定，他从来不是当时所理解的那种意义的„古典主义者‟。”安格尔似乎在女体画上显示了自己在自然面前的独立性，如安格尔另一幅著名油画《泉》，画中举起陶罐的少女上肢的姿态并不符合人体的动态规律。安格尔为了使少女的动态看起来更美，为她编造了这样一个不可能存在的动作。但由于安格尔的美学信念的坚定性，这里的表现反而给人们造成对他的见解的模棱两可性，攻击与批评是在所难免的。从历史的角度去认识，安格尔具有他的探索勇气。

三、沃特豪斯——英国新古典主义画家

沃特豪斯是英国新古典主义与拉斐尔前派画家，皇家美术学院会员，他并非十分典型的新古典主义画家，带有唯美主义的特征，古典主义作一个比对和了解。沃特豪斯以其用鲜明色彩和神秘的画风描绘古典神话与传说中的女性人物而闻名于世。沃特豪斯被认为成拉斐尔前派画家，因此偏向于新古典主义，后来受伯恩琼斯，但丁义。

作为反对维多利亚时期社会流行的秀媚甜俗和空虚浅薄的匠气艺术员，他向往回归文艺复兴初期画出细腻而生动朴实形象、沃特豪斯的作品多以神话，历史故事，文学作品为题材，画风清新自然，带有神秘色彩，但比拉斐尔前派的画家的作品更有世俗性。大的兴趣，他的绘画构成以雅致见长，极富浪漫主义的特质。获取滋养，创作出具有中世纪梦幻般神秘感和宗教情绪的作品。前派作出了独到的贡献，其璨璨光辉的绘画技艺使他载誉当时英伦画坛。

沃特豪斯笔下多是纤瘦优美的少女，在神话与传说中带有悲剧色彩的女性，起画作中的少女表达了浓郁的情感与情绪，她们时而忧郁，时而自怜，时而欢乐，时而悲伤，她们对未知命运的产生渴望与忧虑，惑者的象征，又具有少女纯洁的情感和柔美的容貌，剧。沃特豪斯在神话上除了画塞壬和女巫色茜一类的女人，米涅瓦或狄安娜。可以看出，的女神。正因如此，在他晚期作品中，除了《春光时刻》组画，如《五叶银莲花》和《三月风》等，还画了《珀涅罗珀和追求者们》

作画风格上，沃特豪斯喜用花朵与青草树木等自然物衬托女子的美丽，在他的作品中，少女们采摘花朵，在田园中沉睡、奏乐，微风徐徐，唯美动人。他也喜欢描绘女子细微的小动作和小情绪，如梳妆、拨发，闻嗅花香、面对爱情的羞涩、孤傲种种，画面色彩明丽，神秘优雅，风情万千。沃特豪斯笔下的女性有着古典的韵味秀雅清纯的妙龄女子，《夏洛特女士》

本文选取此画家是为了对其风格的创新与正统的新.和《纯洁的罗萨蒙德》,构图极为典雅。感情真挚、从古希腊、罗马的古典神话中 沃特豪斯的绘画对拉斐尔化身少女的女妖一方面作为诱还多画普赛克，等画，,意大利式的典雅的画家中的一 风俗显露出极

导致灾祸的悲但从不画维纳斯、,人物形象又多为

但事实上并非如此。沃特豪斯早期受达德玛和列顿影响，罗塞蒂等人影响，便倾向于拉斐尔前派主色彩强烈的风格。他对东方神秘文化和宗教、蕴含着细腻敏感的精神力量。她们对爱情产生的萌动，他虽然同情被压抑的女子，但也不喜欢维纳斯这一类风流多情流露出对贞女的赞美。其色调含蓄和谐

真正使沃特豪斯惊动社会的作品是《夏洛特女士》，这是完全用英国人的流行情感构置的图像，题材选自丁尼生的长诗。原意是在夏洛特这个地方有一位美丽女子，她被神困居在一个古堡里，她只能通过窗户投射进室内镜子里的影像欣赏心中的偶像兰西罗骑士。只要从窗户往外看，她就要被毁灭。为了消磨自己，她每天纺织不止。有一天实在忍不住向外看去，厄运降临了，镜子破碎，丝线缠住了她，随后她被神示载往死亡之地。画面表现了夏洛特女士正坐在船上驶向死亡。它带有一种神秘而浪漫的色彩.丝丝的凉意爬上暮霭中的湖面,深绿色 的树丛和远山.折断的水草,惊飞的小鸟,船头上将要熄灭的蜡烛和有基督受难的十字架,全都预示着神秘的不幸事件既将发生.黑色的小船及倒影衬托出垂在船边的金黄色与玫瑰色相间的织毯,一位金发女郎悲戚地坐在小船上的最后时刻.整幅画最动人的是姑娘悲伤的美形象，她集感伤、神秘、疏离、飘逸于一身，既吻合了维多利亚的压抑情感，又具有难以表述的空蒙悲凉意象，众多的细节象征也符合流行趣味。作，一种孤苦的自恋情愫在其作品中流露出来。《许拉斯和山林水仙女》是一幅诗画交响曲，是英国唯美主义美学完美体现。沃特豪斯的这幅画取材于希腊神话阿耳戈众英雄远航遇险的故事，汲水而被众水仙拉下水淹死。沃特豪斯描画了仙女们从睡莲池塘里探出洁白的身体渴望着他，这不是拉人下水，分明是轻挽柔抱，脉脉情深，亦真亦幻，观者会默然凝眸。此画多次外出展示并广泛印刷，成为２０世纪西方追怀理想主义艺术的代表作。望地描绘着他钟情的充满幻梦色彩的传说故事，脚者。

新古典主义被赋予了与古典主义不一样的意义，它虽以复古为名义，却融和了这个时代画家的个人想法和对美学的观念，而题材也从古罗马、家们对“美”的探究各不相同，脱离学院派的传统桎梏，追求更为自由的美的表达，是我认为这一时期的作品特征，从法国新古典主义到英国新古典主义，纯地打动了我，他虽然选择古典的题材，典雅的构图，符。跳脱出文艺复兴前古罗马希腊艺术的严肃和对人体的理性规定，和故事生动地置于人物之中，使我产生了共鸣和思考：美并不只限定在表象，美好的人体、五官或者细腻纹理，而是画家赋予画作的故事背后的情感美、漫主义的兴起，抒发了后期浪漫主义对情感的强烈表达。,正轻轻解开小船的铁链,使人久久难以忘怀。这是一个以前少有的孤凄此画也是沃特豪斯艺术基调的开启之

是说英雄少年许拉斯在途中去河边成为英国乃至世界画坛上文学作品的最好注古希腊神话到异域风情，在某些方面并不与传统的古典主义相人性美。,准备躺下,度过她人生沃特豪斯一生充满热这一时期画这种情感美带动了浪沃特豪斯表达情感的画作单他的画作所赋予的情感

第三篇：新古典主义与浪漫主义美术的比较--论文

新古典主义与浪漫主义美术的比较

摘要： 新古典主义指古代希腊罗马艺术，或者是以古代希腊罗马艺术为典范所体现的美学观。浪漫主义的兴起与英国的产业革命直接相关。18世纪后半期机器代替了以农业为基础的手工业作坊式的生产，人们开始从繁重的工作中解放出来。这种空前的变化促进了人们思想的大解放，对已农业为基础的重商主义的绝对君主专政做出新的评价。这种浪潮由英国迅猛地波及整个欧洲，冲击着各个领域，具体到文艺上来便是浪漫主义的诞生。而新古典主义与浪漫主义美术有各自独特的风格。新古典主义力求恢复古希腊、古罗马古典美术的传统，多取材于古希腊神话和古罗马的历史故事，在艺术形式上，注重造型的对称、和谐的构图，强调理性秩序，忽视感情、个性的表达，追求单纯、庄重而又典雅的艺术风格。在技巧上，新古典主义绘画强调精确的素描技术和微妙的明暗色调，而忽视色彩的表现。浪漫主义注重以现实事件为题材，强调人的激情与理想追求，张扬个性精神和思想解放，强调感情与幻想。强调大胆强烈的运动与构图，饱满充实的色调和流畅激动的笔触。

关键词：新古典主义、浪漫主义、比较

18世纪50年代至19世纪初风靡西欧的美术样式。它力求恢复古典美术(主要指希腊美术和罗马美术)的传统,强烈追求古典式的宁静凝重和考古式的精确,受理性主义美学的支持,大量采用古代题材。与衰落的巴洛克美术﹑罗可可相对,它代表着一股借复古以开今的潮流,并标志着一种新的美学观念。从某种意义上说,它是与启蒙运动和理性时代相适应的美术样式。西方对于古典美术的关心早在18世纪初就已出现,特别是一些意大利文化遗址,如1748年庞培故城被发掘后,美术家对古典美术非常向往,常去希腊﹑小亚细亚去考察旅行,从而新古典主义获得发展。新古典主义产生的原因有两方面：

一、以农业为基础的重商主义的君主政体。

二、考古发现与科学研究的推动。

古典主义是资本主义得到了进一步的发展，实力上不足以推翻封建主义，封建主义也无力把资产阶级镇压下去，二者值得相互脱节的暂时平衡。但二者的妥协并不意味着资产阶级不想夺取政权以利生产力的进一步发展。一旦资产阶级的实力更加强大，必然要向封建的生产关系挑战，对旧制度发起进攻。这种趋势反映到文艺上来便是浪漫主义的兴起。浪漫主义的兴起与英国的产业革命直接相关。产业革命在17世纪

或更早已经悄悄地开始。18世纪后半期英国的瓦特发明的蒸汽机以被广泛利用，机器代替了以农业为基础的手工业作坊式的生产。人们开始从繁重的工作中解放出来。这种空前的变化促进了人们思想的大解放。敢于打破一切传统，蔑视任何权威，对已农业为基础的重商主义的绝对君主专政做出新的评价。这种浪潮由英国迅猛地波及整个欧洲，冲击着各个领域，具体到文艺上来便是浪漫主义的诞生。浪漫主义的“ 浪漫 ”在英文中为“空想”、“幻想”、“爱情”、“小说”等含义；作形容词则为“离奇古怪”、“荒诞不经”。但不论作名词还是形容词都具有“理想”的含义，所以浪漫主义又可称为理想主义。

新古典主义美术风格：新古典主义在画面构成上，静态构筑比动态构图受到重视；类型的姿态比有个性的相貌受到重视。技法上，线描比色彩较被重视，理性的事物比起感官的事物，普遍的事物比特殊的事物较被喜爱。新古典主义，主张艺术必须与科学同等对待。在实际创作时，连建筑背景都必须具备考古的正确性。新古典主义力求恢复古希腊、古罗马古典美术的传统，多取材于古希腊神话和古罗马的历史故事、在艺术形式上，注重造型的对称、和谐的构图，强调理性秩序，忽视感情、个性的表达，追求单纯、庄重而又典雅的艺术风格。

浪漫主义美术风格：注重以现实事件为题材，强调人的激情与理想追求，张扬个性精神和思想解放，强调感情与幻想。强调大胆强烈的运动与构图，饱满充实的色调和流畅激动的笔触。浪漫主义美术是一种强调个性表现、主张创作自由、重视想象和感情的美术。在许多方面，它同崇尚严谨的完美形式、追求理智与感情统一、再现普遍人性的古典美术形成了鲜明对照。浪漫主义宗旨与“理”相对立，主要特征注重个人感情的表达，形式较少拘束且自由奔放。浪漫主义手法则通过幻想或复古等手段超越现实。浪漫主义在绘画上，是与以官方学院派为代表的古典主义相对立的，其表现特征是：注重感情和个性的表现，重色彩对比，主张创作自由、个性解放；强调热情奔放的性情抒发，善用象征、寓意、夸张、对比等手法，选择特殊事件、生活悲剧、奇特人物和文学作品中的故事情节作题材，情绪激越。

新古典主义与浪漫主义美术的比较：新古典主义美术的出现是以对抗日渐颓靡的洛可可艺术和崇拜古典艺术为前提的。新古典主义美术在题材、形式、风格上都以古希腊罗马艺术为榜样，特别是以古典雕塑为范本，重素描，讲究构图严谨、造型精确，强调理性，创造了一种古朴、典雅、高贵和凝重的风格，体现了当时新兴资产阶级企图建立新的理性和秩序的审美要求。浪漫主义美术是在反对官方学院派和新古典主义的顽强斗争中成长和壮大起来的。其表现特征是：强调个性与主观感情、求新求其、扩展色彩的表现力，主张创作自由、个性解放和艺术独创，强调艺术幻想和激情，善于运用象征、寓意、夸张和对比的手法。在浪漫主义者笔下，艺术不仅能表现典雅和优美，还可以表现丑陋和怪诞、痛苦和不安。

新古典主义美术最典型的代表人物大卫的第一件成功的作品是在罗马完成的《荷拉斯三兄弟的誓言》。画中大卫恰如其分地运用简明朴实的视觉手段，传达了崇高的古罗马精神与爱国主义的内容。

另外大卫还有一些表现现实题材的作品，如《马拉之死》。画中展现出大卫塑造躯体和肌肉的筋腱，赋予躯体外形高贵的美，力求单纯，画中没有斑斓的色彩，没有复杂的透视缩短。在《马拉之死》中没有渲染死亡的痛苦，而是用精炼朴素的语言表现马拉生活的简朴和工作的勤奋，表现他伟大的现身精神。

浪漫主义美术的代表人物法国画家德拉克洛瓦的代表作品是《希阿岛的屠杀》，被认为是向古典派的一次挑战。

作品以热烈丰富的色彩、明暗强烈对比的效果和人物精神紧张的态势，生动的展示了人类的悲剧，在正义与邪恶、美与丑的有力对比中，鲜明地体现了德拉克洛瓦的感情与立场。

结论：新古典主义美术与浪漫主义美术有着很大的不同。新古典主义美术在题材、形式、风格上都以古希腊罗马艺术为榜样，特别是以古典雕塑为范本，重素描，讲究构图严谨、造型精确，强调理性，创造了一种古朴、典雅、高贵和凝重的风格，体现了当时新兴资产阶级企图建立新的理性和秩序的审美要求。而浪漫主义强调个性与主观感情、求新求其、扩展色彩的表现力，主张创作自由、个性解放和艺术独创，强调艺术幻想和激情，善于运用象征、寓意、夸张和对比的手法。在浪漫主义者笔下，艺术不仅能表现典雅和优美，还可以表现丑陋和怪诞、痛苦和不安。

参考文献：《新古典主义美术与浪漫主义美术的对立与融合》-李芳凝

《新古典主义美术传统美术的巅峰》-王谢燕 《世界，美术》 《美术大观》

第四篇：新古典主义样板间销售说辞

0923新古典主义样板间销售说辞 各位领导大家好：我是职业顾问XX，下面由我为大家介绍一下新古典主义样板间，这是一个三房两厅一厨一卫的设计，面积在122平米左右，首先我们看到的是入户门，对于入户门我要做一下说明，入户门在我们实际的楼房中应该在这个方向，为了展示方便，我们移到现在这个位置。

那么什么是新古典主义设计风格呢？新古典主义是经过改良的古典主义风格，经常漫长的改良从简单到复杂，从整体到局部，精雕细琢，镶花刻金都给人留下深刻的印象。

进入新古典主义风格样板间，首先看到一个长廊，这里可以做成文化长廊或者艺术长廊，作为喧嚣与家的隔离带，把外面的世界全都摒弃，回归家的温暖。

在我们右手边的第一个房间，是一个书房，这里是我们赠送的入户花园，可以根据需要改造成书房或者卧房，书房是一个人心灵休憩的地方，金银暗调的色彩、低调奢华的细节，大气的书桌及书柜彰显主人高贵的品质及独特的审美观点。

走出书房我们将看到客厅和餐厅，客厅餐厅一线贯通，良好的通风保证了室内自然的空气流通，暗色调的水晶灯，大气的黑色镶金沙发，都在向我们展示主人的尊贵身份。

客餐厅地面采用的是不同规格的波斯灰和爵士白大理石交错混拼的效果，墙面铺贴的是黑灰白的条纹墙纸，电视背景和地面遥相辉映采用的是爵士白大理石干挂的效果，沙发背景和餐厅背景全部是采用咖啡色的皮革硬包，配以银箔、镜面、线条来增强材质的变化与多样化，整体设计上简单而又大气。

厨房在装修上做到尽可能的简单，采用黑白橱柜配以镶银的仿古砖，卫生间墙地面黑白的斯米克砖混搭的风格，符合了现代人对装饰的需求。

卧室简单的复合地板，简单的条纹墙纸，摒弃了古典欧式吊顶繁复的线条，使之简单明了，家具的配饰使空间上显得丰富而又低调的奢华。

洗手间位于主卧与次卧之间。

整个房间软装以色彩较为单纯，多以黑白灰三种颜色为主，室内装修元素的线条和颜色较为简单，但不缺乏实际功效，而且会使室内空间显得更宽阔大气，高雅而和谐是新古典风格的代名词。

这就是我们新古典主义样板间，吸取了一些英伦风格的元素加以改变而成，在技术和材料应用方面进行了改革，把一些细节进行简化。特色在于：在运用时与周围环境的协调，反映出新古典个性化的美学观点和文化品味。

下面由我的同事接着为给位领导讲解园林。

第五篇：新古典主义文艺理论对法国17、18世纪戏剧与绘画的影响

新古典主义文艺理论对法国17、18世纪戏剧与绘画的影响

摘要：在现代派音乐家中，贝尔格是非常感性的一位，在他的作品里我们总是能看到超出音乐之外的象征意义。以贝尔格音乐中数字等象征意义为着眼点，探讨贝尔格音乐创作的奥秘，可以阐述贝尔格这种音乐创作特点形成的社会及个人原因。

关键词：贝尔格;音乐创作;象征意义;数字隐喻

20世纪现代派音乐中影响最为深远的乐派是以勋伯格(Aronld Schoenberg)和他的两个学生韦伯恩(Anton von Webem)和阿尔班•贝尔格(Al—ban Berg)为代表的“新维也纳乐派”。他们的作品大多属于表现主义音乐的范畴，具有强烈的不协和效果和独特的表现力。贝尔格追随着老师的创作道路，其早期作品的音乐语言属于无调性音乐创作，后期转向十二音技法创作。

贝尔格现在被公认为是20世纪最伟大的作曲家之一，他不是一位多产的作曲家，自己的前几部作品也没有编号，然而其完整作品几乎都堪称杰作，两部歌剧也在音乐史中占有重要地位。在他的许多作品中我们常常可以看到一些超出音乐之外的神秘的象征意义，然而，由于贝尔格的早逝，他的大部分遗作及手稿都被其遗孀海伦娜固守，不为外人所知，给研究者带来了很大的不便。直至海伦娜1976年去世，大量有关贝尔格的手稿及其第一手材料才逐渐为后世所知.为贝尔格的研究工作带来了丰富的资料和广阔的前景。

美国作曲家、音乐学家乔治•波尔是一位研究贝尔格的专家，他不仅潜心研究了贝尔格的两部歌剧，还于1977年从贝尔格有关《抒情组曲》的手稿中，发现了贝尔格和汉娜•福克斯一罗贝廷Hanna Fucks—Robettin)的秘密恋情以及作曲家本人对数字象征的酷爱。这个发现揭开了围绕贝尔格音乐创作的很多谜团，后来的研究者从这个角度发现了贝尔格音乐创作中对数字隐喻的喜爱以及贝尔格无法言明的情感体验。

所渭数字象征是指人们人为地将数字符号的表层结构赋予了与数字符号本身毫无关系的种种意义。数字象征手法在以往作曲家的作品中用得并不多，但是有些作曲家为了表现自己特殊的可能也是不可言语的感情，常在自己的创作中加入部分“秘密标题”的成分，如巴托克的《第三弦乐四重奏》，以及肖斯塔科维奇的《第八弦乐四重奏》中对象征手法的应用等。而贝尔格却对数字象征如此感兴趣并且多次运用，这也是在贝尔格研究中值得注意的现象。我们可以从他的多部作品中找到贝尔格对数字象征的应用，并通过这种表象深入探讨贝尔格的情感世界和历史背景对其音乐创作产生的影响。

一、贝尔格音乐创作中的数字引用

1.歌曲《闭上我的双眼》

贝尔格的一生中有许多女人与他都有恋情，其中和汉娜的恋情对他的影响最大，他的很多作品中都包含着对汉娜的暗示。汉娜是贝尔格出席在布拉格举行的第三届国际现代音乐协会举办的音乐节时经阿尔玛介绍认识的，此后两人的友谊日益加深而转为爱慕。这段婚外恋情自然不能公开，但是，为了表达对汉娜的感情，贝尔格在创作音乐的时候常常将这份爱慕之情隐藏在音乐中。

《闭上我的双眼》一共两首，第一首创作于1907年，是贝尔格早期作品的一个代表，歌曲Ⅱ创作于1925年，是贝尔格运用严格12音序列手法对字母的应用最早来源于巴赫的作品，巴赫在《赋格的艺术》中最早使用BACH的音名动机，之后这种象征手法在许多作曲家的创作中都得到的同主题的序曲等。贝尔格创造性地将这种创作手法运用到自己的音乐中，不仅如此，1925年的《闭上我的眼睛》从1900年的9小节扩大到20小节，这个变化也不是偶尔得来的，它渗透着贝尔格数字的理解。在贝尔格看来，23这个数字代表自己，lo代表汉娜，这首歌的小节数是20，这是代表汉娜数10的两倍。这首歌曲是贝尔格在其十二音作品中融入秘密含义的最初尝试，在此后的许多作品中，贝尔格将这种方法更广泛地应用到自己的作品中。

2.《抒情组曲》

《抒情组曲》题献给曾是勋伯格老师的作曲家亚历山大•冯•策姆林斯基，但是它和之前的歌曲《闭上我的眼睛》的秘密题献者都是贝尔格的情人汉娜，其内容被公认为“贝尔格秘密爱情生活的音乐自传”⋯。《抒情组曲》和之前的歌曲《闭上我的眼睛》所采用的是同一个序列，其首、尾音分别是F和B，而且贝尔格在该作品中还不断强调这两个音。

1976年，乔治•波尔发现了一本带有贝尔格亲笔注释的《抒情组曲》袖珍总谱，进一步揭开了围绕在这部作品上的谜团。在此之前，学者们然从贝尔格写给勋伯格的公开信以及其他的一些作品中知道了贝尔格某些作品的标题隐含的意义，但是，所有的发现由于没有更多的、更具体的史料论证显得“证据”不足而缺少说服力。波尔的发现打破了这种僵局，总谱上的标记清楚地表明作曲的最初尝试。贝尔格将这两首歌曲题献给维也纳环球出版社的社长埃米尔•海尔兹卡，但这首歌曲的秘密题献者都是汉娜。

在设计这首歌的序列时，贝尔格巧妙地使用了“姓名一音名”字母转换法，将两人名字运用到其原始序中。这首歌所采用的统一序列的首、尾音分别是F和B(德语中的H)，暗示汉娜的姓和名，贝尔格在创作中还常常在序列进行中强渊F和B这两个音，以表示自己对汉娜的爱慕。

例：《闭上我的眼睛》的原始序列了贝尔格自己对数字的理解。

在这份手稿中，贝尔格对一些细节作了详细的注释。作者的照片下方有其亲笔签名，标题页的上方写着这样的题献：“为了我的汉娜”。在“12音作曲这个似乎很受限制的体系允许作曲家自由地引用了《特里斯坦》的开始小节。”一句后，贝尔格补充了如下注释：

我的汉娜，它也允许我有另一些自由!例如，在音乐中秘密地插入我们名字的第一个字母，H.F.和A.B，并把每个乐章和其中的每个部分与我们的数字10和23相联系。

我在这本送给你的总谱上写下这些，其中有许多是另有意义的。

这部作品的每个音符都是为你，仅仅为你而写下的——尽管上有公开的题献。但愿它是一次伟大爱情的一座小小的纪念碑。„21

正如贝尔格所言，在《抒情组曲》整部作品中都渗透着作曲家对自己情感的暗示，而其中对于数字的暗示就更加明显。如第一章是69小结，是贝尔格数23的三倍。第二章共150小节，是汉娜数lO的15倍、第三乐章138小节，是23的6倍，第四章69小节，也是23的倍数。因此在这部作品中，贝尔格对数字的应用渗透在整部作品中，不仅在对乐章的整体布局上，对各细部的处理也是如此。

3.《沃采克》

歌剧《沃采克》的成功使得贝尔格第一次为人们所熟知，他本人从一位默默无闻的作曲家一跃而享誉乐坛。《沃采克》中所蕴含的巨大感染力和感情浓度来自于音乐和戏剧的完美处理，而在音乐中也饱含了许多象征意义，这些象征意义不像《抒情组曲》或者《小捉琴协奏曲》一样用数字表现得那么明显。《抒情组曲》中更是对汉娜二人世界的描画，而《沃采克》的象征意义更多时候是暗含在音乐之中的：贝尔格在这些作品中对于富有象征意味乐句或者动机的使用只求铭刻师生恩情或者钟情者心有灵犀，而在《沃采克》中作者使用的目的则是让更多的人能够理解象征下的巨大意义空间。【3 J

贝尔格在《沃采克/--幕一场很多的元素都由7组成，第一幕中代表开始和结束的两个主题部是由7小节组成，有7次变奏，双重赋格同样也是建立在7个音之上的主题，甚至有些动机也是建立在三幕一场的数字7的象征之上。虽然作曲家在谈到7时仅仅只是提到为了“结构的严谨”，但作拍都足7的倍数。

波尔则认为关于7的应用与作曲家更为私密的个人体验相关，卡纳认为玛丽读经一场中的7象征宗教感情，无论如何，关于数字7象征意义确实耐人寻味。有关贝尔格对于数字象征分析的方法，也许有些人认为带有牵强或者主观的色彩，是不管怎样，它也可以作为我们研究贝尔格作品的一种思路而有待于进一步的探究。

4.《小提琴协奏曲》

贝尔格在音乐创作的最后十几年中一直采用十二音技法方法进行创作，但他在这些作品中使用的技法和勋伯格、韦伯恩都有很大的不同，许多程序都带着贝尔格音乐特有的印记。在此创作过程中，贝尔格感到无比困惑的始终是如何表现标题型内涵，甚至如何在音乐中隐藏自己的秘密，而同时又要遵循老师勋伯格的十二音的作曲规则。

贝尔格的《小提琴协奏曲》被称为是“纪念一位天使”——玛农•格罗皮乌斯的安魂曲，描写的是玛农•格罗皮乌斯生病、受尽病痛折磨以及后来通过死亡而获得解脱的生命痕迹。正如《抒情组曲》所隐含的秘密程序一样，在协奏曲的乐谱上又普遍出现了有关贝尔格个人的密码：数字28、23、lo以及作曲家本人和秘密情人汉娜名字的首字母AB与HF。贯穿于《小提琴协奏曲》的一个重要因素便是数字象征，它对这部作品的结构和内涵起到了决定性的作用。

贝尔格在《小提琴协奏曲》中将数字象征运用到了登峰造极的程度，在贝尔格的《小提琴协奏曲》中主要出现了23、28和10。这三个本来用于区别事物量度关系的数字符号，都被作曲家赋予了另外的神秘含义。在协奏曲一开始“行板”的1至10小节就被明确地记录为引子(10个小节)，这与汉娜的数字相吻合，被当作贝尔格对自己秘密情人汉娜的暗示。“柔板”的变奏I和变奏Ⅱ均各有20小节，“兰德勒和克恩腾民歌的回忆”是从第200小节开始的，它与“尾声”即变奏Ⅲ相连直至第230小节结束全曲。贝尔格为何用10来象

征汉娜，学者们大多表示原因始终不详，不过彭志敏先生对一些猜测性的理解：汉娜虽然为复姓，贝尔格总是将其简称为Hanna Fuchs，这就包含了10个字母。

和《抒情组曲》一样，23这个数字在作品中也具有非常重要的意义。协奏曲的第二部分有230小节(这是贝尔格数和汉娜数的结合)，“主导节奏”首次于第23小节出现，第二部分157小节是众赞歌开始在第23小节的。其实数字10与23早就在《抒情组曲》中担当重任，该作品中多次出现的数字10与23一起被贝尔格称为“我们的数字”。仅仅从该作品的第五章来看，各个部分的小节数均为10的倍数，整个乐章是460个小节，是10乘23的两倍。

不仅如此，贝尔格在这部作品中又引人了一个新的数字“28”。第一乐章开始速度为J=56，第二乐章的开始速度为J：112，第一乐章的过渡从第28小节开始，第一乐章第84小节回到A部分，56、112、28、84分别是28的2、4、1、3倍。总之，贝尔格在第一、二乐章中使用数字28以表示女性，在第三、四乐章中使用数字23以表示男性，从而《小提琴协奏曲》整体上预先就分好的两大部分显然以潜藏的数字“28”和“23”分别暗示着“女人”和“男人”。